# data[].attributes.body
이탈리아화가,조각가,건축가
[1452-1519]
전성기 르네상스의  대표적인 인물
대표작품은  <모나리자>, <최후의  만찬>,  <성  안나와 함께 있는 성 모자상>

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
두꺼운 외곽선에 빨강, 노랑, 파랑 등 선명한 색상으로 익살스럽게 표현한 사람, 동물 그림. 미국 팝아티스트 키스 해링의 이름은 몰라도 그가 남긴 그림은 길거리, 혹은 다양한 디자인상품을 통해 누구나 접해봤을 것이다.

서른두 살에 요절한 '악동 예술가' 키스 해링. 짧지만 강렬했던 그의 예술 세계를 한눈에 볼 수 있는 전시가 서울 동대문디자인플라자(DDP)에서 개막했다. 겉으로 보기엔 유머러스한 분위기를 풍기는 작품이 대다수이지만 그 안에는 '세상 모든 이들'을 향해 말하고 싶은 삶에 대한 심오한 메시지가 담겨 있다.

지난 24일 DDP에서 '키스해링, 모두를 위한 예술을 꿈꾸다' 전시가 시작됐다. 세계 평화, 인종 차별 철폐 등 모든 이를 위한 예술을 꿈꿨던 미국 출신 팝아티스트 키스 해링(1958∼1990)의 작품 세계를 들여다볼 수 있는 대규모 전시다.

이번 전시는 키스해링 재단, 나카무라 키스해링 컬렉션에서 키스해링 탄생 60주년을 기념해 기획했다. 1980년대 키스 해링의 초기 작품부터 에이즈 진단을 받고 죽기 직전까지 약 10년간 짧지만 불꽃같았던 작업의 결과물들 중 175점을 전시했다. 드로잉, 조각, 앨범아트와 포스터 등 다양한 매체를 통해 방대한 작업을 펼친 그의 작품 세계를 8개 섹션으로 나눠 선보인다.

전시는 작가의 작업 초기부터 타계할 때까지의 궤적을 따라간다. 1980년대 미국 미술계에 혜성처럼 등장한 키스 해링은 일부 예술애호가뿐만이 아닌 대중이 즐길 수 있는 예술을 위해 다양한 시도를 했다. 대표적인 것이 '지하철 드로잉'이다. 경찰과 역무원 눈을 피해 지하철 역 광고판에 하루에도 수십 개씩 그림을 그렸다. 그림들은 지하철 역을 오가는 수많은 시민들의 눈에 띄면서 단숨에 유명세를 탔다.

대표작인 '아이콘' 시리즈는 물론 국내에 처음 공개되는 초대형 작품 '피플'을 이번 전시를 통해 만나볼 수 있다. 그동안 대중에게 많이 소개되지 않은 '피라미드', 에이즈 진단을 받은 해에 제작한 '종말' 시리즈, 사망 한달 전 발표한 '블루프린팅', 마지막으로 그린 '빛나는 아기' 등을 직접 볼 수 있어 의미가 깊다.
'원시 에너지'를 주제로 구성한 섹션에선 해링의 작업 세계로 한 발짝 더 들어갈 수 있다. 삶의 마지막에서 세상을 향해 희망을 외쳤던 그의 목소리가 들리는 듯 하다. '대중을 위한 예술'이라는 신념을 구현한 '팝 숍'도 이번 전시를 구성하는 색다른 요소다. 팝 숍은 소수만 작품을 접하고 소장하는 시스템에서 벗어나 모든 사람들이 자신의 작품을 접하고 소장하고 구입할 수 있도록 직접 기획한 것으로, 뉴욕과 도쿄에서 열정적으로 진행했다.

서울디자인재단 관계자는 "주로 팝아트 작가로 알려진 키스 해링이 사실은 이보다 훨씬 다양하고 심오한 예술 세계를 보여주고 있음을 확인할 수 있는 전시"라며 "그는 자신의 작품을 통해 세계 평화를 꿈꿨고, 어린이를 사랑했으며 모든 사람들을 위한 예술을 설파했다"고 설명했다. 이어 "또한 예술을 통해 생명의 탄생과 죽음, 삶이 지니고 있는 보편적인 사랑을 일깨워준다는 점이 키스 해링 예술이 지닌 위대함"이라고 덧붙였다.

카즈오 나카무라 키스 해링 미술관 대표는 "관람객들이 이번 전시를 통해 한번 웃음 짓고, 에너지를 느끼고 '아 나도 시도해볼까'라는 기분을 느끼기를 바란다"고 말했다.

전시는 내년 3월17일까지 휴관없이 진행된다. 관람료는 성인 기준 1만3000원.

# data[].attributes.attachment_link.title
"모두를 위한 예술" 외치며 불꽃처럼 살다간 '키스 해링' - 머니투데이

# data[].attributes.attachment_link.description
두꺼운 외곽선에 빨강, 노랑, 파랑 등 선명한 색상으로 익살스럽게 표현한 사람, 동물 그림. 미국 팝아티스트 키스 해링의 이름은 몰라도 그가 남긴 그림은 길거리, 혹은 다양한 디자인상품을 통해 누구나 접해봤을 것이다. 서른두 살에 요절한 '악동 예술가' 키스 해링. 짧지만 강렬했던 그의 예술 세계를 한눈에 볼 수 있는 전시가 서울 동대문디자인플라자(DDP)에서 개막했다.

# data[].attributes.attachment_link.provider_name
네이버 블로그 | 박명선 갤러리 (Artist Park Myung Sun's Gallery)

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
인상주의

폴 고갱(Paul Gauguin) 작, 알리스캉 풍경, 캔버스에 유채, 72.5 x 91.6 cm,

1888 년, 오르세미술관 소장

노란색으로 물든 삼나무 단풍과 오솔길을 따라 늘어 선 갈색의 풀

그리고 간간이 보이는 붉은 색의 식물.....

가을이 깊어 가는 시골의 한적한 풍경으로 보이는데

검은 옷을 입은 여인들의 실루엣이 왠지 우울해 보이기도 하네요!

이 그림은 고흐의 요청으로 2달 동안 머물렀던 아를에서 그린 15점의 작품 중

# data[].attributes.attachment_link.title
고갱이 그린 아를의 우울한 가을 '알리스캉 풍경'

# data[].attributes.attachment_link.description
인상주의 폴 고갱(Paul Gauguin) 작, 알리스캉 풍경, 캔버스에 유채, 72.5 x 91.6 cm, 1888 년, 오르세미술관 소장 노란색으로 물든 삼나무 단풍과 오솔길을 따라 늘어 선 갈색의 풀 그리고 간간이 보이는 붉은 색의 식물..... 가을이 깊어 가는 시골의 한적한 풍경으로 보이는데 검은 옷을 입은 여인들의 실루엣이 왠지 우울해 보이기도 하네요!

# data[].attributes.attachment_link.description
BY 예스에세이] 키스 해링미국화가 미국의 아주 유명한 그래피티 아티스트이다. 20세기의 ...

# data[].attributes.body
아름다운동산

# data[].attributes.attachment_link.title
사람과 세상을 하나로 담아, 키스 해링(Keith Haring) - 노트폴리오 매거진

# data[].attributes.attachment_link.description
여기 역동적이면서 우스꽝스러운 사람들의 모습이 있다. 너무도 간단해서 '작품인가'는 생각도 든다. 한 획으로 그은 듯 굵은 면 표현으로 왠지 에너지 있어 보이고 율동적인 형상에 쉽게 매료된다. 낙서인 듯 낙서 같지않은 작품, 바로 키스해링（Keith Haring）의 그림이다.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Keith Haring: Art Is for Everybody
The Walker Art Center, Minneapolis, MN
April 27, 2024 - September 8, 2024
Visit Website

remembers the life and work of Keith Haring. They interview GIL VAZQUEZ, Executive Director and President at Keith Haring Foundation in New York, one of Haring's closest friends, confidants and heir.

# data[].attributes.attachment_link.description
Keith Haring: Art Is for Everybody The Walker Art Center, Minneapolis, MN April 27, 2024 - September 8, 2024 Visit Website remembers the life and work of Keith Haring. They interview GIL VAZQUEZ, Executive Director and President at Keith Haring Foundation in New York, one of Haring's closest friends, confidants and heir.

# data[].attributes.body
서커스

# data[].attributes.body
나와 마을

# data[].attributes.headline
사망은19해링은1958년5월4일에미국

# data[].attributes.body
사망은19해링은1958년5월4일에미국에서태어났다사망1990년2월6일에 사망하였다

# data[].attributes.body
제목:수련

# data[].attributes.body
제목:뵈테유

# data[].attributes.attachment_link.description
키스해링 작품 중에서 이 작품 이름이 뭔가요??급해요ㅠㅠㅠ

# data[].attributes.body
샤갈의 영감

# data[].attributes.body
ㅇ

# data[].attributes.body
제목:수련연작

# data[].attributes.body
프랑스의 화가. 진지한 태도로 농민생활에서 취재한 일련의 작품을 제작하여 독특한 시적(詩的) 정감과 우수에 찬 분위기가 감도는 작풍을 확립, 바르비종파의 대표적 화가가 되었다. 그러나 다른 화가들과 달리 풍경보다 농민생활을 더 많이 그렸다. 주요 작품으로 《씨뿌리는 사람》, 《이삭 줍는 사람들》, 《만종》 등이 있다.

# data[].attributes.body
< 만종 >

만종(The Angelus, 1857~1859년) 다빈치의 <모나리자> 만큼이나 복제품이 많은, 밀레의 대표작품

이 만종이다. 만종은 황혼녁에 한 남자와 여자가 삼종기도를 올리는 장면을 그린 그림이다. 밀레는 작품

에 대해 “옛날에 할머니가 들에서 일하다가도 종이 울리면 일을 멈추고, 죽은 가엾은 이들을 위해 삼종

기도 드리는 것을 잊지 않았음을 생각하면서 그린 그림이다.”라고 밝혔다.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
별칭

호(號)는 공재(恭齋), 호재

출생

1668년 6월 28일
조선 한성부

사망

1715년 12월 21일 (47세)
조선 전라도 해남 연동

직업

문인, 화가

국적

조선

분야

서화

부모

윤이석(부), 청송 심씨 부인(모)

배우자

전주 이씨 부인

자녀

윤덕희(장남)
윤덕렬(차남)

친척

외증조부 : 심액(沈詻, 1571년~1654년)
외조부 : 심광사(沈光泗, 1620년~1671년)
외육촌 : 심득경(沈得經, 1673년~1710년)
손녀 : 윤소온(尹小溫, 1730년~1770년)
증손자 : 윤경(尹憬, 한의업 종사)
외증손자 : 정약전(丁若銓, 1758년~1816년)
외증손자 : 정약종(丁若鍾, 1760년~1801년)
외증손자 : 정약용(丁若鏞, 1762년~1836년)[1]

윤선도의 증손이며, 윤이후의 넷째아들이다 숙종 때(26세) 진사에 급제하였다. 당쟁이 심하던 시기였기에 출사하지 않고 학문에 전념하며 시서화로 생애를 보냈다. 글씨와 그림에 능하였는데, 특히 인물·동식물 등의 그림에 뛰어났다. 조선 후기의 화단의 선구자로 지목받으며, 현재 심사정(玄齋 沈師正)· 겸재 정선(謙齋 鄭歚)과 함께 조선의 '3재(三齋)'라 불린다. 작품으로 〈노승도〉, 〈산수도〉, 〈 자화상〉 등이 있다. 서화뿐만 아니라 유학, 천문지리, 수학, 병법 등 각 방면에 능통한 실학적인 태도는 가풍으로 전해졌다.

윤두서는 윤선도의 셋째 아들 윤예미의 아들 윤이후의 넷째 아들로 태어난 직후 종손 윤이석의 아들로 입적되었다.

증조부 : 윤선도(尹善道)

할아버지 : 윤인미(尹仁美)

아버지 : 윤이석(尹爾錫) - 종친부 전부

어머니 : 청송 심씨 - 심광사(沈光泗, 1620년 ~ 1671년)의 딸, 남인 산림 청안군 심광수(靑安君 沈光洙, 1598년 ~ 1662년)의 조카, 이조판서 청송군 심액(靑松君 沈詻, 1571년 ~ 1654년)의 손녀
외육촌 : 심득경(沈得經, 1673년 ~ 1710년) - 이조판서 심단(沈檀, 1645년 ~ 1730년)의 차남, 윤선도의 사위 심광면(沈光沔, 1622년 ~ 1647년)의 손자

외조부 : 심광사(沈光泗, 1620년 ~ 1671년) - 종친부 전부를 지내고 이조참판에 추증됨, 이조판서 청송군 심액(靑松君 沈詻)의 차남, 청계부원군 심우승(靑溪府院君 沈友勝, 1551년 ~ 1602년)의 손자

외증조부 : 심액(沈詻, 1571년 ~ 1654년) - 이조판서 · 판의금부사 · 청송군(靑松君)

국립광주박물관 특별전시로 공재恭齋 윤두서尹斗緖(1668~1715) 서거 300주년을 기념하여 "공재 윤두서 서거 300년" 특별전을 하고 있으며, 이번 전시에서 창립 50주년을 맞은 광주MBC, 윤두서 집안의 본가인 해남 녹우당綠雨堂과 공동으로 개최하였다.(특별전 <공재 윤두서>, 2014.10.21.~2015.01.18.)

# data[].attributes.body
야간  순찰대
렘브란트 회화가 절정에 이르던 36세때의 작품이다

# data[].attributes.headline
1841년2월25일프랑스리모주오트비에사망1919년12월3일(78세)프랑스 카뉴쉬르메르도메르도멘데콜레트직엽화가,조각가국적프랑스

# data[].attributes.subject
1841년2월25일프랑스리모주오트비에사망1919년12월3일(78세)프랑스 카뉴쉬르메르도메르도멘데콜레트직엽화가,조각가국적프랑스

# data[].attributes.body
모자쓰고 웃는사람

# data[].attributes.body
< 씨 뿌리는 사람 >

밀레의 대표작이자 빈센트 반 고흐가 사랑한 < 씨 뿌리는 사람 >은 19 세기 프랑스 민주화혁명에

영향을 받은 작품으로 신분이 낮았던 농부를 큰 캔버스에 어두운 색채와 거친 붓 놀림을 더해 영웅

적으로 표현하여 큰 반향을 일으켰다 . 노르망디를 배경으로햇빛에 검게 그을린 농부가 진흙밭에

씨를 뿌리며 힘있게 걸어가는 모습을 표현했는데 대지와 싸우며 살아가는 농부의 존엄한 분위기를

볼 수 있는 작품이다.

# data[].attributes.body
김홍도의 『 활쏘기 』 작품을 보면 왼쪽에 배우는 사람을 알려주는 사람과 옆에 앉아서 어떻게 하는지 전혀 모르겠다는 듯 활을 빤히 보고만 있다. 이 사람위에 있는 활의 화살을 가지고 장난을 치는 사람이 있다.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
"아마 한국에서 열린 외국작가 전시 중 키스 해링전만큼 아이들이 좋아하는 전시는 없었을 겁니다."

소마미술관 관계자는 그의 작품 특징을 '쉽고, 재밌고, 창의적인' 점이라고 설명했다. 실제로 키스 해링전에는 초중고 아이를 둔 학부모들 발길이 어느 전시보다 많다. 현대적인 감각을 바탕으로 '너무나도' 쉽게 그린 작품은 아이들 눈높이에 딱이다.

'빛나는 아기'는 주말에 아이들 손을 잡고 함께 볼 만한 작품이다.

시인 르네 리카르드가 '빛나는 아기'라는 이름을 붙여줬다는 이 작품은 간결한 윤곽선으로 아기 형상을 단순화했다. 그리고 동작선을 통해 빛을 발산하는 아기 모습을 보여준다. 이 작품은 순수함과 젊음, 에너지와 능력 그리고 자유 등을 이야기한다. 모던한 분위기의 색상도 인상적이다. 주황빛 아기와 파란색 바탕은 작품 집중도를 높인다. 그리고 아기의 순수한 분위기를 강조하는 기능을 한다.

한편 해링이 '아기'를 주제로 한 작품을 만든 이유는 어린시절에 대한 동경이라고 한다. 유복한 가정에서 자란 해링은 행복한 어린 시절을 보냈다. 그리고 그때 기억을 가지고 작품생활을 했다.

영원한 피터팬을 꿈꾼 작가답게 어린이를 주제로 한 작품뿐 아니라 어린이들과 함께 작업을 하기도 했다. 자유의 여신상 벽화 등은 어린이들과 함께 협업한 작품이다. 그리고 해링은 작품에 남기는 서명 대신 아기 이미지를 남겼다. 작품 한쪽 구석에 '키스 해링'이라는 작가 이름 대신 자신이 동경하는 아기 이미지를 서명한 것이다.

최진한 앰허스트 대표는 "키스 해링은 '아기' 그림을 통해 평화를 이야기했다"며 "현대적인 감각과 모던한 디자인이 돋보이는 작품"이라고 설명했다. 뉴욕 길거리 낙서를 예술적 경지로 끌어올린 작가 이미지들을 소마미술관에서 만나보자.

"아기가 내 로고나 서명이 된 이유는 인간 존재의 경험이 바로 아기라고 믿었기 때문이다."(키스 해링)

[정승환 기자]

[ⓒ 매일경제 & mk.co.kr, 무단전재 및 재배포 금지]

# data[].attributes.attachment_link.title
키스 해링 대표작 `빛나는 아기`

# data[].attributes.attachment_link.description
"아마 한국에서 열린 외국작가 전시 중 키스 해링전만큼 아이들이 좋아하는 전시는 없었을 겁니다." 소마미술관 관계자는 그의 작품 특징을 '쉽고, 재밌고, 창의적인' 점이라고 설명했다. 실제로 키스 해링전에는 초중고 아이를 둔 학부모들 발길이 어느 전시보다 많다. 현대적인 감각을 바탕으로 '너무나도' 쉽게 그린 작품은 아이들 눈높이에 딱이다. '빛나는 아기'는 주말에 아이들 손을 잡고 함께 볼 만한 작품이다.

# data[].attributes.body
출생:1840.11.14.프랑스
사망:1926.12.5.
작품:전시,도서

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
클로드 모네

클로드 모네, 펠릭스 나다르(Félix Nadar)가 1899년에 찍은 사진

본명

오스카 클로드 모네

출생

1840년 11월 14일
프랑스 파리

사망

1926년 12월 5일(86세)
프랑스 노르망디 외르주 지베르니

직업

화가, 그래픽 예술가

국적

프랑스

스승

마르크샤를가브리엘 글레르

제자

에스페랑스 레옹 브로케, 폴레밀 피사로, 로베르 앙투안 팽숑, 루이 카리오

사조

인상파

배우자

카미유 동시외 (1870 - 1879)
알리스 오슈데 (1892 - 1911)

자녀

장 모네, 미셸 모네

인상, 해돋이, 생타드레스의 정원, 국회의사당 연작, 모나코의 라코르니슈, 수련, 루앙 대성당

서명

묘비

1840년 프랑스 파리에서 상인의 아들로 태어났다. 소년 시절을 르아브르에서 보냈다 그곳에서 부댕의 문하생이 되어 정식 미술 교육을 받게 되었다. 그 후 1859년 파리로 나가 피사로· 시슬레· 르누아르· 바지유 등과 사귀게 되었다. 마네의 밝은 화풍에 끌려 밝은 야외 광선 묘사에 주력하였다. 마네를 중심으로 르누아르 및 피사로· 드가· 세잔 등과 함께 신예술 창조에 전력하였다. 1871년, 보불전쟁 중에는 런던으로 건너가, 그곳에서 터너 등의 작품에 영향을 받아 더욱 밝은 색조에 대한 연구를 하게 되었다. 귀국 후 1874년 동료 화가들과 함께 제1회 인상파 전람회를 개최했다. 그러나 출품된 작품이 물체 본래의 색깔을 쓰지 않고, 신선하고, 밝은 색채로만 그려진 데 대해 비난과 공격이 쏟아졌다. 특히 모네의 〈 인상, 해돋이 〉가 가장 심한 비난을 받았는데 '인상파'라는 말은 이때 모네의 작품을 야유한 데서 나온 말이다.

# data[].attributes.attachment_link.title
클로드 모네 - 위키백과, 우리 모두의 백과사전

# data[].attributes.attachment_link.description
클로드 모네 클로드 모네, 펠릭스 나다르(Félix Nadar)가 1899년에 찍은 사진 본명 오스카 클로드 모네 출생 1840년 11월 14일 프랑스 파리 사망 1926년 12월 5일(86세) 프랑스 노르망디 외르주 지베르니 직업 화가, 그래픽 예술가 국적 프랑스 스승 마르크샤를가브리엘 글레르 제자 에스페랑스 레옹 브로케, 폴레밀 피사로, 로베르 앙투안 팽숑, 루이 카리오 사조 인상파 배우자 카미유 동시외 (1870 - 1879) 알리스 오슈데 (1892 - 1911) 자녀 장 모네, 미셸 모네 인상, 해돋이, 생타드레스의 정원, 국회의사당 연작, 모나코의 라코르니슈, 수련, 루앙 대성당 서명 묘비 1840년 프랑스 파리에서 상인의 아들로 태어났다.

# data[].attributes.body
프랑스 후기인상주의 화가 폴 고갱(1848~1903)은 35세에 주식 중개인의 삶을 접고 화가의 길을 걷는다. 저돌적인 성향과 세련된 도시감각을 지닌 그는 늘 미술의 혁신을 꿈꿨다. 초기에는 클로드 모네, 카미유 피사로, 알프레드 시슬레 등 인상주의 화가들의 영향을 받았지만 1886년 브르타뉴 지방 퐁타벤에 머물며 새로운 화풍을 실험하고 인상주의와 결별한다.

1888년 제작한 ‘설교 뒤의 환상(천사와 싸우는 야곱)’은 인상주의 화풍에서 벗어나 상징주의적 화풍으로 전환을 시도한 대표작이다. 구약성서 창세기(32장 23~31절)에 나오는 천사와 야곱이 씨름하는 장면과 브르타뉴 지방 여성들이 기도하는 모습을 한 화면에 아울렀다. 눈에 보이는 현실과 상상을 결합해 자신의 감정까지 녹여냈다. 바탕색을 강렬한 빨강으로 채색해 ‘자연 그대로의 모습’을 그리는 종래 화법과 분명한 선을 그었다. 명암법이나 원근법도 철저히 무시하고 2차원 평면성을 강조했다.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
프랑스 후기인상주의 화가 폴 고갱(1848~1903)은 35세에 주식 중개인의 삶을 접고 화가의 길을 걷는다. 저돌적인 성향과 세련된 도시감각을 지닌 그는 늘 미술의 혁신을 꿈꿨다. 초기에는 클로드 모네, 카미유 피사로, 알프레드 시슬레 등 인상주의 화가들의 영향을 받았지만 1886년 브르타뉴 지방 퐁타벤에 머물며 새로운 화풍을 실험하고 인상주의와 결별한다.

1888년 제작한 '설교 뒤의 환상(천사와 싸우는 야곱)'은 인상주의 화풍에서 벗어나 상징주의적 화풍으로 전환을 시도한 대표작이다. 구약성서 창세기(32장 23~31절)에 나오는 천사와 야곱이 씨름하는 장면과 브르타뉴 지방 여성들이 기도하는 모습을 한 화면에 아울렀다. 눈에 보이는 현실과 상상을 결합해 자신의 감정까지 녹여냈다. 바탕색을 강렬한 빨강으로 채색해 '자연 그대로의 모습'을 그리는 종래 화법과 분명한 선을 그었다. 명암법이나 원근법도 철저히 무시하고 2차원 평면성을 강조했다.

고갱은 빈센트 반 고흐에게 보낸 편지에서 이 작품을 "꾸밈없이 위대하고 미신적인 단순함에 도달했다"고 적고 있다. 유럽인이 서구 문명의 우월성에 도취해 있을 때 상징주의 시인 아르튀르 랭보처럼 문명을 저주하며 인간 내면 깊숙한 곳에서 울리는 영혼의 소리에 귀 기울였다는 얘기다.

김경갑 기자 kkk10@hankyung.com

# data[].attributes.attachment_link.title
[그림이 있는 아침] 폴 고갱 '설교 뒤의 환상'

# data[].attributes.attachment_link.description
프랑스 후기인상주의 화가 폴 고갱(1848~1903)은 35세에 주식 중개인의 삶을 접고 화가의 길을 걷는다. 저돌적인 성향과 세련된 도시감각을 지닌 그는 늘 미술의 혁신을 꿈꿨다. 초기에는 클로드 모네, 카미유 피사로, 알프레드 시슬레 등 인상주의 화가들의 영향을 받았지만 1886년 브르타뉴 지방 퐁타벤에 머물며 새로운 화풍을 실험하고 인상주의와 결별한다.

# data[].attributes.headline
몬드리안은 1872년 3월7일 네덜란

# data[].attributes.body
몬드리안은 1872년 3월7일 네덜란드 에서 태어났다 1944년 2월1일 사망하였다. 경력은 1906년 신지학 협회 회원이다. 몬드리안의 작품으로는 붉은 글라디올러스 붓꽃 건초더미 등등 이있다.

# data[].attributes.attachment_link.provider_name
네이버 블로그 | 불여우아빠

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
(Pieter Cornelis (Piet) Mondriaan)
1872 ~ 1944 1912년 이후에는 Mondrian 으로 철자를 바꾼다. 피트 몬드리안 (Piet Mondrian) 몬드리안의 단순화 작업을 통한 그림의 이해
회화를 설명하면 점+ 선=면 (2차원) 화면에 대상을 추가 하므로서

많은 작가들이 추구하고 지향하는 것이기도 합니다.

그러나 그것을 거부하며 지극히 평면적인 회화 양식을 추구하는 작가들이 의외로 많습니다.

2차원적인 곳에 2차원적 해석으로 표현을 하고자 하는 도전은 끊임 없이 행하여 지리라 봅니다.

몬드리안의 표현이 이에 속한 선과 면의 구성으로 이뤄진 작품들이지요.

선과 면의 구성적 요건은 Perspective 와 명암의 부재입니다.

우리가 숨 쉴 수 있는 공간(3차원)이 몬드리안 작품에서는 볼 수 없습니다.

이에 콜더라는 작가와 모빌 작가가 3차원적 작품으로

흰색 바탕에 굵은 선으로 수직 수평선이

그어져 있고 몇 칸엔 노랑 빨강 파랑이 채색되어져 있는 유명한 그림,

몬드리안의 가장 유명한 작품,<빨강,파앙,노랑의 구성>을 소개해드리려다

자신의 특징적인 스타일에 도달하게 되었습니다.

단순화가 모든 것을 사실적으로 묘사하는 것 보다

더 어렵다는것 지난번에 말씀드렸죠?

추상적인 회화로 전이해 가는 과정이 분명히 드러나고 있습니다.

왼쪽 첫번째 작품에선 나뭇가지가 뻗어 있는 모습과 두터운 밑둥으로

나무임을 쉽게 알아볼 수 있죠?

하지만 오른 쪽으로 옮겨 갈 수록 나무는 점점 단순화되어가고

거미줄같은 선으로 분해시켜 거의 알아볼 수 없도록 만들어 놓앗습니다.

오른 쪽 아래에 있는 그림은 수평과 수직의 선만 남아 있을 뿐입니다.

모든 물체의 기본이 되는 선과 그것을 통해 만들어지는 공간

(동양화에서 선을 그리고 여백을 남기는 것과는 과정은 비슷하지만 뜻하는 의미는 다르죠)

이것이 몬드리안만의 신조형주의에서 주장하는 주제입니다.

그림에서 특히 뎃생을 배울 때 가장 먼저 배우는 미술의 기초 상식이기도 하지요.^^

그렇다면 이 단순화라는 작업은 왜 하는걸까요?

단순히 나무라는 형체에 대해 감상하기를 바람이 아니라

나무가 갖는 특성을 통해 우리가 얻는 간접적인 의미와 핵심적인 것을

작가가 전달하고 싶은 이유일것입니다.

한 겨울 나뭇잎이 떨어지고 앙상하게 남은 나뭇 가지를 통해 우리는

그처럼 때론 방해가 될 만큼 부수적인 것들은 제외하고

전달하고 싶은 가장 핵심적인 것을 강조하여

그림으로 바로 그 주제가 주는 의미를 전달하고 싶은 것입니다.

세계 대전이 한창이던 1910년대를 전후로 추상미술이 나타나 유행하고 있었다.

그 중 1912년부터 20년 사이 몬드리안을 중심으로 네덜란드에서 일어난 미술경향을 신조형주의라고 하는데 더 축소해서 몬드리안의 호ㅣ화를 이르는 말로 쓰이기도 한다.

몬드리안은 초기엔 여러 사조들처럼 실물형상을 추상화하는 정도에 머물다가 입체주의를 철저히 연구한 후에 기하학적인 수평선, 수직선과 단순한 색채의 순수관계를 주장하는 극단적 추상론, 신조형주의의 이론에 도달하였다.

그의 그림 나무 연작은 그 과정을 확인할 수 있는 좋은 예이기도 하다.

봐주는 법 없이 냉정하게 주변을 정리하는 특성 때문에 차가운 추상이라는 비유가 생긴듯 하여 실제로 몬드리안은 자연을 연상시킨다는 이유로 곡선과 녹색을 몹시 싫어했다고 한다. 자연에는 직선이 존재하지 않으므로 직선을 사용하는 것이라고도 하였다.

칸딘스키의 추상은 우연에 기대는 부분이 많은 반면, 몬드리안은 일체의 재현적, 우연적, 자의적 요소가 회화에서 추방되길 원하였다. 몬드리안의 추상은 자연의 어떤 것과도 연관되지 않음으로써 완전 추상에 도달했다는 점으로 미술사적 의의를 갖는다.

바우하우서 설립자인 그로피우스에게 영향을 주었으며, 후에 국제주의 건축양식을 낳게하였다.

몬드리안 은 가장 단순한 요소인 직선과 원색으로 그림을 만들어내고자 했고,

우주의 객관적인 법칙을 느낄 수 있게 해주는 명료하고 절도있는 회화를 열망하였다.

수평, 수직,삼원색,삼비색이란 기본적 조형요소를 그대로 간직하면서도 더욱 복잡하고 더욱 경쾌한 리듬과

구조의 풍부함을 드러낸 것이 었다.

엄격하고 무거운 구성과 절제의 세계에서 벗어나 어린아이 같은 천진한 감성과 생애 즐거움을 느낄수 있다.

차가운 초상의 대가답게 색의 배치만으로 그 형태를 잘 표현했다.

몬드리안 은 칸딘스키와 더불어 추상화의 선구자로 1894년 암스테르담미술학교를 졸업했다. 자연주의 화풍에 철저하였으며 쓸쓸한 겨울풍경과 정물 등을 그렸는데, 뭉크의 영향을 받아 섬세하면서도 어딘지 병적이었다. 그 후 신비주의 화가 얀 투로프를 알게 되어, 《나무》의 연작(連作)을 권유받아 차차 추상으로 바뀌었다. 칸딘스키의 우발적인 비대상(非對象)의 추상과 비교하면, 그의 경우는 문자 그대로 나무면 나무, 모래언덕이면 모래언덕의 핵의 추상으로서 추상화가 탄생한다.

화가였다. 14세 때 삼촌과 아버지의 지도로 그림 공부를 시작했다.

1892년에 중학교 미술 교사 자격을 얻은 후 암스테르담의 국립 아카데미에 등록했다.

1893년에 위트레흐트에서 첫 전시회를 열었으며, 1897년 2번째 전시회를 열었다. 이때까지 네덜란드에서

유행하던 양식(선명한 조명 효과를 이용해 암스테르담의 초원과 간척지를 차분한 색조로 그리는 풍경화와

정물화)을 따르고 있다. 1903년 윌링크 반 콜렘 상을 수상하여 명성을 얻었다. 같은 해 벨기에 브라반트

시골의 조용한 아름다움은 그에게 중요한 영향을 미쳤다. 1905년 암스테르담으로 돌아갈 때, 라인 강가에서

그린 풍경은 율동적 구조를 보여주며, 보통 다루어지는 빛과 그림자보다는 구성적 구도에 치우쳐 있다.

그러나 아직도 네덜란드의 전통적 테두리 안에 머물러 있었다.

1907년 암스테르담 쾨드리에날레의 주역은 케스 반 동겐등의 후기인상파 화가들이었다. 형태보다 색채를

Cloud〉에서 그림을 지배하는 요소는 형태가 아니라 색채이기 때문이다. <울레 근처의 숲 Woods

near Oele〉(1908)에는 선의 움직임은 에드바르트 뭉크를 연상시키고, 노란색 오렌지색 푸른색 보라색

빨간색에 바탕을 둔 색채 구성은 표현주의의 영향을 암시해 준다. 이 그림을 통해 네덜란드 회화의 전통에서

벗어나 당대 유럽 미술의 대열 속에 끼어 들었다.

얀 토로프는 외광파 운동을 주도했고 분할묘법을 옹호했는데, 이것은 빛을 원색의 점이나 짧은 선으로

표현하되 조금 떨어진 곳에서 바라보면 병치된 색들이 원색이 아닌 2차색으로 보이는 기법이었다.

몬드리안 은 이런 색채 사용법에 몰두했고 노란색·빨간색·파란색으로 그려져 있는 〈햇빛 속의 풍차

Windmill in Sunlight〉는 강렬하게 빛나는 햇빛을 훌륭히 보여 주었다. 같은 해인 1908년〈빨간 나무

Red Tree〉에서, 빨간색과 파란색의 보색대비를 조화시키고 나무의 격렬한 움직임과 푸른 하늘을

조화시켰다. 균형감각은 그가 자연을 묘사할 때 항상 추구하는 목표이다.

神智學이란 우주의 삼라만상은 하나의 원천에서 비롯되며 정신과 물질은 불가분하게 통합되어 있다는

일찍이 그가 분할묘법으로 그린 적이 있었지만 이번에는 형태에 관심을 기울여 지난 번과는 다르게 묘사했다.

돔부르크에 있는 교회와 젤란트의 풍차 같은 주제도 역시 묘사하려는 의도를 나타내고 있다. 〈진화

Evolution〉(1910~11)는 인간의 모습과 건축물의 유사성을 보여주어, 인간과 생명이 없는 건축물 사이의

상징적 동일성을 강조한다. 1911년에는 파리의 앵데팡당 미술전에 자연의 무한함을 표현한 그림을

출품했는데, 이것은 국제적으로 인정받기 위한 그의 첫번째 시도였다.

그린 〈생강단지가 있는 정물 Still Life with Gingerpot〉의 첫번째 그림에서는 물체가 있는 그대로

묘사되어 있고, 2번째 그림에서는 같은 물체가 조립적 구성으로 변형되어 있다. 1912~17년에 걸쳐 그린

나무, 주택들의 정면과 건축용 발판의 구성은 개별적 형태를 일반적 도식으로 바꾸려는 경향을 보인다. 그는

물체의 개별성을 초월한 리얼리티를 표현하고자 형태를 구성요소로 분할하는 분석적 입체파에서 한 걸음

더 나아갔다. 1913년부터는 대상의 함축적 의미를 제거하려는 시도로서 추상 쪽으로 걸음을 내디뎠다.

그러나 형태에서 완전히 벗어나지 않기 위해 황토색 갈색 회색으로 색채를 제한하고, 가장자리에는 손을

대지 않은 채 가운데의 초점 쪽으로 끌리는 구성을 유지함으로써 입체파의 테두리에 머물러 있었다. 이러한

신지학 철학자 M. H. J. 스훈마케르스를 알게 되었다. 선의 상징적 의미와 우주의 수학적 구성에 대한 그의

슬레이퍼는 후원자로서 그를 지원해주었고 반 데르 레크는 벽화의 원리에서 끌어낸 당당한 화풍의 화가였다.

몬드리안 은 반 데르 레크를 통해 전위미술가 테오 반 두스뷔르흐 도 만났다. 이 시기에는 주로 돔부르크의

교회를 묘사한 그림과 '선창과 바다'라는 새로운 주제를 통해 입체파 양식을 더욱 발전시켰다. 하얀 바탕을

검은 색으로 분할한 수직선과 수평선의 구성은 타원형 안에 응축되어 있다.

표현양식은 주제의 외적 형태를 완전히 없애버리는 양식으로 바뀌었다. 3명의 화가(테오 반 두스뷔르흐,

눈으로 볼 수 있는 것을 주제로 택하지 않고 회화를 가장 기본적인 요소(직선과 직각, 수직선과 수평선의

사용), 3원색(노랑·빨강·파랑), 그리고 3가지 기본적인 무채색(흰색·회색·검은색)으로 제한하는 것을 원칙으로

시각과 화가의 개인적인 기질에서 해방시키려는 것이었다. 이러한 기법을 통해 오랫동안 추구해왔던 객관적

실재가 이제 손에 닿을 수 있는 곳에 들어온 것 같았다. 이때부터 '리얼리티의 참된 모습'을 묘사할 수

몬드리안 이 초기에 그린 신조형주의 그림들은 현실의 단편이 아니라 우주의 조화에 대한 포괄적인 고찰에서

구도를 끌어낸 것으로 하얀 바탕에 원색으로 칠한 직4각형으로 이루어져 있었다. 구성은 색채에 바탕을

두고 있으며, 화폭의 경계선을 넘어서서 바깥의 공간으로 퍼져나가는 것처럼 보인다. 1918년 그는 윤곽선을

그림에 다시 도입해, 색면들을 수직선과 수평선으로 연결하고 배경과도 연결함으로써 유채색·무채색의

들은 굵고 검은 선으로 둘러싸여 황토색·회색·붉은색으로 구별되어 있었다. 1919년에는 색조의 차이를

전시회는 네덜란드 전통양식으로 출발해, 수평선과 수직선 및 원색과 무채색으로 우주의 조화를 묘사하는

추상화에 이르기까지 그가 걸어온 길을 보여주었다.

더 꾸밈없고 수수해졌다. 1934년 미국의 미술가 해리 홀츠먼과 영국의 화가 벤 니콜슨 을 만났다. 니콜슨은

국제적 간행물인 〈서클 Circle〉의 편집자로서 몬드리안 을 설득해 〈조형예술과 순수조형예술 Plastic Art

동인들은 그를 런던으로 맞아 들였다. 2년 동안 런던 교외에서 그림을 그렸는데, 런던이 폭격을 당하자

1940년 뉴욕으로 갈 수 밖에 없었다. 뉴욕에서는 홀츠만과 수집가 페기 구겐하임 평론가이자 미술관장인

몬드리안 에게 마지막 변화가 일어났다. 뉴욕의 자유롭고 활기찬 생활, 그리고 미국 음악의 율동에서 영감을

얻은 그는 우선 검은 선을 이용한 무늬에서 벗어나 검은 선을 색띠로 바꾸었고, 다음에는 색띠의 연속적인

흐름을 작은 네모꼴의 연속 무늬로 바꾸었다. 이 네모꼴들은 서로 융합하여 다채로운 수직선과 수평선의

율동적인 흐름을 이루었다. 20여 년 만에 연 개인전(1943~44)에 전시된 〈뉴욕 시 New York City I〉·〈

브로드웨이 부기 우기 Broadway Boogi Woogie〉 같은 후기 걸작들은 이런 경향을 잘 표현하고 있다.

1943년 〈빅토리 부기 우기 Victory Boogie Woogie〉를 그리기 시작했지만

몬드리안 의 신조형주의는 현대 미술사의 두드러진 위업이었다. '기하학적 추상화'라고 불리게 된 미술을

있으며 그림의 테두리를 넘어서 건강하고 깨끗한 생활로 가는 길을 인류에게 가르쳐준다. 그는 미술이

인류애로 나아가는 길잡이가 될 수 있고, 비극적 존재론을 조화롭고 새로운 인생관으로 바꾸어줄 수 있다는

믿음을 말하려고 했다. 이를 위해 엄격한 기하학 언어를 이용해 최고의 순수함을 창조하려고 애썼으며, 또한

명쾌함과 힘의 유토피아를 이루고자 했다. 몬드리안 은 현대미술의 개척자고 인류를 위한 대변자이기도 했다.
<빨강,파랑,노랑의 구성>
몬드리안의 가장 유명한 작품,<빨강,파랑,노랑의 구성>을 한 번 볼까요.

이 그림을 제 나름대로 해석해 보면, 나무를 통해 4계절을 다 볼 수가 있네요.

노란 새싹이 피어나는 봄, 햇살이 눈부신 파란 여름, 빨간 단풍이 아름다운 가을, 하얀 눈이 소복히 쌓인 겨울.

여러분은 이 그림을 나무가 아닌 다른 것으로 볼 수도 있고,
신조형주의(Neo-Plasticism)
빨강, 파랑, 노랑 등의 원색을 가진 직사각형 면과 그와 섞인 흰색과 검은색 면, 그리고 검정색 선들이다.

몬드리안 의 작품중 일부는 독일 카셀(Kassel)의 전시회에서 진열되기도했는데

" 몬드리안은 녹색분 아니라 자주색이나 주황색 등의 보색도 사용하지 않는다 "

현대에이르러선 우리주변 어디에서나 접할수있는

실용디자인의 모티프로 응용되고있다

인테리어로 재탄생한 몬드리안 작품의 패턴들

싱가폴의 한 대형백화점의 안내판

몬드리안작품의 흰 정사각형의 여백과 원색의 컬러를살린 이동식서랍

몬드리안 작품의 검은 수직,수평선의 활용이돋보이는 수납공간

일상생활 많은 건축과 가구, 생활용품의 모티프 가되어 접해지고있다

단순하면서도 질리지않고

현대에도 미래에도 어떤 디자인에접해도 손색이없는

세대를 아우르는 디자인의 모티프라고할수있겠다

Vertical Composition With Blue and White

Composition with Gray and Light Brown

Lozenge Composition with Red, Gry, Blue, Yellow and Black
몬드리안 의 순수추상적 작품들은 그리고 새로운작품의 창작모티프로활용되기도한다 C ar A rtist 에밀리더피( Emily Duffy) 의 몬드리안차와 몬드리안테마의 의상 < 몬드리안의 패턴을응용한 N ike D unk L ow SB >
반스 몬드리안 (Vans Authentic "Mondrian")

프랑스작가 마티유 메르시가가 몬드리안작품을 3차원으로 재현한 작품

재탄생하여 주목받을수있는 작품

# data[].attributes.attachment_link.title
몬드리안 작품과 설명 / 피트몬드리안, 나무연작, 추상주의, 신조형주의, 불여우아빠

# data[].attributes.attachment_link.description
(Pieter Cornelis (Piet) Mondriaan) 1872 ~ 1944 1912년 이후에는 Mondrian 으로 철자를 바꾼다. 피트 몬드리안 (Piet Mondrian) 몬드리안의 단순화 작업을 통한 그림의 이해 회화를 설명하면 점+ 선=면 (2차원) 화면에 대상을 추가 하므로서 많은 작가들이 추구하고 지향하는 것이기도 합니다. 그러나 그것을 거부하며 지극히 평면적인 회화 양식을 추구하는 작가들이 의외로 많습니다.

# data[].attributes.headline
키링앨런해링은  1980년대

# data[].attributes.body
키링앨런해링은  1980년대  뉴욕의  거리문화에 영향을받은 미국의미술가이자 사회운동과였다그래피디예술과로잘 알려진인물로서,하위문화로낙인찍인낙서화의형식을빌려새로운회화양식을창조하였다

# data[].attributes.headline
몬드리안의 작품 건초더미

# data[].attributes.body
몬드리안의 작품 건초더미

# data[].attributes.attachment_link.description
작가들의 온라인 아트마켓-인테리어액자

# data[].attributes.body
고갱은 저널리스트 클로비스 고갱(Clovis Gauguin)과 페루계 사회주의자(플로라 트리스탄)의 딸인 알린느 마리아 샤잘(Aline Maria Chazal)의 사이에서 태어났다(프랑스 파리). 1851년에 당시 파리의 정치적 혼란을 피해 페루로 가던 중 고갱의 아버지가 심장병으로 사망했고, 고갱과 여동생, 그리고 어머니는 페루의 리마에서 외삼촌과 함께 4년을 살았다. 이곳에서의 이미지들은 훗날 고갱의 작품에 영향을 미친다.

1854년 무렵 고갱과 그의 가족은 프랑스로 돌아와, 할아버지와 함께 살기 위해 오를레앙에 정착했고, 고갱은 이곳에서 프랑스어를 배웠다. 1865년 17살이 되었을 때 고갱은 선박의 항로를 담당하는 수습 도선사(사관후보생)가 되어, 약 6년간 상선(商船)을 타고 라틴아메리카와 북극 등 많은 곳을 여행하였다. 1871년 고갱은 인도에서 어머니의 사망 소식을 접하고 파리로 돌아와, 선원생활을 그만두고 어머니의 친구가 마련해 준 증권 거래소의 점원 일을 하게 된다. 고갱은 1873년에 덴마크 출신의 메테 소피 가트(Mette Sophie Gad)와 결혼하여 10여 년 동안 5명의 아이를 낳았다.

작품 수집가로 시작한 초기 활동

고갱은 결혼 이후 경제적으로 여유로워졌고, 이 무렵부터 그림에 관심을 두기 시작하여 특히 인상파 작품들을 많이 수집했다. 어릴 적부터 그림에 관심이 많았던 그는, 후견인이었던 어머니의 친구 구스타브 아로사의 영향으로 작품 수집까지 하게 됐다. 그는 갤러리를 빈번히 다니면서 당시 떠오르는 작가들의 작품을 사들였다. 이 즈음의 고갱은 작품을 구입하는 것뿐만 아니라 직접 그리기도 하였으며, 27세 무렵에는 일요일마다 본격적으로 회화 연구소에 다니면서 그림을 배웠다. 1876년에 처음으로 살롱에 출품하여 카미유 피사로를 알게 된 것을 계기로 1880년의 제5회 인상파전 이후로는 주요 멤버가 되었다.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
폴 고갱(Eugène Henri Paul Gauguin, 1848~1903)은 빈센트 반 고흐, 폴 세잔과 함께 20세기 현대미술에 지대한 영향을 미친 작가로 꼽힌다. 소설 [ 달과 6펜스]의 주인공으로도 유명한 고갱은 강렬한 색채의 실험으로 ' 종합주의 '를 선도하였고, 그의 작품들은 이후 수많은 화가들에게 영향을 주었다.

페루와 프랑스에서 보낸 유년기

고갱은 저널리스트 클로비스 고갱(Clovis Gauguin)과 페루계 사회주의자(플로라 트리스탄)의 딸인 알린느 마리아 샤잘(Aline Maria Chazal)의 사이에서 태어났다(프랑스 파리). 1851년에 당시 파리의 정치적 혼란을 피해 페루로 가던 중 고갱의 아버지가 심장병으로 사망했고, 고갱과 여동생, 그리고 어머니는 페루의 리마 에서 외삼촌과 함께 4년을 살았다. 이곳에서의 이미지들은 훗날 고갱의 작품에 영향을 미친다.

1854년 무렵 고갱과 그의 가족은 프랑스로 돌아와, 할아버지와 함께 살기 위해 오를레앙에 정착했고, 고갱은 이곳에서 프랑스어를 배웠다. 1865년 17살이 되었을 때 고갱은 선박의 항로를 담당하는 수습 도선사(사관후보생)가 되어, 약 6년간 상선(商船)을 타고 라틴아메리카와 북극 등 많은 곳을 여행하였다. 1871년 고갱은 인도에서 어머니의 사망 소식을 접하고 파리로 돌아와, 선원생활을 그만두고 어머니의 친구가 마련해 준 증권 거래소의 점원 일을 하게 된다. 고갱은 1873년에 덴마크 출신의 메테 소피 가트(Mette Sophie Gad)와 결혼하여 10여 년 동안 5명의 아이를 낳았다.
작품 수집가로 시작한 초기 활동

고갱은 결혼 이후 경제적으로 여유로워졌고, 이 무렵부터 그림에 관심을 두기 시작하여 특히 인상파 작품들을 많이 수집했다. 어릴 적부터 그림에 관심이 많았던 그는, 후견인이었던 어머니의 친구 구스타브 아로사의 영향으로 작품 수집까지 하게 됐다. 그는 갤러리를 빈번히 다니면서 당시 떠오르는 작가들의 작품을 사들였다. 이 즈음의 고갱은 작품을 구입하는 것뿐만 아니라 직접 그리기도 하였으며, 27세 무렵에는 일요일마다 본격적으로 회화 연구소에 다니면서 그림을 배웠다. 1876년에 처음으로 살롱에 출품하여 카미유 피사로 를 알게 된 것을 계기로 1880년의 제5회 인상파전 이후로는 주요 멤버가 되었다.

1882년 프랑스 주식시장의 붕괴로 고갱의 직업은 불안해졌다. 이때 고갱은 화가가 되기 위해 피사로와 의논하게 되고, 피사로의 소개로 , 등과 친교를 맺으면서 확실하게 화가가 되기로 결심하기에 이른다. 35세가 되던 1883년부터는 증권거래소를 그만두고 그림에 전념하였고, 생활비가 저렴한 으로 이사를 했다. 그러나 생활은 점점 어려워지게 되고 그의 처가가 있는 덴마크 에 갔으나, 결국 그림에 전념하기 위해 파리로 혼자 돌아온 이후로는 한동안 가족을 만나지 못했다. 파리 생활은 여전히 가난의 연속이었고 고갱은 벽보 붙이는 일을 하며 연명해갔다. 1886년의 제8회 마지막 인상파전에 고갱은 무려 열아홉 점의 작품을 출품했지만, 불행하게도 의 [ 그랑드자트 섬의 일요일 오후] 등 화가들의 빛에 가려 주목을 받지 못했다.

도시생활에 지친 그는 1886년 6월, 브르타뉴(Bretagne)의 퐁타방(Pont-Aven)으로 이사하여 그림에 전념하였다. 퐁타방의 주민들은 프랑스 전통 의상을 즐겨 입었으며 화가의 모델이 되는 것을 좋아하여, 많은 외국인 화가들이 퐁타방을 즐겨 찾았다. 이곳에서 고갱은 종래 인상파풍의 외광묘사를 버리고 차차 특유의 장식적이고 독창적인 방식으로 그림을 그리면서, 토속적인 토기류 제작에도 관심을 가지기 시작했다. 이 시기의 작품은 나중에 폴 세뤼지에, 모리스 드니, 피에르 보나르 등의 나비파(Nabis) 화가들에게 많은 영향을 주었다. 토기에서 비롯된 그의 원시적인 관심은 1887년 남대서양의 마르티니크 섬 으로 향하게 한다.

빈센트 반 고흐와의 만남

고갱은 퐁타방에서 알게 된 샤를 라발(Charles Laval)과 함께 파나마를 거쳐 마르티니크 섬에 갔다가, 이듬해 파리로 돌아왔다. 짧은 여행 기간 동안 흑인들의 집에 거주하고 그들의 일상을 지켜본 고갱은 즐겁게 지냈지만, 그곳의 여름은 너무나 더웠고 거주지는 비에 젖어 기울어졌으며 설사병과 열 때문에 매우 고통스러웠다. 그러나 이때 제작된 약 10여 점의 원시주의적 미술 작품들은 파리에서 주목을 받게 된다. 특히 화상(畵商)인 빈센트 반 고흐 의 동생 테오는 고갱의 작품에 큰 감동을 하여 고갱과의 거래를 시작했다. 테오와의 만남을 통해 작품에 대한 자신감이라는 수확을 얻은 고갱은 더 이상 자연을 미화하며 재현하는 따위의 그림은 그리지 않고, 사물을 자기 방식대로 단순화시키며 재해석하기 시작했다.

고갱은 파리에서 지내며 고흐와 툴루즈 로트렉 등을 알게 되었고, 특히 고흐와의 우정은 특별했다. 테오의 주선으로 고흐가 머물고 있는 아를(Arles)의 ' 노란 집'에서 같이 지내면서 그림을 그렸다. 당시 고흐는 브르타뉴 에서 화가들이 모여 그림을 그리는 것을 매우 부러워하고 있었고, 화가들은 함께 모여서 그림을 그려야 한다고 생각하여 남프랑스의 아를에 노란 집을 만들어 화가들을 불러 모으고 있었다. 테오로부터 생활에 대한 재정적인 지원을 약속받아 아를로 행한 고갱은 고흐와의 그림에 대한 견해 차이로 갈등과 대립을 겪었고, 급기야 고흐가 자신의 귀를 자르는 사건이 벌어지면서 둘은 헤어졌다.
인상주의와의 결별
인상주의와의 결별
타히티의 이국적인 매력에 흠뻑 빠진 고갱

고갱은 다시 브르타뉴 퐁타방으로 가서 [황색의 그리스도], [황색 그리스도가 있는 자화상] 등의 작품을 제작하였고, 조각, 판화, 도기 제작에도 전념하였다. 고갱은 에밀 베르나르, 샤를 라발(Charles Laval) 등 다른 작가들과 함께 퐁타방을 더욱 빈번히 왕래하였고, 이때 퐁타방파라고 불리는 강한 순색의 사용과 그림에 주제를 선택하는 상징주의적인 그림을 그리는 화파를 형성하였다. 그러나 그는 퐁타방 또한 매우 번잡하게 느껴 더욱 한적한 바닷가의 작은 마을인 르풀뤼로 이주하였다.

[황색의 그리스도]는 고갱이 한 성당에서 본 나무 십자가의 예수상을 스케치하여 그린 것이다. 노란색의 예수 모습과 배경, 단풍이 든 것처럼 붉게 채색된 나무 등 전체적으로 매우 단순화된 작품이다. 십자가 주변에는 묵상하는 세 여인이 그려져 있으며, 이들은 성모 마리아와 예수를 따랐던 여인들이다. 이 그림 속에서 푸른 빛의 색을 제외하곤 원근감의 표현은 아예 없다. 단지 배경을 구분 짓기 위한 윤곽선이 있을 뿐이다. 평면, 강렬한 색채, 대담한 윤곽선으로 구성된 황색 그리스도는 고갱의 초기 대표작으로 꼽힌다.

고갱은 점차 파리 아방가르드 화단에서 주목을 받기 시작했고, 1889년에 개최된 파리 만국박람회의 미술전시에서는 공식행사인 인상주의 화가들의 작품 전시에 고갱의 참가를 거부했다. 이에 고갱은 전시장 건물 앞 볼피니 카페를 빌려 '인상주의와 종합주의' 그룹전을 열었다. 이는 박람회에 참여하지 못한 불만을 시위하는 장이었다. 피에르 보나르, 에두아르 뷔야르, 그리고 조각가 아리스티드 마이욜 까지 참여한 이 전시회는 인상주의 화가들의 심기를 불편하게 했다. 그림의 내용 자체가 인상주의와는 거의 무관한 그림들이었기 때문이다.

고갱은 점차 파리 아방가르드 화단에서 주목을 받기 시작했고, 1889년에 개최된 파리 만국박람회의 미술전시에서는 공식행사인 인상주의 화가들의 작품 전시에 고갱의 참가를 거부했다. 이에 고갱은 전시장 건물 앞 볼피니 카페를 빌려 '인상주의와 종합주의' 그룹전을 열었다. 이는 박람회에 참여하지 못한 불만을 시위하는 장이었다. 피에르 보나르, 에두아르 뷔야르, 그리고 조각가 아리스티드 마이욜 까지 참여한 이 전시회는 인상주의 화가들의 심기를 불편하게 했다. 그림의 내용 자체가 인상주의와는 거의 무관한 그림들이었기 때문이다.

'인상주의와 종합주의'는 고갱이 인상주의와의 차별성을 부각시키기 위해 붙인 전시 제목으로 인상주의와의 결별을 의미하는 장이기도 했다.

' 종합주의'란 인상주의 화가들처럼 외형적 현상을 재현하는 것이 아니라 상상과 자신의 경험을 종합하여 가시적인 세계가 아닌 감추어진 세계를 회화적인 언어로 표현하는 것을 말한다. 즉 강렬한 색과 굵은 선, 단순화된 형태를 주관적이면서 자신의 감정을 드러내려는 경향으로 고갱의 사상이 이 속에 함축되어 있다. 종합주의 화가들은 일반적으로 나비파 화가로 소개되며, 시인 앙리 카잘리스가 붙인 '나비파'라는 이름은 히브리어 의 나비 즉 '예언자'를 뜻하는 것이다. 고갱은 색의 음영과 농담의 원근법을 사용하지 않고 순수한 색채만을 사용할 것을 권했다. 이러한 고갱의 이론은 인상주의가 한계를 드러내며 해체되자 젊은 화가들을 매료시켰지만, 일반인들의 관심은 끌지 못했다.

고갱은 박람회에 출품된 아시아와 남태평양의 이국적인 풍물에 열광하였고, 열대지방의 원시적인 삶을 동경하였다. 각국 민속관들 중에서 자바의 민속관은 고갱으로 하여금 이국적인 매력에 흠뻑 빠지게 했다.

고갱은 파리에서의 힘든 생활을 청산하고 새로운 미지의 세계를 찾아 나서기로 결심하였다. 당시 그는 에밀 베르나르 에게 "올해는 그토록 힘겹게 싸웠건만 파리의 조롱 말고는 소득이 없네. 여기서도 그들의 조롱이 내 귀에 들리고 있네. 너무 절망스러워 더 이상 그림을 그리고 싶지 않을 정도라네."라며 자신의 심경을 피력했다.

고갱은 산업문명으로 썩은 서양을 하루빨리 떠나고 싶다고 했다. 이를 위해 작품을 공매 처분하려고도 했지만 여의치 않았다. 일반인들이 그의 작품을 이해하기에는 아직 많은 시간이 필요했던 것이다. 고갱은 코펜하겐에 있는 가족을 찾아가 잠시 만난 뒤, 꿈에 그리던 남태평양 타히티의 파페에테 섬으로 간다. 무려 두 달을 걸려 찾아간 파페에테 섬은 이미 문명의 때가 묻어 있어 그에게 큰 실망을 안겨주었다.

이후 고갱은 문명의 흔적이 거의 없는 섬을 찾다가 마침내 그가 원하던 곳인 마타이에아에 정착하게 된다. 그는 그곳에서 열세 살의 원주민 테하마나(테후라)라는 소녀와 동거한다. 고갱의 작품에 많이 등장한 테하마나는 고갱이 찾던 순수하고 아름다운 폴리네시아인 이었다. 그는 테하마나와 같이 지낸 기간 동안 왕성한 작품 활동에 빠져들었고 행복했다. 그러나 유럽에서의 송금이 오래전에 끊겨 완전히 빈털터리가 되어 있었다. 그의 작품이 한 점도 팔리지 않은 것이다. 물감 값이 떨어지자 그림은 엷어졌고, 그는 이런 현실을 두고 "고통이 천재성을 고무하기도 하는 것은 사실이다. 그러나 고통이 너무 심할 때에는 천재성이 완전히 바닥이 나고 말 것이다."라며 자조하였다.

고갱은 파리로 다시 돌아가기를 원했고 그림 그리는 일도 접었다. 설상가상으로 그의 작품을 호평했던 비평가 알베르 오리에(Albert Aurier)와 고갱의 작품을 거래하던 유일한 화상인 테오도르 반 고흐의 죽음으로 고갱이 기댈 곳은 없어진 셈이 되었다. 그러나 오히려 이런 시련의 시기 동안 엄청난 창작욕에 불탄 고갱은 무려 80점이나 되는 작품을 그렸다.

대작의 탄생과 불행했던 말년

1893년 고갱은 테하마나를 남겨둔 채 파리로 다시 돌아왔다. 파리로 돌아온 고갱은 뒤랑뤼엘 화랑에서 개인전을 열었고, 타히티의 삶과 그림에 대한 이해를 돕기 위해 삽화를 곁들인 수필을 쓰기도 했다([ 노아 노아]). 그러나 전시회는 상업적으로 완전히 실패했고, 만신창이가 된 고갱은 다시 타히티로 들어가기로 결심했다.

1895년, 파리의 리옹 역. 고갱은 짐에 걸터앉아 울었다. 절망의 늪에 빠져 인생의 낙오자가 된 듯한 자신을 뒤돌아 보며 그는 울고 있었다. 타히티가 지상의 낙원이라고 큰소리쳤지만 그와 동행하려는 동료화가들은 아무도 없었다. 심한 우울증에 시달린 고갱은 아내로부터 돈을 빌려, 다시 타히티의 푸나아우이아 로 가서 타히티 전통가옥을 짓고 살았다.

그의 육체는 점점 병들어갔다. 거듭된 음주로 저항력이 떨어져 매독의 후유증에서 헤어나지 못했고, 피부에 난 뾰루지로 인해 나병 환자로 오해받기도 했다. 이 시기에 고갱은 입원과 퇴원을 수없이 반복했다. 14세의 원주민과 동거를 하였지만, 가난과 고독에서 벗어나지 못한 고갱은 자살을 기도하기에 이르렀다. 자살하기 전에 유언과도 같은 유작을 남겨야겠다고 생각하여 그린 대작이 [우리는 어디서 왔으며, 우리는 무엇이며, 어디로 가는가?]이다. 그는 이 작품에 대해 친구 몽프레(Daniel de Monfreid)에게 이렇게 설명했다.

"12월 한 달 동안 유작으로 대작을 그려보기로 했네. 미친 듯이 그렸네. 사람들은 이 작품이 미완성이라고 하겠지. 그러나 이 작품은 내가 지금껏 그린 것 중에서 최고이며, 앞으로도 이 그림과 비교할 만한 작품을 그릴 자신이 없네. 작품 구상이 워낙 뚜렷해 어느덧 생동감이 느껴지고 있네. 그림 상단의 양쪽 귀퉁이는 연노랑으로 칠하고, 위의 양 귀퉁이가 손상된 프레스코 벽화처럼 말이야. 나는 이것을 걸작으로 본다네."

이 작품은 삼베에다 그려서 매우 거친 질감으로 느껴진다. 마치 파노라마 사진을 보는 듯 넓게 펼쳐진 풍경에는 여러 사람들이 군데군데 모여 있다. 모든 것을 체념한 고갱은 자살을 기도했으나 실패했고, 그의 몸은 쇠약해질 대로 쇠약해져 붓을 들 수가 없었다. 그는 이 작품을 그의 추종자 모리스 드니 에게 보냈지만, 여덟 점의 작품을 판 돈으로 불과 1,000프랑 밖에 받지 못했다.

남은 삶을 보낸 타히티 섬에서 그린 그의 작품들은 다분히 종교적인 상징주의와 폴리네시아의 이국적인 시각들로 가득 차 있다. 그는 감각적인 효과를 주기 위해 사물을 평면적으로 표현하고 강렬한 색채를 사용하려 했다. 무엇보다 감정을 주관적으로 표현하려 했던 점은 이후 20세기 미술의 수많은 화가들- 앙리 마티스, 피카소, 뭉크, 알베르 마르케, 블라맹크, 앙드레 드랭, 라울 뒤피-에게 지대한 영향력을 행사했다. 이들 모두 고갱에게 빚을 지고 있다고 해도 과언이 아니다.

고갱은 1903년에 심장마비로 사망하였다. 당시 고갱을 후원하고 있었던 화상 아브루아즈 볼라르 는 사망 몇 달 후 추모전을 열었고, 이어 3년 뒤 대규모 회고전을 개최하여 고갱의 명성을 알리는 데 기여하였다.

# data[].attributes.attachment_link.title
원시를 꿈 꾸다 , 폴 고갱

# data[].attributes.attachment_link.description
폴 고갱(Eugène Henri Paul Gauguin, 1848~1903)은 빈센트 반 고흐, 폴 세잔과 함께 20세기 현대미술에 지대한 영향을 미친 작가로 꼽힌다. 소설 [ 달과 6펜스]의 주인공으로도 유명한 고갱은 강렬한 색채의 실험으로 ' 종합주의 '를 선도하였고, 그의 작품들은 이후 수많은 화가들에게 영향을 주었다.

# data[].attributes.body
김홍도의 그림, 서당은 잘 보면 가운데서 한 손으로 눈물을 닦고있는 어린 소년의 모습이 마치 훈장이 지시한 사항을 지키지 못해 종아리를 맞은 듯 하다. 이를 보고 어찌 우스운지 다른 생도들은 웃음을. 터뜨리고 있고, 훈장마저 웃음을 참느라고 얼굴이 일그러져 있다. 이 그림은 각 인물의 감정과 분위기가 생생하게 전달이 되는 것 같다.

# data[].attributes.body
윤두서는1668년6월28일이었고 1715년12월21일이었습니다.조선의화가이다.
저는효언호는 공재.종애.본관은해남이이다

# data[].attributes.body
1834 ~1917
국적:프랑스
대표작:<뉴올리언스의 목화 거래소>, <스파르타 젊음이들의 연습>,<발레 수업> 등

인생파 화가로 고전 주의와 사실 주의 색채를 지닌 작품을 선보였다.

# data[].attributes.body
샤갈은 러시아 제국에서 태어난 프랑스 작가이다.
출생은 1887년 7월 7일 ,사망은 1985년 3월 28일
작품은 <마을과 나>,<신부>,<생일>등 다양한 작품이 있다.

# data[].attributes.body
<발레 수업>

# data[].attributes.headline
김민정 작가는 1962년  

# data[].attributes.body
김민정 작가는 1962년  광주에서 출생 했다.
한지를 불에 태워 먹선을 만들고 그 한지 조각을
콜라주해 미니멀적 추상회화를 구현했다.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
오귀스트 르누아르
Auguste Renoir

본명

Pierre Auguste Renoir

출생

리모주

사망

카뉴쉬르메르

직업

화가, 조각가

국적

프랑스

스승

샤를 구노, 마르크샤를가브리엘 글레르

제자

클로드 르누아르, 우메하라 류자부로

후원자

샤를 르 쾨르, 뒤랑뤼엘, 카유보트, 쇼케, 볼라르, 베른하임죈

사조

인상주의

18세기 프랑스 회화 ( 프라고나르, 알프레드 부셰), 앵그르, 쿠르베, 마네, 모네, 라파엘로 의 프레스코화.

서명

오귀스트 르누아르(Auguste Renoir, 1841년 2월 25일 ~ 1919년 12월 3일)는 프랑스의 대표적인 인상주의 화가로, 여성의 육체를 묘사하는 데에 있어 특출난 표현을 선보였으며 풍경화에도 뛰어났다만 인상파 중에서 세잔 의 엄격한 화풍에 대비되는 가장 아름답고 뛰어나며 화려한 멋을 보인 화가는 르누아르이다만 세잔이 풍경 속에 자연의 정신을 품듯이 르누아르는 여인을 그려서 미의 도취를 자아내고 있다.

프레데리크 바지유, 르누아르의 초상 (1867), 몽펠리에, 파브르 미술관.

자화상 (1876), 케임브리지, 포그 미술관.

유년기와 견습생 초년 시절

피에르오귀스트 르누아르, 통명 오귀스트 르누아르는 1841년 2월 25일 리모주의 구(舊) 생트카테린 대로, 지금의 강베타 대로 71번가에서 태어났다. 르누아르는 노동자 가정에서 태어난 일곱 자식 가운데서 여섯번째였다. 아버지 레오나르 르누아르(1799-1874)는 석공(石工)이었고 어머니 마르게리트 메를레(1807-1896)는 여직공이였다. 르누아르의 가족은 가난하게 살았다. 1844년 르누아르 가족은 리모주를 떠나 파리로 이사했고, 아버지는 그곳에서나마 집안의 사정이 나아지기를 바랬다. 가족은 비블리오테크가(街) 16번가에 자리를 잡았으나, 이후 1855년 아르망퇴유가(街) 23번지로 이사를 가야만 했다. 피에르오귀스트는 그곳에서 다니던 학교를 계속 통학했다..

13살 때 르누아르는 도자기 공방 레비 프레르 & 콩파니에서 조각 장식을 배우는 견습생활을 시작했으며, 그 와중에 1862년까지 장식 예술과 소묘 학교 야학반 수업에 드나들었다. 이 시기 르누아르는 샤를 구노 의 음악 수업을 듣기도 했는데 구노는 그를 지적이고 재능이 있다고 평가했다.

인상주의에 첫발을 내딛다

1858년 르누아르는 17살의 나이로 생활비를 벌고자 문장조각가로 일하던 형 앙리를 통해 부채나 장롱을 채색했다. 1862년 르누아르는 파리 국립고등미술학교 경쟁 시험에 합격했으며 샤를 글레르의 공방에 들어가는데, 공방에서 그는 클로드 모네, 프레데리크 바지유와 알프레드 시슬레를 만나게 된다. 퐁텐블로 숲 에서 자주 그림을 그리며 그들 네 명은 굳은 우정을 나눴다.

르누아르와 글레르와의 관계는 점점 악화되면서 막을 내렸으며, 1864년 글레예르가 은퇴하자 르누아르는 보자르를 그만 둔다. 그 와중 르누아르는 살롱에서 작품을 공개하는데, 이 처녀작(에스메랄다 1864)은 확실히 성공을 거두었지만 그는 전시회 이후 이 작품을 파괴한다. 이 시기 작품들은 초상화 쪽에서는 앵그르와 드오당크의 영향이, 또 특히 정물화 쪽에서는 귀스타브 쿠르베의 영향이 돋보이지만 몇몇 주제에서는 외젠 들라크루아 의 영향 역시 볼 수 있다(예를 들자면 동양 여인들).

말을 타고 불로뉴 숲을 거닐며 (앙리에트 다라 부인) (1873), 함부르크 미술관.

물랭 드 라 갈레트의 무도회 (1876) 파리, 오르세 미술관.

물뿌리개를 든 소녀 (1876), 워싱턴 D.C., 국립 미술관.

1865년, <윌리엄 시슬레의 초상>과 지금은 유실된 <여름날의 저녁>이 살롱에서 받아들여졌다. 애인 리즈 트리오는 이 시기 르누아르의 작품에서 주로 등장한 모델이다. 그녀는 1868년 살롱에서 에밀 졸라같은 젊은 비평가들의 극찬을 불러낸 작품인 <양산을 쓴 리즈> (1867)의 모델 역을 해주었다. 하지만 전반적으로 그의 작품에 대한 비평은 그리 좋지 않았으며, 베르탈이 개재한 것과 비슷한 여러 풍자화들이 신문에 실렸다.

리즈 트레오와의 관계에서 두 아이가 태어났다. 빌다브레에서 1868년 9월 14일 태어난 피에르는 샹포앙모르방에서 같은 해 10월 5일 요절했으며, 1870년 7월 21일 파리 10구에서 태어난 잔은 훗날 1934년에 사망한다.

꽤 유명한 장소이자 당대의 가이드북에 조금 '서민적'인 곳이라고 나와있던 그르누예르 (크루아시쉬르센 섬의 해수욕장)에서 모네와 함께 머물었던 경험은 르누아르의 화가 인생에 있어 결정적으로 작용했다. 르누아르는 그곳에서 진정한 '야외 사생'을 했으며 이 야외에서의 작업은 그의 팔레트를 바꾸며 붓터치를 세부화했다. (이곳에서 더욱 작업한 모네보다는 덜하지만)

르누아르는 빛의 효과를 표현하는 것을 이해했으며, 더 이상 그림자를 표현하는 데에 검은색을 쓰지 않았다. 바로 이때부터 르누아르의 인상주의 시기가 시작된다. 모네는 풍경화를 그리는 것을 선호한 반면 르누아르는 인물화를 선호했다. 그르누예르의 같은 풍경을 두고, 르누아르는 인물들의 중요성을 더 크게 담을 수 있도록 허락한 근접 시점을 받아들였다. 1870년부터 1871년까지의 보불전쟁 도중 르누아르는 징집당했고 보르도의 기병대에 배속되며 머지않아 타르브로 배치된다. 심하게 앓던 그는 1871년 3월 제대하기 전 보르도에서 치료를 받고 파리로 돌아갔지만 그곳에서 프레데릭 바지유가 죽었다는 소식을 듣게된다. 1872년 3월 르누아르는 미술상 폴 뒤랑루에를 만나게 된다. 1873년 9월, 그는 노트르담데샹 로에 있는 자신의 작업실에서 나와 생조르주 로에 있는 더 큰 작업실로 옮긴다. 1876년 그는 코르토 로 12번가의 수수한 작업실을 빌린다. (1960년부터 몽마르트르 박물관이 됨)

르누아르는 인상파 화가들과 함께 1874년 첫 인상파 화가 전시회와 1878년 전시회에서 작품들을 전시하며 1877년 몽마르트르에서 <물랭 드 라 갈레트의 무도회>라는 자신의 걸작을 완성한다. 이 작품은 인상파의 후원가이자 동료 귀스타브 카유보트 가 사갔다. 이 야심에 찬 그림 (이 작품의 크기는 1.30 m × 1.70 m)은 1870년대 르누아르가 추구한 양식의 특징을 갖고있다. 부드럽고 화사한 붓터치, 화사한 그림자, 검은색 미사용, 질감의 효과, 잎들과 구름을 가로지르며 스며드는 빛의 유희, 파리 대중들의 생활 풍경과 자기 주변의 모델들(몽마르트르의 "보엠"들과 친구들)에서 따온 풍취가 바로 그 특징이다. 누드화를 그리고자 르누아르는 처음에 직업 모델들을 불렀으나 이후로는 그가 가끔 거리에서 만나던 젊은 여인들을 불렀고 그들에게 작업비로 초상화나 꽃들, 유행하는 모자를 주었다.

르누아르는 1881년 이탈리아를 여행하며 라파엘로에 경탄하고, 특히 폼페이의 벽화에 감명을 받았는데, 그 후는 데생의 부족을 생각하여 형상을 나타내는 작품으로 제작 경향을 바꾸었다. 그러나 그것도 나중에는 이전보다도 한층 빛에 용해되어 리드미컬한 제작으로 변하지만, 후기는 오로지 나부(裸婦)를 추구하여 여인의 육체에 한없는 아름다움을 찾고서는 그 빨간 색조로써 순화된 작품을 남기고 있다. 빨강, 노랑, 파랑, 초록 등의 색깔을 선명하게 칠하여 색채 화가라 불리였고, 특히 적색의 표현에 뛰어나 근대 최대의 색채 화가로 알려져 있다. 르누아르의 생애는 평온했으나 말년을 심한 신경통으로 고생하고, 1899년 부터는 남프랑스 해안으로 옮겨 살았다. 이어 카뉴에 정주하여 오로지 제작만을 계속, 최후에는 영광을 누리며 홀로 들어앉아, 의자 위에서 화필을 쉬지 않고 아름다운 나부의 제작을 계속했다. 주요 작품으로 〈해수욕장의 풍경〉, 〈대수욕〉, 〈목욕하는 여인들〉, 〈큰길〉 등이 있다.

1. 레오나르 르누아르는 센에우아즈 루브시엔에서 1874년 12월 22일 사망했고, 아내 마르게리트 메를레는 같은 도시에서 1896년 11월 11일 사망했다; 이블린 온라인 아카이브, 호적, 1874년 12월 22일 (51호 참조) 71호 문서와 1896년 11월 12일 (139호 참조) 50호 문서 참조

2. 「화가 르누아르, 삶과 작품」Renoir Un peintre, une vie, une œuvre 벨퐁 출판사, 1987년, ISBN 978-2714-423771

# data[].attributes.attachment_link.title
오귀스트 르누아르 - 위키백과, 우리 모두의 백과사전

# data[].attributes.attachment_link.description
오귀스트 르누아르 Auguste Renoir 본명 Pierre Auguste Renoir 출생 리모주 사망 카뉴쉬르메르 직업 화가, 조각가 국적 프랑스 스승 샤를 구노, 마르크샤를가브리엘 글레르 제자 클로드 르누아르, 우메하라 류자부로 후원자 샤를 르 쾨르, 뒤랑뤼엘, 카유보트, 쇼케, 볼라르, 베른하임죈 사조 인상주의 18세기 프랑스 회화 ( 프라고나르, 알프레드 부셰), 앵그르, 쿠르베, 마네, 모네, 라파엘로 의 프레스코화.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
1958년 미국 펜실베이나 주 레딩 시에서 태어난 키스 헤링은 어린 나이에 이미 자신의 남다른 미술적 재능을 자각한다. 1978년 뉴욕으로 올라와 School of Visual Arts에 다니던 그는 디즈니 만화들, 그리고 피에르 알레친스키나 쟝 드뷔페같은 원초주의 작가들로부터 영향을 받아 단순한 외곽선으로 표현하는 자신의 스타일을 형성해 갔다. 당시 펑크와 뉴웨이브가 주도하던 도시문화에 경도된 그는 그래피티 아티스트들과 브레이크 댄서로 이루어진 힙합씬에 합류했고, 이후 자신의 작품에 뉴욕의 거리문화를 담아낸다.

열정이 가득한 뉴욕을 누구보다 사랑했고, 뉴욕의 거리와 슬럼가에서 창작활동을 했다. 이탈리아 기호학자이자 철학자인 움베르토 에코의 영향을 받아 언어의 해석과 의미 사이의 관계를 작품 속에 풀어 내고자 했으며, 이것은 그만의 구상적인 언어 기호인 하트, 아기, 개 등의 다양한 실루엣의 조합으로 구상화 됐다.

누구나 쉽게 접근할 수 있는 해링의 매혹적인 작품들은 1980년대 뉴욕을 풍미했던 펑크나 힙합, 브레이크 댄스 등과 같은 대중예술과 그 맥락을 같이 한다. 해링은 대중 계몽을 위한 예술적 신념을 지키기 위해 경찰의 감시를 피해 지하철에서까지 그림을 그렸다. 해링의 작품 속에는 생과 사, 사랑과 전쟁 등 인간사의 필수적인 주제들과 현대인의 삶 속 고통과 비극적 사건들을 아이들의 그림 같이 밝은 색채와 깜찍한 형체로 그렸다.

# data[].attributes.attachment_link.description
1958년 미국 펜실베이나 주 레딩 시에서 태어난 키스 헤링은 어린 나이에 이미 자신의 남다른 미술적 재능을 자각한다. 1978년 뉴욕으로 올라와 School of Visual Arts에 다니던 그는 디즈니 만화들, 그리고 피에르 알레친스키나 쟝 드뷔페같은 원초주의 작가들로부터 영향을 받아 단순한 외곽선으로 표현하는 자신의 스타일을 형성해 갔다. 당시 펑크...

# data[].attributes.body
풀 고갱
풀 고갱은 1848년부터 1903년 5월 3일 까지 살은 작가다. 생전에는 그리 평가받지 못했지만 오늘날엔 좋게 평가 받고
있다.고갱의 그림이 프랑스에 유명 한 화가 앙리 마티스 한테 영양을 줬다. 폴 고갱의 대표 작품은 두여인 등이 있다.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
폴 고갱(Paul Gauguin, 1848년 6월 7일 ~ 1903년 5월 8일)은 프랑스의 탈인상주의 화가이다. 파리에서 태어났다. 생전에는 그리 평가받지 못하였으나 오늘날에는 인상주의를 벗어나 종합주의 색채론에 입각한 작품을 남긴 화가로 널리 인정받고 있다. 생의 마지막 10여년을 타히티를 비롯한 프랑스령 폴리네시아 에서 생활하며 작업하였고 이 시기 작품이 그의 대표작이 되었다.

고갱의 작품은 파블로 피카소나 앙리 마티스와 같은 프랑스 아방가르드 작가들에게 영감을 주었다. 고갱 사후 파리의 아트딜러 앙브루아즈 볼라르는 두 번의 유작전을 파리에서 개최하였고 그제서야 명성을 얻게 되었다. 고갱은 상징주의를 대표하는 인물 가운데 하나로 회화뿐만아니라 조각, 판화, 도예, 저술 등의 다방면에서 작품을 남겼다. 고갱의 화풍은 클루아조니즘으로부터 많은 영향을 받았으며 대표작들의 주제는 원시주의 에 바탕을 두었다.

폴 고갱은 1848년 6월 7일 파리에서 아버지 클로비스 고갱과 어머니 알린 샤잘 사이에서 태어났다. 당시 유럽에서는 1848년 혁명이 한창이었다. 그의 아버지 클로비스는 당시 34세로 오를레앙에서 이주한 사업가 집안 출신의 자유주의 언론인이었다. 클로비스는 신문에 낸 기고문 때문에 프랑스 당국으로부터 추방령을 받았다. 어머니 알린은 당시 22세로 인그레이빙 작가였던 앙드레 샤잘과 사회주의 활동가였던 플로라 트리스탕 의 딸이었다. 트리스탕은 앙드레 샤잘의 폭력과 학대 때문에 결별하였다.

폴 고갱의 외할머니였던 플로라 트리스탕은 "만국의 노동자여 단결하라"는 유명한 구호를 최초로 제안한 사람이다. 귀족의 사생아였고 그로 인해 페루 와 인연이 있던 트리스탕은 혁명 강연을 다니다 보르도에서 1844년 병사하였다. 폴 고갱은 외할머니를 이상화하여 흠모하였으며 그녀의 저술을 평생 가지고 다녔다. 1850년 프랑스에서 더 이상 살 수 없게 된 클로비스는 장모인 트리스탕의 연줄을 통해 페루에서 언론인 경력을 계속 쌓고자 하였다. 클로비스는 가족을 동반하고 여행길에 올랐으나 심장마비로 사망하였고 페루에는 아내 알린과 18개월 된 폴 고갱 그리고 2살 반이었던 누나 마리만이 도착하게 되었다. 다행이 페루에서 알린을 맞이한 외종조부는 차기 대통령직이 확실한 정치인이었고 알린과 식솔을 환대하였다. 훗날 고갱은 페루에서의 시기를 그의 생애에서 가장 풍족하고 행복한 때로 회상하였다.

1854년 후견자가 실각하자 알린 가족은 더 이상 페루에 머무를 수 없는 처지가 되었다. 그녀는 아이들을 데리고 남편의 조부인 기욤 고갱이 살고 있는 오를레앙으로 갔다. 그러나 오를레앙은 알린의 어머니와 배다른 귀족 형제인 트리스탕 모스코소 가문이 영향력을 행사하는 곳이었고 알린은 이들의 괴롭힘을 피해 다시 파리로 돌아갈 수 밖에 없었다. 알린은 파리에서 바느질을 하며 생계를 유지하였다.

고갱은 지역의 학교 두어 곳을 옮겨 다니다 명문으로 평가되던 루아레의 라 사펠-상-메스밍에 있는 카톨릭계 신학 소학교로 편입하였다. 고갱은 이 학교에서 3년을 보낸 뒤 파리에 있는 해군 예비학교인 로리올 학원에 입학하였다. 얼마 후 고갱은 다시 오를레앙의 리시 잔 다르크 학교로 편입하여 그곳에서 졸업하였다. 졸업 후 구한 직업은 상선 해병을 위한 도선사였다. 3년간 도선사 생활을 한 고갱은 프랑스 해군 에 입대하여 2년 동안 복무하였다.

1867년 7월 7일 어머니 알린이 사망하였으나 고갱은 누나 마리가 인도까지 달려와 알려주기 전까지 몇 개월 동안 그 소식을 알지 못했다.1871년 파리로 돌아온 고갱은 증권회사에 취직하였다. 가족과 친한 지인이었던 구스타프 아로사가 마련해 준 자리로 취직 당시 고갱의 나이는 23세였다. 고갱은 성공한 파리지앵 증권 중개인이 되어 11년을 근무하였다. 1879년 고갱의 수입은 연간 3만 프랑으로 2008년 기준으로 환산할 때 12만 5천 달러 정도가 된다. 1억 5천만 원이 넘는 거액이다. 고갱은 미술품 거래에서도 많은 돈을 벌었다. 그러나 1882년 파리 증권시장 이 붕괴하면서 그는 더 이상 증권 거래로 수입을 얻을 수 없게 되었고 전업 화가가 되기로 결심한다.

1873년 고갱은 덴마크 출신의 메테-소피 가드(1850년 - 1920년)와 결혼하였다. 이후 10년 동안 살면서 둘은 다섯 명의 자녀를 두었다. 1884년 가족은 코펜하겐 으로 이주하였다. 그는 생계를 위해 방수포 판매를 하였지만 실패하였다. 고갱은 덴마크어를 하지 못했고 덴마크 사람들은 프랑스제 방수포를 사려고 하지 않았기 때문이다. 아내인 가드가 외교관을 위한 프랑스어 수업을 하면서 가족의 생계를 떠안았다.

11년간 이어져 오던 중산층의 결혼 생활은 고갱이 전업 화가가 되면서 주저 앉았다. 살림이 급격히 기울자 아내는 고갱에게 떠나달라 요구하였고 고갱은 1885년 파리로 돌아갔다. 부부가 마지막으로 만난 것은 1891년이었고 1894년에 가드는 결별을 선언하였다.

증권회사에 입사한 지 얼마 지나지 않았던 1873년 고갱은 취미로 그림을 그리기 시작했다. 당시 그는 파리 9구에 살고 있었는데 근처에 종종 인상파 화가들이 모이는 카페가 있었다. 고갱은 카미유 피사로와 친분을 맺고 이들과 어울렸다. 고갱은 일요일에 피사로를 방문하여 채소밭에서 그림을 그렸다. 1877년 고갱은 "다리를 건너 빈곤층이 사는 신시가"인 보지라르 구역에 화실이 딸린 집을 마련하고 이사하였다. 그는 여기서 전직 증권 중계인이자 화가로 전업한 에밀 슈페네커 와 친밀한 사이가 되었다. 고갱은 《보지라르의 채소밭》과 같은 그림을 1881년과 1882년 인상파 전시회에 출품하였으나 멸시를 당하였다. 오늘날 이 그림은 높은 평가를 받고 있다.

1882년 주식시장 붕괴는 미술시장 역시 위축시켰다. 당시 인상주의 화가들의 작품을 취급하던 아트딜러 가운데 가장 큰 손이었던 폴 뒤랑 루엘 역시 큰 타격을 입었고 고갱과 같은 신규 작가의 작품을 구입할 여력은 없었다. 이런 상황에서 고갱은 2년간 전속 계약을 맺고 작업하였으며 느리긴 하지만 차츰 인지도를 쌓게 되었다. 2년 동안 고갱을 피사로와 함께 작업하였으며 간간히 폴 세잔과도 작업하였다. 1883년 10월 폴 고갱은 피사로에게 자신이 어떠한 댓가를 치르고서라도 전업 화가의 길을 걷기로 결심했으니 도와달라는 편지를 썼다. 이듬해 1월 고갱은 가족들과 함께 루앙 으로 이사하였다. 루앙은 파리보다 집값이 싸지만 멀지는 않아서 고갱은 여름이 오면 피사로를 만나러 갈 수 있을 것이라고 기대하였다. 그러나 이런 모험은 그해말 메테가 아이들을 데리고 코펜하겐으로 가면서 끝났다. 고갱은 1884년 11월 자신의 작품과 도구를 코펜하겐으로 보내고 곧이어 자신도 아내에게 갔다. 이때 보낸 작품들 몇 점은 아직도 코펜하겐에 소장되어 있다. 앞서 서술한 것처럼 그들의 코펜하겐 삶은 녹녹치 않았고 1년여 만에 고갱은 파리로 돌아갔다.

고갱은 6살난 아들 클로비스와 함께 파리로 돌아왔다. 다른 아이들은 코펜하겐에서 메테가 키웠다. 파리의 미술계는 다시 돌아온 고갱을 반기지 않았다. 겨울이 닥치자 고갱은 밑바닥 일들을 하며 혹독한 빈곤을 겪었다. 클로비스가 병을 앓게 되자 고갱은 누나 마리의 돈으로 아들을 기숙 학교에 입학시켰다. 1885년 한 해 동안 고갱은 몇 점 밖에 그림을 그릴 수 없었다. 1886년 8회차이자 마지막이었던 인상파 전람회에 고갱은 19 점의 그림과 목판화를 출품하였다. 이 때 전시된 작품은 대부분 루앙이나 코펜하겐에서 그린 것으로 새로 작업한 것이라곤 예전에 그렸던 《목욕하는 여인》의 누드 위로 옷을 덧입힌 것이 고작이었다. 그럼에도 불구하고 펠릭스 브라크몽이 고갱의 작품 하나를 샀다. 이 전시회는 당대 아방가르드의 선두로 평가받던 조르주 쇠라의 작품도 전시하였는데 고갱은 쉬라의 신인상주의니 점묘법 이니 하는 것을 경멸하였다. 이는 인상주의 전람회를 주선하고 쉬라를 초대한 피사로와 의견 대립으로 이어졌고 결국 둘은 절교하였다.

고갱은 1886년 여름을 브르타뉴반도의 퐁타벤에서 보냈다. 고갱이 이곳을 고른 이유는 무엇보다 물가가 쌌기 때문이다. 그러나 얼마지나지 않아 이곳에 젊은 화가들이 몰려든다는 것을 알아챘다. 고갱은 다혈질에 권투와 펜싱을 즐기는 사람이었지만 이 느긋한 휴양지에서 새로운 친분을 쌓는데는 어려움이 없었다. 이 시기 고갱은 주로 풍경화를 그렸다. 퐁타벤의 화가 모임을 주도하는 사람은 찰스 라발로 고갱에게 파나마와 마르티니크 의 이국적 풍광에 대해 이야기하는 걸 즐겼다.

이 여름에 고갱은 제8차 인상파 전람회에 출품하였던 피사로 화풍의 누드화를 찢어버리고 대신 《브르타뉴의 양치는 소녀》와 같은 풍경화를 그렸다. 당시 퐁타벤에는 영국의 랜돌프 칼데콧 이 그린 삽화를 사용한 브르타뉴 여행 안내서가 돌아다니고 있었는데 고갱은 이 안내서의 그림들을 의도적으로 따라 그렸다. 그러면서 새로 사귄 화가들처럼 자신의 작품도 보다 원색을 많이 쓰는 화풍으로 변화를 시도하면서 브르타뉴 지역의 소녀를 소재로 한 그림들을 그렸다. 이때의 습작들은 나중에 파리로 돌아와 《네 명의 브르타뉴 여성》과 같은 작품을 제작하는 바탕이 되었다.

고갱은 라발의 권유대로 파나마와 마르티니크를 여행하였고, 여행 뒤엔 다시 찰스 라발, 에밀 베르나르, 에밀 슈페네커를 비롯한 여러 화가들과 함께 퐁타벤을 방문하였다. 이들은 상징주의를 내세우고 퐁타벤 화파를 결성하였다. 고갱은 유럽의 전통적 화풍, 특히 인상주의가 상징주의의 입장에서 볼 때 너무나 부족하다고 여겼고 아프리카와 동양의 미술이 갖는 강렬함에 끌렸다. 당시 유럽에선 특히 일본의 채색판화가 선풍적인 인기를 끌고 있었다. 1889년 벨기에의 화가 스무명이 결성한 레 베(Les XX, 20}}는 고갱의 개인전을 열었다.

고갱은 민속 예술과 우키요에로부터 강한 영향을 받으면서 클루아조니즘에 동참하였다. 클루아조니즘은 미술 평론가 에두아르 뒤자르댕이 에밀 베르나르의 작품을 평하면서 단색의 평평한 여백과 외곽선의 강조를 특징으로 하는 그의 화풍을 중세의 칠보(cloisonné) 공예에 빗대면서 붙여진 이름이다. 고갱은 베르나르의 화풍이 그동안 찾아 헤매던 바로 그것이라고 느꼈고 많은 영향을 받았다. 고갱은 1889년 《 황색의 그리스도》를 그리면서 클루아조니즘의 정수를 구현하고자 하였다. 색상은 보다 원색적으로 표현되었고 두터운 외곽선으로 경계를 뚜렷하게 남겼다. 그러나 이 시기까지 고갱은 전통적인 그라디에이션으로 명암을 나타냈기 때문에 외곽선으로 둘러쌓인 대상은 마치 후기 르네상스 시대의 작품처럼 보였다.고갱은 자신의 화풍을 더욱 밀어붙여 종합주의 로 발전시켰다. 종합주의는 화면을 구성하는 각각의 색이 모두 동등한 역할을 맡아 어느 하나가 주되고 다른 것은 부수적인 것을 거부하는 사조이다.

1887년 파나마를 방문한 뒤 고갱은 친구 찰스 라발과 함께 마르티니크의 생피에르에서 체류하였다. 당시 고갱이 경험하고 느낀 것은 아내 메테와 친구 에밀 슈페네커에게 보낸 편지에 남아있다. 고갱은 돌아오는 여비를 아낄 셈으로 마르티니크에서 파산 신청을 하였다. 당시 프랑스에는 해외 식민지에서 자국 시민이 파산할 경우 귀환 여비를 지급하는 귀환보장법이 있었다. 라발과 고갱은 돌아갈 배가 마련될 때까지 원주민들의 "껌둥이 움막"을 들락거리며 사람들을 관찰하고 아무 하는 일 없이 뒹굴거렸다. 그러나 뜨거운 기후와 비가 새는 움막 생활로 고갱은 이질과 말라리아에 걸렸다. 고갱은 생피에르에서 20 점 가량의 그림을 그렸고 특히 마르티니크에 정착한 인도인들의 힌두교 상징에 큰 관심을 보였다. 마르티닠에서 그린 그림 가운데 완성한 것은 11점이다.

고갱의 마르티니크 연작은 미술상 아르센 프와티에의 갤러리에서 전시되었다. 프와티에는 빈센트 반 고흐로부터 존중받고 있었고, 그의 동생 테오 반 고흐 와도 거래하고 있었다. 테오는 900 프랑을 주고 고갱의 작품 세 점을 사서 자신의 사무실에 걸었다. 이를 계기로 고갱과 고흐는 친분을 맺게 되었고 같이 작업실을 쓰기로 하였다.

테오의 주선으로 아를에 있는 고흐의 노란 집을 방문한 고갱은 9주 동안 함께 작업하였지만 어느날 갑자기 고갱은 떠나겠다고 선언하고 짐을 싸고 나왔다. 고갱이 다른 사람들에게 쓴 편지엔 1888년 12월 23일 저녁 고흐가 고갱을 마구 비난하였다고 한다. 그날 밤 고흐는 자신의 귀를 잘랐다. 고흐는 잘라낸 귀를 여러 겹의 화장지와 신문지로 싸고 고갱과 고흐 둘 다 안면이 있는 여성의 집에 찾아가 "잘 보관하고 나를 기억해 줘"라고 하면서 건냈다. 다음날 고흐는 아를의 정신병원으로 가게 되었고 고갱은 아를을 떠났다. 둘은 생전에 다시는 서로 만나지 않았지만 둘 사이의 연락은 이어졌고 1890년 고갱은 아를에서 멀지 않은 엔트워프 에 화실을 마련하였다. 고갱이 1889년 제작한 《자화상, 머리 모양의 물병》은 당시의 트라우마를 표현한 것이라고 한다.

훗날 고흐는 《 에텐 정원의 추억 (아를의 여인들) 》을 그리고서 이 작품이 고갱으로부터 많은 영향을 받은 것이라고 밝혔지만, 고갱은 다른 사람들의 평가에도 불구하고 자신이 고흐로부터 받은 영향은 아무것도 없다고 부인하였다.

고갱이 비록 초기 작품 활동에서 피사로에게 많은 영향을 받았지만, 스스로 존경한다고 인정한 화가는 에드가 드가 였다. 고갱은 드가의 화풍을 늘 좋아하였고 구도를 참조하였다.

1890년, 고갱은 다음 작품 활동을 타히티에서 하는 것을 구상하고 있었다. 1891년 2월, 파리의 드루오 호텔에서 그림 경매에서 성공과 다른 것의 수익으로 필요한 자금을 모았다. 1891년 4월, 고갱은 타히티로 배를 타고 출발하여 그해 6월 파페에테(Papeete)에 도착했다. 그는 일체의 유럽 문명이 닿지 않은 이상적 원시로서 타히티를 바라보았다. 그러나 자신의 그림 소재로는 당시 촬영된 사진과 이미 나온 그림들을 참조하는 등 무척 신중한 태도를 보였다.

고갱의 기대와 다르게 타히티의 식민 수도 파페에테 는 이미 유럽화되어 있었다. 고갱이 생각한 원시는 존재하지 않는 환상이었고 그는 유럽식 복장을 한 타히티 사람들을 그릴 수 밖에 없었다. 그래서 고갱은 에드몽 드 보비와 같은 사진가를 연출 사진을 빌려 이상화된 원시 자연 속의 여인을 그렸다. 1901년 출간된 고갱의 편지집 《노아 노아》에서 그는 자신이 타히티를 환상의 장소로 만들고 표절하였다고 고백하였다.

고갱은 첫 방문에서 당시 13세였던 테하아마나 결혼했다. 고갱은 44세였다. 고갱은 메테와 정식으로 이혼한 것도 아니어서 중혼죄에 해당할 뿐만아니라 미성년자 약취에 해당하기 때문에 본국이라면 중형을 선고 받을 수 있었다. 그러나 당시 유럽 남성이 식민지에서 벌이는 성적 방종은 불문에 붙이는 경우가 많았다. 고갱은 타히티로 갈 당시 매독 에 걸려 있었는데, 19세기인 당시로서는 별다른 치료약이 없었다. 그러나 고갱은 이를 뻔히 알면서도 10대 소녀들과 성관계를 가졌다.

고갱은 13살의 아내를 모델로 한 누드화 《유령이 그녀를 지켜본다》를 그렸다. 타히티 생활을 마친 고갱은 원주민 아내를 아무 죄책감 없이 버리고 파리로 돌아왔다.

고갱은 1893년 8월 파리로 돌아왔다. 애초 기애한 옥션 참가의 기회는 놓쳤지만 그는 타히티를 소재로 한 그림들을 그려 다음 전시회에 출품하였다. 1894년 11월 열린 듀랑-루엘 전시회에 출품한 고갱의 작품 40여 점 가운데 11점이 팔렸고 고갱은 드디어 명성을 얻을 수 있었다.

이어진 11월의 전시회가 지나고 듀랑-루엘의 후원이 계속될 지는 미지수였다. 듀랑-루엘의 아트딜러 메튜가 주선한 미국 시장 진출은 실패하였고 고갱은 1894년 자신의 여행담을 담을 《노아 노아》에 들어갈 목판 인그레이빙을 제작하기 시작했으며 그 해 여름엔 퐁타벤을 찾았다. 1895년 2월 드루오 호텔은 1891년과 유사한 경매를 열었지만 고갱의 작품은 팔리지 않았다. 그러나 고갱의 작품을 본 아트딜러 앙브르와즈 볼라르 가 3월에 전시회를 열어 주겠다고 하였지만 고갱이 제때에 작품을 주지 못하는 바람에 무산되었다. 이 즈음 고갱은 아내 메데와 정식 이혼 절차를 밟았다.

1895년 6월, 고갱은 다시 타히티로 떠나기로 마음먹고 친구로부터 배삯을 받았다. 이로서 그는 다시 유럽을 보지 못하게 되었다.

1895년 6월 28일 고갱은 다시 타히티에 도착했다. 그는 파페에테에서 조금 떨어진 곳에 땅을 얻고 널직한 화실을 갖췄다. 타히티의 싼 물가 덕분에 고갱은 말과 수레를 구할 수 있었고 그가 원하던 식민지 생활을 즐길 수 있었다. 고갱은 내키는 대로 파페에테와 자신의 집을 오갔다. 1901년 고갱은 스스로 《레 게페》(Les Guêpes, 말벌)을 창간하고 편집장이 되어 신문을 발행했다. 신문은 총독과 식민관료를 비꼬고 조롱하는 내용으로 가득했지만 그렇다고 원주민의 입장을 대변해 주지도 않았다. 오히려 원주민에게도 불편한 기사를 쏟아냈다. 타히티에 돌아온 첫 해 동안 고갱은 단 한 점도 그림을 그리지 않았다. 단지 목판화 몇 개만을 제작했을 뿐이다.

고갱은 프랑스로 돌아간 동안 해변에서 술을 먹고 돌아다니다 병을 잘못 밟는 바람에 발목을 다쳤다. 타히티에 온 다음 상처부위는 계속해서 통증을 줬고 다른 건강상태도 악화되기 시작했다. 그뿐만아니라 매독도 여전했지만 원주민 여성을 상대로 성적 방탕을 그치지 않았다. 가끔은 이때문에 구속되기도 하였다.

1897년 4월 그가 아끼던 딸 알린이 폐렴으로 죽었다는 소식이 날아들었다. 이 달엔 그 동안 공짜로 쓰던 마굿간 부지가 팔려서 새로 마굿간을 지어야 했고, 살던 집을 보다 사치스런 목조 건물로 개조하려고 은행 대출까지 받은 상태였다. 하지만 그는 이런 일에 아랑곳 하지 않았고 결국 그해 말 은행은 거래 중지를 통지해 왔다. 건강 악화와 딸의 죽음, 빚 독촉이 겹치자 고갱은 매우 침울하게 가라앉았다. 그는 이해에 《 우리는 어디서 왔고, 우리는 무엇이며, 우리는 어디로 가는가 》를 제작하였다. 고갱은 이것이 그의 마지막 대작임을 직감하였다.

1899년 가을 고갱의 파리쪽 딜러인 조지 쇼데가 사망하였다. 그 동안 쇼데는 고갱의 그림을 사서 볼라르에게 되팔아 왔었다. 그런데 이제 쇼데가 사망하니 볼라르는 고갱과 직접 거래를 하고 싶어했다. 볼라르는 고갱에게 월 고정 수입 300 프랑을 제공하는 대신 연간 최소 25점의 작품을 완성해야 하고 각 작품당 200프랑에 사겠노라고 제안했다. 여기에 더해 볼라르는 고갱에게 화구와 물감을 제공하기로 하였다. 볼라르의 제안은 나쁘지 않은 것이었지만, 고갱은 이 제안을 따른다면 오랫동안 계획했던 마르키즈 제도 방문을 포기해야 했다. 고갱은 일단 계약을 맺고 생활비가 들어오자 약속을 어기고 마르키즈로 가기로 마음 먹었다. 게다가 고갱은 타히티에서 도예 작업을 할 수 없었는데 마땅한 흙이 없었기 때문이었다.

두번째 타히티 생활을 시작하며 고갱은 이웃집의 파우라와 동거하고 있었는데 그녀는 고갱을 만났을 때 열네살이었다. 파우라는 두 아이를 낳았는데 첫째는 딸이었고 아기였을 때 죽었다. 둘째 아들은 파우라가 길렀다. 훗날 전기작가 메튜가 타이티를 방문했을 때에도 파우라가 낳은 아들의 후손이 그곳에 살고 있었다. 1919년 영국의 작가 윌리엄 서머싯 몸 이 방문했을 때 파우라는 고갱이 아무런 금전도 남기지 않고 떠났다고 말했다.

고갱은 태평양의 한 가운데 있는 마르키즈 제도야말로 문명의 영향을 받지 않고 전래의 식기와 무기를 쓰며 살 것이라고 기대하였다. 그러나 마르키즈에 도착하자마자 고갱은 그곳도 타이티와 별반 다를 것 없이 유럽화되었다는 것을 실감하였다. 게다가 마르키즈는 서양인들이 달고 들어온 질병으로 고통받고 있었다. 18세기 8만여 명이었던 주민은 고갱이 도착한 20세기 초에는 간신히 4천여 명이 남아있었다. 아이들은 로마 가톨릭교회가 세운 미션 스쿨에 다녔고, 프랑스 식민 당국의 국가 헌병이 치안을 유지하였다. 1901년 9월 16일 고갱은 아투오나에 거처를 마련하였다. 고갱은 가톨릭 선교회로부터 땅을 샀는데 선교회의 주교는 고갱이 타히티에서 신문을 만들 때부터 가톨릭 편이었다는 말을 마음에 들어했다. 그곳에는 개신교 선교회도 경쟁하고 있기 때문이었다. 나중에 고갱은 개신교 목사와도 좋은 이웃으로 지냈다.

태평양에선 사이클론 이 잦았고 변변한 건물이 없는 원주민들은 자주 이재민이 되어 교회를 찾아왔다. 고갱은 베히네, 배오호(마리-로즈)와 같은 이들 원주민의 딸들을 건드렸다. 고갱의 병은 그대로였지만 열네살 소녀였던 배이호는 건강한 딸을 낳았다. 배이호가 낳은 딸은 여전히 미르키즈에 살고 있다.

11월이 되자 고갱은 배오호와 동거하였고 요리사와 하인을 두고 생활하였다. 고갱은 풍경과 인물을 그리고 여러 습작을 하며 보냈지만 볼라르가 보낸 대리인은 타이티의 잃어버린 낙원을 주제로 한 그림을 계속 그릴 것을 재촉하였다. 그러나 고갱은 마르키즈의 이웃 소녀들과 사람들을 그려 나갔다.

1902년 3월 프랑스령 폴리네시아 식민 당국은 고갱을 법정에 소환하였다. 타히티 생활을 하는 동안에 주거 침입 문제 등으로 척을 진 아마추어 화가 에드워드 찰리가 고갱을 고소했기 때문이다. 찰리는 고갱이 동거하였던 파우라의 가족이 자신의 집을 부수고 들어와 도둑질을 하였다고 주장하였고 고갱은 자신이 운영하던 신문에서 찰리를 맹비난하였다. 결국 고갱은 벌금을 납부할 수 밖에 없었다.

이런 일이 벌어지는 동안에도 고갱의 병세는 계속 악화되었다. 고갱은 고통을 덜기 위해 모르핀 에 손을 댔고 결국 중독되었다. 1902년 7월 베오호는 임신 7개월인 상태에서 고갱을 떠나 집으로 돌아갔다. 그녀는 11월에 아이들 낳았지만 고갱에게 돌아가지 않았다.

오랜 병마와 약물 중독에 시달리던 폴 고갱은 1903년 5월 8일 사망하였다.

Blackburn, Henry (1880). 《Breton Folk: An Artistic Tour in Brittany》. Illustrated by Randolph Caldecott. London: Sampson Low, Marston, Searle & Rivington.

Cachin, Françoise (1992). 《Gauguin: The Quest for Paradise》. 'New Horizons' series. 번역 Paris, I. Mark. Thames & Hudson. 195쪽. ISBN 0 500 30007 0.

C. Childs, Elizabeth; Figura, Starr; Foster, Hal; Mosier, Erika (2014). Gauguin: Metamorphosis. Museum of Modern Art. ISBN 978 0 87070 905 0.

Childs, Elizabeth C. (2011년 10월 6일). 〈Chapter 6: Remixing Paradise - Gauguin and the Marquesas Islands〉. Greub, Suzanne. 《Gauguin and Polynesia》. Hirmer Verlag. 306-321쪽. ISBN 978-3-7774-4261-7.

Danielsson, Bengt (1965). 《Gauguin in the South Seas》. New York: Doubleday. 336쪽.

Danielsson, Bengt (1969). 《The Exotic Sources of Gauguin's Art》. 29쪽.

Eisenman, Stephen F., (1999). Gauguin's Skirt. London: Thames and Hudson. ISBN 978-0-500-28038-6.

Eisenman, Stephen F., (2008). Paul Gauguin: Artist of Myth and Dream. Milan: Skira. ISBN 8861304583

Field, Richard S. (1973). 《Paul Gauguin: Monotypes》. Philadelphia Museum of Art (Lebanon Valley). LCCN 73077306.

Frèches-Thory, Claire (1988). 〈The Return to France〉. 《The Art of Paul Gauguin》. with Peter Zegers. National Gallery of Art. 369-73쪽. ISBN 0-8212-1723-2. LCCN 88-81005.

Goddard, Linda (2008). "'The Writings of a Savage?' Literary Strategies in Paul Gauguin's "Noa Noa"". 《Journal of the Warburg and Courtauld Institutes》 (Warburg Institute) 71: 277-293. JSTOR 20462786.

Gauguin, Paul; Morice, Charles (1901). Noa Noa: The Tahiti Journal of Paul Gauguin.

Gauguin, Paul (2011) [1921]. 《Paul Gauguin's Intimate Journals》. Translated by Van Wyck Brooks. Mineola, New York: Dover Publications. ISBN 978-0-486-29441-4.

Gauguin, Paul. The letters of Paul Gauguin to Georges Daniel de Monfreid, translated by Ruth Pielkovo; foreword by Frederick O'Brien. archive.org

Huntington Wright, Willard (1915). Modern Painting: Its Tendency and Meaning New York: John Lane Company.

Mathews, Nancy Mowll (2001). 《Paul Gauguin, an Erotic Life》. New Haven, Connecticut: Yale University Press. 316쪽. ISBN 0-300-09109-5.

Rewald, John (1986). Studies in Post-Impressionism. Harry N. Abrams Inc.

Richardson, John (1991). A Life of Picasso, The Cubist Rebel 1907-1916. New York: Alfred A. Knopf. ISBN 978-0-307-26665-1.

Solomon-Godeau, Abigail. Going Native, Paul Gauguin and the Invention of the Primitivist Modernist. The Expanding Discourse: Feminism and Art History. 1st ed. Boulder, CO: WestView, 1992. 313-329

Stuckey, Charles F. (1988). 〈The First Tahitian Years〉. 《The Art of Paul Gauguin》. with Peter Zegers. National Gallery of Art. 210-95쪽. ISBN 0-8212-1723-2. LCCN 88-81005.

Sweetman, David (1995). Paul Gauguin, A Life. New York City: Simon & Schuster. ISBN 0-684-80941-9.

Danielsson, Bengt (1965). 《Gauguin in the South Seas》. Garden City, New York: Doubleday.

Morice, Charles (1901). Noa Noa: The Tahiti Journal of Paul Gauguin, Paris: H. Floury.

Gauguin, Paul (Brooks, Van Wyck, translator; 1997). Gauguin's Intimate Journals. Preface by Emil Gauguin, New York, Crown Publishers, 1936.

Pichon, Yann le; translated by I. Mark Paris (1987). Gauguin: Life, Art, Inspiration. New York: Harry N Abrams. ISBN 978-0-8109-0993-9.

Rewald, John (1956; revised 1978). History of Post-Impressionism: From Van Gogh to Gauguin, London: Secker & Warburg.

Rewald, John. (1946) History of Impressionism.

# data[].attributes.attachment_link.title
폴 고갱 - 위키백과, 우리 모두의 백과사전

# data[].attributes.attachment_link.description
폴 고갱(Paul Gauguin, 1848년 6월 7일 ~ 1903년 5월 8일)은 프랑스의 탈인상주의 화가이다. 파리에서 태어났다. 생전에는 그리 평가받지 못하였으나 오늘날에는 인상주의를 벗어나 종합주의 색채론에 입각한 작품을 남긴 화가로 널리 인정받고 있다. 생의 마지막 10여년을 타히티를 비롯한 프랑스령 폴리네시아 에서 생활하며 작업하였고 이 시기 작품이 그의 대표작이 되었다.

# data[].attributes.body
<기다림>

# data[].attributes.body
이삭 줍기

<이삭줍는 여인들 >

얼핏 보면 이삭을 줍는 여인들의 모습이 목가적이고 평화스럽게 보일지 모른다. 그러나 좀더 찬찬

히 뜯어보면 가난한 농민들의 고단한 삶의 모습이 짙게 배어 있다. 농장 주인이 곡식을 거두고 난

뒤땅에 떨어진 이삭을 줍기 위해 등을 굽히고 있는 아낙네들의 모습이 여간 안쓰럽게 느껴지지 않

는다. 밀레의 이 그림에서는 19세기 중엽 먹을 것이 없어 떨어진 이삭이라도 주워 모아야 했던 소

작농들의 고단하고 피폐한 삶의 모습을 엿볼 수 있다.

# data[].attributes.body
샤갈의 그림

# data[].attributes.body
조선의 풍속 화가, 김홍도는 1745년 부터 1806년 까지 살았다. 김홍도는 그림을 주로 평민들의 그림을 주로 그렸다. 김홍도의 그림 씨름은 자세히 보면 옆엔 벗어놓은 신발이 있고 반대쪽엔 부채로 얼굴을 가린 양반과 그 양반 뒤에있는 신발을 벗어놓은 사람을 보면 다음 씨름할 사람인듯 보인다.

# data[].attributes.body
출생 1884년 10월 16일 사망 1916년 1월 16일 형 에토레 부가티 렘브랜트 부가티는 이탈리아 왕국 출신에 조각가이며 그림도 그린적이있다 또한 부가티 타입 41 루아얄의 코끼리 모양 라디에이터 캡을 제작했다

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
기하학적인 추상화를 처음 선보인 피에트 몬드리안(Piet Mondrian)은 자연을 극히 단순화시켜 수직과 수평의 선으로 표현했습니다. 그의 손 끝에서 창조된 이론은 현대 미술을 넘어 패션과 건축에까지 영향을 미치며 새로운 디자인 기류를 만들어 냈습니다. 몬드리안의 작품을 통해 선과 색이 이루는 역동적 아름다움을 감상해보겠습니다.

▲ 빨강 노랑 파랑의 구성(1942)_개인소장, 뉴욕
재즈와 춤에 빠진 화가
언제나 검소하면서도 말쑥한 차림을 고수했던 몬드리안은 화가라기보다 과학자나 교사처럼 보였습니다. 이러한 성향은 그의 아틀리에에서도 드러납니다. 몬드리안의 아틀리에는 언제나 물건이 거의 없는 상태로 텅 비어있었습니다.

또한 몬드리안은 지나칠 정도로 깔끔함을 추구했습니다. 화병을 장식하고 있었던 조화의 녹색 이파리가 거슬려 결국 흰색으로 칠해버렸다는 일화는 그의 결벽증적인 성격을 보여줍니다. 그를 아는 주변인들은 그의 성향이 매우 '까칠했다'고 말했습니다.

▲ 피에트 몬드리안(Piet Mondrian)

그런 그에게 눈에 띄는 취미가 하나 있었는데, 바로 춤이었습니다. 그는 매주 일요일마다 댄스홀에서 춤을 즐겼고, 완벽주의자의 성향 때문인지 항상 가장 예쁜 여성을 파트너로 선정했습니다. 독특한 사실은 춤을 추는 와중에도 상대 여성과 이야기를 나누는 등의 친밀한 행동은 하지 않았다는 점입니다. 온전히 '춤'에 몰두한 몬드리안은 묵묵히 춤만 췄다고 합니다.

몬드리안의 대표작인 <브로드웨이 부기우기> 속 '부기우기'는 블루스에서 파생된 재즈의 한 형식으로 몬드리안이 가장 마음에 들어 한 음악 장르였습니다. 이처럼 춤과 재즈는 몬드리안의 작품에 큰 영향을 미쳤습니다. 그래서인지 그의 작품은 추상화인데도 불구하고 화려한 재즈 선율이 흘러나오는 듯한 느낌을 줍니다.
추상화의 끝 , 몬드리안의 ' 신조형주의 '
'신조형주의'는 몬드리안을 중심으로 네덜란드 출신의 몇몇 화가들에 의해 주창된 예술운동으로 색채와 선을 통해 그림을 완성하는 것에 목적을 둡니다. 신조형주의는 1930년대 이후 현대적인 디자인, 건축, 패션 등에 적지 않은 영향을 끼치며, 오늘날 미술학계의 중요 이론으로 자리 잡았습니다.

'몬드리안' 하면 떠오르는 작품은 풍경이나 감정 등을 선과 면으로 극단화시킨 것들이 대부분입니다. 그 바탕에는 '신조형주의'가 있었습니다. 몬드리안은 '자연은 끊임없이 변화하지만 근본적으로는 절대적인 규칙에 따라 움직인다'고 생각했습니다.

▲ 색상면들이 있는 타원형의 구성 1(1914)_뉴욕현대미술관

절대적이고 근본적인 규칙을 따라 자연을 단순화시키다 보면 수직과 수평의 선이 남고 그것들이 만나 공간을 만든다고 여겼습니다. 몬드리안은 그 공간을 자연의 삼원색인 빨강, 파랑, 노랑으로 채워가며 끊임없이 무수한 작품을 창조해냈습니다. <빨강, 노랑, 파랑, 검정의 구성>이나 <검정과 하양의 구성>, <색상면들이 있는 타원형의 구성>은 그의 예술론을 극명히 드러내는 작품들입니다.
선이 창조해낸 도시의 역동성 < 브로드웨이 부기우기 >
미국으로 거처를 옮긴 몬드리안은 뉴욕의 역동적인 모습들을 화폭에 담았습니다. 침체되어있던 유럽과는 달리 당시 미국은 '부기우기(Boogie Woogie)'라는 재즈의 한 장르가 성행하고 있었습니다.

부기우기는 피아노로 연주하는 블루스 스타일의 장르로 자유로운 도시의 역동성이 잘 드러난 음악이었습니다. 몬드리안은 부기우기의 경쾌한 반주, 그리고 그 음악에 맞춰 추는 스윙 댄스의 매력에 매료되고 굉장한 감흥을 받았습니다. 그리하여 탄생한 작품이 바로 <브로드웨이 부기우기>입니다. 그림을 보면 길게 이어지는 띠들과 그 속에 빠르게 반복되는 점들이 눈에 띕니다.

▲ 브로드웨이이 부기우기(1943)_뉴욕현대미술관

전문가들은 몬드리안의 회화가 수학적 원리를 바탕으로 하고 있다고 말합니다. 그는 직각으로 교차되는 선과 흰색, 검정색, 회색의 무채색에 대립되는 빨강, 파랑, 노랑의 삼원색을 일정하게 채색함으로써 이를 가시화했습니다. 그의 작품에 녹아 든 강렬한 색채는 삶의 에너지를 느끼게 함과 동시에 상승, 확장의 움직임을 표현합니다.

▲ 타블로 No.4 빨강, 회색, 파랑, 노랑, 검정의 마름모 구성(1925)_내셔널갤러리

선과 면, 점과 색으로만 이뤄진 몬드리안의 그림은 단순한 듯 하면서도 많은 의미를 내포하는 듯 보입니다. 관객으로 하여금 다양한 생각을 이끌어내는 몬드리안의 그림은 그의 일생만큼이나 흥미롭습니다.

# data[].attributes.attachment_link.title
선과 색으로 세상을 담은 화가, 피에트 몬드리안

# data[].attributes.attachment_link.description
기하학적인 추상화를 처음 선보인 피에트 몬드리안(Piet Mondrian)은 자연을 극히 단순화시켜 수직과 수평의 선으로 표현했습니다. 그의 손 끝에서 창조된 이론은 현대 미술을 넘어 패션과 건축에까지 영향을 미치며 새로운 디자인 기류를 만들어 냈습니다. 몬드리안의 작품을 통해 선과 색이 이루는 역동적 아름다움을 감상해보겠습니다. ▲ 빨강 노랑 파랑의 구성(1942)_개인소장, 뉴욕 재즈와 춤에 빠진 화가 언제나 검소하면서도 말쑥한 차림을 고수했던 몬드리안은 화가라기보다 과학자나 교사처럼 보였습니다.

# data[].attributes.attachment_link.title
내가 좋아하는 미술작가(이중섭)

# data[].attributes.headline
구글아트> 작가선택>위키백과

# data[].attributes.subject
구글아트> 작가선택>위키백과