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Además de protagonistas / Antagonistas / Tránsgugas tenemos los prototipos: el celoso, el gracioso, el galán, la dama, el padre, el progresista, el conservador...

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“El Teatro Playback está basado en una idea simple: los miembros de la audiencia comparten pensamientos, sentimientos, recuerdos –relatos- y un equipo de actores los dramatizan en el acto. Nada ha sido preparado con anterioridad. Los actores y los músicos llegan ante sus espectadores sin ninguna obra teatral memorizada, disponen solo de su capacidad de improvisación, de su habilidad de escucha activa y de su humanidad”. Jonathan Fox

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Teatro Playback | Máster en Teatro Aplicado

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El Teatro Playback es una modalidad de teatro interactivo, espontáneo e improvisado, sin texto previo, que tiene como objetivo principal crear vínculos entre los espectadores. Es un teatro informal basado en la dramatización de historias que surgen del público, las cuales cobran vida a través del saber hacer artístico de un conductor (director), varios actores y un músico.

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“Las emociones no son un fenómeno mental, sino una concurrencia mental y física con reflejos visibles o invisibles en el cuerpo”. Toshiharu Kasai

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"Las emociones no son un fenómeno mental, sino una concurrencia mental y física con reflejos visibles o invisibles en el cuerpo". Toshiharu Kasai
Mód ulo de "Teatro Físico" a cargo de Domingo Ferrandis. El teatro físico toma como punto de partida la atracción que dirige nuestros movimientos, una órbita constituida por lo biológico, lo psicológico y lo social. Toda acción, toda interacción obedece a esta órbita en el que nos movemos desde que nacemos hasta que morimos. Y es clave para componer personajes, tramas e historias.
Módulo de Teatro físico. Domingo Ferrandis
El teatro físico es tan ecléctico que no pertenece a un género, sino que son los géneros los que se apropian de su nombre. En ocasiones sus montajes dibujan una estética que se aleja tanto de la danza como del teatro tradicional. Sus acciones exploran la relación del personaje con aquello que le afecta, sus estados, sus sentimientos, sus pasiones, sus ideas a través de la investigación de gestos, actitudes y acciones.

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"Las emociones no son un fenómeno mental, sino una concurrencia mental y física con reflejos visibles o invisibles en el cuerpo". Toshiharu Kasai Módulo de "Teatro Físico" a cargo de Domingo Ferrandis . El teatro físico toma como punto de partida la atracción que dirige nuestros movimientos, una órbita constituida por lo biológico, lo psicológico y lo social.

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"Para construir personajes, el actor debe crear un segundo plano. Y una de las herramientas para hacerlo es la improvisación."

Harvey Keitel

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El pont flotant

Introducción. Evolución y trayectoria de la compañía. Recorrido por los diferentes trabajos de la compañía con el visionado de algunos fragmentos de sus piezas.

La creación colectiva en la cía. Pont Flotant. Una de las particularidades de El pont flotant es la colectividad de su trabajo. Todos los miembros participan de las diferentes tareas dentro de la creación y de la gestión de la compañía, aunque cada miembro tiene unas responsabilidades concretas (a veces tomadas de manera natural y a veces repartidas por consenso). El caso de la creación y dirección de los montajes es bastante particular y se enmarca dentro de la llamada creación colectiva, ya que no existe la figura del/la director/a, sino que los cuatro miembros aportan ideas, contenidos, imágenes, etc. y es el consenso, asistido por el imaginario común creado durante tantos años de trayectoria, lo que ayuda a componer la pieza. Sin embargo, como hemos dicho, cada uno participa en mayor proporción en las partes en las que está más capacidad y se expresa con más facilidad (escritura de textos, dramaturgia, propuesta estética y plástica, coreografía y movimiento, etc.). La creación colectiva entendida desde el punto de vista de la compañía tiene en cuenta las siguientes premisas (las que se desarrollarán a nivel teórico y práctico durante las sesiones):

El reparto o la especialización de tareas. La riqueza de diferentes lenguajes.

El "yo creativo". La importancia de aprovechar los recursos, la personalidad, la riqueza creativa, biográfica, la sensibilidad, la mirada particular de cada persona para el enriquecimiento y amplitud del proyecto.

El concepto de "propiedad" dentro de la comunidad creadora (dentro del proceso creativo todos aportan, por lo que a menudo no se recuerda quien tener esta o aquella idea: es fruto del proceso, no de una mente aislada). Excepciones.

El concepto de material. Mezcla, fusión y contaminación. tipo de materiales.

La necesidad de una mirada única y externa hacia la mitad-final del proceso.

Todo vale. Cualquier propuesta es válida, por muy loca o desvinculada del tema que parezca en un primer momento. La importancia de las "Asociaciones de ideas/ conceptos/materiales personales".

El "juego" como "filosofía de trabajo" y punto de partida. normas, componente lúdico, competitividad, etc.

El proceso creativo. De lo íntimo a lo universal (viaje de ida y vuelta). Aunque cada proceso creativo es y debe ser diferente, hay una serie de puntos que se han repetido en los últimos trabajos de la cía. y que, obviamente, han determinado el resultado:
1a. FASE. El tema. Primera aproximación teórica.

La elección del tema. Implicación personal en una idea/valor universal. Conflicto personal con el tema. Posicionamiento ideológico, social, político, etc.

Investigación y búsqueda teórica en torno a la temática elegida en diferentes soportes (audiovisual, sonoro, papel, etc.);

Científica (en campos diversos: filosofía, sociología, neurología ...);

Artística

Personal (anécdotas, reflexiones ... en que me afecta personalmente y vital el tema en cuestión y sus diferentes manifestaciones en relación a mi trayectoria vital.)

2a. FASE. Creación de materiales. Líneas de investigación.

Creación y búsqueda de materiales (con diferentes lenguajes, soportes, etc.)

Sesiones laboratorio paralelas: posible taller laboratorio paralelo (por ejemplo, con abuelos y niños para el estudio del tema "Generacional / educacional"; o con personas de diferentes procedencias para el estudio de la "diferencia cultural"; etc.).

Establecimiento de las líneas de investigación vinculadas con el tema.

3a. FASE. Trabajo con los materiales.

Evolución hacia la forma dramática. Aplicación de las diferentes técnicas y metodologías de trabajo de la compañía para ir dando forma dramática a los materiales (de la 2a. Fase).

Mecanismos de organización, combinación y "manipulación" de materiales: - Aleación. -Simultaneidad. -Secuenciación. -Yuxtaposición. -Oposición. -Coordinación. -Exageración. -Poetización. -Cotidianización. -Ampliación. -Etc.

4a. FASE. Dramaturgia y muestra con espectadores.

Creación y definición de la dramaturgia. Mirada externa. conexiones y links.

Pruebas y muestras con espectadores con puesta en común de resultados, reflexión y análisis posterior.

Ajustes de la dramaturgia en función de las conclusiones: añadir, eliminar o modificar conexiones, acercarlas o alejarlas entre ellas, etc.

Estreno.

Dinámicas de creación y recursos de la compañía. Dramaturgia. Los montajes de El pont flotant se caracterizan por el uso de un lenguaje escénico particular que parte de las siguientes premisas y se podría resumir en el desarrollo de los siguientes aspectos durante los procesos de creación:

El concepto de dramaturgia dentro de la compañía: contenido y continente.

La dramaturgia del cuerpo. La importancia del trabajo físico como portador de significantes y significado.

La dramaturgia del texto. Elementos reiterativos. La imagen poética. la conexión del texto con el actor. Uso de diferentes tipologías textuales.

La dramaturgia del espectador: vivir o provocar una experiencia, el viaje emocional, el humor como válvula bisagra de las situaciones de tensión, etc.

La dramaturgia de los materiales. Tipos de materiales.

Una idea de una escena, de una situación.

Escenas físicas o gestuales.

Material audiovisual: un vídeo (de youtube o creado ex profeso, etc.), fotografías, música, etc.

Objetos.

Material textual biográfico: anécdotas, reflexiones, etc.

Textos de creación o de otros autores tanto de ficción, como de no ficción, (ensayísticos, científicos, filosóficos, literarios ...)

Propuestas performativas.

Propuestas de espacio (site specific, itinerarios, italiana, en forma de u, 360 grados, ...).

Propuestas estéticas (artistas plásticos, piezas artísticas de diferentes disciplinas: arquitectura, pintura, escultura, performance, etc.).

Propuestas de banda sonora: sonidos, ritmos, canciones, melodías ...

Rotura de la narratividad.

La mezcla de lenguajes.

La utilización, apropiación o teatralización de otras tipologías textuales y formas de comunicación (una conferencia, una clase...).

El humor como vehículo de distanciamiento y reflexión. La exageración, la contradicción, la ridiculización, etc.

El juego como herramienta para la creación, como formato y como desencadenante.

La sencillez. El trabajo sobre la esencia.

La ficción y la verdad. Fronteras y límites. Incursión de la realidad dentro de la ficción.

La realidad en escena. Potenciación de la verosimilitud.

El trabajo con elementos biográficos y autobiográficos.

La sorpresa o rotura de las expectativas.

A lo largo de las sesiones se abordarán aspectos como el espacio escénico, el tiempo, el conflicto dramático, la estética implícita en la dramaturgia y como está presente la poética de la recepción en todo el proceso de la creación. (Cf. TFM J. Antonio Fuentes)

La confluencia de todos los elementos dramáticos y no dramáticos para conferir una dramaturgia visual basada en la honestidad y el compromiso social en la pieza y al proceso creativo.

Prestaremos atención también, según desarrolla J. A. Sánchez en "irrupción de lo real en la escena contemporánea ", en el" campo expandido de la teatralidad, el cruce del teatro con otras disciplinas en las prácticas contemporáneas, la revitalización de lo dramático en ámbitos extra-estéticos y la relación de la creación artística y / o escénica con otras prácticas sociales y políticas. "(Sánchez, 2011, 25)

Precisamente, y a propósito de la anterior citación, insistiremos en la reflexión a propósito de la finalidad, el porqué, el objetivo o la contribución de las artes escénicas en el mundo que nos rodea; así como a propósito del posicionamiento ético, político y social de la cía. a la hora de plantearse la producción artística en general y, escénica en particular. Asimismo, subrayaremos la especial vinculación con los posicionamientos y experiencias más sociales y participativas, mucho más marcada en los últimos trabajos de la compañía.

Práctica escénica colectiva. "El trabajo y el tiempo libre".

Proponemos una práctica escénica colectiva a fin de experimentar de manera condensada el proceso de creación de El pont flotant (puntos 2 y 4); transitar por las diferentes fases expuestas más arriba (punto 3); y reflexionar a propósito de la creación colectiva y sus recursos y herramientas.

Para esta práctica partiremos del tema que encabeza este apartado: "El trabajo y el tiempo libre ", que supondrá el germen que generará propuestas, conceptos, ideas y materiales para ir construyendo la dramaturgia. Como es un tema muy amplio, lo interesante para la compañía será que cuanto más lo personalizamos, mejor. es por ello que planteamos a continuación algunas cuestiones que nos invitarán a la reflexión individual y colectiva y nos proporcionarán un punto de partida de cara la creación de materiales:
Cuestiones muy concretas para reflexionar a propósito del tema:

¿Cuántos trabajos has tenido en tu vida?

¿Cuál fue el primer trabajo que tuviste?

¿Cuál ha sido el último trabajo que has hecho?

¿Son trabajos relacionados con lo que has estudiado?

¿Cuántas horas trabajas al día?

¿Por qué trabajas?

¿Cuál sería tu trabajo ideal?

¿Te visualizas toda la vida haciendo el trabajo que haces hoy día?

¿Cuántas horas libres tienes al día?

¿Qué te gusta hacer en tu tiempo libre?

¿Qué aficiones tienes?

¿Si no tuvieras que preocuparte por el dinero, trabajarías de qué trabajarías o qué harías?

¿Cuántas horas dedican o dedicaban tus padres a trabajar?

¿Y tus abuelos? ¿Cuántas horas pasas o pasabas con ellos?

¿Te gustaría que tus hijos trabajaron igual que tú?

Según Mihaly Csikszentmihalyi, en la vida cotidiana, la mayoría de las personas se dividen en dos grupos: las que están excesivamente preocupadas y las aburridas. Aparte se encuentran las que "fluyen", que no se pueden encuadrar en ningún grupo. ¿A qué grupo piensas que perteneces tú? ¿por qué? ¿A qué personas cercanas conoces pertenecientes a otros grupos?
Webs de artistas y colaboradores de la cía.:

¿Para ti, cuando termina el trabajo y comienza el ocio? ¿Si vas al teatro, por ejemplo, vas porque es tu trabajo o por placer?

¿Te aburres con facilidad? ¿Qué haces cuando te aburres?

¿Cuál ha sido la época más aburrida de tu vida?

Referencias e influencias artísticas y científico- académicas:
Bibliografía:

FERMÍN JIMÉNEZ LANDA, artista plástico que realiza vídeos per a la compañía. http://ferminjimenezlanda.blogspot.com.es

JOSÉ IGNACIO DE JUAN. Fotógrafo. Responsable de la fotografía de los montajes, de las fotos de los carteles y dosieres de la compañía. http://joseignaciodejuan.photoshelter.com/

MARC GONZALO HERRÁIZ. Iluminador. Responsable del diseño de iluminación. https://marcgonzalo.com

PO POY. Responsable de los collages de Exercicis d'amor. http://popoyplon.blogspot.com.es

DANIEL ABREU. Bailarín y coreógrafo. Asesoría de movimiento en Yo de mayor quiero ser Fermín Jiménez, El hijo que quiero tener y Las 7 diferencias. http://danielabreu.com

Otros estudiosos de referencia:

Grotowski, J. (1980). Hacia un teatro pobre. Madrid: Siglo XXI.

Barba, E. (1995). Más allá de las islas flotantes. Madrid: Escenología.

BERNAT, ROGER I DUARTE, IGNACI (Ed) "Querido público. El espectador ante la participación: jugadores, usuarios, prosumers y fans",

Murcia, Centro Párraga, Cendeac y Elèctrica Produccions. Edició virtual: http://www.cendeac.net/admin/agenda/winarcdoc.php?id=145

SÁNCHEZ, JOSÉ ANTONIO (2008). "El teatro en el campo expandido". Macba. Edició virtual: http://www.macba.cat/es/quaderns-portatils-jose-antonio-sanchez

SÁNCHEZ, JOSÉ ANTONIO (Ed) "Cuerpos sobre blanco" Univ. Castilla-La Mancha.

Sánchez, J. A. (2011). Irrupción de lo real en la escena contemporánea. Cuenca: Uña.

José Antonio Sánchez, Óscar Cornago, José Gabriel López

Antuñano, Guillermo Heras, José Luis García Barrientos i José
Artistas y compañías: Teatro/performance
Antonio Hormigón.
Dansa

Rimini Protokoll

Pippo Delbono

Teatro delle Ariette.

Los Torreznos

Juan Domínguez

Rodrigo García

Federico León

Angélica Liddell

Dries Verhoeven

Bibliografía sobre la cía.

Pina Bausch

Peeping Tom

Sasha Waltz

Xavier Le Roy

Dv8 Physical theatre,

Elena Córdoba

Daniel Abreu

Anne Teresa de Keersmaeker

Damián Muñoz

Curriculum Vitae Pont Flotant.

COLLADO, J., MUÑOZ, J., PONS, P. (2005) "El segon cos. El segundo cuerpo". Revista del XVI Festival Internacional de Mim de Sueca" (Sueca. València http://www.mimsueca.com/docs/segon_cos_pont_flotant_esp.pdf (Artículo sobre el trabajo físico del actor a propósito de la dieciseisava edición del Festival Internacional de Mim de Sueca desde la óptica de los inicios del entrenamiento físico de la cía. El pont flotant)

PUCHADES, X. (2006). Nuevas promociones de autores dramáticos en el teatro valenciano (1984-2005). Stichomythia, 4 . (Valencia) ISSN 1579- 7368 http://parnaseo.uv.es/Ars/ESTICOMITIA/Numero4/sticho4/ARTICULOS/xavi/articulofinal2.pdf (Estudio sobre las nuevas generaciones de autores dramáticos valencianos entre los que se incluyen los miembros de la cía. El pont flotant)

COLLADO, J., MUÑOZ, J., PONS, P. (2007) Com a pedres/Como piedras. Ed. Teatres de la Generalitat Valenciana. Col. Premio Max Aub. (Valencia)

(Publicación del texto original de la obra Com a pedres/Como piedras con prólogo sobre la cía. de Jorge Picó Puchades y con anexo de fotografías de la representación). (2007) "Provocar la reflexión".

ARTEZ. Revista de las Artes Escénicas. 128. (Bilbao) http://www.revistadeteatro.com/aldizkaria/artez128/antzerkia/ProvocarReflexion.htm

CANTÓ, A., COLLADO, J., MUÑOZ, J., PONS, P. (2009) "Guió What a wonderful war!" Anexos Stichomythia, 9. (Valencia) ISSN 1579-7368 (Revista de teatro contemporáneo en la que se incluye el guión dramático original completo de la ópera prima de la cía. El pont flotant, What a wonderful war!) (http://parnaseo.uv.es/Ars/Autores/textestico.html) CARMONA PATIÑO, David Humberto. (2011) "El teatro como incubadora, miradas de un teatro. Theatre as an incubator, a pensive look at a theater."

Tesis doctoral. Universidad Rey Juan Carlos de Madrid, maestría en Artes Escénicas. (Madrid) (Texto también publicado en la revista colombiana de las Artes Escénicas, 2011)

CARMONA PATIÑO, David Humberto. (2011) "El teatro como incubadora, miradas de un teatro. Theatre as an incubator, a pensive look at a theater."

Revista Colombiana de las Artes Escénicas, 5. pp.93 - 102 http://200.21.104.25/artescenicas/downloads/artesescenicas5_9.pdf

NIETO, J. (2011) "Despullant-se amb el Pont Flotant" ("Desnudándose con el Pont Flotant"). Ukräina. Laboratorio de anagnórisis teatral. 2. (Valencia) ISSN 2174-7458 http://www.revistaukrania.com/?page_id=53 (Entrevista a Joan Collado, miembro de la cía. El pont flotant, que repasa la trayectoria de la cía. desde sus inicios hasta el 2011. Panorámica general de los elementos dramatúrgicos comunes presentes en los trabajos de El pont flotant)

MOLERO, R. (2012). "Creadores por la identidad". Red escénica. Revista de Artes Escénicas, 17. (Valencia). Ed. Acotaciones en la caja negra. (Entrevista a Joan Collado, cia. El pont flotant)

CANTÓ, A., COLLADO, J., MUÑOZ, J., PONS, P. (2015) Jo de major vull ser Fermín Jiménez/Yo de mayor quiero ser Fermín Jiménez. Ed. El Pont Flotant (València) (Publicación del texto original de la obra Jo de major vull ser Fermín Jiménez/Yo de mayor quiero ser Fermín Jiménez con prólogo sobre la cía. De Xavier Puchades).

Cantó A., Collado J., Muñoz J., Pons P. (2017). El fill que vull tindre/El hijo que quiero tener/The son I wish to have. Ed. El Pont Flotant (València). (Publicación del texto original de la obra El hijo que quiero tener con prólogo de Ramon X. Rosselló).

Collado J., Pons P. (2017, 7 de julio). Las difíciles tres edades del hombre. La Razón. Edición digital.

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Improvisación teatral | Máster en Teatro Aplicado

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El pont flotant Introducción. Evolución y trayectoria de la compañía. Recorrido por los diferentes trabajos de la compañía con el visionado de algunos fragmentos de sus piezas. La creación colectiva en la cía. Pont Flotant. Una de las particularidades de El pont flotant es la colectividad de su trabajo.

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Escuela de teatro del oprimido para jóvenes y adultxs. Formación en técnicas de teatro social para profesionales de la educación.

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Teatro del oprimido | Forn de teatre Pa'tothom

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Forn de teatre Pa'tothom es una entidad que desarrolla diferentes proyectos con el Teatro del Oprimido, por la defensa de los Derechos Humanos y la erradicación de prácticas que generan exclusión social.

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"El psicodrama pone al paciente sobre un escenario, donde puede resolver sus problemas con la ayuda de unos pocos actores terapéuticos. Es tanto un método de diagnóstico como de tratamiento"

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LA DRAMATERAPIA es el empleo del arte dramático creativo para lograr objetivos terapéuticos tales como la sensación de alivio, integración física y emocional, desarrollo de la personalidad. La dramaterapia se sirve del teatro como  instrumento, gracias al cual, podemos acercarnos a los problemas emocionales del paciente/cliente/actor.

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LA DRAMATERAPIA es el empleo del arte dramático creativo para lograr objetivos terapéuticos tales como la sensación de alivio, integración física y emocional, desarrollo de la personalidad. La dramaterapia se sirve del teatro como instrumento, gracias al cual, podemos acercarnos a los problemas emocionales del paciente/cliente/actor.

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Con una extensa carrera en artes escénicas Domingo Ferrandis ha pisado el escenario de teatros de renombre en Europa (Teatro alla Scala, Milán…), América (Whortham Theatre, Houston…), Asia (National Taichung Theater, Taiwán…) etcétera, actuando para compañías de fama internacional como la Fura dels Baus o para directores de prestigio como Jonathan Miller o Paco Azorín.
Leer mas.

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Director, actor y dramaterapeuta pionero, al ser el primer profesional de dramaterapia en España en estar certificado por el NADTA (North American Drama Therapy Association). En 2018 es nombrado parte del comité académico del título de Dramaterapia de la Universidad de Chile.

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Juego de rol Improvisación

Mímica

Habla

Movimiento

Actuar

Uso de accesorios y máscaras

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En formato audiovisual aquí:

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Una de las primeras dudas que nos asaltan cuando estamos programando un curso, es saber la estructura que le damos a este, para poder conseguir los objetivos marcados (por los talleristas o por la entidad).

Hay dos objetivos generales que se suelen repetir en cada planteamiento de un taller: utilizar el teatro para el crecimiento social del grupo y los individuos (deshinibición, escucha, creatividad, conocimiento...) y crear e interpretar una pieza de teatro. Suele suceder, que dependiendo de la entidad nos pidan enfocarnos más en uno que en el otro: generalmente en el segundo. En este caso, hay que defender la importancia del trabajo de grupo, deshinibición, de reflexión (en el caso del Teatro Social) y que la presentación es un porcentaje pequeño del proceso. No obstante, no hay que infravalorar el momento de la presentación, dado que es uno gran motor de estimulo del grupo, de superación y autoestima, sin olvidar que el teatro nació para ser representado.

Entonces, para poder conseguir estos dos objetivos, el mínimo de tiempo que yo considero necesario son 20 horas, a poder ser, repartidas en sesiones de máximo 4 horas y mínimo una hora y media. Un taller ideal con niños y jóvenes es de entre 6 o 9 meses. En este caso hay que calcular muy bien el final de curso y que la presentación no coincida con los exámenes finales y otras presentaciones de los alumnos.

Si hiciéramos un "planing" cronológico de 10 sesiones de dos horas semanales con los objetivos anteriormente marcados, yo recomiendo estructurarlo de la siguiente manera:

Sesiones 1 y 2: Presentación, creación y conocimiento del grupo (juegos dramáticos y teatro imagen.)

Sesiones 3 y 4: Consolidación del grupo, "extracción de intereses" e improvisaciones de temáticas.

Sesiones 5 y 6: Estructuración y creación de la obra.

Guión: con tan pocas sesiones es el coordinador que deberá hacerlo por su cuenta. En un proceso más extenso lo ideal es que sean los alumnos quienes lo hagan. Equilibrar el papel de cada uno/a.

Sesiones 7, 8, 9 y 10: Ensayo de la obra y montaje de escenografía.

Día de presentación. (Este será un tema más adelante.)

Lógicamente esta organización puede variar dado que trabajamos con personas-grupos y hay que tener la capacidad de reinventarse según lo que vayamos "respirando" en el proceso. Pero si que es un modelo que me suele funcionar y que sigue bastante el proceso de los grupos. Más adelante hablaré de los grupos, pero como nota, decir que es importante aprender a ver el grupo como un todo. Es como si se el grupo propiamente se tratara de un individuo con su fluir que pasa por distintas fases de desarrollo, y a la vez está formado de individuos con sus ciclos vitales personales, y por lo tanto, una mirada compleja.

El próximo día comentaré como trabajar el ritmo de una sesión y modelos breves de estas.

Cualquier duda no dudéis en comentarla.

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Una de las primeras dudas que nos asaltan cuando estamos programando un curso, es saber la estructura que le damos a este, para poder conseguir los objetivos marcados (por los talleristas o por la entidad). Hay dos objetivos generales que se suelen repetir en cada planteamiento de un taller: utilizar el teatro para el crecimiento social del grupo y los individuos (deshinibición, escucha, creatividad, conocimiento...)

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Calentamiento: Anima a los demás a realizar ejercicios para romper el hielo.

Dramatización: Núcleo de la sesión.

Eco grupal: Cada participante comparte sus experiencias durante la sesión.

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Vera Lebrón nace en Noviembre de 1973 en la ciudad de Alicante. Se formó en París, en la Escuela Internacional de Teatro Jacques Lecoq. Allí cursó el LEM (Laboratorio para el Estudio del Movimiento) donde relacionaban la plástica, la arquitectura y el movimiento y el curso general de teatro.
Su formación es bastante ecléctica y se ha formado en el método de las acciones físicas desde diferentes metodologías y pedagogos, como Isabel Úbeda, Igor de Quadra y Norman Taylor. En el terreno de la danza su formación proviene del Conservatorio de Danza de Alicante de modo intermitente, y de algunos profesionales en este terreno; Leticia Ñeco, Fructuoso Gil, Marta Climent y Julyen Hamilton. Además, ha colaborado en diferentes cortos alicantinos y ha formado parte del profesorado especializado de la Escuela De Interpretación de Ciudad de la Luz de Alicante.
Actualmente combina su función de dirección y formación de intérpretes junto con la de creadora.
Una muestra de su trabajo aqui:

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Discover Momix

INDULGE IN PHYSICAL BEAUTY

Known internationally for presenting works of astounding inventiveness and physical beauty, MOMIX is a company of dancer-illusionists founded and directed by Moses Pendleton.

Each production focuses not only on the beauty of the human form, but also the beauty of nature, music, scenography, and life itself. MOMIX's productions are carefully crafted to assimilate a multitude of various elements in each and every show.

Pendleton combines his muscularly sculpted dancers with unique costumes and props, sets them amongst artfully created lighting and light effects, and finally completes everything with a personally selected diverse musical score, ranging from Vivaldi to New Age to birdsong...

EXPECT THE UNEXPECTED

MOMIX takes you into a surreal and fantasy world, allowing you to dip your toes into the "stream of unconsciousness" (as Pendleton suggests). Our goal is for audiences to sit back, enjoy the magic, and take in the optical confusion.

Full of surprises, each show features dancers manipulating their bodies and props in unique and astounding ways. While there is no concrete story-line, MOMIX performances evoke through imagery a theater of light and physical bodies.

Whether the concept is nature's wonders in "Botanica", the ancient art of alchemy in "Alchemia", or the creatures of the desert in "Opus Cactus", MOMIX will not fail to surprise, enchant, and astonish.

BRING THE WHOLE FAMILY

MOMIX is perfect for all ages, and for all occasions. Children love the fun and magical props and costumes, parents can appreciate the subtle beauty in the imagery, and young couples can see the romance in a simple duet.

Watching the show alone allows for deep internal reflection, or sharing the experience with a friend can bring discussion and debate about the mysteries and secrets of the show.

There is something for everyone in MOMIX, it's now your turn to discover what's in it for you...

Our Shows

Upcoming Tours

VIVA MOMIX FOREVER returns to Bari for Summer 2018 with a collection of new and...

Celebrating all-time MOMIX favorites at the Joyce Theater this summer! July 24 - August 12...

The 10th annual MOMIX in the Garden will be held in August, 2018 in Connecticut....

See the Full Tour Calendar

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Discover Momix INDULGE IN PHYSICAL BEAUTY Known internationally for presenting works of astounding inventiveness and physical beauty, MOMIX is a company of dancer-illusionists founded and directed by Moses Pendleton. Each production focuses not only on the beauty of the human form, but also the beauty of nature, music, scenography, and life itself.

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En Valencia hay El Marionetari (teatro Buffo)
y Teatro la Estrella

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Haciéndose socio/a de EL MARIONETARI. - Participando en las actividades: espectáculos, confluencias, intercambios, conferencias, experiencias, talleres, etc...

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El psicodrama es una terapia muy eficaz para tratar traumas y bloqueos emocionales, pero también se emplea en casos de depresión y ansiedad.

MundoPsicologos.com

Inventado por Jacob Levy Moreno, reputado psiquiatra rumano fallecido en 1975, el psicodrama es un instrumento sumamente eficaz en psicoterapia para profundizar en el malestar emocional de los sujetos. Entendido por su creador como un método de diagnóstico y también de terapia, es actualmente una herramienta útil tanto en tratamientos individuales como grupales.

Uno de los principales beneficios de este método psicoterapéutico es que se adapta perfectamente a las necesidades y problemas de cada paciente. En palabras de su inventor, el psicodrama representa "el punto decisivo en el paso del tratamiento del individuo aislado hacia el tratamiento del individuo en grupos, del tratamiento del individuo con métodos verbales hacia el tratamiento con métodos de acción".

Al ser un tratamiento personalizado, podemos distinguir varios tipos de psicodrama. De este modo, puede desarrollarse un psicodrama grupal, en el que la representación contará con la colaboración de varias personas; individual, en el que el director del psicodrama centrará su atención en el problema y la representación imaginaria del mismo, o bipersonal, en el que únicamente aparecen el paciente y el psicoterapeuta.

Debido a la singularidad de este tipo de terapia, el profesional que la lleve a cabo debe estar formado en psicoterapia y psicodrama, especialidad reconocida por agrupaciones colegiadas como el Colegio de Psicólogos de Madrid, por ejemplo.
¿Cómo se desarrolla el psicodrama?
La especificidad de este método psicoterapéutico radica en el empleo de elementos de la representación teatral para recrear los problemas e inquietudes emocionales del paciente y reflexionar sobre ellas. Tres son las fases en las que puede articular cada sesión de psicodrama, a saber:

Caldeamiento o calentamiento: Durante esta fase el director del psicodrama realiza una introducción sobre lo que se va a representar, a la par que crea el clima necesario para que la terapia se desarrolle de manera efectiva. Dependiendo de cómo se lleve a cabo esta fase y del papel del sujeto protagonista en ella, podremos distinguir entre caldeamiento grupal o protagonista; este último puede ser, a su vez, específico e inespecífico, en función de cómo se presente el tema de la terapia.

Dramatización: Sería el acto propiamente dicho, la fase en la cual se plantea el problema con la ayuda de los demás personajes, que realizan la correspondiente interpretación. El protagonista representa lo que le ha sucedido, empleando también recursos como los gestos y el propio lenguaje corporal. No se trata de hablar de su problema, sino de representarlo. Para ello, puede elegir hacerlo desde una perspectiva descriptiva, demostrativa, expresiva, etc.

Comentarios o eco grupal: Es quizá esta fase la de mayor trascendencia, ya que en ella el protagonista explica cómo se ha sentido y escucha los distintos puntos de vista de sus compañeros, tanto de los personajes que han representado con él la escena como de los que la han visto como simples espectadores.

Dependiendo del tipo de paciente, el psicodrama empleará unos recursos u otros. Por ejemplo, en el caso de psicodramas infantiles, el director puede hacer uso de marionetas, títeres, disfraces, animales, fábulas, etc. En el caso de los adultos, las técnicas más empleadas son el soliloquio, el intercambio de roles y el espejo, en el que el paciente se ve representado por otro protagonista.
Beneficios del psicodrama: ¿En qué casos funciona?
El psicodrama le ofrece al paciente la oportunidad de reflexionar sobre su problema y de explorar sus causas. El sujeto se convierte en una parte activa del tratamiento, ya que es plenamente consciente de su trastorno y participa en su análisis y solución.

Además, el lenguaje corporal y los gestos que emplea el protagonista durante la dramatización son analizados por el director, que los incorpora a la terapia para que ésta resulte más efectiva.

El psicodrama es una terapia que puede emplearse para tratar distintos problemas emocionales, como ansiedad, depresión, baja autoestima, problemas de timidez, etc. Igualmente es útil para personas con trastorno del sueño o pacientes con trastornos obsesivos compulsivos.

También funciona muy bien para sujetos que tengan trastorno de personalidad o con problemas psicóticos. Pero es especialmente efectivo en personas que sufren estrés postraumático, bloqueos emocionales, represión, traumas...

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Psicodrama: qué es y qué beneficios tiene - MundoPsicologos.com

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El psicodrama es una terapia muy eficaz para tratar traumas y bloqueos emocionales, pero también se emplea en casos de depresión y ansiedad. MundoPsicologos.com Inventado por Jacob Levy Moreno, reputado psiquiatra rumano fallecido en 1975, el psicodrama es un instrumento sumamente eficaz en psicoterapia para profundizar en el malestar emocional de los sujetos.

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Inicio | Escuela de Clown Hij@s de Augusto | Haz el Clown y No la Guerra

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Escuela de Clown Hij@s de Augusto nació en 2002 con el propósito de contribuir al crecimiento de la presencia del la figura del clown y lo que representa en nuestra sociedad. Nuestro principal objetivo es acercar el espíritu payaso al mayor número de personas posible para que luego cada cual lo utilice como desee.

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Dice un refrán muy popular que "Detrás de un gran hombre, siempre hay una gran mujer". Pero, ¿por qué situar a la mujer siempre detrás, apoyando al personaje masculino? Nos hemos sumergido en la historia del teatro universal para sacar a la superficie a todas esas mujeres que han dado la cara. Medea, Nora, Julieta... Un bombón de papeles que a cualquier actriz le gustaría interpretar (por algo son los escogidos por las divas).
He aquí nuestra selección de algunos de los más grandes personajes femeninos del teatro universal:
1. Medea (Medea, Eurípides, 431 a.C.)

Medea es una mujer orgullosa, perdidamente enamorada de su marido Jasón. Cuando este la traiciona para casarse con la hija del rey de Corinto, Medea regala a su prometida una corona de oro y una túnica envenenadas que acaban con su vida.

Pero Eurípides no retrata sin más a una asesina enfurecida por los celos. La psicología de la protagonista cobra (por primera vez en la historia del teatro) más importancia que sus acciones en sí. Su conflicto trágico se divide entre su amor propio y el amor a sus hijos... Y por mucho que el coro aconseje a Medea que siga la tradición (ten paciencia, sufre, aguanta), esta termina por matar a sus propios niños como castigo a sus enemigos.

Los críticos teatrales acusan al autor griego de misoginia, y le reprochan que pusiera las malas acciones en manos de personajes femeninos. Sin embargo, Eurípides fue el primero en elevar a la mujer en una tragedia griega desde la categoría de arquetipo a la de persona, capaz tanto de hacer el bien como de hacer el mal.

2. Celestina (La Celestina, Fernando de Rojas, 1499)

Si bien Celestina no daba nombre a la obra original ( Tragicomedia de Calisto y Melibea), su relevancia en la obra es tal, que acabó por darle título.

El personaje es lo opuesto a los personajes idealizados de la época medieval: frente a la mujer angelical y pasiva, Celestina es una sabia y avariciosa hechicera, con iniciativa y simbologías demoníacas (como la barba y la cicatriz que cubre su rostro). Capaz de manipular a cuantos la rodean, Celestina es conocida y necesitada en la ciudad, ya que representa el placer que todos desean, pero que no siempre pueden conseguir abiertamente.

3. Julieta (Romeo y Julieta, Shakespeare, 1595)

Aunque la historia trágica de los amantes de Verona ya circulaba décadas antes de que Shakespeare la versionara, fue el autor isabelino quien consiguió sacarle mayor partido, sobre todo por la transformación que sufren sus personajes.

Julieta es una adolescente a punto de cumplir catorce años, la niña mimada de su casa, educada para convertirse en una dama de la época. Sin embargo, Romeo se cruza en su camino, y Julieta se transforma completamente cuando se enamora de él. Se vuelve de pronto adulta, capaz de enfrentarse con inteligencia a problemas de los que nunca ha querido saber nada (como el enfrentamiento de su familia, los Capuleto, con la familia de los Montesco, a la que pertenece Romeo), y buscarles una solución.

Desafortunadamente, el idealismo juvenil choca con el mundo real, y el plan trazado acaba en tragedia: Romeo cree que su amada está realmente muerta, y se quita la vida justo antes de que despierte Julieta, que prefiere clavarse un puñal en el pecho antes que vivir sin él.

4. Lady Macbeth (Macbeth, Shakespeare, 1606)

Repetimos autor, porque el personaje lo merece. A menudo se considera a Lady Macbeth una representación del conflicto entre los rasgos culturalmente asociados a lo femenino (el instinto maternal, la compasión y la fragilidad, características que ella trata de reprimir), y los valorados como masculinos (la ambición, la crueldad y el ansia de poder, todas ellas cualidades que se dan en el personaje).

Pero Lady Macbeth es un personaje mucho más complejo psicológicamente que la etiqueta "encarnación del mal" que a veces se le endosa, y es por eso que resulta tan atractivo para actrices de la talla de Judi Dench, Helen Mirren o, próximamente, Marion Cotillard. La escena en que una sonámbula Lady Macbeth, atormentada por la culpabilidad, confiesa los asesinatos a su médico justo antes de suicidarse, es una de las más reconocidas de toda la obra shakesperiana.

5. Laurencia (Fuente Ovejuna, Lope de Vega, 1612-1614)

Casi todos los personajes de las obras del Siglo de Oro están tipificados (el galán, la dama, etc.), pero Lope de Vega se tomó licencias en algunos casos, como el de Laurencia, que adopta el rol que típicamente se otorgaba a los hombres.

El personaje de Laurencia es el de una mujer con mucho sentido común y los pies en la tierra, fuerte y autosuficiente, que responde a los ataques con ataques. Cuando el Comendador se aprovecha del pueblo de Fuente Ovejuna y abusa de sus jóvenes (entre ellas, Laurencia), esta no duda en enfrentarse a su padre y a los hombres del pueblo para recriminarles su cobardía y su falta de honra. Gracias a ese discurso el pueblo se une en contra del Comendador.

6. Fedra (Fedra, Racine, 1677)

Se suele juzgar a las actrices francesas según la calidad de sus Fedras, tal es la dificultad e importancia de este personaje.

La historia se centra en la pasión de Fedra, mujer de Teseo, por su hijastro Hipólito. Y aunque desde el principio ella intente olvidarse de él y se debata entre el deseo y la moralidad, está destinada a la fatalidad, y arrastra a Hipólito con ella.

7. Doña Inés (Don Juan Tenorio, José Zorrilla, 1844)

Por mucho que Albert Boadella piense que Don Juan no ligaría en el Siglo XXI, lo cierto es que más de una y más de dos mujeres se siguen derritiendo al leer los versos que Zorrilla pone en nombre de su protagonista.

¡No nos extraña que Doña Inés, la novicia que nunca había salido del convento, cayera también rendida a los pies de Don Juan! Doña Inés es la heroína de la obra y representa todos los cánones (físicos y emocionales) de la época, de fuerte influencia cristiana: la inocencia, la pureza y la espiritualidad son sus características principales, y gracias a ella Don Juan Tenorio se salva de la condena en el infierno.

8. Nora (Casa de muñecas, Henrik Ibsen, 1879)

El portazo final de Nora es posiblemente el más famoso de la historia del teatro universal. Con él, la protagonista de Casa de muñecas se despide de una familia a la que siempre ha estado supeditada, y por la que se ha sacrificado hasta el punto de olvidarse de sí misma. Nora decide que aún puede salvarse de la desesperación si conserva su libertad, y se marcha, enarbolando así los principios del feminismo y de la liberación de la mujer.

Tanto revuelo causó la obra en su estreno, que en las invitaciones y tarjetas de visita ¡se pedía que no se hablase de Nora para evitar debates que podían incendiarse más de la cuenta!

9. Nina (La gaviota, Anton Chéjov, 1896)

La gaviota se convirtió (bajo la dirección de Stanislavsky) en el símbolo del teatro ruso moderno, y Nina, su protagonista, en el papel ansiado por todas las actrices.

Ella es una joven aspirante a actriz que sueña con las altas esferas y admira a la gente importante. Su pasión e ímpetu son el símbolo de las nuevas generaciones que estaban a punto de hacer estallar la Revolución Rusa. Sin embargo, al igual que la gaviota que fusila el personaje de Tréplev, Nina acaba cayendo, es abandonada por Trigorín, y vive penurias muy alejadas de sus sueños de grandeza.

10. Bernarda Alba (La casa de Bernarda Alba, Federico García Lorca, 1936)

Como el dios mitológico Cronos, que se comía a sus hijos, Bernarda asfixia a sus hijas en un espacio hermético y claustrofóbico regido por el "silencio" (palabra con que comienza y termina La casa de Bernarda Alba).

Bernarda Alba considera que su verdad es la única y trata de imponer orden a sus cinco hijas, condenadas al luto tras la muerte de su padre. Por debajo de su preocupación por el qué dirán subyace un instinto de poder que pretende ser absoluto; de hecho, a Bernarda se la identifica comúnmente con los movimientos fascistas que estaban surgiendo en Europa cuando García Lorca escribió la obra.

Su autoritarismo acabará volviéndola ciega ante la realidad. Aunque se dé cuenta del error que ha cometido cuando Adela, su hija menor, se suicida, no es capaz de admitirlo y vuelve a ordenar silencio.

11. Anna Fierling (Madre Coraje y sus hijos, Bertolt Brecht, 1939)

Durante la Guerra de los 30 años, Anna Fierling ha conseguido hacer de la guerra su manera de ganarse la vida, sorteando a católicos y protestantes, y diciéndole a cada uno lo que quiere oír para su propio beneficio. Todo ello le ha valido el sobrenombre de Madre Coraje.

Se dice que Meryl Streep ha hecho la mejor interpretación hasta la fecha de este personaje, el de una mujer que antepone su supervivencia y la de sus hijos a cualquier ideología política. Pero la guerra le quita también, por un motivo u otro, a sus tres hijos, que suponen su máximo orgullo.

12. Blanche Dubois (Un tranvía llamado Deseo, Tennessee Williams, 1947)

La obra presenta un choque de trenes entre dos personajes que se ven llevados al límite, al cuestionarse mutuamente. Por un lado, Stanley, un hombre primitivo, dominador y violento; por el otro, Blanche, la cuñada de Stanley, y la única capaz de rebelarse ante él.

Blanche Dubois, el papel que le valió un Oscar a Vivien Leigh, es una mujer soñadora, pero vencida por la vida. No ha llegado a conseguir el sueño americano que buscaba, y la frustración la ha convertido en una mujer excéntrica y neurótica, que trata de ocultar su pasado y de mantener una reputación de sofisticación que se cae a pedazos, igual que su ilusión por encontrar el amor.

¿Cuál es vuestro favorito entre estos personajes femeninos? ¿Qué otros personajes femeninos echáis en falta en esta lista?

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12 grandes personajes femeninos del teatro universal

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Dice un refrán muy popular que "Detrás de un gran hombre, siempre hay una gran mujer". Pero, ¿por qué situar a la mujer siempre detrás, apoyando al personaje masculino? Nos hemos sumergido en la historia del teatro universal para sacar a la superficie a todas esas mujeres que han dado la cara.

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Mr. Gaga Official Trailer 1 (2017) - Documentary

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'No hay papeles pequeños, solo actores mediocres'. La frase se atribuye al maestro de la interpretación Konstantin Stanislavsky. Y aunque no pretendemos ir en contra de este mandamiento actoral, parece que hay roles que están destinados a los grandes intérpretes. Entre la tragedia griega y el siglo XXI hemos seleccionado los 12 grandes personajes masculinos del teatro universal que probablemente estén entre los más codiciados por un buen actor.

1. Edipo (Edipo Rey, Sófocles, 430 a.C)

Es tal la fama de Edipo que incluso en psicología hay un síndrome específico para él. La tragedia de este rey que, sin saberlo, asesinó a su padre y se casó con su madre, está considerada como la obra maestra del teatro de todos los tiempos.

Sófocles describió en este personaje a un político comprometido y compasivo, que sufre por el pueblo que gobierna. Pero el dramaturgo nos lleva también al interior de la conciencia de Edipo, a su culpabilidad y a su ansia de conocer la verdad. Si os gusta un buen conflicto interno, ¡este es un buen papel!

2. Hamlet (Hamlet, William Shakespeare, 1601)

Con un dilema similar al de Edipo, el héroe de Shakespeare es todo un mito dramático, que ha sido interpretado por los más grandes actores británicos: John Guielgud, Laurence Olivier, o más recientemente, el protagonista de la serie Sherlock, David Cumberbatch. En España tampoco nos hemos quedado cortos de Hamlets, y podemos presumir de las interpretaciones de Adolfo Marsillach, José Luis Gómez o Israel Elejalde.

Irónico y reflexivo, el personaje de Hamlet no encaja dentro de los personajes masculinos del teatro que típicamente son héroes: no es un guerrero (aunque es bueno con la espada) ni es un amante romántico como pudiera serlo Romeo (aunque conquista a Ofelia). Es un hombre de auténtico porte renacentista, que tiene que seguir su deber (vengar a su padre) por encima de sus deseos.

Los monólogos que muestran los atormentados pensamientos íntimos de Hamlet son una prueba de la complejidad de este personaje, que tiene casi infinitas maneras de interpretarlo.

3. Segismundo (La vida es sueño, Pedro Calderón de la Barca, 1635)

Segismundo es un personaje complejo y contradictorio. Sin saber quiénes son sus padres, ni cuál es el motivo por el que está encarcelado, llega a pensar que su único delito es 'haber nacido'.

Mediante este personaje, Calderón de la Barca trataba un tema muy de la época: ¿Existe un futuro determinado escrito para cada uno de nosotros? ¿Puede triunfar la libertad sobre el destino?

Y por si la filosofía de la obra no fuese suficientemente atractiva para cualquier actor, los soliloquios de Segismundo son algunos de los textos más bellos que tienen los personajes masculinos del teatro del Siglo de Oro... No nos extraña que las actrices también quieran interpretarlo, como hizo la portentosa Blanca Portillo.

4. Tartufo (Tartufo o el impostor, Jean-Baptiste Poquelin, Molière, 1664)

Llegamos, por fin a los personajes masculinos del teatro cómico. Molière describió con tanta precisión el personaje de Tartufo, que está incluido en la Real Academia de la Lengua para definir a un hipócrita.

En Tartufo se ataca a los devotos, un grupo muy influyente de la sociedad francesa del Rey Sol (Luis XIV); no a los sinceramente religiosos, sino a aquellos que se aprovechaban de su posición para manipular a los hombres.

Lo más divertido para un actor que interprete a Tartufo es la libertad expresiva que Molière le concede. Del propio dramaturgo y actor decían en su época que en el escenario "echaba espuma, hacía muecas, se contorsionaba, movía con furia todos los burlescos resortes de su cuerpo y hacía temblar sus párpados y sus ojos redondos". En definitiva, una caricatura.

5. Mefistófeles (Fausto, Johann Wolfgang von Goethe, 1808)

Si bien el protagonista de la obra es el propio Fausto, que vende su alma al diablo a cambio de que sea este quien le sirva en vida, el personaje de Mefistófeles resulta a menudo más atrayente para los actores. ¿Por qué? Suponemos que, en primer lugar, por el morbo de interpretar al diablo... Pero también porque el Mefistófeles de Goethe aparece representado como un caballero elegante, orgulloso, desconfiado pero seductor... Un auténtico Don Juan de los infiernos.

6. Don Juan (Don Juan Tenorio, José Zorrilla, 1844)

El que se libra del infierno es Don Juan Tenorio. Aunque Zorrilla acabó renegando de su obra, es posiblemente la más representada del teatro español, especialmente cada 1 de noviembre, desafiando la invasión de Halloween.

Tenorio es el héroe del romanticismo por excelencia, un burlador que consigue redimir sus pecados gracias al amor de Doña Inés.

7. Thomas Stockmann (Un enemigo del pueblo, Henrik Ibsen, 1883)

El doctor Thomas Stockmann vive con su familia en una ciudad que obtiene sus riquezas de un balneario. Cuando descubre un foco de infección en las aguas, entra en conflicto con el alcalde (su propio hermano), que no quiere gastar dinero en la reparación y prefiere mentir al pueblo y ocultarlo.

A partir de este argumento Ibsen volvió a adelantarse a su tiempo con una obra que no ha perdido un ápice de vigencia en el siglo y medio que ha pasado. El Dr. Stockmann es un hombre de ciencia, honrado, que lucha por lo que cree justo y por sus ideales, pero que tiene que enfrentarse a la hipocresía de la sociedad en la que vive.

8. Trigorin (La gaviota, Anton Chéjov, 1895)
La gaviota presenta un elenco de roles diversos y complejos, dentro del cual el de Trigorin se considera uno de los más importantes personajes masculinos del teatro.
Escritor de un relativo éxito, Trigorin no llega a la excelencia de Tolstoi (con quien se compara casi de forma obsesiva) y no consigue ser feliz, destruyendo a su paso la candidez de Nina. Pero como ocurre en todas las obras de Chéjov, lo importante no es lo que Trigorin hace, sino su subtexto. En palabras del propio Chéjov, cuando le acusaban de que en sus escenas 'no ocurría nada': "los hombres comen, duermen, fuman y dicen banalidades, y sin embargo se destruyen".

9. Max Estrella (Luces de Bohemia, Ramón María del Valle-Inclán, 1920)

La noche de Max Estrella se sigue celebrando cada año en Madrid, para recorrer las calles que el poeta y su acompañante, Don Latino de Híspalis, visitan en Luces de Bohemia.

Sirva esto como demostración de la importancia de Max Estrella dentro de los personajes masculinos del teatro universal, aunque tenemos que reconocer que Valle-Inclán no lo puso fácil a las compañías que quisieran representar esta obra: ¡hacen falta nueve localizaciones distintas!

Héroe y antihéroe al mismo tiempo, Max Estrella está basado en la figura del poeta sevillano Alejandro Sawa, que murió, ciego y loco, en Madrid en 1909, dentro de la más escalofriante pobreza. Sin embargo, sus pensamientos e ideales reflejan los del propio Valle-Inclán, convirtiéndose así en el alter ego del dramaturgo. Y ¿qué actor español rechazaría interpretar a un personaje de Valle-Inclán?

10. Leonardo (Bodas de sangre, Federico García Lorca, 1931)

Insconciente y apasionado, profundamente enamorado de una mujer que no le conviene, Leonardo es el único personaje de Bodas de sangre que tiene nombre propio.

Podríamos decir que esta es la primera seña de la importancia del personaje, no solo por su papel en la trama -es por él por lo que las bodas acaban de manera trágica- sino también porque Lorca pudo salirse de los límites de un rol estereotipado y darle un desarrollo al personaje mucho más amplio.

11. John Proctor (Las brujas de Salem, Arthur Miller, 1952)

De nuevo nos enfrentamos a un personaje recto, con unos principios e ideales muy claros... Y de nuevo su final no es el más alegre. La obra que le valió a Miller un Premio Tony en 1953 se centra en los hechos históricos de la 'caza de brujas' de 1692 en Salem, una aldea de religiosos protestantes venidos de Centroeuropa.

John Proctor es un granjero acusado de brujería por Abigail, una chica con la que ha mantenido una relación fuera de su matrimonio. Proctor se siente terriblemente culpable por ello, y aunque tanto él como el público saben que se trata de una venganza personal de la chica, los jueces le presionan para que confiese públicamente que ve al demonio. Pero John Proctor decide no faltar ni a la verdad ni a su honor, lo que acaba con su ahorcamiento y el de su esposa.
Sin duda se trata de un personaje difícil de interpretar, que supuso un reto para un jovencísimo Sean Connery.
12. Richard Roma (Glengarry Glen Ross, David Mamet, 1983)

El listón de personajes masculinos del teatro contemporáneo también está quedando bien alto. Un ejemplo de ello es el rol de Richard Roma (Ricky, para los amigos), el agente inmobiliario sin escrúpulos que David Mamet incluyó en Glengarry Glen Ross, obra por la que ganó el Premio Pulitzer en 1984.

El principal interés de Roma es cerrar ventas, por encima de la moral o los principios, y ve estos éxitos como una muestra de su hombría. Sin embargo, incluso el despiadado Ricky tiene su corazoncito...

El personaje ha sido interpretado por actores como Jack Shepherd (en el estreno de la obra en Reino Unido), Joe Mantegna en EEUU, o Al Pacino en la versión cinematográfica de la obra. El papel les valió un premio Tony a Mantegna; el Laurence Olivier a mejor actor para Jack Shepherd; y una nominación al Globo de Oro, que se le escapó de las manos a Al Pacino.

El palmarés de muchos buenos actores ha aumentado gracias a estos 12 personajes masculinos del teatro universal.¿Echáis de menos algún otro?

Fotos: Ilustraciones de Maurice Sand /Joan Rodon / RAE / L. Miguel Bugallo Sánchez / Lee Emmons /

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12 grandes personajes masculinos del teatro universal

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'No hay papeles pequeños, solo actores mediocres'. La frase se atribuye al maestro de la interpretación Konstantin Stanislavsky. Y aunque no pretendemos ir en contra de este mandamiento actoral, parece que hay roles que están destinados a los grandes intérpretes.

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Recursos para crear talleres de teatro en escuelas e institutos.

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La Ópera, un Vehículo de Aprendizaje (LÓVA) es un proyecto que realizan tutoras/tutores en su aula durante un curso escolar completo. Convierten su clase en una compañía de ópera que crea, desde cero, una ópera o breve pieza de teatro musical. Los niños y niñas de la compañía, organizados en equipos como profesionales, escriben el libreto, diseñan la escenografía, componen la música, confeccionan el vestuario, realizan la campaña de prensa, recaudan fondos, fabrican la utilería, crean la iluminación, etc. El objetivo de LÓVA coincide plenamente con los objetivos educativos del aula: desarrollo cognitivo, social y emocional de niños y niñas. Principalmente experimentado en primaria, ha habido docentes que lo han adaptado con éxito a otros contextos y etapas educativas.

El objetivo de los docentes que llevan LÓVA al aula es educar a través de la creación de una ópera. La ópera es el gran referente integrador de numerosas disciplinas y a la vez la metáfora del gran reto que los alumnos van a superar juntos. La pieza final y su estreno no es el objetivo del proyecto, sino una parte importante del mismo. Nos gusta decir que el espectáculo está en el aula. La obra creada íntegramente por los alumnos suele tener una duración de media hora y contar con algunas canciones y momentos musicales intercalados en la acción teatral. Durante las representaciones, los alumnos son los únicos responsables del espectáculo y los adultos (profesores y otros colaboradores) se sientan entre el público. La función corre enteramente a cargo de la compañía.

Hay tantas formas de plantear LÓVA como centros, maestras y maestros. Gracias a la visión de numerosos docentes LÓVA se ha adaptado a educación especial, infantil, secundaria, bachillerato, cárceles, escuelas de música y otros contextos. Lo que aquí se ofrece debe interpretarse, por tanto, como meras recomendaciones, y procede principalmente del trabajo realizado en el Colegio Público El Quijote, de Madrid.

1. La formación de una compañía de ópera
En esta primera fase sentamos las bases necesarias para acometer una tarea compleja, crear nuestra propia ópera, e implicar a los alumnos como protagonistas del proceso. Averiguamos qué es una ópera y qué se necesita para poder crearla. Se parte de lo que los alumnos saben. Se les pide que pregunten, investiguen y nos cuenten qué es una ópera.

1.1 ¿Qué necesitamos para hacer una ópera?
Los alumnos hacen listas de lo necesario separando los oficios, los objetos y las actitudes. Con lo que todos los grupos realizan hacemos un mural y una hoja que recoge lo que todos los grupos han dicho. Vemos la preparación de la ópera Madame Butterfly en un vídeo, escuchamos fragmentos de ópera y aprendemos canciones para cantarlas en grupo.

1.2 Nos preparamos para formar una compañía y acometer el reto de crear nuestra ópera: los retos
Nos entrenamos con pequeños retos que nos den las claves para afrontar un reto mayor. Los retos son juegos cooperativos cargados de metáforas que nos hacen vernos de manera individual y también como equipo. Estos son algunos:

Se le da a cada alumno una pieza de un puzzle. En cada pieza escriben al menos dos cosas que ellos piensan que saben hacer muy bien. Después, entre todos deben hacer el puzzle. Reto del puzzle

Después de escribir lo que mejor sabe hacer cada uno, comienzan a hacer el puzzle. A la hora de organizarse empiezan a hacer grupos tratando de unir las piezas que tienen.

Al hacer los retos solemos preguntar: ¿qué ha ocurrido?, ¿cómo me he sentido?, ¿qué me ha pasado durante el reto?

Reto de las sillas
Este reto consiste en cruzar un río imaginario, ayudados por 14 sillas para 27 personas, que son nuestro puente y nuestro suelo. Se elabora un cartel en el que se refleja lo que aprendemos en los retos. De esta manera lo tendremos presente a lo largo del proceso.

Reto de la alfombra mágica
El grupo completo está volando sobre una alfombra, pero la alfombra está sucia. El otro lado está limpio y el reto consiste en darle la vuelta a la alfombra sin que nadie ponga un pie fuera de esta, ya que se caería y necesitamos encontrar la forma de llegar todos a salvo.

Reto de la cuerda
El grupo completo debe pasar por encima de una cuerda que se coloca aproximadamente a la altura del pecho de los niños. No se puede tocar la cuerda.

1.3 Buscamos un nombre para nuestra compañía
El nombre debe contener ideas-fuerza y un significado profundo para los niños. Debe huirse de nombres fáciles o influidos por ideas predominantes como ser famosos, etc.

1.4 Creamos un logotipo para la compañía
Hay que saber primero qué valores distinguen a nuestra compañía y con qué ideas queremos que nos identifiquen. Descubrimos con nuestros alumnos tres ideas claves para la creación del logo: resaltar, simplificar, significar.

1.5 Informamos a las familias
Los niños escriben una convocatoria de reunión a sus padres, de parte de los profesores, para decirles que van a hacer una ópera. La reunión se celebra con todas las familias. Explicamos el proyecto. Se habla extensamente del mismo. Surgen adhesiones entusiastas junto a naturales recelos. Se invita a observar y colaborar activamente.

1.6 Creamos metáforas
Las metáforas forman parte de nuestro aprendizaje reflexivo, de nuestro asalto al significado profundo de las cosas, de nuestro afán por no contentarnos con explicaciones fáciles o respuestas superficiales.

Cantamos al comienzo de nuestras sesiones una canción de pescadores del Congo que se titula Olelé y dice: "La corriente es muy fuerte ¡Remad, remad! Esforzarnos es la consigna para superar los retos y, el mayor de todos, pescar el pez más grande.

Juegos de energía: ¡ZIP!, el juego de pasarnos la energía en el círculo, es más que un juego, porque constatamos su eficacia inmediata.

Creamos la figura del "remero mayor". Cada día es uno el que dirige a la Compañía y comienza las reuniones portando un auténtico remo. Da la palabra a quien quiere hablar, organiza al grupo y escribe "El Cuaderno de Bitácora". En él se refleja todo lo que ha sucedido en el día

1.7 Conocemos las profesiones de una compañía de ópera
Con las visitas de expertos en los diferentes profesiones, (maquilladores, modistas, músicos, electricistas, cantantes, escritores), se presentan a los niños las distintas profesiones que integran una compañía de ópera. Se insiste especialmente en que todas tienen la misma importancia y son igualmente necesarias.

1.8 Se solicitan y asignan los puestos de trabajo
Los alumnos esperan ansiosos este día. Quieren expresar por fin sus preferencias y conseguir un trabajo en la compañía. Elaboramos una Hoja de Solicitud de Trabajo. En ella deben optar por tres de las nueve profesiones ofertadas. No bastaba con nombrar sus preferencias sino que tienen que argumentar sus opciones y convencernos a los profesores de que son idóneos para desempeñar esos trabajos.

El día de asignación de trabajos es un día especialmente importante y así lo hemos querido resaltar. Hemos invitado al Director General del Teatro Real, que ha asistido al acto. Es toda una ceremonia.

Después anunciamos a cada niño o niña su profesión en la Compañía de Ópera Río de Estrellas y le damos un regalo representativo de su oficio.

Todos reciben claramente emocionados su asignación, escuchan las palabras de felicitación de Miguel Muñiz, y dejan constancia escrita de sus impresiones.

1.9 Descubrimos las habilidades necesarias de cada trabajo, ejercitamos, conocemos las técnicas y manipulamos medios e instrumentos.

2. El tema de nuestra ópera
El tema y la tesis de la ópera sintetizan lo que los niños y niñas, como compañía, quieren decir a los espectadores, el mensaje que quieren lanzar al mundo.

Pedimos a los niños que traigan a clase un objeto que sea o simbolice algo muy importante para ellos. Alumnos y profesores presentan sus objetos y explican por qué son importantes para ellos. Se ve cómo no son válidas las explicaciones superficiales:"porque sí", "porque me gusta" y se enseña a indagar en los "porqués" profundos. Afloran emociones, sentimientos y razones de peso.

Se hace una lista con los temas que realmente interesan a los niños y en la argumentación y discusión se van seleccionando unos y descartando otros. Finalmente el mayor consenso está en temas muy relacionados en los que los propios niños son el centro.

3. La situación en la que transcurre la acción
Una vez elegido el tema tenemos que concretar en qué lugar y en qué situación sucederán los hechos.
Recogemos en un libro todas las ideas, hipótesis, descripciones, anécdotas, creaciones literarias, que vamos acumulando durante el curso, incluyendo, claro está, el libreto y la partitura de la ópera.
Haremos una exposición con todas las producciones plásticas y visuales en las que hemos ido reflejando las imágenes, sentimientos e ideas suscitadas en el desarrollo del proyecto.
Hacemos una fiesta de fin de proyecto con participación de las familias
Representamos nuestra ópera
Reflexionamos sobre nuestro proyecto haciendo una evaluación.

4. Definimos los personajes
Entre toda la clase definimos los personajes. Les damos nombres de letras o números para así no influenciarnos por el género que puedan tener. Seleccionamos cinco cualidades para cada personaje y decidimos cuál será la característica dominante de cada uno.
Vemos cuáles son las relaciones que se pueden establecer entre ellos.
Descubrimos los posibles conflictos. Esto nos ayudará a crear el libreto.
Entonces inventamos la historia de nuestra ópera a partir de un lugar, una noticia, un objeto, una palabra, un verso, una melodía... etc.

5. Entre todos hacemos las líneas básicas del argumento, teniendo en cuenta el tema, el lugar, los personajes, sus relaciones y los posibles conflictos. Este será el material con el que los escritores trabajarán para crear el libreto de la ópera.

6. Talleres
Practicamos las habilidades propias de cada profesión un día a la semana. Cada equipo de trabajo se reúne con un adulto que colabora en el proyecto y practica habilidades diversas. Más tarde los talleres se harán tres tardes a la semana, dejando un día de reunión para todo el grupo.

En cada sesión de talleres el remero mayor abre la sesión, se lee el cuaderno de bitácora y el director de producción pregunta si hay alguna necesidad en algún equipo. Repasa las tareas que cada uno debe hacer y todos nos ponemos en marcha. Al final de los talleres nos juntamos quince minutos para decir cómo hemos trabajado y qué hemos hecho.

Los escritores redactan los diálogos y las letras de las canciones.

Los compositores componen la música del tema, buscan motivos para los personajes, la obertura...

Los relaciones públicas preparan las noticias para el público, carteles para la exposición donde se contará el proceso, manda e-mails, prepara las invitaciones y el programa de mano.

Los intérpretes trabajan con la voz y el cuerpo, crean su personaje y aprenden los diálogos según van haciéndose.

Los escenógrafos y utileros estudian los posibles decorados seleccionando fotografías que les ayudarán a preparar los decorados.

Los técnicos estudian y preparan la iluminación y el sonido, hacen focos de suelo, calculan el cable necesario midiendo el lugar de la actuación, manejan el cañón de luz, señalan en el libreto sus movimientos...

Vestuario y maquillaje estudia los caracteres de los personajes y confecciona el vestuario. Hacen diseños, miden a los intérpretes, hacen un patrón preparan el vestuario para coserlo a la máquina y ensayan el maquillaje.

El regidor trabaja con los intérpretes.

El director de producción supervisa y controla la actividad de toda la compañía y se encarga de realizar el discurso que abre y cierra la actuación.A lo largo de este proceso vamos recogiendo valoraciones de los niños y niñas, sus frustraciones, resolviendo conflictos, ganando en responsabilidad y buen hacer.

Los ensayos son un trabajo de ensamblaje en el que todo adquiere sentido. Es el puzzle en el que cada cual ha aportado lo que mejor sabe hacer.

El sábado antes de la semana de las actuaciones hacemos una jornada de trabajo intensiva, ya que quedamos todos, niños y niñas, familias y profesores para hacer los últimos preparativos y a la vez aprovechar para comer todos juntos y hacer de este sábado un día de colaboración y fiesta.

Hacemos una representación para otros niños y niñas del colegio que nos sirve de ensayo general. El día siguiente es gran día de estreno. Después hacemos tres actuaciones más para dar opción a todos los posibles espectadores.

Después de cada representación hacemos una evaluación y ajustamos la actuación de las diferentes profesiones para poder mejorar en la siguiente representación.

Es el momento de dar a conocer todo lo que hemos trabajado y lanzar nuestro mensaje.

8. La exposición
La exposición sobre el proceso también ha quedado terminada y cuando acuden los espectadores el equipo de relaciones públicas explica los paneles y muestra los dossiers realizados a lo largo del curso.

La exposición encaja en nuestra pretensión de que los alumnos recojan el proceso vivido. Elaborar una exposición implica expresarse y mejorar, por tanto, la expresión de todos los lenguajes implicados en el aprendizaje. Realizar una exposición es necesario para informar a la comunidad educativa al completo de todas las tareas realizadas para hacer la ópera. Los alumnos desarrollarán la expresión lingüística, matemática, artística...

Qué es una compañía, qué es una ópera, qué necesitamos para hacer una compañía de ópera,

Elegimos un nombre, investigamos sobre él y la ópera,

Diseñamos un logotipo que nos represente,

Conocemos y elegimos trabajos, aprendemos con ayuda capacidades para nuestro trabajo.

Decidimos un tema para nuestra obra y una tesis, nuestro mensaje al mundo

Definimos los personajes y la relación que les une,

Elaboramos una situación en la que podamos desarrollar nuestro tema,

Elegimos un lugar.

Diseñamos la imagen de los personajes y el decorado,

Escribimos la historia y los diálogos,

Anunciamos nuestros avances con carteles,

Escribimos noticias para contar lo que hacemos en la compañía,

Documentamos todo el proceso seguido.

Finalmente, los pasos nos conducirán al teatro o salón de actos, donde se representa la ópera. Este camino tiene de nuevo paneles donde podremos leer testimonios de los niños sobre el proceso. Qué piensan, qué han vivido, qué han aprendido.

El proyecto de creación de una ópera original es una delegación progresiva de responsabilidad, de derecho a decidir, de autonomía para trabajar... Nada mejor que leer sus testimonios antes de entrar a la sala donde la Compañía presentará su creación sólo con niños al frente. Niños responsables, entusiasmados, capaces. Niños que habrán vivido una experiencia única en su vida. Una experiencia para la vida.

9. Evaluación
Evaluación de los niños

Una vez acabadas las representaciones los alumnos empiezan a evaluar todo el proceso.

Una forma de evaluación consiste en hacer un dibujo. Se les ha explicado antes de hacerlo que hay que intentar llegar a un nivel de profundidad y para ello se ha explicado la diferencia entre describir, exponer ideas y expresar sentimientos. Se ha hablado de lo simbólico y hemos recordado las metáforas como forma de crear una imagen que va más allá de lo aparente. Algunos han sido capaces de expresarse con un gran nivel de profundidad, a otros les cuesta pasar de lo descriptivo.

Apéndice
Ventajas de la pedagogía de proyectos

* Más ocasiones para el aprendizaje auto-inducido
* Más tiempo de atención continuada en clase
* La larga duración del proyecto invita a comentarlo fuera del colegio y conectarlo con la vida diaria
* Mayor implicación emocional en el trabajo de clase
* Se desarrollan habilidades de liderazgo y aumenta el grado de responsabilidad de los niños
* Al surgir desacuerdos, aumenta la posibilidad de aprender a solucionar problemas
* Fomenta la implicación de los padres. Aumenta las expectativas de los padres sobre las capacidades de sus hijos
* Más situaciones en las que poner en práctica las habilidades lingüísticas orales y escritas
* Los alumnos buscan información por sí mismos y desarrollan el sentido de las cosas bien hechas
* Se practican habilidades sociales y el trabajo en equipo
* Se estimula el pensamiento imaginativo y se combate la pereza mental
* Los niños aprenden a preguntar

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La Ópera, un Vehículo de Aprendizaje (LÓVA) es un proyecto que realizan tutoras/tutores en su aula durante un curso escolar completo. Convierten su clase en una compañía de ópera que crea, desde cero, una ópera o breve pieza de teatro musical. Los niños y niñas de la compañía, organizados en equipos como profesionales, escriben el libreto, ...

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ESCAPE SHOW

ANEXA
presenta

ESCAPE SHOW

Dirección: Ivan Tapia y Alicia Serrat

14/09/2017 - 07/10/2017en los Teatros del Canal

ESCAPE SHOW es el primer espectáculo donde o escapas o mueres

El 14 de septiembre regresa a la Sala Roja de los Teatros del Canal ESCAPE SHOW, una idea original de Ivan Tapia.

En 2012 los juegos conocidos como "Room escape" llegaron a Barcelona procedente de otros países donde ya estaba de moda y desde entonces el éxito de esta propuesta no ha hecho más que crecer y actualmente el sector vive un momento de auge y cada vez son más las personas interesadas en acudir a las más de 300 ofertas de Room Escape que se han instalado en Cataluña y el resto de España.
Los "Room Escape" en vivo son salas donde los participantes disponen de una hora aproximada para poner a prueba su inteligencia, habilidad, observación, trabajo en equipo, organización y resistencia al estrés resolviendo enigmas, acertijos y códigos para resolver con el objetivo de poder salir de la habitación.
Cada uno de los Room Escape suelen ser temáticos y prácticamente la mayoría cuelgan el cartel de "sold out" cada fin de semana.

Con Escape Show , por primera vez se ha trasladado este fenómeno en los escenarios. Si el teatro es un juego ... Escape Show es sin duda un gran juego!

EL ESPECTÁCULO

¿Estás preparado para morir?

Escape Show es el primer espectáculo donde escapes o mueres. 90 minutos intensos donde el espectador se convierte en el protagonista. 90 minutos de infarto para encontrar el antídoto del gas, con el que los espectadores han sido intoxicados, 90 minutos para sobrevivir. Uno espectáculo interactivo donde los espectadores deberán resolver enigmas, observar, superar pruebas, contestar preguntas, tomar decisiones, colaborar con el resto de público y todo a tiempo real para conservar su vida.

Porque no os podéis ni imaginar lo excitante que puede llegar a ser usar el "coco"...
Basado en el concepto de moda "room escape", EscapeShow es un espectáculo donde los participantes, el público, se juegan la vida.
¿Hasta donde seremos capaces de llegar por el espectáculo?

En formato late-night, os presentamos un nuevo concepto de espectáculo interactivo donde guiados por nuestra presentadora Clara Cape , sus ayudantes "los Marcels", y bajo las órdenes de nuestro famoso asesino en serie Jason Room , se adentrará dentro de un extravagante concurso lleno de pruebas adrenalínicas que los espectadores deberá resolver si quiere encontrar la forma de escapar.

FICHA

Idea: Ivan Tapia
Dirección: Ivan Tapia y Alicia Serrat
Música: Orestes Gas
Escenografía: Jorba Miró
Vestuario: Mireia Guardia
Iluminación: Ignasi Morros
Producción: Anexa
Interpretación: Laia de Mendoza, Roc Olivé y Roger Torns
Con la colaboración especial de Johnny Melville en el papel de Jason Room

Duración: 1h 30min

Fechas y horarios: 14/09/2017 - 07/10/2017 TEATROS DEL CANAL
Web: escapeshow.net

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ESCAPE SHOW en los Teatros del Canal - Madrid Es Teatro

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ANEXA presenta Dirección: Ivan Tapia y Alicia Serrat 14/09/2017 - 07/10/2017en los Teatros del Canal El 14 de septiembre regresa a la Sala Roja de los Teatros del Canal ESCAPE SHOW, una idea original de Ivan Tapia.

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escuela internacional biomecanica teatral

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cisbit gennadi bogdanov biomeccanica teatrale mejerchol'd mttm edizioni
studio obraz il corpo organico

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compañia teatral que desde hace 35 años trabaja dando y organizando talleres de teatro

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compañia teatral de Tadeus Kantor.

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Cricot 2 was a Polish experimental theatre company based in Kraków. It was founded in 1955 by the renown theatre director, professional painter and assemblage artist, avangarde set designer and art theorist Tadeusz Kantor, with artwork in the collections of the National Museum in Kraków and Warsaw.

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La dramatización fomenta todas las habilidades de comunicación, acercando al usuario de la lengua a las situaciones comunicativas que se producen...

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El fascinante mundo de diseñar espacios para el cine

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El fascinante mundo de diseñar espacios para el cine

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Las bases para el diseño de la dirección artística están en el guión. Si sabes interpretar, analizar, ponerte en la piel de esos personajes, si te los crees, si los haces tuyos, querrás saber cada vez algo más de ellos, de su casa, de los espacios que les rodean, de sus objetos personales y hasta de sus monstruos más internos, aquellos que les atormentan y fascinan a la vez | Koldo Vallés

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El fascinante mundo de diseñar espacios para el cine " Premios Goya 2018

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Dar humanidad, personalidad, verdad y a la vez toques de fantasía, en una película donde uno de sus protagonistas es un monstruo de once metros de alto, no es tarea fácil para el departamento de arte. ¿Cómo jugar con las proporciones de un niño y el tamaño de un monstruo?

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TEXTOS PARA TRABAJAR EL B2

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Teatre de Caixó apuesta por un teatro útil y necesario que combina perfectamente la interpretación y la pedagogía mediante: propuestas escénicas divertidas y sorprendentes, talleres de formación, escuela de espectadores, divulgación y dignificación del teatro... Mucho más que entretenimiento.

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compañia teatral Mateusztroupe

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Alejadas de parámetros comerciales, sus piezas son el resultado de un trabajo de creación colectiva, caracterizado por una clara voluntad de búsqueda y reflexión a propósito de nuevas formas de comunicación y expresión teatrales contemporáneas.

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El trabajo físico del actor y su particular relación con el espacio y el espectador, la mezcla de lenguajes diferentes, la pobreza o economía de recursos y la experimentación con la realidad dentro de la ficción son también señas de identidad en sus creaciones.

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Gracias al juego psicodramático, el sujeto siente de cerca eso que inmoviliza su deseo, y al mismo tiempo descubre su propia apertura.

Paul Lemoine

El aula de psicodrama fue creada en el año 2008 con el propósito de contribuir a la formación de terapeutas grupales con orientación psicodramática y psicoanalítica. Reúne profesionales de distintos contextos (psicología, medicina, trabajo social, psicopedagogía, enfermería y educación, etc.) que comparten la inquietud por desarrollar la investigación y la aplicación de las técnicas psicodramáticas en sus distintos contextos de acción.

Hay muchos psicodramas, pero la vertiente que nosotros exploramos es el psicodrama freudiano, que partiendo de las bases planteadas por Moreno, incorpora los planteamientos de la teoría freudiana y lacaniana que se condensan finalmente en el pensamiento y en la obra de los Lemoine.

El psicodrama freudiano, teorizado por Gennie y Paul Lemoine es una práctica específica que se desarrolla en grupo. Un grupo imaginario, diferente del real pone el acento sobre la presencia del cuerpo, la acción y la representación. El psicodrama es el lugar de la repetición, pero el lugar donde la repetición pasa a representación y donde el sujeto escucha su propio discurso devuelto por el grupo, como discurso de otro, pasando así de lo imaginario a lo simbólico.

El psicodrama es una técnica psicoterapéutica con hondas raíces que se sumergen en el teatro, la psicología y la sociología. Es un procedimiento de acción e interacción donde la representación, la escena y el juego son protagonistas.

Unas sillas puestas en círculo conforman el escenario donde el discurso se va transformando en acción. Los integrantes del grupo ocupan sus asientos, alguien coge la palabra y el grupo resuena, dejando al descubierto un rastro o tema que será llevado a escena para dramatizar. Durante la acción, y al ponerse n juego a sí mismo, cada cual se verá salpicado por preguntas que le atañen, dejando al descubierto cómo repite en su vida cotidiana ciertos roles fijos representativos de ciertas formas de pensar, sentir y actuar. Al dramatizar escenas cotidianas nos ponemos en juego desplegando nuestras expectativas, motivaciones, conflictos, creencias, deseos y otros aspectos que están en juego en los vínculos que establecemos.

La escena nos permite revivir de nuevo pasajes de nuestra vida que quedaron codificados en nuestra memoria organísmica de determinada manera, dándonos la oportunidad de reescribirlos de otra manera.Tomar conciencia del empeño en lo imposible es el camino que lleva a la necesidad de renunciar, al camino del duelo para poder vivir de otra manera.

La posibilidad de explorar otros roles no habituales en un ambiente sin riesgo permite a los integrantes del grupo preguntarse y responderse desde otros lugares, al tiempo que facilita una visión más completa de las situaciones y favorece la elaboración de respuestas más ajustadas a la realidad.

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Gracias al juego psicodramático, el sujeto siente de cerca eso que inmoviliza su deseo, y al mismo tiempo descubre su propia apertura. Paul Lemoine El aula de psicodrama fue creada en el año 2008 con el propósito de contribuir a la formación de terapeutas grupales con orientación psicodramática y psicoanalítica.

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Somos AEP, Asociación Española de Psicodrama en Bilbao.

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Teatro a teatro

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Teatro Bertolt Brecht Formia - Cartellone

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EXTERNALITZAR PENSAMENTS I EMOCIONS, PRENDRE'N CONSCIÈNCIA I ACTIVAR ELS CANVIS DESITJATS.

L'OBJECTIU ÉS CONÈIXER-SE I DETECTAR L'ORIGEN DELS PROBLEMES PER A RESOLDRE'LS A TRAVÉS DE L'AJUDA PSICOLÒGICA.

A la vida és normal que ens envaeixin malestars i problemes derivats de circumstàncies vitals. Quan passa això, un professional expert en psicoteràpia et pot ajudar a afrontar d'una altra manera pensaments, comportaments i emocions. Et proposaré el tractament més adequat al teu problema gràcies a una sèrie d'eines i tècniques psicològiques que et serviran per resoldre els teus conflictes, realitzar els canvis que desitges i millorar la teva qualitat de vida. Professional i pacient som actors actius del procés transformador; tu ets expert en tu mateix i tens recursos inexplorats, jo sóc experta en el canvi, per això col·laborem. En aquest procés de canvi hi implico la totalitat de la persona, no solament la ment sinó també el cos i les emocions, perquè els éssers humans som un tot integrat. Quan una peça falla les altres també pateixen. Un exemple clar és l'estrès, que té una causa psicològica però que si no es tracta acaba afectant el cos i els òrgans. El tractament serà personalitzat perquè no hi ha dues persones iguals, cadascú té les seves necessitats.

COM TREBALLO

El meu enfocament de la psicologia és integrador (psicoteràpia cognitivo-constructivista, terapia sexual i de parella, teràpia breu,teatreteràpia,teràpia gestalt, psicoteràpia existencial, counseling, análisis transaccional, tècniques amb imatge i fantasía guiada, training autògen, focusing, tècniques corporals, etc...) per ajudar de manera més eficaç i ràpida les persones. Com a experta en el canvi ajudo el pacient a prendre un paper actiu en la teràpia i descobrir els seus recursos interns, que fins ara no havia fet servir.

CONSULTA PRESENCIAL I TAMBÉ A TRAVÉS D'SKYPE.

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Psicologia | Creixement personal | Formació - Monia Presta

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EXTERNALITZAR PENSAMENTS I EMOCIONS, PRENDRE'N CONSCIÈNCIA I ACTIVAR ELS CANVIS DESITJATS. L'OBJECTIU ÉS CONÈIXER-SE I DETECTAR L'ORIGEN DELS PROBLEMES PER A RESOLDRE'LS A TRAVÉS DE L'AJUDA PSICOLÒGICA. A la vida és normal que ens envaeixin malestars i problemes derivats de circumstàncies vitals. Quan passa això, un professional expert en psicoteràpia et pot ajudar a afrontar ...

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Depuis sa création en 1987, le Béjart Ballet Lausanne est une référence dans le monde chorégraphique.

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BALLET BEJART LAUSANNE y EL BALLET DE TOKIO

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BALLET BEJART LAUSANNE y EL BALLET DE TOKIO

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Béjart Ballet Lausanne et le Tokyo Ballet ensemble sur la IXè Symphonie de Beethoven

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Aprender una segunda lengua a través del cuerpo

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Academia.edu is a platform for academics to share research papers.

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El teatro como recurso para la expresión oral en ele

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EL TEATRO COMO RECURSO PARA LA EXPRESIÓN ORAL EN LA CLASE DE E.L.E.Consuelo Jiménez de CisnerosFez, curso 2010-2011

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PDF

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Los Reyes del Mambo is on Facebook. Join Facebook to connect with Los Reyes del Mambo and others you may know. Facebook gives people the power to share and makes the world more open and connected.

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Con un millón de documentos en cinco bases de datos, la web del Centro de Documentación Teatral se convierte en el portal de recursos de referencia en España en este ámbito
Madrid, 3 de diciembre de 2013

El Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) ha presentado hoy, en la sede central del Instituto Cervantes, la renovación del portal teatro.es, así como el nuevo portal informativo y de venta de entradas entradasinaem.es, dentro de las acciones llevadas a cabo por el INAEM para su plena incorporación al entorno 2.0.

Teatro.es pone a disposición de los usuarios de internet cinco grandes bases de datos, entre ellas el catálogo integrado del Centro de Documentación Teatral (CDT), con un millón de documentos (entre vídeos, fotografías, caricaturas, audios, programas de mano y recortes de prensa), mientras que la nueva web entradasinaem.es se convertirá en el principal canal de información y venta de entradas de los espectáculos que generan los centros de creación dependientes del INAEM.

Han intervenido en la presentación el director del Instituto Cervantes, Víctor García de la Concha, y el director general del INAEM, Miguel Ángel Recio Crespo, acompañados por el director del Centro de Documentación Teatral, Julio Huélamo, ante un auditorio formado por un centenar de asistentes -gestores, actores, etc.- vinculados al mundo teatral.

El director general del INAEM ha destacado que con estas dos nuevas herramientas, el Instituto consolida su plena incorporación al entorno 2.0, en línea con lo establecido por el Plan Estratégico de la Secretaría de Estado de Cultura: "El nuevo portal es uno de los proyectos más ambiciosos en lo que a teatro en internet se puede encontrar en Europa. Ofrecerá a los usuarios (profesionales de la escena, docentes, investigadores, periodistas...) productos y recursos muy diversos. Nuestro objetivo es convertir teatro.es en el sitio de referencia para el teatro español en internet".

Entre las novedades que incorpora el nuevo portal del CDT figura la incorporación de cinco bases de datos y nuevas secciones:

6. Galería de obras completas: en formato vídeo y audio, en streaming.

Además, se ofrecen, ampliadas, secciones ya consolidadas:

8. Publicaciones electrónicas del CDT: la Revista Digital de la Escena, toma el pulso a lo largo del año a la realidad teatral española; Don Galán se centra en la investigación teatral de ámbito universitario.

9. Otros proyectos divulgativos: Teatro para ti, una serie dirigida a los estudiantes de secundaria sobre las obras fundamentales del teatro español; Teatro sin barreras, que dará acceso a nuestras grabaciones a personas con dificultades auditivas o de visión; o Canales temáticos -ya están accesibles los canales sobre teatro infantil y lectura y escritura de teatro en la escuela- sobre aspectos concretos de la práctica docente del teatro.

En el ámbito de la investigación, teatro.es ofrece el proyecto Documentos para la Historia del Teatro Español, que ordena los fondos del CDT para facilitar datos y documentos precisos con que estudiar el teatro español de los últimos 70 años; junto a ello, Información de actualidad (desde una agenda con eventos que se produzcan en todo el país hasta un repaso a las noticias de la semana o efemérides) o la oportunidad de recuperar publicaciones agotadas del CDT.

Respecto a entradasinaem.es, el director general ha señalado que tras un primer paso en el plan de mejora de la imagen institucional del INAEM, que conllevó el diseño de una nueva marca/logotipo, ya aplicada tanto en el Instituto como en todas sus unidades dependientes, esta segunda fase de rediseño del portal comercial entradasinaem.es "pretende ofrecer al usuario un escaparate con toda la oferta cultural y una completa información de todos los espectáculos generados por los centros de creación dependientes del Instituto, además de los contratados por ciclos privados en el Auditorio Nacional de Música de Madrid".

La nueva web incorpora un calendario mensual con un motor de búsqueda por fechas concretas; una agenda/programación cultural del INAEM que se difundirá regularmente a través de una newsletter; además de un servicio de noticias actualizado del Instituto y una entrada al apartado de patrocinio y mecenazgo del INAEM.

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El INAEM renueva el portal teatro.es y presenta la nueva web entradasinaem.es

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Con un millón de documentos en cinco bases de datos, la web del Centro de Documentación Teatral se convierte en el portal de recursos de referencia en España en este ámbito Madrid, 3 de diciembre de 2013 El Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) ha presentado hoy, en la sede central del Instituto Cervantes, la renovación del portal teatro.es, así como el nuevo portal informativo y de venta de entradas entradasinaem.es, dentro de las acciones llevadas a cabo por el INAEM para su plena incorporación al entorno 2.0.

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compañia Raffaello Sanzio

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Tragedia Endogonidia - Societas Raffaello Sanzio - Cesena - Romeo Castellucci

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Tragedia Endogonidia - Societas Raffaello Sanzio - Cesena - Romeo Castellucci by Film&Clips Tutti e 3 i volumi in streaming qui: https://thefilmclub.it/tag/Romeo+Castellucci.html Episodio "Cesena". Tragedia Endogonidia, di Romeo Castelluccil (2002-2004) e' un'opera formata da 11 episodi del gruppo teatrale Societas Raffaello Sanzio. Ognuno degli episodi fa capo a una citta' da cui prende il nome.

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Bob Wilson

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"The Life and Death of Marina Abramovic": una creación de Marina Abramovic y Robert Wilson

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Jan Fabre

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Espectáculo "Mount Olympus" de Jan Fabre

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Módulo de taller de escritura a cargo de Patricia Pardo

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Escritura teatral | Máster en Teatro Aplicado

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¿Quién dice que en los institutos no se puede escribir teatro?

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La escritura de textos teatrales - Publicacions Editorial Graó

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CREADOR.ES plantea en su quinta edición abrirse al futuro, a los creadores que dentro de 10-15 años será los dramaturgos referentes. Para ello quiere aunar pedagogía, teatro y juventud en Laboratorio Creador.es, un pequeño laboratorio para jóvenes de entre 15 y 18 años sin recursos pero con inquietudes en la escritura para adentrarlos en la dramaturgia.

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LABORATORIO CREADOR.ES

Una propuesta de Creador.es y Escena Jove.

CREADOR.ES plantea en su quinta edición abrirse al futuro, a los creadores que dentro de 10-15 años será los dramaturgos referentes. Para ello quiere aunar pedagogía, teatro y juventud en Laboratorio Creador.es, pequeño laboratorio para jóvenes de entre 15 y 18 años sin recursos pero con un
inquietudes en la escritura para adentrarlos en la dramaturgia. La propuesta parte de dos reflexiones:
- Por un lado, gracias al Premio Innovación 10×10 Cultura que nos dieron en Pública'16 conocimos la realidad de otras propuestas que trabajan con chavales jóvenes con excelentes resultados. Es el caso de Da la nota, un programa músico-social gratuito e inclusivo que nace en Lavapiés que pretende afrontar los problemas sociales de estos chavales con música.
- De otro, ver que este tipo de propuestas no existían en el ámbito de la dramaturgia en el país, y dado que muchos de nosotros venimos del sur de la ciudad de Valencia, de barrios como Malilla, La Fonteta o Nazaret, dar a eso chicos y chicas la posibilidad de expresarse escribiendo teatro.

· En el otro extremo está el juego, la escritura como deseo fortuito, como lugar de encuentro de probatura. Desde ejercicios de escritura automática, imaginativos, muy en la línea del trabajo en escena de George Perec y todas sus derivaciones con el grupo Oulipo, etc, pasando por textos que van completando con varias ideas entre todos. La escritura es un juego que hay que mezclar con humor, amor y emoción. Desde Laboratorio Creador.es pretendemos que entiendan que escribir puede ser divertido, y además, que es un ejercicio de paciencia y trabajo.

En este sentido cuatro han sido los ejercicios que han trabajado los alumnos/as de los Institutos Isabel de Villena y El Saler:
1) Escritura automática a través de palabras que resultarán atractivas, que pudieran jugar con el lenguaje. Términos como cacatúa, taciturno o obsoleto, conformaban un corpus divertido con el que establecer diálogos imaginativos y locos con el lenguaje.
2) Creación de imágenes disparadoras. Esta vez se trataba de encontrar donde hubiera una imposibilidad, un juego del lenguaje, una contradicción y un reto. Oraciones como "La libertad está barato" o "Justin Bieber se está quedando calvo" eran disparadores de situaciones verosímiles o no, en las que trabajar el lenguaje.
3) Escribir una pequeña pieza con consignas. "A le dice a B, que se olvide de C" este podía ser el arranque de un ejercicio que les hacía navegar por contradicciones y conflictos con dos o tres personajes mediante consignas que cada 10-15 minutos se les daba. A partir de ahí, debían crear una escena con esos ingredientes.
4) Consignas a través de una imagen impactante de google imágenes. Tenían que encontrar una imagen significativa que les llamara la atención. A partir de ella, crear un texto en el que una serie de reglas les iba marcando el camino.

La última clase se dedicó a leer algunos de los ejercicios desde profesionales de la actuación escénica, además de dar algunas notas de reescritura sobre el material trabajado. Servía como resultado final y cierre al proceso que continuará en septiembre-octubre.

En este sentido, una de las alumnas del IES Isabel de Villena expresaba el proceso en su blog personal " L'art del saber "

Es por ello que el Laboratorio Creador.es ha establecido durante los meses de mayo-junio del 2017 En este taller, de cinco sesiones de trabajo, un primer programa piloto del formato con un taller de escritura teatral inclusivo y gratuito donde chicos y chicas de los Institutos IES El Saler e IES Isabel de Villena han sido tutorizados por Gabriel Ochoa en cinco sesiones de trabajo creativo.
se ha pretendido darles a conocer herramientas para la escritura de textos teatrales desde el juego, la cercanía y el reto, de una manera abierta y participativa.
Ha sido, por tanto, una manera de innovar socialmente y dar pasos por el aprendizaje en sectores sociales que lo necesitan.

METODOLOGÍA Y EJERCICIOS DE LABORATORIO

Desde sus inicios CREADOR.ES siempre ha trabajado poniendo el foco en dos procesos importante en la escritura: · De un lado, Laboratorio Creador.es es un lugar de la inmediatez.De ahí nacen espectáculos como "
Nos gusta conocer qué ocurre a las nuevas generaciones en el aquí y ahora. Qué piensan. Cómo actúan e interactúan. Cuál es su pensamiento. Es por eso que la escritura inmediata habla del aquí y ahora, de su realidad, pero desde el punto de lo real. Creadores como Tim Etchells han trabajado con los adolescentes desde un aquí y ahora, desde lo real, no lo realista, para que ellos/as se expresen en primera persona, enuncien su realidad. That night follows day" del creador inglés.
Nuestra impronta busca situaciones que generen ese caldo de cultivo. Con ejercicios como "Decir sin hablar" donde investigan la escritura y su puesta en escena sin decir una palabra, en silencio, o "traicionar el discurso" creando una idea, una historia, un hilo argumental, que seguirá alguno de sus compañeros/as. Es una muestra de cómo la inmediatez es un arma indispensable para generar
escritura escénica.

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LABORATORIO CREADOR.ES 2017 - CREADOR.ES

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LABORATORIO CREADOR.ES Una propuesta de Creador.es y Escena Jove. CREADOR.ES plantea en su quinta edición abrirse al futuro, a los creadores que dentro de 10-15 años será los dramaturgos referentes. Para ello quiere aunar pedagogía, teatro y juventud en Laboratorio Creador.es, pequeño laboratorio para jóvenes de entre 15 y 18 años sin recursos pero con un inquietudes en la escritura para adentrarlos en la dramaturgia.

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Revista de las artes escénicas continuamente actualizada con referencias prácticas y teóricas

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Divinas palabras, Revolution / Valle Inclán / Centro Dramático Galego

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Toda la actualidad sobre el Teatro y la Danza. Estrenos, Festivales, Noticias, Críticas, Opinión...

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La compañía nace en verano de 2012 para generar una plataforma que concentre a los profesionales de las artes escénicas con la comunidad docente y que sirva como primera experiencia profesional para jóvenes.

​

En la actualidad cuenta con cerca de cincuenta jóvenes de entre 18 y 27 años, dirigidos por grandes profesionales del circuito teatral nacional. La Joven Compañía representa sus espectáculos en el Teatro Conde Duque de Madrid con más de 160 funciones al año además de realizar gira por toda España.

En cuatro temporadas, más de 150.000 espectadores de toda España han visto las representaciones de
La Joven Compañía.

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La Joven Compañía | Teatro

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teatro joven compañia homero conde duque iliada odisea

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Premio El Ojo Crítico de Teatro 2014 de RNE. Compañía profesional formada por jóvenes entre 18 y 27 años.

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"Los antropólogos creen que la primera manifestación artística del ser humano, antes de pintar, crear música o esculpir, fue la danza, porque para practicarla no necesitaba ni pintura, ni instrumentos musicales, ni herramientas, que debió inventar más tarde. Pero tenía su cuerpo y podía moverlo. Y lo movió. Y, de este modo creó la danza." Artes escénicas y danza. Ed. Bromera
El profesor Gilberto Scaramuzzo centrará su módulo en el trabajo específico que lleva a cabo con personas con NEE (Necesidades Educativas Especiales) y la utilización de las técnicas dramáticas para el desarrollo personal de estos colectivos. La fundamentación teórica de la práctica que realizaremos con el profesor Gilberto la encontraréis en el documento que tenéis a continuación (en inglés) titulado "El homo mimeticus de Aristóteles como paradigma educativo para la convivencia humana".
Correspondence: Gilberto Scaramuzzo, Direttore Master in Pedagogia dell'Espressione, Dipartimento di Scienze della Formazione/Department of Education, Universit`a Roma Tre-Via Milazzo, 11b-00185, Rome, Italy. Email: gilberto.scaramuzzo@uniroma3.it

MATERIAL:

WEBGRAFIA:

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"Los antropólogos creen que la primera manifestación artística del ser humano, antes de pintar, crear música o esculpir, fue la danza, porque para practicarla no necesitaba ni pintura, ni instrumentos musicales, ni herramientas, que debió inventar más tarde. Pero tenía su cuerpo y podía moverlo. Y lo movió.

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 INVESTIGACIÓN ORIGINALTeatro, discapacidad e inclusión social. Un acercamiento desde la obra de teatro ciego La casa de los deseos. (México)

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 INVESTIGACIÓN ORIGINALTeatro, discapacidad e inclusión social. Un acercamiento desde la obra de teatro ciego La casa de los deseos. (México)

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Objetivo.

Identicar los ámbitos en los que tiene impacto el

teatro producido desde la población con discapacidad visual,

o para esta, a partir del análisis de la obra teatral

La casa de

los deseos

, obra realizada con la técnica de teatro ciego y

presentada en México desde hace 15 años

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Teatro, discapacidad e inclusión social. Un acercamiento desde una obra de teatro ciego

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Teatro, discapacidad e inclusión social. Un acercamiento desde una obra de teatro ciego