# data[].attributes.body
Descripción: Esta obra fue creada por Vincent Van Gogh en el año 1889, durante su estancia en el asilo de Saint-Rémy.
Análisis: Los rasgos únicos que caracterizan a esta pintura son las pinceladas distinguibles, el uso de colores y la carga emotiva que tiene.
Interpretación: Con el tiempo Vincent Van Gogh fue ganando el reconocimiento que se le debía, haciendo sus pinturas invaluables y muy famosas, incluso aún después de su fallecimiento Van Gogh sigue siendo un icono del arte.

Juicio: No hay duda de que los autorretratos de Van Gogh hicieron un impacto en la historia del arte, gracias a su experimentación con colores exóticos, se abrió la puerta a un sin fin de obras de arte.

Referencias:
Loreti, P. (2021, 26 mayo). Autorretrato - Vincent Van Gogh. HA! Recuperado 17 de enero de 2022, de https://historia-arte.com/obras/autorretrato

# data[].attributes.attachment_caption
Diego Peña   A00227640                     Héctor Almirudis   A00227745

# data[].attributes.body
Descripción: El cuadro mas famoso hecho por Edvard Munch fue expuesto por primera vez en en Oslo en 1893.
Análisis: El artista utilizo una técnica mixta de óleo y pastel sobre cartón
Interpretación: El grito está considerado como una de las más importantes obras del artista y del movimiento expresionista
Juicio: La obra tuvo gran impacto en la sociedad ya que este deja un mensaje universal, que trasciende de sexos, razas y nacionalidades. Es por esto que “El grito” es considerado uno de los cuadros más importantes de la historia del arte.

Munch, entre lo sensual y obscuro. (2018, December 12). El Universal. Retrieved January 20, 2022, from https://www.eluniversal.com.mx/cultura/edvard-munch-el-expresionismo-entre-lo-sensual-y-obscuro
“El grito”: qué dice el mensaje secreto que Edvard Munch dejó escrito en una de las obras más famosas de la historia del arte. (2021, February 22). BBC News. Retrieved January 20, 2022, from https://www.bbc.com/mundo/noticias-56156463
Bolaño, E. B. (n.d.). El grito. HA! Retrieved January 20, 2022, from https://historia-arte.com/obras/el-grito#:~:text=Es%20un%20mensaje%20universal%2C%20que,de%20la%20historia%20del%20arte.&text=Al%20ver%20la%20pintura%20del,a%20Par%C3%ADs%20le%20cundi%C3%B3%20bastante.

# data[].attributes.headline
ABRAHAM SERRANO A00227635                                        CRISTINA RAMOS A00227652    

# data[].attributes.subject
ABRAHAM SERRANO A00227635                                        CRISTINA RAMOS A00227652    

# data[].attributes.body
Descripción: “L'atelier Rouge" se creo en 1911 por el artista Henri Matisse. Esta obra se hizo en Francia después de que Matisse asistiera a la exposición de arte islámico y multiples visitas a diferentes ciudades y comunidades árabes en España. Esta se hizo como una forma de expresión tras aquellas visitas, lo que sentía y lo que había visto

Análisis: El mayor indicador dentro de esta obra de pertenecer al movimiento fauvista es su paleta de colores. El color rojo, que es lo primero que se ve en esta obra le da una actitud rebelde al cuadro, ya que al ser una tonalidad tan fuerte, violenta y vibrante nos da a entender la inclinación que tenia el artista hacia este tipo de resalte con el color ya que no es su único cuadro con el fondo de dicha tonalidad. También esta el hecho de que no se respetan en su totalidad las normas de la pintura por la perspectiva de este retrato. El efecto que Matisse quería evitar era que se viera profundidad en la habitación por eso el fondo resalta tanto, pero ni siquiera el hecho de que la perspectiva de la imagen este tan discontinuada y el trazo de la línea es erróneo para este estilo de perspectiva lineal evito que la ilusión prevaleciera. Lo que vemos en la obra es una representación del estudio de matisse con sus ultimas obras y esculturas plasmadas detalladamente, mientras que los muebles de la habitación están distinguidos solo por líneas sutilmente rodeadas por rojo. En medio de la obra podemos notar un reloj sin manecillas que nos da la idea de que el ve a su estudio como un lugar donde el tiempo esta suspendido y nos hace pensar que esta pintura entra dentro de lo sentimental y estético por ser un lugar significativo para el y la creación de sus obras.

Interpretación: Henri Matisse nació, creció y vivió en Francia, principalmente estudiaba derecho pero gracias a un ataque de apendicitis estuvo en cama por unos años donde encontró su verdadera afición, la pintura. Él inició con obras más del lado naturalista antes de encontrar su verdadero estilo de arte y convertirse en uno de los mayores representantes del fauvismo. Algunas de las personas mas influyentes en la vida de Matisse fueron Gustave Moreau donde se contagio de su entusiasmo y pasión por el arte, John Russell que le enseño la teoría del color y probablemente el mas influyente fue Paul Cézanne que inspiro a matisse para empezar a pintar objetos desligados entre si pero conservando un concepto y orden. Este óleo sobre lienzo representa un sentimiento de homenaje hacia sus pinturas y la realidad y recuerdos que vivió ahí. El realizo esta obra cuando se traslado a Moscú en 1911 y conoció las artes decorativas bizantinas que fueron un elemento esencial en la creación de L’atelier Rouge.

Juicio: Esta obra es muy importante para el Fauvismo siendo una de las mas famosas e innovadoras gracias a el color y perspectiva utilizada. Matisse se inclino al fauvismo por la carencia de acabado y las explosiones de colores. Destacando sus obras por la expresividad, sencillez, planos simples y cambios bruscos de color, siendo los que más expresaban el sentimiento según los fauvistas. Henri Matisse logro que su obra sea considerada como de las más importantes del arte moderno.

Referencias:
-Capital del Arte. (2018, 21 febrero). El Fauvismo - Principales características. Recuperado 20 de enero de 2022, de https://www.capitaldelarte.com/el-fauvismo/
-Lafón, Z. (2011, 7 diciembre). Henri Matisse y el fauvismo. Atelier El arte por el arte. Recuperado 20 de enero de 2022, de http://www.elarteporelarte.com/clases-cultura-visual/henri-matisse-fauvismo/
-Museum of Modern Art. (s. f.). Henri Matisse. The Red Studio. Issy-les-Moulineaux, fall 1911 | MoMA. The Museum of Modern Art. Recuperado 18 de enero de 2022, de https://www.moma.org/collection/works/78389
-Victor Moreno, M. E. (31 de 12 de 2021). Buscabiografias. Obtenido de Henri Matisse: https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/78/Henri%20Matisse

# data[].attributes.headline
MARÍA JULIA & SOFÍA SÁNCHEZ                      "Woman in a Purple Coat"

# data[].attributes.subject
MARÍA JULIA & SOFÍA SÁNCHEZ                      "Woman in a Purple Coat"

# data[].attributes.body
Descripción: Esta obra "Woman in a Purple Coat" fue creada en 1937 por el artista Henri Matisse, se desconoce el lugar de su creación, pero en la actualidad se encuentra en el "Museum of Fine Arts, Houston".

Análisis: Algunos de los rasgos únicos y esenciales en el estilo artístico de Matisse en esta pintura, el cual es estilo decorativo maduro, son: el diseño abstracto, los colores exóticos e intensos, elementos decorativos como los arabescos al igual que el uso de la profundidad y la fluidez estética.

Interpretación: Cuando Matisse pintó esta obra, no había pasado mucho tiempo de que su esposa lo dejara y pasaba mucho tiempo con su asistente y enfermera  Lydia Delectorskaya, quien es la protagonista de esta obra. Terminaron encariñándose y se enamoró artísticamente de Lydia. Esto influyó en la elaboración de su pintura ya que estos eventos que él estaba viviendo en ese momento, lo impulsaron a expresarse a si mismo y plasmar a través del contraste y colores expresivos la conexión entre ellos dos y la gran admiración que él le tenía.

Juicio: Esta obra es de gran importancia en la historia del arte, ya que es una de las pinturas más famosas y conocidas especialmente hablando del expresionismo, y cuenta con gran mérito artístico debido a que el conocimiento y dominio que el artista Matisse tiene acerca del lenguaje expresivo del color y el dibujo es bastante amplio. Asimismo, su obra ha abarcado más de medio siglo y sigue destacando en el arte moderno.

Referencias
Bina, R. (2013). Woman in a Purple Coat, 1937. Recuperado 17/01/2022 de https://www.pinterest.com.mx/pin/539165386610601501/

Calvo, M. (2019). Mujer con abrigo púrpura

Retrato de Lydia, la cuidadora del anciano Matisse. Recuperado 17/01/2022 de https://historia-arte.com/obras/mujer-con-abrigo-purpura

Niood. (2021). Las 10 obras de arte más famosas de Henri Matisse. Recuperado 17/01/2021 de https://niood.es/las-10-obras-de-arte-mas-famosas-de-henri-matisse/

Stockwell, M. (2020, 14 enero). Woman in a Purple Coat (1937): One of Henri Matisse’s Final Oil Paintings. Singulart Magazine. Recuperado 17 de enero de 2022, de https://blog.singulart.com/en/2020/01/14/woman-in-a-purple-coat-1937-one-of-henri-matisses-final-oil-paintings/#:%7E:text=Woman%20in%20a%20Purple%20Coat%20exemplifies%20Matisse’s%20mature%20style%2C%20characterized,creation%20of%20his%20last%20masterpieces.

# data[].attributes.attachment_caption
Carlos Regalado A00227628 Jorge Montaño A00227622

# data[].attributes.body
Descripción: Esta obra artística se creo en el año 1939, en Mexico, por la afamada Frida Kahlo artista reconocida por sus autorretratos, actualmente esta obra considerada su mejor obra hasta el momento, esta ubicada en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México.

Análisis: Esta obra forma parte del surrealismo ya que la realidad que representa se encuentra en el ámbito fantasioso. La pintora, quien dijo no identificarse con el movimiento, creó un estilo propio tomando los aspectos de su vida, mezclándolos con los elementos de la naturaleza y la identidad mexicana. A pesar de esto, sus obras están catalogadas dentro de esta corriente artística, siendo esta la más notable.

Interpretación: Frida Kahlo había estado viviendo durante más de seis meses entre Nueva York y París debido a una serie de exposiciones individuales. Después de esos 6 meses al regresar a Mexico lo primero que la recibió fue una decepción amorosa debido a su ruptura con Diego Rivera, lo cual fue el motivo para realizar esta obra de arte considerada la mas icónica de su carrera, la cual significa el dualismo de Frida Kahlo, o lo que divide la Frida casada y la Frida soltera.

Juicio: Esta obra es una de las más icónicas para esta pintora, así como para el movimiento del surrealismo. Hasta este día sigue siendo de gran relevancia en el mundo y es buscada por los museos más importantes, ya que representa un momento trascendental en su trabajo.

Referencias
Las dos Fridas - Frida Kahlo. (19d. C.). HA! Recuperado 22d. C., de https://historia-arte.com/obras/las-dos-fridas

Ochoa, A. (2021, 8 julio). Todos los detalles ocultos detrás de la pintura «Las dos Fridas». Architectural Digest. https://www.admagazine.com/estilo-de-vida/las-dos-fridas-todo-lo-que-debes-saber-obra-mas-famosa-frida-kahlo-20210708-8738-articulos

Egea, P. (2019). Las dos Fridas. https://historia-arte.com/obras/las-dos-fridas#:~:text=Las%20dos%20Fridas%20es%20un,mantuvo%20pr%C3%A1cticamente%20toda%20su%20vida.

# data[].attributes.attachment_caption
"El abrazo de amor de entre el Universo, la Tierra, yo, Diego y el señor Xólotl" - Frida Kahlo

# data[].attributes.headline
Fernanda Zazueta #A00227688, Valeria Cárdenas #A00227593, & Ángel Manríquez #A00227617  

# data[].attributes.subject
Fernanda Zazueta #A00227688, Valeria Cárdenas #A00227593, & Ángel Manríquez #A00227617  

# data[].attributes.body
Descripción:
Esta pieza de arte es de autoría de Frida Kahlo fue hecha en óleo sobre masonita (70cm x 60.5cm) en 1949 y es parte del periodo artístico naif.
Análisis:
Lo que hace única a esta obra es la representación de la naturaleza, el retrato de Diego Rivera así como el de ella y elementos sutilmente utilizados de la mitología mexicana. No solamente es lo que llega a presentar esta obra, si no la forma en que lo presenta con apoyo de distintas tonalidades y contrastes entre cada elemento que posee en ella. Por ejemplo, en el fondo de la obra se puede apreciar como Frida usa los tonos verdes y cafés para representar el contraste del bien y el mal, junto con la luna y el sol de la mitología mexicana.
Interpretación:
Viviendo de 1907 a 1954, Frida Kahlo vivió una vida llena de dolor y enfermedad. Se puede notar en esta obra varios aspectos de los problemas que tenía Frida en el pasado y en su presente. A pesar de tener una larga relación con su esposo Diego Rivera, su relación no era muy saludable. Se puede observar a Frida sosteniendo a Rivera en sus brazos como un bebé, de esta manera representando la relación no solo sexual, pero también maternal que sentía Frida. indicando la dependecia que tenía Rivera hacia ella, a pesar de tener una diferencia de edad de aproximadamente 20 años. Asimismo, el bebé ilustrado en la obra es simultaneamente la expresión del dolor de Frida con sus problemas de maternidad, teniendo la incapacidad de tener hijos.
Juicio:
La obra tuvo un gran impacto entre los demás autores, lo cual dejó una marca en la historia del arte. Esto debido a que lo consideraban muy desafiante a la época en la que estaban. También lo consideraron un nacionalismo insólito.

Referencias APA:
Frida Kahlo – El Abrazo De Amor De El Universo, La Tierra (méxico), Yo, Diego Y El Señor Xolotl. (s. f.). Arthur. Recuperado 18 de enero de 2022, de https://arthur.io/art/frida-kahlo/el-abrazo-de-amor-de-el-universo-la-tierra-mexico-yo-diego-y-el-senor-

Loyo, S. (2020, 10 marzo). ¿Conoces el significado de las pinturas de Frida Kahlo? Cmujer. https://cmujer.com.mx/conoces-significado-pinturas-frida-kahlo/

Yaniz, N. (2022, 19 enero). Análisis descriptivo del cuadro: El Abrazo de Amor del Universo. Blogspot. Recuperado 18 de enero de 2022, de http://elabrazodeamor.blogspot.com/2009/12/el-abrazo-de-amor-del-universo-la.html

# data[].attributes.body
Descripción: La pintura "La Persistencia de la memoria" la pinto Salvador Dalí en Figueras España en 1931, el cuadro actualmente se encuentra en el museo MoMA en New York, los materiales que utilizo para este cuadro fue el Oleo y pinturas de bronce.

Análisis: Lo que podemos destacar de esta obra es una verdadera representación del arte simbólico del surrealismo debido a que esta lleno de elementos que salen de la racionalidad y lo evidente como tal se ve en los relojes. Un dato interesante es que la pintura original contiene dimensiones muy pequeñas y relatan que tardo tan solo 5 horas en terminarla.

Interpretación: Como la pintura fue elaborada en 1931 ya se había creado una de las mas grandes teorías científicas, la de la relatividad, Salvador Dalí era un gran aficionado la física por eso quiso representar el tema del tiempo maleable en su cuadro. También que era la época el surrealismo y Salvador Dalí era de los mejores representantes de este movimiento artístico así que fusiono las dos ideas dando como resultado esta pintura.

Juicio: Esta obra es una de las más representativas de lo que fue el surrealismo y fue de las mas importantes ya que dio a conocer mas el movimiento artístico. "Una visión subjetiva de la temporalidad y de sus implicaciones"  asimismo  un homenaje al tiempo interior del inconsciente.

Referencias:
-Bolaño, E. (2017, 28 julio). La persistencia de la memoria - Salvador Dalí. HA! Recuperado 20 de enero de 2022, de https://historia-arte.com/obras/la-persistencia-de-la-memoria
-Sónia Cunha. ( s.f.). La persistencia de la memoria, de Salvador Dalí. Cultura Genial. https://www.culturagenial.com/es/persistencia-de-la-memoria-dali/

-Una Breve Historia de la Imagen Surrealista - La Persistencia de la. (s. f.). Dali Universe. Recuperado 20 de enero de 2022, de https://www.thedaliuniverse.com/es/news-una-breve-historia-de-la-imagen-surrealista-la-persistencia-de-la-memoria
-

# data[].attributes.headline
Octavio Ordoñez A00227625 Lamberto Arvizu A00227713

# data[].attributes.subject
Octavio Ordoñez A00227625 Lamberto Arvizu A00227713

# data[].attributes.body
Descripción: El nombre de la obra es el autorretrato del
vagabundo de la noche o Selvportrett. Nattevandreren (titulo original) creada en 1924 por el famoso pintor Edvard Munch. La inspiración de la obra de Edvard viene del expresionismo alemán de comienzos del siglo XX.

Análisis: En esta obra podemos ver cómo el expresionismo esta presente con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria. Esta pintura es una amarga representación de la soledad que siente el personaje.

Interpretación: Esta obra de arte influyo mucho en la vida del autor ya que, la obra fue inspirada por el expresionismo aleman de comienzos de siglo XX, Edvard representa la soledad que el sintió durante esos tiempos de guerra. Ademas de que esa pintura hizo que personas se identificaran con el autor.

Juicio: El autorretrato de Edvard Munch llamado El vagabundo de la noche creado en 1923, Es una representación del expresionismo y cómo veía la vida Edvard Munch amarga y oscura. Tras vivir en una época de guerras esta pintura representa su soledad con la que muchas personas se sienten identificadas

E., & de Evelio, V. T. L. E. (2016, 22 octubre). Las obsesiones con las que Edvard Munch creó su obra. ideofilia. Recuperado 18 de enero de 2022, de https://ideofilia.wordpress.com/2016/10/19/las-obsesiones-con-las-que-edvard-munch-creo-su-obra/

Obra de Arte - El Vagabundo de Noche - Edvard Munch. (n.d.). cuadrosfamosos.es. Retrieved January 18, 2022, from https://cuadrosfamosos.es/obras-de-arte/munch/expresionismo/26216/el-vagabundo-de-noche

A. (n.d.). Autorretrato. El Vagabundo nocturno de. Edvard Munch. Retrieved January 18, 2022, from https://www.edvardmunch.site/autorretrato-el-vagabundo-nocturno-de-edvard-munch/

# data[].attributes.body
DESCRIPCIÓN:
La noche estrellada es un cuadro pintado en el año 1889 por el artista neerlandés Vincent van Gogh (1853-1890).

ANALISIS:
Esta el cielo nocturno lleno de nubes con movimiento giratorio rápido, estrellas ardiendo con su propia luminosidad, y una luna creciente brillante. Aunque los rasgos son exagerados, esto es una escena que podemos relatarnos, y también una que hace que la mayoría de individuos se sientan cómodos.

INTERPRETACIÓN:
La noche estrellada es un cuadro pintado en el año 1889 por el artista neerlandés Vincent van Gogh (1853-1890). Es considerado uno de los cuadros más importantes del pintor por su estilo único y original, el cual marcó un punto de inflexión en el arte postimpresionista.

JUICIO:
La noche estrellada es un cuadro pintado en el año 1889 por el artista neerlandés Vincent van Gogh (1853-1890). Es considerado uno de los cuadros más importantes del pintor por su estilo único y original, el cual marcó un punto de inflexión en el arte postimpresionista.

APA
Imaginario, A. (2020, 1 abril). Significado del cuadro La Noche Estrellada de Van Gogh. Cultura Genial. https://www.culturagenial.com/es/cuadro-la-noche-estrellada-de-vincent-van-gogh/#:%7E:text=La%20noche%20estrellada%20es%20un,inflexi%C3%B3n%20en%20el%20arte%20postimpresionista.

La noche estrellada por Vincent van Gogh. (2020). © Van Gogh Gallery 1997 - 2018. https://www.vangoghgallery.com/es/pinturas/noche-estrellada.html

# data[].attributes.headline
ANA SOFÍA ZÁRATE A00227680               BALTAZAR MARTÍNEZ  A00227649

# data[].attributes.subject
ANA SOFÍA ZÁRATE A00227680               BALTAZAR MARTÍNEZ  A00227649

# data[].attributes.body
Descripción : Esta obra fue creada el año de 1939 en la ciudad de México por la artista Mexicana Frida Kahlo con la técnica de pintura oleo sobre canva .Actualmente esta pieza se encuentra en el museo de arte moderno de la ciudad de méxico.

Analísis :  En esta pieza se pueden observar dos figuras humanas femeninas sentadas mientras miran hacia un punto en común , ambas sostienen en sus manos dos objetos , la de la izquierda unas tijeras y la de la derecha una foto pequeña , en el fondo se observan trazos fuertes  continuos que forman un cielo

Interpretación :
En esta obra se puede observar un autorretrato que
muestra dos Fridas Kahlo agarradas de la mano, la que
se encuentra a la izquierda del cuadro representa una
sensación mucho más triste y derrotada, la Frida de la
derecha luce más rejuvenecida debido a que fue la
Frida antes de su separación .A Pesar de lo que cada
una de las fridas representan individualmente , la pieza
muestra ambas prácticamente sin alguna expresión y
tranquilas ante tener sus corazones expuestos
simbolizando el dolor físico y emocional que Frida
soporto desde su infancia .

Juicio :

Esta pieza creada por Frida Kahlo se volvió una de las obras más reconocidas
en el arte mexicano y especialmente en el arte naif y surrealista que
comenzaba a tener impacto en Mexico , posee un manejo de sus elementos
distintivo ya que a pesar de tener muchos objetos la obra se mantiene
balanceada sin una sobresaturación . Basándose en su propia vida Frida
kahlo llegó a crear una pieza con un mensaje que se relaciono con las
situaciones de miles de personas , la dualidad del ser humano , algo único
que todos podemos llegar a experimentar.Sin lugar a duda Frida kahlo tras
una década desde su primera obra logró impactar al mundo con su excelente
composición artística al poder interpretar a lo que en ese tiempo se
consideraba el bien y el mal para una mujer .
Referencias :

Segoviano, C. (s. f.). Las dos Fridas. Historia de dos ciudades. Museo de Arte Moderno. Recuperado 17 de enero de 2022, de https://mam.inba.gob.mx/las-dos-fridas-historia-de-dos-
ciudades#:~:text=Es%20un%20recuento%20po%C3%A9tico%20de,expresi%C3%B3n%20de%20su%20madurez%20creativa.&text=A%20partir%20de%20su%20viaje,y%20la%20abandonada%20por%20%C3%A9l.

# data[].attributes.body
Descripción:
Uno de los más famosos cuadros de Pablo Picasso “Chica frente a un espejo” fue pintado en 1932 en España. Actualmente se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Análisis:
Como bien se conoce, Picasso fue uno de los creadores del cubismo y esta obra no fue la excepción.  Con este cuadro parece querer mostrar una perspectiva diferente acerca de la sociedad, con colores extremos e ideas controversiales, como la vanidad de una mujer. Así mismo formó varias figuras geométricas, como triángulos, círculos y rombos que en conjunto con los colores vivos le dan cierta profundidad a la pintura.

Interpretación:
Picasso vivió en Europa la Primera Guerra Mundial, la Revolución Bolchevique, la Guerra Civil Española, y la Segunda Guerra Mundial. Para la chica ante el espejo Picasso había vivido por todo esto, menos la Guerra Civil y la Segunda Guerra Mundial, todo se ve en como se representa en su arte con personas desfiguradas, por partes, y colores vibrantes, de alguna manera representando todo el dolor y sufrimiento que el veía en las guerras de su alrededor.

Juicio:
El arte de Picasso no solo es popular, es mítico, cada una de sus obras tienen un lugar especial en las personas y en la historia del arte, Picasso fue uno de los exponentes mas grandes del arte moderno, y la inspiración de incontables artistas contemporáneos. Chica frente al espejo es parte de su época surrealista, en la cual decidió que no tenía que apegarse a las reglas de las otras corrientes que había seguido en el pasado, y es una demostración de la evolución que pueden tener los artistas.

Referencias:
Calvo Santos, M. (2016, 4 enero). Mujer ante espejo - Pablo Picasso. HA! Recuperado 20 de enero de 2022, de https://historia-arte.com/obras/mujer-ante-espejo-de-picasso

Landzberg, R. (2016, 8 febrero). “Mujer Frente al Espejo” por Pablo Picasso. Riverdalebabel. Recuperado 20 de enero de 2022, de https://riverdalebabel.wordpress.com/2016/02/08/mujer-frente-al-espejo-por-pablo-picasso/

Real, I., M., R., H., Barbero, I. G., J., Trullo, J. L., C., & H. (2014, May 5). La influencia de Picasso en los artistas post-Picasso. Culturamas. Retrieved January 20, 2022, from https://culturamas.es/2014/05/05/la-influencia-de-picasso-en-los-artistas-post-picasso/

Ruiz, J. R. U. (2018, October 29). Picasso en su contexto histórico. El Diario Vasco. Retrieved January 20, 2022, from https://www.diariovasco.com/culturas/picasso-contexto-historico-20181029080559-nt.html