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Dossier thématique pour une approche de la création contemporaine

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En scènes : le spectacle vivant en vidéo

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Introduction

La danse contemporaine française apparue au début des années 80 a entraîné un mouvement de fond artistique qui a essaimé avec une vitalité unique dans le monde entier. Des noms désormais connus à l'international comme Philippe Decouflé, Angelin Preljocaj, Jean-Claude Gallotta, Joëlle Bouvier et Régis Obadia...ont contribué à construire et faire évoluer un paysage chorégraphique en perpétuel questionnement.

Plus de cinq cents compagnies de danse sont actuellement répertoriées en France. Dix-neuf centres chorégraphiques nationaux sont dirigés par des artistes et participent à l'effervescence d'une scène parmi les plus pointues du spectacle vivant. Le Centre national de la danse, à Pantin, est devenu un haut lieu de soutien et de promotion de la danse sous toutes ses formes.

Le boum des années 80

On date la naissance de la danse contemporaine française du début des années 80. On lui fait brandir l'étendard d'un geste neuf et original qui fait table rase du passé et de la danse classique. On lui accorde une liberté ravageuse et une invention en rapport. On lui donne une couleur politique avec l'avènement de François Mitterrand et la nomination de Jack Lang au poste de Ministre de la Culture qui va soutenir et solidifier ce mouvement artistique en ouvrant les centres chorégraphiques nationaux et en subventionnant les chorégraphes.

Exception française, la danse contemporaine surgit en même temps que des artistes comme Dominique Bagouet, Jean-Claude Gallotta, Régine Chopinot, Daniel Larrieu, Angelin Preljocaj...Explosion de mouvements, de sensations, de désirs, de couleurs, de musiques... Ces auteurs chorégraphiques imposent sur le plateau des univers, des obsessions, des thèmes et une écriture singulière qui les distingue. Si la plupart d'entre eux a peu ou prou suivi des cours de danse classique ou moderne, certains viennent aussi des arts plastiques comme Gallotta, ou de l'architecture comme François Verret. A 16 ans, Daniel Larrieu préparait un BEP jardins et espaces verts. Le point commun de ces personnalités atypiques : inventer une gestuelle qui ne doit rien qu'à eux et la formidable énergie des années 80.

Identité

Parmi les pièces-phares apparues au début des années 80, il faut citer celles de Dominique Bagouet (1951-1992), dont l'écriture insolite et subtile, mixant les pas classiques à ceux de danses populaires, est un régal de fantaisie fine. Dès 1976, avec Chansons de nuit (1976), interprétée par Bagouet lui-même, accompagnée à l'accordéon par Eliane Lencot, il remporte le Concours de Bagnolet. C'est en 1981 que Régine Chopinot, qui a fondé sa compagnie en 1978, décroche le prix de Bagnolet avec Halley's Comet, bombe d'énergie. Jean-Claude Gallotta lance sa compagnie, le Groupe Emile Dubois, en 1979 avec des amis de tous bords dont la danseuse Mathilde Altaraz. Il impose son talent en 1981 avec Ulysse, " ballet blanc " croisant et décroisant les fils d'élans juvéniles...

Tous jettent sur scène des volées de danseurs urgents, débordants d'électricité et d'appétit... tous différents. Les interprètes contemporains se distinguent des classiques, profilés et impeccables. Il y a des grands, des gros, de petits, des moyens... Certains ne possèdent aucune technique, ni savoir-faire. Aucune importance. Seuls comptent le désir, la sincérité d'un geste, porté par chacun tel qu'en lui-même. C'est la vie qui mène le jeu et la danse.

Les chorégraphes laissent de côté le livret du ballet pour oser d'autres histoires plus explosées, abstraites parfois, quotidiennes aussi, toujours sculptées à même le corps en mouvement. Ils cherchent à dire quelque chose d'inconnu et en trouvent les moyens dans le secret de leur studio de travail.

Le mouvement revendiqué surgit du plus profond des corps et du psychisme des artistes. La danse contemporaine est un art de l'inconscient qui dialogue avec l'inconscient des spectateurs. Conflictuelle, toujours ouverte aux évènements du monde, elle s'en fait le réceptacle et en relance les enjeux sur le plateau.

Le concours de Bagnolet

En 1968, le danseur Jaque Chaurand lance le Concours de Bagnolet. Il veut soutenir les chorégraphes dans un contexte peu propice à la création et à la diffusion. Il donne rendez-vous dans un gymnase à toutes les compagnies qui ont envie de montrer leur travail. Peu à peu, l'affaire prend et s'envole au milieu des années 70. Dès 1976, Dominique Bagouet, Jean-Claude Gallotta, puis Maguy Marin, sont sur les rangs et décrochent des prix. De plus en plus suivi, dans une ambiance haute en couleurs, le Concours de Bagnolet va devenir la plaque-tournante de la jeune création chorégraphique et le tremplin de ce que l'on appellera la danse contemporaine française.

Tous y défileront, de François Verret à Régine Chopinot, de Joëlle Bouvier et Régis Obadia à Claude Brumachon... En 2009, grâce à l'initiative et la passion du danseur et chorégraphe Emilio Calcagno, et l'accord de Jaque Chaurand, une soirée de pièces intitulée " Nouvelle Vague-Génération Bagnolet " voit le jour. Avec l'accord des artistes, quatre pièces courtes emblématiques signées Bagouet, Gallotta, Larrieu et Preljocaj, sont remontées et transmises à de jeunes danseurs.

Les pionniers des années 70

La danse contemporaine, qui prétendait faire table rase du passé, a évidemment profité du travail et du succès de nombre d'artistes. Les filiations sont nombreuses qui permettent de fixer une photo de famille riche et complexe.

Béjart et Cunningham

Deux figure paternelles ont marqué les danseurs. Côté européen, Maurice Béjart, personnalité contestée parfois par les jeunes contemporains mais imparable, est de plus en plus reconnue. Celui qui a fait de la danse un art populaire a mis en scène des pièces inoubliables comme Symphonie pour un homme seul (1955), Le Sacre du printemps (1959) ou encore Boléro ( 1961). Il a osé le métissage des cultures et des musiques, les hommes en jeans, le théâtre total, l'érotisme et la philosophie... Il a ouvert en 1970 une école Mudra, à Bruxelles, qui accueillera jusqu'en 1987 quelques-uns des chorégraphes les plus en vue comme Anne Teresa de Keersmaeker, Catherine Diverrès, Bernardo Montet, Hervé Robbe, Michèle Noiret et bien d'autres. Avec lui entrent en scène la narration, le théâtre, le spectaculaire, le mélange des genres...

De l'autre côté de l'Atlantique, Merce Cunningham (1909-2009 ), dans le studio duquel nombre de danseurs et chorégraphes viendront chercher des outils de travail au début des années 80, attire pour sa modernité, son talent pour l'abstraction, sa revendication du mouvement pour le mouvement...

L'école américaine

Les artistes français filent aussi faire leurs apprentissages et se doter d'outils de travail auprès d'Alwin Nikolais (1910-1993), qui sera directeur du Centre national de danse contemporaine d'Angers de 1978 à 1981. Parmi ses élèves, Philippe Decouflé, Dominique Boivin, Marcia Barcellos, Maria Donata d'Urso et bien d'autres, aujourd'hui chorégraphes reconnus.

L'influence américaine sur la danse contemporaine est très forte.

Ex-interprètes de Nikolais, Susan Buirge et Carolyn Carlson s'installent à Paris au milieu des années 70 et rassemblent autour d'elles nombre de jeunes artistes en rupture de ban. Invitée par le directeur de l'Opéra de Paris Rolf Lieberman, Carlson ouvre le Groupe de recherches théâtrales de l'Opéra de Paris ( GRTOP) en 1975 et donne des ateliers pendant cinq ans dans la Rotonde des abonnés.

Côté allemand

Du côté allemand, l'influence est moindre, même si l'impact de la chorégraphe allemande Pina Bausch (1940-2009), directrice du Tanztheater Wuppertal depuis le milieu des années 70, se fait sentir sur le milieu de la danse et du théâtre. Des personnalités comme Françoise et Dominique Dupuy, collaborateur du chorégraphe allemand Jean Weidt dans les années 40, ont créé leur compagnie en 1955 et perpétuent un geste chorégraphique enraciné dans l'urgence intérieure. En 1969, ils ont ouvert les Rencontres Internationales de Danse Contemporaine, au sein desquelles un institut de formation partagé avec Jacqueline Robinson formera nombre de jeunes artistes. La danseuse Karin Waehner (1926-1999), complice de Mary Wigman ( 1886-1973) dans les années 40 à Leipzig, enseigne à la Schola Cantorum à Paris et transmet une pensée de la danse ancrée dans l'expression de la personnalité de chacun. Elle y aura comme élève Angelin Preljocaj qui ira aussi à New-York travailler chez Cunningham.

Le clash des années 90

Au milieu des années 90, d'anciens interprètes de Régine Chopinot, Philippe Decouflé, Jean-Claude Gallotta... se rebellent contre la belle danse des années 80, celle qui abat du mouvement au kilomètre pour le seul plaisir d'additionner des gestes les uns aux autres. Ils se dressent aussi contre le spectaculaire, la virtuosité, le luxe de certaines productions...Ce qu'on va appeler " la non-danse ", la " danse conceptuelle " ou " plasticienne " apparaît et brise les codes en vigueur. Les noms de Jérome Bel, Boris Charmatz, Emmanuelle Huynh, Alain Buffard, Christian Rizzo... grimpent en haut de l'affiche. Ils disent " non " !

" Non " à la gratuité du geste, aux décors, aux costumes, aux effets de lumière, à la musique... Le spectacle Jérôme Bel en 1995, sur le plateau du Théâtre de la Bastille, à Paris, se lit comme un manifeste. Deux danseurs nus, une chanteuse dans le même appareil qui ose un Sacre du Printemps a capella, une petite ampoule pour tout éclairage. Ils épellent leurs codes vitaux (nom, prénom, mensurations, compte bancaire, montant d'argent à disposition...) tout en triturant leur corps. Avec Jérôme Bel, Jérôme Bel affirme haut et fort son impossibilité de lever la jambe, d'enfiler des mouvements comme des perles... Il pose aussi sur le plateau l'un de ses thèmes de prédilection, celui de l'identité.

Cette remise en question de tous les paramètres du spectacle de danse, comme il faut s'y attendre, va opérer un bouleversement sur les plateaux. L'obscurité envahit la scène - Emmanuelle Huynh crée Mua (1994), un solo plongé dans le noir - ; le mouvement se fige. Les spectacles chorégraphiques se rapprochent d'installations plastiques ou de performances.

Boris Charmatz, nommé directeur du Centre chorégraphique national de Rennes en 2008, a choisi de le rebaptiser Musée de la danse. Au carrefour de la danse, de l'écriture, des arts plastiques, de la pédagogie, il revendique ce lieu comme " une idée nomade, qui peut se déplacer, abriter du temps, du vide, des discours, des nus, du politique, des discussions, des œuvres et des fantasmes... ".

Le grand mix des années 2000

La non-danse a considérablement changé la donne chorégraphique et permis à des formes inédites de voir le jour. Elle a aussi parfois figé l'invention du mouvement au risque de le paralyser. Parallèlement, les spectacles chorégraphiques sont devenus les plaques-tournantes de multiples pratiques, accueillant le texte, les arts plastiques, la vidéo, le cirque, les marionnettes... Au risque parfois de devenir un fourre-tout et de ne plus ressembler du tout à ce qu'on peut appeler une pièce de danse. Des expressions sont apparues comme, par exemple, " la danse dansée " ou " une proposition dansée dansée "* ! Symptômes presque comiques d'une situation artistique telle que le seul mot " danse " ne signifie pas tout à fait ce que l'on croit.

La danse devient un laboratoire très excitant qui ose tout jusqu'à faire disparaître les danseurs dans l'obscurité ou les remplacer par des robots. Le " grand mix " est devenu monnaie courante sur scène. Les spectacles multimédia, pluridisciplinaire, hybrides, transdisciplinaires... fleurissent. En 2009, l'Association régionale pour la création artistique et la diffusion en Ile-de-France (Arcadi) a fait disparaître son département " danse " : il est désormais englobé dans un pôle " arts de la scène ". Il n'empêche que de nouveaux noms, tous passionnants, tous différents, surgissent encore et toujours, affirmant la puissance de la danse comme Olivier Dubois, Alban Richard, David Wampach... L'éclectisme du paysage chorégraphique s'affirme avec vigueur.

Le revival des années 80

Le chambardement de la danse conceptuelle a cependant entraîné une désertion d'une partie du public. Asséner un art déceptif, pourquoi pas, mais le retour de bâton s'appelle parfois pour certains spectateurs " déception, frustration et arnaque ". Cela explique-t-il le retour depuis la fin des années 2000 de pièces des années 80 ? Sans doute. Pudique acide/Extasis (1984), remontés en 2011 par Mathilde Monnier et Jean-François Duroure, Daphnis et Chloé, remis en selle par Jean-Claude Gallotta, connaissent un succès sans précédent depuis 2011. Le plaisir et la liberté de danser, l'invention chorégraphique, la nécessité profonde de chaque mouvement, a suscité une adhésion franche du public. L'optimisme aussi, la foi dans l'avenir et l'amour de l'autre qui irriguent les spectacles des années 80 ont aussi touché les spectateurs dans un contexte de crise et d'individualisme. Jaque Chaurand, le fondateur du Concours de Bagnolet, explique ce succès en ces termes : " Y en a marre de la tristesse et des prises de tête philosophiques dans la danse. Alors que dans les années 80, les chorégraphes critiquaient la danse classique pour son élitisme, ils créent aujourd'hui des pièces réservées à une autre élite. Ce retour aux années 80 signale selon moi un désir profond de retrouver la simplicité, la spontanéité de cette époque. Pour quelles raisons la danse contemporaine a-t-elle eu autant de succès ? Parce qu'elle était proche du public, de la vie de tous les jours et des problèmes de tout un chacun... " Ces pièces sont devenues, selon l'expression de Jean Ripahette, directeur de projets au Centre chorégraphique national de Grenoble dirigé par Jean-Claude Gallotta, des " produits d'appel ", renouant avec ce que certains considèrent comme l'âge d'or de la danse contemporaine française.

Pour aller plus loin

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En scènes : le spectacle vivant en vidéo - La danse contemporaine française - Ina.fr

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La danse contemporaine française apparue au début des années 80 a entraîné un mouvement de fond artistique qui a essaimé avec une vitalité unique dans le monde entier. Des noms désormais connus à l'international comme Philippe Decouflé, Angelin Preljocaj, Jean-Claude Gallotta, Joëlle Bouvier et Régis Obadia...ont contribué à construire et faire évoluer un paysage chorégraphique en perpétuel questionnement.

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Dossier thématique pour découvrir le lien entre la danse et les autres arts

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En scènes : le spectacle vivant en vidéo

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En scènes : le spectacle vivant en vidéo - La danse, laboratoire des autres arts - Ina.fr

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La danse accueille à bras ouverts les autres arts. Pleine de curiosité et d’appétit, elle ose les rapprochements insolites et les mélanges aventureux pour le plaisir de se voir toujours plus neuve dans son miroir.

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Dossier thématique sur le hip-hop et ses influences

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Introduction

La danse hip hop a ceci de particulier qu'elle n'est pas une discipline isolée. Elle est associée, du moins à ses débuts dans le Bronx dans les années 70, aux autres expressions artistiques (le graff, le rap) du mouvement auquel elle appartient. Le hip hop est une façon d'être citoyen du monde ou plutôt au monde et certains du "moov'" ne sont ni peintres, ni danseurs, ni musiciens. Autre singularité de cette danse, née aux Etats-Unis, surtout dans les ghettos afro-américains et portoricains : elle se déplace constamment. Aux Etats-Unis, sur la côte est, on pratique surtout le break (danse au sol) à l'ouest, le smurf (danse debout) a le vent en poupe. A peine dix ans plus tard, elle est en Europe puis gagne toutes les grandes capitales du monde, de l'Asie à l'Afrique en passant par la Russie. Elle se déplace aussi socialement : des ghettos new-yorkais, elle gagne les écoles du Marais à Paris par exemple. Du carton des cités à l'institution, deux de ses pionniers sont aujourd'hui directeurs de Centres chorégraphiques nationaux en France. Cette mobilité, elle la doit notamment à la télévision et à l'émission de Sidney et ses fameuses leçons de danse et à l'Internet. Considérée trop longtemps comme une mode pour les "jeunes désœuvrés des périphéries", elle a su également migrer dans son contenu même, s'éloignant des bases américaines pour s'enrichir au contact d'autres danses, contemporaines, africaines, créoles, indiennes... S'il ne tient pas en place, le hip hop tient sa place, y compris esthétique. Bouge de là !

Made in USA

L'histoire raconte qu'un jeune Noir Américain, alors membre du gang des Black Spades, allait tenter de mettre fin à la violence qui déchirait sa communauté. Se plaçant du côté des opprimés, celui qui se baptisa Afrika Bambaataa en référence au film Shaka Zulu où un roi zoulou défie les colons anglais, allait changer de vie et troquer son arme contre une platine. Il crée un premier groupe Organization qui fédère des acteurs du mouvement hip hop dont il définit les fondements éthiques et esthétiques. En janvier 1975, son meilleur ami Soulski décède à la suite d'une fusillade lors d'une intervention de la police dans une rixe entre les Black Spades et un autre gang. Il quitte les Black Spades et fonde la Zulu Nation. Alors que les gangsters découpent les quartiers en territoires, il se fait un devoir d'accueillir au sein de son organisation toutes les communautés : " La Zulu nation, n'est pas un gang, proclame-t-il, c'est une organisation d'individus à la recherche de succès (ce qu'il eut), de paix, de savoir, de sagesse, de compréhension et de bonne conduite dans la vie ". Sans être ni prophète, ni pasteur, il sait fédérer, ne fermant aucune porte. Beaucoup se revendiquent encore de lui, de ses enseignements.

La voie est libre pour l'invention. Les rues se transforment en pistes de danse. Les baskets ne vont pas sans les ghettos-blasters, des radios-cassettes à la taille aussi démesurée que leur volume sonore. Dans le Bronx, tous pratiquent le break, une danse au sol particulièrement physique, musclée, acrobatique avec des pas de base et des figures qui vont devenir le vocabulaire de cette danse codée, mise au point par les B.Boys (les garçons qui déchirent). Ce lexique international est toujours le même malgré les variantes de syntaxe ou les ajouts personnels. Tous savent faire la coupole, la toupie, le moulin à vent, le Thomas, le head spin...

Sur la côte ouest, Boogaloo Sam invente le popping et crée au milieu des années 70 son crew (groupe, famille) l'Electric Boogaloo lockers. Les versions divergent comme souvent dans cette histoire transmise surtout oralement. Certains disent que cette danse reliée au smurf (danse debout) et au courant funk style a été créée en référence aux schtroumpfs. D'autres disent que cette " filiation " n'est pas à l'origine mais " inventée " par les Français. Peu importe : avec leurs gants blancs très chic, les smurfers ondulent, explosent comme le pop-corn et gèrent au mieux le moon-walk (marche sur la lune déjà explorée par le mime Marceau) popularisé planétairement ensuite par Michael Jackson (qui doit beaucoup à Mister Freeze).

En France, de la rue à la scène contemporaine

Popularisé par l'émission de Sidney H.I.P. - H.O.P. en 1984 sur TF1, le hip hop se répand dans les banlieues françaises. Rapidement et même si les figures et les pas de base demeurent les mêmes ou similaires, les danseurs proposent un style différent, plus théâtral sans doute, plus scénographié déjà, même dans la rue. Ils sont aussi plus ouverts pour certains à d'autres formes de danse comme le groupe Traction Avant à Vénissieux qui intègre le contemporain et le butoh.

Par ailleurs, bien que cela ne se soit pas fait du jour au lendemain, les programmateurs et critiques ont compris que cette danse avait sa place sur la scène contemporaine. Christian Tamet, alors directeur du Théâtre Contemporain de la Danse (TCD) s'est branché sur cette mouvance, se battant pour les premières rencontres internationales à la Villette en 1996 après avoir initié Sobedo, un spectacle qui réunissait les meilleurs de Paris-Banlieue de l'époque : Aktuel Force, Boogie Saï, Tony Maskot... Au Théâtre Jean Vilar de Suresnes, Olivier Meyer mise sur la rencontre avec les chorégraphes contemporains et crée Cité Danse Connexions. Guy Darmet de la Maison de la Danse de Lyon invite des compagnies de la région. Jean-Paul Montanari de Montpellier Danse organise une méga rencontre au Corum de la ville puis s'associe au Boty (Battle of the year) en organisant des master class. Moov'n Aktion organise le festival Hip Hop Tanz en Seine-Saint-Denis... Beaucoup d'autres iront dans le même sens. Jusqu'à la nomination à la tête de Centres chorégraphiques nationaux de deux chorégraphes : Kader Attou en 2008 à La Rochelle, Mourad Merzouki à Créteil en 2009 qui crée également le Pôle Pick à Lyon-Bron.

Alors que le hip hop aux Etats-Unis occupe les plateaux télé et tourne notamment dans les vidéo-clips des rappeurs (à commencer par Michael Jackson et Madonna), en France, il affirme son " exception ", en gagnant les scènes nationales, les festivals, au même titre que la danse contemporaine alors dominante. Cette dernière s'intéresse de plus en plus à ce mouvement et intègre des hip hopers dans les compagnies, comme celles de Dominique Hervieu et José Montalvo, de Josette Baïz, de Doug Elkins ou de Karole Armitage. Le hip hop quitte les cités. Des écoles s'ouvrent : Juste Debout à Paris créée par Bruce Ikandji et Guy Weladji et celle d'Anthony Egéa à Bordeaux. Le niveau technique ne cesse de s'améliorer et les asiatiques (Coréens, Japonais) qui envahissent les battles et placent la barre très haut n'y sont pas pour rien. Le défi, un des principes fondamentaux du hip hop, où chaque danseur met l'autre au défi d'être meilleur que lui est une vraie stimulation. Pas uniquement pour les prix mais pour " gagner dans l'esprit " comme le dit Sidney.

Bien que les femmes aient eu beaucoup de mal à s'imposer dans ce milieu très masculin, elles n'ont pas manqué d'apporter leur touche personnelle, qu'il s'agisse des pionnières au milieu des années 80, Karima, Bibiche, Bintou Dembélé ou encore Anne Nguyen qui organise des bals avec une nouvelle danse de couple : le looping pop.

Très riche par son vocabulaire, bigarré de par l'origine de ses danseurs, notamment africaine, le hip hop a su intégrer les danses noires américaines animalières comme le chicken, le bisou du lapin, les claquettes, le mime, le "patinage" de James Brown, la capoeira. Il lui reste à ne pas se diluer dans l'institution et à résister à l'académisation. Bien que remarquablement mis en scène, beaucoup de spectacles aujourd'hui nous laissent de glace car dépourvus de l'énergie de base et sans aucun propos, ni dramaturgie. Cette danse de revendication sociale - pour que chacun trouve sa place et se fasse un nom - perd parfois de sa pertinence et de sa portée politique, pas loin de n'être plus qu'un art du divertissement, comme elle l'est déjà sur les plateaux de télévision, décorative. Mais les battles sont des rappels à l'ordre comme le krump (éloge du puissant royaume) né à Los Angeles après les émeutes raciales de 1992 qui retrouve une attitude guerrière et s'est développé beaucoup en Corée.

Dans le monde entier, le hip hop est toujours un signe de ralliement de la jeunesse.

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afropop; coupé décalé; pantsula; pinguiss; capoeira; danses antillaises; biguine; zouk; danses de société; habanera; lindy hop; quadrille; valse; danses et claquettes irlandaises; claquettes; clogging; quadrille; vie quotidienne; danses latines; salsa; tango; danses réunionaises; maloya; séga; flamenco; haka; rugby; sport; hip hop; battle; breakdance; krump; smurf

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danses-sans-visa - Le hip hop, une danse migratoire - Ina.fr

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Dossier thématique pour approcher des performances scéniques dansées uniques

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Un spectacle de danse réunit des danseurs et des spectateurs en utilisant généralement de la musique, des lumières, des costumes, une scénographie. D'autres éléments peuvent s'ajouter : musiciens, vidéo, technologies interactives, texte, installation plastique... Dans la lignée des avant-gardes des années 1920 et de la danse américaine des années 1960, de nombreux chorégraphes contemporains réinventent la notion même de spectacle en jouant sur ses différentes composantes.

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Dossier thématique sur le ballet classique

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Découvrir

Aplomb, symétrie, mesure, harmonie, maîtrise : voici quelques un des termes qui caractérisent le ballet, qu'il s'agisse de la " belle danse " au XVIIème siècle, du ballet romantique un siècle plus tard ou, dans une moindre mesure, de la danse néo-classique.

Il n'y a rien de bien surprenant à cela si l'on songe que le genre " ballet " devient une forme artistique constituée sous le règne d'un certain Louis XIV.

Le roi qui gouverne seul un pays centralisé, fonde l'Académie royale de danse en 1661. Comme la musique, comme le théâtre, elle aura pour mission de chanter sa gloire et devra être codifiée à cette fin. Le roi danse, il est gracieux. Les maîtres de ballet le placent au centre de l'espace et, lorsqu'il n'apparaît pas sur scène, organisent la chorégraphie en fonction de son regard. Les règles de la perspective et de la hiérarchie s'imposent à la scène qui offre une vision métaphorique du monde. Le souverain rayonne sur un art qui vise à " civiliser " les corps, à les défaire de leurs passions, à les élever.

Description

Dans L'Entrée d'Apollon, Louis XIV manifeste avant tout son état de roi. Au centre de l'action, il organise l'espace autour de lui, se donne à voir de manière frontale à ses sujets et confère ainsi à la danse, art du divertissement, sa majesté royale.

S'il est vrai que le ballet romantique réintroduit les passions au cœur de son argument, la technique qu'il met en œuvre ne fait que pousser les règles d'un art pensé par les maîtres à danser du Roi Soleil.

Louis XIV écrivait à l'époque que l'art de la danse devait être reconnu comme " l'un des plus honnêtes et des plus nécessaires à former le corps et à lui donner les premières et les plus naturelles dispositions à toutes sortes d'exercices et, entre autres, à ceux des armes ". Deux-cents ans plus tard, le corps de ballet est plus structuré que jamais et relève bien de l'académisme au sens où il réfère à une doctrine ou à un enseignement sanctuarisés... militaires ? N'allons peut-être pas jusqu'à l'affirmer.

Agon, est sans conteste le prototype du ballet réinventé, télescopage entre les corps ancrés dans la modernité des comédies musicales américaine et la technique académique. Georges Balanchine donne à voir des corps qui disent l'identité américaine. Angularité des postures, chevilles et poignets cassés, distorsion des axes, rien ne semble impossible à ces athlètes inscrits dans la vitesse.

C'est une histoire abstraite qui se passe de la narration dont l'Europe a si longtemps été friande. Pour autant, Balanchine ne met pas à mal tout l'édifice académique dans son travail.
One flat thing reproduced - William Forsythe
William Forsythe créé One flat thing reproduced et questionne la verticalité Dans cette chorégraphie, vingt tables couvrent la scène ; elles deviennent l'horizon des danseurs, " horizon " au sens propre du terme puisque c'est bien l'horizontal qui barre la route à la verticalité des corps en mouvement. L'espace dans son ensemble est exploré tant par les interprètes que par les spectateurs, sans hiérarchie aucune. Tel notre monde, il est dépourvu de centre et devient une toile de mouvements enchaînés, connectés les uns aux autres.

Edouard Lock ne renie pas les pointes, bien au contraire. Chez lui, on a le sentiment que les interprètes sont comme des poupées mécaniques remontées, tendues à n'en plus pouvoir. Quand la partie haute du corps lâche, c'est comme si l'histoire du maintien, de la maîtrise, volait en éclat, cette histoire constitutive du ballet explicitement poussé à bout, chez Lock on peut en être certain. Au-delà de cette frontière, c'est l'affolement qui s'empare des corps. Comment pourrait-on encore pousser l'expérience plus avant ?

Approfondir

Ouvrages

BEAUSSANT, Philippe. Louis XIV Artiste. Paris : Payot, DL 1999, cop. 1999. 287 p. (Portraits intimes).

BOISSEAU, Rosita. Panorama de la Danse Contemporaine : 100 chorégraphes. Paris : Textuel, 2008. 671 p.

GINOT, Isabelle, MICHEL, Marcelle. La Danse au XXᵉ siècle. Paris : Larousse, 2002. 264 p.

LE MOAL, Philippe (dir.). Dictionnaire de la Danse. Paris : Larousse-Bordas, 1999. 830 p.

MASSON, Nicole. Versailles et la Vie de Cour. Paris : Chêne, impr. 2013, cop. 2013. 239 p. (Esprit XVIIe).

NOISETTE, Philippe. Danse Contemporaine : mode d'emploi. Paris : Flammarion, impr. 2010, cop. 2010. 255 p. (Mode d'emploi).

Auteur

Titulaire d'un "MA history of arts" de l'université de Bristol, agrégé d'anglais, Olivier Lefebvre est historien de la danse, conférencier et rédacteur. Il collabore, entre autres, au développement de la vidéothèque de danse en ligne Numeridanse.tv ainsi qu'au programme de conférences de l'Université Populaire en Normandie.

Générique

Sélection des extraits
Olivier Lefebvre

Textes et sélection de la bibliographie
Olivier Lefebvre
Le Parcours "Le ballet poussé à bout" a pu voir le jour grâce au soutien du Secrétariat général du Ministère de la Culture et de la Communication - Service de la Coordination des politiques Culturelles et de l'Innovation (SCPCI)

Votre avis nous intéresse

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Aplomb, symétrie, mesure, harmonie, maîtrise : voici quelques un des termes qui caractérisent le ballet, qu'il s'agisse de la " belle danse " au XVIIème siècle, du ballet romantique un siècle plus tard ou, dans une moindre mesure, de la danse néo-classique.

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Pour créer un "journal du spectateur" avec des élèves après la venue au spectacle

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La posture est la position du corps dans l'espace. Pour sentir comment ton corps se tient, il faut que tu lui portes une certaine attention. Par exemple, si tu te mets debout, tu peux sentir comment tes pieds sont positionnés, quelles sont les parties de ton corps qui sont relâchées (ou pas), où se situe ta tête par rapport à ta cage thoracique... Tu peux aussi t'apercevoir qu'en fonction de ton état (fatigue, joie, tristesse, etc.), tu ne te tiens pas toujours debout de la même manière. La posture n'est donc pas le fait d'être debout immobile. Elle est la relation de ton corps à l'espace, au sol, à son poids, à ses émotions et son histoire. On ne se tient pas tous debout de la même manière. On marche tous d'un pas différent. Si tu regardes les photos qui suivent, tu peux voir que les postures reflètent des états de corps différents, mais sont aussi caractéristiques de certains styles de danse.

Buster Keaton dans Bad Luck

Israel Galvan dans La Edad de Oro

Rudolf Noureev*, danseur étoile,
puis directeur de l'Opéra de Paris

Un homme se tient debout
sur la place Taksim d'Istanbul

Elles peuvent aussi exprimer des attitudes très précises, comme ce jeune garçon qui a tenté de se tenir debout immobile plus de 24h sur cette place d'Istambul en Turquie en signe de résistance contre le gouvernement.

Eduard Manet,
étude parisienne d'Ellen Andrée, 1874

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La posture est la position du corps dans l'espace. Pour sentir comment ton corps se tient, il faut que tu lui portes une certaine attention. Par exemple, si tu te mets debout, tu peux sentir comment tes pieds sont positionnés, quelles sont les parties de ton corps qui sont relâchées (ou pas), où se situe ta tête par rapport à ta cage thoracique...

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Le tour du monde de la danse urbaine en 10 villes

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Le tour du monde de la danse urbaine en 10 villes

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Mallette pédagogique par le réseau CDC

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Mallette pédagogique par le réseau CDC

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Une histoire de la danse contemporaine en 10 titres

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Une histoire de la danse contemporaine en 10 titres

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Mallette pédagogique par le réseau CDC

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mallette_2_dossier_2014 danse en 10 titres

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Jeu immersif en ligne dans lequel le joueur crée sa compagnie de danse

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Rosas danst Rosas de Anne Teresa de Keersmaeker

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Rosas danst Rosas de Anne Teresa de Keersmaeker

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Extrait du spectacle

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Par Enora Rivière, chercheuse en danse

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Pouvoir parler de la danse avec le vocabulaire dédié

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Jeu pour créer sa "propre chorégraphie" en ligne avec des danseurs réels

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Make your move. Create your own unique dance video with Mix The Body, from British Council and Studio Wayne McGregor

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Avec Dany Lévêque, choréologue pour Angelin Preljocaj

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L'art d'écrire la danse | Dany Lévêque | TEDxUniversitedeTours

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Dossier sur l'histoire de l'art en lien avec l'histoire de la danse

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Dossier sur l'histoire de l'art en lien avec l'histoire de la danse

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À lire dans Danser sa vie, art et danse de 1900 à nos jours, editions Centre pompidou

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A regarder AVANT une intervention en classe

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La danse en EPS : de la théorie. Info ou intox ? 10 préjugés fréquents "debunkés"

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présentée par le Manège