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~Primer clase, se dio una presentación personal de cada miembro del grupo.

~Revisión del programa del taller como los contenidos y tabla de evaluación. Asignación de tareas: mirar el corto de  ¡MAE y contestar 10 preguntas establecidas por la profesora.

~Cambio en la distribución de los porcentajes: 5% ver dos películas (una extranjera y una nacional) y contestar las preguntas asignadas por la profesora.

~Para finalizar la clase la profesora nos mostró ejemplos de bitácoras y trabajos de años anteriores (Tramado y Sombras)

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1. La historia o los acontecimientos narrados empiezan por la mitad, al comienzo o al final de la película?
2. Cuál sería a su juicio el personaje principal de la narración, la acción principal en la que se ve envuelto, el lugar donde ocurren los hechos, y el desenlace final? En otras palabras de qué trata la película?
3. Existe un tema o idea central (ejemplo La muerte, El Amor, La corrupción, El dinero)? Está el tema claramente planteado o es un poco confuso?
4. Las tomas vistas en la pantalla tienen alguna preferencia para que la cámara se ubique al frente, atrás, de costado, diagonal, desde atrás, desde arriba respecto a las figuras filmadas?
5. La luz que da sobre objetos o personajes es cálida, fría, con sombras? Tiene esta película una manera particular de utilizar la luz?
6. Durante la narración, surgen vueltas hacia un tiempo pasado, hay saltos hacia un posible futuro o se sigue un orden normal de las acciones?

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7. Siente Ud. que la película posee una atmosfera emocional triste, melancólico, trágica, alegre, satírica, misteriosa, terrorífica, etc. o, que contiene mezclados algunos de estos elementos?
8. Dentro del film aparece alguna figura u objeto, o también algún hecho o acontecimiento, que no vale por sí mismo, sino que representa o simboliza algo más de lo que normalmente significa?.
9. La llamada banda sonora de un film contiene cuatro elementos: ruidos, diálogos o relatos hablados, música y silencios. ¿Hay alguna preferencias por la utilización de alguno de estos, o se busca un deliberado equilibrio entre ellos?.
10. La ambientación material del relato (trajes, vehículos, muebles, edificios, casas, paisajes, etc) es apropiada a la historia y personajes del film, excesiva o insuficientemente?.
11. Los actores que encarnan a sus respectivos personajes, de acuerdo a las ideas e historias que se narran, lo hacen de modo natural o forzado, les sobra fuerza o se ven disminuidos, calzan o cuadran con el personaje asignado o se les aprecia fuera o distante de el?.
12. Una película puede tener dos niveles de comunicación: uno de contenido, ideas y conceptos ("fondo") y otro correspondiente al uso de imágenes visuales y auditivas para expresarlo ("forma"). ¿Presenta el film un perfecto equilibrio entre ellos o hay excesiva preponderancia de uno sobre otro?
13. Todo Film, en cuanto a las ideas que expresa o calla deliberadamente su autor, guionista, director o compañía productora, muestra una específica visión del mundo y del hombre: puntos de vista sociales, económicos, políticos, religiosos, morales, artísticos, culturales, etc. ¿Es original o propia esta visión? ¿Forma parte de un planteamiento compartido o aceptado por muchas personas? ¿Ha sido ya expuesto en otra película u obra de arte? ¿Está Ud. de acuerdo con ellas?

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Gaby y Elena son dos jóvenes costarricenses universitarias con sueños, planes y una agitada relación con sus respectivas parejas.

Ambas son invitadas a asistir a un picnic para celebrar el cumpleaños de un amigo. El convivio se alargará hasta la noche y evidenciará la realidad tan compleja y confusa que vive la juventud del país, donde abundan el individualismo, la apatía y el conformismo. Ese largo día, solo una de ellas tomará la decisión correcta.
-Tomado del video en YouTube

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1. La historia o los acontecimientos narrados empiezan al final del corto.
2. La muchacha llamada Gaby es universitaria al igual que su amiga, son invitadas a un picnic, donde queda claro el ambiente de la juventud costarricense, al inicio nos muestran a la protagonista como madre pero al final un giro nos da a conocer que ella cuida al bebe de su amiga y que solo fue una de ellas la que tomo la decisión correcta.
3. El video nos muestra como protagonistas a adolescentes los cuales se ven influenciados por muchos temas como el amor, la libertad, alcoholismo etc.
4. Considero que hay una combinación de varios tipos de tomas, pero con una preferencia a la ubicación de frente.
5. Tiempo cronológico perturbado.
6. La historia se desarrolla en una Costa Rica del 2014 aproximadamente por lo que el vestuario y la ambientación material encajaron muy bien.
7. El uso del voseo me pareció muy forzado en algunos actores, pero en lo general creo que los personajes fueron muy bien desarrollados y encarnados por los actores.
8. El dialogo y la música tienen predominio  en este corto.
9. Con respecto a los dos niveles de comunicación me parece que hay un equilibrio. (duditativa)
10. Luz cálida en las escenas con el bebe.

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La forma del agua (título original: The Shape of Water) es una película de fantasía romántica estadounidense del 2017, dirigida por Guillermo del Toro y escrita por el propio del Toro y por Vanessa Taylor, protagonizada por Sally Hawkins, Michael Shannon, Richard Jenkins, Doug Jones, Michael Stuhlbarg y Octavia Spencer. Ambientada en  Baltimore durante 1962, la trama sigue a una joven limpiadora que trabaja en un laboratorio gubernamental de alta seguridad quien se enamora de una criatura humanoide-anfibia capturada.

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1. La historia narrada o los acontecimientos empiezan al inicio.
2. Trata sobre una mujer muda (Elisa), con un estilo muy rutinario, trabajando en un laboratorio de los Estados Unidos; se ve involucrada en la limpieza de una habitación que contiene a una criatura extraña con forma de humano pero también la de un pez, poco a poco se vuelven cercanos por la música y un huevo. Surge un inconveniente los militares deciden que matar a la criatura es la mejor opción para que los rusos no tengan acceso a él por lo que deciden sacarlo de ahí con ayuda de un científico ruso infiltrado, su amigo cercano y su compañera de limpieza. Al final ella resulta lastimada por el antagonista, la criatura la salva y dándole la habilidad de respirar bajo el agua se quedan juntos por siempre.
3. El amor y las muchas maneras en que se puede dar y demostrar.
4. Creo en realidad con respecto a las tomas vistas que existe una combinación de todas las opciones, no note preferencias.
5. Hay un orden normal en la narración.
6. Creo que esta película logra trasmitir muchos tipos de atmosferas desde la romántica y triste, a la satírica y misteriosa.
7. Sí, creo que el “huevo” aunque es algo muy simple y común marca el inicio de la relación de la protagonista con la criatura.
8. La música acompaña muchas escenas, pero también considero que es una manera fácil de trasmitir lo que siente Elisa dado a que ella es muda, sus escenas constan de mayor musicalidad.
9. Esta película está ambientada durante la Guerra Fría (1945-1989) por lo que por conocimiento se tiene de esa época calzo muy bien desde el vestuario hasta los edificios, vehículos etc.
10. El elenco me pareció muy acertado, todos los personajes tenían personalidades únicas y naturales.

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La clase se dio fuera del aula, estuvimos en el parque central de Alajuela observando el trabajo de un grupo de la universidad donde se daban situaciones relacionadas con la “Carta de la Tierra”

Ya en el aula tuvimos un plenario con los mismos jóvenes que realizaron las dramatizaciones, intercambiamos opiniones e ideas y concluimos con la asignación de detallar en la bitácora que puntos de la Carta de la Tierra representaron.

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"La Carta de la Tierra es una declaración de principios éticos fundamentales para la construcción de una sociedad global justa, sostenible y pacífica en el Siglo XXI" http://cartadelatierra.org/descubra/que-es-la-carta-de-la-tierra/
Principios representados:

Promover una cultura de tolerancia, no violencia y paz.

Evitar dañar como el mejor método de protección ambiental y cuando el conocimiento sea limitado, proceder con precaución.

Evitar dañar como el mejor método de protección ambiental y cuando el conocimiento sea limitado, proceder con precaución.

Proteger y restaurar la integridad de los sistemas ecológicos de la Tierra, con especial preocupación por la diversidad biológica y los procesos naturales que sustentan la vida.

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iniciamos la clase con el plenario sobre el corto ¡MAE y que contestamos a las preguntas correspondientes. seguidamente leímos un trabajo hecho por el director del corto: Esteban Ramírez
Lugares para descubrir ideas:

La propia vida

Algo visto o escuchado

Historia o noticias

Leer

Imaginación (qué pasaría sí…)

Premisas (Buscar originalidad)

Personas interesantes

Conflicto principal

Emociones

Oportunidades de explorar

**Debe tentarnos a ver que trata la historia**

Tipos de películas

Alto concepto: Star Wars

Bajo concepto: poco efecto especial

Trama: Es un orden cronológico, de diversos acontecimientos presentados por un autor o narrador a un lector. En este sentido, es un concepto referido al conjunto de acontecimientos de una historia según el orden causal y temporal en el que ocurren los hechos. El concepto de trama fue especial objeto de estudio de los formalistas rusos. La trama se diferencia del argumento en que esta busca establecer conexiones causadas entre los distintos elementos de la narración, y no solamente describir una simple sucesión de una secuencia de acontecimientos.

**Vital, como hacerlo interesante, mantiene al espectador atento.**

Subtexto: Lo que va más allá de lo que quiere decir el director.

Aristotélica: Esta estructura se compone básicamente por tres grandes momentos en la narración de historias, que son planteamiento, desarrollo y conclusión. Este sistema no solo sirve para narrar una historia ordenadamente sino que proporciona las claves necesarias que permiten mantener la atención de cualquier receptor de cualquier tipo de mensaje, de manera que se puede usar para narrar historias, pero también para la elaboración de discursos, ensayos, mensajes publicitarios, juegos de video, contenidos multimedia, entre otros.

Desencadenante: activa la historia.

Punto de giro: dilema importante.

Punto medio: no hay marcha atrás.

Segundo punto de giro: modifica como vemos la historia (elemento sorpresa)

Desenlace: como termina la historia, duración de aprox 10 min.

Arco del personaje: cambio en su vida, no va a terminar igual.

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Asignación de tarea: llevar un zootropo casero a la siguiente clase; finalizamos la clase viendo un fragmento de la película de Charlie Chaplin "The Kid"

Conceptos básicos del lenguaje audiovisual:

Código semiótico (Esta definición abarca todos los sistemas de signos: las lenguas de signos de los sordos, las señales de tráfico, los códigos, el alfabeto Morse, etc.) ® contexto de uso ®principios combinados

Lenguaje audiovisual: utilizado al hablar o escribir.

Es multisensorial.

Promueve una experiencia unificada.

Moviliza la sensibilidad antes que el intelecto.

Aspectos morfológicos:

Elementos visuales: fenómeno Phi  Esta ilusión óptica se basa en que el ojo humano es capaz de percibir movimiento a partir de información fraccionada, por ejemplo, una sucesión de imágenes. Es decir, a partir de la reproducción de una serie de imágenes congeladas con una frecuencia determinada (velocidad de imágenes por segundo) se percibe un movimiento continuo.

Elementos sonoro: (música, palabras, silencio…) ¿Cómo vemos?® fenómeno de la persistencia de la visión.

Zootropo: El zoótropo está compuesto de un tambor circular con unas pequeñas ranuras homogéneamente distribuidas en su parte superior y una tira de imágenes que muestran un movimiento cíclico pegado a la parte superior del tambor, justo por debajo de las ranuras. Al hacer girar el tambor, si se mira a través de una de las ranuras se percibe el movimiento de las mismas.

Imágenes: Iconicidad, denotación y connotación (objetividad), simplicidad o complejidad, originalidad o redundancia.

Hermanos Lumière: Crearon un aparato que servía como cámara y como proyector: el cinematógrafo, que se basaba en el efecto de la persistencia retiniana de las imágenes en el ojo humano. Al comienzo, ellos mismos cargaban las piezas de la cámara filmadora en un cajón para transportarlo de un lugar a otro. La primer presentaron realizada fue de la llegada de un tren a una estación.

George Méliès: Un prolífico innovador en el uso de efectos especiales, popularizó técnicas como el truco de parar y fue uno de los primeros cineastas en utilizar exposiciones múltiples, la cámara rápida, las disoluciones de imágenes y la película en colores. Fue también pionero en el uso de guiones gráficos.1​ Gracias a su habilidad para manipular y transformar la realidad a través de la cinematografía, Méliès es recordado como un «mago del cine».

Filmo aproximadamente 500 películas (no se le dio reconocimiento); una de las más populares: Viaje a la luna.

Thomas A. Edison: Fue un inventor prolífico que registró 1093 patentes a su nombre en Estados Unidos, además de otras en Reino Unido, Francia y Alemania. Pero más importante que sus muchas patentes fue el amplio impacto que tuvieron algunas de sus invenciones: la luz eléctrica y el suministro público de electricidad, la grabación de sonido y la cinematografía se convirtieron en nuevas y poderosas industrias en todo el mundo.

Introducción al cine mudo, observamos un fragmento de la película The Kid (Charlie Chaplin)

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Asistimos a la clase de Yoga en la sede central

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Presentamos nuestros zootropos al resto del grupo y continuamos con la clase normalmente.

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Asalto y robo de un tren (título original: The Great Train Robbery) es una película muda estadounidense de 1903 del género Wéstern escrita, producida y dirigida por Edwin S. Porter . Es considerada como la primera película de acción estadounidense y la primera del genero Wéstern con una "forma reconocible".

La película utilizó una serie de técnicas no convencionales, incluyendo edición compuesta, rodaje en locaciones y un frecuente movimiento de cámara. La película es una de las primeras en utilizar la técnica de cross-cutting. En el que se muestran dos escenas produciéndose simultáneamente pero en lugares diferentes. https://es.wikipedia.org/wiki/Asalto_y_robo_de_un_tren

Edwin S. Porter: Trabajó en los estudios de Thomas Edison, primero como ayudante de cámara y luego como jefe de su estudio desde 1902 a 1910. Con Porter se consolida la técnica narrativa de ese nuevo invento que era el cine a principios del siglo XX.

Las primeras salas de cine: “Nickelodeon” se inventó a partir de Nickel, el nombre de la moneda de cinco centavos de Estados Unidos, y la antigua palabra griega Odeón, un teatro con techo.

El nacimiento de una nación (título original: The Birth of a Nation)
Es una película muda estadounidense de 1915 dirigida por D. W. Griffith. Es, debido a su técnica, una de las más famosas de la época del cine mudo, con avances técnicos no utilizados hasta esas épocas que tornaron a la película en un notable progreso en cuanto a la aún joven cinematografía. No obstante, el filme ha sido uno de los más polémicos por cuanto su argumento promueve abiertamente el racismo, apoya sin ambages la supremacía de la raza blanca y describe en sus escenas el supuesto heroísmo de los miembros del Ku Klux Klan. (nombre adoptado por varias organizaciones de extrema derecha en Estados Unidos, creadas en el siglo XIX)

D. W. Griffith: Fue un director cinematográfico estadounidense. Considerado el creador del modelo estadounidense de representación cinematográfica (o montaje invisible), fue considerado padre del cine moderno.
**Se prueba el poder del cine sobre las masas.**

¿Qué es un elipsis?
Son saltos en el tiempo durante la narración que no alteran o confunden la historia; por lo que el espectador puede deducir que ha ocurrido durante ese lapso.

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El acorazado Potemkin (en ruso: Броненосец Потёмкин, o Bronenósets Potiomkin) es una película muda de 1925 dirigida por el cineasta soviético Serguéi M. Eisenstein. La película reproduce el motín ocurrido en el acorazado Potemkin en 1905, cuando la tripulación se rebeló contra los oficiales de la armada zarista. El acorazado Potemkin está considerada como una de las mejores películas de la historia del cine, una de las más estudiadas en las escuelas de cine por su técnica de montaje y una de las más influyentes de todos los tiempos.1​ La cinta fue nombrada mejor película de la historia en la Exposición General de Bruselas de 1958.2​ El filme es de dominio público en algunas partes del mundo.
Serguéi M. Eisenstein: Fue un director de cine y teatro soviético de origen judío. Su innovadora técnica de montaje sirvió de inspiración para el cine posterior, fue un pionero del uso del montaje en el cine. Para Eisenstein, la edición no era un simple método utilizado para enlazar escenas, sino un medio capaz de manipular las emociones de su audiencia. Después de una larga investigación en el tema, Eisenstein desarrolló su propia teoría del montaje. Sus publicaciones al respecto serían luego de gran influencia para varios directores de Hollywood.
**escalera de Odessa**

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El código Hays fue un código de producción cinematográfico que determinaba, en las producciones estadounidenses, con una serie de reglas restrictivas qué se podía ver en pantalla y qué no. Creado por la asociación de productores cinematográficos de Estados Unidos (MPAA) describía lo que era considerado moralmente aceptable.

El expresionismo alemán (nutre al cine):
Cine expresionista alemán es el nombre que se le da a un grupo de producciones cinematográficas con ciertos aspectos en común. Este estilo de hacer cine tiene su correspondencia con la corriente expresionista.

Algunas obras inspiradas en el expresionismo alemán:

EL Golem

Drácula

Friedrich Wilhelm Murnau: Fue un director de cine alemán. Fue uno de los más influyentes y valiosos directores de la era de cine mudo, hizo más de quince películas en Alemania, pero en sus últimos años rodó otras cuatro en los Estados Unidos (1926-1931), de un modo asimismo sobresaliente.
Nosferatu: primera película relacionada con la historia original de Bram Stoker, Drácula.

Finalizo debido a la llegada del nazismo por lo que muchos se trasladan a USA.
El cine empieza a tener un fin político.

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Actividad de cine al aire libre en la sede central, COCO.
Coco es una película animada estadounidense de 2017, dirigida por Lee Unkrich, inspirada en la festividad mexicana del Día de Muertos, producida por Pixar y distribuida por Walt Disney Pictures. Durante la edición 90ª de los Premios Óscar, celebrada el 4 de marzo de 2018 en el Dolby Theatre de Los Ángeles, en California, fue ganadora a Mejor Pelicula Animada y Mejor Canción Original por "Remember Me"

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Se coordino el proyecto grupal, hacer un stop motion. Se distribuyo el trabajo. Además del tema central, el lugar de grabación y los personajes.

El stop motion es una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio de una serie de imágenes fijas sucesiva. https://es.wikipedia.org/wiki/Stop_motion

guion literario: Un guion literario es un documento que contiene una narración que ha sido pensada para ser filmada. En él se especifican las acciones y diálogos de los personajes, se da información sobre los escenarios y se incluyen acotaciones para los actores.
https://www.tallerdeescritores.com/el-guion-literario
guion técnico: es un documento de producción que contiene la información necesaria para ejecutar cada uno de los planos que la obra audiovisual requiere. El guion técnico debe contener el troceo por secuencias y planos.

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Planos cinematográficos:
1.- Encuadre

Gran plano general: El Gran plano general o Plano general largo (P.G.L.) muestra un gran escenario o una multitud. El sujeto (o figuras) no se puede ver  o bien queda diluido en el entorno, lejano, perdido, pequeño, masificado. Tiene un valor descriptivo y puede adquirir un valor dramático cuando se pretende destacar la soledad o la pequeñez del hombre enfrente del medio. Recoge la figura/s humana/s en contextos tan amplios en los que se pierde la figura o el grupo. Se da así más relevancia al contexto que a las figuras que se graban.

Plano general: Muestra con detalle el entorno que rodea al sujeto o al objeto, como un amplio escenario. A veces se muestra al sujeto entre una 1/3 y una 1/4 de la imagen. Se utiliza para describir a las personas en el entorno que les rodea.

Plano conjunto: Es el encuadre en donde se toman la acción del sujeto principal con lo más cercano.

Plano entero: También llamado “plano figura”, denominado así porque encuadra justamente la figura entera del sujeto a tomar, es decir, se podría decir que el plano abarca justo desde la cabeza a los pies.

Plano americano: El Plano americano (P.A.), se de denomina también plano medio largo o plano de 3/4, encuadra desde la cabeza hasta las rodillas. Se le llama americano porque era utilizado en las películas de vaqueros para mostrar al sujeto con sus armas.

Plano medio: El Plano medio (P.M.) encuadra desde la cabeza a la cintura. Se correspondería con la distancia de relación personal, distancia adecuada para mostrar la realidad entre dos sujetos. Por ejemplo una entrevista entre dos personas.

Plano medio corto: El Plano medio corto (P.M.C.) encuadra al sujeto desde la cabeza hasta la mitad del torso. Este plano nos permite aislar una sola figura dentro de un recuadro, y descontextualizarla de su entorno para concentrar en ella la máxima atención.

Primer plano: En el caso de la figura humana, recogería el rostro y los hombros. Este tipo de plano, al igual que el Plano detalle y el Primerísimo primer plano, se corresponde con una distancia íntima, ya que sirve para mostrar confidencia e intimidad respecto al sujeto.

Primerísimo primer plano: En este plano se capta una parte del cuerpo del sujeto, como una mano, una boca, un ojo y la ceja, etc.

Plano detalle: También llamado “plano primerísimo”. Este plano se utiliza para destacar un elemento que en otro plano podría pasar desapercibido, pero que es importante que el espectador se de cuenta para seguir correctamente la trama. Un ejemplo típico son las películas de la detective Sra. Fletcher (de la serie televisiva “Murder, She Wrote”), donde al principio del capítulo casi siempre aparecen algunos “planos detalle” como un papel que cae en el suelo, una cerradura oxidada, un interruptor de la luz, etc y al final del capítulo se entiende la resolución del misterio gracias a estos detalles.
2.- Angulación

Plazo Zenital: También llamado “plano cenital”. Es un plano realizado desde arriba, justo encima de los sujetos u objetos, con un ángulo de 90 grados perpendicular al suelo, como si se hubiese captado desde un satélite o un helicóptero.  Generalmente tiene un efecto estético de la imagen.

Plano picado: La cámara graba a una altura ligeramente superior a los ojos (en caso de sujetos) o de la altura media (en caso de objetos), con la cámara ligeramente orientada hacia el suelo. Se utiliza para transmitir al observador que alguien es inferior, inocente, débil, frágil, inofensivo o incluso para ridiculizar. Un ejemplo sería el robot R2D2 al inicio de la película “Star Wars IV, Una nueva esperanza”, especialmente en escenas un poco cómicas cuando discute con el robot C3PO.

Plano contrapicado: La cámara se sitúa enfrente y a una altura ligeramente inferior a los ojos del sujeto, o inferior de la altura media de un objeto. Con la cámara ligeramente orientada hacia el techo. Es el plano opuesto al plano picado. Sirve para ensalzar y magnificar al sujeto u objeto. Un ejemplo típico es Darth Vader en la película Star Wars, en todas las escenas la cámara lo graba en contrapicado para ensalzar su tenebrosidad. En los últimos tiempos también se utiliza este plano cuando los políticos graban sus mítines con circuitos cerrados propios y luego pasan las imágenes a los informativos, para “magnificar” a sus líderes.

Plano Nadir: La cámara se sitúa totalmente por debajo del sujeto, con ángulo perpendicular al suelo. Se usa a nivel estético para dar dramatismo, interés a la escena o da dinamismo a la acción.

Plano dorsal: También llamado “plano semisubjetivo”. Nos explica que ve el protagonista pero incluyéndolo, nos confirma nuestro rol de espectadores, no de posibles protagonistas. También nos da un poder sobre los sujetos: nosotros los vemos pero ellos a nosotros no. Es típico de las películas de miedo, cuando están a punto de atacar a una persona por detrás.

Escorzo: Incluye al sujeto protagonista de cara y al sujeto que escucha de espalda. Enfatiza al sujeto que tiene la acción en ese momento (por ejemplo, hablar). La cámara se sitúa detrás del sujeto filmado, en 45 grados.

Perfil: También llamado “plano lateral”. La cámara está a un lado del sujeto.

Frontal: También llamado “plano normal” o “plano neutro”. El ángulo de la cámara es paralelo al suelo y delante del sujeto que se está grabando, a la altura de los ojos. Nos muestra al sujeto y su aspecto físico. En caso de ser un objeto, se graba a su altura media. Es el plano más habitual.

Flip over: Este juego de cámara sirve para subvertir nuestras expectativas con un inesperado movimiento de cámara de 180 grados que nos indica que lo que estábamos viendo estaba en realidad al revés. En el ejemplo hay un bebé con superpoderes sentado tan ricamente, y después del movimiento de 180 grados vemos a la madre caminando por el suelo “real” (último fotograma) y con este movimiento de cámara descubrimos que el bebé, en realidad está sentado ¡en el techo boca abajo!.

Plano holandés: LLamado también “plano aberrante”. La cámara está inclinada unos 45 grados y comunica al espectador un efecto de inestabilidad, a la vez que sirve para dar dinamismo a la escena.

3.- Punto de vista

Plano objetual: La cámara se sitúa como si quien mirase por ella fuese un objeto. En el ejemplo de abajo se puede ver en el primer fotograma como vería un retrete al sujeto.

Plano subjetivo: También llamado “plano PDV”. La cámara nos muestra lo que ve el sujeto, como si la cámara estuviese en sus ojos. Se intenta meter al espectador, en la piel del sujeto. En el ejemplo vemos el punto de vista de un niño pequeño, es fácilmente reconocible por su altura, especialmente en el fotograma final, que la altura de sus ojos queda a la misma altura que la del pomo de una puerta.

Plano subjetivo voyeur: Es un plano que nos muestra que está observando al sujeto, a través de un objetivo, una cerradura, unos prismáticos, etc. Y mientras observa, el observado no es consciente.

Planos indirectos: Se observa el mundo mediante reflejos. Pueden ser en el agua, en un espejo, en un escaparate.

4.- Movimiento de cámara

Cámara en mano: Se filma con la cámara en la mano, sin trípodes, produce una sensación de verismo, de vídeo doméstico, y hace más creíble la escena.

PAN descriptiva: Este movimiento panorámico nos introduce en un nuevo escenario de la película.

Travelling de descubrimiento: Es como un travelling de seguimiento, pero este finaliza bruscamente con un elemento que cambia la acción, con algo inesperado.

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Feriado por Batalla de Rivas

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Se realizo la filmación del proyecto grupal en los jardines de la universidad. El proyecto lleva  como nombre "La fiesta caliente" el cual es un stop motion.

El tema principal es el cuidado que se debe al medio ambiente, basados en la carta de la tierra.

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Ultima clase, se presentara el trabajo final del proyecto: "Fiesta Caliente"
Además vista del último tema.

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El cine en Costa Rica
Etapas:
I. LOS PRIMEROS AÑOS DEL CINE Y LOS PIONEROS. Como entretenimiento, el cinematógrafo llega al país en 1897, y en sus inicios está relacionado con el teatro. Sus comienzos se  remontan al 17 de febrero del año mencionado, fecha en que se estrena en el Teatro Variedades el proyectógrafo de Edison, un año después de su presentación a la prensa en Nueva York. El nuevo invento es considerado por los diarios nacionales como todo un éxito “ya que el teatro estuvo a lleno completo, mientras se proyectan hoy célebres escenas como Beso de la viuda… El baño de la mañana… El baile serpentino y El baile del paraguas”.
Las películas llevadas a cabo por costarricenses sólo se producen a finales de 1913. En octubre de ese año se celebra en San José el Segundo Congreso Eucarístico, filmado por dos conocidos fotógrafos de la época, Amando Céspedes Marín y Manuel Gómez Miralles. Céspedes Marín es escritor y pionero de la radio y el cinematógrafo en Costa Rica. Considerado como el primer camarógrafo profesional, crea el Departamento de Fotografía de la República y diseña la primera radioemisora de onda corta.
La representación más antigua del cine costarricense que se conserva data de 1914 y es el traspaso de poderes entre los presidentes Ricardo Jiménez Oreamuno y Alfredo González Flores.
Durante la década de 1960 se continúa con la realización de pequeños documentales y notas de información por parte de diversos camarógrafos, los cuales generalmente son fotógrafos de profesión. Entre ellos destacan José María Arce, Luis Güell Nieto, Fernando Quesada, Emilio Willy, Gonzalo Calvo Lemes, Manuel Arévalo, Fernando Montero y Álvaro Chavarría.

II. EL ESPEJO ROTO: EL DOCUMENTAL SOCIAL Y LA PRODUCCIÓN DEL ESTADO. A esta imagen mitificada de país perfecto que ofrece el cine de estos primeros años, se opone el cine “radiografía” que se produce a partir de la década de 1970, que descubre los problemas más hondos de la sociedad y que no pretende agradar, sino problematizar y a la larga, provocar  transformaciones. José Figueres Ferrer, quien comanda la única revolución en Costa Rica en el siglo XX, también lleva a cabo una revolución cultural con la creación del Ministerio de Cultura, Juventud y Deportes en 1971.
III. LA MUESTRA DE CINE Y VIDEO COSTARRICENSE. El panorama cinematográfico se revitaliza cuando arriba al país una nueva generación de cineastas, después de cursar estudios  formales en diversos países. Roberto Miranda (Holanda), Mercedes Ramírez (Alemania), Mauricio Miranda (ex Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas, URSS), Marcos Ramírez (República Checa), Alexandra Pérez (Estados Unidos), Ishtar Yasin (ex URSS), Maureen Jiménez (Francia), Eduardo Ceregatti (ex URSS), Eugenio García (Francia) y, especialmente, los graduados de la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños, Rogelio Chacón, Gabriela Hernández, Catalina Murillo, Hilda Hidalgo, Felipe Cordero, Juan Manuel Fernández, Gustavo Sánchez, Mauricio Cortés, Julio Molina y Pablo Ortega, entre otros.

En 1992 algunos de los jóvenes creadores se unen para discutir problemas comunes y fundan la Muestra de Cine y Video Costarricense, que se convierte en la más importante vitrina del trabajo audiovisual del país. Patrocinados por el entonces recién creado Centro Cultural de España, las dos primeras ediciones se realizan en su sede y participan trabajos tanto aficionados como  profesionales, en ficción como en documental, cine y video. Es en el segundo año que se otorga un premio, el cual recae en el cortometraje Sacramento de Hilda Hidalgo (1993). En 1994, con el cambio de gobierno, se nombra en la dirección del CCPC a Rogelio Chacón, uno de los miembros del Taller de Guión, y la Muestra se convierte entonces en un evento institucional,  copatrocinado por el CCPC y el Centro Cultural de España. La Muestra va creciendo y profesionalizándose y llega a presentar hasta un centenar de producciones, tanto de jóvenes talentos como de productores profesionales, otorgando diversos premios escogidos por un jurado internacional. La organización de la Muestra de Cine y Video es la actividad más importante del Centro Costarricense de Producción Cinematográfica.

IV. LA PRODUCCIÓN INDEPENDIENTE. La producción independiente logra una cierta regularidad a finales de la década de 1970. Dos tendencias o momentos fundamentales se evidencian en dicha producción. Por un lado, entre 1977 y 1982 la empresa Istmo Film produce o apoya una serie de filmes relacionados con las insurrecciones centroamericanas. Istmo Film no sólo es un proyecto regional, como su nombre lo muestra, sino que parte de la idea de formar una red continental. El realizador mexicano Alfonso Arau propone a algunos artistas del medio nacional formar un red en Centroamérica de cine propio. Antonio Yglesias, que sale del Centro de Cine, Oscar Castillo, actor y director teatral, Carmen Naranjo, escritora y también recién salida del Ministerio de Cultura, Samuel Rovinski, dramaturgo que viene de hacer estudios en cine, y el escritor nicaragüense Sergio Ramírez, que para ese entonces, antes del triunfo de la Revolución Sandinista, vive en Costa Rica, forman Istmo Film. La empresa constaba de tres departamentos, una productora de cine, Istmo Film; una distribuidora para conectar con el resto de los países, Distribuidora del Istmo; y una sala de exhibición para presentar tanto los filmes propios como los que idealmente se producen en los otros países de Centroamérica y el resto del continente, la Sala Garbo. Oscar Castillo viaja por el resto de Centroamérica intentando que otros países repitan la receta y generar un intercambio; no obstante, la situación política del resto de la región no permite que el proyecto cuaje.