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스트라빈스키 - 봄의 제전 / 츠베덴

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드뷔시_Debussy_달빛,아라베스크 etc.차마실때,공부할때,작업할때 좋은mp4

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Stockhausen - Klavierstücke I - X [Audio + Score]

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혹 천지를 창조한 신이 진토로 빚어 만든 태초의 인간이 이런 모습이 아니었을까? 이들은 티 없이 순수하고 신비로우며 마치 이집트의 여사제와 같은 당당하고 우아한 위엄마저 있다. 이 들이 호기심 어린 눈초리를 빛내며 우리에게 인사를 건넨다. 너희 어디 가니? "고귀한 야만인"

우리가 오매불망 기다리는 미래는 정령 황금빛 날개를 달고서 우리가 그토록 바라는 희망찬 소식을 전해올까? 그런데 어찌하여 이 생명수와 같은 기대가 도리어 소금물이 된단 말인가! 기쁨보다는 결핍과 불안을 낳고, 우리를 번번이 절망의 수렁에 빠뜨리는 심술을 부리지 않는가?

사실 "이 병은 죽을병이 아니다"(요한복음 11장 4절) 그런데도 이 병에 걸린 "나사로는 죽었다"(요한복음 11장 14절). 절망으로부터 헤어 나오지 못한 인간은 버리는 것이다. 정신적인 의미에서 자기 자신을 거세해

혹자는 안정된 삶을 버리고 원시의 땅을 찾아 떠난 고갱의 행보를 보고 무모하기 짝이 없는 이상주의자라고 할지 모른다. 또는 평범에서 벗어난 비범한 순례자의 모습이라 할지도 모르겠다. 그러나 고갱은 단지 이렇게 해명할 뿐이다. "나에게 중요 한 것은 다만 "(서머셋 모옴) 영원한 현재뿐이오

영원한 현재. 이것은 무한성과 유한성의 의식적인 종합이요 깊은 관계이다.

절망에 빠져 그것이 죽을병이 아님에도 죽어버린 나사로를 살린 것은 "나사로야, 나오라!"(요한복음 11장 43절) 하고 부른 그리스도의 긍휼이었다. 나사로는 자신의 존재 근원을 신(무한성)에게 찾음으로써 다시 생명(자아의 부재의 회복)을 얻었다. 고갱은 타이티 섬에서 그동안 잊고 있었던 원시의 힘(무한성)을 경험한 후 오랫동안 붙들려 있었던 자기 권태와 삶의 공허로부터 해방될 수 있었다. 그리고 위대한 예술을 탄생시켰다.

자연 속 생명에게는 지향성이 존재하지 않는다. 자연은 다만 현재를 절대적으로 살아갈 뿐이다. 올바르게 존재한다는 것은 이와 같은 것이 아닐까? 아직 오지 않은 시간에 대한 과도한 집착과 두려움에 사로잡혀 자신의 현재를 잃어버리지 않는 것. 순간순간에 깃든 무한한 존재와 깊은 교제를 나누며 나의 근원을 기억해 내는 일. 그것은 참 기쁨일 것이다.

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문명과 야만, 폴 고갱의 원시주의

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고갱의 삶과 예술, 키에르케고르- | 고귀한 야만인 폴 고갱의 작품 을 본다. 검고 풍성한 머리칼에 건강한 구릿빛 피부가 인상적인 한 여인이 상체를 훤히 드러내 놓고 우리를 빤히 쳐다보고 있다. 이 여인의 이름은 에바다. 화가가 타이티 섬에서 생을 보낼 때 아내로 맞이한 여성으로 추정된다. 에바의 두 손엔 꼭 박처럼 생긴 연두색 열매가 들려있다.

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은 공상적인 표현기법을 포함한 모든 전통적인 회화기법을 거부하고 색채·색조·질감 자체에 관심을 둔다.

를 추구한 화가들을 인상파라고 하는데, 이들은 빛과 함께 시시각각으로 움직이는 색채의 변화 속에서 자연을 묘사하고,

색채나 색조의 순간적 효과를 이용하여 눈에 보이는 세계를 정확하고 객관적으로 기록하려 하였다.
1. 인상주의의 아버지, 마네
여기서는 마네를 인상주의 학파로 정의하고 있는데 일부 학자들 중에는 마네를 넣지 않기도 합니다,

하지만 마네가 인상주의에 지극한 영향을 주었다는 것은 모두가 인정하고 있는 부분이기도 하죠.

(마네는 인상주의의 아버지라고도 불리기도 한답니다.)

그럼 마네의 그림부터 볼까요?

Edouard Manet, The Luncheon on the grass, 1863.

Titian, Pastoral Concert, c. 1509-1510.

두 그림이 비슷한 것이 느껴지시나요?

여인의 누드, 옷을 입고 있는 남성들, 구도 등에서 비슷한 점들이 느껴집니다.

하지만 마네는 그 당시 살롱(상류사회에서 예술가들이 사교활동을 했던 곳을 칭합니다.)에서 엄청난 비난을 받죠,

두 그림의 구도나 연출은 비슷하지만

밑의 그림은 신화나 현실적이지 않은 세계의 환상을 그리고 있다면

마네의 그림은 현실을 풍자하고 있기 때문입니다.

마네의 그림은 그 당시에 굉장한 센세이션을 일으켰는데, 현대의 시각에서 보면 전통적인 그림 중 하나로 밖에 보이지 않지만,

그 당시 현실을 그림에 담는다는 것은 과거 서구 전통적인 회화 자체를 부정하는 것과 같았기 때문에

살롱의 예술가들을 비롯한 화가들이 그의 그림을 보고 충격을 받았던 것은 어찌보면 당연하다고도 볼 수 있습니다.

마네가 현실을 그림에 담고 싶다했다는 것은 아래의 그림에서도 확실히 볼 수 있습니다.

Edouard Manet, Olympia, 1863.

Titian, Venus of Urbino, c.1538.

자 이제 확실히 느껴지시나요?

두 그림은 앞의 첫 예시보다 훨씬 비슷한 구도를 갖고 있습니다.

하지만 두 그림이 담고있는 내재적 의미가 다르다는 것은 말씀드리지 않아도 아시겠지요?

그 당시 살롱에서는 미의 여신 비너스를 그리는 것이 일종의 유행, 트렌드였는데요,

비너스를 그릴 때 부드러운 여성상과, 살짝 부끄러워하는 표정, 정면을 응시하지 않는 시선 등이 일종의 규칙처럼 자리잡고 있었습니다.

하지만 마네의 그림에서의 여성은 자신이 누드상태임에도 불구하고 부끄러워하기는 커녕

무척이나 당당하고, 똑바로 보는 이의 눈을 쳐다보는 듯한 눈빛을 가지고 있습니다.

또한 마네의 그림만 보았을 때는 잘 알아채시지 못하시겠지만, 당시 유행했던 그림들을 찾아보면 그의 그림이

무척이나 '그림'같다는 것을 알 수 있습니다.

아래 그림들을 보실까요?

Cabanel, The Birth of Venus, 1863.

Bouguereau, The Birth of Venus, 1879.

이 그림들이 그당시 살롱에서 유행하던 그림들입니다.

붓터치라고는 전혀 보이지 않는, 그림에서 금방이라도 튀어나올듯한 초 리얼리즘 기법이 그당시 살롱에서 유행하던 기법이였습니다.

이 그림들을 보다가 마네의 그림을 보시면, 그의 그림이 이 그림들보다 훨씬 덜 리얼하다는 것을 느끼실 수 있습니다.

특히 인물들에서 볼 수 있는 눈에 띄는 외각선이 더욱더 그림을 '그림'같아 보이게 합니다.

여러가지에서 마네의 그림은 전통을 거스르고 있습니다.

하지만 화가들에 가장 큰 충격을 주었던 것은,

다른말로 contempory art (퇴폐적인 그림) 이라고 하는데, (현실이 담겨있다는 뜻입니다.)

사회적인 비판, 혁명적인 혁신이 담겨있는 그의 이런 그림은

이는 아방가르드의 시초가 되기도 합니다.

따라서 일부 학자들은 마네가 모더니즘 아트의 시작이라고도 봅니다.
모더니즘의 시작은 '그림은 그림이다.'라는 생각에서 부터 시작되니까요.
2. 인상주의의 시작
- 첫 인상주의파 화가들의 전시회가 1874년에 개최됩니다.

대표적인 화가들은 모네, 르누아르, 드가, 카셋 등이 있습니다.

Claude Monet, Impression, Sunrise, 1872.

이젠 확실히 전통 서양 회화와는 많은 차이가 있다는 것을 느끼실 수 있습니다.

전통회화 작품들에 비하면 이 작품은 마치 스케치에 더욱 가까워 보이며(미완성 같은 느낌도 있습니다 ),

가장 큰 특징은 붓 터치의 흔적이 확실히 보인다는 점입니다.

정서적인 전달이 아닌, 순간적으로 시각에 보이는 그 느낌, 즉 인상이라는 것을 전달하기 위해서죠.

Claude Monet, Autumn at Argenteuil, 1873

모네를 비롯한 인상주의파 화가들은 자연의 어떤 순간을 바로 옮긴듯한, capture 한듯한 풍경화를 많이 제작하였습니다.

Monet, Boulevard des Capucines, Paris, 1873-74.

리얼리즘과는 반대 성향의 , 그림은 그림다워야한다는 신조로 작품을 진행 했던 인상주의 화가들.
소재는 중상류층의 도시적인 삶, 모던한 도시, 그 도시 속의 여가 활동 등이 주류를 이뤘습니다.

Pierre-Auguste Renoir, Luncheon of the Boating Party, 1881.

사람들에게 익숙한 인상주의파 화가들 중 한명인 르누아르입니다.

미술에 관심이 없더라도 이름쯤은 들어보셨겠죠...

최근 예술의 전당에서 전시도 했었는데요:)

저도 갔다오긴 했는데.. 이렇게 인상주의에 대해 더 공부하고 갔으면 더 재밌게 볼 수 있었을 텐데..아쉽네요

인상주의 화가들의 작품의 보는재미는 바로 인상주의 화가들이 각각의 붓터치가 개성이 뚜렷하다는 것이죠!

같은 학파면 스타일도 비슷하기 마련인데, 인상주의화가들은 유난히 자신만의 브러쉬 스타일이 강합니다.

Edouard Manet, A Bar at the Folies-Bergère, 1881-82.

다시 마네의 그림입니다:)

자세히 들여다 보면 이 여성 뒤의 풍경은 바로 거울속의 풍경이라는 것을 알수있습니다.

거울 속에서 여성 앞에 남성이 있는 것으로 보아 이 남성은 손님인 듯 한데요,

주목할만한 점은 왼쪽 구석의 서커스단 같아보이는 사람의 다리입니다.

인상주의 이전의 그림에서는 사람의 상반신을 자른다거나 하는 앵글은 쓰지 않았는데요,

인상주의파 화가들은 사진에서 영향을 많이 받아서 사진에서 우연히 캡쳐된 듯한 앵글을 그린 작품들이 많다고 합니다.

Edgar Degas, The Rehearsal of the Ballet on Stage, c. 1874.

드가 역시 전의 그림에서 볼 수 없었던, 사진같은 앵글, 우연히 찍힌듯한 인물들의 위치및 구성 (특히 왼쪽에 절반 가량 잘려있는 인물 )

독특한 원근법 등은 모두 그 당시 사진과 일본의 프린트들에 영향을 받은 것이라고 볼 수 있습니다:)

Edgar Degas, The Rehearsal, c. 1873-78.

Degas, The Ballet Class, c. 1875.

인상주의 이전 그림에는 프레임 안에 소재들이 다 들어가있어야한다는 고정관념이 있었지만

인상주의파 화가들은 그 고정관념을 과감히 탈피했다고 볼 수 있습니다.

Mary Cassatt, The Letter, 1890-91.

여기서 잠시 메리 카셋(혹은 카샛)이라는 화가에 관한 설명이 필요하겠네요!

* 카샛 Mary Cassatt, 1844.5.22~1926.6.14

부호의 딸로 태어나 펜실베이니아미술아카데미에서 공부한 후 생애의 절반을 유럽의 상류사회에서 보냈다.

가족의 반대를 무릅쓰고 회화를 배우고, 우연히 E.드가의 작품을 본 것이 계기가 되어, 인상파에 이끌려 전후 4회나 인상파전에 출품하였다.

드가에 가까운 작풍으로 명쾌한 색조와 경쾌한 터치가 특징이었으며, 주제는 주로 어머니와 아들을 중심으로 하는 중류가정의 정경을 취했는데,

딱딱한 사교생활 속에 일생을 독신으로 지낸 그녀의 불만스런 회포가 반영되었다.

무명시대의 인상파화가들의 작품을 많이 사준 후원자였으며 인상파를 미국에 소개하는 데도 크게 이바지하였다.

화가로서 인정받지 못한 채 실명상태로 세상을 떠났다. 그녀가 높이 평가받게 된 것은 죽은 이후의 일이다.

메리 카샛은 저도 몰랐던 인물입니다,

여성화가가 있었을 줄 몰랐는데 인상파에 유일한 미국인이자 여성이라니 엄청난 분인듯 하네요!

아무튼 이 그림으로 설명드리고자 하는 것은

"Japonism" 입니다. 이것은 프랑스어 인데 굳이 다른 언어로 번역하지 않고

미국에서도 어디서도 그냥 '자포니즘'이라고 읽는답니다.(한글로 쓰니 무척 어색하네요;;ㅋㅋ)

말 그대로 서양 미술 전반에 일본 미술에 대해 흥미를 느끼고 '일본풍' 이라는 것에 빠지게된 현상을 일컫습니다.

카샛도 여기에 속하며, 위의 작품에서 프레임이 좁고 긴 형태는 자포니즘의 영향이라고 볼 수 있습니다.

그렇다면 서양 미술계는 왜 일본풍에 열광하였을까요?

일본 미술, 특히 서민적 풍속화인 유키요에의 영향으로 19세기 말의 유럽 회화는 주제를 중심이 아닌 화면 가장자리로 옮기고,

위에서 조감하는 구도를 사용하였으며, 중경을 없애고 원경과 근경만으로 공간을 처리하거나

자포니즘은 서구의 미학이 큰 변화를 요구하는 시점에서 새로운 돌파구를 화가들에게 상당한 매력으로 다가왔다.

또한 예술이 자연스럽게 생활의 일부를 차지하는 일본 예술의 특성이 당시 서구인들의 이상에 맞았기 때문에

이러한 배경에서 일본의 미술과 일본적 취향은 서양 예술 전반에서 그 영향이 확산될 수 있었다.
- 두산 백과사전

Mary Cassatt, Maternal Caress, 1891. Drypoint and etching (print).

Cassatt, The Bath, 1890-91.

마지막 작품은 특히나 부드러운 선이며 동양적인 느낌을 많이 느낄 수 있습니다:)

그당시 여성들은 남성들 처럼 밖에서 자유롭게 활동할 수 없었다고 합니다. 카샛도 예외는 아니였겠죠,

그래서 그녀의 그림의 배경은 대부분이 실내, 집 안이며, 집 안에서 있을 수 있는 일들을 소재로 많이 그렸던 작가입니다.

그녀가 여성 작가이기 때문에 다른 인상파 화가들과도 재밌는 차이가 있습니다.

Renoir, mother nursing her child, 1886

Cassatt, The child's Bath, 1893

입니다. 같은 인상주의 화가임에도 불구하고 '모성애'라는 것을 표현하는 데에 차이가 있습니다.

수업시간에 교수님께서 어떤차이가 있는 것 같으냐, 하고 물으셔서 저희끼리 많은 얘기를 나누었는데요,

결론은 르누아르의 '모성애'는 자연적인, 그저 '양육'을 한다는 느낌이고 카샛의 '모성애'는 좀더 cultivate, 문명적인 정신적인 의미로 다가온다는 것이였습니다.

여러분의 생각은 어떠신지..?

인상주의에 대해 두서없이 설명한 것 같지만... 이해가 되시나요

여기까지 읽으셨다면 정말 감사한 분입니다.ㅎㅎ

저도 부족하지만 서로 공부한다는 차원에서 좋은 자료로 써주신다면 감사할 것 같습니다 ㅎㅎ

최근 마네에 대해 한 번 더 포스팅을 했으니 관심있는 분은 http://blog.naver.com/kdr1204/140145791998 <- 이쪽으로 와 주세요:)

오늘도 좋은하루되세욧!!

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은 공상적인 표현기법을 포함한 모든 전통적인 회화기법을 거부하고 색채·색조·질감 자체에 관심을 둔다. 를 추구한 화가들을 인상파라고 하는데, 이들은 빛과 함께 시시각각으로 움직이는 색채의 변화 속에서 자연을 묘사하고, 색채나 색조의 순간적 효과를 이용하여 눈에 보이는 세계를 정확하고 객관적으로 기록하려 하였다. 1.