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El collage es una técnica artística, consistente en el pegado de diversos fragmentos de materiales sobre una superficie.

Fue creado por los cubistas Picasso y Braque, que en 1912 comenzaron a incorporar elementos de la vida cotidiana al arte. Ya en 1899, Pablo Picasso experimentaba pegando fotografías a sus dibujos, pero en 1912, incorporó una rejilla de hule a su obra “Naturaleza muerta con silla de rejilla” y una soga como marco. Al mismo tiempo, su amigo Georges Braque realizaba los primeros papiers collés, agregando recortes de papel pintado imitación madera a su obra en “Tête de femme” (1912). Rápidamente fue incorporado por otras vanguardias del siglo XX como el Futurismo, Dadaísmo, Surrealismo, Constructivismo y el arte Pop.

Entre algunos de los artistas más conocidos por su incursión en el collage también tenemos a Max Ernst, Juan Gris, Marcel Duchamp, Man Ray, Hans Arp, Carlo Carrà, Giacomo Balla, Raoul Hausmann, Kurt Schwitters, George Grosz, Antoni Tàpies, Modest Cuixart, Jasper Johns y los argentinos Antonio Berni, Marcia Schvartz, León Ferrari y Alberto Greco.

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06.Picasso, Pablo - Naturaleza muerta con silla de rejilla (1912)

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A.Berni-El mundo prometido a Juanito Laguna, Óleo, acrílico y collage sobre madera, 280 x 400 cm-1962

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Realizar una pintura con la estética futurista, preferentemente con inclusión de figura humana en movimiento (danza, salto, o cualquier otro tipo de acción), utilizando algunos de los recursos analizados en clase mediante análisis de obra de varios artistas referentes.

Soporte rígido de 50x70 hasta 100x70cm. Acrílico y/u óleo.

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Realizar una pintura utilizando los elementos propios del Naturalismo / Realismo, con inclusión de la figura humana femenina o masculina, preferentemente desnuda, completa y con un planteo de iluminación bien definido.

Se procurará incluir algunos de los recursos analizados en clase mediante análisis de obra de varios artistas referentes.

Soporte rígido de 50x70 hasta 100x70cm. Óleo o acrílico.

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SINTAXIS DEL COLOR

La sintaxis del color plantea diferentes combinaciones en pares y tríadas de tonos, principalmente primarios y terciarios. Sus combinaciones pueden producir armonías y discordancias, tranquilidad o exaltación, inclusive repulsión.

En la selección de imágenes ilustrativas podrán apreciar algunos aspectos comunes:

1- FORMATO: Se propone un formato de 30x30 cm. de fibrofácil –puede ser otro tipo de madera como hardboard, melamina, etc. para cada ejercicio. También pueden comprar bastidorcitos.

2- TAMAÑO: Se unifican las dimensiones para poder luego hacer una composición mayor que agrupe los distintos trabajos en la presentación final.

3- TEMA/ SERIE: Hay un hilo temático que atraviesa cada uno de los conjuntos. De eso se trata cuando abordamos una serie de trabajos. Hay "series famosas" de grandes artistas como la serie de Juanito Laguna de Antonio Berni o los desastres de la Guerra de Francisco de Goya, pero como podemos apreciar no todos los ejemplos son figurativos.

4- MATERIAL: Es importante en términos de unidad y criterio artístico, utilizar los mismos materiales en todos los trabajos. Por ejemplo los 6 trabajos con óleo o los 6 con acrílico.

En los trabajos de referencia que se adjuntan podrán apreciar que en algunos hay tonos neutros –blanco, negro, grises y tierras. Esto es optativo, y lo irán decidiendo según lo que quieran representar y las necesidades expresivas de cada uno/a. Hay algunas mezclas no recomendables como el uso de los grises con tonos que tengan mucho amarillo, para evitar que se ensucie demasiado el color. El blanco es el neutro que mejor ayuda a conseguir versiones más claras de colores que por su naturaleza son “tonos bajos” como por ejemplo el azul, índigo, turquesa, rojo o magenta. El blanco neutraliza el color base sin que pierda identidad.

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La mayor fuente de inspiración es el inconsciente. Para estimularlo se valen del automatismo, que se utiliza tanto en pintura como en literatura y consiste en escribir o pintar sin utilizar el  razonamiento lógico consciente, dejando fluir las ideas y uniendo imágenes aparentemente inconexas.

Quiebre espacio temporal. Estiramientos, transformaciones, metamorfosis, anamorfosis, espacio ambiguo, sustituciones, inversión de formas, lo duro se vuelve blando y viceversa, perspectivas exageradas y/o incongruentes, sombras alargadas.

Predominancia de climas nocturnos. En el sueño es donde aflora el inconsciente.

Alusiones eróticas, sexuales y hasta escatológicas. Despreocupación por los valores morales y estéticos.

Lo absurdo, lo grotesco, lo onírico, lo inesperado guardan una belleza particular que se manifiesta a través del azar.

Utilización de algunas técnicas novedosas como el collage, el frottage, el grattage, el ahumado, el “cadáver exquisito”, el ready made y el ensamblado.

Si bien la Vanguardia Histórica abarcó un segmento de la Primera Mitad del Siglo XX El Surrealismo pretende ser más que un movimiento artístico, todo un modelo de libertad. Por eso que su naturaleza, como la del Expresionismo, atraviesa todos los tiempos históricos.

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SOPORTES
Trabajaremos en soporte rígido que puede ser fibrofacil o MDF, Tela s/ bastidor o cartón entelado. En el caso que no esté preparado deben pasarle dos manos de base blanca -gesso, acrílico, látex- o cola vinílica. El fibrofácil debe tener un espesor de aproximadamente 0,5cms.
Usaremos diferentes tamaños según la propuesta y lo que surja durante el año.
Seguramente haremos 4 trabajos de 50x70cm y 2 de 90x60 aprox. También está previsto realizar un políptico con 6 maderitas de 20x30cm aproximadamente.

OLEOS

(basado en carta de colores de Alba).

Las presentaciones de los óleos vienen en 18 y 60 ml. Les aconsejo que el blanco y los colores primarios compren en 60ml y el resto en 18ml.

-Blanco de titano

-Amarillo mediano

-Rojo permanente o Rojo claro

-Azul ultramar

-Ocre amarillo

-Tierra sombra tostada

Por si los quieren ir comprando, otros colores que utilizarán más adelante son:

-Negro marfil

-Laca carminada de alizarina (magenta)

-Violeta dioaxina

-Verde esmeralda

-Verde veronés

-Azul ftalocianina

-Tierra sombra natural

MEDIUM

Como médium pueden usar esencia de trementina o aguarrás vegetal.

La diferencia es que la trementina se vende en las librerías artísticas y el aguarrás vegetal se vende por litro o bidón en las químicas (es más económico).

Pueden usar también aceite de lino clarificado mezclando 2/3 partes de esencia de trementina con 1/3 parte de aceite de lino.

PALETA, ESPÁTULA, PINCELES

La paleta puede ser la de forma de riñón o una madera o melamina que tengan de sobrante de algún mueble. Si es de madera virgen hay que curarla con un poco de aceite de lino o de origen vegetal (girasol, maíz)

Espátula tipo Stassen 79 o similar (de una sola pieza, sin soldaduras, ver imagen)
Pinceles preferentemente de pelo de cerda dura (arrastra mejor el material y permite fundidos y pequeñas mezclas en la paleta). Si tienen de pelo, también los puede usar. Aquí es donde no deben gastar en marcas, ni marketing. Compren en el bazar chino o ferreterías.

LIMPIEZA

Para limpieza de pinceles y paleta pueden usar aguarrás mineral.

Cómo complementos: trapo para limpiar y recipiente para el aguarrás. Si no quieren mancharse la ropa traer delantal o camisa vieja.

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1: Circulo Cromático de 12 Colores. Variante del Circulo Cromático de Itten.
Materiales: Soporte rigido (opción circulo)- Témpera/ Acrilico.
Colores: Amarillo cromárico, Cyan cromático, Magenta cromático, Rojo Señal y Azul Ultramar.

2: Escalas de grises y tierras cromáticos partiendo de pares de colores complementarios directos:
Rojo / Verde
Amarillo / Violeta
Azul / Anaranjado
Cyan / Bermellón
Indigo / Amarillo anaranjado
Magenta / Amarillo verdoso.

Materiales: Papel canson o cartón. Témpera/ Acrílico. Los mismos colores utilizados en el círculo cromático.

3: Paleta dominante de colores cálidos y contrapunto de colores fríos en pequeñas proporciones.

4: Paleta dominante de colores fríos y contrapunto de colores cálidos en pequeñas proporciones.
Para 3 y 4 se sugiere soporte rígido de 35x50cm o similar. Material: Témpera, Acrilico, Acuarela o mixta.
Ambos trabajos deben tener una correlación temática, estilística o presentar algún tipo de relación.

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Realizar una pintura con la estética expresionista, preferentemente con inclusión de figura humana, utilizando algunos de los recursos analizados en clase mediante análisis de obra de varios artistas referentes.

Soporte rígido de 50x70 hasta 100x70cm. Óleo, acrílico y/o collage.

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Van Dongen_Woman in a green necklace

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Hope Gangloff

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Retrato de la raya verde_Henri Matisse

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Cuno Amiet_Self-portrait, 1920

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Van Dongen

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Egon Schiele, Selfportrait

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Hope Gangloff _Syrette

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Holly Warbs_Bobby en casa

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Hope Gangloff (detail) Queen Jane, 2011, Acrylic on canvas

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František Kupka_Autorretrato, 1907

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André Derain_Retrato de Dama

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André Derain_Retrato de Matisse

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Anne Sophie Tschiegg

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Paul Gauguin_Autorretrato o Les miserables, 1888

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Hope Gangloff _Misha Jenkins

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Espátula Stassen 79

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ARTE CON ARTE : www.artistica.arteconarte.com.ar

PINTURAS ESPECIALES GLOW : www.pinturasglow.com.ar

MONITOR : www.artisticamonitor.com.ar/ Libertad 757 / tel 43717979

CLAROSCURO : claroscuroartistica@yahoo.com.ar/ Muñiz 433/tel 4983240

RYGO : www.rygo.com.ar/ Av. de Mayo 724 Tel 43420919

RUBENS : Av.córdoba 1526 Tel 48116089

JUNCAL : Juncal 1942 Tel 43932149

CHARLY : Av. Cramer 2455 Tel 45446228

STRICKMAN : Saenz Peña 558 Tel 43813502

TWEETY : Murguiondo 4374 Tel 46024262

VILLALBA : artisticavillalba@uolsinectis.com.ar Sarmiento 1185 Tel 43824305

ANTONIO : Av. Rivadavia 1002 Tel 42080695

TEOREMA : Av. Santa Fe 4386 Tel 47742046

LEIDI : www.artisticaleidi.com.ar Libertad 757 Tel 43717675

GUIDO : Av. José M. Moreno 190 Tel 49024026

TEOREMA : Av. Sta. Fe 4386 Tel 47742046

EL DIBUJANTE : www.eldibujanteweb.com.ar Juan D. Perón 2400 Tel 49529857

EMILIO : Uruguay 874 Tel 48114220

EMERGENCIA ARTISTICA : Av. Regimiento Patricios 693 Tel 43023490

THESIS : Av. Scalabrini Ortiz 1828 Tel 8319323 www.libreriathesis.com.ar thesis@libreriathesis.com.ar

ARTESANIAS ALBERDI : Av. Alberdi 5734 Tel 46355783

LIBRERIA BELGRANO : libelgrano@hotmail.com Av. rivadavia 11142  Tel 46411981

LIBRERIA BELGRANO : libelgrano@yahoo.com.ar Av.rivadavia 7171 Tel 461136859

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Hope Gangloff, Kristen Schiele, 2015, acrílico sobre panel, 36 x 24 in.

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Dominik Jasinski_Fuerza, óleo sobre lienzo, 120 x 60cm

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Cuno Amiet_Autorretrato con manzana_Museo de Solothurn, 1902

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EL COLOR EN LA FIGURACIÓN

RETRATO.

Modulado por temperatura del color, carga del pincel y toque pictórico.

Disociación color-objeto, exaltación del contraste.

Saturación y neutralización del tono.

Materiales: Acrílico y/u óleo.

Preparación del soporte.

Diferencias entre tipos de pinceles y espátulas. Curado de la paleta.

CUADRÍCULA

La cuadrícula es una retícula o enrejado regular formado por una sucesión de cuadrados, mediante la cual podemos recrear perfectamente una imagen en otro soporte.

La cantidad de cuadrados debe permanecer igual tanto al agrandar como al achicar la imagen. Sólo se puede variar el tamaño de cada cuadrado según el caso, pudiéndose además subdividir cuadrados en las zonas donde tenemos que ajustar los detalles, -generalmente ojos, nariz y boca-, pero también se puede utilizar para estampados, fondos complejos, etc.

De esta manera, la cuadrícula nos permite ampliar o reducir la imagen manualmente.

Cuando transferimos una imagen con este recurso, seguramente logremos más fidelidad con el original que trasladándola "a ojo", y esto adquiere más valor al tratarse de figuras específicas o retratos donde se debe respetar el parecido con el o la modelo.

Para realizar una transferencia utilizando el sistema de cuadrícula necesitarán:

IMAGEN de REFERENCIA

Por ejemplo, para un retrato será necesaria: 1 fotografía color de cabeza de frente o tres cuartos (completa) incluyendo cuello y puede ser parte del torso. Deben ser fotos de buena calidad y bien iluminadas y tener un formato rectangular que sea proporcional al soporte definitivo. Ej A4, 15x21, La cuadrícula la van a hacer con un lápiz acuarelable de color claro (gris, celeste, lila, ocre).

Además van a necesitar: Lápiz HB o Nº2, goma compacta blanca, regla larga. Si no quieren marcar la foto también traer un papel de calcar del tamaño de la foto.

SOPORTE de PINTURA

-Soporte rígido de aproximadamente 50 x 70 cm - Tela s/ bastidor o fibrofácil, preparado con dos manos de base blanca -gesso, acrílico, látex- o cola vinílica. El fibrofácil debe tener un espesor de aproximadamente 0,5cms.

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Realismo es un término que, además de utilizarse para denominar ciertos movimientos artísticos reactivos contra el romanticismo, ambos originados en la Francia de mediados del siglo XIX, tiene una dimensión genérica que permite identificar un realismo artístico como una postura estética o de teoría del arte que identifica arte y realidad.

Esta postura se plasma en diversas formas de representar la realidad o naturaleza de una manera imitativa (mimesis), que presta atención a detalles muy precisos, y que representa la naturaleza con verosimilitud.

El realismo en las artes tiende a representar personajes, situaciones y objetos de la vida cotidiana de forma verosímil.

Existen principalmente dos maneras en que el artista logra materializar una obra de arte:

Arte fisioplástico o representativo o figurativo. Fisio es un prefijo de origen griego (physis, "naturaleza").

Se relaciona frecuentemente con lo orgánico y lo naturalista o realista.

Es el que trata de reproducir con mayor fidelidad posible a la naturaleza del objeto, persona o lugar.

Arte Ideoplástico o No representativo o No figurativo.

Se relaciona frecuentemente con lo inorgánico, lo geométrico y lo abstracto.

Parte de las ideas, de lo que se quiere representar, pero abstraído de la realidad. Contiene formas que pueden ser reconocidas de la realidad, pero con una mínima parte.

Estas son algunas de las características que diferencias lo orgánico de lo inorgánico en el Arte.

ORGANICO (figurativo o No figurativo)

| Biomórfico

| Desarrollo - Crecimiento - Dinámico

| Asimétrico  - Irregular

| Sensible (Cálido, irracional, sanguíneo)

| Volumétrico

| Claroscurista

| Subjetivo

| Emocional - Ilógico

| Espacial (escorzo, perspectiva, diagonales)

| Colores más terrestres

INORGÁNICO (figurativo o No figurativo)

| Constructivo

| Quieto - Estático - Estable

| Simétrico - Regular

| Geométrico (Frío, racional, matemático)

| Planimétrico

| Lineal

| Objetivo

| Racional – Lógico

| Ortogonal (horizontalidad, verticalidad)

| Colores más simbólicos y/o químicos

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TAREA
Seleccionar 1 imagen de alguna pintura figurativa que contenga figuras humanas y estén trabajadas de manera naturalista o realista.
La imagen puede contener una o varias figuras, que pueden ser parciales o figuras completas.
Hacer un breve análisis para compartir con su grupo de alumnxs en clase, no más de 5 renglones.
Algunos de los aspectos a considerar:

FICHA TECNICA.
Titulo / Autor / Período (histórico o cultural) / Técnica y soporte / Medidas / Año de realización / Localización (edificio, museo, colección, etc)

ANALISIS INTERPRETATIVO y PLÁSTICO.
REPRESENTACIÓN: a quién o a quiénes representan las figuras.
ESCENA: intimista, costumbrista, histórica, mitológica, religiosa, literario, etc.
FIGURA y FONDO: Simple o Complejo/a
COMPOSICIÓN: Estática, Dinámica o Mixta. Orgánica, Inorgánica o Mixta.
COLORES y TONOS: Resultante armónica, discordante o Mixta, etc. Modelado o Modulado del tono.
PINCELADA: Oculta, evidente, blanda, enérgica, libre, espesa, ligera.
Enviar la imagen con los datos y la descripción de la obra al correo del docente. alejandro.ongay@bue.edu.ar

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El despertar de la criada de Eduardo Sívori, 1894, óleo sobre tela, 192x131cm, MNBA

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Modelo de Academia deManuel Teixeira da Rocha, circa 1900, 70x50cm, Colección privada

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Primeros pasos, de Antonio Berni, 1936, 200x180cm, óleo sobre tela, MNBA

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Sin pan y sin trabajo de Ernesto de la Cárcova, 1892, óleo sobre tela, 125,5x216cm, MNBA

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Un moulage sur Nature de Edouard Dantan, 1887, óleo sobre tela, 130x103cm, Chimei Museum, Taiwan

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Santiagueños, de Ramón Gómez Cornet, 1927, 60,5x50,5cm, óleo sobre tela, MNBA

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Almuerzo sobre la hierba de Edouard Manet, 1863, óleo sobre tela, 208x265cm, Museo D'Orsay

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Las Espigadoras de Jean François Millet, 1857, 84 cm x 1.12 m, Óleo sobre tela, Museo D' Orsay

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¿Se puede pintar acromáticamente?
Sí, claro. Es una técnica bastante antigua, llamada  grisalla, que consiste en pintar con escala de grises o valores (o bien, con algún otro color= pintura monocroma).
Utilizaremos el método Renacentista en el que se solía hacer una grisalla como base y por encima se iban añadiendo capas de color transparentes del tono local hasta lograr el tono requerido para la figura en cuestión. El médium juega un rol protagónico en esta capa de pintura porque los efectos de transparencias y veladuras se consiguen a través de una combinatoria entre la materia pictórica y el médium.

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La grisalla (del francés grisaille)​ es una técnica pictórica basada en una pintura monocroma que produce la sensación de ser un relieve escultórico. Fue puesta de moda por diversos pintores en el siglo XIV, quienes la emplearon en bocetos y dibujos preparatorios para lograr un efecto de relieve mediante un claroscuro muy matizado, haciendo diversas gradaciones de un solo color, generalmente gris o amarillo oscuro, buscando un color lo más cercano posible al de la piedra.

HISTORIA
Aunque el uso de la grisalla arranca en la Alta Edad Media, su generalización comenzó en Francia, en el taller del pintor y escultor André Beauneveu. Se usaba principalmente en manuscritos iluminados (como el libro de horas Heures de Jeanne d'Évreux, de Jean Pucelle, The Cloisters, Nueva York), y sobre todo en marcos, en sustitución de esculturas o elementos arquitectónicos (Salterio del duque de Berry, 1380-1385, atribuido a Beauneveu, Bibliothèque Nationale, París).2​ Durante el reinado de Carlos V, su uso tuvo un notable auge, sobre todo en la miniatura, la vidriera y la pintura (Frontal de Narbona, Louvre).​ Es posible que el autor anónimo sea Jean d'Orléans. Su utilización es una de las características de la pintura de los países nórdicos: en el dorso de los retablos era característica la representación de una Anunciación en grisalla (Políptico de Gante, Jan Van Eyck, catedral de San Bavón, Gante).

Durante un tiempo, la grisalla recibió una función religiosa, ya que fue asociada por la liturgia católica al tiempo de cuaresma, pero pronto perdió esta función: en tiempos de Bruegel y El Bosco (El vendedor ambulante, Museo Boymans Van Beuningen, Róterdam), se convirtió en un procedimiento pictórico que, a través de una falsa perspectiva, evidenciaba la habilidad del pintor. De esta forma fue utilizada por numerosos artistas, como Andrea del Sarto, Correggio, Beccafumi, Rubens y Van Dyck.

A mediados del siglo XVI, la grisalla tuvo un gran desarrollo en el esmalte, con Pierre Reymond y los hermanos Pénicaud. En el siglo XVIII, pintores rococó –Boucher y Pittoni entre ellos– la emplearon como técnica para bocetos. El belga Piat Sauvage se especializó en falsos bajorrelieves pintados en grisalla. Desde entonces ha seguido siendo una técnica utilizada por muchos artistas.

La grisalla fue también muy empleada en vidriería, sobre todo en la Edad Media. Por lo general se empleaba el marrón o el negro (a veces el verde, especialmente en Austria), compuestos de una mezcla de vidrios pulverizados y óxidos metálicos diluida en vino o resina. Esta mezcla servía para matizar las tonalidades del vidrio, o bien para contrastar los colores. También se usaba para remarcar los trazos del dibujo o para dar volumen a las figuras. Una vez aplicada la grisalla, el vidrio se cocía de nuevo para que la mezcla se le adhiriera, gracias al vidrio pulverizado con que contaba entre sus componentes.

Método del Caravaggio
Esencialmente, este método comprende una pintura de fondo de tres o cuatro tonos de color marrón dorado sobre la que se trabaja en grisalla los elementos principales (las personas), utilizando grises negros y blancos. Esto produce una base muy clara y tonos de transición azulados fríos sobre los que se pintan ampliamente los colores de carne locales semi-opacos y semitransparentes. Esta pintura base gris claro hace que los colores de la pintura superior brillen, de una manera que la pintura directa no puede igualar, y su "azul" contrarresta en gran medida el pardeamiento de los óleos a medida que la pintura se seca con el paso de los años.

Los colores que no son colores
Durante muchos siglos el blanco y el negro fueron considerados colores y se colocaban a ambos extremos de la escala. De hecho, junto con el rojo y el ocre, son de los primeros pigmentos que se han utilizado en la Historia de la Pintura. Sin embargo, después de las investigaciones de Newton sobre las propiedades de la luz, hoy ya no podemos considerarlos así, aunque nuestra percepción nos indique lo contrario. Hoy sabemos que el blanco es luz pura y que contiene en sí todos los otros colores del espectro y que el negro es la no-luz, pues no emite ningún tipo de onda. Por eso no aparecen en las escalas cromáticas bidimensionales. En el vocabulario técnico de la pintura los llamamos “valores”, que es un término asignado por Eugène Fromentin en 1876. A una escala que va del blanco al negro, pasando por varios matices de grises, la llamamos “escala acromática” o “de valores”.
También el “valor” es una de las dimensiones del color, es decir, cuánto de luz o de oscuridad tiene cada color, p.ej.: un rosa es un rojo con “valor alto” (se acerca al blanco), en cambio, un bordó es un rojo con “valor bajo” (se acerca al negro). Un cuadro está bien pintado cuando el contraste de los valores (“valorización”) está compuesto de manera conciente y armónica.

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7-Caravaggio, San Jerónimo escribiendo, 1605

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¿QUÉ ES UNA GRISALLA? 3 Razones para realizar ESTE EJERCICIO en pintura

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¿Cómo funciona la pintura? Parte I. Veladuras, grisallas y profundidad tradicional.

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Classical Painting Techniques: Grisaille and Glazing

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Tutorial: Veladuras para piel sobre acromático. Susurradores II

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The Case for Surrealism | The Art Assignment | PBS Digital Studios

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El círculo cromático es la organización de estos tres grupos de colores: primarios, secundarios e intermedios. Este conjunto de colores, nos permite también identificar otros grupos que se relacionan entre sí como los colores análogos, complementarios, complementarios divididos, tríadas y tétradas. También nos permite identificar grupos de colores por su temperatura (cálida o fría).
Los acromáticos no se consideran colores -tierras, grises, blanco y negro- Mezclando en diferentes proporciones pares de complementarios se consiguen grises y tierras cromáticos, que amplían y enriquecen la paleta del pintor.
PRIMARIOS: Rojo, Amarillo, Azul.
SECUNDARIOS: Anaranjado, Verde, Violeta.
COMPLEMENTARIOS DIRECTOS:
Rojo / Verde
Amarillo / Violeta
Azul / Anaranjado
Cyan / Bermellón
Indigo / Amarillo anaranjado
Magenta / Amarillo verdoso.

TUTORIAL PARA DIBUJAR CIRCULO CROMÁTICO
En el siguiente link: https://youtu.be/J-RS205Ne3U

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Dependiendo del ámbito, podemos encontrar tres grupos de colores primarios:

1. El primer grupo de primarios es el del rojo, verde y el azul -RGB- conocidos como primarios aditivos. Son los colores primarios de la luz y se utilizan en el campo de la ciencia o en la formación de imágenes de monitores. Si se mezclan en distintos tantos por ciento, forman otros colores y si lo hacen en cantidades iguales producen la luz blanca.

2. El segundo grupo se compone de cyan, magenta, amarillo -CMYK-  Se trata de colores primarios sustractivos y son los empleados por las impresoras de tinta. Se denominan primarios sustractivos porque si se los mezclan en cantidades iguales, producen un tono cercano al negro.

3. El tercer grupo está formado por el rojo, el amarillo y el azul -RYB- También obedecen a un proceso sustractivo que desemboca en el negro o ausencia de luz. Mezclando pigmentos de estos colores pueden obtenerse todos los demás tonos. Este es el grupo de primarios que trabajamos en nuestras pinturas aunque muchos artistas utilizan la mezcla sustractivas del segundo grupo CMYK.

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TONO (Hue):
Es sinónimo de MATIZ y de TINTE. Es lo que nos permite diferenciar un color de otro, es lo que da identidad al color, tinte Rojo carmín, Rojo de cadmio, Verde esmeralda, Cuando hablamos de ESE color en realidad lo estamos definiendo.
SATURACIÓN (Saturation):
Es el grado de pureza de un color. Cuando el color no se mezcla presenta su máxima saturación, o está en toda su pureza. Si a un color, por ejemplo, rojo, lo mezclamos con blanco, no sólo aumentará su valor sino que disminuirá su pureza (se desaturará). Otra forma de desaturar un color, es mezclarlo con su complementario, esto producirá también su neutralización.
VALOR (Value):
Es el grado de claridad u oscuridad que presenta el color. Nos describe que tan oscuro o claro es un color. En una escala de valores el pigmento blanco se encuentra en un extremo y podemos decir que su valor es alto y cuanto más oscuro es el color podemos decir que su valor es bajo.

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Picasso, Pablo - Señoritas de Avignon (1907)

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Picasso, Pablo - Señoritas de Avignon (1907)

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Canzio Mónica_Geometría sensible. Serie Geometría sensible (2020) Óleo sobre Tela con espátula

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Canzio Mónica_Geometría sensible. Serie Geometría sensible (2020) Óleo sobre Tela con espátula

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Winschel Carina_St (2021) Acrílico, lápiz, mica plateada sobre tela, 120 x 200 cm

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Winschel Carina_St (2021) Acrí, lico, lápiz, mica plateada sobre tela, 120 x 200 cm

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Gigli Alejandro_Crepúsculo (2021) Acrílico sobre tela, 130 x 130 cm

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Gigli Alejandro_Crepúsculo (2021) Acrílico sobre tela, 130 x 130 cm

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Ricciardulli Hueso_Las tres Etelvinas. Serie Los Talas (2021), Acrílico sobre tela, 55 x 45 cm

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Ricciardulli Hueso_Las tres Etelvinas. Serie Los Talas (2021), Acrílico sobre tela, 55 x 45 cm

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Rojas Mónica, Efecto invernadero (2021), Óleo, 140 x 180 cm

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Rojas Mónica, Efecto invernadero (2021), Óleo, 140 x 180 cm