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A História do Design se inicia na Europa no momento em que os sistemas de produção começaram a se modificar e com eles o sistema em que os artesãos eram treinados para atender a demanda das cortes, seus reinos e suas colônias em expansão no século XVII.
Em 1664 o rei Luis XIV da França criou a Manufatura Real de Tapeçarias e Gibelinos e em 1684 a Real Academia de Pintura e Escultura com o objetivo de liderar nas artes e no comércio como estratégia de crescimento e poder. O trabalho que se desenvolvia nas manufaturas onde trabalhavam os melhores artesãos franceses era admirado pela qualidade e beleza dos produtos.

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O crescimento da burguesia tanto na Europa como nas colônias e ex-colônias determinou o crescimento da demanda. Maior produção exigiu maior competência entre as industrias. Desta maneira se fez necessário uma divisão do trabalho mais efetiva na linha de produção. Os padrões tradicionais foram sacrificados por propósitos comerciais, o que resultou em objetos menos luxuosos e mais austeros ao alcance da classe burguesa e operária.

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A Rainha Vitória (1837-1907) da Grã Bretanha marcou uma era muito importante para a cultura inglesa: a Era Vitoriana. No seu reinado as artes, as ciências e a tecnologia foram desenvolvidas em um espaço de tensão entre a tradição do passado e a modernidade. O estilo vitoriano, do qual os ingleses se orgulharam, se estendia aos objetos, móveis, roupa, tecidos, gráfica, arte, arquitetura, paisagismo e design de interiores. Sua influencia chegou a muitos outros continentes e durou mais de um século.

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Assim como para Ruskin e Pugin, para William Morris o retorno ao sistema dos grêmios da Idade Média e o retorno à vida em contato com a natureza eram as únicas saídas da alienação das metrópoles, da fria e artificiosa beleza do ferro, da produção industrial em série e da miséria causada pela exploração e pelo trabalho mecanizado das fábricas (ECO, 2007).

Movido por estas idéias iniciou o movimento Arts and Crafts (Artes e Ofícios) e fundou em 1861 junto ao arquiteto Philiph Webb e outros associados, um estúdio de design com o propósito de restabelecer os laços entre o trabalho belo e o trabalhador e voltar á honestidade do design que a produção em massa negava. O estúdio de Morris e Webb ficou conhecido pela idéia da casa como uma obra de arte total, com todos os objetos desenhados pelos arquitetos e realizados por artesãos experientes usando métodos tradicionais e se inspirando na natureza.

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O movimento do Art Nouveau se iniciou na França e se expandiu por toda a Europa convertendo-se em um estilo internacional. Em inglês se conheceu como Modern Style, em espanhol e português como Modernismo, em alemão como Jugenstil e em italiano como Liberty ou Estilo Floreale.

Este movimento esta estreitamente ligado às correntes artísticas de fim de século que promoveram a imaginação, a expressão e o simbolismo na arte, mas também à produção industrial em série e ao uso de materiais modernos como o ferro, vidro e cimento. À diferença do movimento Arts and Crafts, o movimento francês do Art Nouveau valorizava a racionalidade da ciência e da engenharia e acompanhava o crescimento da burguesia. Era uma nova geração que tinha nascido e crescido nas metrópoles. Desta maneira o Art Nouveau estabeleceu uma articulação estreita entre arte e indústria resultando numa alta qualidade estética dos objetos.

O Art Nouveau foi o primeiro fenômeno de moda em que as tendências da arte era aplicadas aos objetos. Moderno significa novo, atual. A moda é uma novidade que toma conta de todos os aspectos da vida. Isto foi possível no contexto de uma sociedade que já contava com uma rápida propagação das idéias e os costumes pelos meios de transporte e comunicação e que contava com um mercado entusiasmado pelo consumo das novidades modernas.

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Os movimentos de vanguarda emergiram na Europa nas duas primeiras décadas do século 20 e provocaram ruptura com a tradição cultural do século 19. Foram extremamente radicais e influenciaram manifestações artísticas em todo o mundo.

As cinco principais correntes vanguardistas foram: futurismo, cubismo, dadaísmo, expressionismo e surrealismo.

Futurismo: primeiro movimento merecedor da classificação de vanguarda, caracteriza-se pelo interesse ideológico na arte. Sua produção preconiza a subversão radical da cultura e dos costumes, negando o passado em sua totalidade e pregando a adesão à pesquisa metódica e à experimentação estilística e técnica.

Cubismo: resultado das experiências de Pablo Picasso (1881 – 1973) e de Georges Braque (1882 – 1963), esteve, inicialmente, ligado à pintura e teve por princípio a valorização das formas geométricas. Na literatura, caracteriza-se pela fragmentação da linguagem e geometrização das palavras, dispostas no papel de maneira aleatória a fim de conceber imagens.

Dadaísmo: surgido em 1916, durante a Primeira Guerra Mundial (1914 – 1918), constitui um grito de revolta contra o capitalismo burguês e o mundo em guerra. Por isso, os dadaístas são contra as teorias e ordenações lógicas.

Expressionismo: tem como herança a arte do final do século 19 e valoriza aquilo que chama de expressão: a materialização criativa (na tela ou no papel) de imagens geradas no mundo interior do artista.

Surrealismo: como o Expressionismo, preocupa-se com a sondagem do mundo interior, a liberação do inconsciente e a valorização do sonho. Esse fascínio pelo que transcende a realidade aproxima os surrealistas das ideias do psicanalista austríaco Sigmund Freud (1856 – 1939).

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O Neoplasticismo foi um movimento artístico vanguardista das artes (plásticas, arquitetura, designer, escultura, literatura) que teve início no século XX, sendo seu precursor o pintor neerlandês Piet Mondrian. Foi ele o criador do termo que deu nome ao movimento, definido em uma de suas obras: “Le Neo-plasticisme”.
O movimento neoplástico, baseado nos ideais dos movimentos cubista e naturalista e, ainda na teosofia, propunha uma nova expressão artística, ou seja, uma nova “plasticidade” pautada na abstração geométrica e redução da expressão plástica, expressas pela clareza, objetividade e ordem.

O Primeiro Manifesto do Neoplasticismo, foi publicado na Revista “De Stijl” (O Estilo), em 1918, ano do fim da primeira guerra mundial. O segundo e o terceiro manifesto, foram publicados dois anos mais tarde (1920). No total foram cinco manifestos publicados até 1923, entretanto, a revista vigorou até 1928, quando o movimento começa a apresentar um declínio.

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A ideologia libertária que norteia as vanguardas em geral adquire feições particulares na Rússia, com a revolução de 1917. A sociedade projetada no contexto revolucionário mobiliza os artistas em torno de produções concretas para o povo. A pintura e a escultura são pensadas como construções, e não como representações, próximas da arquitetura em termos de materiais, procedimentos e objetivos. O construtivismo, 1913, aproxima os relevos tridimensionais de Vladimir Tatlin, a obra de Alexander Rodchenko e os trabalhos dos irmãos Antoine Pevsner e Naum Gabo, signatários do Manifesto Realista de 1920, que sob influência de Malevich defendem uma arte livre de finalidades práticas e comprometida com a pura visualidade plástica.

O Construtivismo teve influência profunda na arte moderna e no design moderno e está inserido no contexto das vanguardas estéticas europeias do início do Século XX. Algumas manifestações influenciadas pelo construtivismo são De Stijl e Bauhaus.

Para o construtivismo, a pintura e a escultura são pensadas como construções, e não como representações, guardando proximidade com a arquitetura em termos de materiais, procedimentos e objetivos. Caracterizou-se, de forma bastante genérica, pela utilização constante de elementos geométricos, cores primárias, fotomontagem e a tipografia sem serifa.

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Bauhaus foi uma famosa escola de artes, arquitetura e design, fundada em 1919, em Weimar, Alemanha. A filosofia da Bauhaus revolucionou a história do design e impregnou seus membros que usavam a expressão “Estilo Bauhaus” para designar seus produtos.

As características da Bauhaus foram definidas por Gropius e publicadas no primeiro manifesto da escola dizendo: “A Arquitetura é a meta de toda a atividade criadora. Completá-la e embelezá-la foi antigamente, a principal tarefa das artes plásticas... Não há diferença fundamental entre o artesão e o artista... Mas todo artista deve necessariamente possuir competência técnica. Ai reside sua verdadeira fonte de inspiração criadora... Formaremos uma escola sem separação de gêneros que criam barreiras entre o artesão e o artista. Conceberemos uma arquitetura nova, a arquitetura do futuro, onde a pintura, a escultura e a arquitetura formarão um só conjunto”.

Com o apoio de colegas arquitetos e de um grupo de artistas de vanguarda e com um modelo revolucionário a Bauhaus combatia a arte pela arte e estimulava a livre criação. “Mais importante que formar um profissional, era formar homens, ligados aos fenômenos culturais e sociais mais expressivos do mundo moderno”, dia Gropius. O ensino era elástico e contava com a participação na pesquisa conjunta, de artista, mestres de oficinas e alunos e incluía os mais diferentes tipos de criação, como a pintura, a música, a dança, a fotografia, o teatro etc.

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Art Decó é um estilo artístico que surgiu na Europa nos anos 20 e influenciou as artes, moda, cinema, arquitetura, design de interiores, entre outras áreas. Entre as suas características estão o uso de formas geométricas, ornamentos e design abstrato.

Conhecido também como estilo anos 20, o Art Decó na arquitetura teve seu ápice com a construção dos arranha-céus americanos. No Brasil, ele aparece com frequência em teatros, estações ferroviárias e imóveis nas grandes cidades.
O início do Art Decó foi marcado pelo uso de muitas cores, brilho e estampas florais. Mas com o passar do tempo o estilo foi recebendo a influência do cubismo, e passou a valorizar mais as formas geométricas.

Já no final dos anos 20, com a aproximação da Grande Depressão, o Art Decó foi ficando ainda mais modesto e sem muitos ornamentos.