# data[].attributes.body
Muy interesantes tus aportaciones, me ayudan a comprender este complejo tema.
Marco A. Nava

# data[].attributes.body
Gracias por compartir, fuertes, interesantes y no menos escalofriantes expresiones con el cuerpo.
Claro, según mi apreciación.

# data[].attributes.body
Hola Gabriela. Se nota un trabajo muy bien cuidado y muy analítico. Me pareció excelente. Conocer más de Mendieta y todo los demás. Felcidades.

# data[].attributes.headline
Hola Gabriela, que bonito padlet, te felicito. Chuyita Lozano.

# data[].attributes.subject
Hola Gabriela, que bonito padlet, te felicito. Chuyita Lozano.

# data[].attributes.headline
A finales de los años 60 el arte
Contemporáneo hace un sesgo hacia la disolución de la expresión materialista y
se convierte poco a poco a una expresión corporal, donde el mensaje del artista
es entregado al espectador por medio de uso del cuerpo físico. Suele realizarse a modo de acción o performance, con una
documentación fotográfica o videográfica posterior. 

Nuestro cuerpo representa nuestra
instintiva animalidad, está ahí aun cuando tratemos de disfrazarla con vestidos
de moda, y caros maquillajes y perfumes. Nuestros cuerpos, nuestros fluidos,
nuestros olores y nuestros sabores existen y tal vez, no deberíamos asombrarnos
de algo que es parte de nuestra constitución corporal.

 El artista trata que comprendamos y sintamos
como nuestra mente juega
un papel importante en la interpretación de la realidad y expansión de nuestro
cuerpo. Un ejemplo subliminal es que nuestra mente entiende la visión de la
sangre fuera de nuestro cuerpo es representación de que algo en nosotros está
en peligro, es un miedo interno e inconsciente a enfermar y perder la vida, es
nuestro aviso para buscar la forma de sobrevivir y tomar acción.

En la vida real, no existe época donde
solo exista la belleza sublime, aun cuando tratemos de ocultar nuestra
verdadera naturaleza , esa parte que algunos llamaran nuestra esencia obscura,   al final,  siempre gritará y
peleará  para salir a la luz
y buscar la forma de manifestarse y por supuesto, eso se ve reflejado en el mundo
del arte.  

# data[].attributes.subject
A finales de los años 60 el arte
Contemporáneo hace un sesgo hacia la disolución de la expresión materialista y
se convierte poco a poco a una expresión corporal, donde el mensaje del artista
es entregado al espectador por medio de uso del cuerpo físico. Suele realizarse a modo de acción o performance, con una
documentación fotográfica o videográfica posterior. 

Nuestro cuerpo representa nuestra
instintiva animalidad, está ahí aun cuando tratemos de disfrazarla con vestidos
de moda, y caros maquillajes y perfumes. Nuestros cuerpos, nuestros fluidos,
nuestros olores y nuestros sabores existen y tal vez, no deberíamos asombrarnos
de algo que es parte de nuestra constitución corporal.

 El artista trata que comprendamos y sintamos
como nuestra mente juega
un papel importante en la interpretación de la realidad y expansión de nuestro
cuerpo. Un ejemplo subliminal es que nuestra mente entiende la visión de la
sangre fuera de nuestro cuerpo es representación de que algo en nosotros está
en peligro, es un miedo interno e inconsciente a enfermar y perder la vida, es
nuestro aviso para buscar la forma de sobrevivir y tomar acción.

En la vida real, no existe época donde
solo exista la belleza sublime, aun cuando tratemos de ocultar nuestra
verdadera naturaleza , esa parte que algunos llamaran nuestra esencia obscura,   al final,  siempre gritará y
peleará  para salir a la luz
y buscar la forma de manifestarse y por supuesto, eso se ve reflejado en el mundo
del arte.  

# data[].attributes.headline
Günter Brus (nacido el 27 de septiembre de 1938 Ardning , Estiria , Austria ) es un controvertido austríaco pintor, artista de performance, artista gráfico, director de cine experimental y escritor.Brus fue el co-fundador en 1964 del accionismo vienés (en alemán: Wiener Aktionismus ) junto con Otto Muehl , Hermann Nitsch yRudolf Schwarzkogler . Su accionismo presentado agresiva restó voluntariamente convenciones y tabúes con la intención de sorprender al espectador. Condenado a 6 meses de prisión después de que el Arte y Revolución evento en la Universidad de Vienaen 1968, huyó a Berlín con su familia y regresó a Austria en 1976. Brus orinó en un vaso y luego procedió a cubrir su cuerpo en su propio excremento, y terminó la pieza por beber su propia orina. Durante la actuación Brus también cantó el austríaco Himno Nacional durante la masturbación. Brus terminó la pieza de vómitos y fue detenido posteriormente. A través de esta pieza y sus otras obras de rendimiento, Brus esperaba para revelar la esencia sigue siendo fascista de la nación. Brus También fue editor de laSchastrommel (edición del autor) A partir de 1969. Estuvo involucrado en el arte NO! Movimiento.

# data[].attributes.subject
Günter Brus (nacido el 27 de septiembre de 1938 Ardning , Estiria , Austria ) es un controvertido austríaco pintor, artista de performance, artista gráfico, director de cine experimental y escritor.Brus fue el co-fundador en 1964 del accionismo vienés (en alemán: Wiener Aktionismus ) junto con Otto Muehl , Hermann Nitsch yRudolf Schwarzkogler . Su accionismo presentado agresiva restó voluntariamente convenciones y tabúes con la intención de sorprender al espectador. Condenado a 6 meses de prisión después de que el Arte y Revolución evento en la Universidad de Vienaen 1968, huyó a Berlín con su familia y regresó a Austria en 1976. Brus orinó en un vaso y luego procedió a cubrir su cuerpo en su propio excremento, y terminó la pieza por beber su propia orina. Durante la actuación Brus también cantó el austríaco Himno Nacional durante la masturbación. Brus terminó la pieza de vómitos y fue detenido posteriormente. A través de esta pieza y sus otras obras de rendimiento, Brus esperaba para revelar la esencia sigue siendo fascista de la nación. Brus También fue editor de laSchastrommel (edición del autor) A partir de 1969. Estuvo involucrado en el arte NO! Movimiento.

# data[].attributes.headline
EL DOLOR EN EL ARTE CORPORAL. Tratemos de entender y aceptar al ser humano ,en
particular a los artistas que dan rienda suelta a la libertad para expresar el
universo dentro de su mente. La diversidad humana y las formas de expresión
actuales  son infinitas y lo grotesco,  la exploración del dolor, la crueldad, el
asombro por la sangre, y por el cuerpo humano en todas sus manifestaciones, es una
realidad que existe desde que el humano apareció en esta tierra.   Tal vez una parte inconsciente de los artistas,
esos que experimentan con su cuerpo el dolor,  tratan  de representar esa libertad que da  la ausencia de dolor, lo hacen en una firme alusión
de que la muerte es algo natural y no tenemos por qué temerle, si logramos experimentar
el dolor corporal sin miedo,  dejaremos
de temer a la muerte y su vez el dolor emocional desaparece.

# data[].attributes.subject
EL DOLOR EN EL ARTE CORPORAL. Tratemos de entender y aceptar al ser humano ,en
particular a los artistas que dan rienda suelta a la libertad para expresar el
universo dentro de su mente. La diversidad humana y las formas de expresión
actuales  son infinitas y lo grotesco,  la exploración del dolor, la crueldad, el
asombro por la sangre, y por el cuerpo humano en todas sus manifestaciones, es una
realidad que existe desde que el humano apareció en esta tierra.   Tal vez una parte inconsciente de los artistas,
esos que experimentan con su cuerpo el dolor,  tratan  de representar esa libertad que da  la ausencia de dolor, lo hacen en una firme alusión
de que la muerte es algo natural y no tenemos por qué temerle, si logramos experimentar
el dolor corporal sin miedo,  dejaremos
de temer a la muerte y su vez el dolor emocional desaparece.

# data[].attributes.headline
LA VIOLENCIA EN EL ARTE. Existen artistas como Ana Mendieta que utilizan su cuerpo como forma de expresión. Lo hacen como una
forma de pronunciarse hacia el activismo, protestar y evidenciar la violencia que
existe hacia los seres vulnerables. También al mostrar su propio cuerpo
violentado, lo hacen como bandera para exigir que alguna acción sea realizada por la sociedad y por otra parte romper con el  tabú legendario de que los golpes recibidos son
una vergüenza.  Desde épocas
milenarias y a causa de la marcada diferencia de razas y castas (como en la India) se adoptó  la costumbre de ocultar los hechos de la persona
violentada para no ser despreciados por la sociedad,  en un intento por ocultar la deshonra , el
desprecio, evitar el destierro  y hasta cierto
punto salvar la vida.    Hasta la fecha, la
violencia es y ha sido un tabú en muchos países, como por ejemplo, los países
árabes donde violentar a la mujer es hasta un derecho que tienen los hombres
sobre las mujeres de su propia familia.  Tal vez la sociedad juzgue a los
artistas por manifestarse de una forma escandalosa, pero es su manera de GRITAR
URGE! Urge hacer algo...Y la realidad es que, la más mínima acción que tomemos
cada uno para dar un paso hacia mejorar nuestro mundo, crea olas de
manifestación hasta lograr un cambio real y benéfico.

# data[].attributes.subject
LA VIOLENCIA EN EL ARTE. Existen artistas como Ana Mendieta que utilizan su cuerpo como forma de expresión. Lo hacen como una
forma de pronunciarse hacia el activismo, protestar y evidenciar la violencia que
existe hacia los seres vulnerables. También al mostrar su propio cuerpo
violentado, lo hacen como bandera para exigir que alguna acción sea realizada por la sociedad y por otra parte romper con el  tabú legendario de que los golpes recibidos son
una vergüenza.  Desde épocas
milenarias y a causa de la marcada diferencia de razas y castas (como en la India) se adoptó  la costumbre de ocultar los hechos de la persona
violentada para no ser despreciados por la sociedad,  en un intento por ocultar la deshonra , el
desprecio, evitar el destierro  y hasta cierto
punto salvar la vida.    Hasta la fecha, la
violencia es y ha sido un tabú en muchos países, como por ejemplo, los países
árabes donde violentar a la mujer es hasta un derecho que tienen los hombres
sobre las mujeres de su propia familia.  Tal vez la sociedad juzgue a los
artistas por manifestarse de una forma escandalosa, pero es su manera de GRITAR
URGE! Urge hacer algo...Y la realidad es que, la más mínima acción que tomemos
cada uno para dar un paso hacia mejorar nuestro mundo, crea olas de
manifestación hasta lograr un cambio real y benéfico.

# data[].attributes.headline
ANA MENDIETA Artista conceptual, Escultora, pintora, y videoartista cubana. Utiliza su cuerpo como herramienta para relejar el dolor, el reclamo hacia la violencia y la transformación.    Cuando
 comenzó con su obra «Silueta» en la década de 1970, Ana Mendieta fue una de los 
muchos artistas que experimentó con géneros emergentes como Land Art, Body Art y Performance. 
 Posiblemente Ana Mendieta haya sido la primera persona en combinar 
dichos géneros, creando uno nuevo, al que bautizó como esculturas 
«earth-body».7 A menudo, ella utilizó su cuerpo desnudo para explorar y conectarse con la Tierra, como se ve en su obra Imagen de Yagul, de la serie Silueta en México, 1973-1977. La primera vez que Mendieta utilizó sangre para hacer arte fue en 1972, cuando creó la obra Sin título (Muerte de un pollo),
 en la cual estaba su cuerpo desnudo delante de una pared blanca 
sosteniendo por sus pies un pollo recién decapitado con sangre salpicada
 en su cuerpo desnudo.8
 Consternada por la brutal violación y asesinato de Sara Ann Otten, una 
estudiante de enfermería de la Universidad de Iowa, Ana se untó con 
sangre y se ató a una mesa en el año 1973, invitando a la audiencia a 
dar testimonio.9 En la obra People Looking at Blood Moffitt
 (1973), una serie de fotografías, en la cual hay en la vereda un trapo 
con sangre derramada y un tránsito de gente aparentemente interminable 
que camina observando la sangre sin detenerse, hasta que el hombre de al
 lado (la vidriera de la tienda lleva el nombre H.F. Moffitt) sale para 
limpiarlo.9
Mendieta también creó la silueta femenina utilizando la naturaleza 
como su lienzo y su medio. Ella utilizó su cuerpo para crear siluetas en
 la hierba, en la arena y la suciedad y de fuego. Untitled (Ochún) (1981), llamada así por la diosa de las aguas de Santería, que una vez señaló hacia el sur desde la costa de Key Biscayne, Florida. Entierro del Ñañigo (Ñañigo Burial)
 (1976), con un título tomado del nombre popular de una hermandad 
religiosa afro-cubana, es un conjunto de velas negras en el suelo que 
forma el contorno del cuerpo de la artista.10
 A través de estas obras, que cruzan las fronteras del performance, el 
cine y la fotografía, Mendieta exploraba su relación con el lugar, así 
como una relación mayor con la Madre Tierra o la figura de la «Gran 
Diosa».11
Mary Jane Jacob sugiere en su libro Ana Mendieta: The "Silueta" Series (1973-1980) que gran parte del trabajo de Mendieta fue influenciado por su interés en la religión Santería, así como una conexión con Cuba.7 Jacob atribuye al «uso ritualístico de la sangre»7 y el uso de la pólvora, la tierra y las rocas a los tradicionales rituales de Santería.7 Jacob también señala la importancia de la figura de la madre, refiriéndose a la deidad maya Ix Chel, la madre de los dioses.7

# data[].attributes.subject
ANA MENDIETA Artista conceptual, Escultora, pintora, y videoartista cubana. Utiliza su cuerpo como herramienta para relejar el dolor, el reclamo hacia la violencia y la transformación.    Cuando
 comenzó con su obra «Silueta» en la década de 1970, Ana Mendieta fue una de los 
muchos artistas que experimentó con géneros emergentes como Land Art, Body Art y Performance. 
 Posiblemente Ana Mendieta haya sido la primera persona en combinar 
dichos géneros, creando uno nuevo, al que bautizó como esculturas 
«earth-body».7 A menudo, ella utilizó su cuerpo desnudo para explorar y conectarse con la Tierra, como se ve en su obra Imagen de Yagul, de la serie Silueta en México, 1973-1977. La primera vez que Mendieta utilizó sangre para hacer arte fue en 1972, cuando creó la obra Sin título (Muerte de un pollo),
 en la cual estaba su cuerpo desnudo delante de una pared blanca 
sosteniendo por sus pies un pollo recién decapitado con sangre salpicada
 en su cuerpo desnudo.8
 Consternada por la brutal violación y asesinato de Sara Ann Otten, una 
estudiante de enfermería de la Universidad de Iowa, Ana se untó con 
sangre y se ató a una mesa en el año 1973, invitando a la audiencia a 
dar testimonio.9 En la obra People Looking at Blood Moffitt
 (1973), una serie de fotografías, en la cual hay en la vereda un trapo 
con sangre derramada y un tránsito de gente aparentemente interminable 
que camina observando la sangre sin detenerse, hasta que el hombre de al
 lado (la vidriera de la tienda lleva el nombre H.F. Moffitt) sale para 
limpiarlo.9
Mendieta también creó la silueta femenina utilizando la naturaleza 
como su lienzo y su medio. Ella utilizó su cuerpo para crear siluetas en
 la hierba, en la arena y la suciedad y de fuego. Untitled (Ochún) (1981), llamada así por la diosa de las aguas de Santería, que una vez señaló hacia el sur desde la costa de Key Biscayne, Florida. Entierro del Ñañigo (Ñañigo Burial)
 (1976), con un título tomado del nombre popular de una hermandad 
religiosa afro-cubana, es un conjunto de velas negras en el suelo que 
forma el contorno del cuerpo de la artista.10
 A través de estas obras, que cruzan las fronteras del performance, el 
cine y la fotografía, Mendieta exploraba su relación con el lugar, así 
como una relación mayor con la Madre Tierra o la figura de la «Gran 
Diosa».11
Mary Jane Jacob sugiere en su libro Ana Mendieta: The "Silueta" Series (1973-1980) que gran parte del trabajo de Mendieta fue influenciado por su interés en la religión Santería, así como una conexión con Cuba.7 Jacob atribuye al «uso ritualístico de la sangre»7 y el uso de la pólvora, la tierra y las rocas a los tradicionales rituales de Santería.7 Jacob también señala la importancia de la figura de la madre, refiriéndose a la deidad maya Ix Chel, la madre de los dioses.7