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Bienvenue sur notre chaîne You “Tubes” Tout vous semble normal à première ouïe !? Mais à première vue, les choses se compliquent ... En effet, ici des choses peu communes se produisent ! Tendez l’oreille… vous entendez, alors maintenant regardez car ici tout devient musique… Tout s’accorde, tout se transforme. Rien n’est jeté, tout est récupéré et c’est ainsi que les instrucs sont créés. Prêtez attention, laissez vos oreilles se perdre dans ce véritable fourbi musical et vos yeux se faire avoir par des sons trop souvent ignorés. Vous en voulez encore plus, alors venez voir le spectacle complet des Fo’Plafonds d′1h30 et laissez-vous porter par cet orchestre de brocante et son obsession de la récupération juste. Vous êtes prêts ? Alors n’hésitez plus, entrez dans cet univers …

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STOMP CLAP BUTTERFLY - CHALLENGE // Richard Filz

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l'opéra et ses zouz opéra résumé histoire simple facile expliqué opera english summary bilingual young singer story easy fun

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Un opéra, quand tu le résumes, c'est comme les feux de l'amour.

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Les sorcières dans la musique : Médée, Carabosse et Elphaba

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Chansigner le jazz, avec Marion Rampal - #cultureprime

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Comment la musique rend les sportifs plus performants ? - Culture Prime

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Boby Lapointe, poète mathématicien - Culture Prime

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La musique et les maths : une histoire d'amour

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Un deux trois piano, une playlist qui mélange piano classique et piano jazz

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Sylviane Hazard vous propose sa nouvelle playlist, entièrement consacrée au piano. Omniprésent à chaque étape de...

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Kit complet pour preneur de son nature (Chiff-Chaff/Jama) : parabole, enregistreur, casque

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Kit complet pour preneur de son nature (Chiff-Chaff/Jama) : parabole, enregistreur, casque

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Grandes contrebasses solos I - archet français

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L’écrivain Patrick Süsskind a consacré un texte entier au complexe du contrebassiste d’orchestre, immortalisé par Jacques Villeret. Mais les titulaires de ce pupitre aussi fondamental que méconnu sont loin d’être frustrés ou névrosés !

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🌿 TERRITOIRES - Season #1 A cinematographic collection of music from France to discover every Thursday on our channel! "In France, a new generation of musici...

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Au cours de cette série d'émissions, nous allons donc redécouvrir son répertoire et son parcours hors du commun.

Générique de l'émission :
Je n'en connais pas la fin
Edith Piaf en public
Document INA, 1954
(p : Raymond Asso - m : Marguerite Monnot)
DEUX EVENEMENTS A LA MEMOIRE DE GERMAINE SABLON le mardi 30 mai à 14h30 : Inauguration d'une "Promenade Germaine Sablon" au 61 rue Bruneseau, Paris 13e Inauguration d'une "Fresque Germaine Sablon" à l'école Ernest Camail, rue Anatole France, à Saint-Raphaël (Var)
Programmation musicale :

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Germaine Sablon au Musée de la Résistance

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La voix d'or de Germaine Sablon (2) : Aux origines de l'engagement

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Si pour la postérité Germaine Sablon fut en 1943 la créatrice du " Chant des partisans ", ce fait d'arme a tendance à masquer toute une carrière de chanteuse à la belle voix grave, juste et délicate, qui fit dire à Jean Cocteau : " C'est un cœur qui chante ".

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Besame, Besame mucho. Les mots se répètent, les notes aussi et dessinent ensemble une grande phrase musicale qui part des graves vers les aigus, qui s'élève comme le désir d'une jeune étudiante du Conservatoire de Mexico qui aimerait tant voir les lèvres de l'être aimé se poser sur les siennes. Mais ces phrases musicales ne montent que pour mieux retomber. Comme si, du fond de son coeur, à 19 ans, Consuelo Velazquez savait déjà que l'espoir s'accompagne parfois de déception, que la passion ne dure peut-être pas et que les histoires d'amours perdent parfois de leur éclat, contrairement à certaines chansons d'autrefois.

C'est peut-être une chanson d'autrefois qui a inspiré Consuelo Velazquez. En effet, derrière son célèbre boléro se cache peut-être une autre mélodie, plus ancienne. Un air lyrique et amoureux lui aussi, extrait de l'opéra Goyesca s composé en 1915 par l'espagnol Enrique Granados.

Comme vous pouvez l'entendre, la composition de Consuelo Velazquez est une inspiration lointaine de l'aria amoureux Quejas o la Maja y el Ruisenor , " Complainte ou la Belle et le rossignol" que Granados compose pour son épouse. Consuelo Velazquez ne garde que la première phrase ascendante de cet air pour écrire sa propre déclaration d'amour.

Le reste est pure invention et rappelle pourquoi pas une autre oeuvre classique, plus célèbre. Il s'agit, cette fois, d'un chef-d'œuvre du romantisme, à savoir du Concerto pour piano en la mineur de Robert Schumann et plus précisément du thème inaugural, déchirant du hautbois.

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Ici, le lien entre la composition de Velazquez et de Schumann peut sembler plus lointain. Dans les deux cas, on retrouve en revanche ce même élan d'une phrase ascendante, ce même romantisme, cette même fièvre qui nous permet de dire que la beauté de la composition de Consuelo Velazquez est universelle et classique et résiste au temps à toute métamorphose. Je pense à la reprises sérieuse de Nat King Cole à celle plus loufoque des Beatles ou encore plus disco mais toute aussi amoureuse de Dalida !

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Besame Mucho : de Robert Schumann à Enrique Granados

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"Embrasse-moi, embrasse-moi beaucoup", "Besame, besame mucho"... Derrière ce boléro composé en 1941 par la pianiste mexicaine Consuelo Velazquez, se cache une beauté classique qui se souvient peut-être d'un air d'opéra et d'un célèbre concerto romantique...

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Rarement considérés comme véritable argument musical, les cheveux sont pourtant une source d’inspiration pour nombre de compositeurs, de la période romantique à nos jours, en passant par l’impressionnisme de Debussy.

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Lecture

" Il n'y a pas de maîtres. Il n'y a que ces choses éternelles et cette grâce qu'il faut mériter, cette communion avec le monde sensible, si beau, qui l'atteint par tous ses sens d'homme, à son tour, son tour d'homme vivant "
Vlamink de Maurice Genevoix (1954)

Programmation musicale

Maurice Ravel : Concerto pour piano en Sol Majeur : 2. Adagio assai
Roger Muraro, piano
Orchestre philharmonique de Radio France dirigé par Chung Myung-whun
Universal Music 4764669

Maurice Ravel : Histoires naturelles : Le martin-pêcheur
Stéphane Degout, baryton
Hélène Lucas, piano
Naïve records V5209

Maurice Ravel : Daphnis et Chloé : Suite n°2 M 57b "Lever du jour"
Orchestre Philharmonique de Radio France dirigé par Mikko Franck
Concert donné en direct de l'Auditorium de la Maison de la Radio et de la Musique à Paris le 09 juin 2021

Chants d'oiseaux : Chant du Loriot / Oiseaux des falaises et barres alpines : Hibou grand-duc - male chanter puis couple parader / Un matin dans une forêt des Alpes : Concert dans une forêt das Alpes, dominé par la grive musicienne

Jean-Sébastien Bach : Partita pour flûte traversière en la min BWV 1013 : 1. Allemande
Frans Brüggen, flûte à bec

Jean-Sébastien Bach : Cantate BWV 8 : Liebster Gott wenn werd ich sterben : Liebster Gott wenn werd ich sterben (Choeur)
Collegium Vocale de Gand dirigé par Philippe Herreweghe
Harmonia Mundi HMC 901659

Wolfgang Amadeus Mozart : Quatuor n°3 en Ut Maj K 285b : 1. Allegro - pour flûte traversière et trio à cordes
Jean-Pierre Rampal, flûte traversière
Isaac Stern, violon
Alexander Schneider, alto
Leonard Rose, violoncelle
Sony M30233

Wolfgang Amadeus Mozart : Les noces de Figaro
Andrè Schuen, baryton (Figaro, valet de chambre du Comte)
Julie Fuchs, soprano (Susanna)
Gyula Orendt, baryton (Le Comte Almaviva)
Jacquelyn Wagner, soprano (La Comtesse Almaviva)
Balthasar Neumann Ensemble et Chœur du CNRR de Marseille dirigés par Thomas Hengelbrock
Enregistré au Festival d'Aix-en-Provence du 5 juillet 2021

Georges Bizet : Les pêcheurs de perles : Je crois entendre encore (Acte I - Air de Nadir)
Alain Vanzo, Ténor (Nadir)
Orchestre Lyrique de L'ORTF dirigé par Jésus Etcheverry
Chant du monde LDC 278879/80

Bedřich Smetana : La Moldau T 111 (Ma vlast)
Orchestre philharmonique d'Oslo dirigé par Mariss Jansons
Warner 190295242473/6

Arvo Pärt : Fratres - pour violon, accordéon et violoncelle
François Pineau-Benois, violon
Théo Ould, accordéon
Lisa Strauss, violoncelle
Discauvers DAS022

Acualité de Jacques Tassin

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Jacques Tassin, écologue : " Quand j'entends une grive musicienne, je suis au concert ! "

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" Il n'y a pas de maîtres. Il n'y a que ces choses éternelles et cette grâce qu'il faut mériter, cette communion avec le monde sensible, si beau, qui l'atteint par tous ses sens d'homme, à son tour, son tour d'homme vivant "Vlamink de Maurice Genevoix (1954) Maurice Ravel : Concerto pour piano en Sol Majeur : 2.

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La Castafiore, héroïne de l’opéra, qui amène la musique classique au cœur des aventures de Tintin

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Il y a 116 ans jour pour jour, le 22 mai 1907, naissait à Etterbeek un certain Georges Remi, plus connu sous le nom d’Hergé. À l’occasion de l’anniversaire du papa du plus célèbre des reporters belges, et comme nous sommes en plein milieu du Concours Reine Elisabeth dédié au chant, Valentine Jongen…

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Le bruit nous coupe de la beauté du vivant /

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Trouver la méthode et mettre à jour le modèle.
Simha Arom a travaillé dans le même campement Aka durant 26 ans pour étudier la spécificité de leur langage musical. Un chant polyphonique où chaque voix à une indépendance musicale et polyrythmique avec des figures conflictuelles soumises à des organisations métriques régulières. Mais comment transcrire une musique si complexe ?

"Ce qui m'importe c'est de montrer comment fonctionnent des organisations sonores. C'est à dire trouver le modèle incarné par la musique. La méthode consiste à leur demander : "vous allez jouer cette pièce, en enlevant des notes parce que c'est difficile à comprendre pour moi, il y en a trop". Ils élaguent jusqu'au moment où ils me répondent : "on ne peut plus rien enlever". Et là, on arrive au squelette".

Simha Arom, ethnologue autodidacte.
Sous l'impulsion de Jacques Chailley, Simha Arom entre au CNRS en 1968, il est d'abord attaché de recherche. Il gravit tous les échelons et termine sa carrière comme Directeur de recherche de classe exceptionnelle. Un sentiment d'imposture le poursuivra des années...

"Israël Adler me présente à Jacques Chailley. Il me propose de présenter ma candidature au CNRS. Très surpris, je lui réponds que je n'ai même pas mon bac".*

Programmation musicale :

Centrafrique (Pygmées Aka)
Mboloko sambe disambe
(L'antilope se balance au bout de la corde du piège)
Arc Monocorde Bbela & Malala
CD Ocora

Centrafrique (Pygmées Aka)
Chant pour le retour de la chasse
Enregistrement Simha Arom
Cd Unesco Collection

Centrafrique (Pygmées Aka)
Eveve ya mu tengama
(Son pagne a glissé de côté )
Harpe - Ndole (bogongo).
Mongoumba 1994.
Enregistrement Simha Arom
CD Ocora

Grèce - Monodies vocales
Me t'ah ke me t'alimono
(Avec des "ah" et des "hélas")
Barba Mitsos
CD Unesco

Centrafrique (Pygmées Ba-benzélé)
Hindewhu (whistle) solo
Enregistrement Simha Arom
CD Rounder Records

Centrafrique (Pygmées Ba-benzélé)
Second story : The wondo player
CD Rounder Records

Bibliographie :

Simha Arom, itinéraire d'un ethnomusicologue (2014)
Documentaire réalisé par Jérôme Blumberg
Produit par Le Miroir / CNRS images

La Fanfare de Bangui, itinéraire enchanté d'un ethnomusicologue
Simha Arom (2009)
Edition La Découverte

Ndroje balendro : Musiques, terrains et disciplines.
Textes offerts à Simha Arom
Livre paru en 1995 aux ed. Peeters

African Polyphony & Polyrhythm : Musical Structure and Methodology
Simha Arom
Ed. Maison des sciences de l'homme, 2004

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Biographie

Simha Arom, né le 16 août 1930 à Düsseldorf en Allemagne, corniste de formation et musicologue, est un ethnomusicologue franco-israélien. Dans les années 1960, envoyé par le gouvernement israélien pour créer une fanfare en République centrafricaine, il est fasciné par les musiques traditionnelles de ce pays, en particulier par les polyphonies vocales des Pygmées Aka.

Entré au CNRS en 1968, les méthodes d'expérimentation interactive qu'il a développées pour l'étude des polyphonies et des échelles musicales africaines lui ont valu la Médaille d'Argent du CNRS.

Ses recherches portent sur la systématique musicale des polyphonies d'Afrique centrale ainsi que sur l'organisation temporelle, la modélisation et les aspects cognitifs des musiques de l'oralité. Simha Arom s'est attaché à la mise au jour de systèmes musicaux implicites et à la manière dont une culture construit ses catégories cognitives telles qu'attestées à travers sa musique.

Simha Arom est directeur de recherche émérite au CNRS, membre-fondateur de la Société française d'ethnomusicologie, de la Société française d'analyse musicale, de la European Society for the Cognitive Sciences of Music (ESCOM) et du European Seminar in Ethnomusicology ; il est également membre de la Société française de musicologie et du Board of directors du projet The Universe of Music (UNESCO). Ses archives sonores ont été déposées en 2011 à la phonothèque de la Bibliothèque Nationale de France.

Ses publications comptent une dizaine d'ouvrages, plus de 100 articles, une trentaine de disques, plusieurs films et un CD-Rom. Son livre African Polyphony and Polyrhythm a obtenu en 1992 le " ASCAP Deems Taylor Award for Excellence in Music Literature ". Il est régulièrement invité dans diverses universités européennes et nord-américaines.

Nombre de compositeurs - parmi lesquels Luciano Berio, György Ligeti et Steve Reich - ont exploité dans leurs œuvres des procédés musicaux qu'il a mis au jour.

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"La musique pygmée fait partie des musiques les plus complexes" : épisode 4/5 du podcast Simha Arom, ethnomusicologue : grand entretien

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Trouver la méthode et mettre à jour le modèle. Simha Arom a travaillé dans le même campement Aka durant 26 ans pour étudier la spécificité de leur langage musical. Un chant polyphonique où chaque voix à une indépendance musicale et polyrythmique avec des figures conflictuelles soumises à des organisations métriques régulières.

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Avec le changement climatique et le bouleversement de la biodiversité, le patrimoine sonore du vivant est en déclin. Un champ d'étude bien particulier pour les scientifiques : " L'éco-acoustique, c'est l'étude de tous les sons d'un environnement. C'est différent de la bio-acoustique qui étudie les sons de la communication qu'un animal utilise pour communiquer avec un autre. On étudie l'ensemble des sons et les sons nous donnent des informations. "

Car au-delà du patrimoine sonore, l'étude des sons du vivant permet également d'en apprendre plus sur l'évolution de l'état d'un habitat. Spécialiste des océans, Lucia Di Lorio explique la transformation de l'environnement sonore de la mer : " Dans les dernières centaines d'années, le bouleversement acoustique a été fort. Avant, il y avait du silence. Cela a changé avec l'homme et les moteurs de la révolution industrielle. Il y a maintenant la surpêche, la dégradation, la pollution, et maintenant le réchauffement climatique se rajoute à tout ça. "

Les sons de la mer

Contrairement à ce que l'on pourrait penser, la mer est loin d'être silencieuse. Elle est emplie de communications sonores des poissons, parfois sous forme de chant : " Une mer silencieuse, ce n'est pas une mer morte, mais encore plus bruyante. La mer est rythmée de sons, il y en a plein, tout le temps. Ils sont très importants dans l'environnement marin. Pendant le covid on a eu la possibilité d'écouter le silence, sans l'homme. Et la mer est tout sauf silencieuse, on entend beaucoup mieux les bruits de la faune marine. "

Ce forum se veut ainsi un moyen d'éveiller la sensibilité les personnes qui travaillent en rapport avec la mer : " Écouter la mer suscite beaucoup de curiosité, c'est un autre moyen de faire apprécier l'environnement. Il faut s'en servir pour sensibiliser. "

Le forum "Pour protéger les sons du vivant" a lieu samedi 17 décembre à partir de 10h à la Philharmonie de Paris. Le public a la possibilité d'y assister sur place ou de le suivre en ligne.

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Chercheurs et artistes à l'unisson pour protéger la richesse sonore du vivant

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Stopper le déclin dramatique de notre patrimoine sonore naturel et protéger son extraordinaire diversité : voilà l'objet d'un forum organisé ce samedi 17 décembre à la Philharmonie de Paris, qui réunit des éco-acousticiens, des artistes et des musiciens, en marge de l'exposition Musicanimale.

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Richard Strauss Don Juan, le début Orchestre Symphonique de Chicago Direction Fritz Reiner RCA. Enr. 1954 Même passage, partie de violon 1 : Même passage, partie de violon 2 : Même passage, partie d'alto : Même passage, partie de violoncelle : Même passage, partie de contrebasse : Anton Bruckner Quintette à cordes , 1e mvt " gemässigt " Sextuor à cordes de l'Orchestre National de France : Jacques Duhem , Luc Héry (violons), Raymond Glatard , Michèle Gallien (alto), Jean-Luc Bourré (violoncelle)Quantum.

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La gamme par ton de Debussy à Stevie Wonder

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La gamme par ton de Debussy à Stevie Wonder

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Comme le rappelle Philippe Katerine avec cette chanson extraite de son tout premier album, la plupart des musiques que l'on écoute tous les jours sont affaires d'accords majeurs et mineurs. Et puis il y a les accords et les mélodies qui nous semblent immédiatement étranges à l'oreille. On sent bien qu'il ne s'agit plus de gammes mineures et majeures mais de quelque chose venu d'ailleurs.

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Comme son nom l'indique, la gamme par tons est uniquement constituée de tons et tranche donc avec l'alternance de tons et de demi-tons des gammes mineures et majeures. Elle possède donc une couleur très particulière qui peut faire penser à des solos de Bill Evans mais aussi à un compositeur dont il s'est beaucoup inspiré : Claude Debussy ! Cela n'est pas anodin, Claude Debussy a beaucoup utilisé cette gamme pour accomplir sa révolution subtile (Boucourechliev). Elle plane sur la quasi-totalité de son prélude Voiles (1910) ou par touche, comme une épice qui relève le goût de quelques partitions comme c'est le cas dans son ballet Jeux (1913), l'un de ses chefs-d'œuvre.

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Si Debussy est le compositeur qui est allé le plus loin avec l'usage de la gamme par tons, il n'est cependant pas le seul à avoir utiliser cette échelle de note. On la retrouve dans des œuvres de Liszt, Fauré, dans L'Apprenti sorcier de Paul Dukas pour évoquer une ambiance magique, dans Psycho d'Alfred Hitchcock pour évoquer une ambiance un peu plus morbide peur sans oublier cette introduction de You are the sunshine of my life de Stevie Wonder.

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Comme le prouvent la chanson Elektrik de King Crimson, Pigs des Pink Floyd ou encore O Leary's Cow des Beach Boys, la gamme par tons n'est pas la chasse gardée des musiciens classiques et jazz. Ce n'est pas non plus une gamme qui rime forcément avec bizarrerie et angoisse !

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La gamme par tons de Debussy à Stevie Wonder

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Partons à la découverte de la gamme par tons. cette échelle musicale étonnante que l'on trouve dans de nombreuses œuvres de Claude Debussy, chez Liszt et Paul Dukas mais aussi dans Psycho d'Hitchcock ou encore chez Stevie Wonder.

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Elles nous enchantent depuis les années 1970, elles nous fascinent par leur timbre, leur justesse infaillible et leur virtuosité. Quand, en 1975, les Voix Bulgares ont enregistré leur célèbre disque, elles nous donnaient un aperçu de la musique historique d'Europe de l'Est. "Historique" ? A voir...

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Elles nous enchantent depuis les années 1970, elles nous fascinent par leur timbre, leur justesse infaillible et leur virtuosité. Quand, en 1975, les Voix Bulgares ont enregistré leur célèbre disque, elles nous donnaient un aperçu de la musique historique d'Europe de l'Est. "Historique" ? A voir...

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Concerts et écologie, sont-ils compatibles?

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Concerts et écologie, sont-ils compatibles?

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Concerts et écologie sont-ils compatibles ?

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Si certains liens entre musique et sexualité peuvent paraître évidents, il en est d'autres moins intuitifs. Par une diversité des approches (musicologie féministe, sciences cognitives, sociologie de la culture, etc.), le musicologue Esteban Buch propose une étude approfondie de ce sujet qui reste pour beaucoup tabou, ou tout du moins peu appréhendé. Il y parcourt tous les genres musicaux, notamment l'opéra, " un genre qui n'a cessé de parler d'amour et de sexe ! " - mais pas que. Pour replacer cette étude dans son contexte, le musicologue souligne que " les sciences sociales et la musique, c'est une grande histoire. Le fait que la musique est un fait social, et que donc les sciences sociales sont des outils pour essayer de la comprendre, c'est devenu assez banal pour les musicologues : si on remonte en arrière, ça a toujours existé " - au moins depuis Platon et sa théorie des rapports entre musique, sexualité et politique dans La République.

"Il est question dans la musique de corps, de violence de genres, de temporalité du plaisir, de dimension répressive..."

Le titre du livre, Playlist, tire son nom de sa forme : les seize essais qui le composent sont autonomes, à la manière d'une playlist dans laquelle le lecteur peut piocher à sa guise. De la théorie musicale d'Adorno à l'usage des "sex playlists" sur Internet, en passant par la relecture de grandes œuvres comme Don Giovanni, Lady Macbeth et Tristan et Isolde, les sujets sont multiples. Pour l'auteur, musicologie et sciences sociales ne sont pas traitées l'une après l'autre mais intrinsèquement liées : dans tous les cas " il est question de corps, de violence de genres, de temporalité du plaisir, de dimension répressive... "

Quel meilleur exemple à ce rapport intrinsèque que celui de Don Giovanni de Mozart, auquel Esteban Buch consacre un chapitre entier, et notamment au fameux air "La ci darem la mano" ? "S'il y a un air où la sexualité est bien en évidence, c'est celui-là : un duo d'amour et de séduction", mais aussi mettant en scène "des rapports de pouvoir" entre le noble Don Giovanni et la jeune paysanne Zerlina : "L'art de Mozart, c'est non seulement de montrer comment cette violence de genre peut être charmante, séduisante, mais aussi comment cela produit une subjectivité, celle de cette femme, qui est en position d'essayer au moins de choisir. " D'où, selon le musicologue, la diversité des mises en scène : tantôt soumission brutale, tantôt volonté d'affirmation de Zerlina. Une omniprésence de la dimension sexuelle dans Don Giovanni qui a d'ailleurs inspiré Pasolini, dont le documentaire-enquête sur la sexualité à la rencontre d'Italiens et Italiennes, finalement intitulé Comizi d'amore, a failli porter le nom du célèbre coureur de jupons et opéra éponyme.

"Les formes musicales en climax ont une résonance directe avec les formes de l'orgasme"

Parmi les "playlists" constituées ou citées par Esteban Buch figure également un article journalistique sur "Les dix moments les plus sexy de la musique classique", où l'on voit apparaître non sans surprise... Olivier Messiaen et sa "Turangalîla-Symphonie" ! Pour Esteban Buch, l'explication de ce lien réside dans le fait que " les formes instrumentales ont à voir avec les formes temporelles de la sexualité. Les formes musicales en climax, dont la Turangalîla, ont une résonance directe avec les formes de l'orgasme, ou en tout cas du plaisir. C'est une clé herméneutique pour comprendre les œuvres instrumentales. " D'autres œuvres sont plus explicites, comme la Sonata Erotica d'Erwin Schulhoff pour voix de femme... censée imiter le coït : "C'est un morceau extraordinaire car très littéral. Des œuvres comme la Sonata erotica rendent explicites ce que le répertoire classique a toujours tenu comme implicite."

Pour étoffer son étude, à la manière de Pasolini, Esteban Buch est aussi allé à la rencontre de témoins d'aujourd'hui ayant accepté de parler des liens intimes qu'ils perçoivent entre musique et sexualité : malgré une variété d'usages et de goûts, " chez toutes ces personnes, le son et la musique sont une dimension essentielle de leur sensualité. La musique est un très puissant opérateur émotionnel, elle permet de mettre en mouvement ces émotions érotiques par des morceaux de musique". Un pouvoir érotique qui a d'ailleurs effrayé bien des régimes politiques et attiré la censure sur des œuvres comme Lady Macbeth de Chostakovitch, interdit par Staline lui-même.

Livre "Playlist. Musique et Sexualité", paru en septembre 2022 aux éditions MF

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Musique et sexualité avec Esteban Buch : "La musique et le social, ça va ensemble"

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Quels sont les liens entre musique et sexualité ? De Mozart à Cardi B, de la domination patriarcale de l'industrie musicale au plaisir intime de l'écoute, le musicologue Esteban Buch explore sous des angles variés la musique dans les pratiques sexuelles et le sexe dans les pratiques musicales.

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L'hiver s'est installé et avec lui le silence règne dans les sous-bois. Mais pour nous réchauffer le cœur, on a décidé d'avancer le printemps et de vous parler du chant des oiseaux.

C'est un son de la nature qui intrigue les humains sans doute depuis toujours : le chant des oiseaux. Qu'il nous interpelle ou nous charme, ce chant ne fait pas depuis si longtemps que ça l'objet d'étude scientifique. On en sait désormais plus sur la neurobiologie de ces phrases mélodiques, sur leur fonction et sur leur transmission. Une chose est sûre, toutes ces découvertes mises bout à bout ne font qu'accroître notre fascination pour ce concert à plumes, un concert qui avec la crise de la biodiversité tend à se faire de plus en plus discret.
"Chant des oiseaux : redécouvrez la flûte à bec"
Nous avons le plaisir de recevoir Fanny Rybak, enseignante-chercheuse dans l'équipe "Communications acoustiques" à l'Institut des neurosciences de Paris-Saclay, et Grégoire Loïs, directeur adjoint de Vigie-Nature, au Muséum National d'Histoire Naturelle et auteur de l'ouvrage "Ce que les oiseaux ont à nous dire" aux éditions Fayard.

Le reportage du jour

Rencontre avec Fernand Deroussen, compositeur audio-naturaliste. En plein hiver, au bois de Vincennes, il est possible d'entendre chanter des oiseaux même si la saison est peu propice à l'écoute de nombreuses mélodies. Il suffit juste de tendre un peu l'oreille... Par Antoine Beauchamp.

Les ressources documentaires

Retrouvez le thread de l'émission du jour sur le fil twitter de La Science, CQFD.

Bibliographie :"Ce que les oiseaux ont à nous dire" de Grégoire Loïs (Fayard, 2019)

Le chant crypté des oiseaux (Pour la Science, 2022)

L'apparition des sons chez les animaux (Pour la Science, 2022)

Comment et pourquoi les oiseaux chantent-ils ? (Planète & Vie, 2021)

Comment les oiseaux chanteurs ont conquis le monde (Pour la Science, 2020)

Habiter en oiseau, par Vinciane Despret (Actes Sud, 2019)

Le chant féminin est répandu et ancestral chez les oiseaux chanteurs (Nature, 2014)

Un oiseau imite les cris d'alerte d'autres espèces pour dérober leur nourriture (Le Temps, 2014)

Un oiseau africain " crie au loup " pour voler de la nourriture (Nature, 2014)

Enregistrer les chants d'oiseaux, une pratique entre art et science (Science et Avenir, 2013)

Les chants préférés des femelles oiseaux (Pour la Science, 2002)

Les références musicales

Le titre du jour : Birds part 1 par Chassol

Le générique de début : Goca dünya par Altin Gun

Le générique de fin : Pingpxng par Yin Yin Références

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Chant des oiseaux : redécouvrez la flûte à bec

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Reconnaître et reproduire des chants d'oiseaux sert, depuis très longtemps, à les identifier. Mais l'étude de la signification de leurs vocalisations est récente. Le premier enregistrement de chant a été fait par Ludwig Koch, en Allemagne, en 1889. Comment étudie-t-on les chants des oiseaux ?

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C'est une phrase longue, sans fin. Le mouvement lent du Concerto en sol de Maurice Ravel est une éternité, une page musicale qui semble plutôt simple et qui pourtant terrifie à juste titre la virtuose Marguerite Long. Elle s'inquiète auprès du compositeur : " Maurice, comment veux tu que je retienne l'émotion aussi longtemps ? Que je donne une trajectoire cohérente à une mélodie aussi longue, lente et qui coule comme ça ? " Et le compositeur de lui répondre : " La phrase qui coule ? Mais je l'ai écrite deux mesures après deux mesures... et j'ai failli en crever ! "

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Pour écrire cette page où le piano est bien seul, Ravel prétendait s'être inspiré du "Larghetto" du Quintette pour clarinette de Mozart. De là peut-être le sentiment d'intemporalité qui se dégage de ce mouvement lent, une beauté classique, évidente, sans âge que l'on retrouve aussi dans l'une des chansons les plus poignantes de Jacques Brel.

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Les Désespérés, une chanson composée par le pianiste de Brel, Gérard Jouannest qui met ses pas dans ceux de Marguerite Long en jouant une citation à peine modifiée du Concerto de Ravel. Sur cette fausse improvisation, Jacques Brel dresse un portrait de ceux que l'on ne voit pas**. Ces désespérés qui ont tellement raté et vécu qu'à la fin, ils ont décidé de disparaitre en silence.** Les Désespérés est un tombeau pour tous les naufragés, ceux qui ont pris des risques qui ont cheminé contrairement aux bigotes et aux petits bourgeois, immobiles, conservateurs et héritiers, ces gens-là que Brel n'a eu de cesse de crucifier avec sa plume d'or...

Les Désespérés qui trouvent en un fleuve, " la bonne hôtesse ", " la fin du monde ", peuvent s'entendre comme un autoportrait en creux de Jacques Brel. Enregistré en novembre 1965 avec Gérard Jouannest au piano et les cordes de l'orchestre de François Rauber, Les Désespérés annoncent peut-être la fin d'un cycle pour Brel. Les adieux à l'Olympia quelques mois plus tard en 1966, le début d'une carrière d'acteur pour ce chanteur qui préférait au carcan des chansons composées pour la radio, les grandes phrases musicales libres de toute forme préconçue des compositeurs classiques.

Ravel le solitaire et Brel le désespéré. Une rencontre qui sonne comme une évidence tant Jacques Brel aimait la musique classique, lui qui avait écrit un poème symphonique intitulé Jean de Bruges et qui plaçait les audaces harmoniques et rythmiques de Moussorgski, Stravinsky, Bartók, Debussy, Poulenc, Satie et Ravel au firmament de l'art musical.

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De Brel à Ravel : Le Concerto en sol et Les Désespérés

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C'est une phrase longue, sans fin. Le mouvement lent du Concerto en sol de Maurice Ravel est une éternité, une page musicale qui semble plutôt simple et qui pourtant terrifie à juste titre la virtuose Marguerite Long. Elle s'inquiète auprès du compositeur : " Maurice, comment veux tu que je retienne l'émotion aussi longtemps ?

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Les cordes pincées des musiques arabes #1 Autour du Oud

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“Le oud, l’instrument roi des musiques arabes et arabo andalouses, c’est un luth à manche court et lisse qui a beaucoup voyagé et existe sous la forme que l’on connait depuis le 9e siècle. On trouve des oud dans tous les pays arabes, mais aussi en Grèce, en Turquie, en Arménie.” Sébastien Llinarès

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Le bolero de Gilbert Bécaud aux Rolling Stones

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Le bolero de Gilbert Bécaud aux Rolling Stones

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Le Boléro de Ravel est une déclaration d'amour à toutes les sonorités possibles d'un orchestre. Pendant un quart d'heure et autour d'une seule phrase musicale, il se métamorphose dans de multiples combinaisons de timbre. Le seul élément musical qui demeure inchangé pendante toute l'oeuvre est celui-là même qui ouvre la pièce : un ostinato rythmique joué par la caisse claire. Cette cellule immuable est la signature du boléro, une danse qui apparait à la fin du XVIIIe siècle en Espagne et qui a, depuis, inspiré bon nombres de musiciens dont un certain Monsieur 100 000 volts, Gilbert Bécaud, qui chante son désespoir au rythme d'un Boléro...

Et maintenant - Gilbert Bécaud

Comme le Boléro de Ravel qui consiste en un vaste crescendo orchestral jusqu'à une fin en apothéose, Et Maintenant de Gilbert Bécaud monte en puissance tout au long de la chanson. Le rythme immuable du boléro peut s'entendre comme l'angoisse du chanteur jusqu'à sa résignation finale, comme la représentation d'une idée fixe que Gilbert Bécaud n'arrive pas à chasser...

Beck's Bolero - Jeff Beck

De l'autre côté de La Manche, en 1966, le guitariste Jeff Beck, éminent membre du groupe de rock The Yardbirds enregistre, lui aussi, sa propre lecture du boléro. Un boléro sans paroles et dans lequel il joue un thème épique qui prend appui sur l'accompagnement lancinant, à la guitare douze cordes, de Jimmy Page.

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Parce qu'il propose une cellule rythmique originale, le boléro a également tapé dans les oreilles de groupes de rock progressifs comme Emerson Lake and Palmer et leur titre Abaddon's Bolero ou encore les plus confidentiels musiciens du groupe Renaissance. En 1974, le groupe anglais voit dans cet ostinato, une formidable manière de conclure en beauté leur titre Mother Russia.

Paint it, Black - Rolling Stones

Comme dans ce titre de Renaissance, le boléro est parfois utilisé comme le climax d'une chanson ! C'est le cas du dernier exemple que je voulais partager avec vous ce matin. Une chanson que vous connaissez forcément. Ce dernier exemple de boléro amplifié est à chercher à la fin de l'une des chansons les plus célèbres des Rolling Stones : leur hymne Paint It, Black ! Au riffs jouésau sitar indien par Brian Jones, répond la batterie de Charlie Watts pour un final en apothéose à l'image du Boléro de Ravel.

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Le boléro de Gilbert Bécaud aux Rolling Stones

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Les expressions françaises et la musique

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Les expressions françaises et la musique

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Au cours des conversations, il arrive de tomber sur des expressions idiomatiques étonnantes, parfois avec un sens musical. Mais d'où nous viennent ces expressions ? Que veulent-elles signifier ? Commençons par les plus évidentes : pour exprimer l'envie de se mettre d'accord, on doit " donner le la ", " accorder ses violons " ou " se mettre au diapason ", à l'instar des musiciens qui s'accordent. Lorsque l'on est initié à un nouveau sujet ou un nouveau métier, on doit évidemment passer par les rudiments, on doit " faire ses gammes ", en référence aux gammes que pratiquent régulièrement les instrumentistes.

On " met un bémol " à une note de musique afin de baisser sa tonalité, et on fait pareil pour atténuer un propos ou modérer une affirmation. On peut également " mettre un point d'orgue " pour accentuer un moment dans un discours, de la même manière qu'un compositeur ajoute un point d'orgue à sa partition, signe de notation musicale qui sert à indiquer un moment de paroxysme dans une œuvre. Et lorsque l'on souhaite apporter une touche solennelle ou dramatique à notre propos, on " fait donner les grandes orgues ".

Mais il y a des expressions musicales dont le sens est moins évident au premier regard...

À cor et à cri

Lorsque l'on insiste sur un point avec force, on y va " à cor et à cri ", à l'instar de la chasse et plus précisément de la vénerie, où il est coutume d'utiliser des cors, accompagnés des cris des chiens et des chasseurs en plein galop.

Sans tambour ni trompette / au temps pour moi

À l'inverse de l'expression précédente, si l'on souhaite se retirer d'une situation de manière discrète, sans se faire remarquer, on le fait depuis le XVIIe siècle " sans tambour ni trompette ", comme une armée en retrait après une défaite.

Autre expression d'origine militaire, l'injonction " au temps ! " fut prononcée lorsque le pas cadencé d'une troupe fut cassé par le mauvais pas d'un individu, avant de recommencer depuis le début. " Au temps pour moi " vient aujourd'hui annoncer une erreur admise par le locuteur.

C'est comme pisser dans un violon

Pour résumer l'inutilité d'une action, il n'y a pas mieux comme expression que " autant pisser dans un violon ". Si les premières traces de l'expression remontent aux années 1860, il existe également une autre variante avec plus de sens : " souffler / siffler dans un violon ". En effet, l'acte de souffler dans un instrument à cordes, dans l'espoir de provoquer le même son qu'un instrument à vent, ne sert strictement à rien. Le langage courant aurait transformé souffler en " pisser ", dans une déformation comique et vulgaire.

Faire comme ça nous chante

L'idée d'agir uniquement " si ça me chante " existe depuis le XVIIIe siècle. On trouve notamment dans le livre XII des Confessions (1769-1770) de Jean-Jacques Rousseau la phrase suivante : " J'aime à m'occuper à faire des riens, à commencer cent choses, et n'en achever aucune, à aller et venir comme la tête me chante ".

Le " chant " viendrait alors d'une voix interne, de notre esprit en quelque sorte. Si l'on entend chanter dans notre tête, c'est qu'il y a une envie.

C'est du pipeau !

Les propos incohérents ou faux d'une personne sont souvent qualifiés de " pipeau ". L'expression remonte au XIIIe siècle, et se rapporte au fait d'attirer les oiseaux en imitant leur appel à l'aide de petites flûtes en bois ou de roseau nommées " pipeaux ".

Violon d'Ingres

Violoniste à ses heures perdues, le peintre Jean-Auguste Dominique Ingres (1780-1867) fera de son passe-temps une véritable passion connue de tous. Il devient même le deuxième violon de l'orchestre du Capitole de Toulouse. Mais si l'expression sert aujourd'hui à décrire une passion, elle eut tout d'abord une connotation péjorative !

" Dans les dernières années de la vie du maître, la petite presse, celle qui aime à rire et à conter sur les hommes illustres des confidences de valet de chambre, s'est beaucoup amusée de son violon et de ses ardeurs de virtuose. Le violon d'Ingres était passé en proverbe, pour exprimer la manie qui pousse chaque homme à afficher surtout ses prétentions les moins en rapport avec ses aptitudes ", écrit Victor Fournel dans Les artistes français contemporains : peintres, sculpteurs (1885).

Quant à l'origine de l'expression, c'est l'écrivain Émile Bergerat qui revendique sa paternité dans ses Souvenirs d'un enfant de Paris (1911). Il l'utilise alors au sujet de la passion de Théophile Gautier pour la peinture.

Être le ténor...

Pourquoi dit-on d'un grand avocat que c'est un ténor du barreau ? Pourquoi pas la soprano, l'alto, ou la basse ? Il n'est pas question ici de dévaloriser les autres catégories de voix mais de faire plutôt référence aux origines du mot " ténor ".

Ce dernier vient du latin " tenere ", signifiant " tenir ". Dans la musique polyphonique médiévale, c'était la voix qui " tenait " la ligne fondamentale du chant, le cantus firmus. Dès le XVIe siècle, on qualifie ainsi de " ténor " toute voix portant le cantus firmus. Le ténor du barreau est donc celui dont la voix porte le plus.

Ne pas tirer sur le pianiste

Qu'est-ce que le pianiste aurait bien pu faire pour mériter qu'on lui tire dessus ? Rien, et c'est bien là le problème ! En 1896 sont publiées pour la première fois les Impressions d'Amérique d'Oscar Wilde. Lors de son passage à Leadville, dans l'Etat du Colorado, l'écrivain raconte sa visite d'un saloon, lieu d'embrouilles régulières entre clients irascibles : " Ils m'ont ensuite emmené dans un salon de danse où j'ai vu la seule méthode rationnelle de critique d'art que j'aie jamais rencontrée. Au-dessus du piano était imprimée une notice : 'Veuillez ne pas tirer sur le pianiste. Il fait de son mieux.' "

Si les règlements de compte étaient tolérés entre clients, il était prié de ne pas prendre pour cible le pauvre pianiste qui ne faisait que son travail. C'est ainsi que l'anecdote du pianiste est devenue l'expression courante pour ne pas s'en prendre à ceux qui n'ont rien à voir avec un argument, mais également ne pas critiquer ceux qui font de leur mieux.

Faire un bœuf

Le 10 janvier 1922, un cabaret est inauguré dans le VIIIe arrondissement de Paris. Le Bœuf sur le toit devient rapidement un lieu célèbre et hautement fréquenté par les plus grands artistes et mélomanes de la capitale, dont Jean Cocteau, Darius Milhaud, Georges Auric et Arthur Rubinstein.

C'est ici que l'on pouvait également croiser les nombreux musiciens de jazz de Paris, venus au Bœuf pour participer à des sessions d'improvisation musicale décontractées. Ainsi est née l'idée de " faire un bœuf " lorsqu'il s'agit d'une rencontre musicale à l'improviste.

Finir/conduire/mettre au violon

Les origines du " violon " pour signifier l'incarcération d'une personne sont aussi multiples qu'incertaines. La première - et la plus simple - serait la ressemblance entre les cordes de l'instrument et les barreaux d'une cellule. À cela s'ajoute une expression courante parmi les prisonniers et les geôliers, " jouer du violon ", référence à l'acte de scier ses fers par le même geste qu'un violoniste sur son archet.

Le violon a également une autre connotation carcérale. Dans le musée de la cité fortifiée de Riquewihr en Alsace, il existe un instrument de torture surnommé le " violon ". Un carcan en bois ou en métal en forme de violon, avec des trous pour le cou et les poignets.

Le journaliste et philologue François Génin propose une autre origine dans le premier volume de ses Récréations philologiques (1858). Il s'inspire notamment d'une expression plus ancienne, " mettre au psalterion ". " Psalterion, salterion, sauterion, n'est autre chose que le mot latin psalterium, accommodé à la française. [...] mettre au psalterion, c'était donc mettre aux sept psaumes ; mettre en pénitence. " Alors que le psaltérion se démode, l'expression est alors mise à jour avec le nom de l'instrument qui remplace le psaltérion dans la faveur publique : le violon.

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La langue française regorge d'expressions loufoques, qui n'ont parfois guère plus de sens que pisser dans un violon. Cela vous frustre ? Ne tirez pas sur le pianiste et découvrez leurs origines afin de devenir le ténor des expressions musicales sans pour autant faire donner les grandes orgues !

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Je pose des questions aux baleines et je vois comment elles répondent

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Je pose des questions aux baleines et je vois comment elles répondent

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ELLE. Vous menez depuis 15 ans des recherches sur la communication des mammifères marins. Pouvez-vous parler avec les baleines ?

À l'affiche du film " Les Gardiennes de la Planète ", les baleines et leur chant intriguent. Comment comprendre leur langage, qui se propage jusqu'à des dizaines de kilomètres dans les profondeurs ? Les réponses de Charlotte Curé, chercheuse en bioacoustique au Cerema Université Gustave Eiffel.

ELLE. Vous aviez d'ailleurs tenté de sauver une orque égarée dans la Seine en mai dernier en utilisant la technique du " playback "...
Charlotte Curé. Je n'essaye pas vraiment de communiquer avec elles mais plutôt de comprendre leur langage, leur fonctionnement et l'impact du bruit lié aux activités humaines. Tout cela permet ensuite de les aider en cas de danger (risques d'échouages imminents, animaux égarés...). C'est la méthode du " playback " : je leur diffuse des sons qui ont du sens pour eux et j'observe leur réaction (certains les attirent, les effraient, les repoussent, etc.). En quelque sorte, je pose des questions aux animaux et je vois comment ils répondent. Quand j'ai commencé mes études, il y avait beaucoup de retard dans ce domaine, contrairement à d'autres espèces comme les oiseaux. Pourquoi ? Parce que sous l'eau, il y a de nombreux paramètres que nous ne maîtrisons pas ! Depuis quelques années, c'est un sujet en plein essor, des progrès ont été faits sur le côté technique, avec par exemple l'arrivée des balises, fixées sur leur dos pour étudier leur comportement ou l'intelligence artificielle qui pourrait, à terme, nous permettre de décoder plus facilement et rapidement les vocalisations des animaux.
ELLE. Vous dites que l'océan est loin d'être le monde du silence. Les bruit des activités humaines (trafic maritime, éoliennes, chantiers, etc.) s'ajoute au fond sonore naturel du monde marin...
C.C. Le contexte était très particulier, l'animal était seul et malade et il avait 60 à 80 km à parcourir dans la Seine pour rejoindre la mer. Son comportement était anormal et nous ne savions pas d'où il venait, depuis combien de temps il errait, à quelle population il appartenait... Autant d'inconnues qui ont fait que la diffusion de sons n'a malheureusement pas permis de le sauver. Mais en 2017, cette même méthode m'avait permis de secourir un groupe d'orques en Norvège coincées dans une baie qui manquait d'eau. Après avoir identifié l'espèce, j'ai pu utiliser une banque sonore préenregistrée pour les guider vers la bonne direction et retrouver la pleine mer. Si cette technique est douce, non invasive, et peu coûteuse, nous devons tout de même faire très attention à ne pas trop les perturber en diffusant n'importe quoi.
* Les États du monde entier débattent actuellement de l'opportunité d'ouvrir les grands fonds marins à l'exploitation commerciale, dès l'été 2023. Face aux risques environnementaux annoncés par les scientifiques (perte de biodiversité, libération de gaz à effet de serre...), plusieurs États se sont déjà prononcés en faveur d'une pause de précaution, d'un moratoire ou d'une interdiction.
C.C. Le répertoire vocal des cétacés contient une telle richesse de sons ! En fonction des espèces, il y a une nomenclature des syllabes, des notes, des sifflements...Il y a toute une sorte de grammaire. Mais en plus de ces dialogues sous l'eau, l'activité humaine ajoute du bruit et influence les écosystèmes marins. Le plus souvent, cette pollution sonore a des effets dramatiques. Si l'on empêche les animaux de bien s'entendre, cela atteint des fonctions vitales garanties par la communication : recherche de nourriture, reproduction, reconnaissance entre une mère et son petit etc. On observe aussi des coïncidences entre des sons très forts émis par certaines activités humaines (essais militaires par exemple) et des échouages massifs d'animaux... Parfois, les cétacés s'adaptent et se protègent en répétant leurs signaux plus fort, plusieurs fois ou en déplaçant leur fréquence en dehors des fréquences polluantes. Mais malheureusement, ce n'est pas la majorité des cas. Si des travaux sont en cours pour limiter la pollution sonore (construction de bateaux plus silencieux ou qui contournent les zones sensibles, règlementations...), d'autres projets, comme l'éventuelle exploitation minière des grands fonds marins*, seraient quant à eux catastrophiques.

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" Je pose des questions aux baleines et je vois comment elles répondent " : Charlotte Curé, chercheure en bioacoustique - Elle

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À l'affiche du film " Les Gardiennes de la Planète ", les baleines et leur chant intriguent. Comment comprendre leur langage, qui se propage jusqu'à des dizaines de kilomètres dans les profondeurs ? Les réponses de Charlotte Curé, chercheuse en bioacoustique au Cerema Université...

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Face aux problèmes environnementaux, il y a les élites qui parlent beaucoup mais ne font rien. Et puis il y a celles et ceux qui se remontent les manches pour inventer le futur d'une musique responsable à leur petite échelle, celles et ceux aussi qui ont depuis longtemps compris l'importance de la durabilité... Hommage soit rendu à ces gens de bonne volonté !

Ce mois Vert aura été l'occasion de soulever nombre de problèmes environnementaux posés par la musique et l'audio ou les impactant directement. Et si tous n'ont pas, loin de là, encore trouvé leur solution, cela n'empêche pas des hommes et des femmes de se gratter la tête et de se remonter les manches pour agir dans le bon sens, plutôt que de baisser les bras, de rester stoïques, de s'en remettre aux élucubrations sciencefictionnesques des vendeurs de rêve, ou pire, d'être dans le déni...

Cet article a donc pour double objectif de rendre hommage à ces gens de bonne volonté qui ne manquent jamais de se dresser dans les temps difficiles, comme de nourrir vos réflexions sur la possibilité de faire de la musique ou de l'audio autrement. Parce que s'il est bien complexe de réparer les dégâts causés par Sapiens en quelque 300 000 ans, le terreau des idées demeure fertile pourvu qu'on y sème les bonnes graines avec tout l'espoir et la bienveillance qui conviennent.

Coup de chapeau bien bas à tous ceux qui sont présentés ci-dessous et qui, à leur petite échelle, dessinent le chemin des possibles. Loin du siècle des lumières, nous voici donc face au siècle des éclaireurs...

Les pionnier·ère·s de la musique verte

Faire des guitares haut de gamme dans le style Vintage en travaillant à plus de 90% en local : c'est le pari fou et tenu par Jonathan Berg et ses acolytes à Pontoise, où un grand savoir-faire de lutherie s'appuie sur une éthique sans compromis dans le respect de l'environnement : quasiment zéro plastique, récupération de old stocks, usage de biomatériaux et de bois locaux, recyclage des cordes, peintures respectueuses de l'environnement, micros facilement changeables. Tout concourt à faire de ces guitares des petites merveilles et de l'entreprise Berg Guitares un modèle du circuit court et local qui est clairement l'avenir de la guitare. Retrouvez l'interview d'un des fondateurs de la marque juste ici.

Plus connu sour le nom du Larron, Laurent Cabrillat est aussi le fondateur des studios Hey! à Bordeaux qui sont le parfait modèle d'une structure qui, après mûre réflexion et analyse des enjeux qui sont ceux de notre époque, a fait l'objet d'une écoconception qui sera vraisemblablement imitée par tous les studios de demain. Localisation pensée pour un accès en vélo depuis une grande agglomération bien desservie en termes de transports, optimisation du chauffage et de la consommation électrique, achat d'occasion de la plupart des équipements, Do It Yourself : tout concourt à faire de ce lieu un studio modèle et même plus que ça ; un lieu d'échange laissant une grande place à l'humain, au partage et à la rencontre, soit le terreau fertile d'une culture vivante et responsable.

Le Centre National de Musique a pour mission de soutenir les professionnels de la musique et des variétés dans leur développement en France et à l'international. Et en ces temps de questionnements environnementaux, cela passe aussi par le fait d'analyser les enjeux de la transition écologique comme de subventionner les initiatives qui y concourent. Après avoir participé au rapport " Décarbonons la Culture ! " du Shift Project, Léopold est devenu le monsieur " transition écologique & développement durable " du CNM, motivé par le fait de comprendre les enjeux du secteur et d'imaginer avec ses acteurs le futur responsable de l'industrie musicale.

Fanny Reyre-Ménard et Coraline Baroux-Desvignes du CSFI

Avec le concours du CNM, la Chambre Syndicale des Facteurs d'Instruments a été le premier acteur à organiser une table ronde sur le sujet de la transition écologique dans la facture instrumentale, sous la houlette de Fanny et Coraline. Mais on doit aussi au CSFI des études sur l'économie du secteur comme des combats pour défendre les intérêts des fabricants d'instruments dans un monde de règlementations complexes tels que le CITES. Bref, un organisme appelé à jouer un rôle majeur, aux côté du CNM, dans la transition écologique de la facture instrumentale...

À l'Institut Technologique Européen des Métiers de la Musique, on ne se contente pas de former des accordeurs ou des techniciens, on conduit aussi des recherches scientifiques poussées sur les matériaux utilisés en lutherie comme en facture d'instrument, sous la houlette du passionné Romain Viala, pour comprendre ce qui fait leurs qualités acoustiques et imaginer les matériaux de demain, qu'il s'agisse de bois locaux ou de composites plus respectueux de l'environnement. Et le mieux, c'est que l'ITEMM propose de nombreuses formations pour s'initier à ces nouvelles approches, réenvisager les choses qui nous semblaient acquises sous un œil neuf et salutaire. Bref, un lieu de formation de la première importance pour l'avenir des instruments, et donc de la musique...

Chez Klotz, on fabrique des câbles de toutes sortes, mais on ne les fabrique pas n'importe comment ni n'importe où. Désireuse de passer à une énergie décarbonnée, la société Munichoise s'est ainsi équipée de ses propres panneaux solaires qui produisent 54% de son électricité. Et la démarche est d'autant plus efficace que l'usine dispose d'un système de pompe à chaleur optimisant le chauffage. Comme souvent, l'écologie rejoint l'économie en ces temps où la facture énergétique allemande s'alourdit. Et c'est d'autant plus vrai que le fabricant, devant agrandir ses locaux, s'est aperçu qu'en utilisant un système d'étagères modulaires pour ses stocks, il pouvait éviter la construction d'un nouveau bâtiment. Bref, la démarche est intelligente, et elle se double en outre d'une communication qui ne l'est pas moins : sur le Chanel Youtube de Klotz, on trouve ainsi des tutos pour souder soi-même ses cordons, alors même que le fabricant vend des cordons ! Rien que ce geste en faveur du DIY mérite un beau coup de chapeau...

L'Association Professionnels des Luthiers artisans en Guitare et autres cordes pincées rassemble des hommes et des femmes qui ont l'amour du bois comme des forêts, et ce n'est pas un hasard du coup si des projets intéressants ont vu jour en ce sens, comme celui qui, avec le concours de l'ONF, a permis à des luthiers de récupérer des bois précieux de Bourgogne alors qu'ils étaient destinés à devenir du bois de chauffe...

Longtemps à la tête de l'APLG et soucieux de produire des guitares écoresponsables, Fred Kopo a été l'un des premiers à se réintéresser aux qualités acoustiques des essences de bois locales pour faire des instruments de premier ordre, ainsi qu'à des composites comme son fameux KLAS à base de lin (Kopo Linen Acoustic Solution) ou à des bioplastiques. Un pionnier donc, qui montre s'il était besoin, que nous devons changer pas mal d'a priori que nous avons sur les bois de la facture instrumentale et que bousculer les traditions ne se fait pas au détriment de la qualité... Consultez son site pour plus d'infos.

Benjamin Énault, Fanny Fournier et Bertrand Habart de Music for planet

#Music4Planet est un mouvement dédié à la question de l'environnement dans la pratique musicale, désireux de réunir tous les acteurs conscients de ces enjeux. Mais c'est aussi un podcast qui s'est spécialisé sur ces sujets et qui va à la rencontre de nombreux acteurs qui inventent la musique de demain en bougeant leurs petites fesses vertes. Si vous avez soif d'infos sur le sujet, c'est donc le parfait moyen de poursuivre ce Mois vert de votre côté, et de venir en parler sur Audiofanzine !

Chez les Marseillais de Pikip, on propose des systèmes de diffusion capable de sonoriser des festivals et des concerts avec la seule énergie du soleil ! Pour arriver à ce petit miracle, la R&D du fabricant est repartie d'anciennes solutions en y appliquant quantité d'inventions plus récentes en plus de technos propriétaires, qu'elles soient acoustiques ou électriques. Seule limite : la capacité de sonoriser des événements de 1500 à 3000 personnes max ? Ça tombe bien ! C'est vraiment le genre de public qu'il faudrait désormais accueillir au maximum si l'on veut en finir avec les festivals et concerts désastreux sur le plan écologique à cause du transport qu'ils génèrent. Retrouvez l'interview de Pikip juste ici.

Une ressourcerie, c'est un espace de collecte, de réemploi et de revente d'objets usagés, soit le B.A.BA de l'action sociale et solidaire, et le modèle à promouvoir lorsqu'on parle d'économie circulaire. Bref, vous comprendrez fort bien comme le fait d'avoir une ressourcerie du spectacle à Vitry est précieux, sachant qu'on y trouve du matos audio, des éclairages, mais aussi divers équipements et accessoires du spectacle, en vente ou en location. Mais c'est encore un lieu d'échange, de transfert de connaissance et de projets : bref, un véritable poumon associatif pour le secteur culturel responsable...

Thierry Le Guenne de Ted Guitars

Chez Ted, on mise tout sur l'aluminium, un métal que l'on sait parfaitement recycler, et dont pas un seul copeau ne finit pas par être fondu pour faire la guitare, ses potards ou ses sélecteurs. Même la plaque découpée finit par faire un Flight case original. Seul problème : l'alu demeure un peu rigide pour faire une sangle, d'où l'idée de réutiliser des pneus de vélo tout terrain. C'est malin, ça marche super bien et niveau look Mad Max, il n'y a pas grand-chose à redire sur cette très bonne idée !

Le problème avec les instruments actifs, c'est non seulement qu'il ne faut pas oublier de les laisser brancher sous peine de vider les piles qu'ils utilisent, mais c'est aussi qu'avant un concert, on n'est jamais bien sûr que les piles en place vont tenir. Alors on les change par sécurité, ce qui mène à une surconsommation de piles d'autant moins écologiques que ces dernières sont des produits très polluants et complexes à recycler. Pour éviter cela, Hubert Buyssens a imaginé le boîtier Power Block qui remplacera facilement votre compartiment à pile et qui fonctionne sur une batterie longue durée, rechargeable en USB et disposant d'un témoin de charge... Cerise sur le gâteau : le petit boîtier évite la chute de tension qui s'opère à mesure que les piles s'épuisent. Bref, une solution nettement plus durable qui devrait, on le souhaite, intégrer tous les instruments actifs du marché (d'autant plus qu'une version " luthier " est disponible avec des specs et des possibilités d'intégrations plus poussées, notamment pour s'adapter aux instruments électroacoustiques)... Plus d'infos sur le site du fabricant.

" Le Chat " de La Charlek

La Chartek, c'est une régie son et lumière éco-responsable et autonome en électricité grâce à l'usage de panneaux solaires... et de vélos générateurs sur lesquels le public se relaie pour produire l'énergie nécessaire ! Le but, c'est évidemment de sensibiliser à l'autonomie électrique, mais aussi et surtout de se produire dans des lieux insolites où il n'y a pas d'électricité, sachant que trois formules existent pour générer 600, 2000 ou 2600 watts de puissance, avec plus ou moins de vélos ou de panneaux capables d'alimenter plus ou moins d'équipement... Une idée géniale dans ce qu'elle permet de se rendre conscience de la difficulté de produire de l'énergie tout en solidarisant artistes et public !

Et beaucoup d'autres...

À cette liste, on pourrait encore ajouter bien d'autres acteurs qui ont parfois fait de l'éco-responsable sans forcément l'envisager comme telle, juste en concevant des produits durables dont ils assuraient un suivi exemplaire : RME a toujours fait fort sur ce point, de sorte que leurs interfaces battent des records de longévité parce qu'elles sont solides et que le constructeur ne cesse de mettre à jour ses drivers pour suivre l'évolution des OS... On aura une mention spéciale aussi pour ces constructeurs qui fournissent des pièces détachées pour leurs produits. L'increvable HD-25 de Sennheiser est exemplaire sur ce point, car tout ou presque y est démontable et remplaçable. Et l'on se demande bien pourquoi tous les casques ne sont pas pensés de la même manière, chez cette marque comme chez les concurrents, car cela devrait être la base de toute conception...

On pourrait parler encore des nombreux fabricants de guitares qui, au-delà de leur engagement dans des projets de préservation de forêt, ont sorti des instruments faits avec des bois locaux (Martin, Taylor, etc.), ou encore de Genelec qui, avec la série RAW, a eu la bonne idée de proposer ses moniteurs en finition brute, sans aucune peinture ni vernis alourdissant le bilan écologique de l'enceinte... Seul bémol à cela : pourquoi ne pas définitivement adopter ces partis-pris d'avenir sur l'ensemble de la marque et ne les cantonner qu'à une série spéciale ou à quelques modèles ? Sans qu'on puisse parler de greenwashing, cela donne l'impression que les produits " eco-friendly " sont parfois plus là pour cibler un marché de niche que par réel engagement de la marque, un peu comme les rayons bio qu'on trouve dans les supermarchés. Il ne s'agit pas bien sûr de décourager ces évolutions qui vont dans le bon sens mais de bien souligner que l'écoconception ne doit pas être pensée en premier lieu comme une opportunité marketing.

Parmi les acteurs importants de la musique verte, on n'oubliera pas de mentionner le formidable travail accompli par de nombreux Festival écoresponsables qui, au-delà de leur programmation musicale, informent sur les sujets de l'écologie et se creusent la tête pour avoir l'empreinte la plus faible possible : Delta, Cabaret vert, Solidays, We love green, Terre du son, Climax.

Ce faisant, on se rend compte toutefois des limites de la croissance en matière d'événementiel : un festival qui devient trop gros d'année en année finit par générer tant de transports que les émissions et la pollution de ces derniers ne sauraient être compensées par quelque geste que ce soit...

Et beaucoup d'autres encore...

Cet article n'a certainement rien d'un annuaire et il passe très probablement à côté de quantités d'initiatives et de gens qui se mobilisent pour faire avancer les choses dans le bon sens. N'hésitez donc pas à vous manifester ou à dénoncer ces derniers dans les réactions à cet article, car ils ne l'ont certainement pas volé ! ;)

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Sélection d'acteurs innovants sur le plan écologique dans le secteur de la musique et de l'audio

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Face aux problèmes environnementaux, il y a les élites qui parlent beaucoup mais ne font rien. Et puis il y a celles et ceux qui se remontent les manches pour inventer le futur d'une musique responsable à leur petite échelle, celles et ceux aussi qui ont depuis longtemps compris l'importance de la durabilité...

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Matériel en voie d'extinction? (fabrication d'instruments)

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Matériel en voie d'extinction? (fabrication d'instruments)

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S'interroger sur l'impact écologique de la musique, c'est évidemment se questionner aussi sur la fabrication de nos instruments et matériel audio. Une question bien complexe pour une petite industrie...

Car oui, si grande soit votre passion pour la musique, si grand soit votre amour pour votre guitare ou votre synthé, sachez-le : la taille du marché mondial des instruments de musique est relativement modeste. Selon thebusinessresearchcompany.com, elle pèserait 13,25 milliards de dollars en 2022 , sachant qu'elle recoupe celle du marché des équipements audio, estimée à 33,13 milliards de dollars en 2022 (laquelle concerne aussi bien d'autres secteur que ceux qui sont les nôtres car l'audio est partout). 46,38 milliards de dollars au mieux donc, sachant que le marché mondial de la nourriture pour animaux de compagnie (chien, chat, hamster, poisson, etc.) pèse à peu près 80 milliards de dollars : près de deux fois plus ! Pour vous donner un repère, sachez qu'en 2021, le seul chiffre d'affaires de Google s'élevait à 257,64 milliards de dollars, tandis que le marché de la construction automobile est estimé à 2 900 milliards de dollars en 2022...

Bref, du point de vue des émissions de gaz à effet de serre si l'on se base sur ces données économiques, interdire le boeuf dans la fabrication de la nourriture pour chien aurait sans doute plus d'incidence que pas mal de choses que l'on pourrait faire dans le monde de l'audio et des instruments de musique... Reste qu'il n'y a pas de petit geste en écologie, pas d'effort qui soit négligeable et si petite soit-elle en regard d'autres, on aurait tort de ne rien attendre d'une industrie qui pèse plus de 40 milliards de dollars lorsqu'on explique à Monsieur ou Madame Tout-le-monde l'importance de changer leur façon de consommer...

Nous verrons en outre qu'au delà de la question des émissions de gaz à effet de serre, le rapport du matériel audio et musical à l'environnement s'avère complexe, et que la modestie de notre industrie n'est pas son meilleur atout...

L'arbre qui gâche la forêt

CITES ?

La Convention sur le commerce international des espèces de faune et de flore sauvages menacées d'extinction, connue par son sigle CITES ou encore comme la Convention de Washington, est un accord international entre États. Elle a pour but de veiller à ce que le commerce international des spécimens d'animaux et de plantes sauvages ne menace pas la survie des espèces auxquelles ils appartiennent.

Sans doute à cause des déboires médiatisés de certains constructeurs de guitare qui, par le passé, ont fait montre d'un manque total de respect pour les règlementations sur les espèces protégées, lorsqu'on parle écologie et instruments, c'est souvent pour évoquer le seul problème de la déforestation liée à la fabrication d'instruments en bois...

Récemment encore, grâce au CSFI, on a vu les archetiers français se battre pour maintenir l'import du pernambouc brésilien tandis que les évolutions de la CITES ont singulièrement compliqué la tache de tous les acteurs de la facture instrumentale en imposant un traçabilité des bois utilisés, et en régulant ou interdisant la coupe de certaines espèces...

Or, il faut bien avoir conscience que, sans qu'elle soit négligeable (rien ne l'est en écologie), la consommation en bois d'un aussi petit marché n'en fait pas le premier élément critique pour la déforestation, et de loin... L'agriculture, le chauffage comme le BTP ou l'expansion des villes sont assurément bien plus responsables de la déforestation massive que ne le sont les luthiers et facteurs...

En se basant sur les chiffres chinois, Jacques Carbonneaux de l'APLG estime ainsi qu'au niveau mondial, en 2018, la consommation en palissandre du secteur des instruments de musique ne dépasse pas les 5% face à celle des autres industries...

couper un arbre est simple mais il ne suffit pas de vouloir en planter un autre en guise de dédommagement pour que cela fonctionne, tandis qu'on évoque rarement la consommation d'énergie, de ressources, la pollution et les émissions de gaz à effets de serre que l'import du bois implique.

Le problème n'est pas tant quantitatif donc, mais plutôt qualitatif car les essences prisées pour la facture et la lutherie sont le plus souvent rares, et leur exploitation menace la biodiversité en bouleversant des écosystèmes complexes : si l'Amazonie est en train de se muer en savane au prix de l'extinction de milliers d'espèces de mammifères et de dizaine de milliers d'espèces d'insectes ou de végétaux, c'est aussi pour cela. BIen conscients du problème, on trouve des avant-gardistes chez les scientifiques comme chez les facteurs : les travaux d'un Romain Vialat à l'ITEMM (Interview à venir) sur l'acoustique des bois locaux ou les composites sont assurément porteurs de bien plus d'avenir que les projets de reforestation dont le succès n'a rien d'évident.

En vis-à-vis de cela, on distinguera par ailleurs la démarche d'un Berg Guitares qui parvient à faire des instruments de très haute qualité en ne recourant qu'à des matériaux locaux, récupérés ou recyclés ( voir cette interview). Là encore, ce sont des pionniers qui, en dépit de leur petite taille, dessinent un avenir possible à la lutherie... Avec ses imperfections, la CITES tente d'arbitrer tout cela tandis que la plupart des professionnels du secteur, par réel amour du bois et de la nature ou désir de rassurer leurs consommateurs, s'engagent dans des conduites responsables et des projets de reforestation...

Cette démarche est certes un pis-aller qui n'offre aucune garantie car à des dizaines de milliers de kilomètres de nous, couper un arbre est simple mais il ne suffit pas de vouloir en planter un autre en guise de dédommagement pour que cela fonctionne, tandis qu'on évoque rarement la consommation d'énergie, de ressources, la pollution et les émissions de gaz à effets de serre que l'import du bois implique. Et non seulement, l'arbre planté en guise de dédommagement peut ne pas pousser pour des raisons naturelles (la vie demeure un mystère complexe et de récentes recherches montrent que les arbres communiquent entre eux de différentes manières), se voir arracher pour des raisons économiques (depuis la fin des empires coloniaux, revendiquer le contrôle de forêts qui ne sont pas les nôtres relève d'une ingérence et d'un non-respect de la souveraineté des États), mais en admettant que cela marche, tout le temps que mettra le jeune arbre à atteindre la taille de l'arbre adulte prélevé s'écoulera au détriment des espèces animales et végétales qui dépendaient de lui dans un lien écosystémique. On imagine mal une mairie démolir un immeuble en promettant de reloger ses habitants quand un nouvel immeuble aura poussé (s'il pousse) mais c'est pourtant un peu la logique de la reforestation...

Quoi que l'on puisse penser de l'efficacité de tout cela, ce n'est toutefois pas tant au niveau de la forêt même que se situe le problème de la facture instrumentale, mais plutôt au niveau du transport des matériaux : lorsqu'on abat un arbre en Afrique pour faire une guitare en Chine qui sera ensuite vendue en Europe, il ne fait aucun doute que ce sont bien les bateaux qui vont l'acheminer qui seront les plus dommageables à l'environnement, à travers la pollution des mers et les gaz à effets de serre qu'ils émettent. C'est bien pour éviter ce genre d'aberration qu'on préconise la production locale...

Encore qu'il soit même complexe de définir la notion de fabrication locale à l'heure de la mondialisation...

Fabrication locale ?

Comme on le sait, dans le contexte du réchauffement climatique, c'est souvent le transport qui a le plus gros impact sur les émissions de gaz à effet de serre générées par un produit. Dès lors, il ne fait aucun doute que plus ce dernier sera fabriqué en local, et mieux ce sera pour l'environnement.... Sauf que cette notion de " fabrication locale " se heurte à la logique de la mondialisation car, pour des raisons de main d'oeuvre, de ressources et d'économie d'échelle qui vont jouer sur le prix, on ne peut pas construire dans tous les pays où l'on vend. De fait, sur le strict plan écologique, pourrait-on reprocher à une entreprise Française de fabriquer en Asie du Sud-Est si l'essentiel de ses ventes se font en Chine, au Japon ou aux USA et que le marché français ne représente que 5% de son chiffre d'affaire ?

l'Union Européenne dépend à 98% de la Chine sur les terres rares...

Les choses se compliquent un peu plus encore lorsqu'on examine le problème sous l'angle des ressources, humaines comme matérielles. Encore qu'en un sens, on pourrait paradoxalement dire qu'elles se simplifient vu qu'elle ne font plus l'objet d'un choix...

Vous vous souvenez de la phrase de Valéry Giscard d'Estaing : " En France, on n'a pas de pétrole mais on a des idées. " Eh bien disons que notre ancien président aurait pu dire la même chose sur quantité d'autre matériaux en plus du pétrole. De fait, l'Europe dépend par exemple à 98% de la Chine sur les terres rares... Et il en va de même pour la main d'oeuvre : quantité de profils qui abondent en Asie n'existent pas ou peu en Occident. De sorte que Tim Cook en vient à expliquer à Forbes que si l'iPhone est fabriqué en Asie, ce n'est pas en premier lieu pour des raisons de coût de main d'oeuvre ou de marge, mais simplement parce qu'on ne saurait pas le construire ailleurs que là-bas : les Chinois disposent en effet des ressources qui nous font défaut, comme de compétences qui nous font défaut. Guillaume Pile, PDG et fondateur de Two Notes, nous explique peu ou prou la même chose lorsqu'on lui demande pour quelle raison il fabrique en Asie : en France, on sait faire du protoypage, de grandes séries, mais pas les petites séries dont notre petit marché a besoin tandis que certains savoir-faires n'existent pas ici, soit parce qu'ils n'existent plus, soit parce qu'il n'ont jamais existé (Interview à venir).

Et pourtant, me direz-vous, il y a quantité de matériels qui sont étiquetés Made in France, USA ou Germany, c'est bien la preuve qu'on peut le faire, non ? Certes oui, mais il convient de soulever l'étiquette pour voir ce qu'il y a dessous...

Made in World...

Sachez-le : la mention " Made in France " ne répond pas à une loi bien stricte mais à une réglementation relativement floue du code des douanes de l'Union (CDU), sachant que c'est la DGCCRF qui se charge de vérifier son usage. Et que nous dit cette règlementation ? Que la mention " Made in " n'implique pas que le produit a été intégralement fabriqué dans le pays indiqué, mais qu'il tire, selon la Direction Générale des Entreprises (DGE) " une part significative de sa valeur d'une ou plusieurs étapes de fabrication localisées " dans le pays indiqué et a " subi sa dernière transformation substantielle " dans ce même pays.

Dit comme ça, c'est un peu vague. Et ça l'est dans les faits : dans le textile, il suffit que le design d'un vêtement ait été fait en France et qu'on couse l'étiquette de la marque en France pour que l'on puisse parler du " Made in France ". Que le coton utilisé ait été cultivé en Inde, cardé en Chine, tissé au Laos, teint au Thaïlande puis cousu au Maroc importe peu, sachant qu'aucune loi n'impose au fabricant de documenter les étapes de production... Et pour notre bon vieux matos audio ? Eh bien c'est un peu la même chose, en sachant qu'on ne sait jamais ce qui se cache derrière le Made in France, Made in Germany ou Made in USA : en général, on tablera sur une conception et un assemblage dans le pays déclaré, sachant que les contrôles sont rares, voire quasi inexistant dans une petite industrie comme celle de l'audio. Des organismes comme l'AFNOR montrent certes plus d'exigence lorsqu'il s'agit de décerner le Label Origine France Garantie (et qui implique qu'au moins 50 % du prix de revient de produit est français, examen des comptes et visite du fabricant à l'appui), mais ce label créé en 2010 est loin d'être populaire auprès du grand public...

Designed in ?

Sachez que les mentions " conçu en ", " designé en ", " assemblé en ", " élaboré en " ou " conditionné en " ne font l'objet d'aucune réglementation et ne sont donc pas à confondre avec la mention " Fabriqué en " qui, elle-même, ne fait pas l'objet d'un cahier des charges bien défini...

Dans ces conditions et en l'absence d'une règlementation plus exigeante, il est extrêmement difficile d'estimer le bilan carbone réel d'un produit, sans savoir quels transports ont occasionnés ses différents constituants ni quelle source d'énergie a été utilisée à tel ou tel moment de sa fabrication. À n'en pas douter, à l'heure de la raréfaction des ressources et des problématiques d'énergie, à l'heure aussi où les pays occidentaux se dédouanent de leur bilan carbone réel en déportant l'essentiel de leur production en Asie, il faudra bien un jour qu'on en vienne à ce qui se fait avec le bois ou la viande : un système de traçabilité qui, seul, permettra de juger de l'empreinte environnementale d'un produit. Ce serait visiblement dans les tuyaux pour les équipements numériques, et pourrait changer bien des choses dans la vision que nous avons de nos produits et de leur empreinte...

Encore que ce problème de fabrication pourrait à relativement court terme ne plus se poser du tout...

Toutes les bonnes choses ont une fin...

Pour construire des instruments comme du matériel audio, des voitures, des équipements, des centrales électriques mais aussi des médicaments, il nous faut de l'énergie certes, mais il nous faut aussi des matériaux dont la plupart ont mis des millions d'années à se créer dans les profondeurs de la Terre, par le biais d'opérations géophysiques complexes. Or, il n'y a rien d'évident à collecter l'écrasante majorité d'entre eux : c'est la différence entre les ressources de notre planète, et la portion de ressources qui sont atteignables qu'on appelle les réserves. De fait, il faut creuser toujours plus profond pour trouver des mines qui n'ont pas forcément les mêmes rendements que les mines d'autrefois, et recourir à des technologies toujours plus coûteuses en énergie... comme en matériaux !

il ne peut y avoir de croissance infinie dans un monde aux ressources finies

Voyez le cercle vicieux qui se profile sur cette illustration émanant d'un rapport réalisé par Claude Birraux et Christian Kert pour le Sénat (oui, je sais : ils sont vachement forts en Powerpoint au Sénat) :

Notre monde contemporain est complètement dépendant de l'énergie, à commencer par nos home studios et quantité de nos instruments. Or, pour créer de l'énergie, il faut construire des centrales. Et pour construire des centrales, il faut des matériaux... Et pour extraire les matériaux, il faut... de l'énergie !

Et c'est sans parler de la quantité de matériaux dont nous disposons... De fait, dans les réserves, on distingue ainsi les réserves rentables, c'est à dire celles qui sont exploitables avec un réel bénéfice, car il ne fait aucun doute qu'on cessera par exemple d'extraire du pétrole, non pas forcément le jour où il n'y en aura plus du tout sur la planète, mais le jour où extraire un baril coûtera un baril en énergie : on ne gagnera alors rien à l'extraire...

Or, ce problème est d'autant plus intéressant que les données concernant les réserves rentables s'épuisent à vitesse grand V, comme l'avaient prévu les brillants Denis et Donella Meadows dès 1972 dans le rapport Les limites de la croissance. Examinant les rapports entre démographie, économie et ressources, ces chercheurs du MIT accouchent d'une vérité simplissime. Il ne peut y avoir de croissance infinie dans un monde aux ressources finies : cette évidence qu'un enfant de 10 ans n'a aucun mal à comprendre demeure visiblement hors de portée de la plupart des chefs d'état et capitaines d'industrie à l'heure actuelle. Du moins ne veulent-ils pas s'étendre là-dessus parce qu'elle remet en question le fondement même de leur dynamique : augmenter toujours le CA comme le PIB, ce qui semble en fait impossible pour des limites physiques...

Pour vous en convaincre, voyez le tableau ci-contre produit par Guillaume Pitron dans La guerre des métaux rares. Au rythme actuel de production, il nous resterait une vingtaine d'années avant que nous ne nous trouvions face à des pénuries d'antimoine, d'étain, de plomb, d'or, de zinc, de strontium et d'argent. Moins de 10 ans même si l'on considère une explosion de la demande, ce qui est précisément le cas avec l'inévitable transition énergétique. Lors du dernier World Materials Forum, les acteurs de l'extraction ont d'ailleurs alarmé sur la criticité croissante des matériaux nécessaires à cette dernière.

Dans un rapport du 25 avril 2022 pour l'association européenne des producteurs de métaux Eurométaux, des chercheurs de l'université KU Leuven ont également alerté que l'Union Européenne s'exposait à d'importantes pénuries de plusieurs métaux critiques dès 2030, en se basant sur les plans industriels prévus par l'Union Européenne pour atteindre la neutralité carbone en 2050. Selon ces derniers, ils nous faudra 35 fois plus de lithium (800 000 tonnes par an) qu'en 2020, 27 fois plus de dyprosium, 9 fois plus de néodyme, 4 fois plus de praséodyme, 4 fois plus de cobalt et 2 fois plus de nickel. Le rapport pointe également des hausses importantes de la demande en silicium (+46,4%), en cuivre (+35,4%) ou en aluminium (+32,5%). De fait, " la quantité cumulée de métaux à produire au cours des trente-cinq prochaines années dépasserait la quantité cumulée produite depuis l'antiquité jusqu'à aujourd'hui. " (Vidal, 2018, in Ressources minérales, progrès technologique et croissance)

Sachant que l'extraction minière, petit détail de l'affaire, est l'un des plus faramineux moyen qu'ait trouvé l'homme pour détruire l'environnement. L'industrie minérale est le premier producteur au monde de déchets solides, liquides et gazeux.

Voyez cette simulation réalisée par de cuivre comme celle de Palabora en Afrique du Sud. À gauche, la boule représente la quantité de cuivre métal produite par la mine en 43 ans, tandis qu'à droite, on voit le périmètre des déchets miniers en surface (et en surface seulement : la pollution s'étendant dans l'air et dans les sols avec ce que cela implique pour les nappes phréatiques). Un désastre d'autant plus grand que la moitié des mines mondiales se trouvent dans des espaces naturels dont il faudrait préserver la biodiverité. Un désastre d'autant plus grand qu'on ne fait pas grand cas la plupart du temps de la santé et de l'espérance de vie des gens qui travaillent dans ces mines (Le Congo, représentant 60% des ressources en Cobalt emploierait plus de 40 000 enfants dans ses mines selon l'UNICEF, lesquels auraient des taux de Cobalt dans le sang 43 fois supérieurs à la moyenne). Un désastre d'autant plus grand que l'extraction minière consomme énormément d'eau potable. Il faut 200 mètres cube d'eau pour une tonne de roche, sachant qu'avec une tonne de roche, on obtient... 3 Dillon Marsh pour bien comprendre l'impact d'une mine 3 grammes de cuivre par exemple. Et il faut 100 tonnes de roches pour 28 grammes d'or (repensez-y en regardant le placage de vos connecteurs Jack). De fait, quand l'eau vient à manquer comme au Chili en raison du réchauffement climatique, ce pays étant un des plus gros fournisseur de cuivre mondial (13 % des réserves mondiales de cuivre rien que pour la mine de Chuquicamata), on consomme toujours plus d'énergie pour désaliniser l'eau de mer.

L'eau qui mérite d'ailleurs qu'on s'arrête un peu sur son cas...

L'or bleu, ce 119e élément...

Pas loin d'être invisibilisée à l'heure actuelle où tout le monde n'a d'yeux que pour les problématiques d'énergie, de pétrole et de gaz à effet de serre, la question de l'eau potable risque d'ailleurs de bouleverser bien des choses également depuis que les scientifiques estiment que nous avons franchi un seuil de non retour la concernant. D'abord parce qu'elle est très utilisée dans l'extraction de minerais, l'agriculture ou la production d'énergie et que sa raréfaction va se traduire par des pénuries dans ces différents domaines, mais aussi parce qu'elle risque de manquer sous peu sur la moitié du globe si l'on en croit l'ONU. C'est actuellement le cas en Somalie... Mais bon, me direz-vous, la Somalie, c'est loin de nous et on s'est presque habitué à les voir mourir de soif et de faim dans nos JT, les Somaliens... Le problème, c'est que cela pourrait être aussi le cas dans le bassin méditerranéen où la situation de Marseille, par exemple, préoccupe grandement certains chercheurs du CNRS : Marseille, une ville ultra-polluée, dont l'urbanisation n'est absolument pas conçue pour affronter le réchauffement climatique et qui repose largement sur les glaciers des Alpes pour se fournir en eau potable. Or, voyez ce qu'il reste de ces derniers sur les photos ci-contre...

On ne parle pas encore d'habitablité de la ville compromise, mais il y a fort à parier que les agriculteurs de la région vont très vite se retrouver dans des situations compliquées, à plus forte raison quand d'année en année, on bat des record de sécheresse en hiver, ce qui empêche les nappes phréatiques de se gorger d'eau de pluie... La question de l'eau qui se pose dans les pays lointains, elle va donc aussi se poser ici sous peu, sachant qu'après une année 2022 bien sèche et un début 2023 qui n'augure pas du meilleur, les restrictions sont déjà à l'ordre du jour, même si elles sont risibles en regard des changements qu'il nous faudrait anticiper ...

Mais laissons-là les Marseillais pour revenir à nos matériaux en considérant la carte ci-dessous qui fait état des principales sources en métaux et terres rares en regard de ce qu'on appelle le stress hydrique, soit le manque d'eau potable.

Ou comment comprendre que le problème de l'eau dont presque personne ne parle va vite peser sur le bon vieux tableau périodique des éléments de Mendeleïev qui indexe tous les composants de la matière, vivante ou non, soit ce qui nous permet aussi de construire nos guitares, nos pédales, nos amplis, nos synthés, nos interfaces audio, nos micros, etc.

L'industrie du matériel audio et musical pourra-t-elle se fournir en matériaux lorsque ces derniers manqueront probablement pour construire des centrales électriques, des téléphones ou des ordinateurs, des transports et... des médicaments ?

Reprenant le fameux tableau, l'illustration ci-contre tente de représenter les proportions qui existent entre les éléments chimiques et leur disponibilité, sachant que les nouvelles technologies comme le numérique, les énergies renouvelables ou la voiture électrique font exploser la demande sur la plupart des terres rares ou précieuses. De la sorte, on doute déjà de pouvoir fabriquer les voitures électriques promises à la légère par certaines de nos élites (Sur 94 éléments existant à l'état naturel sur Terre, 75 sont mobilisés pour la construction d'un véhicule électrique), tandis que la raréfaction de certaines ressources, en amont des pénuries, va évidemment se traduire par de sérieux problèmes géopolitiques.

C'est ainsi que lors de la COP26, les services de renseignement américains ont estimé que le risque de conflits internationaux serait nettement plus élevé dès 2030 en raison des migrations climatiques comme de la volonté de s'approprier les dernières ressources...

Métaux et santé ?

Quand on pense métal, on pense d'abord à des vis, des boulons, des outils, mais c'est oublier le rôle de ces derniers dans de multiples domaines, et er, bismuth, cobalt, nickel, lithium, antimoine, platine : tous sont utilisés pour produire des médicaments et c'est sans compter l'usage de terres rares pour réaliser des prothèses (un prothésiste dentaire manipule jusqu'à 32 métaux différents) ou des équipements médicaux... À l'heure où notamment dans le domaine sanitaire. F le réchauffement climatique nous expose à bien plus de pandémies, pour bien comprendre l'avenir de l'industrie des instruments et de l'audio, il vaut mieux anticiper les priorités qui seront celles des prochaines décennies.

Dans ce contexte, la question est la suivante : pensez-vous que, si modestes soient ses besoins, l'industrie du matériel audio et musical, relevant du loisir, puisse se fournir en matériaux lorsque ces derniers manqueront probablement pour construire des centrales électriques, des téléphones ou des ordinateurs, des transports et... des médicaments ?

À combien estimez vous les chance de voir un jour construit un SM58 100e anniversaire, une 185e réédition de la Tube Screamer quand le cuivre, le silicium, l'antimoine, le plomb et l'étain seront disputés dans les prochaines années par toutes les plus grosses industries et toutes les nations à des fins autrement plus vitales...

Heureusement, nous rassurent toutefois certains, le génie humain va trouver des parades à tous ces problèmes. Sans parler des spéculations sur l'hydrogène dont le développement embryonnaire montre qu'il pose, comme toute source d'énergie, au moins autant de problèmes qu'il n'en résout, sans parler des fantasmes d'extraction sur les météorites ou au centre de la terre qui relève pour l'heure de la science fiction, la solution concrète à nos problèmes de ressources, nous dit-on, c'est indubitablement le recyclage...

Le gros malentendu du recyclage

Face à la finitude des ressources décrites dès les années 70 par le rapport Meadows, la solution la plus souvent avancée est en effet celle du recyclage, dans une espèce de vision idéalisée de l'économie circulaire. Le premier problème à cela, c'est qu'il y a quantité de matériaux qu'on recycle mal parce qu'ils sont des alliages complexes de plusieurs éléments premiers. Comme l'explique Guillaume Pitron dans La guerre des métaux rares, cela revient dans bien des cas à vouloir séparer la farine de l'eau dans de la pâte à pain : un processus " d'une complexité folle, chronophage, énergivore ", ce qui nous ramène au cercle vicieux évoqué plus haut : si recycler une pile coûte l'énergie de deux piles, vous voyez vite là où ça peut coincer...

Passons sur le fait que l'opération génère une pollution non négligeable et consomme de l'eau potable pour ne nous intéresser qu'à un autre problème : la collecte et le stockage des déchets en attente de recyclage, et qui est loin d'être une évidence si l'on considère que la plupart de nos déchets électroniques finissent dans des décharges à ciel ouvert dans des pays du tiers monde... Or, comme la chose est de moins en moins possible (la poubelle est pleine dans ces pays aussi et le tri, l'acheminement et le recyclage sont coûteux), on en vient même à voir des villes américaines arrêter tout bonnement le tri des déchets et les programmes de recyclage au profit de décharges ou de l'incinération, quoi qu'il en coûte.

Certes, il n'est pas inenvisageable qu'on invente de nouvelles technologies qui vont révolutionner le recyclage ou l'extraction, les rendre plus simples et moins énergivores, moins coûteuse en eau. Espérons juste qu'on aura les matériaux et l'énergie pour construire ces dernières, et qu'elles génèreront moins de pollution que les technologies actuelles, ce qui n'a rien d'évident dans la mesure où la société de consommation n'a jamais fait qu'illustrer le paradoxe de Jevons (appelé aussi " effet rebond " et qui veut que plus on optimise la consommation d'une technologie en ressources ou en énergie, et plus on recourt à cette dernière, ce qui se traduit malgré le progrès par une augmentation continuelle de la consommation)... Pour l'heure en tout cas, les chiffres du recyclage montre qu'il s'agit plus d'une promesse que d'une réalité : depuis 2015, plus de 6,9 milliards de tonnes de déchets plastique ont été produites. Environ 9 % ont été recyclés, 12 % ont été incinérés et 79 % ont été accumulé dans des décharges ou dans la nature (source : National Geographic). Selon l'ONU, 1% des terres rares seulement seraient recyclées, notamment parce que 18 métaux seulement ont des taux de recyclage supérieur à 50 %.

Pour l'heure, plutôt que de parler d'un recyclage qui ne doit être considéré, comme le soulignent l'ADEME ou le GIEC, que pour les quelques déchets que nous n'avons pas réussi à réduire au terme d'une politique zéro-déchet, on misera donc plutôt sur la réutilisation...

New deal for a new world...

Recyclage et réutilisation : Il convient de ne pas confondre les deux termes. On parle de réutilisation lorsqu'un objet voire un déchet peut être utilisé à nouveau, en détournant éventuellement son usage initial. Alors que lerecyclageest l'opération par laquelle la matière première d'un déchet est utilisée pour fabriquer un nouvel objet, ce qui contrairement à la réutilisation, consomme systématiquement de l'énergie et génère de la pollution.

Or, la réutilisation, c'est quelque chose que nous savons déjà faire : il s'agit de revendre telle guitare ou pédale qu'on n'utilise pas, de donner tel synthé ou micro qui prend la poussière sur une étagère... Et c'est là plus probablement que se situe l'avenir de l'équipement dans les prochaines décennies, d'autant qu'à mesure que la récession et l'inflation se font ici ou là plus présentes, le recours à l'occasion devient crucial pour le fameux " pouvoir d'achat ". Là, et dans la réparation de matériels pensés pour être durables... C'est encore une chose rare, surtout en entrée de gamme où les produits sont pensés pour être jetables (boîtiers thermocollés sans vis pour les ouvrir, composants englués, etc.) et où, sans forcément penser que nous sommes face à de l'obsolescence programmée (qui est désormais un délit), la durabilité du produit est un souci moindre que l'agressivité du tarif.

Cette guitare ou ce synthé qui sont les vôtres ne vous ont jamais appartenu quoi qu'en disent vos factures. C'est la Terre qui vous les a prêtés, bon gré mal gré.

Eat the REACH!

REACH (Registration, Evaluation, Authorization and restriction of CHemicals) est une réglementation européenne entrée en vigueur en 2007 pour interdire 71 substances chimiques dont la dangerosité était avérée pour l'homme, comme celle des fameux " polluants éternels " (Le film Dark Waters retrace la découverte de cela aux USA). C'est notamment dans ce contexte que les constructeurs utilisant du téflon (appelé aussi PTFE pour polytétrafluoroéthylène) ont dû revoir leur copie en se tournant vers des matériaux de remplacements, lesquels appartiennent à la famille des PFAS (Substances perfluoroalkylées). Or ces dernières ne seraient pas bien meilleures pour la santé comme pour l'environnement et on attend pour la fin de 2023 une mise à jour du REACH qui devraient les interdire définitivement. Ce qu'il faut savoir, c'est que sur les 22 000 substances supposées dangereuses qu'on trouve sur le marché, seul un quart a fait l'objet d'une étude. Si le lobby pétrochimique fait tout son possible pour retarder cet examen comme la mise à jour du REACH qui devait avoir lieu fin 2022, on parle dans les couloirs de milliers substances qui pourraient être frappés d'interdiction et de limitation dans les prochaines années (les PFAS représenteraient 10 000 substances). En quoi cela nous concerne-t-il ? Eh bien, disons que certains fabriquant de cordes ou de pièces font un grand usage des PFAS, de sorte que, pour des raisons de santé publique, l'évolution du REACH pourrait sérieusement compromettre leur activité.

L'interdiction prochaine de milliers de substances met déjà plus d'un fabriquant de cordes en métal dans l'embarras et on voit mal comment ces derniers pourraient obtenir des dérogations quand on ne parle pas là que d'un problème écologique mais d'un problème sanitaire avéré... " Les PFAS sont les substances les plus toxiques jamais créées par l'Homme, elles sont industrielles, donc notre corps n'a pas les défenses naturelles pour lutter contre elles. " explique Philippe Grandjean, professeur de santé environnementale à la Harvard TH Chan School of Public Health. Et quand on sait que certaines marques de cordes ont basé la spécificité de leurs produits sur l'usage de PFAS qu'il ne faudrait surtout pas gratter, on comprend que le retour à la bonne vieille corde en acier va être de mise, mêrme si des firmes comme Sipario semblent avancer vers des solutions dans le domaine des harpes qui seront peut-être applicables à la guitare.

Nul doute que le génie humain trouvera des solutions à ces problèmes qui vont toucher bien d'autres secteurs que ceux de la musique (la pêche notamment, mais aussi la chirurgie, etc.), mais il va falloir faire vite car si le pic du pétrole conventionnel a eu lieu en 2008, celui du pétrole de schiste et des sables bitumineux aura lieu dans les toutes prochaines années. Que prévoit-on ensuite ? Une décroissance structurelle, c'est à dire une baisse de la disponibilité de la ressource, menant à une hausse de son prix dans un premier temps, puis à son abandon relativement brutal lorsqu'elle ne présentera plus d'intérêt financier à être exploitée... Et quand on sait que cette ressource demeure aussi notre principale source d'énergie, on comprend la complexité du problème qui va très vite se poser à nous...

Entre transition et rupture, le future de la facture...

Vous l'aurez compris : pour des raisons d'environnement comme de ressources ou d'énergie, la production future de nos matériels et instruments devra se réinventer en bonne partie sur le plan technologique si elle veut passer dans les prochaines décennies cette phase de " transition " qui, sur bien des points, prend des airs de rupture. Cela impliquera très probablement de ne plus considérer la performance ou le prix comme les principaux objectifs de fabrication, mais plutôt ceux de la durabilité et de l'économie de moyens comme l'empreinte écologique sur tout le cycle de vie du produit. Face à ces prospectives, la seule chose qui soit réellement acquise à l'heure actuelle, c'est ce qui existe déjà et qu'il faut conserver comme un précieux leg de la Terre aux musiciens. De la sorte, il s'agit d'envisager cette économie non plus sous le seul angle de la production mais aussi sous celui de la conservation et de la redistribution, non par choix, mais par bon sens bientôt, et très probablement par nécessité ensuite. Et lorsque ces questions viendront, il s'agira de se rappeler que cette guitare ou ce synthé qui sont les vôtres ne vous ont jamais appartenu quoi qu'en disent vos factures. C'est la Terre qui vous les a prêtés, bon gré mal gré.

Gageons enfin que, comme pour toutes les autres problématiques d'environnement, et peut-être plus encore sur ce point précis, c'est vraiment l'ingéniosité humaine qui va être mise à contribution car, quand il n'y aura vraiment plus de pétrole, comme de pas mal d'autres choses, oui, il faudra vraiment montrer qu'on a des idées...

Et ils le font sans revenir en arrière technologiquement comme le caricaturent certains, mais en tournant le dos au productivisme dépassé des années 50 et en explorant les territoires vierges des technologies sobres où il n'est plus seulement question de performance pure, mais d'un rapport entre la performance et les moyens mis en oeuvre, entre l'efficience d'une solution et son empreinte écologique : fait cela, fait cela, comme quantité d'autres qui se sont remontés les manches. Et cela est d'autant plus intéressant qu'on voit les David reprendre des couleurs face aux Goliaths de l'industrie, car si une grosse société dispose de plus de moyens, de ressources en R&D et de visibilité qu'une structure plus petite, elle n'a pas son agilité à l'heure de se remettre en question et peut souffrir de bien plus de contraintes et de lourdeur. En regard de cela, les prochaines années s'annoncent passionnantes, et même enthousiasmantes une fois qu'on envisage qu'à toutes les échelles des problèmes qui se poseront à nous, les valeurs humaines d'intelligence, de coopération et de partage, seront au coeur de toutes les solutions.

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L'impact de l'équipement audio et musical sur l'environnement, et vice et versa...

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S'interroger sur l'impact écologique de la musique, c'est évidemment se questionner aussi sur la fabrication de nos instruments et matériel audio. Une question bien complexe pour une petite industrie... Car oui, si grande soit votre passion pour la musique, si grand soit votre amour pour votre guitare ou votre synthé, sachez-le : la taille du marché mondial des instru­ments de musique est rela­ti­ve­ment modeste.

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Lecture

Les Fleurs du mal de Charles Baudelaire : Le mort Joyeux

Dans une terre grasse et pleine d'escargots
Je veux creuser moi-même une fosse profonde,
Où je puisse à loisir étaler mes vieux os
Et dormir dans l'oubli comme un requin dans l'onde,

Je hais les testaments et je hais les tombeaux ;
Plutôt que d'implorer une larme du monde,
Vivant, j'aimerais mieux inviter les corbeaux
A saigner tous les bouts de ma carcasse immonde.

Ô vers ! noirs compagnons sans oreille et sans yeux,
Voyez venir à vous un mort libre et joyeux ;
Philosophes viveurs, fils de la pourriture,

A travers ma ruine allez donc sans remords,
Et dites-moi s'il est encor quelque torture
Pour ce vieux corps sans âme et mort parmi les morts !

Programmation musicale

Franz Schubert : Quatuor à cordes n°14 en ré mineur D 810 (La jeune fille et la mort) : 2. Andante con moto
Quatuor Van Kuijk
Alpha Classics Alpha417

C'est terrible à quel point les vivants se questionnent sur la mort, et inversement, les morts peut-être aussi... mais je n'ai pas confirmation ... - Alex Vizorek

Wolfgang Amadeus Mozart : La flûte enchantée (Acte II) :
- Papagena Papagena Papagena (Air de Papageno)
- Halt ein! o Papageno , und sei klug (Quatuor Les enfants et Papageno)
Sunhae Im, soprano
Daniel Schmutzhard, baryton
Akademie für Alte Musik Berlin dirigée par Rene Jacobs
Harmonia Mundi HMC 902068.70

Jean-Sébastien Bach : Suite pour violoncelle n°1 en Sol Majeur BWV 1007 : 5. Menuet I et II
Bruno Philippe, violoncelle
Harmonia Mundi 902684-85

"J'ai " gratté " un peu de guitare comme tout post-adolescent mais pas plus. Quand j'écris un spectacle cela me permet d'apprendre... et apprendre c'est quelque chose que j'aime." - Alex Vizorek

Le cymbaliste par Alex Vizorek

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Igor Stravinsky : Histoire du soldat : Marche triomphale du diable (2ème partie)
Concert donné le 10 avril 2022 à 11h00 à l'Auditorium de la Maison de la Radio et de la Musique à Paris dans le cadre du cycle Les matins du National

"Pour l'Histoire du soldat de Stravinsky, j'ai un peu simplifié le texte de Charles-Ferdinand Ramuz. A force de l'écouter j'ai appris à aimer cette partition, ainsi j'en ai compris l'histoire et la musique m'est devenue intime." - Alex Vizorek

Johannes Brahms : Sonate pour violoncelle et piano n°2 en Fa Maj op 99 : 2. Adagio affettuoso
Jacqueline du Pré, violoncelle
Daniel Barenboim, piano
Warner Classics 0190296950322

"Enfant, je suis allé voir des répétitions de La Flûte enchantée à la Monnaie de Bruxelles. Quand on est un gosse de 12 ans confronté à un opéra en allemand, c'est compliqué. Mais quand on se balade dans les décors puis que l'on écoute l'opéra en salle, on éprouve ensuite un respect immense et on a envie de comprendre. La beauté de la musique est épidermique, là il n'y a pas de discussion..." - Alex Vizorek

Georges Bizet : Carmen : ouverture
Orchestre National du Capitole de Toulouse dirigé par Michel Plasson
EMI 5574342

Camille Saint-Saëns : Le carnaval des animaux : Aquarium
Alex Vizorek, récitant
Duo Játékok : Adélaïde Panaget et Nari Badal, pianos
Orchestre National de Lille dirigé par Lucie Leguay
Alpha Classics Alpha749

Les routiers par Jean Yanne et Paul Mercey sur le site de l'INA

"Les gens du classique sont beaucoup plus drôles que l'image que l'on peut en donner ...
Durant les Victoires de la musique, j'ai vu les jeunes talents faire la chenille dans les coulisses... Ils s'amusaient comme des gamins à l'instar de Saint-Saëns quand il a écrit Le carnaval des animaux." - Alex Vizorek

Ludwig van Beethoven : Quatuor à cordes n°6 en Si bémol Majeur opus 18 n°6 : 1. Allegro con brio
Quatuor Ebène
Erato
La musique selon Coluche
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Lettre à Elise selon Paul Lay, piano
Gazebo GAZ207

Alexandre Astier, humoriste et musicien, joue Bach et donne une leçon de clavecin
Mars 2010 au Montreux Comedy Festival

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Jean-Sébastien Bach : Sonate en ré mineur BWV 964 pour clavecin : Fuga : Allegro
Andreas Staier, clavecin
Teldec 3984-21461-2

"Dans la musique classique on a envie de connaître l'envers du décor. On ne se rend pas forcément compte qu'il y a énormément de choses à vivre au sein d'un orchestre." - Alex Vizorek

Bernard Haller : sketch Le pianiste

"Il y a beaucoup plus de ponts que l'on ne pense entre le rire et le classique... Je pense qu'on a le droit de rire de l'art... J'essaie par-là de convaincre l'auditeur le plus extrémiste de France Musique..." - Alex Vizorek

Leroy Anderson : Concerto pour machine à écrire
Orchestre Symphonique du WDR de Colgone dirigé par Pinchas Steinberg
Capriccio 10299

Actualités d'Alex Vizorek

Samedi 8 avril à 11h à la Maison de la Radio et de la musique
Deux contes musicaux sur des textes d' Adeline Dieudonné : Au fond de l'Océan et Alex Vizorek : Les Jumellomanes, Op.19
Avec l'Orchestre Philharmonique de Radio France
Musique originale d' Élise Bertrand
(Commande de Radio France-création mondiale)

Le carnaval des animaux à la Salle Gaveau - Dimanche 14 mai 2023 avec le Duo Játékok

Les nuits d'été 2023 avec l'Orchestre National de Lille : les jeudi 6 et vendredi 7 juillet 2023
L'ONL fait son cinéma

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Alex Vizorek, humoriste : "Il y a beaucoup plus de ponts que l'on ne pense entre le rire et le classique"

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En ce lendemain de 1er avril, Musique Emoi propose de considérer le rire comme un émoi musical ! Alex Vizorek, mais aussi Coluche, Jean Yanne, Bernard Haller et Alexandre Astier, sont invités à ce micro pour permettre à l'humour de se sentir comme un poisson dans l'eau au milieu du grand répertoire.

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"Les chants du vivant": quand la culture vocale des Inuits débarque en Bretagne

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"Les chants du vivant": quand la culture vocale des Inuits débarque en Bretagne

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L'Orchestre National de Bretagne crée demain soir à Rennes Chorus Nonavik Breizh, une œuvre écrite par la compositrice québécoise Katia Makdissi Warren, qui réunit 4 chanteuses inuites et bretonnes.

Le but est de mêler les deux cultures : " Quand on a commencé à travailler ensemble, on a tout de suite réalisé qu'il y avait beaucoup de choses en commun dans l'héritage, dans l'oppression de la culture et de la langue mais aussi concernant le caractère ludique du patrimoine". Katia Makdissi Warren explique la technique du chant de gorge inuit : "chanté traditionnellement par deux femmes, c'est un jeu qui imite la nature. C'est la première personne qui rit ou perd le souffle qui perd le jeu". Le nom de l'œuvre Chorus Nunavik Breizh est un "hymne aux deux cultures", "Nunavik" pour la région d'où viennent les chanteuses de gorge et "Breizh" pour la Bretagne.

Les quatre chanteuses interprèteront cette œuvre avec orchestre : "Pour composer la partie orchestrale, je suis allée chercher des sonorités impressionnistes. J'ai voulu créer une ambiance sonore qui accueille les voix inuites et bretonnes. J'ai travaillé avec les musiciens de chaque section dans le but de produire des sons d'animaux avec les instruments".

L'œuvre Chorus Nunavik Breizh de Katia Makdissi-Warren est programmée dans le cadre des concerts "Les Chants du Vivant" donnés lesjeudi 6 ,vendredi 7 &samedi 8 avril à Rennes et Saint Malo, par l'Orchestre National de Bretagne placé sous la direction de Nicolas Ellis, et les chanteuses Marthe Vassallo, Lydia Etok, Nolùen Le Buhé et Nina Segalowitz.

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"Les Chants du vivant" : quand la culture vocale des Inuits débarque en Bretagne

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L'Orchestre national de Bretagne participe ce jeudi à la création d'une œuvre de la compositrice québécoise Katia Makdissi-Warren. Intitulée "Chorus Nunavik Breizh", elle est née de la rencontre entre quatre chanteuses issues de deux traditions vocales, le chant de gorge inuit et le chant breton.

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L'art public est généralement associé aux arts visuels. On pense spontanément aux nombreuses sculptures qui habitent nos parcs et nos bâtiments publics grâce à l'application de la Politique d'intégration des arts à l'architecture et à l'environnement du gouvernement du Québec. On pense également à la photographie. Pendant plusieurs années, dans le cadre de son projet Plan large, l'organisme Quartier éphémère a investi des panneaux publicitaires inoccupés pour y présenter des oeuvres de photographes contemporains. La charge émotive générée par l'affrontement entre les chiens de Sélection naturelle (2005), de Carlos et Jason Sanchez, a dû surprendre plus d'un automobiliste entrant à Montréal par l'autoroute Bonaventure à l'automne 2006. Néanmoins, l'art public, ou faudrait-il davantage parler d'art dans l'espace public pour éviter le carcan d'une définition trop institutionnelle, peut se manifester sous mille et une formes. Dans cette chronique, ma collègue Aseman Sabet a déjà évoqué le riche potentiel de l'art performatif et éphémère pour stimuler l'innovation dans la pratique de l'art public. Ce texte propose, pour sa part, une réflexion sur la matière sonore. Appréhender la création dans l'espace public par le son ne pourrait-il pas contribuer à renouveler le regard que nous posons sur la ville et contribuer à enrichir le langage de l'art public ?

La notion de paysage sonore a d'abord été définie par Murray Schafer dans son ouvrage Le paysage sonore. Le monde comme musique, publié initialement en anglais en 1977. Elle y est présentée comme " [l]'environnement des sons... Le terme s'applique tout aussi bien à des environnements réels qu'à des constructions abstraites, tels que compositions musicales ou montage sur bande, en particulier lorsqu'ils sont considérés comme faisant partie du cadre de vie." Schafer inclut dans le paysage sonore une grande diversité de bruits, depuis les bruits de la nature - le vent, la pluie, la neige - en passant par les bruits humains - les cris, la respiration, les chants - et les bruits mécaniques - les voitures, les hélicoptères, les marteaux-piqueurs. Dans son livre, Schafer prêche pour une plus grande éducation de l'oreille, l'établissement d'une meilleure culture auditive au sein d'une société dominée par la vue. Il écrit poétiquement : " le concert de l'univers est permanent et les places à l'auditorium sont gratuites."

Vers la même époque que les travaux de Schafer, Max Neuhaus effectue un travail de pionnier qui contribue à la reconnaissance du son comme médium appartenant au champ de l'art contemporain. D'abord interprète de musique contemporaine, il développe parallèlement une pratique artistique axée sur la création d'installations sonores, notamment dans l'espace public. Convaincu que le sentiment d'appartenance dépend de ce qui est entendu, tout comme de ce qui est vu, il explore le potentiel du son pour transformer la perception des lieux. De 1966 à 1976, il conçoit une série de quinze marches sonores où il invite les spectateurs à une excursion, à l'extérieur de la salle de concert, dont l'objectif est de porter attention aux sons quotidiens de la ville.

Les marches sonores ont depuis intégré les pratiques artistiques de nombres d'artistes actuels, dont l'une des plus connues est certainement Janet Cardiff. Des organismes ont également entrepris de s'inscrire en continuité de ces réflexions sur le paysage sonore, nées à la fin des années 1960, en collectant les bruits et les voix qui composent la ville. C'est le cas de Bruxelles nous appartient - Brussel behoort ons toe (BNA-BBOT), une organisation fondée en 1999, qui se consacre à la " mémoire sonore " de la capitale belge. Ses activités impliquent notamment la collection de nombreux témoignages oraux des Bruxellois. Ensemble, ces récits individuels (re)construisent l'histoire commune du territoire dans tout ce qu'il a d'habité et de vécu. Les témoignages recueillis par BNA-BBOT sont archivés dans une base de données où sont aussi compilés des sons de la ville. La totalité de ces bandes sonores est mise à la disposition de la collectivité, permettant notamment à des artistes d'en faire leur matériau de création.

C'est en collaboration avec BNA-BBOT, et à l'invitation du centre d'art contemporain WIELS, que le collectif d'artistes italiens ZimmerFrei a réalisé, en 2013, l'oeuvre W - composée de sept parcours sonores, de trois installations sonores et visuelles, et d'un livre. L'oeuvre proposait d'accéder à l'histoire de l'ancienne brasserie belge Wielemans-Ceuppens aujourd'hui convertie en pôle de diffusion culturelle et de création dont fait partie le WIELS. Une vingtaine d'entrevues auprès de résidants du quartier, d'anciens travailleurs de la brasserie et de nouveaux travailleurs du centre d'art ont été conduites par BNA-BBOT, tandis que ZimmerFrei a entrepris de transformer ce matériau pour composer un paysage affectif où l'acte de mémoire et l'acte de création s'enrichissent mutuellement.

La posture de BNA-BBOT est riche pour réfléchir à l'art public et à ce que le son peut apporter à ce domaine. En effet, les activités de l'organisation sont définies par deux principes fondateurs : la radicalité du son et la prise de parole comme événement. Le premier est une réponse à la domination de l'écrit et de l'image dans le monde documentaire et dans la société occidentale. En redonnant la place qui revient au son, l'organisme défend l'idée que " [s]'intéresser à la parole des gens, c'est non seulement s'intéresser à ce qui est dit (ou n'est pas dit), mais également aux manières qu'ont le dit ou le non-dit de se dire (ou de ne pas se dire)." Afin d'être fidèles à cette idée, les entretiens ne sont pas retranscrits puisque ce processus aurait pour conséquence d'aplanir la parole, de la priver de son accent, de son rythme, de son intensité, bref, de sa singularité. La matière sonore permet aussi de rendre visible l'invisible, d'inscrire dans l'histoire des groupes sociaux et des individus qui maîtrisent moins l'écrit, l'image et les conventions qui régissent leur circulation. Le second principe s'inscrit en continuité du premier et entend " participer d'une réflexion sur les conditions de l'appartenance à ce que l'on appelle ordinairement "l'histoire". Une réflexion sur les critères d'inclusion à cette histoire telle qu'elle s'écrit et se transmet comprend nécessairement une réflexion sur ses critères et procédures d'exclusion." Ainsi, BNA-BBOT envisage la parole elle-même comme un événement historique, redonnant ses lettres de noblesse à la parole quotidienne et à la petite histoire.

Plus près de nous, à Montréal, le collectif Audiotopie réalise également des audioguides. Le collectif oeuvrant dans le domaine des nouveaux médias propose, grâce à cet outil, des parcours urbains où sont mises en valeurs les ambiances sensibles. Les composantes dont l'assemblage donne naissance à leurs audioguides sont hétérogènes : extrait d'entrevue, field recording, composition électro-acoustique, narration, etc. Tout comme on l'observait dans le projet de ZimmerFrei, les créations d'Audiotopie s'inscrivent souvent à la jonction du social et de l'artistique. Réalisé en collaboration avec Conscience urbaine et Action des femmes handicapées, Accessibilité universelle (2010) interroge l'aménagement et le partage de l'espace public. Par l'intermédiaire de l'expérience de neuf femmes handicapées, cette oeuvre sensibilise aux enjeux quotidiens de l'accessibilité universelle et à l'importance de concevoir des espaces publics conviviaux. Déjà en 1977, depuis sa perspective d'universitaire sur le sujet, Schafer considérait que l'étude et la transformation du paysage sonore se situaient à la frontière des sciences humaines et de l'art.

Mais l'audioguide n'est pas le seul moyen de révéler et de recomposer le paysage sonore. À l'été 2013, répondant à une commande du centre Avatar, les artistes Sabin Hudon et Catherine Béchard ont installé, dans les rues de Québec, les vingt dispositifs d'écoute qui composaient l'oeuvre L'oreille [é]tendue (2013). Cornet acoustique installé en hauteur sur des sites stratégiques, chaque dispositif d'écoute avait pour effet d'isoler une couche sonore de l'ensemble des couches sonores superposées et normalement perçues simultanément dans l'espace urbain. Attirant l'attention du spectateur sur des réalités sonores parfois inattendues, bien que sans cesse côtoyées, l'oeuvre invitait à porter attention à l'environnement immédiat. Le paysage sonore de la ville tenait la vedette de cette intervention, aux côtés des événements uniques qui ponctuent la vie de la cité.

Il apparaît, par ce bref survol des pratiques artistiques où le paysage sonore est mobilisé au titre de médium que le son peut effectivement contribuer à enrichir le langage de l'art public en y intégrant, entre autres, un élément identitaire de la ville souvent délaissé. Cet élément identitaire est néanmoins puissant par sa capacité à révéler des espaces invisibles et des histoires rapidement oubliées. La réflexion proposée par BNA-BBOT sur les processus de sélection qui forgent l'histoire ouvre la porte à de nouvelles avenues en matière de commémoration. Elle propose de faire la promotion d'une mémoire populaire, absente des récits officiels de façon criante, et, de surcroît, de la faire dans le plus grand respect de la singularité de chacun. Il me semble que cette célébration des habitants de la ville et de leur quotidien, de la vie des espaces publics au-delà de leur physicalité, a plus que sa place dans le champ de l'art public. D'ailleurs, tel que le soulignait très justement Schafer, si l'on peut fermer les yeux, on ne peut fermer les oreilles.

Josianne Poirier a complété une maîtrise en études urbaines à l'Institut national de la recherche scientifique et elle est présentement étudiante au doctorat en histoire de l'art de l'Université de Montréal. Intéressée principalement par la relation entre l'art, la culture et l'espace urbain, elle aborde dans ses travaux des thématiques telles que l'art public et les quartiers culturels. Ses recherches actuelles portent sur les usages symboliques et esthétiques de la lumière dans les espaces publics de la ville contemporaine.

Schafer, R. Murray. Le paysage sonore. Le monde comme musique, Marseille, Wildproject, 2010 [1977], p.384.

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Le paysage sonore comme matière - Espace art actuel

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L'art public est généralement associé aux arts visuels. On pense spontanément aux nombreuses sculptures qui habitent nos parcs et nos bâtiments publics grâce à l'application de la Politique d'intégration des arts à l'architecture et à l'environnement du gouvernement du Québec. On pense également à la photographie....

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Le temps des cerises: le printemps et la commune.

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Le temps des cerises: le printemps et la commune.

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Qu'il semble bien loin le temps des cerises lorsque les voitures se croisent sur l'avenue Jean-Baptiste Clément. Cette artère de Boulogne Billancourt se souvient de l'une des gloires de la ville. Un journaliste, syndicaliste et chansonnier montmartrois amené à monter sur les barricades de la Commune de Paris et que l'on connait surtout pour une petite romance, aux images belles et simples qu'il aurait écrite sur le chemin de la Belgique. C'est dans une petite maison blanche de Conchy-les-Pots, dans l'Oise, que Jean-Baptiste Clément aurait écrit Le Temps des Cerises. Un pavillon bordé de cerisiers où l'on pouvait aussi entendre les rumeurs d'un estaminet, le café du commerce situé non-loin de là...

Au départ, le Temps des Cerises est une chanson d'amour sans prétention. Clément reprend ici un topos, un sujet que l'on connait bien. Celui d'associer le souvenir nostalgique d'un amour heureux qui a eu lieu au printemps. Une idée que l'on trouve par exemple dans la musique romantique du Voyage d'Hiver de Schubert et les poèmes de Willhelm Müller. Mais puisque le Temps des Cerises a été écrit en 1866, qu'il fait état d' " une plaie ouverte " et de " cerises d'amours tombant en goutte de sang " et parce que son auteur était un communard, aujourd'hui encore, on associe Le Temps des Cerises à l'insurrection printanière de la Commune de Paris.

Ce n'est qu'un peu plus tard, en 1882, que Jean Baptiste Clément a fait lui-même un lien entre la Semaine Sanglante et les cerises. En effet, Le Temps des Cerises est dédié à une infirmière nommée Louise qui aurait insisté pour rejoindre les insurgés parisiens et qui aurait ainsi sauvé des compagnons de Clément. " Puisque cette chanson a couru les rues " écrira Clément " j'ai tenu à la dédier, à titre de souvenir et de sympathie, à une vaillante fille qui, elle aussi, a couru les rues à une époque où il fallait un grand dévouement et un fier courage !

Depuis ce temps, la chanson de Clément a fait florès. On ne compte plus en effet, les reprises du Temps des Cerises. Celles de Cora Vaucaire, de Montand, de Ferré, de Nana Mouskouri, de Trenet mais aussi de Mouloudji. Souvenons-nous de cette version où l'on peut entendre un arrangement léger signé François Rauber et cette voix du passé qui n'a pas pris une ride, aussi charmante et fragile que le printemps.

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Le temps des cerises : le printemps et La Commune

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Qu'il semble bien loin le temps des cerises lorsque les voitures se croisent sur l'avenue Jean-Baptiste Clément. Cette artère de Boulogne Billancourt se souvient de l'une des gloires de la ville.

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"Ce ne sont pas les casseroles qui feront avancer la France", a assuré, ce jeudi 20 avril 2023, le président de la République en déplacement à Ganges, dans l'Hérault. Depuis l'allocution d'Emmanuel Macron le 17 avril dernier, lors de laquelle de nombreux manifestants se sont réunis devant des mairies pour frapper sur des casseroles, elles sont devenues un symbole du mécontentement de la population face au projet de réforme des retraites. À tel point que les forces de l'ordre mobilisées aujourd'hui à Ganges évoquent un arrêté préfectoral pour confisquer ces bruyants ustensiles de cuisine...

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La casserole a pourtant une longue histoire politique, qui se joue ailleurs que sur les fourneaux. Déjà, en mars 2017, nous racontions comment, pour protester contre la candidature de François Fillon, alors accusé de complicité de détournement de fonds publics pour l' emploi fictif de son épouse, Pénélope Fillon, des personnes se réunissaient pour frapper sur des casseroles à chacun de ses rassemblements. "Dimanche à 15h, où que vous soyez, à votre fenêtre, dans votre jardin, sur votre balcon... tapez sur des casseroles pendant 3 minutes", proposait par exemple un message publié sur les réseaux sociaux le 4 mars 2017. Quelques centaine de citoyens s'étaient alors décidés à faire résonner leurs ustensiles de cuisine pour perturber le rassemblement de soutien à François Fillon prévu au Trocadéro, à Paris. La casserole comme arme politique n'avait alors déjà rien de nouveau. Le phénomène remonte même au Moyen Âge, comme nous le racontait à l'époque l'historien Emmanuel Fureix, spécialiste du XIXe siècle, et plus particulièrement des pratiques politiques.
De quand date le phénomène des concerts de casseroles, en France ?
Il remonte au début de la Monarchie de Juillet, dans les années 1830. Ce sont essentiellement les républicains, opposants au régime de Louis-Philippe, qui cherchent à faire entendre leur voix en empruntant en réalité à un rituel coutumier bien connu des ethnologues, qu'on appelle "charivari". Il visait depuis le Moyen Âge, au village, les mariages mal assortis, les veufs remariés avec des jeunes filles, qui étaient accueillis par un rituel d'humiliation fait d'un concert tonitruant de casseroles notamment, qui se terminait parfois par une amende, et une réconciliation à la fin du rituel. Dans ces années 1830, ce sont des députés proches du gouvernement de l'époque, gouvernement dit de résistance, de retour à l'ordre, et puis aussi des préfets, donc l'appareil d'État, qui sont visés par des concerts de casseroles sur l'ensemble du territoire. On observe même une véritable campagne nationale de charivaris pendant l'année 1832. Avec une centaine de charivaris qui durent plusieurs heures, se répètent parfois plusieurs jours consécutifs, et qui se déroulent essentiellement la nuit tombée, avec quelques dizaines de personnes dans le cas des rituels les plus mineurs, et parfois plusieurs milliers de personnes avec un écho véritablement national.
Quelques grandes figures visées par ces charivaris ?
La plupart des députés de l'époque sont aujourd'hui totalement inconnus, mais certains sont bien connus, comme Adolphe Thiers, qui était alors un jeune député, qui n'était pas encore ministre à l'époque, et qui est "charivarisé" plusieurs jours consécutifs à Aix, à Marseille, à Brignoles, à Toulon... Il est accusé d'avoir trahi les idéaux de la Révolution, de s'être rallié à l'ordre, et de ne pas avoir porté assistance aux peuples en lutte, à ce moment-là de l'histoire européenne. On le traite de traître : " À bas le traître à la France, à la Pologne, à l'Italie ! " Et puis Guizot lui-même, le président du conseil, est visé un peu plus tard, en 1841, par un charivari énorme avec plusieurs milliers de personnes qui visent sa politique fiscale : un recensement des portes et fenêtres qui avait été mis en place à l'époque. En tout cas, ce qui est vraiment frappant dans ces rituels, c'est qu'ils deviennent des instruments de justice populaire, d'expression d'une opinion par des gens qui n'ont pas voix au chapitre, c'est à dire qui ne sont pas électeurs, puisqu'il y a, à l'époque, moins de 200 000 électeurs : des femmes, des enfants, des ouvriers... participent à ces rituels qui sont une manière pour le peuple souverain de se donner à voir dans l'espace public, avec un symbole qui est celui de la casserole, du chaudron, qui est l'instrument du prolétaire.

La presse satirique est en lien direct avec cette affaire : ce genre de rituel ne peut fonctionner que si ça fait écho à un imaginaire. A l'issu de cette campagne de charivaris est créé le journal éponyme Le charivari qui se fait écho lui-même des charivaris politiques. Une très belle caricature de 1831, qui anticipe presque sur le rituel, représente un charivari visant les partisans du pouvoir. [A retrouver en illustration de cette interview]

À LIRE AUSSI :"Trainer une casserole" et autres expressions politico culinaires
La France a été précurseur de ces concerts de casseroles ? Qu'en est-il à l'étranger ?
C'est un rituel plutôt singulier au début des années 1830 : ce qui domine alors, c'est le rituel traditionnel rural, communautaire, qui a affaire avec la question du marché matrimonial. Les charivaris politiques sont relativement rares. En revanche, dans tout l'Occident, y compris au Canada, dès ces années 1830-1840, à l'échelle locale, les fonctionnaires ou les autorités locales détestées peuvent être accueillies par de tels charivaris.
Et plus tard, en Amérique du Sud... ?
Alors là, oui... on fait un saut énorme dans le temps. Ce dont je vous parlais précédemment, c'est de l'intrication du folklorique et du politique à un moment où le répertoire d'action moderne n'est pas vraiment en place : la manifestation telle que nous l'entendons aujourd'hui, bien organisée, avec ses symboles.... Dans la deuxième moitié du XIXe siècle, ces formes-là se substituent à ces formes qui apparaissent dès lors comme archaïques [on ne parle plus de "charivaris", mais de "casserolades", NDLR]. On a un retour effectivement, d'abord en Amérique du sud, puisque dans les années 1970 déjà, à droite, et puis ensuite à gauche, on pratique ces concerts de casseroles. Au Chili dans les années 1970, en Argentine plus récemment... on en a observé également en Islande, au Québec pendant les manifestions étudiantes en 2012... On a une sorte de quasi mondialisation du phénomène qu'il faudrait rapprocher du mouvement d'occupation des places. C'est un peu différent, me semble-t-il, du charivari, puisqu'il s'agit en gros de manifestations agrémentées de casseroles. On n'est pas tout à fait dans le rituel d'humiliation dont je parlais, qui est plutôt un rituel de conduite de bruits. Alors que dans le cas des casserolades, il s'agit juste de protester bruyamment, le plus souvent d'ailleurs de jour, et non pas de nuit comme pour les charivaris.

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Y a-t-il eu d'autres époques marquées par des concerts de casseroles particulièrement mémorables ?
À ma connaissance de toute façon, ça n'a été que des moments discontinus. Il y en a eu un petit peu sous la IIe République, et plus récemment, me vient à l'esprit la pratique des concerts de casseroles par les partisans de l'OAS [Organisation armée secrète, NDLR] à la fin des années 1950, début des années 60, pendant la guerre d'Algérie.
Pourquoi les casseroles ? Uniquement pour le vacarme qu'elles permettent de produire, ou existe-t-il également une dimension symbolique ?
Les casseroles ne sont pas seules... Du temps des charivaris, il y avait aussi des crécelles, des sifflets, des poêles. L'idée d'un instrument populaire est essentielle, c'est la voix du peuple, "vox populi", qui s'exprime avec les instruments, l'arme des prolétaires, comme on disait dans ces années 1830. Evidemment, aujourd'hui, on ne peut pas manquer de voir une autre symbolique qui est celle de la casserole judiciaire, pour ce qui concerne François Fillon.
Quel genre d'impact ont eu réellement ou ont réellement ces chahuts, sur la vie politique ?
Evidemment, ce sont des rituels dérisoires, mais si on regarde d'un petit peu plus près, la conclusion est différente. Ce sont des rituels d'humiliation, la personne est contrainte à la fuite : Thiers est obligé de quitter Aix, puis Marseille, et il est poursuivi ensuite... Guizot doit quitter Caen en 1841 dans la panique... C'est l'espace privé de l'homme politique qui est violé, puisque ces concerts ont lieu sous les fenêtres du domicile de la personne visée. Du coup les relations entre le public et le privé sont inversées. L'homme politique est réduit, fait prisonnier presque, humilié dans son espace privé, et la foule exclue théoriquement de l'espace public et politique, car non électrice, l'occupe. Sur ce plan purement symbolique, c'est déjà très fort. S'y ajoute cette orchestration nationale qui fait que du coup, ça a un impact relayé aussi par la presse. Il y a aussi l'incapacité du pouvoir à répondre dans un premier temps à ce rituel subversif, puisque les personnes ne peuvent être attaquées que pour tapage nocturne et ne risquent pratiquement rien. Ce n'est qu'en cas d'échauffourées avec les forces de l'ordre qu'elles peuvent être condamnées pour rébellion. L'impact politique est concentré dans cet imaginaire dont je parlais. Ensuite, évidemment, les gouvernements n'ont pas été renversés sous l'effet de charivaris.
Si on se cantonne à la Ve République... Est-ce la première fois, avec François Fillon, qu'un candidat à la présidentielle, ou simplement un homme politique, a droit à un tel régime sonore ?
À ma connaissance, oui. C'est le premier, avec un effet de répétition puisqu'il ne peut plus se déplacer désormais sans être accueilli par des casseroles, ce qui fait que du coup, ça occupe l'espace médiatique. Que tous les jours, c'est relayé par la presse.

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L'interview en version audio :

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De la Monarchie de Juillet à Emmanuel Macron, petite histoire de la casserole comme outil politique

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"Ce ne sont pas les casseroles qui feront avancer la France", a assuré, ce jeudi 20 avril 2023, le président de la République en déplacement à Ganges, dans l'Hérault. Depuis l'allocution d'Emmanuel Macron le 17 avril dernier, lors de laquelle de nombreux manifestants se sont réunis devant des mairies pour frapper sur des casseroles, elles sont devenues un symbole du mécontentement de la population face au projet de réforme des retraites.

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Nous commençons notre semaine d'exploration des liens entre philosophie et musique avec les penseurs de la Grèce Antique, responsables de notre vision métaphysique (musique et univers régis par les mêmes lois) et éthique (impact de la musique sur notre personne) de la musique.

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La musique et ses philosophes (1/5) : Les Antiques. "Un dieu a donné aux hommes la musique et la gymnastique."

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Nous commençons notre semaine d'exploration des liens entre philosophie et musique avec les penseurs de la Grèce Antique, responsables de notre vision métaphysique (musique et univers régis par les mêmes lois) et éthique (impact de la musique sur notre personne) de la musique.

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Casseroles, cuillères et marmites, la cuisine comme salle de concert.

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Casseroles, cuillères et marmites, la cuisine comme salle de concert.

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Casseroles, cuillères et marmites : la cuisine comme salle de concert

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Quand on chante comme elle, ce n’est jamais bon signe et pourtant... elle est à l’origine d’oeuvres musicales pionnières ! Comme les cuillères ou les marmites, la casserole est aussi un formidable instrument de musique.

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Présentation de la série : Les sons pour le dire

Au-delà de leur sens, le son des mots évoque ce qu'ils traduisent. Si la poésie se joue depuis la nuit des temps de leurs sonorités, où celles-ci puisent-elles leur source ? Comment les mots se (re)composent-ils d'une langue à l'autre ? Gardiens de la mémoire de celui qui les énonce, ils disent la vie ici et ailleurs. Cette série se propose d'explorer un lexique choisi et de confronter les mots à leur résonance en français et dans une autre langue. Chaque épisode raconte l'usage d'un mot, ses correspondances et ses différences, à travers le ressenti d'invités bilingues.

Genèse d'une idée en deux langues

Le vent dans les dunes du désert, le chant des lémuriens, les cornes de brume dans un port encore jamais visité... Par l'écoute, j'ai découvert des sons étranges à mes oreilles et familiers à d'autres. Le son donne accès au réel de manière charnelle. Il suscite l'imaginaire et éveille l'inconscient par sa vive présence invisible.
Dans mon travail à la radio et pour la plateforme Ecouter le monde j'écoute, j'enregistre et je reçois des sons du monde entier, souvent en faisant l'expérience de la première fois. Le lointain devient proche, l'inconnu intime. Incompréhensibles, les langues étrangères aussi deviennent accessibles grâce à leur mélodie. Chaque langue est un son, mais aussi une façon d'appréhender le réel, avec son cortège de souvenirs ancrés dans des lieux. Je le sais, car j'appartiens à deux langues : l'italien et le français. C'est pourquoi j'ai eu envie de mettre en miroir un mot d'une langue à l'autre, par le son et le sens, et d'interroger ceux qui, comme moi, vivent entre deux langues. Craquement, murmure, silence, fracas, souffle, cri... : chacun de mes invités racontera l'histoire que lui évoque un mot, en version bilingue.

Ecouter le monde : une plateforme participative

Ecouter Le Monde est une émission radiophonique en miniature, en réécoute en podcast ici, mais aussi une plateforme sonore participative consacrée à l'écoute. Elle archive et met à disposition en libre accès plus de 200 enregistrements sonores envoyés du monde entier, mais aussi des cartes postales sonores et des publications. Les extraits sonores de cette chronique sont à retrouver sur La carte des sons de la plateforme.

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Écouter le monde - Les sons pour le dire - Rythme

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Présentation de la série : Les sons pour le dire Au-delà de leur sens, le son des mots évoque ce qu'ils traduisent. Si la poésie se joue depuis la nuit des temps de leurs sonorités, où celles-ci puisent-elles leur source ? Comment les mots se (re)composent-ils d'une langue à l'autre ?

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C'est à travers les films d'Alfred Hitchcock que Renaud Guy-Rousseau découvre la clarinette basse. Plus précisément, dans la musique composée par Bernard Herrmann. Un son grave et captivant, qui surgit lorsque l'intrigue se tend. En-dehors des musiques de films, la clarinette basse s'illustre dans les orchestres symphoniques, tantôt soliste, tantôt accompagnatrice. Entre les cours de clarinette basse qu'il donne au conservatoire royal d'Anvers, ses représentations avec l'Orchestre national de France et ses groupes expérimentaux, Renaud Guy-Rousseau répond à France Musique.
France Musique : Comment produit-on un son à la clarinette basse ?
Renaud Guy-Rousseau : Si je souffle simplement dans le bec, il ne se passe rien. Il faut d'abord que je place l'anche, qui est un petit bout de roseau, contre le bec. L'anche est maintenue au bec grâce à la ligature. Et c'est grâce à la vibration entre l'anche et la caisse de résonance créée par le bec que le son sort. Ensuite pour varier les notes, j'appuie avec les doigts sur les clés placées sur le corps de mon instrument. Ces clés sont reliées à des tampons qui permettent d'ouvrir ou de boucher des trous et ainsi, de changer la hauteur des notes. La clarinette basse a pour particularité d'être dotée de clés cachées derrière qui permettent d'atteindre des notes encore plus graves. Sa tessiture part du do et monte jusqu'à quatre octaves.
Quelles différences y a-t-il entre la clarinette basse et la clarinette en si bémol ?
La principale différence, c'est bien sûr la taille, mais aussi la tessiture. La clarinette basse joue une octave plus grave que la clarinette en si bémol. Il faut savoir que la famille de la clarinette est très étendue, puisqu'elle compte une quinzaine d'instruments. La clarinette basse est apparue plus tardivement que la clarinette en si bémol, au début du XIXᵉ siècle. On retrouve les premiers solos dans un opéra italien de Mercadante, puis dans un grand solo dans Les Huguenots, de Meyerbeer (1836).
Dans quels répertoires s'illustre cet instrument ?
C'est un instrument qui est extrêmement utilisé dans le répertoire symphonique et opératique. Il incarne souvent un personnage. C'est le cas par exemple dans le grand solo du deuxième acte de Tristan et Isolde de Wagner (1865), où la clarinette basse soutient la douleur du roi Marc. On la retrouve aussi dans les opéras de Verdi, dans la musique russe de Chostakovitch ou de Prokofiev. C'est également un instrument qui assure une assise rythmique, en accompagnement - comme dans la Valse de Ravel -, ou dans les musiques de films, par exemple dans celles composées par Bernard Herrmann pour les films d'Alfred Hitchcock.

Mais la clarinette basse a, par ailleurs, sa place dans la musique contemporaine, avec des compositeurs comme Michael Jarrell, Bruno Mantovani, Georges Aperghis et Iannis Xenakis. Elle se marie très bien avec le jazz ou la musique d'improvisation. Je joue régulièrement avec l'ensemble de musique contemporaine TM+, ou encore les Dissonances et Gli incongniti pour la musique baroque. Cela va même jusqu'au rock progressif et fusion électronique avec le groupe Maât.

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Est-ce que la clarinette basse est un instrument accessible ?
L'une des difficultés majeures quand on apprend à jouer de la clarinette basse, c'est la maîtrise et le contrôle du souffle. Cela demande un investissement physique très important, notamment quand on fait des grands solos. Je pense notamment à celui de Tristan et Isolde de Wagner, où il faut tenir son air le plus longtemps possible. On peut avoir l'impression d'être en apnée quand on joue de la clarinette basse et d'aller dans les profondeurs de la Terre quand on atteint les notes graves. Je fais d'ailleurs souvent des exercices de respirations ventrales où je vais chercher l'air presque dans le sol.
Que ressentez-vous quand vous jouez de la clarinette basse ?
C'est un instrument magnifique avec un son qui me fascine. Quand on joue de la clarinette basse, les gens autour de nous - à l'orchestre ou dans le public - se retournent. C'est un son mystérieux, incroyable et qui ne laisse pas indifférent. Et quand on en joue, on sent que tout notre corps vibre. Même autour de nous, le sol et le mobilier se mettent à vibrer quand on joue dans les graves. C'est vraiment cette sensation qui m'émeut le plus.

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La clarinette basse : "une plongée dans les profondeurs de la Terre", par Renaud Guy-Rousseau

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Apparue plus récemment que sa petite sœur plus connue la clarinette en si bémol, la clarinette basse emporte celles et ceux qui l'écoutent grâce à ses sonorités profondes. Renaud Guy-Rousseau, clarinettiste à l'Orchestre national de France, nous fait découvrir cet instrument mystérieux.

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Rondel, rondo, rondeau, et tout se complique! 2/2

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Rondel, rondo, rondeau, et tout se complique! 2/2

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Rondel, rondo, rondeau (2/2) ...et tout se complique !

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Une seconde escapade parmi les rondos composés par Schubert, Rameau, Haydn, Machaut, Mozart, Beethoven, Bizet, Alban Berg et Jean Sibelius. Rien n'est n'est simple...et tout se complique. L'histoire musicale du rondo n'est décidément pas un long fleuve tranquille mais, que de chefs-d'œuvre !

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Rondel, rondo, rondeau, rien n'est simple 1/2

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Rondel, rondo, rondeau, rien n'est simple 1/2

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Rondel, rondo, rondeau (1/2) Rien n’est simple…

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Depuis le XIIIème siècle jusqu’à aujourd’hui, le rondeau séduit compositrices et compositeurs qui n’en font cependant qu’à leur guise et le mettent à toutes les modes. Une histoire musicale pleine de rebondissements et des chefs d’œuvres à foison, de Bach à Mahler et de Dufay à Mozart et Ravel.

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Programmation musicale

Traditionnel d'Estonie : chants seto Pööräjuuskmino
Ocora C 600022

Traditionnel français (sud) : Cobles : Sardana curta
Auvidis Ethnic label B 6851

André Gretry : Ronde pour la plantation d'un arbre de la liberté
Marcel Vigneron, basse
Musique de l'Air de Paris dirigé par Paul Liesenfelt
Accord 200282

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Pas de ronde sans musique ! (1/3) En plein air !

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De tout temps, qu'il s'agisse de danser la ronde -ce qui est recommandé à tout âge- ou de faire la ronde de nuit, par les rues, les places, les cours et les champs, la musique s'impose. Mais quelle musique ? 1er épisode, en plein air, d'un nouveau petit feuilleton badin.

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Elles sont semblables à ces images dont tout le monde parle en ce moment. A ces photos de soirée en apparence des plus normales à première vue jusqu'à ce qu'en y regardant à deux fois, on constate que les visages des invités sont en fait brouillés, lissés, inhumains. En se penchant de plus près, on découvre que personne ne se regarde. Au milieu des bouteilles et des décorations de l'appartement, des formes inouïes, imprécises, des objets méconnaissables nous apparaissent enfin avec évidence. Cette photo générée par une intelligence artificielle et toutes les images créées par les IA qui pullulent sur internet sont comme les Danses de Travers de Satie. En écoutant ces arpèges de piano, cette mélodie, on croirait à première vue que tout est normal et pourtant...

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La partition ne comporte aucune mesure et des indications d'interprétations des plus étranges telles que " en y regardant à deux fois, blanc ou se le dire ". Le pianiste est libre de choisir le tempo qu'il souhaite et de donner le caractère qu'il veut à cette mélodie bizarre qui ne fait qu'un avec ces arpèges paradoxaux. Paradoxaux car répétitifs et pourtant peu stables, presque bancals. Cette sensation d'instabilité s'explique peut-être par le fait que l'on a du mal à dissocier nettement la mélodie de son accompagnement. Les deux éléments sont tuilés, indissociables tant et si bien qu'n ne sait plus où sont les temps forts et faibles et donc sur quel pied danser !

Et que dire des mélodies des Danses de Travers, on dirait qu'elles se répètent et pourtant il n'en n'est rien. Satie enchaîne déploient des accords inattendus, tout ce que les livres d'harmonie et les méthodes de composition déconseillent fortement. Essayez de deviner la trajectoire de la mélodie, les notes qui viennent, c'est très difficile. Nous sommes à l'opposé d'une œuvre classique de Mozart ou de Saint-Saëns avec ses carrures de quatre, huit, seize, trente-deux mesures où l'on peut quasiment deviner quand et comment va s'achever une phrase musicale. Ici Satie brouille toujours les pistes, on a l'impression que cette mélodie organique cherche son chemin, qu'elle est improvisée à l'infinie, que le fil se déroule éternellement...

C'est peut-être pour cette raison que les Danses de Travers fascinent des musiciens bien peu classiques. A côté des divers arrangements qui existent de cette oeuvre, on trouve par exemple ceux du saxophoniste Fabrice Theuillon et du pianiste Yvan Robillard. Des arrangements issus du disque IKIRU plays Satie et qui dévoilent le potentiel jazzy des Danses de Travers de Satie, une œuvre classique et qui n'a pourtant rien de très classique...

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Les Danses de Travers de Satie : une inquiétante étrangeté

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Max Dozolme nous parle d'une oeuvre étrange. Une partition presque inquiétante, en tout cas hypnotique. Il s'agit des trois Danses de Travers, trois pièces que l'on retrouve dans le cycle des Pièces Froides publiées en 1912 et signées Erik Satie.

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Chansons sur le thème des instruments de musique

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Chansons sur le thème des instruments de musique

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Chansons pour enfants
Accordéon : Bidou ze bande
L'accordéon du clown : Bidou ze bande
Le beau tambour : Henri Dès (Le beau tambour)
Le chemin de la musique : Jo Akepsimas
La contrebasse : Bidou ze bande
Electrique guitare : Amulette
Les instruments à vents : Carmen Campagne
Les instruments font la fête : Marie-Céline
Monsieur Léon : Chanson baluchon
Petit piano : Bidou ze bande
La petite flûte : Bidou ze bande
Qui mais qui ? : Imbert/Moreau (Papa Maman)
Tom banjo : Steve Waring
La vieille trompette : Christian Merveille (10 ans)

Paroles et musique : Henri Tachan

Le violon c'est quatre fils, Un petit bout de bois fragile Où funambule cette main, Le violon, faut bien le dire, Quand c'est mal joué y'a rien de pire, Crève-tympan et crincrin.

Le violon c'est slave On ne choisit pas, Il y en a qui savent, Y en a qui savent pas !

Le violon c'est la valise Que tu boucles vite, la chemise Que tu enfiles à la hâte, Même pas le temps de comprendre, On va te crucifier, te prendre, On va t'étoiler et te battre.

Le violon c'est slave On ne choisit pas, Il y a les esclaves Et il y a les rois !

Le violon c'est ce miracle Qui fait que sous l'archet qui racle S'élèvent, purs, la partita, Les airs bohémiens de Pablo, Les caprices de Niccolo, Les danses hongroises et les doïnas.

Le violon c'est slave On ne choisit pas, De ville en village, De steppe en toundra !

Le violon c'est ma paresse Qui fait que je n'suis pas Heifetz, Joue pour moi, joue pour moi, Jascha, Toi qui me fait dire des "Je t'aime", Qui me fait écrire des poèmes, Paroles que j'n'osais même pas.

Le violon c'est slave On ne choisit pas, Incha, Inchallav, Incha, Inchallah !

A Toi (mon accordéon) Paroles et musique de Marc Perrone (2006)

Dis-moi que les valseurs, là devant moi

N'en finiront pas de tourner, virer

Et chanter de la nuit au petit matin

Comme la lumière des jours incertains

Plie chasse le voile de la nuit si sombre

Sans étoile et tous mes petits chagrins

On a bien de la misère pour de tout petits riens

Quand le fossé monte du bord au milieu du chemin

Toi tu me mets du baume au coeur et mine de rien

de la musique entre les deux mains et tout va bien

Si souvent tu t'en vas et reviens

de près ou de loin tu ne manques pas d'air

Et sans toi la vie serait moins que bien

Dis-moi qu'au bout du bout tu seras là tout contre moi

A étirer souffler chanter

mes petits airs de bien moins que rien

On a bien de la misère pour de tout petits riens

Quand le fossé monte du bord au mileu du chemin

Toi tu me mets du baume au coeur et mine de rien

De la musique entre mes deux mains et tout va bien

Dis-moi que les valseurs, là devant moi

N'en finiront pas de tourner, virer

Et chanter de la nuit au petit matin

Dis-moi qu'au bout du bout tu seras là tout contre moi

A étirer souffler chanter

mes petits airs de bien moins que rien

mes petits airs de bien moins que rien

L'accordéon ça tient au corps et on s'y attache, l'air de rien !

Autres chansons sur le thème de l'accordéon

Chansons pour enfant
Les instruments à percussion : Abel (2007)

Ce piano est à vendre : Alain Chamfort (1997)

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chansons sur le thème des instruments de musique

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chansons sur le thème des instruments de musique

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Chansons pour enfants Accordéon : Bidou ze bande L'accordéon du clown : Bidou ze bande Le beau tambour : Henri Dès (Le beau tambour) Le chemin de la musique : Jo Akepsimas La contrebasse : Bidou ze bande Electrique guitare : Amulette Les instruments à vents : Carmen Campagne Les instruments font la fête : Marie-Céline Monsieur Léon : Chanson baluchon Petit piano : Bidou ze bande La petite flûte : Bidou ze bande Qui mais qui ?

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Le net  plus ultra de la chansons française

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Le net  plus ultra de la chansons française

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Le Net plus ultra de la chanson française

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Bienvenue au Net plus ultra de la chanson française, un site ayant pour but de retracer la petite histoire des chansons composées en français au 20e siècle. Ce qui m'intéresse particulièrement est l'intertextualité, c'est-à-dire la mise en relation de thèmes, de citations d'une chanson à l'autre.

Bonne lecture, et surtout, bonne écoute!

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Chère lectrice, cher lecteur, Bienvenue au Net plus ultra de la chanson française, un site ayant pour but de retracer la petite histoire des chansons composées en français au 20e siècle. Ce qui m'intéresse particulièrement est l'intertextualité, c'est-à-dire la mise en relation de thèmes, de citations d'une chanson à l'autre.

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Les Métamorphoses - Les Insectes et le Métallophone

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éduscol | Ministère de l'Éducation nationale et de la Jeunesse - Direction générale de l'enseignement scolaire

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Comment l'art et les artistes sensibilisent-ils aux nouvelles réalités environnementales et aux transformations affectant le monde du vivant ?

Au cycle 3 : aborder les enjeux planétaires de la protection des ressources naturelles par la création artistique

La culture des peuples autochtones face à la fragilité des écosystèmes

Dans le cadre de l'exposition Injustice environnementale - Alternatives autochtones, proposée par le musée d'ethnographie de Genève, les ressources mises en ligne posent la question de l'urgence climatique en lien avec les savoirs et savoir-faire des peuples autochtones. L'exposition aborde les enjeux de la nécessaire préservation des ressources naturelles pour les générations futures et permet de découvrir certaines réponses apportées par les peuples autochtones. Ces dernières peuvent revêtir une dimension artistique. Pour les découvrir, le musée a mis en ligne une carte numérique dite story map et des fiches qui permettent de situer et présenter certains objets, des peintures aborigènes aux contes des peuples de l'Alaska.

Préserver les sons de la Terre

Le développement de la bioacoustique, initiée notamment par Bernie Krause dans les années 1960, a permis de mettre en évidence l'activité acoustique de milliers d'espèces animales. La Fondation Cartier pour l'art contemporain a mis en ligne les enregistrements du musicien à l'occasion de l'exposition Le Grand Orchestre des animaux. Il est possible d'initier en classe un travail d'écoute sur l'état de notre planète en lien avec la diversité du monde vivant, particulièrement dans les espaces de faible densité.

Le travail peut se poursuivre avec les enregistrements du CREM (Centre de recherche en Ethnomusicologie), notamment la collection Wayãpi de Guyane, qui explore le visage sonore de l'Amazonie. L'anthropologue Jean-Michel Beaudet propose une découverte des Amérindiens Wayãpi, du groupe Tupi-guarani, qui pratiquent une musique faite d'ensemble de clarinettes en bambou, de flûtes et de danses. Enfin, la restitution virtuelle et numérique des savoirs autochtones Wayana et Apalaï de Guyane sur le site du Musée du Quai Branly-Jacques Chirac complète cette approche ethnographique. Les sons peuvent se nourrir d'un ensemble de fonds audiovisuels et photographiques et de collections d'objets représentatifs de cette culture, tout en proposant une réflexion sur les pratiques de restitution et sur la transmission des savoirs " traditionnels " d'Amazonie guyanaise.

Au cycle 4 : étudier les représentations de la forêt et de l'arbre, symboles de vie

Dans le cadre de la manifestation " lille3000 " dont l'édition 2022 est intitulée Utopia, un riche dossier pédagogique propose des activités pour la classe qui mettent à l'honneur l'arbre dans toute sa majesté, en lien avec la nécessité du respect de la biodiversité sur notre planète.

Ce dossier peut être utilement enrichi par le livret pédagogique réalisé à l'occasion de l'exposition La forêt magique au Palais des Beaux-Arts de Lille. L'exposition interroge la dimension symbolique de l'arbre et ses représentations, source de crainte ou d'émerveillement.

Cette thématique de l'arbre est au cœur du projet Sciences en scène. Agir pour le climat initié au sein de l'académie d'Amiens, mis en ligne sur la webradio éducative Kadékol de l'lnstitut français de l'éducation (IFÉ). À travers des activités et des expériences, les élèves accompagnés de leur professeur montent un projet théâtral et acrobatique. Sa restitution sensibilise au développement durable.

L'exposition Les Vivants au Tripostal de Lille proposée par la Fondation Cartier pour l'art contemporain, fait entendre les voix plurielles émanant d'artistes, de botanistes et de philosophes qui explorent les enjeux écologiques actuels.

Au lycée : artistes et architectes s'engagent dans la cause écologique

Explorer les liens entre patrimoine, architecture et développement durable

L'édition 2022 des Journées européennes du Patrimoine a eu pour thème le développement durable. La préservation du patrimoine bâti et non bâti ainsi que la conservation et la mise en valeur des paysages constituent un élément central de la politique du développement durable.

Réhabiliter

L'exposition virtuelle sur l' écoquartier de l'Union, disponible sur le site Passerelle(s) de la BnF, traite de la réhabilitation du patrimoine industriel du Nord de la France. Elle permet de saisir les enjeux d'une démarche de développement durable : appel à des méthodes de réhabilitation, transformation de l'existant, réemploi des matériaux. Le site offre des pistes de réflexion interdisciplinaires et permet d'amener les élèves à s'interroger sur les enjeux de l'architecture contemporaine, en lien avec les questions écologiques pour les bâtiments les plus récents.

Les politiques de réhabilitation peuvent aussi être abordées à l'aide des fiches réalisées dans le cadre du dispositif " Les Enfants du Patrimoine " par le Conseil d'architecture, d'urbanisme et de l'environnement (CAUE) des Bouches-du-Rhône.

L'exigence de durabilité dans l'architecture contemporaine

Pour aborder l'architecture contemporaine au prisme de la durabilité, le guide Transmettre l'architecture contemporaine, mis en ligne par Réseau Canopé, présente 20 œuvres architecturales remarquables des Alpes-Maritimes et du Var et offre des outils d'analyse et de questionnement pour accompagner le travail en classe.

Un dossier, réalisé par le Conseil des architectes d'Europe, propose un descriptif de 20 projets architecturaux contre le changement climatique. Y figure notamment le lycée Julien Gracq à Beaupréau-en-Mauges (académie de Nantes). Inscrit dans l'environnement quotidien des élèves, le bâti scolaire est une autre piste pour poser la question de la durabilité et amener les élèves à s'interroger sur les formes riches et diversifiées de l'architecture en lien avec les préoccupations environnementales.

Conduire une démarche prospective avec sa classe

Dans le cadre du projet collectif mené en classe de seconde ou de première, une démarche prospective peut être initiée, en collaboration avec un CAUE de proximité. Quelles formes doit inventer la ville pour opérer la transition climatique ? Comment applique-t-on, dans le champ du patrimoine, les principes du développement durable ? Quelles sont les conséquences de l'effet de serre sur les modes de construction, l'environnement, le patrimoine et l'architecture ? Ces questions invitent à des réponses pluridisciplinaires, convoquant architectes, écrivains, philosophes, historiens, paysagistes, artistes, écologues, sociologues, urbanistes. Cette démarche a notamment été conduite par le Pavillon de l'Arsenal lors de l'exposition La Beauté d'une ville. Controverses esthétiques et transition écologique à Paris. Des spécialistes venant de divers horizons présentent dans de courts entretiens vidéos des pistes pour s'engager collectivement dans la transition écologique.

Interroger les rapports symboliques, politiques et poétiques de l'artiste à la nature

Faire œuvre avec la nature

Le Centre Pompidou propose un nouveau cours en ligne ouvert à tous (MOOC) Art et écologie édité en octobre 2022. Il propose un parcours thématique qui présente les pratiques écologiques à l'œuvre chez les artistes de 1960 à nos jours, en prenant appui sur la collection du Musée national d'art moderne. Le kit de ressources Ceci n'est pas une boîte : Art en environnement est un programme d'éducation artistique et culturelle utilisable à distance qui aborde, à l'aide de ressources manipulables et numériques, en particulier la séquence 2 " L'art avec la nature ", le processus de faire œuvre dans et avec la nature.

Repenser la relation entre l'homme et le vivant

Giuseppe Penone (né en 1947) est un artiste précurseur d'une relation nouvelle à l'environnement, refusant dans sa pratique les rapports de force au sein des écosystèmes. Le dossier réalisé à l'occasion de l'exposition temporaire Giuseppe Penone. Sève et Pensée à la Bibliothèque nationale de France permet de découvrir sa démarche créative et la réflexion qui l'anime. Un entretien de Giuseppe Penone, disponible dans le dossier, constitue un point d'entrée pour mener la réflexion en classe.

Cette prise de conscience a aussi fait l'objet d'une exposition temporaire au Palais de Tokyo Réclamer la terre. La visite immersive peut être exploitée en classe, tout comme les ressources mises en ligne sur la Tokyothèque, portail numérique du musée.

L'art pour repenser le monde et l'écologie

Poser la question du développement durable en histoire des arts, dans le cadre de la préparation au Grand oral, est l'occasion d'articuler l'enseignement d'histoire des arts avec l'enseignement de spécialité humanités, littérature et philosophie. Cette démarche peut s'appuyer sur le travail du philosophe Bruno Latour qui s'interroge sur nos modes d'existence affectés par le changement climatique.

La conférence Penser la crise écologique, enregistrée au Centre Pompidou, offre des pistes de débats.

Des artistes contemporains donnent forme à ses questionnements et proposent une définition partagée de la planète, notamment à l'occasion de l'exposition Toi et moi on ne vit pas sur la même planète au Centre Pompidou Metz.

Invité par le Zentrum für Kunst und Medien (ZKM) de Karlsruhe, le philosophe, dans le cadre de l'exposition CriticalZones, explore de nouveaux modes de vie et de coexistence (disponible uniquement en anglais). Une courte présentation à l'occasion d'une émission diffusée sur Arte permet d'aborder en classe ces notions complexes.

Liens avec les programmes

Compétence attendue au cycle 3 en histoire des arts en lien avec les autres disciplines : analyser, dégager d'une œuvre d'art, par l'observation ou l'écoute, ses principales caractéristiques techniques et formelles.

Compétence attendue au cycle 4 en histoire des arts en lien avec les autres disciplines : proposer une analyse critique simple et une interprétation d'une œuvre.

Compétences travaillées en seconde, en enseignement optionnel d'histoire des arts : les compétences d'ordre culturel, destinées à donner à l'élève les repères qui l'aident à construire son autonomie d'amateur éclairé.

Étude thématique en première, en enseignement de spécialité d'histoire des arts : Les matières, les techniques et les formes : production et reproduction des œuvres uniques ou multiples.

Ressources complémentaires

Le vademecum Éducation au développement durable.

Ressources en ligne, parcours de formation, fil d'actualité sur l'éducation au développement durable sur l'espace Clés en main e-sidoc.

Le dossier Ressources Art et écologie du Centre Pompidou.

La thématique Écologie sur la plateforme Éducart du musée des Beaux-Arts de Montréal.

Pour aller plus loin

Le podcast " L'art comme matière à penser le monde et l'écologie " sur France Culture dans L'Art est la matière.

L'article publié au sein d' Éduveille. Recherches en éducation et formation " Éduquer au changement climatique passe par la construction d'une culture commune chez les enseignants ".

Deux séries de 5 films vidéo réalisées pour le public scolaire (collège et lycée) par la Fondation GoodPlanet, à partir d'images du film Human de Yann Arthus-Bertrand. Ces films mettent en exergue l'interdépendance et l'interaction entre les sociétés, l'économie et l'environnement, gages de la durabilité.

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Comment l'art et les artistes sensibilisent-ils aux nouvelles réalités environnementales et aux transformations affectant le monde du vivant ? Au cycle 3 : aborder les enjeux planétaires de la protection des ressources naturelles par la création artistique Dans le cadre de l'exposition Injustice environnementale - Alternatives autochtones , proposée par le musée d'ethnographie de Genève, les ressources mises en ligne posent la question de l'urgence climatique en lien avec les savoirs et savoir-faire des peuples autochtones.

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Ci-dessus, vous pouvez voir un brouillon que j'ai retrouvé - le brouillon, pas la version au propre tout de même ! - de cette formalité que le règlement de la SACEM nous imposait de remplir il y quelques années, nous les compositeurs de musique concrète, pour être admis à déposer une œuvre de musique électroacoustique " sur support " : il fallait accompagner une copie de l'œuvre sur bande (plus tard sur CD, DAT, ou fichier numérique) du soi-disant relevé graphique de sa première minute, afin de montrer qu'on savait lire les notes. Il s'agit ici de mon Perpetuum Kyrie de 1997. " Une minute, pas plus, vous voyez ce n'est pas beaucoup demander ", semblait nous dire la SACEM. Je ne me suis jamais prêté à ça sans éprouver un sentiment de mortification et d'infantilisation. Heureusement, ce n'est plus exigé.

Car bien entendu, le fameux relevé graphique ne notait rien du tout. Les pauvres clés de sol que vous voyez en tête de portée font à peine semblant de donner une caution musicale à cette pseudo-partition (en aidant à situer vaguement la première hauteur que l'on peut discerner, à 18'' du début, comme un si naturel), mais cela ne trompe personne, et même avec les précisions verbales que j'y ajoute (" souffle train de nuit ", " rythme de train qu'on croise ", " montée souffle ", etc.), il est impossible d'en déduire ce qu'on doit entendre. Même l'acousmoniste à sa console ne peut rien en faire (sur les acousmographies et sur l'édition papier des œuvres de musique concrète, j'ai exprimé ma position dans le blog Entre deux images n°98, du 25 juin 2020, auquel je me permets de vous renvoyer ; je déplore que l'on perpétue le mythe et le faux-semblant de la " score " pour ce qui n'en relève pas et n'en a pas besoin).

Les partitions que j'aime ce sont les vraies, celles qu'on peut lire et celles qu'on peut jouer, mais je pense aussi à mon voisin historique, François Couperin (1668-1733), qui a tenu l'orgue de l'église Saint-Gervais-Saint-Protais dont nous voyons depuis notre salle de séjour le clocher - en restauration depuis une éternité, donc couvert d'un échafaudage. Sa notice Wikipedia rappelle : " Malgré les années passées à tenir les orgues de l'église de Saint-Gervais et de la Chapelle Royale, François Couperin - de manière aussi regrettable que nombre de ses confrères organistes - n'a laissé pour cet instrument que deux messes, œuvres de jeunesse, qui constituent néanmoins un des sommets du répertoire français classique. " Que de notes jouées par Couperin se sont évaporées sans laisser de traces ! À l'inverse je fixe sur support des sons impossibles à noter, mais en même temps, je revendique ma place, notre place, dans la famille des musiciens.

Le Perpetuum Kyrie est le premier volet de la Missa Obscura à laquelle je faisais allusion il y a deux semaines en racontant la genèse de la Messe de terre : cette Messe parallèle que j'avais commencé par envisager comme complètement distincte de l'autre, et destinée aux seuls haut-parleurs. Cette œuvre de concert sans image, qui dure 27 minutes et a été créée dans un concert du GRM, qui l'avait commandé, est en fait une amplification du Kyrie de la Messe de terre, en tout cas pour son début. Mais alors que dans mon Kyrie audio-visuel on voyait des images tristes tirées de voyages en train, mais sans entendre ce train sauf à la fin, dans son grand frère " acousmatique " on l'entend au début mais sans le voir. Non, ce n'est pas une allusion à l' Étude aux chemins de fer, de Schaeffer, qui est à la fois sa toute première pièce de musique concrète et la moins bonne.

Pour une fois, j'ai suivi la même direction que tant de compositeurs sur partition avant moi : mon Kyrie est une déploration, qui contient même du chant, sur le Christe. Comme on sait, les paroles dans ce mouvement de l'Ordinaire de la Messe, en grec exceptionnellement et non en latin, sont réduites au minimum, et suggèrent une forme ternaire : Kyrie eleison, Christe eleison, Kyrie eleison. Ce qui veut dire : " Seigneur ayez pitié, Christ ayez pitié ", etc. Cela n'a pas empêché les compositeurs occidentaux (je pense à la Messe en Ut mineur, de Mozart) de bâtir de robustes et amples Kyrie, pour chœurs, solistes et orchestre.

Par rapport à celui de mon Requiem, " une litanie brève et crispée ", disait très bien un critique, j'ai ici, par un besoin d'équilibre et de contrepoids, laissé celui-là s'épancher dans un cri et un chant solitaires, au rythme d'un glas qui donne froid. De temps en temps, de légers gazouillis et de petits chahuts d'enfants mettent une note de lumière, mais ça ne dure pas. N'importe: il y a eu ce moment, qui est l'éternité. Je savais, puisque j'avais composé préalablement le Gloria qui suivrait, que ce dernier, par son attaque triomphante et ensuite ses sons de foule et de hourrahs, produirait un bon contraste avec le caractère intime de mon Perpetuum Kyrie. Ce que le graphique ci-dessus montre bien, il ne peut faire que ça, c'est l'attaque fulgurante en triple forte de l'œuvre. Celle-ci ne devait pas être souffreteuse, elle devait par moments dégager de l'énergie et un plaisir certain, analogue à celui de la déclamation, celui que je trouvais dans mes années de chant choral, quand nous étions portés par la musique de Luigi Dallapiccola (les très beaux Canti di prigliona, que Stéphane Caillat nous avait fait travailler).

Pourquoi Perpetuum ? Parce que je pensais à une plainte sans fin, inconsolable, à qui l'éternité serait nécessaire pour se déployer...

Le Gloria et le Credo étant donc repris dans une version identique à celles de la Messe de terre, juste sans image, il me restait, pour ma Missa Obscura, à composer un Sanctus et un Agnus Dei, que je voulais au contraire tout à fait distincts. L'occasion ne m'en a pas été offerte (offerte est le mot, comme on verra) avant trois ans. Dans l'intervalle j'ai travaillé sur L'Isle Sonante, dont je parlais au chapitre précédent, tout en écrivant mon essai Le son, publié grâce à la ténacité de Michel Marie chez Nathan, qui n'en voulait pas - ce sera un des ouvrages les plus réédités de sa collection -, en me déplaçant pour des cours et des stages, en passant comme chaque année un mois d'enseignement à Lausanne, etc., ma vie professionnelle à l'époque.

En octobre 1999, dans la période de l'année où c'est le printemps en Argentine, je suis réinvité à Buenos-Aires, cette fois-ci par l'excellent réalisateur Silvio Fischbein, ainsi que par l'Université et la FADU, pour donner des séminaires sur le son au cinéma. Le soir de mon arrivée, je téléphone de mon hôtel à ma mère, à une heure que j'espère n'être pas trop tardive, en raison du décalage horaire. " Non, je n'étais pas couchée ", dit-elle gentiment. Elle est contente que je lui parle de si loin. Le lendemain, Anne-Marie m'appelle de Paris et m'apprend que ma mère a été trouvée morte dans son appartement de Vaucresson par sa voisine de palier, qui avait ses clefs et s'inquiétait. Apparemment, elle s'était arrêtée de vivre de la même façon que je l'avais vue tant de fois s'endormir subitement dans son fauteuil, comme on actionne un interrupteur, pour un petit somme d'après déjeuner.

La cause de ce décès brutal: un arrêt du cœur. Elle avait depuis peu des soucis de ce côté-là, et devait entrer en clinique pour une opération. Mon frère Jacques et moi n'étions pas trop inquiets, car elle avait une bonne santé pour ses 81 ans, une bonne hygiène de vie, et son cœur ne l'avait jamais préoccupée. Sa mort subite, même si c'est celle qu'elle se souhaitait (pas une interminable fin de vie en maison de retraite comme son père précocement veuf, dont le corps tint bon jusqu'à l'âge de 99 ans), fut donc pour nous deux un grand choc. On pouvait en situer précisément l'heure, car Anne-Marie avait eu peu avant avec elle au téléphone une longue discussion chaleureuse.

Un mois plus tard, je donne à Annecy, à l'invitation de Philippe Moenne-Locoz, en marge d'une conférence sur la combinaison du son et de l'image, un concert constitué du triptyque déjà constitué par Perpetuum Kyrie, Gloria, et Credo (évidemment sans images, en version " musique concrète "). A l'issue du concert, je suis abordé par une femme qui se présente comme chrétienne et qui, tout en reconnaissant l'élan expressif de mes musiques, me reproche d'imputer à Dieu le Père la souffrance humaine. Ce n'était pas exactement mon idée, et son discours à elle était plus riche que celui que je reproduis, mais j'étais content pour une fois de parler du contenu de ma musique, et j'avais le sentiment d'avoir rencontré quelqu'un d'une haute culture spirituelle avec qui en discuter. Je regrette de n'avoir pas pris ses coordonnées et continué ce dialogue, et aussi de n'avoir pas noté exactement ce qu'elle m'avait dit.

Deux mois après, en décembre, c'est mon amie Christiane, dont j'ai souvent parlé dans cette Histoire, qui disparaissait d'un cancer très avancé. Elle n'avait pas atteint 60 ans. Elle continue de me manquer, beaucoup. Ni elle, qui voulait être mon témoin, ni ma mère ne nous verraient nous marier Anne-Marie et moi, comme nous l'avions décidé et programmé pour juillet 2000.

Telle a été pour moi la fin de l'année 1999, marquée par deux deuils éprouvants.

Puis c'est le changement de millénaire qui, vu aujourd'hui, de notre année 2023, peut sembler dérisoire, mais à l'époque ne resta pas inaperçu. Anne-Marie et moi sommes allés prendre, pour fêter l'événement, un verre Place de la Bastille. Je savais qu'un appareil de compte à rebours nommé le Genitron, qui affichait le nombre de secondes avant l'an 2000, et qui pendant longtemps avait attiré l'œil des curieux près de l'Esplanade Beaubourg, s'était trouvé depuis exilé dans un coin de la Place où plus personne ne le regardait, et quand on le voyait, on ne savait à quoi servait cet étrange portique. Quinze minutes avant le changement de millénaire, Anne-Marie et moi, nous nous sommes levés de table pour aller nous poster aux pieds du Genitron. Je jure qu'alors il n'y avait qu'elle et moi, peut-être deux ou trois autres personnes. Nous avons battu le rappel, j'ai appelé à voix forte - comme dans mon Kyrie mais en public et en plein air - pour rameuter des passants, et grâce à notre intervention, le Genitron a pu achever de remplir son rôle et de rendre l'âme sur le 000000..., avec une quarantaine de témoins pour l'encourager de la voix.

Et nous voilà dans l'an 2000, où, comme le disait l'abbé Pierre, toujours en colère, quelqu'un qui a mal aux dents la veille de l'an 2000 continuera d'avoir mal aux dents le lendemain.

Sans doute en raison de ce contexte, mais aussi de mes deuils récents, obsédé à ce moment-là par le temps, je propose au GRM de me commander, pour la créer au printemps, une œuvre qui s'intitulera Dix-sept minutes. Aucun rapport avec le 4'33'' de John Cage, proposition dont je déteste aussi bien le concept que la réputation exagérée. Mes Dix-sept minutes, dédiées à Lionel Marchetti et que Jérôme Noetinger éditera dans sa collection de Mini-CD, sont elles remplies de sons - des sons le plus souvent discrets et nostalgiques, avec des voix féminines lointaines, mais qui scandent le temps comme un tic-tac ronronnant (obtenu là encore en mettant le micro tout près de la bande magnétique en marche). Un cri de douleur, là encore, juste avant la fin. Cette pièce est issue d'une séance de studio qui avait eu lieu deux ans plus tôt, et dans laquelle différents éléments que j'essayais de combiner pour un épisode de l'Isle sonante s'étaient mis, je ne peux pas mieux dire, à chanter ensemble. J'en avais rempli une "galette" entière de 750 mètres de bande, sur plus de 35 minutes, et j'ai recomposé le tout pour limiter celles-ci à 17. Est-ce parce que ma mère était née en 1917 ? En tout cas, ce nombre premier me plaisait. Cette pièce peut fonctionner aussi comme un interlude. Je prévois, dans mon Nycthemeron, de la faire entendre entre les deux grandes parties de L'Isle sonante, à laquelle elle se rattache par de nombreux aspects, notamment par des citations fugitives de la voix d'Axel/le.

Un soir de la même année 2000, je dîne avec Denis Dufour dans un restaurant de la rue François-Miron, non loin de l'église où officia Couperin, et Denis me propose de m'aider à finir ma Missa obscura en me commandant personnellement et directement les deux volets manquants, Sanctus (que j'appellerai Sanctus Sanctus) et l' Agnus Dei. Le tout sera créé dans une rétrospective de mes musiques mise au programme du Festival Futura qu'il a fondé, et qui avait alors la possibilité de se dérouler dans la Tour de Crest (depuis, pas moins passionnant, Futura se poursuit dans l'Espace Soubeyran, voir sur le site de Motus, et lire aussi les entretiens remarquables de Denis Dufour avec Vincent Isnard, publiés par MF sous le titre La composition de l'écoute).

Alors que la Messe de terre se terminait par un climax quasi-sexuel, je veux faire une autre messe qui diverge après le Credo, et qui telle les deux arches du pont en Y de mon enfance (voir mon Dictionnaire subjectif de l'alphabet à cette lettre) se sépare du tronc commun. Je ne sais si c'est pour cela - mais je crois aussi que c'est en pensant à mes deux chères disparues de l'année 1999 - que j'ai fait un Sanctus dépressif et désolé, qui trois fois se relève et trois fois s'envole comme dans un dur effort pour retomber ensuite. On m'y entend dans un décor de sons modernes indifférents, décor incrusté au mixage. J'y ai incorporé les éléments d'un tournage sonore que j'avais fait en 1983 à Cannes, dans le sous-sol du Palais des Festivals, lorsque je tapais pour le supplément quotidien Cahiers du Cinéma / Libération, sur une machine à écrire mécanique, des articles destinés à paraître le lendemain matin, aux côtés d'autres rédacteurs et dans un cliquètement de commissariat. Ces sons évoquent un travail ordinaire de bureau, en même temps qu'un cadre fermé, statique. Dans beaucoup de mes oeuvres, j'essaie ainsi de varier le décor et l'atmosphère que celui-ci dégage.

Après quoi vient l'épisode du Benedictus qui venit in nomine Domini. Cet épisode, je l'avais traité dans ma Messe de terre sur un ton léger, éclairé par la chaleur du regard humain, avec le son d'une danse robotique jouée sur mon synthé Yamaha bas de gamme. Cette fois-ci j'ai eu l'idée d'incorporer des enregistrements de réactions hostiles d'auditeurs de France Musique - des réactions sollicitées par Jack Vidal, lorsque celui-ci avait repris après moi la responsabilité des émissions radio du GRM. On leur proposait de donner leur sentiment sur une œuvre de Xenakis ainsi que sur un extrait de mon Requiem. Toutes ces personnes avaient pris un ton, soit accablé soit persifleur, et même parfois grossier pour critiquer Xenakis ou ma soi-disant musique, au nom de la vraie, celle qui est belle et nous élève. Même si l'initiative de Vidal leur tendait la perche (et le bâton pour se faire rosser), ces réactions m'avaient consterné quand je les avais découvertes. J'ai horreur de ces gens qui le plus souvent sont cultivés, lisent, vont au théâtre, etc... mais considèrent la musique classique comme leur paradis privé et s'en font un environnement de confort, ôtant aux oeuvres de Schubert, de Mozart ou de Debussy leur part de révolte ou d'inquiétude. Le Benedictus de mon Sanctus Sanctus fut l'occasion d'exposer ces voix réprobatrices, et, pourquoi pas, d'en faire des personnages dans la fresque de mes musiques: tant de fois j'y avais fait entendre la rumeur ou l'agitation collective d'un public (dans Le Prisonnier du son, Tu, La Ronde, La Tentation de saint Antoine), pourquoi pas le faire représenter par des individus... Mais j'ai mis aussi dans cette partie les sentiments de désarroi que m'avaient laissés les événements vécus l'année précédente.

Quant à l' Agnus Dei qui termine cette longue Missa obscura (elle durait deux heures, après la création j'en ai seulement coupé dix minutes), j'ai eu l'idée de le faire à la fois hésitant et confiant, chantonné à voix douce, au-dessus d'arpèges joués par un synthétiseur Yamaha, le même que celui cité plus haut. C'est comme une veillée qu'on finit à la bougie, les chandelles achèvent de se consumer, quelque chose s'épuise. Si cela durait plus longtemps, pourraient revenir la panique et les monstres, mais la fatigue et les limites physiques que rencontre toute entreprise humaine sont là pour donner à cette deuxième "grand-messe" une fin discrète. Une messe, qui maintenant encore, en 2023, me laisse insatisfait. La reprise textuelle du Gloria et du Credo, sans les images auxquelles la Messe de terre associe ces deux pièces, me crée un problème, dont j'espère trouver la solution.

La création complète de la première version de ma Missa Obscura, à Crest, fut un exercice d'endurance qui me laissa moi-même épuisé. Christine Groult me dit que cela l'avait fait penser au Christ, et à son agonie.

Peu de temps après Anne-Marie et moi, fraîchement mariés, nous avons fait un très beau voyage de noces en Italie, à Manarola, dans la région magique des Cinque Terre. Comme un indice de mon obsession chronologique d'alors, j'avais emmené, pour le relire, l'extraordinaire roman de Christopher Priest Le monde inverti, qui propose une étrange alliance entre l'espace et le temps. La première phrase, dans la traduction française, est: "J'avais alors atteint l'âge de mille kilomètres."

Puis nous revenons à Paris et reprenons nos activités, dont mes cours à l'ESEC et à Paris III. Mais le dimanche du 8 octobre 2000, soit un an jour pour jour - je n'y ai pas pensé sur le moment - après la crémation de ma mère, je suis pris chez moi d'une crise de douleurs atroces, qu'un premier médecin venu en urgence n'arrive pas à expliquer, et ensuite d'une seconde encore pire que le second médecin appelé diagnostique comme une pancréatite aiguë. Je suis tout de suite amené à l'hôpital de l'Hôtel Dieu, sur l'île de la Cité, où je vais passer presque trois mois très mouvementés (fausse sortie, opérations diverses, infections, hémorragies internes à répétition). Et là commence pour moi, seul à la vivre, autour de ce qui est arrivé à l'intérieur de mon corps, une œuvre en temps réel qui dépassera largement le cadre de " dix sept minutes ".

Le matin du 9 octobre 2000, donc, je me retrouve dans la chambre 1 du service de réanimation Saint-Jean. Fixé au lit, je ne peux pas bouger, pas même me retourner pour regarder derrière moi. Pour m'alimenter et m'abreuver sans passer par la voie orale (puisque dans cette affection, il faut mettre le système digestif au repos absolu), de grands sacs remplis d'un liquide blanchâtre sont suspendus à une potence, et laissent dégoutter silencieusement par perfusion leur contenu nutritif dans mes veines. Afin d'évacuer les déchets de cette nourriture intégralement liquide, a été posée une sonde urinaire reliée à un autre sac à peine moins grand, sac qui se remplit continuellement et tout aussi discrètement. Le physique trivial, le corps souffrant, que des auditeurs, dont ceux questionnés par Jack Vidal, m'avaient reproché d'introduire dans le royaume enchanté de la musique avec mon Requiem, s'imposaient à moi comme une obsession de tous les instants. Mon corps était devenu un tuyau recevant et débitant en permanence, sans aucune sensation liée à la réception comme à l'expulsion, et sans aucun des bruits qui vont avec, cependant que d'autres sensations désagréables et parfois violentes, internes et externes, les remplaçaient.

J'ai été aussi, pendant cette période d'octobre à décembre 2000, un émetteur involontaire de musique. À mon bras gauche était fixé en effet un brassard gonflable qui, selon le rythme programmé par les différentes infirmières qui se succédaient, se comprimait automatiquement tous les quarts d'heure, toutes les heures parfois, pour mesurer les variations de ma tension. La compression s'accompagnait à chaque fois de crissements créés par le Velcro qui fixait ce brassard. Sur ma poitrine, étaient collées cinq électrodes identifiées par des couleurs différentes et reliées à un système qui détectait le rythme cardiaque et autres données biologiques. Qu'une seule de ces électrodes vînt à se décoller sous l'effet de la transpiration ou d'un de mes faibles mouvements, et voilà qu'un "Dong-dong" synthétique et très sonore se déclenchait, sans que survînt immédiatement un soignant pour l'interrompre et remettre l'électrode en position, car il y avait beaucoup de chambres comme la mienne d'où sortaient de tels sons, et le personnel, insuffisant en nombre, était surchargé de travail.

À l'extrémité de l'un de mes index, un doigtier vérifiait le taux du sang en oxygène. Cette maudite "satu" avait vite fait de glisser sur le doigt, ce qui déclenchait alors d'autres "Dong !" assourdissants, jour et nuit. Plongeant dans mon flanc droit il y avait deux tuyaux, dont l'un convoyait vers l'extérieur une partie de ma bile qui autrement se serait dangereusement déversée dans les organes et tissus internes, qu'elle aurait corrodés. Sortant de mes narines, deux tubes minces et rigides à l'odeur désagréable de plastique menaient à un appareil d'assistance respiratoire situé à ma gauche et dont la partie la plus visible, pour moi, était un énorme serpentin de plastique tordu comme un dragon. En même temps que le sifflement continu et immuable de l'oxygène dans le nez (celui-là même qu'on entend dans les séquences de sortie spatiale de 2001, L'Odyssée de l'espace, le chef-d'œuvre de Kubrick, sur lequel j'avais écrit en 1998 un essai que Claudia Gorbman était justement en train de traduire à des milliers de km de là), j'entendais ma respiration décomposée : mes inspirations dans ma tête - comme tout le monde, tandis que le son de mes expirations était grossi et extériorisé à deux mètres de moi par le " serpent " du respirateur, en un ping-pong stéréophonique de cauchemar, contribuant à troubler ma conscience des limites entre l'intérieur et l'extérieur de mon corps.

Toutes les trois ou quatre heures du jour et de la nuit, infirmières et infirmiers venaient effectuer des prises de sang de contrôle, vider les liquides, vérifier les perfusions et en poser de nouvelles - parfois cinq, six, sept en même temps, dont les contenus étaient "mixés" jusqu'à mon cathéter par un savant système de connexions qui leur demandait une dextérité admirable. J'entendais avec une grande acuité les tintements nombreux que produisaient, sur les tablettes où elles étaient posées, les bouteilles de produits de perfusion. Enfin, à ces "Dong" qui se déclenchaient à tout propos, à ces sifflements d'oxygène, à cette expiration géante qui était mienne en même temps qu'extérieure, au clapotis erratique de l'eau filtrant l'arrivée d'air, aux manipulations des infirmières qui faisaient tinter des tables en verre s'ajoutait, en basse continue, un cliquètement mécanique précipité et ininterrompu que je mis longtemps à identifier: en fait, il émanait d'un appareil informatique destiné à réguler le débit des perfusions. Ce bruit constant variait cycliquement en timbre, et faute de savoir d'où il venait, je l'associais à l'écoulement goutte à goutte des différents liquides qui se déversaient dans mon sang, et dont il aurait été comme le bruit secret.

Devant moi enfin - et ce "devant moi" prenait tout son sens, car ne pouvant me tourner, je ne pouvais qu'être face à elle - fonctionnait une horloge à aiguille au discret tic-tac, munie d'une trotteuse où je voyais et entendais le temps passer. Le temps dont je faisais l'expérience "à l'état pur", comme d'un "mécanisme abominable", ainsi que le dit très bien Christiane Rochefort dans son roman Le Repos du guerrier.

Il faut y ajouter, plusieurs dizaines de fois dans la journée, la sonnerie électronique en arpège ascendant du téléphone de service installé dans le couloir du Service, et qui par définition ne sonnait jamais pour moi (pendant les deux-trois ans qui suivirent, quand je la reconnaissais dans un magasin ou dans le Service de l'Hôtel-Dieu auquel je venais rendre des visites de remerciements, je ressentais de façon toujours aussi aiguë: cet arpège ne sonne pas pour toi, et de toutes façons tu ne peux pas te lever).

Il ne faudrait pas oublier non plus de faire entendre, si l'on voulait exécuter la musique concrète non fixée de cette hospitalisation, la petite goutte de son à laquelle j'accrochai mon attente en fin d'après-midi et souvent à midi, comme sortant d'une fontaine dont j'attendais assoiffé qu'elle fît couler un peu d'eau: le couinement sobre et faible de la sonnette électrique que les visiteurs extérieurs à l'hôpital devaient actionner pour pouvoir entrer en réanimation, après avoir revêtu une blouse spéciale et parfois mis un masque. Cette sonnette céleste, c'était Anne-Marie qui venait me voir tous les jours après son travail, parfois mon neveu Emmanuel, parfois mon frère Jacques et sa femme venus de Blois, parfois des amis, tous accueillis avec joie, ou bien Jacqueline Tiévant, visiteuse d'hôpital avec laquelle j'ai échangé par la suite quelques lettres, une Catholique qui m'encourageait à ne pas bouder - car j'en doutais alors - le talent et la vocation qui m'avaient été donnés pour la musique.

Je n'ai pas eu la force, ni même l'idée ou l'envie d'enregistrer ces sons, car ils n'ont de sens que par l'expérience qu'ils accompagnaient. Il faudrait les rendre par d'autres sons et d'autres durées. N'empêche qu'à certaines heures de la nuit, surtout au début, avec tout l'attirail que j'ai décrit, ces sons d'hôpital formaient pour moi, auditeur captif, des polyphonies parfaites, des polyrythmies fabuleuses qui me faisaient me dire : si je pouvais en capter quelques instants, j'aurais une heure d'une composition concrète qui surpasserait tout ce que j'ai fait. Mais je sais combien capter l'essence des sons réels est difficile, voire impossible.

Si j'ai incorporé cet épisode à l'histoire de mes musiques concrètes, c'est qu'il m'a marqué, et amené à faire une pause de près de cinq ans dans la composition d'oeuvres nouvelles. A l'hôpital, j'avais eu peur que certaines de mes musiques, parmi lesquelles évidemment le Requiem, n'aient été des anticipations, des messages de moi à moi-même que je n'avais pas su lire pour ce qu'ils disaient, négligence dont je payais maintenant le prix. Souvent aussi, j'ai eu l'impression que je repassais par des états vécus il y a très longtemps (Christiane avait été frappée quand je lui avais raconté l'épisode d'enfance que j'évoque dans le chapitre 12 de cette Histoire, car elle y voyait la source de cet état de cri par lequel passent plusieurs de mes œuvres).

A l'Hôtel-Dieu je n'étais pas obligé, certes, d'écouter, mes pièces concrètes ! Je pouvais écouter Mozart, Monteverdi, Bill Evans ou Ruth Etting dans les écouteurs d'un Walkman, mais curieusement, je n'avais pas envie alors d'entendre de la musique. La lecture m'apaisait beaucoup plus, et me délivrait du temps long.

Et lorsque je regarde le pauvre brouillon qui est reproduit ci-dessus, et qui ne réussit à être ni du temps ni de l'espace, je n'éprouve plus d'énervement mais de l'attendrissement. En fait, avec ces deux années 1999-2000 qui ont suivi la composition de la première version de L'Isle sonante, c'est comme si la formule de Parsifal que je cite au chapitre 19, " zum Raum wird hier die Zeit ", cessait provisoirement d'être valide. Le temps venait se rappeler à moi comme si ce qui ne peut avoir ni hauteur ni largeur, seulement de la longueur, et laquelle ! Mais cette longueur, dont je vais m'extraire en poursuivant cette histoire, aura peut-être été nécessaire pour lui redonner du sens et du volume. Et me permettre de revenir à la composition.

(A suivre)

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HISTOIRE DE MES MUSIQUES CONCRÈTES, 20. PERPETUUM KYRIE, 1997, MISSA OBSCURA, 1992-2000, DIX-SEPT MINUTES, 2000 | Michel Chion

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Ci-dessus, vous pouvez voir un brouillon que j'ai retrouvé - le brouillon, pas la version au propre tout de même !

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Capsule éducative sur les instruments à vent et percussions

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Alcool, drogue et musique, un trio inséparable

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Alcool, drogue et musique, un trio inséparable

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Alcool, drogues et musique : un trio inséparable

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Lorsque l'on parle des influences d'un compositeur ou d'une compositrice sur sa musique et sa vie, on évoque principalement ses contemporains et prédécesseurs ainsi que le contexte socio-politique de l'époque. On aborde moins souvent (ou de manière inconséquente) les drogues et autres substances qui ont rythmé son quotidien, menant même parfois à sa mort.

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Feeling good de Nina Simone: histoire d'un pong levé

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Feeling good de Nina Simone: histoire d'un pong levé

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“Feeling Good” de Nina Simone : l’histoire d’un poing levé

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Dès sa création en 1964, la chanson “Feeling Good” retient l’attention par son texte et sa mélodie. Mais c’est Nina Simone qui transforme cet air d’émancipation d’une comédie musicale en un hymne jubilatoire et colérique, véritable étendard musical de la défense des droits civiques aux États-Unis.

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Au XVIII° on composait la musique avec les dés

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Au XVIII° on composait la musique avec les dés

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Il était de coutume, dans les salons musicaux au XVIIIe siècle, d'entendre les nouvelles œuvres des plus talentueux compositeurs, jouées par les meilleurs interprètes, pour le plus grand plaisir de la noblesse. Mais l'artiste avait également envie de s'amuser ! Ainsi naissent des jeux musicaux dont les détails précis varient selon le jeu et le créateur. Cependant, l'idée reste la même : proposer aux joueurs de créer leur propre composition à l'aide de dés à six faces et d'une grille de plusieurs numéros, et ce sans la moindre connaissance musicale.

L'un des premiers exemples publiés de ce " jeu " est Der allezeit fertige Menuetten- und Polonaisencomponist (1757) ( Menuets et polonaises prêts à composer) de Johann Kirnberger, ancien élève de Jean-Sébastien Bach. Dans la famille Bach, Carl Philipp Emanuel compose également en 1758 Einfall, einen doppelten Contrapunct in der Octave von sechs Tacten zu machen, ohne die Regeln davon zu wissen ( Principe pour composer un double contrepoint de six mesures à l'octave sans en connaître les règles).

À Mozart seraient attribuées deux œuvres aléatoires, dont Anleitung zum Componieren von Walzern so viele man will vermittelst zweier Würfel, ohne etwas von der Musik oder Composition zu verstehen ( Instruction pour composer autant de de valses que l'on veut par le moyen de 2 dés sans savoir la musique ou la composition) et Anleitung zum Componieren von Polonaisen ... ( Instructions pour composer autant de polonaises ...).

Joseph Haydn aurait lui aussi signé un jeu musical aléatoire, intitulé Gioco filarmonico o sia maniera facile per comporre un infinito numero de minuetti e trio anche senza sapere il contrappunto ( Jeu philharmonique ou une méthode facile de composer un nombre infini de menuets et trios sans connaitre le contrepoint) .

Règles du jeu

Voici une reproduction de la grille proposée dans le Musikalisches Würfelspiel, publié à Berlin par Nikolaus Simrock en 1792 et attribué à Mozart :

Le jeu est simple : composer une œuvre de 16 mesures, divisées en deux phrases, en choisissant de manière aléatoire 16 idées musicales parmi les 176 possibilités. Vous commencez par la première colonne, qui représente la première mesure. Vous lancez deux dés à six faces, et le résultat détermine la rangée dans laquelle vous choisissez votre mesure, et ainsi de suite jusqu'à la 16e colonne.

11 choix par mesure, à répéter 16 fois, on obtient donc 11 puissance 16, ou 45,949,729,863,572,161 : quarante-cinq quadrillions neuf cent quarante-neuf billions sept cent vingt-neuf milliards huit cent soixante-trois millions cinq cent soixante-douze mille cent soixante et une permutations possibles. Il existe donc plus de permutations possibles que de secondes dans la vie de Mozart !

Il ne s'agit pas cependant d'une simple combinaison de mesures totalement aléatoire mais d'une variété de possibilités selon un schéma précis de composition. En effet, le choix des mesures se fait sur un schéma de 16 mesures, divisé en deux parties de huit mesures chacune. Ainsi, la première phrase musicale (mesures 1 à 8) est une phrase avec première résolution musicale à la septième mesure et la huitième mesure. Toutes les possibilités dans les 7e et 8e colonnes sont ainsi des mesures de tension (7e mesure) et de résolution (8e mesure).

Il serait possible, de la même manière, de créer un jeu similaire avec des mots au lieu des notes musicales :

Le/Un/Ce - gros/petit/grand - chat/chien/mouton - mange/saute/dort - bruyamment/longtemps/paisiblement - avec/sans/sur - son/mon/ton - jouet/maitre/lit.

À l'instar de l'exemple ci-dessus où chaque mot sert une fonction précise dans le sens de la phrase finale (pronom-adjectif-nom-verbe-adjectif-préposition-adjectif possessif-nom), les mesures musicales proposées sont chacune conçues de manière à construire une phrase musicale complète avec un thème, un développement, une tension et une résolution.

Vous souhaitez créer votre propre version parmi les environ quarante-cinq quadrillions possibilités ? Il suffit de cliquer ici.

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Au XVIIIe siècle, on composait des œuvres de musique avec des dés !

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Lorsque l'on parle de musique aléatoire, on pense notamment aux œuvres expérimentales du XXe siècle de Charles Ives, John Cage et de Karlheinz Stockhausen. Mais les compositeurs du XVIIIe siècle s'amusaient déjà à créer des œuvres aléatoires, avec seulement deux dés à jouer !

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La Marche Turque de Mozart et d'autres airs de musique joués sur des calculatrices, principalement des années 90, c'est la spécialité de ce jeune Japonais, et ça marche. Des centaines de milliers de personnes le suivent sur les réseau sociaux.

Des vidéos de @atarimae_400 ont été vues plus de 2 millions de fois

Lorsqu'il ouvre son compte Twitter sous le pseudonyme de @atarimae_400 (qu'on peut traduire par " cela va de soit ") ce jeune Japonais y publie des messages plutôt anodins sur sa vie quotidienne, ses hobbies et notamment le piano puisqu'on le voit jouer, plutôt bien, sur certaines vidéos.

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On ne sait pas ce qui lui a traversé l'esprit mais à partir du mois d'octobre 2018, il se met à poster des vidéos le montrant en train d'interpréter des morceaux de musique sur des claviers d'ordinateurs et, surtout sur des calculatrices électroniques des années 90, celles dont les touches produisent différents sons. Et là, c'est le succès ! Le nombre d'abonnés de son compte Twitter explose (plus de 150 000 aujourd'hui) et la chaîne YouTube qu'il a créé compte 140 000 abonnés et certaines de ses interprétations ont été vues plus de 2 millions de fois.

La " Marche turque " de Mozart sur 4 calculatrices

Sur 1,2,3 et même jusqu'à cinq calculatrices, @atarimae_400 interprète surtout des airs populaires comme la musique du jeu Mario Bros, le générique de Star Wars, le tube de Billie Eilish " Bad guy " ou des chants traditionnels de Noël mais le 23 février il s'est attaqué à un gros morceau classique avec une interprétation assez étonnante de " La marche turque " de Wolfgang Amadeus Mozart sur 4 calculatrices.

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Un morceau qui semble lui être cher comme en témoigne la publication d'une photo de la trousse du jeune homme qui représente la partition du célèbre 3 e mouvement de la sonate pour piano no 11 en la majeur du compositeur autrichien et qu'il dit posséder depuis l'âge de 6 ans. Le succès de son 1 er morceau classique est immédiat. En 5 jours " La marche turque " de @atarimae_400 a déjà été plus de 1000 fois sur Twitter et près de 11 000 fois sur YouTube.
Philippe Gault

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INSOLITE : il joue Mozart sur des calculatrices

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Lorsqu'il ouvre son compte Twitter sous le pseudonyme de @atarimae_400 (qu'on peut traduire par " cela va de soit ") ce jeune Japonais y publie des messages plutôt anodins sur sa vie quotidienne, ses hobbies et notamment le piano puisqu'on le voit jouer, plutôt bien, sur certaines vidéos.

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Dezede: archive et chronologie des spectacles

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Dezede: archive et chronologie des spectacles

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Robert Schumann : 10 (petites) choses que vous ne savez (peut-être) pas sur le compositeur romantique

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Compositeur mais aussi poète, amoureux passionné et tourmenté jusqu’à la folie, Robert Schumann est l’incarnation même du musicien Romantique.

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La harpe. On entend souvent que c'est un instrument pour les filles, difficile à jouer, encombrant et cher à l'achat... Quelle est la part de vérité dans ces idées reçues ? Réponse avec ces 5 clichés sur la harpe.

Que pour les filles ? Bien sûr que non ! Mais alors pourquoi imagine-t-on plutôt une femme derrière une harpe ?

Elle existe depuis l'Antiquité. La harpe apparaît en Mésopotamie, vers 3 500 av. JC. Elle est donc l'un des instruments les plus anciens, avec la flûte et les percussions. Les Grecs et les Egyptiens l'utilisent pour l'agrément, mais aussi beaucoup lors des cérémonies religieuses. Les hommes en jouent alors autant que les femmes, comme en témoignent les objets sur lesquels ils sont représentés. La harpe arrive en Europe au Moyen-Âge. Là encore, les dessins qui nous sont parvenus montrent des musiciens des deux sexes. Mais au XVIIIème, la harpe devient un instrument de salon. Les tableaux de l'époque ne montrent plus alors que des femmes. Et le cliché se poursuit au siècle suivant ! D'où l'image de jeune femme romantique en robe blanche, qui colle encore beaucoup à la harpe. Heureusement, le talent de harpistes masculins, comme Xavier de Maistre ou Emmanuel Ceysson, commencent à faire bouger les mentalités.

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La harpe n'est pas pour les enfants. C'est trop grand. Vraiment ?

Dans la famille des harpes, on dénombre trois soeurs : la bardique (22 à 27 cordes), la celtique (34 à 38 cordes), et la grande harpe diatonique à pédales (40 à 47 cordes). Si cette dernière en impose avec son 1,80m, les deux autres sont nettement plus petites. De sorte qu'on peut apprendre l'instrument dès 6 ans, en commençant par la harpe celtique. Comme elle n'a pas de pédale, cela permet aussi de graduer les difficultés. On apprend d'abord la position et la synchronisation des mains... et on rajoute les pieds plus tard lorsqu'on passe à la grande harpe.

Avec les pédales à gérer, c'est plus dur à jouer que le piano

Les harpistes jouent avec les deux mains, comme les pianistes. Mais aussi avec les deux pieds. Comme les organistes ? Pas tout à fait. Les cordes de la harpe correspondent aux 7 notes de la gamme, c'est-à-dire aux touches blanches du piano. Pour pouvoir jouer l'équivalent des touches noires, on a inventé les pédales. Situées au bas de l'instrument ( le socle) pour pouvoir être jouées avec les pieds (3 pédales pour le gauche et 4 pour le droit), elles sont reliées à la partie supérieure de la harpe ( la console) grâce à de longue tiges qui passent dans la colonne. Là-haut, sont positionnées deux disques de métal, les fourchettes (elles doivent leur nom aux deux petits cylindres fixés dessus, qu'on appelle... des dents !). Quand on actionne la pédale, ça fait tourner la fourchette : la corde, bloquée entre les deux dents, est ainsi raccourcie et on obtient un son d'un 1/2 ton plus haut. Par défaut, les cordes sont accordées en bémol. Les deux crans de la pédale permettent de jouer le bécarre et le dièse. On doit ce double mouvement à Sébastien Erard, en 1810. Il a ainsi grandement amélioré le procédé de la pédale à simple mouvement (un seul cran) mis au point par Hochbrücker au début du XVIIIème siècle.

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Sur les harpes celtiques, qui n'ont pas de pédale, chaque corde est munie d'une palette (un levier qui raccourcit la corde quand on le lève) qui joue le rôle de la fourchette. Il faut l'actionner à la main, mais elle ne permet qu'une altération et non deux. Alors, la harpe est-elle plus dur à jouer que le piano ? Question d'habitude. Et pour se repérer dans toutes ces cordes, certaines sont entourées d'un fil de couleur : les rouges sont les DO et les bleus (ou noirs) les FA.

Musique classique et celtique sont les seuls répertoires possibles à la harpe

Pas du tout ! Certes, la harpe est très présente dans la culture celtique. En Bretagne, la ville de Dinan lui consacre même un festival. Comme les possibilités techniques de la harpe se sont développées à l'époque romantique, on l'associe aussi beaucoup à la musique de cette époque. Mais en réalité on peut aussi jouer d'autres styles très variés : jazz, pop, rock, zouk. Comme au piano, on peut également transcrire pour la harpe des œuvres qui ont été écrits à l'origine pour un autre instrument. Il existe même des harpes électriques. Bref, les seules limites du répertoire de la harpe sont celles de votre imagination !

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L'instrument est gros, donc lourd et encombrant, difficile à transporter et cher à l'acquisition

Pas forcément. Tout dépend du répertoire que vous voulez jouer, et donc du type de harpe. Si vous êtes attiré par la musique médiévale, pourquoi ne pas vous procurer une harpe... en carton ? Outre son prix nettement plus abordable, l'instrument est aussi plus léger. Idéal pour le transport, même à vélo ! On peut ainsi emporter sa harpe partout et jouer plus facilement avec d'autres musiciens. Autre avantage, on peut la fabriquer soi-même et donc la personnaliser. Une initiative qu'on doit à l'association Pop'harpe d'Ivry-sur-Seine. Cependant, la harpe en carton n'a ni pédale ni palette. Si vous rêvez de jouer Debussy, Mozart, ou encore les concertos romantiques, là il vous faudra une grande harpe. C'est un investissement assez onéreux, certes, mais que vous pouvez aussi transformer en élément déco ! Car, comme les clavecins, les harpes peuvent être sculptées et peintes. Gageons que vos amis la prochaine fois n'auront d'yeux que pour votre harpe !
Sixtine de Gournay

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La harpe, un instrument pour filles, difficile à jouer et encombrant ? Voici 5 clichés démontés par Radio Classique

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Elle existe depuis l'Antiquité. La harpe apparaît en Mésopotamie, vers 3 500 av. JC. Elle est donc l'un des instruments les plus anciens, avec la flûte et les percussions. Les Grecs et les Egyptiens l'utilisent pour l'agrément, mais aussi beaucoup lors des cérémonies religieuses.

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Pierre et le loup, une ode à l'intelligence des enfants

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Pierre et le loup, une ode à l'intelligence des enfants

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Quelques notes de violons suffisent à nous replonger en enfance. Lorsque l'on entend Pierre et le loup de Sergueï Prokofiev - et plus particulièrement le thème principal de Pierre, difficile de ne pas s'imaginer l'enfant désobéissant qui gambade dans la forêt. En 1936, Prokofiev exécute un chef d'œuvre musical et pédagogique.

Alors qu'il décide de revenir en URSS après plusieurs années passées à l'étranger, le Théâtre central pour enfants de Moscou lui commande un conte musical pour faire découvrir l'orchestre aux enfants. " Prokofiev avait déjà composé des œuvres pour enfants et était lui-même père et donc, on peut se dire qu'il y a une symétrie entre ce qu'il vivait comme père et le conte qu'il imagine à ce moment-là ", expose Charlotte Ginot-Slacik, musicologue et directrice de l'Orchestre Français des Jeunes.
Un instrument pour chaque personnage
Pour cela, le compositeur russe choisit la forme du conte symphonique avec sur scène, auprès de l'orchestre, un narrateur. L'histoire, " c'est le cauchemar des parents ", ironise Charlotte Ginot-Slacik : " un petit garçon désobéissant qui s'appelle Pierre décide de ne pas écouter son grand-père qui lui a dit qu'il y avait des loups dans la forêt ". Bravant l'interdit, Pierre fait preuve de bravoure et s'en va capturer le loup avant que celui-ci n'attaque d'autres animaux. Lorsque les chasseurs arrivent après coup pour tuer le loup, Pierre suggère alors de le donner au jardin zoologique.

À travers ce conte enfantin, le public découvre un instrument associé à chaque personnage. " Pierre, c'est les violons qui ont un rythme sautillant et on imagine très bien le petit garçon qui gambade et qui n'écoute rien de ce que les adultes lui disent. En revanche avec le basson, on imagine beaucoup plus le grand-père avec sa canne et un rythme irrégulier et sévère. " Le canard est, quant à lui, incarné par le hautbois, lent et mélancolique ; l'oiseau par la flûte légère et joyeuse et les chasseurs par les timbales grondants.

Pour incarner le loup, les cors résonnent à l'unisson comme une menace sortant du fond des bois. " Même si on n'en a pas conscience, le son du cor fait souvent allusion à l'univers de la forêt. C'est quelque chose que l'on trouve beaucoup dans l'opéra du XIXème siècle, comme chez Wagner. Cet instrument renvoie à la fois à l'univers de la chasse, mais aussi à l'univers du lointain et du profond. C'est absolument génial d'avoir associé le cor au loup qui devient une menace lointaine. "
La jeunesse face à la vieillesse
Un procédé pédagogique simple qui entrecroise progressivement les instruments à mesure que les personnages se rencontrent. A la fin, ce sont tous les instruments de l'orchestre qui jouent ensemble dans la grande marche triomphante pour emmener le loup capturé.

Derrière l'histoire de Pierre et le loup, se cachent plusieurs niveaux de lecture. Parmi lesquels, l'affrontement entre la jeunesse et la vieillesse : " Pierre, c'est les forces du progrès, comme lorsqu'il suggère une solution à laquelle personne n'avait pensé en proposant d'amener le loup au zoo plutôt que le tuer. Tandis que le grand-père et les chasseurs incarnent les forces réactionnaires en interdisant à l'enfant de s'aventurer dans la forêt. "

Pour Charlotte Ginot-Slacik, Pierre et le loup reste une référence de pédagogie musicale, encore aujourd'hui. " Est-ce que les enfants d'aujourd'hui sont moins désobéissants que les enfants d'hier ? Evidemment que Pierre et le loup reste une référence. Ça reste une référence parce que c'est une ode assez incroyable à l'intelligence des enfants. En cela, c'est une œuvre qui s'adresse aux enfants d'aujourd'hui et, soyons optimistes, aux enfants de demain. "

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Pierre et le loup : le conte musical qui célèbre le génie des enfants

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Quelques notes de violons suffisent à nous replonger en enfance. Lorsque l'on entend Pierre et le loup de Sergueï Prokofiev - et plus particulièrement le thème principal de Pierre, difficile de ne pas s'imaginer l'enfant désobéissant qui gambade dans la forêt. En 1936, Prokofiev exécute un chef d'œuvre musical et pédagogique.

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Pierre et le loup: propagande soviétique ou critique masquée?

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Pierre et le loup: propagande soviétique ou critique masquée?

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Pierre et le loup : propagande soviétique ou critique masquée ?

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En 1936, Sergei Prokofiev compose l’une des œuvres musicales les plus célèbres du XXe siècle, « Pierre et le loup ». Conçue pour initier les enfants à la musique classique, l’œuvre est aussi un écho d’une époque troublante.

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L’harmonica : “un monde de liberté”, par Rachelle Plas

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Instrument réputé pour son accessibilité, l’harmonica est associé dans l’inconscient collectif au blues américain et au western, alors qu’il vient d’Europe et plus précisément d’Allemagne. Rachelle Plas, harmoniciste, présente son instrument.

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La musique est-elle une langue comme les autres?

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La musique est-elle une langue comme les autres?

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La musique est-elle une langue comme une autre ?

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Comment notre cerveau traite-t-il la musique, par rapport au langage ? Pourquoi les musiciens semblent-ils avoir des facilités en langues étrangères ? Dans le cadre de la Semaine du cerveau, rencontre avec le chercheur en neurosciences Daniele Schön, spécialiste de la musique et du langage.

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Enregistrement du vibrato à Radio France par Anne Nautré - Christophe Dilys

Anne Nautré, flûtiste, a accepté de nous expliquer les différentes façons de vibrer exigées par le répertoire du XVIIIe siècle. Une toute nouvelle façon d'entendre comment ce répertoire s'ouvre à nous et c'est fascinant ! (en tout cas pour Christophe Dilys)

Programmation musicale

Le péché véniel : Valse des péchés

CLAUDE TERRASSE (Compositeur)

Le péché véniel : Valse des péchés

Album Les introuvables du chant français

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Tendez l'oreille ! Le vibrato dans le baroque : enfin des réponses !

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Anne Nautré, flûtiste, a accepté de nous expliquer les différentes façons de vibrer exigées par le répertoire du XVIIIe siècle. Une toute nouvelle façon d'entendre comment ce répertoire s'ouvre à nous et c'est fascinant ! (en tout cas pour Christophe Dilys)

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All Harpo Marx's Movie Harp Solos 1929-1949

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Emission du Dimanche 26 septembre 2021 revisitée

Claude Vivier : Pulau Dewata, pour ensemble de percussions (1977)

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Sortilèges et enchantements : la musique de gamelan

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Emission du Dimanche 26 septembre 2021 revisitée Claude Vivier : Pulau Dewata, pour ensemble de percussions (1977) Pour afficher ce contenu Youtube, vous devez accepter les cookies Publicité. Ces cookies permettent à nos partenaires de vous proposer des publicités et des contenus personnalisés en fonction de votre navigation, de votre profil et de vos centres d'intérêt.

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"Un champ de fleurs peut être un endroit assez bruyant pour ceux qui peuvent l'entendre", affirme la professeure Lilach Hadany, professeure à l'École des sciences végétales et de la sécurité alimentaire de l'Université de Tel-Aviv, qui codirige cette étude. Pour la première fois au monde, des chercheurs de l'université de Tel-Aviv ont enregistré et analysé des sons émis distinctement par des plantes. Déjà parue sous forme de prépublication en 2019, ces travaux bousculent notre perception toute scientifique du monde végétal, qui nous avait toujours laissé penser que seule la mandragore de l'univers magique d' Harry Potter ne poussait des cris stridents. Les résultats, maintenant publiés dans la revue scientifique Cell, suggèrent l'existence de sons végétaux, semblables à des cliquetis de pop-corn (voir la vidéo ci-dessous), produits par les plantes en état de stress. Ce sont plus précisément des ultrasons, produits à des fréquences situées entre 20 KHz et 100 KHz (kilohertz), soit trop élevées pour l'ouïe humaine, dont le champ auditif (gamme de fréquences sonores audible) ne dépasse que rarement les 16 KHz.

Les plantes émettent davantage d'ultrasons en situation de stress

" Nous avons découvert que les plantes émettent généralement des sons lorsqu'elles sont soumises à un stress, et que chaque plante et chaque type de stress sont associés à un son spécifique identifiable", explique Lilach Hadany. Des études antérieures démontraient déjà que fixer des vibromètres aux plantes permet d'enregistrer des vibrations, mais l'étude de l'Université de Tel-Aviv montre que ces vibrations se transforment en ondes sonores aériennes - ou bruits aériens -, c'est-à-dire des vibrations de l'air qui, à l'inverse des bruits d'impact, sont provoqués par une source sonore. Pour cela, les chercheurs ont placé des microphones à ultrasons enregistrant des sons à des fréquences comprises entre 20 et 250 kilohertz à une distance d'environ 10 cm de chaque plante, dans un caisson acoustique, sans aucun bruit de fond.

Mais les chercheurs découvrent également que ces sons sont influencés par l'état de la plante. " Avant de placer les plantes dans la boîte acoustique, nous les avons soumises à différents traitements : certaines n'avaient pas été arrosées depuis cinq jours, d'autres avaient eu la tige coupée et d'autres encore étaient intactes", poursuit Lilach Hadani. En moyenne, les plants de tomates stressés par la sécheresse ont produit 35 sons par heure, quand les plants de tabac en ont émis 11. Face à la coupe de leurs tiges, les plants de tomates se sont cette fois faits entendre 25 fois au cours de l'heure suivante, contre 15 pour les plants de tabac. Les plants non-soumis à ces "épisodes stressants", eux, ont en revanche produit moins d'un son par heure en moyenne. Ces enregistrements ont ensuite été analysés par une intelligence artificielle préalablement entraînée à faire la distinction entre les sons des plantes, du vent, de la pluie et les autres bruits susceptibles de résonner dans la serre. Les algorithmes ont pu déterminer le type et le niveau de stress de chaque plante à partir des enregistrements.L'étude s'est principalement concentrée sur les plants de tomates et de tabac, mais le blé, le maïs, le cactus et le henbit (une fleur) ont également été enregistrés. Les chercheurs suggèrent que cette propriété peut s'appliquer à l'ensemble du règne végétal.

Un son qui contient des informations précieuses sur l'état de la plante

"Bien qu'imperceptibles pour l'oreille humaine, les sons émis par les plantes peuvent probablement être entendus par divers animaux, tels que les chauves-souris, les souris et les insectes", déclare la professeure en charge de l'étude. En effet, les chauves-souris, comme les dauphins, peuvent percevoir des fréquences allant jusqu'à 160 KHz, c'est 4 fois plus que les chats et chiens, et 10 fois plus que les humains ! Une fois les problématiques des plantes assimilées à une fréquence particulière, ces sons contiennent des informations, par exemple sur le manque d'eau ou les blessures.

" Nous pensons que l'Homme peut également utiliser ces informations s'il dispose des outils adéquats, comme les capteurs", affirme Lilach Hadani sur les perspectives de cette étonnante découverte. Elle pourrait, selon les chercheurs, "ouvrir une voie nouvelle dans le domaine de l'agriculture de précision" . Dans une perspective d'intense changement climatique, qui s'apprête à exposer de plus en plus de régions et leurs cultures à la sécheresse, elle pourrait en effet s'avérer capitale pour savoir "écouter" nos plantes lorsque celles-ci sont dans le besoin.

Dans les études à venir, les chercheurs continueront à explorer les questions importantes qui persistent après ces résultats, notamment sur le mécanisme à l'origine des sons émis par les plantes. L'idée serait de se réussir à se défaire de la vision anthropomorphiste d'un "cri de détresse" de la plante stressée...

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Découverte majeure : les plantes émettent des sons ! Mais ils sont inaudibles pour nous - Sciences et Avenir

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"Un champ de fleurs peut être un endroit assez bruyant pour ceux qui peuvent l'entendre", affirme la professeure Lilach Hadany, professeure à l'École des sciences végétales et de la sécurité alimentaire de l'Université de Tel-Aviv, qui codirige cette étude.

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Calendrier sonore de la voix des animaux en France

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Calendrier sonore de la voix des animaux en France

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Calendrier sonore de la voix des animaux en France (avec CD et poster)

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Alexandre est un incroyable multi-instrumentiste habité par la musique

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Les chansons influent sur notre histoire, de " La Marseillaise " à " Tomber la chemise ", de " Thriller " à " En passant par la Lorraine "... Mais elles sont aussi le reflet de nos sociétés, qu'elles réagissent à un événement ou qu'elles se fassent le miroir de nos travers immuables.

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Les chansons influent sur notre histoire, de " La Marseillaise " à " Tomber la chemise ", de " Thriller " à " En passant par la Lorraine "... Mais elles (...)

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CHANSON

De tous temps, de nombreux auteurs de chansons ont écrit des textes en s'appuyant sur la musique et son vocabulaire lié à sa pratique. Apportant son influence bienveillante en prônant l'amour, condamnant la haine et l'injustice, la musique est porteuse de bien des messages...

NOus avons sélectionné pour vous quelques extraits de chansons françaises célèbres. Des textes anciens ou plus récents composés de mots et de phrases imaginés par des paroliers inspirés...

L'HOMME ET LA MUSIQUE - GILBERT BÉCAUD

Ces vers illustrent parfaitement la place de la musique dans le cœur de l'homme, tantôt réconciliante, tantôt distante...

LE JAZZ ET LA JAVA - CLAUDE NOUGARO

Éternel dilemme mettant en lumière les goûts et les couleurs d'une époque aujourd'hui révolue. La musique jazz voulait rentrer dans la danse et cherchait alors à imposer son modernisme, tandis que la java au son de l'accordéon imposait sa toute puissante popularité...
Chaque jour un peu plus
Y a le jazz qui s'installe
Alors la rage au cœur
La java fait la malle
Ses p'tit's fesses en bataille
Sous sa jupe fendue
Elle écrase sa Gauloise
Et s'en va dans la rue
(au refrain) Quand j'écoute béat
Un solo de batterie
V'là la java qui râle
Au nom de la patrie
Mais quand je crie bravo
À l'accordéoniste
C'est le jazz qui m'engueule
Me traitant de raciste
(au refrain)
PAS DE BOOGIE WOOGIE - EDDY MITCHELL

En droite ligne avec la personnalité de l'auteur, les vers illustrent d'une certaine façon l'esprit décalé d'un gospel afro-américain...

Au petit matin Dieu m'est apparu et il m'a donné la solution
Aussitôt vers l'église j'ai couru
parler à mes fidèles sur ce ton :
Mes biens chers frères, mes biens chères sœurs,
reprenez avec moi tous en cœur...
Pas de boogie woogie avant de faire vos prières du soir
(boogie woogie, pas de boogie woogie)
ne faites pas de boogie woogie avant de faire vos prières du soir
(boogie woogie, pas de boogie woogie)
maintenant l'amour est devenu péché mortel,
ne provoquez votre père éternel
non pas de boogie woogie avant vos prières du soir.
LA VALSE À MILLE TEMPS - JACQUES BREL

Le thème de la valse est ici un prétexte pour célébrer l'amour. Elle n'a pour but que de rapprocher les êtres...
Refrain :
Une valse à trois temps
Qui s'offre encore le temps
Qui s'offre encore le temps
De s'offrir des détours
Du côté de l'amour
Comme c'est charmant
Une valse à quatre temps
C'est beaucoup moins dansant
C'est beaucoup moins dansant
Mais tout aussi charmant
Qu'une valse à trois temps
Une valse à quatre temps
Une valse à vingt ans
C'est beaucoup plus troublant
C'est beaucoup plus troublant
Mais beaucoup plus charmant
Qu'une valse à trois temps
Une valse à vingt ans
Une valse à cent temps
Une valse à cent ans
Une valse ça s'entend
À chaque carrefour
LA JAVA - RENAUD

La chanson est née au moment fort de l'histoire de la java. Ces vers illustrent parfaitement l'intronisation de la java dans ce que l'on appelle communément 'les couches populaires'... C'est l'histoire des bals et du piano à bretelles... Toute une époque !
Quand arrive le samedi,
sans foutre de vernis,
ni faire de toilette,
nous partons au galop,
avec nos costauds,
dans un bal musette,
où nous nous retrouvons
rien qu'entre mectons
et vraies gigolettes
deux par deux on tourne, on tourne,
et on fredonne au son de l'accordéon Qu'est-ce qui dégote
le fox-trotte
et même le chimi
les pas english,
la scottish
et tout c'qui s'en suit.
C'est la java,
la vielle mazurka
du vieux sébasto
T'es ma nénesse,
tu es ma gonzesse
je suis ton julot.
HONTE À QUI PEUT CHANTER - GEORGES BRASSENS

Les vers portent sur le décalage entre les événements d'avant-guerre et le comportement des Français. Georges Brassens souligne cet écart en utilisant le prétexte du 'cœur léger' et du 'Tout ça, ça fait d'excellents Français'. Preuve s'il en est que la musique peut servir d'exutoire dans des périodes troubles...
Refrain :
Honte à cet effronté qui peut chanter pendant
Que Rome brûle, ell' brûl' tout l' temps...
Honte à qui malgré tout fredonne des chansons
À Gavroche, à Mimi Pinson.
GOLDEN GATE - MICHEL JONASZ

Dans cette chanson Michel Jonasz célèbre la musique de façon festive. Elle est d'une communication évidente, au point que quand le gospel s'invite, le 'blues' cède alors le pas !
Y a des jours ou j'éclabousse tous les gens avec mes larmes
Je parle du goût pamplemousse que j'ai gardé d'une femme
J'en parle avec un piano écoutez les violoncelles
Rien à dire c'est bien plus beau
Que de pleurer seul sur elle Prenez une cloche, un tambourin ou des baguettes
Ou alors tapez tapez dans vos mains c'est pas si bête
On va s'faire un beau p'tit voyage allons-y
BEAU SAXO - LÉO FERRÉ

De nombreux instruments ont inspiré les auteurs. Le piano, la guitare, le violon... Ici, c'est le saxophone qui tient le haut de l'affiche.
Beau saxo Beau saxo
TELECASTER - FRANCIS CABREL

Nul doute qu'en lisant les vers qui suivent, vous trouverez que l'instrument de musique crée un lien avec son utilisateur. Cabrel désigne la guitare comme une source d'inspiration. C'est un instrument dont il ne peut se séparer, même lors des mauvais jours...
C'étaient des nuits toutes d'un bloc
À creuser dans le Rock and Roll mystère
Jusqu'à trouver la note
Qui aurait mis tous mes potes d'équerre
Comme le noyé à la branche
Accroché au manche de ma Telecaster J'espérais qu'il reste une place de libre
Une heure de gloire
Quelque chose entre Gershwin et Mozart Des places il n'en restait aucune
J'suis parti jouer pour pas une thune
Et "nowhere"
Des câbles pleins de bière
Et les amplis qui pèsent un enfer
Sur toutes les mauvaises planches
Accroché aux hanches de ma Telecaster
LA PETITE FUGUE - MAXIME LE FORESTIER

Cette chanson est un hommage à tous ceux qui jouent de la musique pour le plaisr, en amateur ; quand la difficulté est là, et qu'il ne faut surtout jamais renoncer !
C'était toujours la même
Mais on l'aimait quand même
La fugue d'autrefois
Qu'on jouait tous les trois
On était malhabiles
Elle était difficile
La fugue d'autrefois
Qu'on jouait tous les trois
Éléonore attaquait le thème au piano
On trouvait ça tellement beau
Qu'on en arrêtait de jouer pour l'écouter
Elle s'arrêtait brusquement et nous regardait
Du haut de son tabouret
Et disait reprenez mi fa mi fa mi ré
C'était toujours la même
Mais on l'aimait quand même
La fugue d'autrefois
Qu'on jouait tous les trois
On était malhabiles
Elle était difficile
La fugue d'autrefois
Qu'on jouait tous les trois
EX-FAN DES SIXTIES - JANE BIRKIN

Chanson sur la nostalgie de groupes disparus. Que dire de plus ?
Ex-fan des sixties
petite Baby Doll
comme tu dansais bien le Rock 'n 'Roll
ex-fan des sixties
où sont tes années folles
que sont devenues toutes tes idoles -
où est l'ombre des Shadows
des Byrds, des Doors
des Animals
des Moody Blues
séparés McCartney
Georges Harrison
et Ringo Starr
et John Lennon -
ex-fan des sixties
petite Baby Doll
comme tu dansais bien le Rock 'n 'Roll
BERNARD LAVILLIER - LA SAMBA

La samba ou comment faire pénétrer des mots de musique dans un discours aux contours politisés...

LA CHANSON DES JUMELLES (LES DEMOISELLES DE ROCHEFORT)

Avec cette chanson, nous sommes au cœur de la musique et de son vocabulaire. Pour l'anecdote, les notes de musique citées dans les vers correspondent exactement à celles chantées.

CONCLUSION...

D'autres chansons auraient bien sûr mérité de paraître sur cette page. Par exemple :

Ce piano est à vendre (Alain Chamfort)
Ce sacré piano (Charles Aznavour)
D'où que vienne l'accordéon (Jean Ferrat)
La boîte de jazz (Michel Jonasz)
La chanson des musiciens (Michel Jonasz)
La guitare à Paul (Maxime le Forestier)
Le P'tit bal du samedi soir (Renaud)
Mon piano éléphant (Julien Clerc)
Musique (Michel Berger)
Rockollection (Laurent Voulzy)
Etc.

Par Patrick Martial (Cadence Info - 09/2013)

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TEXTES DE CHANSONS CONSACRÉS À LA MUSIQUE ET SES INSTRUMENTS

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CHANSON De tous temps, de nombreux auteurs de chansons ont écrit des textes en s'appuyant sur la musique et son vocabulaire lié à sa pratique. Apportant son influence bienveillante en prônant l'amour, condamnant la haine et l'injustice, la musique est porteuse de bien des messages...

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Pour présenter Marcel Zanini, quelques mots suffisent : " Tu veux ou tu veux pas". Depuis près de 50 ans, ces paroles le suivent comme son ombre, elles ont même tendance à faire oublier le reste de sa discographie. Pourtant, Zanini a enregistré des dizaines de titres, standards et compositions personnelles. Il a forgé son style à l'écoute du jazz américain, dont il a côtoyé certaines figures, et s'est formé dans les orchestres français itinérants. Même dissimulé derrière un morceau de variété, Zanini est un jazzman à part entière, inévitable jalon de cette musique dans l'Hexagone.

Programmation musicale

*Marcel Zanini "Zanini RIve Gauche 1976-1985"
*Sweet substitute (Roll Morton)
Frémeaux FA 5082

*Marcel Zanini "Peu de chose"
*Rendez-vous du lundi (Zanini)
Frémeaux FA 456

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Pour présenter Marcel Zanini, quelques mots suffisent : " Tu veux ou tu veux pas". Depuis près de 50 ans, ces paroles le suivent comme son ombre, elles ont même tendance à faire oublier le reste de sa discographie. Pourtant, Zanini a enregistré des dizaines de titres, standards et compositions personnelles.

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On le compare au fameux raseur Figaro, il n'est pourtant ni Rossini, ni Caruso. Le Barbier de Belleville, c'est lui, c'est l'Italien, c'est Serge Reggiani. Cette chanson parue en 1977 est l'une de ses plus autobiographiques. Car en interprétant ce Barbier chanteur, Reggiani nous rappelle que ses parents tenaient un salon de coiffure à Reggio d'Emilie en Italie puis à Paris. Bien qu'ils ne sentent pas l'âme d'un barbier, le jeune Serge aide sa famille à tenir l'entreprise familiale, il fait des shampoings tandis que sa mère chante des airs d'opéras italiens et qu'à la radio on écoute Rossini, Verdi ou Paganini..

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Une goutte de trop, celle d'un shampoing tombée dans l'oeil d'une cliente furieuse décide de l'avenir de Serge Reggiani. Comme faire des couleurs ne le grise vraiment pas, l'Italien s'inscrit à des castings, il prend des cours pour devenir acteur. Le Conservatoire, non pas de musique mais d'art dramatique est une révélation pour lui. S'ensuivent une carrière d'acteur ainsi qu'une dense et remarquable discographie où l'on trouve des titres parfois faussement baroques comme la chanson Jean-Baptiste ou La Table.

Si l'évocation de Bach dans cet arrangement de Jean-Michel Defaye vous semble un peu tirée par les cheveux alors que dites-vous de l'introduction au piano de la chanson les Petits Voisins du Dessus ? Après ces quelques notes de la Lettre à Elise, Serge Reggiani nous parle d'une scène que l'on a tous connu. De l'agacement qui peut nous prendre quand on écoute nos voisins jouer et rejouer inlassablement le même trait musical et se tromper, encore et toujours, et recommencer, toujours au même endroit.

Mais contrairement à ce qu'il dit dans sa chanson, Serge Reggiani n'a pas fui l'avenue Mozart pour s'installer avenue Marceau. A la fin de sa vie, il chante dans l'un de ses derniers enregistrements un ultime hommage à Mozart. Dans Le Divin Mozart arrangée par Michel Legrand il clame une dernière fois son amour à Aragon, Van Gogh, Satie et Mozart,bref à tous ces artistes qu'il aimait tant.

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Serge Reggiani : du Barbier de Belleville au Divin Mozart

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On le compare au fameux raseur Figaro, il n'est pourtant ni Rossini, ni Caruso. Le Barbier de Belleville, c'est lui, c'est l'Italien, c'est Serge Reggiani. Cette chanson parue en 1977 est l'une de ses plus autobiographiques. Car en interprétant ce Barbier chanteur, Reggiani nous rappelle que ses parents tenaient un salon de coiffure à Reggio d'Emilie en Italie puis à Paris.

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Il suffit de trois petits bonds pour danser dessus nous dit George Brassens. Yves Duteil quant à lui nous propose d'écouter comment on la dansera demain. Cette danse c'est la Tarentelle. Un nom qui évoque le Sud de l'Italie, la ville de Tarente mais aussi les régions des Pouilles de Calabre et de Campanie où l'on danse cette ronde depuis des siècles.

Mais la Tarentelle vous évoque certainement un nom un peu moins sympathique. Celui d'un animal à huit pattes que l'on nomme la tarentule. Une araignée venimeuse qui souffre d'une mauvaise réputation depuis qu'au Moyen-Âge on lui prêtait des pouvoirs particulièrement néfastes notamment celui de rendre folle et hystériques les victimes de ses douloureuses morsures. Pour lutter contre cette pathologie nommée tarentisme ou tarentulisme, les habitants du Sud de l'Italie avaient trouvé une parade plutôt originale et artistique. Celle de danser jusqu'à l'épuisement et la transe sur le rythme rapide et rebondissant de la tarentelle.

Selon les croyances populaires, le fait de danser frénétiquement sur des rythmes rapides aurait le pouvoir d'évacuer le venin du corps et d'atténuer la douleur de la morsure. Mais attention, la tarentelle ne se danse pas n'importe comment. L'essentiel ne repose pas sur le choix du type de tarentelle et des instruments accompagnateurs ! Que vous dansiez sur des Pizzica, des Tammurriata, des Napoletana ou des Gargano au son de guitares, de tambourins, d'accordéons, ou de cornemuse, en chantant ou non finalement peu importe car selon les croyances, ce qui compte c'est que votre danse plaise à l'araignée ! Car selon le théoricien du XVIIe siècle Athanasius Kircher ce n'est qu'à cette seule condition que la tarentelle peut avoir un effet thérapeutique et magique !

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Alors je ne sais pas si danser peut atténuer la douleur d'une morsure d'araignée. En revanche ce qui est certain c'est que la tarentelle italienne a inspiré bon nombre de compositeurs classiques. Si vous aimez le piano alors vous fonderez pour la Tarentelle de Chopin ou celle Styrienne de Debussy. Et puis à côté de celles de Tchaïkovski, Stravinsky, Rossini, Szymanowski il faut aussi mentionner l'album Taranta Project d'un autre compositeur dont le nom finit par I à savoir Ludovico Einaudi.

Enfin si vous avez apprécié la chanson d'Yves Duteil qu'on écoutait au début de cette chronique alors je ne peux que vous conseiller cette jolie balade des années soixante orchestrée par Jean-Claude Petit et chantée par Julien Clerc, deux victimes, deux mordus de tarentelle !

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La Tarentelle : de la danse à la transe !

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Il suffit de trois petits bonds pour danser dessus nous dit George Brassens. Yves Duteil quant à lui nous propose d'écouter comment on la dansera demain. Cette danse c'est la Tarentelle. Un nom qui évoque le Sud de l'Italie, la ville de Tarente mais aussi les régions des Pouilles de Calabre et de Campanie où l'on danse cette ronde depuis des siècles.

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Instrument étrange et inouï qu'est le thérémine, un des seuls instruments de musique qui produit un son sans qu'on...

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C'est une scène prodigieuse qui se déroule sur les bords de la Seine. Nous sommes en 1937 à Paris. L'Exposition Universelle bat son plein depuis le mois de mai et à cette occasion, l'Etat a commandé au compositeur français Olivier Messiaen une composition censée accompagner un grand feu d'artifice qui a lieu entre le Trocadéro et la Tour Eiffel. Tandis que les flammes embrasent la nuit et se reflètent sur l'eau et que de longs jets d'eau sont projetés dans les airs, des haut-parleurs diffusent une musique, étrange, inouïe et qui nous donne l'impression, selon Messiaen : " d'une eau telle un symbole de grâce et d'éternité "...

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Cette litanie n'est pas celle de baleines, de sirènes ou de nymphes mais proviennent de six Ondes Martenots, des instruments électroniques inventées neuf ans plus tôt par un certain Maurice Martenot. Un instrument que Messiaen affectionnait particulièrement. Outre cette fête des belles eaux, on pense à son incontournable Turangalila Symphonie, une oeuvre sacrée dans laquelle l'Onde Martenot rivalise à elle seule avec un immense orchestre symphonique. Une oeuvre et des Ondes Martenot qui fascinent Jonny Greenwood, membre du groupe Radiohead, au point qu'il se change justement en ondiste sur certaines chansons de l'album Kid A et notamment dans le titre The National Anthem. Mais Jonny Greenwood est loin d'être le seul musicien non classique à être ensorcelé par le timbre fantomatique des Ondes Martenot.

Les glissandis et le timbre électronique des Ondes Martenots hantent Edith Piaf dans sa très justement nommée chanson Je t'ai dans la peau. Ce sont également elles qui donnent à la relecture des Fleurs du Mal de Baudelaire signée Léo Ferré une grande part de sa substance nocturne, surréaliste et étrange. Une présence surréaliste, lugubre et magique qui hante également l'une des plus belles chansons de tous les temps.

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Les Ondes Martenot sont ce fantôme, cette image, cette idée fixe que Brel n'arrive pas et ne souhaite pas chasser. Ce sont-elles qui prennent la parole au début de ce Ne Me Quitte pas enregistré en 1959 et par elles que cette prière s'achève, par ces Ondes Martenots, ces inflexions des voix chères qui se sont tues.

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Les Ondes Martenot : fantômes de rêve de la chanson

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C'est une scène prodigieuse qui se déroule sur les bords de la Seine. Nous sommes en 1937 à Paris. L'Exposition Universelle bat son plein depuis le mois de mai et à cette occasion, l'Etat a commandé au compositeur français Olivier Messiaen une composition censée accompagner un grand feu d'artifice qui a lieu entre le Trocadéro et la Tour Eiffel.

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Grandes musique de nuit: de Chopin à Ligeti

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Grandes musique de nuit: de Chopin à Ligeti

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Si je vous dis nuit et musique classique, il y a de fortes chances pour que vous pensiez au nocturne, ce genre musical inventé par l'irlandais John Field à la fin du 19e siècle et que popularise Frédéric Chopin, Franz Liszt ou encore Gabriel Fauré pour ne citer qu'eux. Mais comme nous le montre leurs différents nocturnes, la nuit n'est pas forcément synonyme de calme et d'apaisement et elle est représentée dans des œuvres bien plus anciennes. Dans des opéras de Rameau mais aussi des musiques de scènes de Mendelssohn où elle est le théâtre d'une foule d'oiseaux nocturnes et d'être fantastiques !

Pour évoquer la nuit les compositeurs ont souvent recours à des sonorités originales, rares, à des orchestrations qui sortent du quotidien. Un siècle après les frémissements du Songe d'une Nuit d'Eté de Mendelssohn, le compositeur, pianiste et chef d'orchestre Italien Alfredo Casella compose ce poème musical Note Alta, pour piano et orchestre où, sur une note de do dièse gravissime jouée par les contrebasses et la harpe se déploient notes frémissantes et susurrés de cordes. Au lieu d'appuyer sur la corde, les violonistes, violoncellistes et altistes effleurent d'un doigt et créent ce son intrigant, fantomatique que l'on nomme un harmonique.

En écoutant ces sonorités mystérieuses, me vient une question. A votre avis, quelle astuce, visuelle et sonore certains compositeurs utilisent-ils pour évoquer la tombée de la nuit ?

En écoutant le début de la Nuit Transfigurée d'Arnold Schoenberg, avez-vous repéré quel figuralisme musical, quelle astuce le compositeur utilise pour évoquer la tombée de la nuit ? Un indice, c'est la même astuce que dans le Prélude à la Nuit qui ouvre la rhapsodie espagnole de Maurice Ravel ou lorsque bien plus tard, l'Anglais Benjamin Britten évoque la tombée de la nuit à la fin du premier acte de son opéra Le Viol de Lucrèce.

Un thème en notes conjointes et descendantes, voilà une bonne idée pour donner l'impression de la fuit du soleil et de la tombée de la nuit. C'est une astuce parmi d'autres bien sûr car certains compositeurs comme György Ligeti aiment faire tout l'inverse comme en atteste ses Métamorphosés nocturnes construits autour d'un motif ascendant cette fois, comme quoi la nuit est multiple, difficile à saisir !

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Grandes musiques de nuit : de Chopin à Ligeti

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Ode à la nuit, c'est le thème de la Folle Journée de Nantes cette année. L'occasion d'évoquer différents visages de la nuit dans la musique classique et de nous faire entendre quelques astuces, quelques ingrédients utilisés par les compositeurs pour évoquer ce temps magique !

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Le bruit d'un ruisseau qui coule paisiblement au milieu d'une forêt, le chant des oiseaux au petit matin, le son du vent qui balaie les feuilles d'un arbre ou les dunes de sable d'un désert. Sur les plateformes musicales, les sons de la nature cumulent des millions d'écoutes, séduisant chaque jour de nouveaux auditeurs. Ils auraient même, selon les scientifiques, des vertus bénéfiques sur notre santé, offrant notamment à notre cerveau un véritable "repos psychique", explique la très sérieuse étude d'une chercheuse canadienne.

"C'est une biologiste qui s'appelle Rachel Buxton et elle montre, dans son étude, que le fait d'écouter des sons naturels diminue le stress, diminue la sensibilité à la douleur et puis qu'elle améliore votre humeur. Et puis après, qu'elle améliore également vos performances intellectuelles", précise le neurologue Pierre Lemarquis.

Mais pour écouter ces sons, encore faut-il les entendre. Car s'ils nous parlent, c'est qu'ils nous racontent aussi l'histoire de notre planète et du dérèglement climatique qui la frappe. "De tous ces enregistrements, de tous ces sons, on essaye d'avoir des informations écologiques, notamment le niveau de biodiversité dans une forêt, dans une mare ou dans un océan. On essaye de qualifier un endroit, un milieu naturel, juste en l'écoutant", explique Jérôme Sueur, éco-acousticien au Muséum d'histoire naturelle à Paris et auteur du livre "Le son de la Terre".

Mais il est difficile désormais d'échapper à l'empreinte humaine dont les sons envahissent les endroits les plus silencieux. Des sommets de nos montagnes aux profondeurs de nos océans, des audio-naturalistes et des bio-acousticiens promènent pourtant leurs micros pour enregistrer l'écho d'un monde animal en déclin.

Reportage : Olivier Emond

Prise de sons : Laurent Macchietti et Julien Girard

Réalisation : Jérôme Chélius, assisté de Martine Meyssonnier

Mixage : Marie Lepeintre

Pour aller plus loin

Le site de la Société internationale de bioacoustique (IBAC)

Les effets incroyables des sons de la nature sur la santé - NEON, 24/03/2021

La sonothèque du Muséum d'histoire naturelle

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Sons de la nature : quand la planète nous parle

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Écouter le son d'un ruisseau qui coule paisiblement, le chant des oiseaux ou le bruit du vent... Ces sons de la nature nous fascinent et battent des records d'écoute sur les plateformes musicales. Ils nous apprennent surtout beaucoup de nous et du dérèglement climatique.

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Le piano autrement : découvrez le pianola, le piano préparé ou encore le toy piano

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À l’occasion de la dixième édition des Flagey Piano Days, qui se déroule du 8 au 12 février, Anne Hermant nous…

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La musique peut avoir un impact considérable sur son expérience au musée

La musique peut avoir un impact considérable sur son expérience au musée ©Getty - Johner Images

Au fil de l'actu

Au fil de l'actu Épisode du vendredi 13 mai 2022 par Jean-Baptiste Urbain

A l'occasion de la Nuit Européenne des Musées ce samedi 14 mai, le musicologue Éric de Visscher propose une déambulation musicale au sein de la Cité de l'Architecture et du Patrimoine à Paris, qui clôt une saison de résidence de recherche autour de l'impact du son au musée.

Le musicologue Éric de Visscher a mené depuis octobre 2021 un projet de recherche dans le cadre d'une résidence portant le titre "Musée polyphonique" au sein de la Cité de l'Architecture et du Patrimoine à Paris. Il s'intéresse à la question du son dans les musées, qui deviennent des espaces de plus en plus multisensoriels et ne mobilisent plus seulement la vue des visiteurs. Dans ses recherches dans différents musées comme le musée de la Musique, le musée du Quai Branly ou le Victoria and Albert Museum de Londres, Éric de Visscher explore l'utilisation du son comme enrichissement de l'expérience de visite.

"Le musée n'est pas un lieu silencieux mais un lieu où il y a du son, ne serait-ce qu'entre les visiteurs et les salles. Il existe une manière d'apercevoir les œuvres d'un musée à travers le son. En fait, le son peut créer une autre relation aux œuvres exposées"

A l'occasion de la Nuit Européenne des Musées ce samedi 14 mai 2022, Éric de Visscher animera une déambulation musicale dans la dans la Galerie des Peintures murales et des Vitraux de la Cité de l'Architecture, accompagné par 3 musiciennes de différents horizons musicaux : Eléonore Lemaire (soprano, Paris), Youmna Saba (voix et oud, Beyrouth) et Matilde Meireles (sons ambiants et électroniques, Oxford).

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Programmation musicale

O Herr ich bin dein Knecht (Tutti)

O Herr ich bin dein Knecht (Tutti)

Interprètes Hans Christoph Rademann, Anna Prohaska, Ivonne Fuchs, Maximilian Schmitt, Andreas Wolf

Album Trauermusik (intégrale) (2011)

Label Harmonia Mundi (HMC 902080)

L'équipe

Jean-Baptiste Urbain

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A l'occasion de la Nuit Européenne des Musées ce samedi 14 mai, le musicologue Éric de Visscher propose une déambulation musicale au sein de la Cité de l'Architecture et du Patrimoine à Paris, qui clôt une saison de résidence de recherche autour de l'impact du son au musée.

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Pourquoi ne faut-il pas écouter la musique trop fort?

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Pourquoi ne faut-il pas écouter la musique trop fort?

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Pourquoi ne faut-il pas écouter la musique trop fort ? - 1 jour, 1 question

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Quand la musique sert à dissimuler la réalité.

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Quand la musique sert à dissimuler la réalité.

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Il existe des œuvres de musique qui exigent une écoute passive, comme la Musique d'ameublement d'Erik Satie ou la musique d'ambiance de Brian Eno. N'oublions pas également 4'33", l'œuvre silencieuse de John Cage qui fait musique de toute expérience auditive entourant le spectateur. Mais il existe également une musique conçue expressément afin de couvrir d'autres sons, une musique à écouter précisément afin de nous distraire et de cacher l'existence d'un autre élément perturbateur.

La fanfare de l'arracheur de dents

" Mentir comme un arracheur de dents ". L'expression ne date pas d'hier, et fait référence aux dentistes itinérants des fêtes foraines dès le XVIIe siècle. Spectacle souvent présenté sur les places publiques, le dentiste se vante de ses incroyables talents, capable notamment d'arracher une dent sans la moindre douleur. A ses côtés sur l'estrade, un ensemble d'instruments bruyants, dont souvent un tambour, une grosse caisse, un cornet à pistons et un trombone, engagés pour attirer l'attention des passants.

Le spectacle de l'arracheur de dents était une opération bien huilée, comme l'explique Jean-Claude Tsavdaris dans Les saisons paysannes - Ces gens de Puisaye. Volume 5 (2002). Avec l'aide d'un complice, le dentiste fait une première démonstration convaincante, dans l'espoir ensuite d'attirer un membre de la foule. Une fois la " victime " séduite par les talents du dentiste, arrive la deuxième fonction de l'ensemble musical. Car derrière les promesses de l'arracheur de dents se cache une réelle douleur insoutenable pour le patient. Afin de cacher les cris de ce dernier, il demande alors à ses musiciens de jouer le plus fort possible. Le public n'entend rien, et la réputation de l'arracheur de dents reste intacte.

La capoeira, l'art martial caché par la musique ?

Jeu, danse ou art martial ? Immédiatement reconnaissable par ses mouvements singuliers, la capoeira semble être en réalité un mélange des trois. Les origines exactes de la pratique afro-brésilienne sont peu connues en raison d'un manque d'informations précises, mais cette absence d'informations découle précisément de la nature secrète de la pratique.

A l'origine, la capoeira serait un art martial créé par le peuple africain capturé par les Portugais et amené en tant qu'esclave au Brésil au XVIe siècle, mis au travail dans les champs pour récolter la canne à sucre. Ce sont ces esclaves venus d'Afrique qui créent la première forme de la capoeira, pratique collective censée entretenir la forme physique mais aussi forme d'art martial pour apprendre l'autodéfense.

Cependant, la pratique d'un art martial par les esclaves aurait inquiété les maîtres, ces derniers souhaitant éviter toute possibilité de révolte. Afin de dissimuler la vraie nature de leur art, les esclaves auraient ajouté de la musique, faisant ainsi passer leur art martial comme sorte de danse inoffensive. Cachés dans les éléments musicaux et rythmiques de la capoeira, les coups de pied violents seraient déguisés en mouvements de danse passionnés.

L'histoire est inspirante mais les origines de la capoeira ont sans doute été romantisées. En effet, comme l'explique Matthias Röhrig Assunção dans son livre Capoeira - The History of an Afro-Brazilian Martial Art (2005), nombreuses des premières sources sur la capoeira indiquent que les maîtres n'étaient que trop conscients du danger potentiel de la capoeira pratiquée par des esclaves, malgré la façade musicale de la pratique.

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Une fois l'esclavage aboli au Brésil en 1888, les principes de combat de la capoeira sont utilisés à des fins criminelles et violentes, et plusieurs gangs sont formés au nouvel art martial. Le gouvernement brésilien interdit ainsi la capoeira en 1890. Toute personne pratiquant l'art martial est envoyée en prison ou exécutée (dans certains cas extrêmes, les tendons d'Achille des coupables sont même sectionnés.) Ce n'est que dans les années 1930 que la Capoeira est décriminalisée pour finalement devenir une pratique culturelle et artistique nationale.

À lire aussi : Le Brésil, la Musique et le Monde : #01 Chassés croisés sur l'océan

Les premières fonctions de la musique au cinéma

Le cinéma et la musique est une association qui remonte à bien avant la genèse du septième art, à l'époque du mélodrame théâtral du XIXe siècle. Comme au théâtre, la musique permet de créer une ambiance précise et de ponctuer les moments forts d'une scène. Cependant, elle remplit également une autre fonction moins évidente mais tout aussi essentielle : dissimuler le bruit du projecteur. En effet, ce dernier risque de mettre en évidence la supercherie de l'illusion cinématique et ne servirait qu'à rappeler au public la nature artificielle du médium.

A l'époque des premières projections cinématographiques, l'idée d'une cabine de projection séparée du public n'est pas encore une évidence. Le projecteur est ainsi placé dans la salle avec le public, malgré le bruit de sa machinerie. L'idée vient alors de faire jouer de la musique dans la salle afin de cacher les bruits de la machine.

L'accompagnement d'une musique extra-diégétique (musique dont l'origine est extérieure au contexte de la scène) permet de distraire le public de cette évidence, conservant ainsi l'illusion théâtrale en déguisant auditivement la machinerie nécessaire à sa création.

Le bruit est un tel sujet que les nouveaux projecteurs au début du XXe siècle se vantent notamment de leur technologie silencieuse. En 1907, le catalogue du grand magasin américain Sears, Roebuck & Co. annonce le nouveau projecteur Optigraph, plus silencieux de tous les projecteurs, affirmant qu'" il n'est plus nécessaire de faire jouer en continu un piano, orchestre ou autre instrument afin de cacher le bruit pendant la projection des films ".

Une fois les projecteurs et autres bruits parasites maîtrisés, il ne serait alors plus nécessaire de faire jouer de la musique. Mais il est désormais impensable pour les publics de regarder un film sans musique, tellement l'association est enracinée dans le succès du medium. Née d'un besoin fonctionnelle, la musique de cinéma devient alors un élément essentiel du septième art.

À lire aussi : Musique et cinéma : le mariage du siècle ?

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Quand la musique sert à dissimuler la réalité

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Il existe des œuvres de musique qui exigent une écoute passive, comme la Musique d'ameublement d'Erik Satie ou la musique d'ambiance de Brian Eno. N'oublions pas également 4'33", l'œuvre silencieuse de John Cage qui fait musique de toute expérience auditive entourant le spectateur.

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Pour quel instrument n'a pas écrit Bach?

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Pour quel instrument n'a pas écrit Bach?

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En premier lieu vient la beauté du luth. Si beau à voir et à voir jouer, cet instrument a une histoire extraordinaire : descendant du oud arabe, il est introduit en Europe pendant l'occupation de l'Espagne par les Maures, de 711 à 1492. Et pour faire court, l'instrument se développera tant du point de vue de la lutherie que du répertoire et deviendra omniprésent en Europe, à la Renaissance. Voici la sublime Lachrimae pavan de Dowland, composée à la fin du 16ème siècle :

A la Renaissance, le luth sera également l'instrument qui accompagne les voix, comme plus tard, la guitare accompagnera les chanteurs de variété.

Ensuite, c'est une œuvre à comparer avec la version pour violoncelle. Comme de nombreux compositeurs baroques Bach a réalisé différentes versions de la même pièce. Cette suite pour Luth a son sosie pour violoncelle. Voici le début de la fugue au luth :

Puis maintenant au violoncelle, en do mineur, cette fois :

Et enfin, la fugue dans tous ses états ! Bach a composé un nombre considérable de fugues pour clavier (clavecin ou orgue) ou ensemble de voix, mais également pour certains instruments solistes, qui sont a priori moins adaptés à son contrepoint polyphonique. C'est le cas de l'extraordinaire et monumentale fugue en do pour violon seul, extraite de la s onate BWV 1005. Les premières notes avec Hilary Hahn :

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Pour quel instrument Bach n'a-t-il pas écrit ?

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En premier lieu vient la beauté du luth. Si beau à voir et à voir jouer, cet instrument a une histoire extraordinaire : descendant du oud arabe, il est introduit en Europe pendant l'occupation de l'Espagne par les Maures, de 711 à 1492.

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Programmation musicale :

Antonio Vivaldi
Concerto en ut majeur RV 537 pour deux trompettes, 1e mvt " allegro "
Maurice André et Marcel Lagorce (trompettes)
Orchestre de chambre Jean-François Paillard
Erato. Enr. 1972

Raymond Sabarich
Aubade
Raymond Sabarich (trompette)
Decca. Enr. 1954

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Igor Stravinsky
L'Histoire du soldat, " marche du soldat "
Marcel Darrieux (violon), Boussagol (contrebasse), Emile Godeau (clarinette), Gustave Dhérin (basson), Eugène Foveau (cornet), Raphaël Delbos (trombone), Jean-Paul Morel (percussion)
Direction : Igor Stravinsky
Vogue. Enr. 1932

Marc Lanjean
Arsenic Blues, générique des 5 dernières minutes
Pierre Thibaud (trompette)
BDMusic

Maurice Ravel
Concerto pour piano en sol, 1e mvt " allegramente "
Jean-Philippe Collard (piano)
Orchestre National de France
Direction : Lorin Maazel
(trompette solo : Yves Couëffé)
EMI. Enr. 1979.

Même passage
Orchestre Philharmonique de Vienne
Direction : Leonard Bernstein (piano et direction)
DG. Enr. 1971

Francis Poulenc
Sonate pour cor, trompette et trombone, 3e mvt " rondeau "
Paul Minck (cor), Bruno Nouvion (trompette), Alain Manfrin (trombone)
Accord. Enr. 1992

Leopold Mozart
Concerto pour trompette, 1e mvt " andante "
Adolf Scherbaum (trompette)
Orchestre de Chambre de la Sarre
Direction : Karl Ristenpart
Archiv Produktion. Enr. 1963
Youtube https://www.youtube.com/watch?v=TmwrIvxIo68

Ludwig van Beethoven
Ouverture Léonore 3
Orchestre Philharmonique de Vienne
Direction : Clemens Krauss
(trompette solo : Josef Levora, Hans Albrecht ou Helmut Wobisch)
Decca. Enr. 1954

Richard Wagner
Parsifal, début du Prélude
Orchestre Philharmonique de Vienne
Direction : Karl Böhm
(trompette solo : Adolf Holler, Walter Singer ou Joseph Pomberger)
DG. Enr. 1979

George Gershwin
Concerto pour piano en fa, 2e mvt " adagio "
Philippe Entremont (piano)
Orchestre de Philadelphie
Direction : E ugene Ormandy
Trompette solo : Gilbert Johnson
Sony Classical. Enr. 1972

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Peter Maxwell-Davies
Fanfare pour Lowry, pour deux trompettes
John Wallace et John Miller (trompettes)
Nimbus. Enr. 2001

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Antonio Vivaldi Concerto en ut majeur RV 537 pour deux trompettes, 1e mvt " allegro " Maurice André et Marcel Lagorce (trompettes) Orchestre de chambre Jean-François Paillard Erato. Enr. 1972 Raymond Sabarich Aubade Raymond Sabarich (trompette) Decca. Enr. 1954 Pour afficher ce contenu Youtube, vous devez accepter les cookies Publicité.

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Publié le vendredi 13 mai 2022 à 12h00

Voix de poitrine, voix de tête et voix mixte... Le chanteur lyrique Benjamin Bernheim explique le fonctionnement de la voix de ténor et comment il a réussi à construire la sienne au fil des années.

Nommé « Artiste Lyrique de l’année » aux Victoires de la Musique en 2020 et invité par les plus grandes maisons d'opéra au cours des dernières saisons, Benjamin Bernheim fait partie de la nouvelle génération de ténors. Avec un grand respect pour son art et une bonne dose d’humour, il nous explique le fonctionnement de la voix de ténor.

France Musique : Pourquoi êtes-vous devenu chanteur ?

Benjamin Bernheim : J'ai choisi d'être chanteur lyrique en voyant l'effet qu'avait ma voix sur le visage des gens qui m'écoutaient. Ils prenaient un air impressionné lorsque je chantais, je me suis dit que ma voix devait avoir quelque chose. Mais moi, je la détestais.

Comment fonctionne la voix de ténor ?

Il y a des ténors avec des voix de trompette, de violoncelle, etc. Moi, je suis un ténor trompette : ma voix porte, elle claironne.

La voix de ténor est très ingrate car elle n'existe pas dans la nature. Elle est en partie composée d’une voix naturelle, celle qui va du bas jusqu'aux deux tiers, et d’une voix fabriquée. Il m’a fallu plusieurs années pour découvrir et construire ma voix de ténor. Quand j'étais jeune chanteur, je n'avais accès qu’à la moitié de mes capacités vocales. Avec le temps, j’ai développé ma tessiture, demi-ton par demi-ton.

Avec la voix naturelle, il arrive un moment où on atteint une sorte de plafond. Au-delà, il y a un passage vers la voix fabriquée, qui est un mélange de voix de poitrine et de voix de tête. Ce passage, on peut l’entendre : cela fait comme un petit clic et métaphoriquement, c’est comme changer de rail.

La voix mixte est un savant mélange de voix de poitrine et de voix de tête. L’enjeu pour un ténor est de réussir à mettre dans la voix de tête un tout petit peu de voix de poitrine pour lui donner une sorte de “saveur”, ce que l’on peut entendre dans l’air de Des Grieux, dans Manon, de Jules Massenet

Enfin, cette voix fabriquée va nous permettre d'aller jusqu'aux aigus et de pouvoir passer les grands orchestres.

À lire : VIDEO - Sabine Devieilhe : la voix de soprano colorature ressemble à « une flûte jouant de façon aérienne »

Quel est le répertoire des ténors ?

Parmi les rôles pour ténors les plus connus, on peut citer La Bohème de Giacomo Puccini, le personnage d’Alfredo dans La Traviata de Giuseppe Verdi, ou encore celui du Duc de Mantoue dans Rigoletto, autre opéra de Verdi que le ténor italien Luciano Pavarotti a rendu très célèbre. C'est un métier qui peut être difficile et en même temps, d'une richesse et d'une chance incommensurable.

Est-ce que vous pouvez produire des sons inattendus avec votre voix ?

Lorsque le débit de l’air qui passe entre les cordes vocales n’est pas suffisant ou que ces dernières ne sont pas bien en place, la voix peut craquer. Quand c'est le cas sur scène, c’est toujours inattendu pour le chanteur. Mais cela arrive beaucoup plus souvent qu’on ne le croit et même avec les sons graves ! Comme le cri poussé par le personnage, il y a un son que l’on surnomme “Tarzan”, quand on pense être prêt à attaquer une note et que la voix part dans tous les sens. Cela arrive et ce n’est pas grave : les joueurs de football se blessent sans arrêt et n’arrêtent pas pour autant leur carrière. Et bien pour nous chanteurs, c’est pareil.

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Est-ce qu’il existe un cliché sur les ténors ?

Dans le milieu du chant lyrique et de l’opéra, on dit que le baryton-basse est une personne posée, intellectuelle et calme, que la soprano papillonne et virevolte mais que le ténor, lui, ne comprend jamais rien car il est “con comme un ténor” !

Chanter, qu’est-ce que ça représente pour vous ?

C’est un mode d’expression qui permet de raconter une histoire au travers d’une composition. Je pense notamment à Giuseppe Verdi, Giacomo Puccini ou Jules Massenet qui ont composé leurs opéras au siècle dernier : ils ne sont plus là, mais nous, nous sommes serviteurs de leurs œuvres et nous venons nous fondre dans les rôles qu’ils ont écrit pour raconter ces histoires. Quelles qu’elles soient, avec notre identité vocale, notre âge, nos puissances et nos faiblesses. Pour moi, c’est ça d’être chanteur.

En savoir plus : Benjamin Bernheim enchante le boulevard des Italiens

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VIDÉO - Benjamin Bernheim : “La voix de ténor est très ingrate, elle n’existe pas dans la nature”

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Voix de poitrine, voix de tête et voix mixte... Le chanteur lyrique Benjamin Bernheim explique le fonctionnement de la voix de ténor et comment il a réussi à construire la sienne au fil des années.

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Le frisson musical, une explosion dans le cerveau

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Le frisson musical, une explosion dans le cerveau

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" Lors du premier acte de La Mer de Debussy, il y a des roulements de timbales, des cymbales, ça devient de plus en plus puissant, à ce moment-là, à chaque fois, j'ai des frissons partout ", témoigne Anne Paceo, batteuse et compositrice. Que ce soit de la musique classique, du jazz, de l'électro, du rap, tous les genres peuvent provoquer le frisson, ce moment où le corps réagit spontanément à un passage musical.

VIDÉO : Le frisson musical expliqué

Cet état est hors de notre contrôle, explique Emmanuel Bigand, professeur en psychologie cognitive. Il est lié au système neurovégétatif : " C'est un système qui régule le fonctionnement de votre physiologie, le rythme cardiaque, la respiration et qui est hors de votre conscience. Si quelque chose se produit qui touche votre système émotionnel, il va y avoir automatiquement un changement dans ce système neurovégétatif et ça va se traduire par la chair de poule, par des frissons dans le dos...".

Sans en avoir conscience, le corps réagit donc à certains passages musicaux et ce frisson peut être déclenché par la mémoire. Le morceau écouté est alors associé à un évènement de vie marquant, un souvenir. Melissa Laveaux, compositrice et interprète, confie ressentir toujours la même réaction incontrôlable avec la chanson Tomorrow de la comédie musicale Annie, un genre qu'elle a beaucoup écouté dans sa jeunesse : " Chanter Tomorrow me fait toujours chialer, toujours. C'est pour cela que je ne la chante plus en public ". Une solution radicale pour éviter le frisson. Mais si Mélissa Laveaux peut prévoir à l'avance la réaction qu'elle aura en écoutant Tomorrow, ce n'est pas le cas lorsqu'elle ressent un frisson purement musical, qui n'est pas lié à la mémoire et qui est totalement imprévisible, ou presque.

Ce qu'il se passe dans le cerveau

Le frisson musical est suscité par une expérience sur le vif, dans un concert par exemple, peu à peu la musique déclenche une émotion, de plus en plus forte, vous avez l'intuition qu'il va se passer quelque chose, jusqu'à ce que le frisson vous parcoure. L'anticipation joue un rôle primordial dans cette réaction. Pour Cristian Măcelaru, chef d'orchestre et directeur musical de l'Orchestre National de France, l'œuvre Daphnis et Chloé de Ravel est un exemple concret de ce type d'anticipation musicale : " Au début, il y a le lever de soleil qui arrive, vous entendez un son qui vient de nulle part, c'est si bien orchestré, il faut au moins deux minutes avant d'arriver au climax final et... fiou ! ".

A ce moment, dans le cerveau, tout un mécanisme est en train de se mettre en place pour que le frisson se déclenche. " Cela se passe dans le système de la récompense. Vous avez un noyau qui s'appelle le noyau caudé et qui détecte qu'il va se passer quelque chose. Alors, le noyau accumbens, un autre noyau du système, s'active et produit de la dopamine. La dopamine, est un neurotransmetteur qui rentre dans le système du plaisir. Vous avez une émotion forte, vous avez la gorge qui se sert... à ce moment-là, le noyau caudé s'arrête de travailler jusqu'à ce que la musique reparte dans un nouveau processus ", détaille Emmanuel Bigand.

Le frisson musical, un plaisir de mélomane

L'émotion s'est créé grâce à cette période de suspense, mais l'expérience musicale ne garantit pas pour autant le frisson à tout le monde. Chacun a son déclencheur : une envolée de violon, un riff de guitare, un solo de batterie, et bien sûr la voix, qui a une signification particulière pour le cerveau : " des neurones sont entièrement dédiés à l'analyse de la voix, car sur le plan adaptatif, c'est un stimulus qui a une signification biologique énorme. La voix met le feu au cerveau ", souligne Emmanuel Bigand.

Enfin les mélomanes ont plus de chance de ressentir le frisson musical. Avec l'expérience de l'écoute, certaines aires dans le cerveau sont plus développées : " Entre le cortex auditif et le réseau de la récompense, dans le cerveau, explique Emmanuel Bigand, vous avez des faisceaux, des fibres qui relient les deux. Et les grands mélomanes ont un faisceau de fibres plus larges, plus dense ". Plus ils écoutent de la musique, plus le faisceau grandit.

A lire : L'oreille absolue, un super pouvoir ?

Mais à l'inverse, certains ne ressentent jamais le frisson, voire, ne ressentent strictement rien à l'écoute d'une musique. Ils souffrent d'anhédonie musicale : " Chez ces personnes, les faisceaux sont atrophiés. Si le faisceau est atrophié, il n'y a pas de connectivité entre le cortex auditif et le système émotionnel." Entre 3 et 5 % des individus sont dits anhédoniques musicaux.

Eux n'auront donc pas de problème d'addiction musicale. Car les mélomanes, habitués à ressentir ce frisson de plaisir, peuvent chercher à le reproduire, parfois jusqu'à l'addiction. Comme dans le cas des drogues, la musique active le système de la récompense, qui peut rendre addict. " Vous pouvez écouter des musiques en boucle. La musique est probablement un des seuls stimulus que vous pouvez écouter une fois, deux fois, trois fois, dix fois, cent fois, sans que vous ayez un écœurement. Ça, c'est vraiment de l'addiction ", explique Emmanuel Bigand. Mais que les mélomanes se rassurent, cette addiction est inoffensive, sauf à devenir sourd à force de rester les oreilles collées à des enceintes.

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VIDÉO - Le frisson musical, une explosion dans le cerveau

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En concert, dans un casque, vous écoutez un morceau et tout d'un coup : la chair de poule, un courant d'air frais dans la nuque, l'envie de pleurer... Vous vivez un frisson musical, une manifestation physique de l'émotion, liée aux effets de la musique sur le cerveau.

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Accordéon et chanson française: 1950-1975

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Accordéon et chanson française: 1950-1975

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Accordez-donc la chanson française et l'accordéon - de 1950 à 1975

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Il est là ! Il souffle et tricote juste derrière les voix de Barbara, Jacques Brel, Juliette Gréco, Yves Montand, Édith Piaf, Serge Reggiani... L'accordéon et la chanson, quelle histoire !

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Symphonie n°4 de Piotr Illitch Tchaïkovski

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Avec Jérôme Bastianelli, Sophie Bourdais et Yannick Millon élisent la version de référence de la Symphonie n°4 de Tchaïkovski.

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En mémoire de Toots Thielemans: une petite histoire de l’harmonica

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L’harmonica: Toots Thielemans fut un virtuose de ce petit objet également dénommé piano de poche, accordéon du pauvre,...

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Rendez-vous Culture du 3 janvier 2020 Tard lorsque la nuit tombe Et que les jeunes des quartiers
♪ N'oublie jamais que les cités sont si sombres
[Ndlr : Qui paiera les dégâts ?, NTM,1993]
N'ont jamais eu peur de la pénombre ♪

Nathanael Vittrant :
Et vous nous proposez, José, une immersion dans la planète hip-hop avec L'Obsession rap. C'est un livre qui décortique et documente le rap français depuis plus de trente ans.

José Marinho :
Oui, L'Obsession rap, plein de corpus inédits. Il réavive la liberté de ces tailleurs de rimes, d'une école sans professeurs, celle des artisans du verbe, ces faiseurs du son, visionnaires oubliés ou superstars du moment. Maxime Lebizay, rédacteur en chef du magazine en ligne Abcdr du Son, est à l'origine de cet ouvrage.

Maxime Lebizay :
Il y a eu le premier âge d'or du rap français, au milieu des années 1980 où, en fait, il y avait les tagueurs, les DJ, qui ont vu naitre des groupes comme IAM.

Toute une nouvelle génération de rappeurs est arrivée, notamment très influencée par New-York qui renversait de nouveau les codes. Quelqu'un comme Diam's, qui en fait correspondent aussi à la génération qui est aujourd'hui très critiquée, on parle parfois de " décennie noire " du rap français dans les années 2000. Et donc, du coup, il y a eu une espèce de revirement vers un rap que les gens appelaient finalement plus " caillera ".
J'la passe, la détaille, la pé-cou, la vi-sser, des regrets devant ton bébé J'sors de chez toi, j'reprends ta voiture mal garée puis j'retire ton PV
Puis, il y a eu une troisième génération qui était celle des rappeurs, eux, qui ont un peu réinventé le genre, soit en prenant des sample très hérités de la musique électronique, on pourrait parler de la dance, comme un groupe aujourd'hui très à la mode, PNL.
[Ndlr : Au DD, PNL, 2019]
J'recherche un billet, des affaires, des plans dans la planque, un peu trop peiné ♪

Nathanael Vittrant :
De l'École du Micro d'Argent[Ndlr : album du groupe IAM, 1997] au succès rapide et plus récent de PNL, qui confirme que le rap est bel et bien le mouvement musical le plus influent du moment.

José Marinho :
Oui, le rap est le genre musical le plus vendu en France. Mais, la plupart du temps, il est abordé de manière caricaturale et peine à se détacher, justement, de ses influences américaines.

Maxime Lebizay :
Le rap français a mis énormément de temps à définir qu'est-ce qui pourrait être son identité franco-française. Et finalement, il l'a très peu fait encore aujourd'hui dans son histoire. Un album qu'on peut citer qui est un vrai jalon pour ça, par exemple, c'est celui du 113, qui avait d'ailleurs obtenu une Victoire de la Musique un peu plus tard[Ndlr : album Les Princes de la ville, 1999], et c'est avec DJ Mehdi. Et là, il y avait un peu déjà une injection à la fois de ce qui est très proche à la France, c'est-à-dire l'immigration maghrébine, puisque les États-Unis, c'est plus l'histoire de l'esclavage, qui eux, ont inventé énormément de musiques américaines. Et eux, ils ont repris des musiques maghrébines. Évidemment, ça s'est dilué dans ce rap-là et c'est un très bon exemple.
Juste un instant que je mette sur le toit la grosse malle bleue Nombreux comme une équipe de foot, voiture à ras du sol On est les derniers locataires qui décollent
♪ 504 break chargé, allez ! Montez les neveux !
[Ndlr : Tonton du bled, 113, 2000]
Le plein de gasoil et de gazouz pour pas flancher ♪

Nathanael Vittrant :
Le 113, " Tonton du bled ", c'était en l'an 2000, il y a vingt ans. Ça ne nous rajeunit pas, José !

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Rendez-vous Culture du 3 janvier 2020 Tard lorsque la nuit tombe Et que les jeunes des quartiers ♪ N'oublie jamais que les cités sont si sombres [Ndlr : Qui paiera les dégâts ?, NTM,1993] N'ont jamais eu peur de la pénombre ♪ Nathanael Vittrant : Et vous nous proposez, José, une immersion dans la planète hip-hop avec L'Obsession rap.

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Sophie Torlotin :
C'est une chanson qui est à l'origine de la série, celle que composa Glen Ballard il y a une dizaine d'année sur son club de jazz idéal abritant un groupe de musiciens géniaux. Au fil des années, ce grand compositeur américain a écrit 39 titres et charge ensuite le scénariste Jack Thorne d'en tirer une histoire en huit épisodes. The Eddy, c'est le nom d'un club de jazz dans le Paris populaire actuel. Son cofondateur, Elliot, est à la peine. Son associé vient de se faire assassiner, il est soupçonné par la police, inquiété par des malfrats, sa fille adolescente est en crise mais lui veut à tout prix sauver son club et son groupe. Glen Ballard.

Glen Ballard [avec traduction] :
C'est une lettre d'amour à tous ces musiciens qui consacrent leur vie à perfectionner leur pratique d'un instrument. Et ils ne jouent pas pour l'argent et la gloire car on ne devient pas musicien de jazz en 2020 pour être célèbre.
[Extraits de la série, musique (trompette)
"Your club has debts. Your club has big problems."
"On a mis tout ce qu'on a, tout tout tout ce qu'on a dedans."]
Sophie Torlotin :
Le réalisateur franco-américain Damien Chazelle a défini le style visuel de cette série, il en a même signé les deux premiers épisodes dans un format cinématographique en 35 millimètres. La Marocaine Laïla Marrakchi s'est occupée des épisodes 5 et 6.

Laïla Marrakchi :
Caméra à l'épaule, être dans un récit quasi documentaire, et dans une forme très libre qui corresponde à la musique. Après, Damien nous a dit " chaque épisode vous appartient donc effectivement y a un style, mais vous, mettez votre patte. "
[Chanson jazz]
Sophie Torlotin :
Les autres réalisateurs se mettent au service également de cette histoire célébrant le jazz comme une musique très vivante, métissée de hip-hop. Glen Ballard.

Glen Ballard [avec traduction] :
On montre des métissages avec le hip-hop, avec la musique nord-africaine grâce notamment au rappeur Sopico. Notre groupe est vraiment international : notre batteur est croate, le saxophoniste haïtien, le bassiste cubain, le pianiste américain, le trompettiste parisien et la chanteuse, Joanna Kulig est polonaise.
[Chanson jazz]
Sophie Torlotin :
Les jeunes seront peut-être surpris par la forme très libre, pas du tout formatée, de cette mini-série. Une chose est sûre, en voyant The Eddy, ode à la création musicale, on a vraiment envie de se rendre dans un club de jazz, quand ils pourront enfin rouvrir !
[Chanson jazz]

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" The Eddy ", une série originale sur le Jazz à Paris

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Sophie Torlotin : C'est une chanson qui est à l'origine de la série, celle que composa Glen Ballard il y a une dizaine d'année sur son club de jazz idéal abritant un groupe de musiciens géniaux. Au fil des années, ce grand compositeur américain a écrit 39 titres et charge ensuite le scénariste Jack Thorne d'en tirer une histoire en huit épisodes.

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Le plus grave de la famille des bois en est aussi le plus méconnu, mais pas le moins expressif. Retour sur quelques grandes figures qui ont marqué l’histoire de cet instrument dans l’orchestre.

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Il y a la comédie musicale, il y a l'opéra, il y a le rock et il y a l'opéra rock. Un spectacle total dont le style musical perclus de guitare et basse électriques, de rythmiques puissantes permet souvent de raconter des histoires de monde futuristes, parfois post-apocalyptique, totalitaires, dangereuses, avec l'impossibilité de vivre à sa guise, où un peuple persécuté ou opprimé tente d'échapper aux contraintes technologiques, avec les menaces écologiques et les manipulations du pouvoir.

Aujourd'hui, nous passons l'émission avec l'un des meilleurs spécialistes de la comédie musicale en France. Jelery. Longtemps professeur dans les écoles de comédies musicales comme l'AICOM et auteur de deux ouvrages, dont l'un vient de paraître " Opera rock, mensonges et vérités ".

Bibliographie

Quelques vidéos marquantes de l'histoire de l'opéra rock

Tommy en 1993 à Broadway par Les Who

Starmania, opéra rock français (1979)

Dimanche 8 avril au Carreau du Temple, 2 rue Perrée (Paris 3)

Jesus Christ superstar avec Tom Legend

Amber Kennedy (Anita), Madison Nonoa (Maria), Michael Schwitter (Tony), Bart Aerts (Riff), Thomas Bernier (Action), Maxime Pannetrat (A-Rab), Léo Gabriel (Baby John), Antoine Beauraing (Snowboy), Zoltan Zmarzlik (Big Deal) et Manon Parmentier au piano

Rent, de Jonathan Larson (1996)

Elisabeth, de Michael Kunze et Sylvester Levay

Prochain cabaret West Side Story de Leonard Bernstein

Avec les chanteurs de la nouvelle production de l' Opéra National du Rhin

À lire aussi : "West Side Story" de Leonard Bernstein - Opéra National du Rhin, du 29 mai au 29 juin 2022

À lire aussi : [PODCAST] La Story de West Side Story

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Jelery, professeur de comédie musicale et auteur de " Opéra Rock, mensonges et vérités " nous fait explorer l'histoire de ce genre à part de la comédie musicale, de sa création à aujourd'hui. Pour lui, dans " opéra rock ", il y a surtout le mot opéra.