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A imprimer recto verso en bord court et plastifier ou en papier épais ;-)

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Nos matins intérieurs – Le Manège Maubeuge

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Jonglage et musique dialoguent dans une pièce délicate où gestes et sons composent un paysage sensible. Sur la scène : dix jongleurs et jongleuses du *Collectif Petit Travers* et les archets du…

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Petit Travers et Debussy font leur cirque | France 3

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Note d'intentions

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Nos matins intérieurs | Our Interior Mornings | Jean-Charles Massera

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Un autoportrait bouleversant où humour, désir et combat se mêlent avec justesse. Dans Dom Juan, mis en scène par le directeur du Théâtre du Nord David Bobée et présenté par le Manège en 2024, le…

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Présentation du texte + lecture partielle par G. Miège

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Présentation du texte + lecture partielle par G. Miège

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Comme tu me vois - Grégori Miege, Blandine Gatta-Cherifi et Arnaud Alessandrin

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Document élève, tous niveaux, première fois au théâtre

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Un bijou d’humour corrosif adapté du film La Crise par Coline Serreau elle-même. À sa sortie en salles en 1992, le film La Crise, comédie sociale de Coline Serreau, rencontre un succès public…

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Le document doit être découpé puis plié afin d'obtenir un livet de travail et de révision. (envoyez-moi un message si vous souhaitez un tuto)

Il permet de faire le point sur les types de comique présents dans la pièce.

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“La Crise” de Coline Serreau : femmes au bord de la crise de nerfs

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Pour ses personnages et son scénario césarisé en 1993, la réalisatrice Coline Serreau s’est inspirée, comme elle le dit, de toutes les femmes, sans aucune exception.

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Tout au long de sa longue carrière au théâtre et au cinéma, Coline Serreau a fait le pari de changer les choses par le truchement de l’humour. Trois hommes et un couffin a d’ailleurs reçu trois César, fait rare pour une comédie, un genre parfois décrié, mais qui reste l’instrument principal de la réalisatrice. "À travers l’humour, vous pouvez faire passer plein d’idées merveilleuses mais aujourd'hui, si on fait rire, on perd ses subventions, alors qu’il n’y a rien de plus difficile que d'être drôle. C'est du rythme, des dialogues, de la musique. L'humour, c’est le sel de la terre, c’est intemporel. Mes films continuent d’ailleurs d’être vus et je remercie le public grâce à qui j’apprends toujours. Il est devenu mon professeur de jeu, notamment dans mon seul en scène où il y a un très bel échange." (France culture)

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Roland Barthes, « Les maladies du costume de théâtre », in Essais critiques,

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Roland Barthes, « Les maladies du costume de théâtre », in Essais critiques,

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« Tel Quel », © Éditions du Seuil, 1964, éd. « Points. Essais », 2015

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Théâtre en acte – Les maladies du costume de théâtre

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Roland Barthes, « Les maladies du costume de théâtre », in Essais critiques, « Tel Quel », © Éditions du Seuil, 1964, éd. « Points. Essais », 2015

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Une Phèdre contemporaine qui interroge la passion et la morale des grands mythes féminins. Cette tragédie en cinq actes de Jean Racine met en scène la passion dévastatrice de Phèdre pour son…

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Un cirque poétique, féminin, drôle et déjanté ! Parce qu’il croit en la force comique de la tragédie, l’artiste suisse Martin Zimmermann invente depuis plus de 25 ans un théâtre sans parole où se…

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Pistes d'analyse (plutôt lycée, option et ateliers)

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Pistes d'analyse (plutôt lycée, option et ateliers)

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Dépliant à imprimer recto verso sur le bord court.

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Pistes pédagogiques - Avant le spectacle

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Pistes pédagogiques - Avant le spectacle

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Orchestre Royal de Chambre de Wallonie – Le Manège Maubeuge

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Beethoven, Schubert, Debussy : un dialogue raffiné entre piano et violon. Dans un programme unique, consacré aux sonates pour violon et piano, deux solistes virtuoses de l’Orchestre Royal de Chambre…

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C’est quoi, l’Orchestre Royal de Chambre de Wallonie ?

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C’est quoi, l’Orchestre Royal de Chambre de Wallonie ?

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Dossiers pédagogiques CLIQUER ICI pour le télécharger _____ Dossier pédagogique interactif Télécharger le guide numérique interactif C’est quoi, un orchestre de chambre ? 00′:32′ C’est quoi, l’Orchestre Royal de Chambre de Wallonie ? Sur RTL, dans l’émission « Tout s’explique », Thomas Van Hamme vous explique le fonctionnement d’un orchestre. Les musiciens de l’Orchestre Royal de Chambre de […]

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Dossier pédagogique avec des tableaux interactifs

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Dossier pédagogique avec des tableaux interactifs

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« Dire et mettre en scène l’alexandrin racinien », par Éric Ruf, de la Comédie française

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Pistes pédagogiques, avant le spectacle: Entrer dans la pièce.

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Pistes pédagogiques, avant le spectacle: Entrer dans la pièce.

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Avant le spectacle: l'alexandrin, la scène d'exposition.

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Avant le spectacle: l'alexandrin, la scène d'exposition.

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Avant le spectacle: se projeter dans la pièce, observer les intentions.

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Avant le spectacle: se projeter dans la pièce, observer les intentions.

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Grégori Miège nous en dit plus sur "Comme tu me vois", sa prochaine création

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​“Comme tu me vois”, un miroir théâtral sur la grossophobie ordinaire​ du 14 au 17 mai !

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Le Théâtre du Nord à Lille accueille “Comme tu me vois”, une création poignante qui explore la grossophobie à travers un récit intime et politique. Porté par le comédien Grégori Miège, ce seul-en-scène interroge notre rapport au corps et aux normes sociales.​

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Gras Politique est fièr-e de mettre à disposition une brochure sur la grossophobie, que tu peux laisser traîner au boulot, chez les médecin, dans les transports, dans ta famille, en soirée, et partout où tu penses que c'est nécessaire !

Il suffit de la télécharger et de l'imprimer pour participer à l'effort contre la discrimination grossophobe !

Elle a été illustrée par Olivier du blog Petit Ours Blond et mise à jour en 2021 (eh oui, depuis la grossophobie est entrée dans le dictionnaire !)

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Gras Politique est fièr-e de mettre à disposition une brochure sur la grossophobie, que tu peux laisser traîner au boulot, chez les médecin, dans les transports, dans ta famille, en soirée, et partout où tu penses que c'est nécessaire ! Il suffit de la télécharger et de l'imprimer pour participer à l'effort contre la discrimination grossophobe !

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La chaîne Feel Good aux accents Girl Power VIE PERSO - MODE - BAUTE - LIFSTYLE - BIEN-ETRE

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Ressources sur le site de l'association Gras politique

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Ressources sur le site de l'association Gras politique

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Retrouvez ici brochures et ressources, à télécharger librement et à diffuser largement !

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Ep.94 📚 📣 Daria Marx “10 questions sur la grossophobie” - Single Jungle

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C’est la rentrée ! Nouveau générique/musique, nouvelle intro, et une invitée que je rêvais d’avoir au micro depuis longtemps, the one and only: Daria Marx, autrice, militante, au sein de Gras politique, association d’utilité publique. C’est un collectif qui lutte contre les discriminations liées…

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Solenne Carof, sociologue

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Comment la grossophobie biaise notre vision de l’obésité

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Non, le surpoids, ou une obésité non sévère, ne sont pas forcément synonymes de mauvaise santé, contrairement à ce que l’on pense. Une sociologue, Solenne Carof, le dit de longue date, mais les médecins aussi débattent désormais des critères de l’obésité, et de ses incidences réelles sur la santé.

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Prolongement: le court métrage Perturbations

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Prolongement: le court métrage Perturbations

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Application error: a client-side exception has occurred (see the browser console for more information).

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CONTES D'UNE GROSSOPHOBIE ORDINAIRE | Documentaire complet | Office national du film du Canada

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Martin Zimmermann est metteur en scène, chorégraphe et acteur physique. L'absurde, la magie et l'humour font la singularité du travail de Martin Zimmermann.

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"peut-être que le rire peut vraiment nous sauver..."

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"peut-être que le rire peut vraiment nous sauver..."

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Martin Zimmermann est metteur en scène, chorégraphe et acteur physique. L’absurde, la magie et l’humour font la singularité du travail de Martin Zimmermann.

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Louise de Martin Zimmermann - Théâtre du Rond-Point

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Dans les coulisses de Louise, spectacle de Martin Zimmermann - Théâtre du Rond-Point

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"L’art est une garantie de santé mentale."

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"L’art est une garantie de santé mentale."

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En bref

Malgré une reconnaissance tardive, Louise Bourgeois (1911-2010) est aujourd'hui considérée comme une figure artistique majeure du XX e siècle. Artiste inclassable et touche-à-tout, son œuvre composée d'araignées monumentales, de femmes-maisons et d'éléments phalliques interroge la place des femmes dans l'espace domestique, ainsi que la porosité entre le masculin et le féminin. Ayant fait de sa propre vie sa source principale d'inspiration, Louise Bourgeois a influencé toute une génération d'artistes, de Sophie Calle à Christian Boltanski.

Elle a dit

" L'art est une garantie de santé mentale. "

Sa vie

Née en 1911, au sein d'une famille de restaurateurs de tapisseries anciennes, Louise Bourgeois se familiarise assez jeune avec les arts manuels en prêtant main-forte à ses parents dans leur atelier. Découvrant petite la liaison adultérine de son père avec sa gouvernante, elle fera plus tard de cet événement marquant une source d'inspiration artistique. Élève douée en sciences, elle s'oriente, après son baccalauréat, vers des études de mathématiques à la Sorbonne avant de s'inscrire à l'École des Beaux-Arts de Paris en 1933. Dans les années 1930, la jeune Louise Bourgeois fréquente les salons et ateliers parisiens, où elle rencontre des figures telles qu'André Lhote ou Fernand Léger. Dès 1936, elle suit des cours à l'École du Louvre.

Elle épouse l'historien d'art américain Robert Goldwater en 1938 et s'installe dans la foulée aux États-Unis. Après une tentative avortée d'entrer dans le cercle des surréalistes parisiens - André Breton s'y étant toujours opposé -, Louise Bourgeois rencontre Yves Tanguy et Joan Miró. Elle noue également des liens d'amitié forts avec Marcel Duchamp, l'architecte Le Corbusier et le poète Ruthven Todd. C'est aux États-Unis qu'elle commence réellement sa carrière artistique. À l'époque, ses œuvres questionnent déjà la maternité, la féminité et l'espace domestique.

Louise Bourgeois délaisse ses pinceaux pour le marbre, le plâtre et le latex au début des années 1950. Elle sculpte alors des formes longilignes, des sortes de " totems ", qu'elle nommera plus tard ses " personnages ". Lorsqu'elle commence ces sculptures, Louise Bourgeois vit aux États-Unis depuis presque vingt ans : elles auraient été pour elle une manière " d'exorciser le mal du pays ". L'artiste qui n'a alors de cesse de placer sa vie personnelle et ses émotions au centre de son art considère son travail comme thérapeutique.

À partir des années 1970, les thèmes de la sexualité, la maternité, la féminité et le corps, en filigrane dans son œuvre depuis le début de sa carrière, deviennent omniprésents, et avec eux arrive une certaine reconnaissance. La forme du pénis est récurrente depuis la fin des années 1960. L'art est pour Louise Bourgeois le lieu où s'exprime les pulsions sexuelles et où s'effectue une certaine sublimation de celles-ci. En 1982, le Museum of Modern Art de New York lui consacre sa toute première rétrospective. Les expositions, notamment au pavillon des États-Unis de la Biennale de Venise, se poursuivront jusqu'à sa mort en 2010, à l'âge de 98 ans.

Ses œuvres clés

Ensemble de femmes-maisons, 1945-1947
D'inspiration surréaliste, la série Ensemble de femmes-maisons est la rencontre inattendue de différents objets organiques et architecturaux. Des corps sinueux s'y métamorphosent en maisons à l'architecture rigide, symboles du foyer et de la sphère privée, et encore associées à l'époque au genre féminin. Engagée, cette série dévoile aussi un autre pan du travail de l'artiste : l'autobiographie. Ici, la maison est aussi le lieu des souvenirs plus ou moins heureux de l'enfance. Ceux de Louise Bourgeois sont en grande partie liés à l'adultère de son père avec sa gouvernante anglaise Sadie, un événement qu'elle considère comme traumatique.

Fillette, 1968
Déjouant les attentes du spectateur, Fillette prend la forme d'un pénis. Un crochet situé au niveau du gland montre que l'œuvre était destinée à être suspendue, et indique comment Louise Bourgeois souhaitait que le public l'observe. Jouant sur l'ambiguïté du titre, l'artiste laisse à penser que cette sculpture - faite de plâtre et de latex - pourrait également représenter un torse de femme dont les deux formes sphériques seraient le haut des cuisses. Les genres masculin et féminin s'y confondent : Fillette exprime à la fois une force créatrice, sexuelle, mais aussi une fragilité propre aux attributs sexuels mâles, que la sculptrice considère comme " très délicats ".
Maman, 1999
Avec les années 1990 apparaît la figure de l'araignée dans le travail de Louise Bourgeois. Associée à la figure maternelle, l'araignée tisse sa toile de la même manière que la mère de l'artiste tissait lorsqu'elle restaurait des tapisseries. Animal ambivalent, il a toujours été une figure positive dans l'œuvre de la sculptrice, qui explique sur l'un de ses dessins que sa " meilleure amie était [sa] mère et qu'elle était aussi intelligente, patiente, propre et utile, raisonnable, indispensable qu'une araignée. [...] ". Comme de coutume, Louise Bourgeois joue sur l'ambiguïté : cette araignée pourrait également être perçue comme un être menaçant, prêt à emprisonner ses victimes dans sa toile.

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Artiste éclectique, Louise Bourgeois est une figure artistique majeure du XXe siècle. Durant sa carrière prolifique, elle n'a eu de cesse de placer sa vie...

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Distribution Menace Chorale
Mise en scène et écriture Gabriel Sparti
Interprétation et écriture Raphaëlle Corbisier, Karim Daher, Alain Ghiringhelli, Anne-Sophie Sterck, Laure Valentinelli et Tara Veyrunes
Dramaturgie et écriture Yann-Guewen Basset
Assistanat à la mise en scène Margot Dufeutrelle
Stagiaire à la mise en scène Nelly Pons
Direction musicale Ségolène Neyroud & Audrey Bommier
Scénographie Marie Szersnovicz
Création lumière Nora Boulanger-Hirsch
Création Sonore Laure Lapel
Création costume Solène Valentin
Direction technique & régie générale Antoine Vanagt
Construction décor Wim Piqueur
Diffusion Catherine Hance

Un remerciement tout particulier à Laurène Hurst.

Une création de Gabriel Sparti
Production
Coproduction & accueils en résidence le Théâtre Les Tanneurs, Le Manège Maubeuge, la Maison de la culture de Tournai/maison de création, Le Théâtre des 13 vents CDN Montpellier - dispositif Seconde !
Coproduction le Théâtre Garonne - Scène européenne, la Comédie de Genève, La Coop asbl et Shelter Prod
Accueil en résidence le Théâtre de l'Élysée à Lyon
Une production déléguée du Théâtre Les Tanneurs
Production exécutive Prémisses production
Avec le soutien de la Fédération Wallonie-Bruxelles - section théâtre, de Wallonie-Bruxelles International (WBI), du Festival Factory à Liège, Taxshelter.be, ING et du Tax Shelter du gouvernement belge fédéral
Avec la participation du Centre des Arts Scéniques I

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Menace Chorale [Première française] - Le Manège Maubeuge

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Quand la chorale d'une petite ville devient le théâtre d'une emprise collective dérangeante. Le jeune metteur en scène suisse Gabriel Sparti, installé en Belgique, nous invite à partager une...

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Le teaser: restituer l'ambiance de la pièce

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Le teaser: restituer l'ambiance de la pièce

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Qu'est-ce qui prête à sourire? Qu'est-ce qui est un peu effrayant?

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Menace chorale
Gabriel Sparti
20 - 31.01.2026

Mise en scène et écriture Gabriel Sparti
Interprétation et écriture Raphaëlle Corbisier, Karim Daher, Alain Ghiringhelli, Anne-Sophie Sterck, Laure Valentinelli et Tara Veyrunes
Dramaturgie et écriture Yann-Guewen Basset
Assistanat à la mise en scène Margot Dufeutrelle
Stagiaire à la mise en scène Nelly Pons
Direction musicale Ségolène Neyroud et Audrey Bommier
Scénographie Marie Szersnovicz
Création lumière Nora Boulanger Hirsch
Création sonore Laure Lapel
Création costumes Solène Valentin
Direction technique et régie générale Antoine Vanagt
Construction décor Wim Piqueur
Diffusion Catherine Hance
Un remerciement tout particulier à Laurène Hurst

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Comment construire un univers qui ne s’effondre pas en deux jours – Le Manège Maubeuge

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Une plongée abyssale dans l’univers foisonnant de Philip K. Dick. Sacré défi lancé par Raquel Silva : porter à la scène le monde foisonnant de Philip K. Dick, considéré par beaucoup comme l’un des…

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Comment construire un univers qui ne s’effondre pas en deux jours Raquel Silva Cie Pensée Visible (Portugal)

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Comment construire un univers qui ne s’effondre pas en deux jours Raquel Silva  Cie Pensée Visible (Portugal)

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Document INA

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Interview de l'écrivain de science-fiction Philip K DICK (en anglais traduction simultanée), sur son livre "Docteur Bloodmoney". Il constate chez les scientifiques une perte de bon sens au regard des intérêts de l'humanité. Il condamne les travaux des physiciens Albert Einstein et Robert Oppenheimer sur la bombe nucléaire.

Producteur / co-producteur

Office national de radiodiffusion télévision française

Descripteur(s)

arme nucléaire, bombe, Einstein, Albert, Oppenheimer, Robert, roman, Science fiction

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Interview de l'écrivain de science-fiction Philip K DICK (en anglais traduction simultanée), sur son livre "Docteur Bloodmoney". Il constate chez les scientifiques une perte de bon sens au regard des intérêts de l'humanité. Il condamne les travaux des physiciens Albert Einstein et Robert Oppenheimer sur la bombe nucléaire.

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France culture

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Philip K. Dick : le maître de l’anticipation

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“Blade Runner”, “Minority Report”, “Inception”... Philip K. Dick est l’un des auteurs les plus adaptés au cinéma. Portrait d’un visionnaire paranoïaque, qui a prédit les dérives du monde moderne avec 50 ans d’avance.

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1974

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Réalisé par le Service de la Recherche, ce documentaire en deux parties, pose cette question : comment envisage-t-on aujourd’hui le futur en littérature? L’objet n’est pas ici de relever les hypothèses futuristes d’évolution de la société humaine mais bien de montrer quels sont les rouages intellectuels qu’utilisent les auteurs anglo-saxons de science fiction contemporaine. Rencontre avec un écrivain Philip K. Dick.
Interview de Philip K. Dick ( En anglais, trad.off), qui explique la différence entre réel et irréel. La réalité montrée par les films d’Hollywood est-elle irréelle? Dysneland, c’est comme un cerveau avec toutes ses projections.

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Pistes de définition

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Dans le théâtre d'objets, les objets véhiculent les idées et l'imagination de l'artiste.

Le théâtre d'objets apparaît à la fin des années 1970 et atteint son apogée dans les années 1980. Les objets sont présents sur la scène théâtrale depuis des décennies, mais le théâtre d'objets fait évoluer leur rôle : ils incarnent des personnages, placent le décor et prennent part à l'action. L'objet devient un terrain d'expérience pour les marionnettistes : il y a autant de théâtre d'objets que de metteurs en scène, d'ailleurs Christian Carrignon emploie lui-même le possessif " mon théâtre d'objet ".

Dossier d'accompagnement Classes Culturelles Numériques rédigé par Louisa Djenane, Professeur responsable du service éducatif du Pôle International de la Marionnette.

Kitch club, Bouffou Théâtre

Historique du théâtre d'objets

Pour comprendre le théâtre d'objets, il est impératif de se tourner vers ceux qui sont à l'origine de ce théâtre, du terme et de la pratique. Il s'agit de :

* Christian Carrignon, Katy Deville et la Cie " Théâtre de cuisine "
Christian Carrignon et Katy Deville, fondateurs du Théâtre de Cuisine, ne cachent pas qu'à l'origine leur théâtre n'a rien à voir avec le théâtre de marionnettes. Ils définissent le théâtre d'objets comme étant le résultat de la relation qui existe entre les yeux, les mains, les choses et l'énergie personnelle qu'on y met. Catalogue de voyage, raconte des expériences de la vie courante, mais aussi des aventures extraordinaires, illustrées par des objets usuels avec lesquels Carrignon s'amuse comme avec des jouets.

Catalogue de voyage, Théâtre de Cuisine. Photo Dominique Piollet.

* Jacques Templeraud et la Cie " Le théâtre Manarf "
Manarf bâtit sa renommée sur son spectacle Intime, intime qui n'est qu'une nouvelle interprétation du petit chaperon rouge. Le fondateur de la compagnie, Jacques Templeraud, joue le rôle du clown Giglo qui raconte cette histoire classique dans un capharnaüm. Le petit chaperon rouge est représenté par une pomme verte, le loup par une vraie tête de stockfish aux dents superbes et la mère par une pomme de terre à l'eau. Templeraud utilise des objets-personnages.

* Charlot Lemoine et Tania Castaing, " Le Vélo théâtre "
Charlot Lemoine et Tania Castaing, qui créent la Cie " Le Vélo théâtre ", formulent ainsi les raisons qui les ont poussés à choisir le théâtre d'objets : " Les objets montrés et manipulés, prennent une signification particulière et deviennent une sorte de langage. Aussi bien pour le spectateur que pour l'acteur, se cache ici le chemin qui mène à l'imagination des gens, comprise dans toute langue et dans toute culture. " Aux objets ordinaires qu'ils utilisent en fait rarement, ils préfèrent des jouets ou des miniatures de la réalité.

Ces trois compagnies ont inventé ensemble le théâtre d'objets pour ce qui est de l'esthétique, le 2 mars 1980 pour ce qui est de l'appellation. Pour de nombreux chercheurs et spécialistes qui ont travaillé sur l'objet au théâtre, cette naissance s'est faite dans et contre l'invasion des objets de la société de consommation. Elle a lieu pour Christian Carrignon dans le contexte d'une Europe envahie par les objets " made in China " " Le théâtre d'objets est de notre temps et de notre société. C'est un théâtre né à la fin du 20e siècle dans l'Europe envahie par les objets made in China ".

Il s'agissait alors d'enchanter le monde avec " rien " ou du moins " pas grand-chose " comme l'explique Christian Carrignon. En parallèle de l'excès, le théâtre d'objets combat l'obsolescence de plus en plus rapide des marchandises, très vite mises au rebut. L'acte fondateur du théâtre d'objets naît d'un geste politique. C'est se placer du côté de ceux qui ont témoigné d'une conscience critique de leur art et manifesté une prédilection pour les formes dites " mineures " perçues comme des moyens de ressourcer l'art au contact du populaire, du kitsch, du bricolage et contre l'académisme de l'art majeur. Ils y ont ajouté la conscience historique, l'attention aux traces, aux restes, aux formes oubliées parfois surannées (Brecht, déjà en 1936, conseillait d'aller récupérer les objets du théâtre sur " un chantier de démolition ").

Ainsi, quand l'objet envahit le monde des hommes, la nécessité s'impose pour l'artiste d'en servir quelques uns à autre chose. Breton suggérait par exemple pour desserrer l'emprise aliénante, des objets oniriques.
Le théâtre d'objets développe cette fonction poétique que Breton assignait dans les années trente à l'objet surréaliste : " perturber la loi " que la société impose aux objets notamment leur obsolescence.
Il entreprend de donner une seconde vie à ces objets manufacturés produits en masse et délaissés par les consommateurs. Il les fait sortir de leur logique utilitaire pour les faire entrer dans une logique poétique où leur pouvoir d'évocation se déploie.

Sleeping beauty, Colette Garrigan.
Photo Philippe Mangen.
Festival Mondial des Théâtres de Marionnettes, 2009.

Ainsi, un capuchon de stylo rouge récupéré put devenir un Petit Chaperon Rouge : c'est autant la couleur que la proximité consonantique et sémantique entre capuchon et chaperon qui déploient ici tout un champ d'évocation. Il ne s'agit pas de transcender mais de détourner l'objet. De fait, le rapprochement avec les surréalistes est inévitable : à savoir donner aux objets de nouvelles significations et des fonctions symboliques. Cependant, il est important de nuancer, car lorsqu' André Breton et Philippe Soupault mirent en scène en scène parapluie, robe de chambre et machine à coudre dans un sketch de 1920 intitulé Vous m'oublierez, tous les personnages étaient joués par des comédiens. Ce n'était donc pas un vrai théâtre d'objets mais une provocation pour choquer le public. Ceci dit, ils autorisent par ces détournements une ouverture du champ de l'imagination et une réflexion sur de nouveaux moyens d'expression. Nous pouvons évoquer les ready-made de Marcel Duchamp, qui par un déplacement de sens, font entrer l'objet dans le domaine de l'art.
Sur la trace des surréalistes, les marionnettistes et les artistes ont donc donné aux objets de nouvelles significations. En expérimentant avec les objets de la société de consommation, les objets du quotidien, ils les ont transformés en personnage car ils renferment des possibilités illimitées (la marionnette a d'ailleurs les mêmes qualités).
Une nouvelle place de l'objet dans le théâtre : le marionnettiste qui utilise l'objet dans des buts dramatiques et spectaculaires doit oublier leur fonction utilitaire, sans pour autant trop s'en éloigner car c'est le pouvoir d'évocation de l'objet qui fait que le théâtre d'objets fonctionne. Sur la scène, un sèche-cheveux au lieu de sécher une chevelure se mue en dragon, en gobeur de mouches.

C'est quoi un objet pour le théâtre d'objets ?

Même s'il est central, qui dit objets ne signifie pas nécessairement théâtre d'objets. On peut aujourd'hui, faire du théâtre d'objets sans objets, par exemple en manipulant la matière.
L'objet se définit comme vu par son lien avec une époque où la société comme elle continue de le faire morcelle le désir de chaque individu. Il se caractérise aussi par sa petitesse, peut-être en réaction à la grandeur du théâtre classique. C'est un théâtre fondé sur un matériau informe qui prend forme au cours du spectacle. Le comédien-manipulateur transpose son rôle sur un objet matériel et prend ses distances par rapport à ce rôle. Tout comme l'objet, ces éléments de la réalité (de l'aluminium ou de la cire) peuvent servir d'intermédiaire signifiants ou non pour décrire, appréhender et refléter le monde.
Et puis voilà ce qu'en dit Christian Carrignon:
" L'objet dans le théâtre d'objets est immédiatement identifiable. Il est fait pour une main, comme un outil. Il vient la plupart du temps de la maison (le rêve se développe la plupart du temps dans l'intérieur des maisons). [...] La boîte de Cachou Lajaunie, le baromètre en forme d'ancre dans l'entrée, le tire-bouchon De Gaulle, lire Je me souviens de Georges Perec et se souvenir de lui... " .

Il insiste très souvent sur un aspect essentiel de ce qu'est l'objet au théâtre d'objets : il n'est pas transformé, sans quoi il perdrait sa charge onirique. C'est donc souvent l'objet d'une culture cachée dans le temps et dans l'espace. Il parle de nos vies en allant puiser dans nos origines, dans nos enfances.

Ulysse et moi : atelier-spectacle dirigé par Christian Carrignon
avec la 6e promotion de l'ESNAM. Photo Christophe Loiseau, 2004.

Depuis l'aube de l'humanité, l'objet possède le statut de sujet. Les objets ont été de tout temps utilisés dans la littérature allégorique où ils symbolisaient, à la manière des animaux, les défauts et les passions humaines. Ils ont par la suite envahi le conte, comme en témoignent les contes d'Andersen.

Pistes pédagogiques

Atelier 1 : Pour voir autrement un objet

Oublier ce qu'on sait, à quoi il sert, puis se laisser guider par ses émotions :
- Toucher " yeux fermés ", sentir les formes, les dimensions, les textures, les matières, les consistances...
- Sentir les odeurs agréables ou non...
- Entendre les sonorités... les bruissements, les cliquetis...
- Regarder les couleurs, les rythmes, les nuances, les signes, les motifs...

Chaque objet devient une " palette " tactile, olfactive, sonore, visuelle...
Consignes : Mettre " en mots " ce que l'on a éprouvé en découvrant la matière, la texture, le forme, l'odeur, le poids, la couleur, les matériaux ou la taille d'un objet. Etablir la " carte d'identité " sensorielle de l'objet.

Atelier 2 : Mettre en scène

- Rechercher des éléments plastiques qui vont compléter, mettre en valeur ou donner une autre signification aux premières réalisations.
- Prendre en compte l'environnement même de la production :
* choix de l'espace de présentation : boîte, socle, supports de différentes couleurs. Installation sur un mur, au sol, au plafond...
* choix de l'effet produit par l'utilisation de jeu de lumière ou d'accessoires comme des tissus, des cadres...

L'objet ainsi théâtralisé sollicite l'imagination, la mémoire, l'affectivité... " musée personnel " par lequel l'enfant peut révéler sa sensibilité, se dévoiler...

Atelier 3 : Transformer

Tous ces objets invitent aux jeux de l'analogie, proposent de multiples formes évocatrices, leurs ombres, leurs empreintes sont des prétextes à des jeux graphiques...

Pour transformer un objet :
- Se libérer des stéréotypes
- Ressentir le plaisir de la découverte et de l'expérimentation
- Faire un inventaire des actions possibles à expérimenter avec ou sans outils
- Nourrir l'expression personnelle

Partage d'expériences

Aborder le théâtre de marionnette par celui de l'objet est une voie peu orthodoxe mais au combien déroutante pour l'élève qui a bien trop souvent une vision limitée et poussiéreuse de la marionnette. Très vite l'élève saisit l'enjeu et les possibilités formidables contenus dans l'objet.
L'objet ne nécessite aucune phase de création ou du moins de transformation (pas d'yeux sur une cafetière ! tout anthropomorphisme annulerait toute démarche de jeu avec l'objet) et autorise à l'inverse une mise en jeu et en scène immédiate de l'objet et de l'élève. Du point de vue de l'enseignant, l'absence de technicité (apparente) de ce théâtre facilite d'autant plus l'engagement dans un projet marionnettes : l'objet étant un medium/ une matière inépuisable d'exploitation littéraire mais également philosophique. On pense plus spécifiquement aux questions d'identité, de mémoire et de l'expression de soi. En effet, en accompagnant l'élève dans sa " dématérialisation " de l'objet, il doit par lui-même lui faire perdre sa nature utilitaire pour saisir sa dimension poétique.
C'est en effet une autre manière que d'aborder les histoires et l'Histoire, voici que des objets familiers se chargent de sens nouveaux, d'émotions inattendues ; transformés, décontextualisés, ils deviennent prétextes à expression. Le quotidien nous raconte une autre histoire... De décalage en décalage, le regard réapprend à voir, la connaissance chemine au grès des métamorphoses.
- Que peut nous raconter quand on sait l'écouter un objet ?
- Comment rendre possible ce dialogue entre l'élève et l'objet ?
- L'amener par le biais d'ateliers pratiques (voir annexe) à comprendre la charge émotionnelle et poétique de l'objet.

Il serait intéressant dans un premier temps d'exploiter des objets usuels, apportés par l'enseignant pour amener la classe à appréhender et saisir cette dimension onirique et théâtrale de l'objet. Par la suite, l'élève sera prêt pour la quête d'un objet " personnel ", un objet qui proviendrait de " l'intérieur de la maison ".

S'approprier les ateliers et les alimenter...

Favoriser l'ouverture culturelle par l'apport de références artistiques en " écho " aux expériences de la classe : montrer une diversité d'œuvres sur le thème de l'objet (différentes époques, différentes cultures... art moderne et contemporain...)

Voir comment l'objet a été représenté, détourné, montré, transformé... pour inviter à réagir et agir...

Multiplier les mises en relation avec d'autres domaines dans une perspective transversale : l'objet du point de vue littéraire, théâtral, technologique, scientifique... l'objet comme symbole.

Susciter la curiosité, la recherche, l'échange d'un élève à l'autre, d'une classe à l'autre...

Garantir l'authenticité des réalisations par l'accueil " bienveillant " des productions de chacun.

Prévoir des relances, de nouvelles mises en situation pour définir ensemble de nouvelles pistes de travail : jouer sur la surprise, l'étonnement.

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Institut International de la Marionnette (IIM)

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Portail - Dossier | Portail des Arts de la Marionnette

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Centre de documentation spécialisé dans le domaine des arts de la marionnette.

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Comment Nicole a tout pété – Le Manège Maubeuge

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Un spectacle drôle et érudit qui questionne l’exploitation des ressources pour sauver le climat. L’incroyable Frédéric Ferrer, bien connu du Manège, revient avec un nouvel épisode de ses Chroniques…

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Après avoir tenté de résoudre Le Problème Lapin lors du dernier festival, Frédéric Ferrer se lance un nouveau défi avec cette étonnante et non moins existentielle affirmation. Il alterne entre un débat fictif autour d’un projet de mine française de Lithium qui vise à répondre aux problèmes du moment et l’évolution du climat mondial depuis les origines jusqu’à nos jours.

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Auteur, acteur, metteur en scène et géographe, Frédéric Ferrer crée son premier spectacle en 1994 avec Liberté à Brême de Rainer Werner Fassbinder puis conçoit des spectacles à partir de ses textes où il interroge notamment les figures de la folie avec Apoplexification à l'aide de la râpe à noix de muscade et et les dérèglements du monde, à travers quatre cycles de créations.

Dans Les chroniques du réchauffement , il propose une exploration des paysages humains du changement climatique. Il a ainsi créé (2005), (2008), Comment j'ai appris à ne plus m'en faire et à aimer le réchauffement climatique (2011), et récemment (Que faire ? en inuktitut), son premier spectacle jeune public, qui met en scène les devenirs de l'ours polaire (2014).
Il a présenté à l'automne 2015, à l'occasion de la tenue de la COP 21 à Paris, le spectacle , second volet de sa mise en jeu des grandes conférences sur le changement climatique, avec huit comédiens internationaux devenus experts de l'ONU.

Parallèlement, Il commence à partir de 2010 la réalisation d'un Atlas de l'anthropocène , cycle artistique de cartographies théâtrales du monde, entre conférence et performance, où il traite de territoires inattendus.
Après À la recherche des canards perdus , Les Vikings et les satellites , Les déterritorialisations du vecteur , Pôle Nord , Wow ! et De la morue qu'il a présentés dans de nombreux théâtres et festivals en France et à l'étranger, il a créé en décembre 2021 une septième cartographie, intitulée Le problème lapin .

Il démarre un nouveau cycle de création en 2017, les Borderline(s) Investigations , qui interroge les frontières et les limites du monde. Il créé en 2017 une performance Borderline(s) Investigation #0 (après avoir effectué des vols paraboliques en apesanteur), puis le spectacle Borderline(s) Investigation #1 qui met en jeu - et joue avec - les signaux de l'effondrement et en 2022 Borderline(s) Investigation #2.

Il a présenté au Festival d'Avignon, Allonger les toits , avec le chorégraphe Simon Tanguy (dans le cadre des " Sujets à Vif " 2015), et Le Sujet des Sujets en 2017, un spectacle créé à l'invitation du Festival et de la SACD pour célébrer le 20 ème anniversaire des " Sujets à Vif ".

En 2019, il commence un nouveau cycle en partenariat avec La Villette, Olympicorama , proposition de mise en jeu des jeux olympiques, en plusieurs saisons et plusieurs épreuves jusqu'en 2024, où il invite à chaque fois, entre conférence et rencontre/débat, des personnalités du monde du sport et des champions et championnes olympiques.

Dans sa démarche, et semblable au géographe, qui fut longtemps considéré comme le spécialiste de rien, il aime davantage les frontières que le coeur des disciplines. Non pas la synthèse mais le frottement. Frédéric Ferrer écrit les textes et la dramaturgie des spectacles après un " travail de terrain ", qui lui permet d'ancrer ses fictions à partir d'une source documentaire et/ou d'un espace réel. L'espace devient dans ses spectacles le lieu des possibles.

Après avoir dirigé de 2005 à 2015 Les Anciennes Cuisines, une fabrique artistique implantée à l'hôpital psychiatrique de Ville-Evrard, il développe depuis Janvier 2016, Le Vaisseau, un lieu de fabrique implantée au Centre de Réadaptation de Coubert où sont accueillis des artistes en résidence et où sont développées des actions artistiques avec les publics du centre et les habitants du territoire.

Il est Chevalier des Arts et des Lettres et a été Lauréat de l'Aide à la création dramatique du Centre National du Théâtre.

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Auteur, acteur, metteur en scène et géographe, Frédéric Ferrer crée son premier spectacle en 1994 avec Liberté à Brême de Rainer Werner Fassbinder puis conçoit des spectacles à partir de ses textes où il interroge notamment les figures de la folie avec Apoplexification à l'aide de la râpe à noix de muscade et Pour Wagner et les dérèglements du monde, à travers quatre cycles de créations.

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16 reactions | COMMENT NICOLE A TOUT PÉTÉ
Jusqu'au 7 février au Théâtre du Rond-Point
Et en tournée : 
10-12 février / CCAM Scène nationale, Vandœuvre-lès-Nancy (54)
4 au 6 mars / La Rose des Vents Scène nationale, Villeneuve d’Ascq (59)
10 mars / Manège Scène nationale transfrontalière, Maubeuge (59)
28 au 30 avril / Quartz Scène nationale, Brest (29)
30 mai / Festival Les AnthropoScènes, Le Tangram Scène nationale, Evreux (27)

Merci Renaud Dély pour son invitation au 28 minutes - Arte ! | Vertical Détour

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COMMENT NICOLE A TOUT PÉTÉ
Jusqu'au 7 février au Théâtre du Rond-Point
Et en tournée : 
10-12 février / CCAM Scène nationale, Vandœuvre-lès-Nancy (54)
4 au 6 mars / La Rose des Vents Scène nationale,...

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Comment construire un univers qui ne s’effondre pas en deux jours Raquel Silva Cie Pensée Visible (Portugal)-1

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Le Jeu de l’amour et du hasard – Le Manège Maubeuge

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Marivaux revisité par un collectif énergique, pour une comédie où l’amour se réinvente. Dans Le Jeu de l’amour et du hasard, Marivaux orchestre un savoureux chassé-croisé amoureux. Silvia et Dorante,…

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...Et les 7 nains ? – Le Manège Maubeuge

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Un procès joyeux qui interroge les secrets cachés des contes d’enfance des frères Grimm. Après les expériences culinaires et in situ de la Compagnie Dérézo avec le spectacle Par les bouches en début…

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Le Jeu de l'amour et du hasard - Collectif L’Émeute | Teaser

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Le Jeu de l’amour et du hasard Frédéric Cherboeuf Collectif l’Émeute (France)-1

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Frédéric Cherboeuf, Le jeu de l'amour et du hasard, #off23  itw Marie-Laure BARBAUD, M La Scène

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LE JEU DE L'AMOUR ET DU HASARD 1 / Marivaux – Collectif L'émeute

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...Et les 7 nains ? - Compagnie Dérézo - teaser officiel

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DOSSIER PEDAGOGIQUE - ET LES 7 NAINS - CIE DEREZO.pdf

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Création les 4, 5, 6, 7 novembre 2025 au Quartz, scène nationale de Brest Sous la direction de Charlie Windelschmidt, la compagnie Dérézo a décidé de faire des sept personnages populaires du célèbre…

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Le Jeu de l'amour et du hasard au Lucernaire

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Avant et après le spectacle...

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Et les 7 nains Charlie Windelschmidt Cie Dérézo

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Une tempête d’absurde et d’autodérision. Emmené par Jean-Christophe Meurisse, la compagnie Les Chiens de Navarre fonde son travail sur l’improvisation, la prise de risque et la liberté maximale des…