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- Los textos son en lengua vulgar.

- Se da una gran tendencia a los modos mayor y menor actuales.

- Los temas son más originales y no están tomados de los ya existentes

-Voces solistas acompañadas de algún instrumento.

- Las formas varían según la nación, pero se juntan en la segunda mitad del siglo en la canción y en el madrigal.

- Disposición de las voces del coro que perdura actualmente: soprano (superius), contralto (alto), tenor y bajo.

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Misas: utilizan palabras religiosas como Kyrie, Gloria, Credo, Agnus dei y Sanctus.

Todas en latín y utilizan el contrapunto.

Motete: canto polifónico, de regular extensión, en latín, al igual que en la misa utilizan el contrapunto de duración breve.

Coral luterano: canto sagrado de las iglesias protestantes alemana. Tiene estilo homofónico y texto en alemán. Solían estar acompañadas por el órgano. Con el tiempo se armonizaron a 4 voces y pasó a ser cantado por un coro.

Himno anglicano: Dos tipos:

- Anthem pleno: sin acompañamiento y contrapuntístico.

- Anthem de versículo: acompañado con un órgano o viola. Se interpreta en la iglesia anglicana y los textos están en inglés.

Los anthem están a 4 voces.

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Italia: El madrigal, La frottola y La villanesca.

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Italia: El madrigal, La frottola y La villanesca.

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Entre finales del siglo XV y principios del XVI se desarrolla en Italia un estilo de canciones polifónicas sencillas y silábicas, con un estilo flamenco, siendo las más importantes:

-La Frottola: Cantado a 4 voces, homofónica y popular, mayormente cantado en fiestas sociales y trata eróticos y satíricos.

-La Villanesca: Es parecida a la frottola pero más refinada.

-El Madrigal: Es cantado a 4 voces, es de forma libre y su melodía es adaptada ritmicamente a un texto de tema amoroso. Uno de los pricipales compositores que cultivó este fue Monteverdi.

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Su compositor principal fue Palestrina que escribió 150 misas.

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Kyrie - Missa Papae Marcelli - Palestrina

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Su principal compositor fue Orlando Di Lasso el cual tiene más de 500 obras.

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La danza estaba muy difundida en el Renacimiento.

- Se esperaba que todos los hombres y mujeres educados fueran grandes bailarines, por ello gran parte de la música instrumental estaba formada por piezas de danza para laúd, instrumentos de teclado o conjuntos.

Estas piezas tienen esquemas rítmicos, muy marcados y bastante regulares y se dividen en secciones diferenciadas. Hay escaso juego contrapuntístico entre sus voces.

-Las danzas se agrupaban en pares, una combinación muy frecuente era de una danza lenta en ritmo binario, seguida de otra rápida en ritmo ternario, como sucede con la pavana seguida de la gallarda.

-En la segunda mitad del siglo XVI, la música de danza para laúd, instrumentos de teclado y conjuntos se publicó en crecientes cantidades y y se convirtió en piezas estilizadas que conservaban los ritmos característicos y los rasgos generales de las danzas.

-Hay danzas lentas y elegantes (bajas danzas, pavanas, alemandas) y también rápidas y animadas (gallardas, canarios). Sin embargo algunas danzas tenían coreografías fijas, mientras que otras se improvisaban según el gusto y habilidad de los participantes.

Muchas danzas eran para parejas pero otras para grupos o diferentes combinaciones de hombres y mujeres. Existían también danzas que se movían en círculo, que conocemos por los branles.

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El madrigal en Inglaterra se consideraba como música de cámara o de solistas, con ritmos de danza y homofónico. También era menos artificioso que el italiano y con textos más sencillos y menos refinados. Sus autores más importantes son W. Byrd, Gibbons y Thomas Morley.

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La Pavana es una danza de origen español que alcanzó un gran desarrollo en el resto de Europa.

De carácter lento y majastuoso, generalmente tiene forma binaria AB, en compás binario y con una base rítmica de blanca y dos negras.

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Martin Lutero fue su compositor principal que inició la reforma protestante.

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Martin Luther- Ein feste burg chorale melody

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La gallarda es una danza popular en toda Europa en el siglo XVI, teniendo gran predilección en Inglaterra.

Es de ritmo rápido y ágil, está escrita en compás de 6/8.

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Villancico: Es español y su estructura alterna estrofas y estribillos. La temática es variada, no sólo religiosa.

Juan del Enzina compone muchos para finalizar sus obras teatrales, conservados en el “Cancionero de Palacio”.

Romance: polifónico, basado en antiguos romances españoles, se estructura en cuatro frases musicales que corresponden con los cuatro versos de la primera estrofa.

Autores : Juan del Enzina y Juan Vázquez.

Ensalada: Obra polifónica que mezcla diferentes géneros, mezclan temas diferentes, texturas, timbres, etc. Las de Mateo Flecha el Viejo tienen curiosas mezclas lingüísticas (italiano, castellano, latín), profanas y religiosas, etc.

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JUAN DEL ENCINA - AY TRISTE QUE VENGO (letra original y traducción)

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La basse danse fue la danza cortesana más popular en el siglo XV y principios del XVI.

Las parejas se movían tranquilamente y con gracia en un lento movimiento de deslizamiento o caminar, alzando y bajando sus cuerpos, de dichos movimientos viene el nombre de esta danza.

La pavana tiene su origen en la basse danse.

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Conocida como chanson, era de raíz trovadoresca que rechazaba los artificios contrapuntísticos, la espontaneidad y la delicadeza. Trata temas cómicos y eróticos, usa el silabismo y la precisión rítmica francesa, es muy expresiva y le gusta expresar los efectos naturales, como, los cantos de los pájaros. Destaca Clemente Jannequin (1485-1558), con cuatrocientas canciones, como “Las charlatanas”, “Los gritos de París”, “La batalla de Marignan”.

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Clément Janequin - Voulez ouyr les cris de Paris

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William Byrd fue conocido por estos himnos y también era organista.

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William Byrd - Ave verum corpus - The Sixteen

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Desarrollo de la música instrumental durante el renacimiento:

-Se desarrolla durante la edad media, se establecen una clasificación entre instrumentos para el exterior (altos) viento y para el interior (bajos) cuerda.

Cambios que favorecieron el desarrollo.

-Enriquecimiento de la sociedad y una afición a la música por parte de la burguesía.

-Los avances científicos ayudaron a la invención de nuevos instrumentos.

Fuentes para estudiarlo:

-Tratados musicales: Descripciones de instrumentos, destacan; Virdung, Agrícola y praetorius.

-Iconográficas: La música instrumental aparecen en ceremonias publicas, cortejos, etc.

-Instrumentos conservados: Se da en el siglo XVI, nos permiten su reconstrucción.

La imprenta revoluciono la transición de información y escritura de libros.

Características:

-Obras polifónicas: Equilibrio entre las voces.(4)

-Contrapunto imitativo: Imitaciones entre diferentes melodías.

-Los instrumentos suelen doblar las melodías vocales.

-Búsqueda del goce sensual en la música.

-Dignificación del músico profesional

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Música renacentista

Bienvenidos al fascinante mundo de la música renacentista. Sumérgete en un viaje a través de la rica interacción entre arte, cultura y sonido en la Europa del siglo XIV al XVII. Exploraremos las innovadoras composiciones, los instrumentos distintivos y la influencia duradera de este período en la música clásica. ¡Descubre cómo el renacimiento dio vida a notas que perduran en la historia!

¿Qué es la música renacentista?

La música renacentista, florecida entre el siglo XIV y XVII, es un cautivador capítulo de la historia musical. Caracterizada por armonías melódicas, texturas polifónicas y una relación íntima con el arte y la sociedad de la época, esta música refleja la riqueza cultural y eslabones sonoros que enlazan el pasado y el presente.

Contexto histórico la música renacentista

La música renacentista, floreciente entre los siglos XIV y XVII, marcó la transición entre la Edad Media y la Era Moderna, evolucionando junto a cambios sociales y artísticos. La polifonía reemplazó las texturas monofónicas, permitiendo ricas armonías y expresiones emocionales complejas. Se destacó por colaborar con artes visuales, fusionando música con pintura y escultura para experiencias sensoriales integrales.

El mecenazgo fue vital, con la nobleza apoyando a músicos y compositores, fomentando la creatividad y el desarrollo musical en cortes y la alta sociedad. Instrumentos como la viola da gamba y el laúd ampliaron la paleta sonora, enriqueciendo la variedad y emoción de las composiciones.

La música renacentista influyó en la música posterior y dejó una marca perdurable en la cultura contemporánea. Sus melodías y armonías continúan inspirando a músicos y oyentes en la actualidad. Como reflejo de una época de cambio, la música renacentista trasciende el tiempo, capturando la esencia humana y su complejidad emocional.

En resumen, la música renacentista encarna la transformación musical, la colaboración artística y el mecenazgo, dejando una herencia sonora duradera y recordando la conexión intrínseca entre el arte, la cultura y la historia.

Missa alma redemptoris

Características y estilo de la música renacentista

La música renacentista se distingue por una serie de características clave que la hacen única en la historia musical:

1. Polifonía Sofisticada: La música renacentista se caracteriza por la creación de múltiples líneas melódicas que se entrelazan de manera armoniosa y compleja, creando una rica textura polifónica.

2. Expresión Emocional: Los compositores renacentistas buscaban transmitir emociones profundas a través de sus composiciones, utilizando armonías y melodías para evocar sentimientos variados.

3. Relación con las Artes Visuales: La música renacentista tenía una estrecha relación con otras formas de arte, como la pintura y la escultura. Los músicos colaboraban con artistas visuales para crear experiencias multisensoriales.

4. Mecenazgo y Patrocinio: Los gobernantes y la alta sociedad apoyaban a músicos y compositores, lo que permitía la creación de obras musicales de alta calidad y complejidad.

5. Diversidad de Géneros: La música renacentista abarcaba una amplia gama de géneros, desde música sacra como misas y motetes hasta música profana como canciones y danzas.

6. Uso de Instrumentos Variados: Hubo un aumento en la variedad y desarrollo de instrumentos musicales, incluyendo la viola da gamba, el laúd, la flauta y el órgano.

7. Textura Clara y Equilibrada: Aunque la polifonía era común, los compositores renacentistas también valoraban la claridad y el equilibrio en sus obras, creando melodías que eran fácilmente audibles y comprensibles.

En conjunto, estas características definen el distintivo y enriquecedor estilo de la música renacentista, que sigue siendo un testimonio perdurable de la conexión entre la música, el arte y la cultura de esa época.

Artistas de la música renacentista y su contribución

La música renacentista fue enriquecida por la creatividad de numerosos artistas talentosos que dejaron una huella perdurable en la historia musical. Aquí hay una lista de algunos de los artistas más destacados de ese período:

1. Josquin des Prez (1440-1521): Renombrado por su maestría en la polifonía y su habilidad para transmitir emociones a través de su música. Sus composiciones influyeron en generaciones de músicos posteriores.

2. Giovanni Palestrina (1525-1594): Conocido por su estilo equilibrado y sereno, Palestrina fue un maestro en la composición de música sacra. Sus obras influyeron en el desarrollo del canto coral.

3. Orlando di Lasso (1532-1594): Este compositor nacido en los Países Bajos dejó un legado significativo en la música renacentista, creando composiciones tanto sacras como profanas de gran belleza y expresión.

4. Thomas Tallis (1505-1585): Importante compositor inglés, Tallis fue conocido por sus composiciones litúrgicas y polifónicas, contribuyendo al desarrollo de la música coral en Inglaterra.

5. William Byrd (1543-1623): Contemporáneo de Tallis, Byrd fue otro influyente compositor inglés. Sus obras exploraban diversas formas musicales, desde misas hasta música para teclado.

6. Guillaume Dufay (1397-1474): Uno de los primeros compositores renacentistas, Dufay desempeñó un papel clave en la transición de la música medieval a la renacentista, incorporando innovaciones en su música polifónica.

7. Clément Janequin (c. 1485-1558): Este compositor francés es conocido por sus "chansons", canciones líricas y animadas que capturan la esencia de la vida cotidiana renacentista.

Estos artistas representan solo una fracción de la riqueza y diversidad de la música renacentista. Sus obras continúan siendo apreciadas y estudiadas en la actualidad, reflejando la duradera influencia y contribución de la música renacentista al panorama musical global.

Principales obras de la música renacentista

La música renacentista nos ha legado una variedad de obras maestras que siguen siendo apreciadas por su belleza y profundidad. Aquí están algunas de las obras destacadas de ese período:

1. "Missa Papae Marcelli" - Giovanni Palestrina: Una de las misas más famosas del Renacimiento, esta obra ejemplifica la claridad y la serenidad característica de la música de Palestrina.

2. "Ave Maria...virgo serena" - Josquin des Prez: Esta composición es un ejemplo magistral de la habilidad de Josquin para crear texturas polifónicas emotivas y expresivas.

3. "L'homme armé Mass" - Guillaume Dufay: Utilizando el popular cantus firmus "L'homme armé" (El hombre armado), Dufay creó una misa que combina la tradición con elementos innovadores.

4. "Spem in alium" - Thomas Tallis: Una obra coral monumental escrita para 40 voces, que demuestra la maestría de Tallis en la creación de texturas polifónicas ricas y densas.

5. "Flow My Tears" - John Dowland: Una emotiva canción para voz y laúd que destaca la habilidad de Dowland para transmitir sentimientos a través de la música.

6. "Mille regretz" - Josquin des Prez: Esta canción para voz y laúd es un ejemplo de la influencia de Josquin en la música profana, con melodías cautivadoras y emotivas.

7. "Canciones" - Clément Janequin: Las "chansons" de Janequin, como "La guerre" y "Le chant des oiseaux", capturan la vida cotidiana con ingenio y color.

Estas obras no solo son valioso testimonio de la música renacentista, sino también fuentes de inspiración que continúan cautivando a oyentes y músicos en la actualidad.

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Bagpipe

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Bladder Pipe

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Crumhorn

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Dulcimer

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Cornamuse

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A finales del Renacimiento asistimos al nacimiento del ballet. Como especie de teatro bailado, tuvo su origen en algunas cortes italianas y sobre todo en Francia Ballet comique de la reine, que se representó en París en 1581.

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CONTEXTO HISTÓRICO, SOCIAL, ECONÓMICO, CULTURAL Y ARTÍSTICO DEL RENACIMIENTO

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CONTEXTO HISTÓRICO, SOCIAL, ECONÓMICO, CULTURAL Y ARTÍSTICO DEL RENACIMIENTO

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El Renacimiento fue un periodo entre el Siglo XV y XVI. Fue un movimiento artístico, social, económico, político y cultural que tuvo su origen en Italia. El pensamiento generalizado de este periodo fue el Humanismo.

Esta época sufrió grandes cambios:

Gran desarrollo del comercio.

Esto supuso un crecimiento económico y la aparición de la Burguesía.

Las ciudades toman importancia desde el punto de vista:

- Cultural: se inventa la imprenta, aparecen las universidades y se avanza en la ciencia

- Económico: centros de intercambio comercial.

- Social: surge la figura del cortesano y los mecenas.

Es un periodo de guerra debido a motivos religiosos:

- Reforma protestante en Alemania (Lutero), N. Francia y Suiza (Calvino), Inglaterra (Enrique VIII). Contrarreforma (España).

Los primeros artistas q protagonizaron el renacimiento pensaban que resucitaban la antigüedad griega y latina. A parte de un movimiento artístico también fue una forma de pensar y vivir.

En esta época hubo desprecio por lo medieval porque se le dio al arte medieval el nombre de gótico. Se buscaba la armonía, el equilibrio y la proporción con la filosofía de Platón y el canon del arte griego.