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AUFWÄRMÜBUNG

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Was ist hier nur los, Herr Steinberg ...?

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BITTE HIER HOCHLADEN :)

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„Sommerabend auf dem Barkenhof“ von Heinrich Vogeler, 1905

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„Sommerabend auf dem Barkenhof“ von Heinrich Vogeler, 1905

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BITTE HIER HOCHLADEN :)

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NATURALISMUSKRITERIEN

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BILD 1: Die Goldfische von Henri Matisse, 1911

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BILD 1_Goldfisch, 1911 von Henri Matisse (1869-1954.JPG

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BILD 2:  Stillleben von Jacopo de’ Barbari, 1504

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BILD 2 Stillleben mit Rebhuhn und Eisenhandschuhen Jacopo de’ Barbari, 1504 Öl auf Holz 52 cm × 42,5 cm Alte Pinakothek München 

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COLLAGEN ↑ HOCHLADEN  ;)

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ERGEBNISSE ↑ HOCHLADEN ;)

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Max Beckmann: Stillleben mit Saxofonen, 1926

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Peeter Snyers: Speisekammer mit Wildbret, nach 1705

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Digital durch 700 Jahre Kunstgeschichte schlendern mit der Digitalen Sammlung des Städel Museums.

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David LaChapelle EarlyFall 2006-2011

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Shayenne, Jonas

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Markus

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MODERNE VISIONEN DES STILLLEBENS
Recherche und inhaltliche Auseinandersetzung mit zeitgenössischen Positionen.

Auswahl künstlerischer Positionen Malerei, Zeichnung, Grafik, Skulptur, Fotografie, Food Imitates Arts Recherche

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David La Chapelle (Fotografie)

Kevin Best (Fotografie)

Wolfgang Tillmans (Fotografie)

Arcimboldo (Malerei)

Mona Broschar (Malerei)

Daniel Spoerri (Eat Art)

Dieter Roth (Installation)

Dan Bannino (Fotografie)

Samuel van Hoogstraten (Skulptur)

Vera Mercer (Fotografie)

Erwin Geiss (Fotografie)

Rolf Puschnig (Skulptur)

Susanne Themlitz (Installation)

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Explodierende Blumensträuße, Kaninchen mit Lockenwicklern, verschimmelnde Erdbeeren: Das Thema Stillleben ist brandaktuell, denn meist geht es dabei „um die Sterblichkeit des Menschen, und das wird immer relevant bleiben", sagt der Installationskünstler und Direktor des Museum of Contemporary Art London Michael Petry in einem Interview anlässlich des Erscheinens seines Buches Nature Morte. Über 200 Werke zeitgenössischer, international anerkannter Künstler, die sich mit dem Sujet auseinandersetzen, werden in diesem opulent bebilderten Band vorgestellt und erläutert. Blow up
In einer Serie großformatiger Fotografien mit dem Titel Blow Up dokumentiert Ori Gersht den Augenblick, in dem ein Blumenstrauß explodiert, der einem Stillleben von Henri Fantin-Latour nachempfunden war. Neue Entwicklungen in der Digitalfotografie ermöglichten es dem Künstler, den 6000sten Bruchteil einer Sekunde festzuhalten. Die Heftigkeit der Explosion wird von Gersht als bewusster Kontrast zur Ruhe der traditionellen Silllebenmalerei eingesetzt, die Botschaft der Vergänglichkeit jedoch bleibt.
Der Fisch klagt an
Cindy Wright konfrontiert den Betrachter auf ihren Gemälden mit der Tatsache, dass Fisch und Fleisch als Lebensmittel einen hohen Preis haben, weil sie den Tod von Lebewesen voraussetzen. Ihr großformatiges, quadratisches Bild Baconsquare, über 2 × 2 Meter groß, bildet das feucht glänzende, rohe Schweinefleisch ab, aus dem Frühstücksspeck gefertigt wird. In Nature Morte 2 starrt ein blutiger, ausgenommener Fisch, in ein Goldfischglas gepresst, anklagend auf den Betrachter. Das Glas mit dem Zierrand steht auf einem Häkeldeckchen, was das Pathos der Anklage noch unterstreicht.
Geheilte Tasse
Für ihre Installation Broken Things sammelte Livia Marin zerbrochenes Alltagsgeschirr, dem sie durch ihre künstlerische Verwandlung verleiht eine neue Ganzheit verlieh. „Was mich an Alltagsgegenständen fasziniert", so die Künstlerin, „sind die menschlichen Spuren, die ihnen anhaften und die durch die Kunst herausgestellt werden können". Indem Livia Marin die zerbrochenen Objekte des alltäglichen Gebrauchs „heilt", fordert sie auch mehr Achtsamkeit für das damit verbundene Leben ein und erschafft Werke, die sowohl auf den Tod als auch auf Verwandlung und Wiedergeburt verweisen.

Gewitzt und traurig
Nancy Fouts bezieht in ihre surrealen Werke häufig präparierte Tiere ein, ob es sich nun um eine Schnecke handelt, die an der Kante eines Rasiermessers entlangkriecht, einen Wellensittich, der aus einer Glasglocke ausbricht, einen Marienkäfer, der anstelle eines weißen Punkts auf einem Dominostein zu finden ist, oder um ein Kaninchen mit Lockenwicklern. Mit ihren gewitzten Einfällen ihre künstlerische Verwandlung verleiht sie den sterblichen Hüllen - und letztlich traurigen Überresten - der Tiere eine neue Lebendigkeit.

Fluchtpunkte

Mark Flores flanierte insgesamt drei Mal auf voller Länge (35 km) den Sunset Boulevard in Los Angeles entlang und machte dabei sowohl tagsüber als auch nachts Aufnahmen. Die Fotografien dienten ihm als Vorlage für die 99 Gemälde seiner Ausstellung Hammer Projects (2010). Der Stil der Gemälde reicht von vage impressionistischer Anmutung bis zu Nahaufnahmen vergrößerter Farbpixel. In Gemälden wie New Arrangement (2011) experimentierte Flores (dessen Nachname auf Spanisch Blumen bedeutet) auch mit Blumenstillleben, wobei er einander überlappende Farbpunkte auftrug, um einen Blumenstrauß vor einem schwarzen Hintergrund darzustellen. Aus der Nähe betrachtet lösen sich die Bilder in abstrakte Kompositionen auf, wodurch die Darstellungsweise ebenfalls ein traditionelles Thema des Stilllebens, nämlich Wandelbarkeit und Flüchtigkeit, aufgreift.

Ein Drittel ist Müll
One Third betitelte Klaus Pichler seine Serie von Fotografien mit den Abbildungen verschimmelnder Lebensmittel - nach dem Ergebnis einer UN-Studie, derzufolge jedes Jahr ein Drittel der weltweit produzierten Esswaren auf dem Müll landet. Die Bildlegenden zu den kunstvoll arrangierten Tableaus lenken die Aufmerksamkeit auf die Ressourcen, die für Produktion und Transport verbraucht werden, sowie die Entfernung, die die Waren zurücklegen, bis sie schließlich auf dem Tisch der Verbraucher landen - oder wie in diesem Fall vor der Kameralinse des Fotografen in Wien.

INTERVIEW MIT MICHAEL PETRY Wie entstand die Idee zum Buch?
Im Rahmen meiner eigenen künstlerischen Tätigkeit habe ich kürzlich ein Werk mit dem Titel The Revenge of the Florist (Die Rache des Floristen) geschaffen, das aus vierdimensionalen Stillleben bestand - die vierte Dimension war die Zeit. Die verwendeten Blumen verwelkten oder vertrockneten während der Ausstellung, und mir fiel auf, dass viele andere Künstler ebenfalls solche klassischen Metaphern für Vergänglichkeit ver- wenden. Das wollte ich dokumentieren.

Anhand welcher Kategorien erfolgte die Auswahl der Künstler und Werke?
Die Künstler sollten sich intensiv mit dem Genre des Stilllebens in den vergangenen Epochen auseinandergesetzt haben und die entsprechenden Themen mit ihrer Arbeit in das 21. Jahrhundert übertragen. Viele Künstler verwenden traditionelle Metaphern, um ein Statement etwa über den Tod oder die Tatsache, dass sich der Westen seit über einem Jahrzehnt im Krieg befindet, abzu- geben. Politische Kunst, wie sie in den 1960er Jahren praktiziert wurde, ist heute nicht mehr möglich. Damals glaubten die Künstler, dass ein Gemälde die Welt verändern könne. Heutzutage sind uns die zugrundeliegenden Strukturen bewusster, und der Kommentar darüber muss wesentlich klüger ausfallen.

Was machen Sie neben Ihrer Tätigkeit als Autor?
Einen großen Raum nimmt meine eigene Kunst ein. Zur Zeit habe ich eine Einzelausstellung in der Hiram Butler Gallery (www.hiram-butler.com) in Houston und ich arbeite an einer großen Installation für die anstehende Alentejo Triennial in Portugal (Oktober 2013, www.trienal-alentejo.com). Außerdem zeige ich 2014 einige Werke in der Ausstellung Multiple Exposures im Museum of Arts & Design, New York. Darüber hinaus kuratiere ich eine Schau, die auf meinem Buch The Art of Not Making basiert und derzeit in Norwegen im Kunst-und Kulturzentrum Hå Gamle Prestegard und ab Februar 2014 in Stockholm zu sehen ist.

Gab es bei diesem Projekt einen Austausch zwischen dem Künstler und dem Autoren Michael Petry?
Sämtliche Bücher, die ich verfasst habe, zum Beispiel Installation Art, The Art of Not Making, Hidden Histories, entstanden aus meiner künstlerischen Praxis heraus. Ich bin der Meinung, dass Künstler am besten dafür geeignet sind, neue Themen einem größeren Publikum näherzubringen, da sie so viel über das wissen, was sie und andere Künstler tun. Aus diesem Grund schreibe ich jetzt ein Blog für die Huffington Post (www.huffingtonpost.co.uk/dr-michael-petry/).

Denken Sie, dass das Stillleben in der zukünftigen Kunst eine wichtige Rolle spielen wird?
Für die Auseinandersetzung mit dem Thema, was es heißt, sterblich zu sein, wird das Stillleben für zeitgenössische Künstler immer eine wichtige Quelle darstellen. Im Stillleben geht es um die Sterblichkeit des Menschen (im Gegensatz zur Moral) und das wird immer relevant bleiben.

Auf welche Weise haben die neuen Medien die Beschäftigung mit dem Stillleben beeinflusst?
Ich wollte mit dem Buch zeigen, dass Stillleben sehr wohl mit neuen Medien erstellt werden können. Wir zeigen vielfältige Werke wie Videos, Projektionen oder Performance Art - und haben sogar eine bezaubernde Blume von Hockney, die er auf dem iPad gemalt hat.

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Stillleben Reloaded - Nature Morte in der zeitgenössischen Kunst

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Explodierende Blumensträuße, Kaninchen mit Lockenwicklern, verschimmelnde Erdbeeren: Das Thema Stillleben ist brandaktuell, denn meist geht es dabei „um die Sterblichkeit des Menschen, und das wird immer relevant bleiben", sagt der Installationskünstler und Direktor des Museum of Contemporary Art London Michael Petry in einem Interview anlässlich des Erscheinens seines Buches Nature Morte.

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Das Fotografieren von Essen mit dem Smartphone gehört heute zum Alltag dazu. Doch die Geschichte der Food-Fotografie reicht weit zurück. Eine Ausstellung in Berlin zeigt das anschaulich.
„Halt! Noch nicht essen! Ich muss erst fotografieren!" - 346 Millionen Treffer sind gegenwärtig unter dem Hashtag #food bei Instagram zu finden. Manch einem mag dieser Trend als Unsitte erscheinen, zumal sich die Gastronomie der Social-Media-Präsentation der Speisen, inklusive Berücksichtigung der optimalen fototechnischen Beleuchtung immer öfter anpasst.

Essen als Ausdruck von Identifikation

„Mit Blick auf die Kunstgeschichte muss man die Abbildung von Speisen und Lebensmitteln als sehr wichtiges Sujet betrachten. Essen ist nicht nur eine Bedürfnisbefriedigung, sondern auch Ausdruck von Familie und Gemeinschaft, Geschlechterrollen, Prestige, Kultur und Ritualen und letztendlich ist es Ausdruck von Identifikation",
meint Ann-Christin Bertrandt, Kuratorin des C/O Berlin im Amerika-Haus.

Die Ausstellung Food for the Eyes präsentiert eine Retrospektive der Food-Fotografie von Beginn bis heute: Künstlerische Arbeiten, in und wider der Tradition der Malerei, kommerzielle Beispiele aus Kochbüchern und Werbung, alles Zeugnisse und Spiegel ihrer Zeit. Diente Fotografie zunächst wissenschaftlichem und dokumentarischen Zweck, findet sie erst seit den 1970er Jahren breite künstlerische Akzeptanz.

Emanzipation der Food-Fotografie

Der erste Bereich der Ausstellung Stillleben zeigt die Emanzipation der Food-Fotografie: Roger Fentons Decanter and Fruit von 1860 weist beispielsweise noch direkte Bezüge zum klassischen Stillleben auf. „Hinzukommen die ungewöhnlich abgerundeten Ecken, die eindeutig den künstlerischen Anspruch aufweisen", sagt Ann-Christin Bertrandt. Bereits im Rahmen des neuen Sehens der 1930er Jahre dienten Lebensmittel als geometrisch abstrahiertes Objekt, wie bei Edward Steichens Moth Balls and Sugar Cubes (Dress Fabric) von 1927.

„Bis in die 40er Jahre hinein war übrigens Farbfotografie der Werbung vorbehalten", verweist Bertrandt hinblicklich Paul Outerbridge, der mit seinen Avocado Pears von 1936 die Farbfotografie in die Kunst brachte. Irving Penn mit seinen Frozen Foods von 1977 war schließlich derjenige, der Lebensmittel skulptural arrangierte und für das Foto den Taumoment abpasste, sodass die Farben der Früchte- und Gemüsewürfel unter dem Eis gerade eben hervortraten. Wolfgang Tillmans präsentierte Mitte der 1990er Jahre scheinbare Schnappschüsse, die en détail durchkomponiert waren. „So einfach und simpel das Bild auf den Betrachter wirkt, der Künstler hat einen Stapel an Anweisungen beigefügt, auf welche Weise das Bild zu hängen hat", berichtet die Kuratorin. Foodporn am nächsten kamen die Bilder aus The Banquet, 1993 von Nobuyoshi Araki, welche durch die provokante Unmittelbarkeit eine sinnliche Obszönität erzeugen, die auch durch seine aggressiv-erotischen Bilder entstehen lassen.

Nobuyoshi Araki, The Banquet, 1993, RP-Pro Crystal Print
© Nobuyoshi Araki, Courtesy Taka Ishii Gallery, Tokyo (via Pressematerial C/O Berlin)

Von alten Kochbüchern, Rassismus und Weight Watchers

Bei Around the Table nimmt das soziale Umfeld gegenüber den Lebensmitteln einen weitaus größeren Raum ein, als bei den Bildern zuvor. Schon Food Spread, Daffodils für das McCalls-Magazin aus dem Jahr 1946 von Nicholas Murray nimmt die Ästhetik der kommenden Jahrzehnte vorweg: Stark leuchtende Farbkontraste und kunstvoll arrangierte Menüs, die aufgrund des zeitlichen Aufwands für die Fotografie bereits den Einsatz von Hilfsmitteln, wie Haarspray und Rasierschaum erfordern - Essen nur noch für die Ansicht, nicht mehr für den Verzehr geeignet.

„Nach entbehrungsreichen Jahren des zweiten Weltkriegs bietet die Food-Fotografie wieder Projektionsfläche für Pracht Protz, Genuss und Schlemmerei",
erklärt Ann-Christin Betrandt.

So zeigt die Ausstellung immer wieder private Familienaufnahmen, Aufstellung vor der Geburtstagstorte, beim Picknick oder am festlich gedeckten Tisch - Essen als Symbol gemeinsamer Feste und Riten. Ein ambivalentes Vergnügen bereiten die ausgewählten Kochbuchdeckel der 50er bis 80er Jahre die teils auf bedrückende Weise altmodische Rollen- und Rassenklischees demonstrieren, wie von der amerikanischen Lebensmittelmarke Aunt Jemima, die eine stereotype afroamerikanische Haushaltshilfe zeigt: Übergewichtig, gutmütig und jederzeit bereit, Pfannkuchen zu backen. Noch eindrücklicher zeigt ein Foto zwei schwarze Studenten die in einem Restaurant von den weißen Kellnerinnen argwöhnisch beäugt, aber nicht bedient werden. Das einzige Essen ist ein Stück Torte unter einer Kuchenhaube - Segregation in den frühen 60er Jahren der USA. Ebenfalls mit Stereotypen arbeitet Martin Parr, dessen Fotos Wells, Somerset, England aus dem Jahr 2000, dem Betrachter sofort ihre Herkunft verraten: Beans on Toast, Tea and Biscuit als Ausdruck und Klischee britischer Identität.

Ähnliches Amüsement verbreiten die ausgestellten 70er-Jahre-Weight-Watchers-Karten, farbgewaltige Alpträume in Sülze und kühn-architektonisch konstruierte Mahlzeiten, die alles sind, aber keineswegs appetitanregend.

Unbekannter Fotograf, Weight Watchers Recipe Cards, 1974 (via Pressematerial C/O Berlin)

Du sollst (nicht) mit dem Essen spielen!

In der letzten Sektion Playing with Food treiben die Künstler auf ihren Bildern mit Lebensmitteln allerlei Schabernack. So kreieren die Schweizer Peter Fischli und David Weiss mit ihren Wurstbildern Dioramen von Unfällen, Geschäften und sogar einer Modenschau.

Großformatig zeigt die Ausstellung die Videoinstallation Meat Joy NYC der Künstlerin Carolee Schneemann von 1964: In einem orgiastischen Ballett arbeiten die Tänzer mit rohen Hühnern und Fischen, fernab jeder Moralvorstellung der adretten Hausfrau in ihrer sauberen, hübschen Küche.

Peter Fischli und David Weiss, Modenschau, 1979, aus der Wurstserie
© Peter Fischli und David Weiss, Zürich 2018 . Courtesy Sprüth Magers, Berlin, Matthew Marks Gallery, New York und Galerie Eva Presenhuber, Zürich (via Pressematerial C/O Berlin).

Ausstellung noch bis 7. September

Die Ausstellung Food for the Eyes - die Geschichte des Essens in der Fotografie von C/O Berlin läuft noch bis zum 7. September 2019 im Amerika Haus. Vielleicht versöhnt die Retrospektive den nächsten Restaurantbesuch, wenn am Nachbartisch wieder das Smartphone gezückt wird. Das uralte Bedürfnis des Bilds vom Essen hat lediglich durch die technische Entwicklung seine Exklusivität verloren, über den künstlerischen Anspruch mag man im Einzelfall entscheiden.
Weitere Veranstaltungen im Rahmen der Ausstellung

30. Juli 2019, 19:00 Uhr:
Food for the Eyes, Sommerkino-Filmvorführung „Eat Drink Man Woman" (Comedy/Drama, Taiwan, 1994, 124 Min.). Im Anschluss Showkochen mit Sternekoch Tim Raue. Ticket 95 Euro (inkl. Ausstellung, Film & Dinner mit Weinbegleitung). Erhältlich online und bei C/O Berlin.

13. August 2019, 18:30 Uhr:
eat! Berlin Gastspiel mit Sebastian Frank; Restaurant Horváth, Marco Müller; Restaurant Rutz, Max Strohe; Speiselokal Tulus Lotrek, Karina Appeldorn; Restaurant Steinplatz und Bernhard Moser. Ticket 149 Euro (inkl. Führung, 4-Gang-Menü mit Weinbegleitung). Erhältlich unter: https://www.eat-berlin.de

23. August 2019, 18:30 Uhr:
Food for the Eyes, Sommerkino-Filmvorführung „NOMA - My Perfect Storm" (Dokumentation,UK, 2015, 100 Min.). Gespräch mit Ditte Isager, Fotografin NOMA und Felix Hoffmann, Hauptkurator C/O Berlin Foundation. Begleitet von einer exklusiven Auswahl an Naturweinen. Ticket 39 Euro (inkl. Aperitif, Filmvorführung, Ausstellung, Gespräch, Wein, Käse & Brot). Erhältlich online und bei C/O Berlin.

Artikelbild (oben): Wolfgang Tillmans, summer still-life, 1995 © Wolfgang Tillmans. Courtesy Galerie Buchholz, Berlin/Köln, Maureen Paley, London und David Zwirner, New York (via Pressematerial C/O Berlin)

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Vom Stillleben zum Foodporn: Food-Fotografie in der Retrospektive - lebensmittelmagazin

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Das Fotografieren von Essen mit dem Smartphone gehört heute zum Alltag dazu. Doch die Geschichte der Food-Fotografie reicht weit zurück. Eine Ausstellung in Berlin zeigt das anschaulich. „Halt! Noch nicht essen! Ich muss erst fotografieren!" - 346 Millionen Treffer sind gegenwärtig unter dem Hashtag #food bei Instagram zu finden.

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Die Ausstellung "Dieter Roth. Und weg mit den Minuten" im Hamburger Bahnhof widmet sich einem bisher nicht gebührend gewürdigten Aspekt im Werk des vielseitig begabten Künstlers: seiner Beschäftigung mit Musik. Zu sehen sind Assemblagen, Objekte und großräumige Installationen, in die er Musikinstrumente und Audiogeräte, Melodien, Worte und Geräusche integrierte sowie Filme von seinen Musikperformances und Improvisationen im Rahmen der Konzertreihe "Selten gehörte Musik". Die Schau wird durch Werke von Künstlern und Künstlergruppen ergänzt, für die Musik ebenfalls eine große Rolle spielte, darunter George Brecht, Rodney Graham, Annika Kahrs, Bruce Nauman, Nam June Paik und Die Tödliche Doris. Von Urszula Usakowska-Wolff
Der am 21. April 1930 in einer deutsch-schweizerischer Familie in Hannover geborene Dieter Roth war alle in einem, einfach ein Alleskönner: Grafiker, Drucker, Zeichner, Möbel-, Schmuck- und Stoffdesigner, Maler, Performer, Filmer, Musiker, Installations-, Aktions- und Lebenskünstler, mehrsprachiger Wortakrobat, Herausgeber und Verleger, der seine eigenen Kunstbücher und Gedichte veröffentlichte. Das am 5. Juni 1998 im Alter von 68 Jahren in Basel verstorbene künstlerische Multitalent gehört zu den eigenständigsten Künstlerpersönlichkeiten der zweiten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts. Er war ein Einzelgänger, der aber gern mit anderen Künstlern zusammenarbeitete, ein Poète und Artiste maudit, der sich um keine Konventionen scherte und sein Leben zum Gegenstand seiner Kunst, die eigentlich eine Antikunst war, machte. Seit Anfang der 1960er Jahre ist sein vielseitiges Werk eine Art Tagebuch, in dem er mit manischer Gründlichkeit und Akribie versuchte, sein Leben und dessen Vergänglichkeit zu dokumentieren. Der Künstler mit Wohnsitz in Reykjavik und Basel war ein subversiver, unangepasster und streitbarer Geist, der gegen die etablierte Kultur und ihre von der Kritik gehätschelten Vertreter aufbegehrte. Er verarbeitete Bücher von Günter Grass ("Die Blechtrommel"), Martin Walser ("Die Halbzeit") und Alfred Andersch ("Die Rote") sowie Zeitungen und Magazine (Daily Mirror, Neue Revue, Quick, Bunte, Der Spiegel und Stern) zu "Literaturwürsten", presste Salamischeiben zwischen Glas und nannte die Bilder "Sonnenuntergang", er schuf mehr oder weniger wohlriechende Objekte aus Gewürzen, Knoblauch, Käse, Schokolade, Stroh und Karnickelköttel, sammelte Zeitungsausschnitte und Papierschnipsel, die er in Ordnern als "Flachen Abfall" archivierte, nahm ein Jahr lang (von März 1997 bis April 1998) "Solo Szenen" aus seinem Alltag auf und ließ sie auf 128 Bildschirmen laufen. Er arbeitete 30 Jahre lang an seiner 40 Meter langen "Gartenskulptur", die seit 2008 als Schenkung der Flick Collection im Hamburger Bahnhof steht. Diese scheinbar wilde und ausufernde Mischung aus Pflanzen, Elektronikgeräten, Lebensmitteln, Kleidungsstücken und anderem mehr oder weniger seltsamen Material ist die Verkörperung der Rothschen Auffassung vom Kunstwerk als einem sich fortwährend verändernden, vergänglichen organischen Gebilde.

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Verwursten, zergehen, vergehen
Am Anfang seiner künstlerischen Karriere versuchte sich Dieter Roth als Konstruktivist. Mit den Grafiken und Gemälden im Stil der geometrischen Abstraktion, die er in den 1950er Jahren schuf, war er unzufrieden. Den Durchbruch zu einer eigenständigen Arbeitsweise brachte der Besuch einer Ausstellung des Kinetikers Jean Tinguely 1960 in Basel: "Da waren diese Maschinen, die sich selber zerstören und die sich selber so Zeug wegschleudern. Da hat mich ein unglaublicher Neid gepackt, und ich war unglücklicher als vorher, weil Tinguely das gemacht hat, was mir richtig schien." Zwei Arbeiten markieren den Anfang seiner genuinen Kunst: "14 Zeitungs-Illustrationen" von 1963/64 und die erste "Literaturwurst" (Daily Mirror) von 1961. Aus dieser Zeit stammt auch eine große Zahl von Objekten, in denen Dieter Roth Tageszeitungen und Bücher als Kunst-Stoff benutzte. So stellte er 1974 erneut eine "Literaturwurst" her, die aus 20 "Würsten" besteht: Er zerriss das 20-bändige Werk von Hegel in kleine Schnipsel, reicherte die Papiermasse mit Schweineschmalz und Gewürzen an und presste sie in Wurstdärme. Er fertigte zunehmend auch Objekte aus "echten" Lebensmitteln wie Schokolade, Wurstscheiben und Käse, die seiner Meinung nach "zergehen, vergehen, zerfallen, abgefressen, abgebrochen, zerschnitten, verkratzt werden dürfen (oder sollen) - und das tut ihnen gut."
Ästhet des Verfalls
Genauso wie die Lebensmittel, die Dieter Roth für seine Kunst entdeckte, hat das menschliche Leben auch eine Verfallsfrist, die jedoch nicht überschritten werden kann: Der Schimmel auf der Schokolade lebt länger als der Schokoladen- und Schimmelkünstler. Der Film lebt länger als der Filmer. Der Anfang und das Ende, also das alltägliche Leben in allen seinen Stadien und Ausdrucksformen, Höhen und Tiefen zwischen dem Anfang und dem Ende, sind Dieter Roths Hauptthemen, unabhängig davon, welcher künstlerischer Mittel er sich zur Visualisierung seiner obsessiven Beschäftigung mit der Vergänglichkeit bedient. Er ist ein Ästhet des Verfalls und zeigt dessen mörderische Schönheit und Beständigkeit: weich, pelzig und malerisch wie der Schimmel, der auf der verendenden Materie wuchert und sie zum neuen Leben erweckt. Die Beständigkeit der Unbeständigkeit, das Chaos, das zur Ordnung führt und die Ordnung, aus der Chaos entsteht: In Dieter Roths Bilder-, Formen- und Bücherwelt ist alles fließend, genauso wie in der realen Welt. Das Scheitern, das Kaputte und Unbrauchbare, das, was man beim Schreiben oder Zeichnen in den Papierkorb wirft, die Schmierereien auf den Bierdeckeln während eines Telefongesprächs, das Lallen im Alkoholrausch, das Gebell von tausend Hunden in einem spanischen Tierheim als Ausdruck des elenden Daseins, die zerstörerische Macht der Triebe, das Depressive und Kranke, Vergängliche, Verwesende und Stinkende: dieser ganze alltägliche Kram, den er unverblümt "Scheiße" nannte, war der Stoff aus dem Dieter Roth (der sich auch Diter Rot nannte) seine Kunst formte. Schwer verdaulich und zum leichten Konsum nicht geeignet, denn die Verfallsfrist war garantiert abgelaufen. Weil in der Natur und im Leben nichts verkommen und weggeworfen werden darf, war Dieter Roth ein geradezu manischer Sammler. Er sammelte Reste des Alltags und baute daraus eine nostalgische Müllhalde der vergänglichen menschlichen Existenz, eine Rumpelkammer des Seins.
Ein Wortfetischist - kein Purist
Dieter Roth, der als Objektkünstler bereits während seines Lebens eine gewisse Popularität erlangte, verstand sich vor allem als ein Schriftsteller. Er, der die Bücher der Geistesgrößen wie Hegel, Walser oder Grass zu richtigen, also gepökelten und entsprechend gewürzten "Literaturwürsten" verarbeitete, war seit Ende der 1950er Jahre selbst ein rastloser Wort- und Bücherproduzent. Das Werk dieses Büchermachers umfasst über 200 Bände. Den Begriff des Buchs fasste der Künstler jedoch sehr breit auf. Bild, Skulptur, Objekt, alles konnte in seinen Händen zu einem Buch werden: geschnittene und gebundene Zeitungen oder eine Comicparodie. Der Büchermacher und Vielschreiber Roth war ein Wortfetischist, aber auch auf diesem Gebiet kein Purist, denn er bezeichnete seine dadaistische und häufig drastische Schreiberei als "Scheiße". Folgerichtig trugen seine zwischen 1966 und 1975 erschienen und von ihm illustrierten Gedichtbände Titel wie "SCHEISSE" (1966), "DIE GESAMTE SCHEISSE" (1968, 1972, 1973, 1974), "DIE VERDAMMTE SCHEISSE" (1974), "Die die Die DIE GESAMTE verdammte SCHEISSE" (1975), "Die Die Die DIE verdammte GESAMTE KACKE" (1975). Als Kostprobe hier die Schlussworte aus dem unbetitelten Gedicht, dessen erste Zeile lautet "ich brannte einmal an den enden langer lichter" (Quelle - "scheisse", Stuttgart/London/Reykjavik 1972): "meine Tage kommen ohne weg und ohne brief / ich bin nur scheiße weil nach mir nur scheiße rief / leben heißt das loch das mich als durchfall hat". Dieter Roths "Literaturscheiße" ist mit Piero Manzonis "Merda d'artista" vergleichbar, die der Italiener 1961 in 90 Dosen verpackte und jede Dose mit 30 Gramm seiner "Künstlerscheiße" zum damaligen Preis von 30 Gramm Gold verkaufte. Doch mit Literatur, wie Dieter Roth sie praktizierte, ließ sich leider nichts verdienen. "Meine Hauptaufgabe ist Bücher schreiben gewesen. Die Objekte habe ich gemacht, damit ich Geld bekomme, denn vom Schreiben konnte ich nicht leben", ist im Vorwort zu seinem 2005 posthum in der Edition Suhrkamp erschienenen Band "Da drinnen vor dem Auge. Lyrik und Prosa" zu lesen.

Das Dieter Roth oRchester spielt kleine wolken,
typische Scheiße und nie gehörte musik >>>
Es schallt und knallt in den Hallen
Genau wie seine über die Jahre sich verändernden und ständig wachsenden Kunstwerke kannte auch ihr Schöpfer, der ständig in Bewegung und immer auf Reisen zwischen seinen Wohnungen und Ateliers in Reykjavik und Basel, Hannover, Hamburg, New York, Düsseldorf, Berlin und Stuttgart war, keinen Stillstand. Der Antikünstler, der zu Lebzeiten an seinem dreidimensionalen Tagebuch aus Bild, Wort und Ton, an seinem fragilen Denkmal bastelte, dessen Stoff, wie er 1959 schrieb, "di elementare mekaknik des altags" war, und der sich gegen Musealisierung, Konservierung und Restaurierung seiner leicht verderblichen Werke wandte, ist posthum zu einem Museumskünstler geworden. Weil er ein riesiges Œuvre hinterlassen hat und auf so vielen Gebieten tätig war, entdeckt die Kunstwelt immer neue Aspekte seines Schaffens. Nachdem sich zuletzt das Kunstmuseum Stuttgart in der Ausstellung "Balle, Balle, Knalle" (13.12.2014-12.04.2015) mit der Rolle der Sprache und Literatur in seinem Werk befasste, knallt und hallt und schallt es nun in den Rieck-Hallen des Hamburger Bahnhofs. Auf 3000 Quadratmetern ist jetzt dort ein großer Bahnhof für Dieter Roth. Seine Beschäftigung mit Musik und wie sie sich in seinem Werk manifestierte, wird in aller Ausführlichkeit anhand von 200 Arbeiten, darunter Notizen, Entwürfe, Dokumente, Papierarbeiten, Tonaufnahmen, Bilder, Objekte und raumfüllende Installationen, Fotos und Filme, präsentiert. Es ist eine Kunst, die man betrachten, hören und - in den Vitrinen - lesen kann. "In Musik bin ich nie Avantgarde gewesen, ich war immer so der ... der ... erstmal der Liebhaber der klassischen Musik und dann der Möchtegernzerstörer", ist ein Satz von Dieter Roth, der an der Wand im ersten Ausstellungsraum steht und der für die Einstellung des Künstlers zu dem, was er machte, unabhängig von den gewählten Gestaltungsmitteln, typisch ist: Er hatte einen Sinn für Humor, war selbstironisch und kannte seine Defizite, was ihn nicht daran hinderte, das zu tun, was ihm Lust bereitete, denn, wie er sagte: "Kunst ist, was man macht."
Eine Art Katzenmusik
Als Kind hat Dieter Roth Klavierunterricht genommen, er kannte also klassische Musik nicht nur vom Hörensagen. Er hatte auch ein offenes Ohr für die Musiker der Moderne und der Avantgarde, für Igor Strawinsky, Manuel de Falla, Béla Bartók, Modest Mussorgski, Paul Hindemith, Claude Debussy, Anton von Weber und Jean Sibelius. Er kannte John Cage und dessen theoretische Schriften. Besonders angetan war er von dem Musiker und Komponisten La Monte Young, dessen Konzerte er 1964 in New York besuchte. Zwar war Dieter Roth auf vielen Gebieten ein Einzelgänger, doch liebte er es, mit anderen Künstlern zusammenzuarbeiten: Legendär sind seine fotografischen und zeichnerischen "Collaborations" mit Arnulf Rainer und Richard Hamilton. Nachdem er Anfang der 1970er Jahre Kontakt mit der Wiener Gruppe und den Wiener Aktionisten aufgenommen hat, regte er sie zum gemeinsamen Musizieren an. Weil er damals im Gegensatz zu den anderen von seiner Kunst gut leben konnte, kaufte er die Instrumente selbst. Seit 1973 nahm er zusammen mit Günter Brus, Hermann Nitsch, Gerhard Rühm, Oswald Wiener, Christian Attersee, Arnulf Rainer und Dominik Steiger eine siebenteilige Konzertreihe unter dem Titel "Selten gehörte Musik" auf, deren Untertitel wie etwa "Streichquartett", "Berliner Konzert" oder "Novembersonate" den Eindruck erweckten, dass es sich dabei um Aufführungen klassischer Musikstücke handelt. Doch dem ist nicht so, denn es handelt sich um dilettantische Improvisationen, in deren Mittelpunkt die Performance steht: eine Art Katzenmusik.
Ironische Distanz
Dieses programmatische "Nichtkönnen" und das Streben danach, mit tradierten Kunstformen zu brechen und etwas Neues zu etablieren, kennzeichnen auch die multimedialen Objekte und Installationen, die vor allem in den 1970er und 1980er Jahren entstehen: Assemblagen aus Musikinstrumenten, Transistorradios, Klaviaturen, Spiegeln, Lampen, Steckdosen, kaputten Haushaltsgeräten, Kabeln und Schläuchen, die so aussehen, als versucht ein Heimwerker Ordnung in seinen Keller zu bringen, indem er die herumliegenden Dinge in ein Regal stopft. Dass dieser Eindruck nicht so ganz verkehrt ist, zeigt der Titel eines der Werke: "Kellerduo". Darüber hinaus sind viele dieser Objekte eigentümliche Musikboxen, nur dass man Geräusche und Klänge hören kann, ohne eine Münze in den Automaten zu werfen. Die ironische Distanz zu seinen "Musikstücken" drücken die Titel aus, mit denen der Künstler sie versah: "Fernquartett", "Strichquartett", "Nahquartett", "Lorelei - die Langstreckensonate". Bei vielen dieser Soundinstallationen wirkten seine Kinder Björn und Vera mit. Der Höhepunkt der Ausstellung "Und weg mit den Minuten" ist der Raum, in dem Dieter Roths "Bar 2" gezeigt wird: samt zwei Alkoholregalen und dem von ihm bearbeiteten "Bösendorfer Flügel" aus dem Jahr 1906.

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Ein Hundeleben
Während im Erdgeschoß der Rieck-Hallen eine fast schon heitere Atmosphäre herrscht, denn dort wird der spielerische und experimentierfreudige Umgang des Künstlers mit Objekt, Klang und Wort präsentiert, kann man im Keller einen anderen Dieter Roth erleben. Die Wände des großen Saals sind mit einem Fries aus hunderten Hundefotos beklebt, in den Vitrinen liegen hunderte Hundezeichnungen, und das Bellen, Heulen und Jaulen von hunderten Hunden ist in einer Endlosschleife zu hören. Im Oktober 1977 besuchte Dieter Roth eine Galerie in Barcelona, in die Hundegebell aus dem Tierheim am nahegelegenen Monte Tibidabo eindrang. Zusammen mit seinen Söhnen machte sich der Künstler dorthin auf, und war so erschüttert, dass er das Leid der eng zusammengepferchten und dahinsiechenden ausgesetzten Hunde wenigstens in einem Kunstwerk festhalten und somit publik machen wollte. An einem Tag machte er über tausend Fotos und in der darauf folgenden Zeit mehr als 1600 Zeichnungen, die er "Schnellselbsthundeportraits" nannte. Zusammen mit der aufrüttelnden "Hundemusik", die von einem Mitarbeiter des Tierheims für Dieter Roth aufgenommen wurde, bilden sie die unter die Haut gehende Installation "Tibidabo - 24 Stunden Hundegebell", in der ihm das elende und qualvolle Hundeleben auch als Metapher der letztendlich tragischen Existenz der Menschen, die ihnen dieses Schicksal bereiteten, dient.
Dieter Rot ist Pop und Top
In der Ausstellung "Und weg mit den Minuten" sind auch Werke anderer Künstlerinnen und Künstler zu sehen, die mit Dieter Roth befreundet waren oder ihm nahe standen, die selbst Musik komponier(t)en, spiel(t)en oder sie zum Thema ihrer Arbeiten mach(t)en: Dorothy Iannone, Nam June Paik, George Brecht, Bruce Nauman, Rodney Graham, Annika Kahrs, Markus Sixay, Ragnar Kjartansson & Alterazioni Video sowie die aus dem Archiv Broken Musik stammenden Schallplatten und Kassetten der Berliner Künstlergruppe Die Tödliche Doris (1980-1987). Einer ihrer Mitbegründer, Wolfgang Müller, trat am 19. April im Hamburger Bahnhof in einer berauschenden Performance unter dem Titel "Dieter Roth goes Pop" auf. In der dafür wie geschaffenen "Bar 2" sang er unter anderem Roths Gedicht, entstanden in der zweiten Hälfte der 1960er Jahre, das sich mit einem auch heute weitverbreiteten sprachlichen und künstlerischen Phänomen beschäftigt, den man Blablaismus nennen kann: " - Ichbla willbla wasbla ichbla willbla! / - Blawer blawill blada blawas?", und sobla weiterbla ganzbla heiterbla. Ob Dada, Blada, Balle, Knalle oder Pop: Dieter Rot ist immer auf der Höhe der Zeit und top.

Text & Fotos © Urszula Usakowska-Wolff

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Öffnungszeiten:
Dienstag, Mittwoch, Freitag von 10 - 18 Uhr
Donnerstag von 10 - 20 Uhr
Samstag und Sonntag von 11 - 18 Uhr
Montag geschlossen
Ausstellungskatalog, Preis 56 Euro

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Großer Bahnhof für Dieter Roth in Berlin

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Die Ausstellung "Dieter Roth. Und weg mit den Minuten" im Hamburger Bahnhof widmet sich einem bisher nicht gebührend gewürdigten Aspekt im Werk des vielseitig begabten Künstlers: seiner Beschäftigung mit Musik. Zu sehen sind Assemblagen, Objekte und großräumige Installationen, in die er Musikinstrumente und Audiogeräte, Melodien, Worte und Geräusche integrierte sowie Filme von seinen Musikperformances und Improvisationen im Rahmen der Konzertreihe "Selten gehörte Musik".

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1. November 2012 - 27. Januar 2013

Das Hessische Landesmuseum schöpft für diese Präsentation wieder aus seinen zahlreichen und vielfältigen Beständen, um ein Thema zu diskutieren, das in verschiedenen Epochen sowohl in der Kunst als auch im gesellschaftlichen Diskurs immer wieder virulent ist: die Auseinandersetzung mit der dinglichen Umwelt des Menschen. In der Gattung des Stilllebens finden wir spätestens seit dem 17. Jahrhundert die Abbilder der Dinge, die Menschen vorfinden, gestalten, produzieren, kurz: in die Hand nehmen. Diese Darstellung der Dinge wurde mit unterschiedlichsten Bezügen moralischer, religiöser und philosophischer Art verbunden. Erst im 20. Jahrhundert nimmt die Kunst das „Ding an sich" auf, stellt es so hin, wie es ist. Sie macht es zum Ausdrucksträger seiner selbst und entwickelt Fragen hinsichtlich seiner Wertigkeit und Funktion, nach seinem Einfluss auf unser Leben und zuweilen auch seiner Macht über uns.

Die Ausstellung konzentriert sich auf das 20. Jahrhundert und schlägt den chronologischen und thematischen Bogen von der Stellung des Stilllebens um 1900 bis zur Objektinstallation. Werke u.a. von Hans Purrmann, Alexander Kanoldt, Marcel Duchamp, Man Ray, Dieter Roth, Christian Boltanski und Konrad Klapheck zeigen, wie sich der Blick auf das „Ding" im Laufe der Zeit verändert hat. Den Bezug zu unserer Gegenwart stellt der Frankfurter Künstler Karsten Bott her. In den Räumen der Galerie wird er circa 200 Alltagsobjekte installieren. Unter dem Titel „Von Jedem Eins, Umlaufend" schreibt Bott dem einzelnen Massenprodukt eine individuelle Einzigartigkeit zu. Der Betrachter steht so vor dem Rätsel seiner alltäglichen Dingwelt.

Die Schader-Stiftung und das Hessische Landesmuseum Darmstadt bedanken sich bei allen Beteiligten für die Konzeption, Organisation und den Aufbau der Ausstellung. Prof. (em.) Helge Gerndt von der Ludwig-Maximilians-Universität München danken wir im Besonderen für seinen Katalogbeitrag wie auch Karsten Bott für sein Interview. Das museumspädagogische Begleitprogramm wird wieder zahlreiche Anregungen bieten. Nicht zuletzt ist es dieses Angebot, das den Diskurs über das „Ding" in der Kunst mit der gesellschaftlichen Realität des Betrachters verbindet. Auch dafür unser herzlicher Dank.

Karsten Bott, "Von jedem eins". Installation in der Galerie der Schader-Stiftung

Am 28.11. um 18.30 Uhr spricht der Künstler Karsten Bott über seine Installation in unserer Ausstellung Die subtile Gewalt der Dinge. In dem Künstlergespräch gibt der Künstler einen Einblick in seine Arbeit, dessen Grundllage das mittlerweile eine halbe Millionen Objekte umfassende Archiv für Gegenwarts-Geschichte ist.
Das Gespräch wird moderiert von Dr. Klaus-D. Pohl, Hessisches Landesmuseum Darmstadt.

Jugendliche als Kunstvermittler

Öffentliche Führungen, in denen fachkundige Erwachsene den Besuchern eine Ausstellung näher bringen, gehören zum bewährten Standardprogramm der Galerie der Schader-Stiftung. Dass sich Jugendliche im Alter zwischen 16 und 18 Jahren einer solchen Aufgabe widmen, ist hingegen nicht alltäglich.
In unserer aktuellen Ausstellung Die subtile Gewalt der Dinge werden 11 junge Menschen aus der Lichtenbergschule Darmstadt und der Georg-Christoph-Lichtenberg-Schule, Ober-Ramstadt an insgesamt vier Sonntagen in Dreier- und Viererteams die Besucher begleiten. Zie ist es, die eigene Altersgruppe und alle anderen Interessierten ungezwungen an moderne Kunst heranzuführen.

Termine sind am 4.11., 25.11., 9.12. und am 27.1. jeweils um 11.15 Uhr.

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Das Hessische Landesmuseum schöpft für diese Präsentation wieder aus seinen zahlreichen und vielfältigen Beständen, um ein Thema zu diskutieren, das in verschiedenen Epochen sowohl in der Kunst als auch im gesellschaftlichen Diskurs immer wieder virulent ist: die Auseinandersetzung mit der dinglichen Umwelt des Menschen. In der Gattung des Stilllebens finden wir spätestens seit dem 17.

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Es ging ganz schön bunt her, als Spoerri in seinem Düsseldorfer Restaurant exotische Mahlzeiten kreierte und die Reste in Kunst verwandelte. Originell und aufsehenerregend waren die Assemblagen, die er Ende der 1960er Jahre in seiner „Eat Art Galerie" zusammenbaute. Der als Daniel Isaac Feinstein im rumänischen Galati geborene Künstler wird am Freitag 90 Jahre alt.

Leben, Tod, Verwesung und Wiedergeburt sind untrennbar

Vieles, was die Küche und dazugehörige Räumlichkeiten hergaben, sah Spoerri als symbolische Teile eines Gesamtzyklus, zu dem Leben und Tod ebenso wie Verwesung und Wiedergeburt gehören. Mit Klebstoff fixierte er Speisereste samt Tischdecke, schmutzigem Geschirr, Gläsern und Besteck zu Wandbildern zusammen.

Das Sammeln und Zusammenfügen setzte der „Kochkünstler" auch nach der Düsseldorfer Periode fort. Wovon man sich in Hadersdorf am Kamp überzeugen kann - inmitten einer harmonischen Wein- und Kulturlandschaft, unweit von Donau und Wachau. Dort belebte Spoerri seit 2009 zwei Häuser am historischen Hauptplatz als Ausstellungs- und Begegnungsstätte.

Das Ausstellungshaus Spoerri in Hadersdorf widmet sich heuer der „Eat Art": „Wie der Name bereits vermuten lässt, soll die Präsentation über die Ausstellung fertiger Werke hinausgehen. Es sind unterschiedlichste kulinarische Veranstaltungen geplant; das 2019 begonnene Latwerge-Projekt wird fortgesetzt, verschiedene Köche werden eingeladen und es werden auch einige der legendären Bankett-Ideen von Daniel Spoerri umgesetzt", heißt es dazu auf der Website des Ausstellungshauses.

Spoerri: „Sammeln ist für mich Leben"

„Sammeln ist für mich Leben", sagt Spoerri. Man nimmt es ihm auch ab, allein schon angesichts von mehr als 100 verschiedenen Eierschneidern, die er zusammentrug - und oft in Kunstwerken verarbeitete. Fortgeschritten ist ein Sammelprojekt mit geometrisch beige-braun gemusterten Matten aus Raffia-Palmen des Bakuba-Volkes im Kongo. Ebenso wie Sammlungen von Gehstöcken und Christbaumständern. Neben Kollagen von Gebrauchsgegenständen schuf der Vater der „Eat Art" auch Skulpturen und Bilderzyklen.

Geboren wurde Spoerri am 27. März 1930 in Galati. 1941 wurde sein Vater von rumänischen Faschisten ermordet. Ein Jahr später floh seine Mutter Lydia Spoerri, eine Schweizerin, mit ihren sechs Kindern nach Zürich. In Zürich adoptierte ihn sein Onkel, dessen Nachnamen er dadurch bekam.

Hier und in Paris ließ sich Daniel Spoerri zum Balletttänzer und Pantomimen ausbilden und war dann einige Jahre Solist am Stadttheater Bern. Unter anderem choreografierte er ein Farbenballett, zu dem Jean Tinguely, mit dem er seit 1950 befreundet war, ein bewegliches Bühnenbild entwarf. „Ich bin ein Auslandsschweizer, der aus eigenem Willen nicht in der Schweiz wohnt", meinte Spoerri einmal in einem APA-Interview. „Ich habe ein zwiespältiges Verhältnis zur Schweiz. Meine Jugend war viel mehr vom Jüdisch-Sein geprägt."

Nach Gelegenheitsjobs studierte Spoerri Tanz an der Zürcher Oper und Schauspiel in Paris. Dort traf er Gleichgesinnte wie den Schweizer Objektkünstler und Kinetiker Tinguely oder den französischen Maler und Theoretiker Yves Klein. Bald entwickelte Spoerri erste eigene Objektkunstwerke.

Momentaufnahmen der Alltagswirklichkeit

Weltberühmt sind seine „Fallenbilder" - Momentaufnahmen der Alltagswirklichkeit, die er wie in einer Falle einzufangen versuchte. Spoerri nannte sie „Topographien des Zufalls": Scheinbar zufällig vorgefundene Anordnungen von zum Beispiel Geschirr, Gläsern, Zigaretten werden auf einer Platte fixiert und als Tafelbild an die Wand gehängt. Bereits 1960 schaffte er damit die Aufnahme ins New Yorker Museum of Modern Art.

Kritiker waren begeistert von Spoerris „Verherrlichung des Zufalls". Zusammen mit Künstlern wie Tinguely, Christo und Niki de Saint Phalle rief er die Bewegung des Nouveau Realisme ins Leben. Kunst - so ihr Credo - sollte helfen, die Wahrnehmungsfähigkeit des Menschen an der Lebenswirklichkeit zu schulen.

Vielfalt blieb dabei für Spoerri Lebensgrundsatz. Er widmete sich dem Tanz, dem Film und Theater und wirkte ebenso als Museumsgründer und Lehrer. Etwa Ende der 1970er Jahre, als er in Köln zusammen mit Studenten der Fachhochschule für Kunst und Design Objekte und Relikte der Stadtgeschichte sammelte. 20 Jahre später legte er in der Toskana den Grundstein für seinen Skulpturengarten „Il Giardino di Daniel Spoerri". Schon damals befand Spoerri, er habe „genug Bleibendes" geschaffen. Doch ans Aufhören denkt der Rastlose bis heute nicht.

Seit 2007 lebt er in Wien. „Ich wollte eigentlich nach Triest, es ist wunderschön, aber ich habe festgestellt, dass ich dort verloren wäre." In der Toskana traf er auf einen Wiener Kunsthändler und dessen Freunde. Und fand über eine junge Kunsthistorikerin, die gerade umgesattelt hatte auf Wohnungsvermittlung, eine Bleibe in Wien. „Ich wohne noch immer in derselben Wohnung, direkt neben dem Flohmarkt, in der Kettenbrückengasse ...", was sich als besonders praktisch für seine Objektstreifzüge herausgestellt habe, so der Künstler.

Daniel Spoerri und seine Beziehung zu Niederösterreich

Den Garten des Museums Niederösterreich in St. Pölten prägt seit Sommer 2015 die Skulpturengruppe „Dead End" von Spoerri. „Es ist ein Bild, das wir kennen: sei es aus Konzentrationslagern, aus Vietnam, Jugoslawien oder dem Irak. Wenn Menschen andere Menschen zerstören, vergraben sie ihre Opfer wie Hunde ihre abgenagten Knochen", erläuterte der Künstler.

Die fünf Bronzefiguren wurden im Museumsgarten als Gedenkstätte für alle Verbrechen dieser Art installiert. Dem Doppelsinn des englischen Titels - Tod bzw. Sackgasse, Ausweglosigkeit - trage die Wahl des Standorts Rechnung: Wie in die Enge getrieben und dort erschöpft und tödlich getroffen zusammengesunken liegen die Figuren am Boden. Gesichtslos unterscheiden sie sich lediglich in ihrer Haltung, mal verdreht, mal mit den Armen schützend über den Kopf erhoben.

Im Jahr 2010 erhielt das Land Niederösterreich von Spoerri Werke im Wert von 3,5 Millionen Euro: Der international renommierte Performance-Artist errichtete eine Stiftung namens „Eat Art & Ab Art" zur Erhaltung und Pflege seines Werkes. Damit verbunden war die Schenkung von 39 Kunstwerken und die Einsetzung der Stiftung als Letztbegünstigter. Spoerri hatte 2009 zwei Häuser in Hadersdorf am Kamp als Ereignis- und Ausstellungsorte gekauft und der Präsentation seiner Kunstwerke gewidmet. Hier hätte am 28. März die Jubiläumsausstellung „Daniel Spoerri & die Eat Art" eröffnet werden sollen.

Zentrales Anliegen der Stiftung ist die Bewahrung und Verwaltung der Kunstwerke. Eine wesentliche Aufgabe der Stiftung ist auch die Präsentation und Vermittlung zeitgenössischen Kunstschaffens an Schüler und Jugendliche ohne Zugangsbarrieren und zu sozialen Konditionen. Darüber hinaus sollen Vorträge und Veranstaltungen zum Thema Kunst und Kulinarik („Eat Art") abgehalten werden. Im März 2015 erhielt Spoerri das Silberne Komturkreuz des Ehrenzeichens für Verdienste um das Bundesland Niederösterreich.

„Ich mache nur, was ich meine machen zu müssen"

„Ich glaube, dass gar nichts Bedeutendes aus mir geworden ist. Ich bin kein Spezialist im Sinne von irgendetwas. Ich mache nur, was ich meine machen zu müssen von Tag zu Tag", so Spoerri. Er wolle nur „weitermachen. Ohne behindert zu werden. Das würde mir schon gefallen, wenn das so weitergeht ..." Und auf die Frage, ob ihm der kommende Geburtstag Angst mache, antwortete er im November des Vorjahres: „Eindeutig. Vielleicht werde ich verschwinden und gar nicht da sein."

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Sammler & Verwerter: Daniel Spoerri ist 90

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Es ging ganz schön bunt her, als Spoerri in seinem Düsseldorfer Restaurant exotische Mahlzeiten kreierte und die Reste in Kunst verwandelte. Originell und aufsehenerregend waren die Assemblagen, die er Ende der 1960er Jahre in seiner „Eat Art Galerie" zusammenbaute. Der als Daniel Isaac Feinstein im rumänischen Galati geborene Künstler wird am Freitag 90 Jahre alt.

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Das zum Relief gewordene Stillleben

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Da wäre man wirklich gern dabei gewesen. Schließlich geschieht es auch nicht alle Tage, dass man gleichsam Teil eines Kunstwerks wird und überdies noch zum Essen von einem berühmten Künstler eingeladen. Anfang der siebziger Jahre freilich soll dergleichen sogar täglich vorgekommen sein, dass man aß und trank und rauchte, diskutierte, grübelte oder auch fröhlich über schlechte Witze lachte, und plötzlich trat Daniel Spoerri zu den Gästen seines Düsseldorfer Restaurants und räumte kurzerhand den Tisch ab. Buchstäblich. Mit Tellern, Gläsern und Besteck, mit Bierflaschen und Aschenbechern, Salzstreuer und den filterlosen Zigaretten, die man damals offensichtlich selbst beim Essen rauchte. Und die Tischplatte gleich mit.

Schließlich diente die als Leinwand seiner Assemblagen. Als „Tableaux-pièges", Fallenbilder also, sind diese seit Anfang der sechziger Jahre entstandenen, in die Vertikale gekippten Tische und Tafeln Spoerris in die Kunstgeschichte eingegangen. Und naturgemäß stehen diese „Schnappschüsse", die „dreidimensionalen Fotografien des Zufalls" (Spoerri), denn auch im Zentrum der Ausstellung zu seinem 80. Geburtstag im März, mit der die Kunsthalle Jesuitenkirche in Aschaffenburg den in Rumänien geborenen und mittlerweile in der Toskana lebenden Schweizer Künstler ehrt. Freilich, Spoerris „Beitrag zum Nouveau Réalisme", als den er selbst diese Werkgruppe einordnet, erschöpft sich nicht in den Resten von Frühstück, Abendessen und feuchtfröhlichen Gelagen, wie sie etwa die für die Expo 1992 entstandene „Sevilla-Serie" vorstellt.

ASCHAFFENBURG. Die Päckchen mit Haferflockensuppe hatten gefräßige Speckkäferlarven durchlöchert. Eine Museumsaufsicht hatte das Ungeziefer in der Küche des Gentil-Hauses in den lindgrünen Päckchen entdeckt und Martin Höpfner informiert.

as. ASCHAFFENBURG. Daniel Spoerri hat Abfall in Brot eingebacken und mit dem Stempel "Achtung Kunstwerk" versehen oder die Reste abgegessener Tafelrunden samt Geschirr an der Tischplatte festgeklebt und an die Wand gehängt.

Falsche Fallenbilder und Brotteigobjekte
Immer nur Teller zu fixieren, das sei ja eigentlich auch langweilig, wie er jetzt im Vorfeld der Vernissage sagte. „Also versuche ich da auszubüxen." Mit „literarischen Fallenbildern" etwa oder den neuerdings entstehenden „Faux tableaux pièges", den falschen Fallenbildern, die eben nicht wie all die klassischen Fallenbilder einen vorgefundenen „Ausschnitt von Welt, auf dem eine Handlung stattfindet", zeigen, sondern nur dessen vom Künstler arrangierte Simulation. Oder mit den „Brotteigobjekten", jenen mitsamt Teig in den Ofen geschobenen Dampfbügeleisen, Schuhen oder Schreibmaschinen, die mit ihrem surrealen Witz zu den schönsten Arbeiten der Schau überhaupt gehören. So könnte es im Grunde immer weitergehen mit „Eat Art" und „Nouveau Réalisme".

Denn wie es Spoerri gelingt, sein im Grunde immergleiches Thema über Jahrzehnte subtil zu variieren, ohne dass er sich oder gar den Betrachter auch nur ein klitzekleines bisschen langweilte, schon das ist eine Kunst. Dagegen erscheinen die seit fünf Jahren entstehenden „Prillwitzer Idole" einen Bruch in seinem Werk zu markieren. Denn nicht nur, dass sich die Bronzen ostentativ als archaische Skulpturen aufführen. Indem er Gusszapfen und -kanäle stehenlässt, gibt er ihnen auch etwas Rohes, Unfertiges, Enigmatisches. Allerdings sind die durch eine gefälschte Schatzsuchergeschichte des 18. Jahrhunderts angeregten Plastiken im Grunde keine, sondern, wie stets bei Spoerri, Assemblagen.
Nich immer appetitlich, aber mit sinnlichem Reiz
„Ich bin kein Bildhauer", sagt auch der Künstler, und natürlich hat er recht. Als phantastisch-schauerliche Gestalten tun sie lediglich ein bisschen so, als ob. Das ist manchmal komisch, manchmal weniger, stets aber voller kunstgeschichtlicher Verweise. Was aber verblüfft, ist die Abkehr von Spoerris eigentlichem Thema: dem Festhalten sozialer Situationen in Bildern, die vom Essen handeln, von kulinarischen und anderen Genüssen, von Liebe, Glück und Streit vielleicht und, als Relief gewordene Stillleben, nicht zuletzt von der Vergänglichkeit. Zwar mag man auch sie mit Spoerri für einen Ausschnitt von Welt nehmen. Und auch Vanitas-Motive finden sich hier allenthalben. Der nicht immer appetitliche, aber unmittelbar sinnliche Reiz der in den Fallenbildern eingefangenen „Schnappschüsse" aber ist den „Prillwitzer Idolen" eher fremd.

Bis 11. April dienstags von 14 bis 20 Uhr, mittwochs bis sonntags von 10 bis 17 Uhr geöffnet

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Daniel Spoerri zum 80. Geburtstag: Fotografien des Zufalls

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Da wäre man wirklich gern dabei gewesen. Schließlich geschieht es auch nicht alle Tage, dass man gleichsam Teil eines Kunstwerks wird und überdies noch zum Essen von einem berühmten Künstler eingeladen.

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Ein umtriebiger Museumsdirektor lässt in Florenz zu Caravaggio und Ceruti auftischen. Die Idee dahinter: Sterneköche aus aller Welt sollen sich von Stillleben der großen Meister inspirieren lassen. Die Entstehung der kulinarischen Kreationen wird gefilmt und als Vorführvideos ins Internet gestellt.

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Stillleben und Sterneköche - Film in voller Länge | ARTE

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Ein umtriebiger Museumsdirektor lässt in Florenz zu Caravaggio und Ceruti auftischen. Die Idee dahinter: Sterneköche aus aller Welt sollen sich von Stillleben der großen Meister inspirieren lassen. Die Entstehung der kulinarischen Kreationen wird gefilmt und als Vorführvideos ins Internet gestellt.

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döbling

30.01.2008

"Eat Art": Promidinner wurde zum Kunstwerk
Das Auge isst mit - aber dass der Essende wiederum Augenweiden schafft? Das ist das Konzept von Daniel Spoerris "Eat Art", der ein Promidinner im "Pfarrwirt" just unterbrach, um Reste und zerknüllte Servietten zu Kunst zu machen.

Mosaik, das nach einem Essen bleibt, als Kunst.

Topographie des ZufallsEine Riege heimischer Promis ließ es sich schmecken im Pfarrwirt in Wien-Döbling. Zum Konzept des rumänischen Künstlers Daniel Spoerri, der als Erfinder der "Eat Art" gilt, gehört es, so ein Dinner zu einem unbestimmten Zeitpunkt plötzlich abzubrechen.

Die Gäste - darunter Karikaturist Gustav "Ironimus" Peichl, Ex-Kanzler Franz Vranitzky, Maler Christian Ludwig Attersee und der Mediziner Siegfried Meryn, verließen die Bildfläche. Die unveränderten Spuren der Tischgesellschaft fixierte Spoerri in den folgenden Tagen zu einem dreidimensionalen Stillleben.

Diese konservierte Momentaufnahme oder "Topographie des Zufalls" (Spoerri) zeigt ein Mosaik von ausgetrunkenen Weinflaschen, halbvollen Aschenbechern, zerknüllten Servietten, schmutzigem Geschirr, übrig gebliebenen Speiseteilen und anderen Utensilien.

An die Wand geklebt
Geschirr, Tischdekoration und Abfall wurden mit Klebstoff auf einer Tischplatte fixiert und in Folge als vierteiliges - im doppelten Wortsinn - Tafelbild an die Wand gehängt. Spoerri gilt als Erfinder dieser sogenannten "Eat Art".

Das Werk war eine Auftragsarbeit - über den Preis wird geschwiegen.

"Menschen würden töten, um zu essen""Am Essen fasziniert mich der Zyklus von Tod und Wiederauferstehung", erklärte Spoerri. Menschen würden töten, um zu essen. Aus den Ausscheidungen entstehe wiederum neues Leben. "Scheiße als Moment des Übergangs, der Kippe ist für mich künstlerisch interessant", bekundete der 77-Jährige.

Seine bisher letzte Kunstaktion in Wien liegt mehr als 30 Jahre zurück. Das jüngste Werk ist gewissermaßen eine Auftragsarbeit. Sie entstand auf Initiative von Pfarrwirt-Inhaber Hans Schmid. Er habe den Künstler nach dessen Umzug in die Donaumetropole im Jahr 2007 überreden können, "wieder etwas in Wien zu machen", freute sich Schmid als neuer Besitzer des Werkes.

Ein Geschenk des Künstlers an den Lokalinhaber sei die Arbeit nicht gewesen, hieß es. Die Höhe des Kaufpreises war jedoch nicht zu eruieren.

Spoerri zog im vergangenen Jahr nach Wien.

Vom Ballett zur "Eat Art"Spoerri gilt als international renommierter Performance-Artist. Der 1930 in Galati geborene Rumäne flüchtete 1942 mit seiner Mutter vor dem NS-Regime in die Schweiz. Später lebte er einige Jahre lang in Paris. Ursprünglich zum Balletttänzer ausgebildet, versuchte er sich abwechselnd als Dichter, Verleger, Bildhauer und Filmemacher.

Ab den 1960er Jahren erreichte Spoerri mit seinen "Fallenbildern" internationale Aufmerksamkeit. Dabei fixierte er Alltagsgegenstände in ihrer zufällig vorgefundenen Anordnung auf Platten.

Einige Jahre später wurde daraus das Konzept der "Eat Art", das er anfangs in einem eigenen Restaurant, später in ganz Europa - 1988 auch in Graz - in Form von Happenings realisierte. Nach einigen Jahren in Italien lebt Spoerri seit 2007 in Wien.

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"Eat Art": Promidinner wurde zum Kunstwerk - oesterreich.ORF.at

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döbling 30.01.2008 "Eat Art": Promidinner wurde zum Kunstwerk Das Auge isst mit - aber dass der Essende wiederum Augenweiden schafft? Das ist das Konzept von Daniel Spoerris "Eat Art", der ein Promidinner im "Pfarrwirt" just unterbrach, um Reste und zerknüllte Servietten zu Kunst zu machen. Mosaik, das nach einem Essen bleibt, als Kunst.

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Giuseppe Arcimboldo Stilleben mit Korb und Obst (Portrait), 1590, 42×56 cm: Werkbeschreibung

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Giuseppe Arcimboldo Stilleben mit Korb und Obst (Portrait)- eines der vielen Werke des Künstlers. Lesen Sie bei Artchiv weitere Informationen und die Beschreibung des Kunstwerks.

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Im Gespräch mit Kevin Best über Stillleben-Fotografie - kwerfeldein - Magazin für Fotografie

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Zugegeben, wir behandeln einige fotografische Genres etwas stiefmütterlich. Höchste Zeit also, sich mal gezielt auf die Suche nach großartigen Vertretern von Nischen zu machen, über die man nicht alltäglich stolpert. Die ihren Kollegen in breitensportähnlichen Disziplinen wie Portrait oder Landschaft aber in nichts nachstehen. Den Anfang unserer langfristig angelegten Aufholaktion für unterbesetzte Genres macht heute [...]

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Wissenschaftlicher Kommentar

Horst Vey, Eckhard von Knorre, Slg. Kat. Karlsruhe 1984, S. 42: „Die Ehrenkette mit der Medaille des Kaisers Ferdinand III. (1608-57) gleicht eng der Kette, die der Künstler auf dem radierten Selbstbildnis von 1677 in seiner Inleyding tot de Hooge Schoole der Schilderkonst..., Rotterdam 1678, trägt und die er auf seinem gemalten Bildnis der Dordrechter Münzmeister von 1674 (Dordrechts Museum) vorweist. Diese Ehrenkette hatte der Künstler 1651 in Wien vom Kaiser selbst empfangen (vgl. Inleyding..., S. 356; dazu A. Houbraken, Groote Schoubourgh... 2, 1719, S. 157-58).

Die Alexandriner des österreichischen Literaten Johann Wilhelm von Stubenberg (1619-1663) spielen einerseits auf den Erfolg vor dem Kaiser an, andererseits auf die Anekdote vom Wettstreit zwischen Parrhasios und Zeuxis aus Plinius' Naturalis Historia, c. 35, 36. - Das Buch enthält des Künstlers Schauspiel „Dierijk en Dorothé", das in Den Haag 1666 erschien. Die Broschüren enthalten wohl sein Trauerspiel „De Roomsche Paulina", Den Haag 1660.

Das Lobgedicht - die Ehrenkette - die Schauspiele - der Brief, den das Monogramm auch zu seinem Werk macht - sie alle lassen vermuten, daß auch die übrigen Dinge sein Besitz waren und daß dieses sein eigenes Steckbrett war. Nr. 2620 wäre also gewissermaßen ein Selbstbildnis aus Dingen, die dem Künstler täglich nahe waren und ihn stolz machten.

Das Erscheinungsjahr des jüngeren Schauspiels und der Tod des Künstlers grenzen die Entstehungszeit der Nr. 2620 auf 1666-1678 ein."

Abweichend von der gängigen Interpretation des Gemäldes als Selbstbildnis des Künstlers mit dem vorrangigen Ziel der Eigenvermarktung, stellte Michiel Roscam Abbing 2013 eine neue These auf: ihm zufolge handelte es sich bei den Augenbetrüger-Stillleben Hoogstratens weniger um Objekte der reinen Selbstrepräsentation, sondern um Gaben im Zusammenhang eines gesellschaftlichen Austausches. Diese wurden gezielt auf den Rezipienten hin komponiert und spielten somit inhaltlich nicht allein auf den Künstler, sondern vor allem auch auf den Empfänger an, der jedoch für das Karlsruher Gemälde nicht überliefert ist.

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Kunstwerke - Staatliche Kunsthalle Karlsruhe

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Handelt es sich bei dem gerahmten Brett mit den eingesteckten Dingen um ein wirkliches Objekt oder hängt es nur als gemaltes Abbild an der Wand? Der Maler, Autor und Kunsttheoretiker Samuel van Hoogstraten irritiert mit seinem „Augenbetrüger"-St ...

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Die Frage bei der Vielzahl an diversen Diäten ist, ob es sich dabei noch um die Findung des persönlichen Schönheitsideals handelt oder ob Konzerne, Medien und Idole einen schon regelrechten in den Schönheitswahn treiben?

Man ernährt sich saisonal und regional, treibt mehrmals die Woche Sport und wenn es dann doch nicht ganz zu den Traummaßen reicht oder man mal über die Strenge geschlagen hat, legt man einfach einen Diät ein. Wie viele unterschiedliche Diäten es gibt und auf welche die Stars setzen, seht ihr in der Serie "Still Diet" vom italienischen Fotografen Dan Bannino.

Elle:
Tell us a little bit about yourself. What sparked your interest in photography?

Dan Bannino:
I'm a 27 years old photographer based between Italy and the south of France. Last year I've decided to quit my full time job in London (as product photographer) to work on my own projects.

Elle:
Tell us something to your way of thinking and acting for your work "Still Diets"?

Dan Bannino:
I started this project because I'm fascinated by food and everyday life. These shoots are showing an open window on a table left after a completion of a meal. As reflected in the series' title, I've tried to capture the beauty that lies in this terrible constriction of diets and deprivation, giving them the importance of an old master's painting. My aim was to show how this weirdness hasn't changed even since the 15th century.

Elle:
Would you give a brief walk through your work flow?

Dan Bannino:
Every time I'm working on a new series there're days of research for the objects involved in my photos and they're all related to articles and news I found on internet or reading magazines. Then it comes the actual part of the shooting, I'm in my studio, with all this pile of objects and ideas and I start to organise the scene for my pictures, trying to give more importance to one element over another with lights. As a art lover I'm always spending most of my free time in museums and galleries, and this is where the old masters paintings' fascination came from.

Elle:
Where do you see yourself in 10 years?

Dan Bannino:
I'd like to see myself working on some more new and exciting projects, showing my work to more and more people. And of course having the chance to travelling that part of the world that I've still have to know.

Mehr von Fotograf Dan Bannino findet Ihr in Coultique und um up to date zu bleiben schaut auf seiner Webseite vorbei.

Salut, je m'apelle Elle, Visionärin. Ich bin "full of energy", freaky und selbstkritisch. Ich lasse immer mein Herz sprechen, versäume aber nie auch den power-button für's Hirn zu pushen. Ich bin kompromissbereit in wichtigen Dingen und denke oftmals in vielen Dimensionen, was aber für Innovationen und spannende Projekte hilfreich ist. Das World Wide Web mit dem unendlichen Informationsfluss von Neuem fasziniert mich immer wieder. Als meine Passion sehe ich Kunst, Design, Fotografie und Musik. Ich bin genauso unkonventionell wie mein Humor. coultique is my wonderland - frei nach Alice - "Das Unmögliche zu schaffen, gelingt einem nur, wenn man es für möglich befindet".

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Die Frage bei der Vielzahl an diversen Diäten ist, ob es sich dabei noch um die Findung des persönlichen Schönheitsideals handelt oder ob Konzerne, Medien und Idole einen schon regelrechten in den Schönheitswahn treiben? Man ernährt sich saisonal und regional, treibt mehrmals die Woche Sport und wenn es dann doch nicht ganz zu den Traummaßen ...

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Stillleben Archive - erwin geiss fine art photography

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Fotokunst - Fotokurse - Ausstellungen - Aktuelles

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tOG - take OFF GALLERY - Emerging artists & contemporary positions

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Rolf Puschnig wurde 1962 geboren und lebt in Dorsten.

Als Kind wollte er entweder Erfinder oder Poet werden. Als Objektkünstler ist er nun beides.

In seiner Kunst strebt er nicht danach eine künstlerische Technik zu perfektionieren, es reicht das kleine "Ein mal Eins" des Heimwerkers und ein wenig konstruktives Geschick aus, denn seine Kunst lebt von der „ Idee ".

Neben einer soliden handwerklichen Ausbildung als Elektroanlageninstallateur hat er eine umfassende akademische Ausbildung genossen. ( Abschlüsse: Diplom-Physik- Ingenieur / Diplom-Sozialpädagoge)

Vor Jahren begann er mit der Fotografie, um sich dann mehr und mehr auf die konzeptionelle und poetische Seite der Kunst zuzubewegen. Mit der Objektkunst fasst er nun alle Facetten seines kreativen Könnens zusammen und hat sich eine eigenständige Handschrift geschaffen.

Link zum Künstlerportfolio: Portfolio Rolf Puschnig

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Rolf Puschnig wurde 1962 geboren und lebt in Dorsten. Als Kind wollte er entweder Erfinder oder Poet werden. Als Objektkünstler ist er nun beides. In seiner Kunst strebt er nicht danach eine künstlerische Technik zu perfektionieren, es reicht das kleine "Ein mal Eins" des Heimwerkers und ein wenig konstruktives Geschick aus, denn seine Kunst lebt von der „Idee".

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KuK Live vom Kultur-Kreis (Kultur, Kunst und Business)

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Kunst und Kultur wird zunehmend ein wichtiger Bestandteil auch im Business. Für viele Unternehmen sind Kunstprojekte heutzutage selbstverständlicher Teil der Firmenpolitik, um mit vielfältigen Aktionen zur Akquise neuer Kunden beizutragen und die Bindung

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2019 Matjö Raum für Kunst Köln - Susanne Themlitz

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29. Mai - 27. Juni 2019

STILLEBEN EINER LANDSCHAFT
oder das stille Leben der Landschaft

Eine wundersame Installation in vertikaler Landschaftsform - oder ein Stillleben als Wunderkammer. Hybride, floral anmutende Formen korrespondieren in einem System aus Regalen und Tischen mit Korallen, Steinen, Lupen, Glasobjekten und komplexen detaillierten Zeichnungen.

Dazwischen: Fragmente, teilweise mit lupenartigen Materialien, Glas oder Wasser, wie aus einem Labor, gefrorene Details. Drumherum nahezu Leere, nur punktuell hier und da eine Wandarbeit, eine Collage, eine Zeichnung, schwebend, vernetzend. Skulptur und Zeichnung bilden ineinander verwobene Momente. Alles bezieht sich auf jedes. Oder jenes. Feingliedrige Anatomien. Und über allem herrscht Stille.

www​.susan​ne​them​litz​.net
29. Mai - 27. Juni 2019
geöffnet Di, Mi, Do 15 - 18 Uhr u.n.V.

Vernissage: Mi 29. Mai, 19 Uhr
Finissage: Do 27. Juni, 19 Uhr
Zur Finissage erschien eine limitierte Edition mit dem Titel der Ausstellung, die hier zu finden ist.

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Susanne S. D. Themlitz - Vom Stillleben einer Landschaft | Matjoe - Raum für Kunst

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29. Mai - 27. Juni 2019 STILLEBEN EINER LANDSCHAFT oder das stille Leben der Landschaft Eine wunder­same Instal­la­tion in verti­kaler Landschafts­form - oder ein Still­leben als Wunder­kammer. Hybride, floral anmutende Formen korre­spon­dieren in einem System aus Regalen und Tischen mit Korallen, Steinen, Lupen, Glasob­jekten und komplexen detail­lierten Zeich­nungen.

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ERKLÄRVIDEO BILDBEARBEITUNNG

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Distanzaufgabe Stundenentfall 24.11.2021     

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- Was haben die Stillleben gemeinsam?
- Worin unterscheiden sich die beiden Stillleben?