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CENTO POESIE D'AMORE A LADYHAWKE (2007)

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3 parole per leggere... Cento poesie d'amore a Ladyhawke di Michele Mari

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SCRITTI CORSARI (1975)

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Pasolini, "Sfida ai dirigenti della televisione"

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Abbiamo rifatto le domande di Pasolini in “Comizi d’Amore”, 50 anni dopo

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Quello che vi propongo oggi è una sorta di esperimento sociale. Lo stesso che Pier Paolo Pasolini attuò cinquantanni fa.

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Dino Buzzati è stato innanzitutto un grande giornalista, cronista, inviato di guerra e infine critico d'arte per il Corriere della Sera, e dal giornalismo ha imparato il gusto per il ritmo narrativo, la volontà di avvincere il lettore, con storie che tengono il lettore con il fiato sospeso fino alla fine.

La dimensione horror di questi racconti non è affidata a elementi che irrompono con forza e da fuori, ma emerge dal progressivo disvelamento del mistero che si cela dietro la realtà di tutti i giorni, e soprattutto in ognuno di noi.

Esattamente come in Kafka, in una vita ordinaria e normale all'improvviso irrompe inaspettato uno scarto dalla realtà, a sottolineare tutta l'imprevedibilità dell'esistenza, l'ineluttabile impotenza che sembra pervadere tutto.

La sensibilità di Buzzati, considerata simile a quella di Kafka, si esprime attraverso situazioni di una verosimiglianza surreale, in cui una sottile inquietudine sottolinea la difficoltà dell'essere umano a cogliere il senso della propria esistenza.

L'obiettivo di queste situazioni surreali e fantastiche è obbligare il lettore a riflettere sul senso della vita, in un'ottica esistenzialista. Non a caso, spazio e tempo spesso sono indeterminati, così come il significato delle immagini evocate, evidentemente allegoriche, ma lasciate alla libera interpretazione.

I racconti, seppur giocati in chiave fantastica e simbolica, proprio come avviene in Kafka, alludono evidentemente a problematiche psicologiche, soprattutto il male di vivere, l'incubo della depressione e il rischio di pensieri ossessivi.

Così come ne La metamorfosi di Kafka, i racconti di Buzzati si basano su un uso molto personale della tecnica dello straniamento: non solo si sconvolge la percezione abituale della realtà osservandola da un punto di vista inconsueto, ma si sfodera anche tutta una razionalità estrema, così eccessiva da diventare, paradossalmente, assurda.

Il tipico tema kafkiano del dramma dell'incomunicabilità nella società borghese ritorna anche in Buzzati.

Grazie a un linguaggio banale e quotidiano emerge ancora di più il distacco del narratore, che spesso testimonia l'orrore dei fatti con distanza emotiva e una malcelata ironia, che contribuisce ad aumentare la sensazione di una continua oscillazione tra realtà e fantasia, incredulità e stupore.

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A BABBO MORTO (2020)

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Definizione

L'idea è quella di una conclusione della modernità, cioè il crollo della certezza di un'ineluttabilità di quel progresso storico e tecnologico nato da un'illimitata fiducia nella possibilità di spiegare razionalmente la realtà.

Cronologia

Il termine postmodernismo, usato in ambito storico-culturale per la prima volta da Jean-François Lyotard nel 1979, sta a indicare l'illusione di una fine della storia con l'esaurirsi della Guerra fredda dopo la crisi irreversibile dell'URSS e il crollo del Muro di Berlino.

Si può indicare la fine del postmoderno negli anni 2001-2008, quando si assiste al ritorno delle ideologie, con l'attacco terroristico alle Torri gemelle, che dà la sensazione che la storia in realtà non è affatto finita, né tanto meno esiste solo il blocco occidentale.

Poetica

La crisi del paradigma innovativo alla base del modernismo e delle avanguardie si traduce nell'idea di una sorta di impossibilità del nuovo, perché qualsiasi nuova opera è sempre imitazione o ripresa di qualcosa già fatto da qualcun altro.

Se tutto è già stato scritto, non solo si riprendono i classici, ma si fa letteratura per il gusto di farla: trionfa la letteratura sulla letteratura, la cosiddetta metaletteratura.

Fare letteratura attraverso i testi di altri porta a concepire la letteratura come gioco, e per questo si possono mischiare senza problemi elementi alti e bassi.

Concentrarsi soltanto sul giocare con i testi porta con sé l'idea che la lingua e la letteratura siano un vero e proprio sistema autonomo, che si giustifica in sé stesso, senza nessun rapporto con la realtà.

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ANNA (2015)

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SOGNI DI SOGNI (1992)

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Sogno di Giacomo Leopardi, poeta e lunatico

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Biografia:
Nato a Pisa nel 1943, si è presto appassionato alla lettura grazie alla fornita biblioteca dello zio materno. Durante gli studi ha viaggiato molto in Europa. Imbattutosi per caso, su una bancarella di Parigi, in un libro del grande scrittore portoghese Fernardo Pessoa, ne è rimasto conquistato. Si è laureato nel 1969 con una tesi sul Surrealismo portoghese. Nel 1973 è stato chiamato a insegnare Lingua e letteratura portoghese a Bologna; nel 1978 è passato a Genova. Tabucchi ha lungamente vissuto a Lisbona per sei mesi all'anno, assieme alla moglie e ai due figli; per gli altri sei mesi ha vissuto a Siena, dove ha insegnato Letteratura portoghese fino a pochi anni fa. Attualmente è in pensione.
Il suo esordio letterario è avvenuto con il romanzo Piazza d'Italia (1975), storia di tre generazioni di anarchici toscani tra Otto e Novecento. Nel 1984 è uscito il romanzo Notturno indiano, da cui nel 1989 è stato tratto un film: il protagonista è un uomo sulle tracce di un amico scomparso in India, ma che è, in realtà, in cerca della propria identità.
Seguono nel 1985 i racconti di Piccoli equivoci senza importanza. A consacrare Tabucchi è stato, nel 1994, il romanzo Sostiene Pereira, tradotto in oltre 20 lingue di tutto il mondo.
Al 1997 risale il romanzo La testa perduta di Damasceno Monteiro, un thriller grottesco ambientato in Portogallo e ricco di spunti civili e filosofici. Nello stesso anno è uscito in Francia La gastrite di Platone, libro-saggio sul tema dell'impegno degli intellettuali, a partire dal caso Sofri. Infine Si sta facendo sempre più tardi (2001) è un romanzo epistolare che raccoglie diciassette lettere d'amore di uomini ad altrettante figure femminili.

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Biografia: Nato a Pisa nel 1943, si è presto appassionato alla lettura grazie alla fornita biblioteca dello zio materno. Durante gli studi ha viaggiato molto in Europa. Imbattutosi per caso, su una bancarella di Parigi, in un libro del grande scrittore portoghese Fernardo Pessoa, ne è rimasto conquistato.

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IL FINITO (1984)

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LONTANO LONTANO (1994)

Poesia politica: La sua produzione poetica nasce da una fortissima spinta morale e da un rigore etico-civile che lo porta a considerare i suoi versi come uno strumento di lotta politica.

Classicismo formale: E' estraneo alle poetiche neoavanguardistiche, perché ritiene che una poesia che rifiuta qualsivoglia rapporto tra segno e significato non può avere un autentico valore rivoluzionario, riducendosi semmai a uno sfogo individualistico, puro disordine anarchico, inadatto a comunicare alcunché.

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1917: Nato il 10 settembre, diceva di "essere nato con la Rivoluzione" (la Rivoluzione russa dell'ottobre 1917) per sottolineare la sua profonda adesione al Comunismo, pur essendo comunque sempre stato molto critico rispetto alla politica concreta della Sinistra.

1940: Per sfuggire alle leggi razziali è costretto ad adottare il cognome materno (il padre, Dino Lattes, era d'origine ebraica): in realtà, né la madre, cattolica, né il padre, ebreo, erano praticanti e così cresce in un ambiente laico.

1943: Dopo essere fuggito in Svizzera, conosce la futura moglie, un'attivista per i diritti umani, entra nel Partito Socialista e in Val d'Ossola partecipa alla lotta partigiana.

1963: Dopo aver lavorato per alcuni anni alla Olivetti di Ivrea come copywriter, passa all'insegnamento in un istituto tecnico di Milano.

1968: Pur critico nei confronti della furia distruttiva del movimento studentesco, si scontra con Pasolini, accusandolo di mitizzare i poveri, non comprendendo i reali meccanismi alla base della lotta di classe.

1971: Diventa alla fine professore universitario all'Università di Siena e si dedica anche a traduzioni dal francese e dal tedesco.

1994: Muore dopo lunga malattia, ormai sconsolato per la crisi della sinistra.

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LA VITA AGRA (1962)

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BIOGRAFIA DI LUCIANO BIANCIARDI
scrittore, traduttore, giornalista (Grosseto 1922 - Milano 1971)
Fin da piccolo si appassiona al Risorgimento, grazie alla lettura de I Mille di Giuseppe Bandi, garibaldino di Gavorrano.

Studia al Liceo-Ginnasio "Carducci-Ricasoli" di Grosseto poi si iscrive alla Facoltà di Lettere e Filosofia dell'Università di Pisa nel novembre 1940. Alla fine di gennaio del 1943 viene chiamato alle armi. e inviato a Foggia dove assiste al bombardamento alleato e, dopo l'armistizio, nel 1944 si aggrega a un reparto di soldati inglesi, in qualità d'interprete.

Nel novembre 1945 torna agli studi universitari, laureandosi nel febbraio 1948 in filosofia sotto la direzione di Guido Calogero con la tesi sul pedagogista americanoJohn Dewey.

Tornato a Grosseto, si sposa con Adria Belardi, riceve dal Comune di Grosseto l'incarico di riordinare la biblioteca "Chelliana" ,attraversa il territorio con il bibliobus (un furgoncino che portava in lettura libri nelle frazioni e nei poderi sparsi), insegna lingua inglese nella scuola media e filosofia nel suo liceo, organizza il circolo del cinema, dà vita insieme a Carlo Cassola e Marcello Morante all'esperienza politica del movimento di Unità popolare, inizia le prime collaborazioni giornalistiche: alla vita grossetana dedicherà le pagine de Il lavoro culturale.

Alla fine di giugno del 1954, dopo la tragedia mineraria di Ribolla (su cui scriverà con l'amico Cassola il celebre reportage I minatori della Maremma), Bianciardi emigra a Milano per lavorare come redattore della nuova casa editrice Feltrinelli; licenziato, si specializza come traduttore (celebri le sue traduzioni de I Tropici di Henry Miller, in totale "ribalterà", come diceva lui, in lingua italiana più di 100 libri), inizia a scrivere romanzi, continua la sua attività di giornalista.

Frequenta il mondo bohemien di Brera, intellettuali, fotografi, uomini e donne dello spettacolo.

Dopo il successo de La vita agra (1962), si trasferisce nel 1964 a Rapallo e si dedica alla sua grande passione, il Risorgimento (scrivendo La battaglia soda, Daghela avanti un passo, Aprire il fuoco), intensificando il lavoro giornalistico con articoli di costume, di sport (sul Guerin sportivo diretta da Gianni Brera) e soprattutto di critica televisiva (celebre la sua rubrica Telebianciardi) e cinematografica.

Subisce alcuni processi a causa del suo essere scrittore pungentemente satirico, che lo amareggiano molto.

Negli ultimi anni torna sempre più frequentemente a Grosseto dai figli Ettore e Luciana (a Milano conviveva con la scrittrice Maria Jatosti e il figlio Marcello).

Muore a Milano il 14 novembre 1971 e viene sepolto a Grosseto.

DUE BIOGRAFIE

1993 - P. Corrias, Vita agra di un anarchico: Luciano Bianciardi a Milano
"Siamo pieni di debiti, noi italiani, nei confronti di Bianciardi. Gli dobbiamo tutti i libri che abbiamo letto, da Bellow a Mailer, Faulkner, Henry Miller ... gli dobbiamo una storia indimenticabile nella quale tradusse quello che aveva nel cuore ... gli dobbiamo ancora il rifiuto del successo ..." .
Ristampato recentemente da Feltrinelli

2007 - Alvaro Bertani, Da Grosseto a Milano: la vita breve di Luciano Bianciardi
"Io non ho mai conosciuto personalmente Luciano Bianciardi, m ho conosciuto e conosco Milano come le mie tasche. Conosco e ho frequentato Brera e la sua fauna umana dalla fine degli anni '60 a quella dei '70, facendone parte lungo le dissennati notte di fumo e alcol ..."
Edizione ExCogita

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BIOGRAFIA DI LUCIANO BIANCIARDI scrittore, traduttore, giornalista (Grosseto 1922 - Milano 1971) Fin da piccolo si appassiona al Risorgimento, grazie alla lettura de I Mille di Giuseppe Bandi, garibaldino di Gavorrano. Studia al Liceo-Ginnasio "Carducci-Ricasoli" di Grosseto poi si iscrive alla Facoltà di Lettere e Filosofia dell'Università di Pisa nel novembre 1940.

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Processo al film La ricotta di Pier Paolo Pasolini

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Interviste televisive sul nuovo fascismo (1968-1975)

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Pasolini e l'omologazione del nuovo fascismo.

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LA RICOTTA (1963)

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Centro Studi Pier Paolo Pasolini Casarsa della Delizia

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Quarto episodio del film RoGoPaG, scritto e diretto da Pier Paolo Pasolini. Gli altri episodi sono: Illibatezza di Rossellini, Il nuovo mondo di Godard, Il pollo ruspante di Gregoretti.
Fotografia: Tonino Delli Colli Architetto: Flavio Mogherini Costumi: Danilo Donati Commento e coordinamento musicale: Carlo Rustichelli Montaggio: Nino Baragli Aiuto alla regia: Sergio Citti, Carlo di Carlo.
Interpreti e personaggi: Orson Welles (il Regista, doppiato da Giorgio Bassani); Mario Cipriani (Stracci); Laura Betti (la "diva"); Edmonda Aldini (un'altra "diva"); Vittorio La Paglia (il giornalista); Maria Berardini (la stripteaseuse); Rossana Di Rocco (la figlia di Stracci).E inoltre: Tomas Milian, Ettore Garofolo, Lamberto Maggiorani, Alan Midgette, Giovanni Orgitano, Franca Pasut. Hanno partecipato anche: Giuseppe Berlingeri, Andrea Barbato, Giuliana Calandra, Adele Cambria, Romano Costa, Elsa de' Giorgi, Carlotta Del Pezzo, Gaio Fratini, John Francis Lane, Robertino Ortensi, Letizia Paolozzi, Enzo Siciliano.
Produzione: Arco Film (Roma) / Cineriz (Roma) / Lyre Film (Parigi) Produttore: Alfredo Bini Pellicola: Ferrania P 30, Kodak Eastman Color Formato: 35 mm, b/n e colore Macchine da ripresa: Arriflex Sviluppo e stampa: Istituto Nazionale Luce Doppiaggio: CID-CDC Sincronizzazione: Titanus Distribuzione: Cineriz Durata: 35 minuti Riprese: ottobre-novembre 1962 Teatri di posa: Cinecittà Esterni: periferia di Roma Premi: Grolla d'oro per la regia, Saint Vincent, 4 luglio 1964.

I commenti

"Non è difficile predire a questo mio racconto una critica dettata dalla pura malafede. Coloro che si sentiranno colpiti infatti cercheranno di far credere che l'oggetto della mia polemica sono la storia e quei testi di cui essi ipocritamente si ritengono i difensori. Niente affatto: a scanso di equivoci di ogni genere, voglio dichiarare che la storia della Passione è la più grande che io conosca, e che i testi che la raccontano sono i più sublimi che siano mai stati scritti", è una premessa che Pasolini stesso fa al suo film La ricotta.

Un altro film fuori dagli schemi di una rappresentazione tradizionale e di una iconografia asservita. Un altro lavoro, dopo Accattone e Mamma Roma, nel quale il fine primo dell'autore è quello di trasmettere messaggi politico-sociali; nel quale non sono da sottovalutare tuttavia alcuni elementi che cercherò qui di seguito di mettere in luce.
Vi sono alcuni segni "forti" della grande ricchezza culturale di Pier Paolo Pasolini:

le citazioni figurative (l'accostamento alle pale d'altare di Rosso Fiorentino e del Pontormo);

i richiami filmici che ha inserito nella sua opera (alcune sequenze accelerate sia nelle immagini sia nella musica ricordano il film muto e in particolare il primo Chaplin, amatissimo da Pasolini);

l'utilizzo sempre sapiente della musica: un Dies Irae arcaico, un Sempre libera degg'io dalla Traviata di Verdi - titolo oltremodo significativo se solo si consideri l'effettivo grado di libertà dei figuranti e di Stracci, il protagonista che recita la parte del Ladrone buono (e ancor più significativo se si fa attenzione alla trasformazione subita da quest'ultimo brano: una grottesca, quasi parossistica accelerazione che trascina la musica in un'irrefrenabile accelerazione che si avvita su se stessa...).

È il terzo film di Pasolini e in esso, ancora una volta, il registra privilegia una storia che fa capo agli strati più umili ed emarginati della società - tutte le comparse, i generici, i figuranti del "film nel film" la cui storia viene narrata (e che rappresenta la Passione di Cristo) sono dei sottoproletari, dei "morti di fame" in senso letterale, come ci dirà lo stesso Pasolini attraverso l'"enorme mangiata" di ricotta rappresentata quasi a conclusione del film e della vita stessa di Stracci. Ma compare anche la borghesia, nei panni rozzi e volgari del produttore e del suo entourage. E viene anche "messa in scena" l'"integrazione sociale" cui sembra essere pervenuto il regista "marxista" (interpretato da Orson Welles).

La pellicola fu sequestrata con l'imputazione di "vilipendio alla religione di Stato" (1963): nelle numerose pagine di questo sito se ne parla molto ampiamente. Ne seguì un processo nel quale, tra l'altro, il Procuratore della Repubblica Di Gennaro presentò ai "cattolici benpensanti" il film come "il cavallo di Troia della rivoluzione proletaria nella città di Dio".

Sull'onda delle vicissitudini giudiziarie, al film saranno apportati alcuni tagli: le tre ripetizioni de "la corona!", lo spogliarello della generica che interpreta la Maddalena, la risata dell'attore generico che interpreta Cristo; si sostituisce l'ordine "via i crocefissi!" con "fare l'altra scena!", l'espressione "cornuti" con "che peccato", la frase finale "povero Stracci, crepare è stato il suo solo modo di fare la rivoluzione" con "povero Stracci! crepare, non aveva altro modo di ricordarci che anche lui era vivo"!
Soltanto nel maggio 1964 la Corte d'appello di Roma, accogliendo il ricorso di Pasolini, assolverà il regista perché "il fatto non costituisce reato".
Le critiche e le motivazioni della persecuzione giudiziaria, come Pasolini stesso aveva previsto, erano dettate dalla malafede. Pasolini aveva diretto, in effetti, attraverso questo film, un attacco frontale nei confronti della borghesia e questo era il motivo vero che scatenò ancora una volta la canea nei suoi confronti.

Il senso di questo attacco è contenuto essenzialmente nelle parole qui sotto riportate, pronunciate dal regista-Orson Welles e dirette al giornalista che gli chiede una intervista:

Giornalista: "Che cosa vuole esprimere con questa sua nuova opera?"
Regista: "Il mio intimo, profondo, arcaico cattolicesimo."
Giornalista: "Che cosa ne pensa della società italiana?"
Regista: "Il popolo più analfabeta, la borghesia più ignorante d'Europa."
Giornalista: "Che cosa ne pensa della morte?"
Regista: "Come marxista è un fatto che non prendo in considerazione."

Il regista-Orson Welles, dopo aver letto una poesia di Pasolini ( Io sono una forza del passato...), tenendo tra le mani il libro Mamma Roma, dice infine al giornalista (mentre quest'ultimo idiotamente ride):

"Lei non ha capito niente perché lei è un uomo medio: un uomo medio è un mostro, un pericoloso delinquente, conformista, razzista, schiavista, qualunquista. Lei non esiste... Il capitale non considera esistente la manodopera se non quando serve la produzione... e il produttore del mio film è anche il padrone del suo giornale... Addio."

In un breve scritto del 1961, infine, Pasolini così si espresse:

"Nulla muore mai in una vita. Tutto sopravvive. Noi, insieme, viviamo e sopravviviamo. Così anche ogni cultura è sempre intessuta di sopravvivenze. Nel caso che stiamo ora esaminando [La ricotta] ciò che sopravvive sono quei famosi duemila anni di "imitatio Christi", quell'irrazionalismo religioso. Non hanno più senso, appartengono a un altro mondo, negato, rifiutato, superato: eppure sopravvivono. Sono elementi storicamente morti ma umanamente vivi che ci compongono. Mi sembra che sia ingenuo, superficiale, fazioso negarne o ignorarne l'esistenza. Io, per me, sono anticlericale (non ho mica paura a dirlo!), ma so che in me ci sono duemila anni di cristianesimo: io coi miei avi ho costruito le chiese romaniche, e poi le chiese gotiche, e poi le chiese barocche: esse sono il mio patrimonio, nel contenuto e nello stile. Sarei folle se negassi tale forza potente che è in me: se lasciassi ai preti il monopolio del Bene".

ANGELA MOLTENI, www.pasolini.net

Citazioni tratte da AA.VV., Pasolini: cronaca giudiziaria, persecuzione, morte, a cura di Laura Betti, Garzanti, Milano 1977.

***

La ricotta è un episodio del film RoGoPaG, prodotta da Alfredo Bini, il quale, deponendo al processo per vilipendio contro la religione dello Stato, intentato dal P.M. Di Gennaro contro Pier Paolo Pasolini, disse:

"Il film è composto di quattro episodi. Il filo conduttore è costituito dai diversi aspetti di uno stesso fenomeno, il condizionamento dell'uomo nel mondo moderno. Il primo regista, Rossellini, si occupava del condizionamento dell'uomo nei suoi rapporti con la donna; il secondo, Gregoretti, si occupava del condizionamento relativo alla tecnologia ; Godard prevedeva in un prossimo futuro piccolissimi fattori di degenarazione che avrebbero portato alla fine del mondo senza scosse; Pasolini si occupava della maggior parte degli uomini non ancora in tale stato di condizionamento".

La ricotta è, quindi, una denuncia della decadenza morale dell'uomo contemporaneo. Pasolini si serve di uno dei simboli del cristianesimo, la passione di Cristo, per rappresentare, attraverso l'immoralità della troupe di quel set cinematografico, il vero Cristo: Stracci. Stracci ha una duplice funzione: rappresenta il sottoproletario sacrificato al vuoto borghese, e rappresenta l'incarnazione reale e contemporanea del Cristo. Stracci viene sacrificato, condannato a morte dalla ferocia di un mondo gretto e teso al consumo a tutti i costi.
Dirà Pasolini di questo film:

"L'intenzione fondamentale era di rappresentare, accanto alla religiosità dello Stracci, la volgarità ridanciana, ironica, cinica, incredula del mondo contemporaneo. Questo è detto nei versi miei, che vengono letti nell'azione del film [...]. Le musiche tendono a creare un'atmosfera di sacralità estetizzante, nei vari momenti in cui gli attori si identificano con i loro personaggi. Momenti interrotti dalla volgarità del mondo circostante. [...] Col tono volgare, superficiale e sciocco, delle comparse e dei generici, non quando si identificano con i personaggi, ma quando se ne staccano, essi vengono a rappresentare la fondamentale incredulità dell'uomo moderno, con il quale mi indigno. Penso ad una rappresentazione sacra del Trecento, all'atmosfera di sacralità ispirata a chi la rappresentava e a chi vi assisteva. E non posso non pensare con indignazione, con dolore, con nostalgia, agli aspetti così atrocemente diversi che una sì analoga rappresentazione ottiene accadendo nel mondo moderno".

Pasolini fa largo uso di riferimenti a pittura e letteratura. Le Deposizioni del Rosso Fiorentino e del Pontormo vengono prese a esempi figurali; il Dies Irae accompagna molte scene del film; Orson Welles recita una poesia dello stesso Pasolini. Il film è girato tra la via Appia Nuova e la via Appia Antica presso la sorgente dell'Acqua Santa nell'autunno del 1963. Sullo sfondo le infinite distese dei palazzoni delle borgate romane, le stesse borgate di Ragazzi di vita, di Tommasino, di Accattone, di Mamma Roma, la stessa umanità antropologicamente identificata con i sottoproletari, ma un diverso approccio autobiografico e religioso. Quel set rappresenta per Pasolini il tempio invaso dai mercanti.

Il film fu accolto con freddezza dalla critica, e la ragione va ricercata nelle parole di Moravia:

"La chiave del mistero va ricercata, secondo noi, oltre che nell'impreparazione culturale di molti critici, anche nella ingenua mancanza di tatto di Pasolini. Diamine: il regista nell'intervista dichiara: 'L'Italia ha il popolo più analfabeta e la borghesia più ignorante d'Europa', ed ecco che scontenta così i partiti di destra come quelli di sinistra. Poi, peggio ancora, Orson Welles rincara: 'L'uomo medio è un pericoloso delinquente, un mostro. Esso è razzista, colonialista, schiavista, qualunquista', ed ecco scontentati tutti quanti. L'Italia del passato, infatti era il paese dell'uomo, in tutta la sua umanità; l'Italia di oggi, invece, è soltanto il paese dell'uomo medio".

Per quanto riguarda la partecipazione di Orson Welles nella parte del regista-marxista del "film nel film", dice al proposito Carlo di Carlo, aiuto alla regia, insieme a Sergio Citti, dell'episodio:

"Riguardo La ricotta ricordo quel rapporto per me abbastanza assurdo con Welles. Pasolini lo volle a tutti i costi - e giustamente - perché nessuno meglio del 'mito' Welles poteva eprimere e rappresentare il regista (cioè il regista del film nel film). Welles accettò la parte solo per un fatto economico (non sapeva neanche chi era Pasolini) chiese una cifra spropositata per un film così breve che fece rimanere in bilico la realizzazione de La ricotta per molto tempo. Ma poi le sue condizioni vennero accettate. Orson Welles non sapeva mai nulla quando arrivava sul set. Si informava poco prima di ogni ciak cosa si doveva girare, mi chiedeva le battute tanto per sapere, a occhio e croce, di cosa si trattava, poi esigeva 'il gobbo'. L'italiano lo masticava abbastanza e avrebbe potuto tranquillamente imparare le battute. La scena più vistosamente eclatante della sua partecipazione al film fu quando doveva recitare la poesia di Pier Paolo: 'Io sono una forza del passato / solo nella tradizione è il mio amore...'. Allora Welles sulla sedia da regista venne posto al centro di una collinetta con gli occhiali abbassati tanto che potesse leggere (senza che lo si notasse perché favorito dal controluce) l'enorme 'gobbo' che io gli tenevo a una distanza di quattro metri e sul quale avevo trascritto la poesia".

MASSIMILIANO VALENTE

Citazioni tratte da Carlo di Carlo, Teoria e tecnica del film in Pasolini, a cura di Antonio Bertini, Bulzoni editore 1977.

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Pier Paolo Pasolini, "La ricotta" (1963) - Sinossi e commenti - Centro Studi Pier Paolo Pasolini Casarsa della Delizia

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Quarto episodio del film RoGoPaG, scritto e diretto da Pier Paolo Pasolini. Gli altri episodi sono: Illibatezza di Rossellini, Il nuovo mondo di Godard, Il pollo ruspante di Gregoretti. Fotografia: Tonino Delli Colli Architetto: Flavio Mogherini Costumi: Danilo Donati Commento e coordinamento musicale: Carlo Rustichelli Montaggio: Nino Baragli Aiuto alla regia: Sergio Citti, Carlo di [...]

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IL GIORNO DELLA CIVETTA (1961)

Vicende editoriali

Scritto nell'estate del 1960, viene pubblicato in volume nel 1961.

Titolo

Civetta è simbolo della mafia: entrambe di giorno dormono e di notte operano nell'ombra, ma sia di giorno che di notte vegliano e tutto controllano con i loro occhi inquietanti.

Interpretazione

Manifesto antimafia, con un'opera che rappresenta il passaggio da una letteratura impegnata, costituita di romanzi neorealisti tutti dedicati alla lotta partigiana, a un romanzo d'inchiesta incentrato sulla criminalità contemporanea. I personaggi, pur di finzione, sono diventati emblematici della questione mafiosa.

Opera verista, con un narratore popolare che appartiene allo stesso universo narrato e infatti fa uso di un dialetto italianizzato, che riesce a parlare a tutta Italia senza tradire l'ambientazione siciliana. Non a caso, sono numerosi gli omaggi a Verga, pur all'interno di un romanzo ispirato a fatti reali, l'omicidio di Accursio Miraglia, imprenditore e sindacalista comunista ucciso dalla mafia nel 1947.

Romanzo giallo

Opera che vuole parlare al grande pubblico con una storia che sia capace di avvincere il lettore: fino ad allora di mafia si era parlato solo in opere saggistiche di nicchia.

Struttura da giallo classico: 1) delitto, 2) indagine, 3) soluzione.

Nessuna vera suspense, perché si intuisce fin da subito che l'autore del delitto proviene dal mondo della mafia.

Omissione significativa dell'ultimo momento tipico di un giallo classico: il ristabilimento dell'ordine.

Riflessione politico-sociale

Racconto del conflitto tra individuo e forze negative del potere: gli uomini di potere cercano di distruggere chi ricerca e svela la verità.

Doppio binario della narrazione: c'è il piano dell'inchiesta di polizia e c'è il piano delle complicità, più o meno potenti, più o meno segrete.

Opera illuminista

Riflessione sul potere delle parole: parlare e scrivere è visto come un combattere con un'arma tagliante e pericolosa.

Ricerca della verità, che però non è "una storia semplice" anche quando la si scopre e la si afferra.

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Una mattina, in un paese non precisato della Sicilia degli anni ’50, viene assassinato il presidente di una piccola cooperativa edilizia, mentre sta per prendere, come ogni giorno, l’autobus.

Le indagini sono dirette dal capitano Bellodi, comandante la compagnia Carabinieri. “Emiliano di Parma”, ex partigiano, ha scelto di fare l’ufficiale dei Carabinieri invece che l’avvocato per servire e far rispettare la legge della Repubblica, sorta dalla “rivoluzione” cui ha partecipato.

Grazie a una lettera anonima, scritta da un fratello di Colasberna, Bellodi decide di indagare nel settore degli appalti e dell’associazione criminale che li controlla, ossia la mafia. La sua decisione è rafforzata anche da un’indicazione che riesce a strappare al confidente Calogero Dibella, detto Parrinieddu.

Nel frattempo un possibile testimone dell’omicidio, il contadino Paolo Nicolosi, scompare. Bellodi intuisce che tra i due fatti c’è una relazione e durante l’interrogatorio della moglie di Nicolosi, la donna confessa che suo marito pochi istanti dopo il delitto ha incrociato, mentre usciva per andare al lavoro, un uomo in fuga proveniente dalla piazza in cui è stato ucciso Colasberna, noto con il soprannome di Zicchinetta (vero nome: Diego Marchica).

Quest’ultimo viene arrestato, sospettato di essere lui l’esecutore dell’omicidio. Il confidente, Parrinieddu, che, pur senza volerlo, ha contribuito a mettere i carabinieri sulla pista giusta, capisce di essere un uomo morto, in quanto i mafiosi adesso lo considerano un traditore e ne hanno decretato la condanna a morte, così prima di essere ucciso, Parrinieddu manda una lettera a Bellodi in cui rivela i nomi di Rosario Pizzuco e Don Mariano Arena, quali mandanti dell’omicidio, permettendo così al capitano di arrestare i due mafiosi.

“Quell’uomo usciva dalla scena del mondo con un’ultima delazione: la più precisa ed esplosiva che avesse mai fatto. Due nomi al centro del foglio e sotto, quasi al margine, il disperato messaggio -sono morto- gli ‘ossequi’ e la firma”.

I primi ad essere interrogati da Bellodi sono: Zicchinetta e Pizzuco. Per indurli a confessare, Bellodi ed i suoi uomini, utilizzano uno stratagemma usando una falsa deposizione, un tranello basato su una falsa confessione da parte di Pizzuco che riversa tutta la responsabilità su Marchica (alias Zicchinetta) ed in cui, per rendere più credibile la confessione, viene esattamente svelata la dinamica dell’omicidio, mettendo in tal modo i due mafiosi uno contro l’altro. I due cadono nell’inganno e confessano, prima Diego Marchica e poi Pizzuco.

Nel frattempo la eco della vicenda arriva negli ambienti del potere, in parlamento e al governo, l’indagine del Capitano Bellodi suscita fastidio e preoccupazione, in quanto potrebbe svelare le collusioni mafiose con alcune personalità politiche. L’arresto di Marchica, Pizzuco e Arena ha grande rilievo sulla stampa ed in breve tempo incominciano ad emergere i legami di Arena con l’ambiente politico romano. L’indagine condotta da Bellodi procede con l’interrogatorio di Don Mariano Arena e diventa sempre più pericolosa per i poteri forti perchè gradualmente fa emergere una fitta rete di collusione tra mafia e politica.

Il dialogo tra Bellodi e Don Arena, durante l’interrogatorio di quest’ultimo, in cui Bellodi è giunto ad individuare, dopo faticose indagini, il reale mandante dell’omicidio, è particolarmente significativo in quanto mette in luce la realtà demoralizzante di un mondo dominato dall’arbitrio della mafia sostenuta da omertà e connivenze politiche.

Don Mariano Arena è la figura emblematica del “padrino” mafioso, fiero e sicuro di sè, convinto sostenitore della propria visione mafiosa del mondo, la cui sicurezza si basa sulla convinzione che la lotta alla mafia sia perdente in partenza perchè il potere mafioso è inattaccabile in quanto si avvale e si avvarrà sempre dell'omertà della popolazione e di connivenze politiche ad alto livello.

Trattato con grande correttezza dall’ufficiale, il capomafia ostenta indifferenza davanti al foglio su cui Parrinieddu ha scritto il suo nome e quello di Pizzuco. Quanto al suo reddito, dichiara di ricavarlo dalla rendita dei suoi terreni, ma Bellodi gli dimostra che ciò non è possibile: a giudicare dai depositi effettuati in tre banche, infatti, le terre di don Mariano frutterebbero un reddito almeno dieci volte superiore a quello considerato congruo da un perito agrario.

Don Mariano è costretto a concordare, e afferma che i depositi dell’anno precedente derivano dalla restituzione di somme che aveva dato in prestito. “ ‘Questo è il punto’ pensò il capitano ‘su cui far leva.
È inutile tentare di incastrare nel penale un uomo come costui: non ci saranno mai prove sufficienti, il silenzio degli onesti e dei disonesti lo proteggerà sempre... Qui bisognerebbe sorprendere la gente nel covo dell’inadempienza fiscale, come in America…”

Don Mariano Arena manifesta a Bellodi il suo rispetto come uomo  riconoscendo in lui un degno avversario per l'onestà e la coerenza dimostrate che ne fanno un vero uomo e non un “quaquaraquà”. A sua volta anche il capitano  riconosce a don Mariano di essere certo un uomo migliore di certi uomini politici con cui ha avuto a che fare.

Nell'incontro con Bellodi, Sciascia fa pronunciare a don Mariano la frase contenente l'espressione idiomatica "quaquaraquà", destinata a divenire celeberrima e collegata nella cultura popolare al mondo mafioso e ai concetti che lo governano: «Io ho una certa pratica del mondo; e quella che diciamo l'umanità, e ci riempiamo la bocca a dire umanità, bella parola piena di vento, la divido in cinque categorie: gli uomini, i mezz'uomini, gli ominicchi,i (con rispetto parlando) pigliainculo e i quaquaraquà… Pochissimi gli uomini; i mezz'uomini pochi, ché mi contenterei l'umanità si fermasse ai mezz'uomini… E invece no, scende ancor più giù, agli ominicchi: che sono come i bambini che si credono grandi, scimmie che fanno le stesse mosse dei grandi… E ancora più giù: i pigliainculo, che vanno diventando un esercito… E infine i quaquaraquà: che dovrebbero vivere come le anatre nelle pozzanghere, ché la loro vita non ha più senso e più espressione di quella delle anatre… Lei, anche se mi inchioderà su queste carte come un Cristo, lei è un uomo…»

Gli ambienti politici ed ecclesiastici romani temendo di essere coinvolti e di perdere la loro credibilità si mobilitano per impedire che Bellodi arrivi ad una conclusione. Un capomafia ancora più potente di Don Mariano, il cui nome non è citato, ordina di far costruire dei falsi alibi per i tre uomini, in modo da far risultare le confessioni frutto delle "torture psicologiche" a cui erano stati sottoposti dai carabinieri durante gli interrogatori.

Chiamato a testimoniare in un processo a Bologna, lo stanco capitano Bellodi chiede una licenza, che trascorre a Parma, in famiglia. Ed è a Parma che apprende che la sua indagine è stata demolita da “inoppugnabili alibi. O meglio: era bastato un solo alibi, quello di Diego Marchica. Persone incensurate, assolutamente insospettabili, per censo e per cultura rispettabilissime, avevano testimoniato” che, al momento in cui era stato ucciso Salvatore Colasberna, Zicchinetta si trovava “alla bella distanza di settantasei chilometri”. Da qui tutta la ricostruzione del capitano era caduta: le accuse di Zicchinetta a Pizzuco erano state una ripicca, quelle di Pizzuco una risposta a quelle di Zicchinetta. Quanto all’omicidio Nicolosi, le nuove indagini stanno seguendo la pista passionale, inspiegabilmente trascurata dal capitano.
L'omicidio del giardiniere viene attribuito all'amante della moglie e don Mariano viene scarcerato.

Don Mariano Arena, aureolato da “una taddema di innocenza”, richiesto da un giornalista di un giudizio sul capitano Bellodi, risponde soltanto che “è un uomo”.

Nella scena finale del romanzo Bellodi si trova a Parma, sua città natale, in congedo. È un uomo devastato dall’esperienza, profondamente deluso e demoralizzato. Appare come uno sconfitto, un perdente in cui sta prevalendo la voglia di mollare e di arrendersi ma l’incontro con una amica di vecchia data fa riemergere ad un certo punto la sua voglia di lottare e di non rinunciare a perseguire il bene, così anche se sconfitto dalla mafia e umiliato dai suoi superiori, si rende conto di amare la Sicilia nonostante tutto e di volervi ritornare intenzionato a riprendere la sua lotta.

“Mi ci romperò la testa”

Il titolo ”Il giorno della civetta” è tratto dall’Enrico VI di Shakespeare, richiamato nell’epigrafe al romanzo: "…come la civetta quando di giorno compare". Il significato dato dallo stesso Sciascia è che la mafia, che in passato operava nel buio, in segreto, come la civetta che essendo un animale notturno si fa vedere solo di notte, ora, avvalendosi della fitta rete di complicità politiche che è riuscita a tessere, agisce in piena luce, come una civetta che può comparire in pieno giorno.

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di Annarita Briganti , disegni di Massimo Jatosti

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La versione illlustrata del romanzo più famoso di Leonardo Sciascia in occasione del centenario della sua nascita

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Tracce prima prova maturità 2019: chi era Leonardo Sciascia?

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DIALOGHI CON LEUCÒ (1947)

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Cesare Pavese: vita, opere e caratteristiche

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UNA QUESTIONE PRIVATA (1963)

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A distanza di cent'anni dalla nascita (ad Alba, il 1° marzo 1922) non è difficile per noi riconoscere oggi in Beppe Fenoglio uno dei maggiori narratori del Novecento italiano. Poiché Fenoglio risulta quasi esattamente contemporaneo e conterraneo di Cesare Pavese, va superata la tentazione immediata di accomunare questi scrittori, i quali risultano molto meglio definiti da una serie di opposizioni: realismo autentico, gusto del racconto epico-avventuroso, cultura inglese del primo contro visione mitica, intellettualismo 'cittadino', letteratura americana per il secondo.

Due sono i temi che percorrono l'intera opera di Fenoglio, dai racconti de I ventitré giorni della città di Alba (1952) fino al grande e magmatico romanzo incompiuto Il partigiano Johnny (uscito postumo, come buona parte della sua produzione, nel 1968, non senza complessi problemi filologici che restano tuttora aperti), passando per libri importanti come La malora, Primavera di bellezza, Un giorno di fuoco, Una questione privata, La paga del sabato.

Anzitutto la guerra partigiana, raccontata senza pregiudizi ideologici (e per questo motivo gli scritti di Fenoglio furono osteggiati dagli intellettuali più schierati politicamente), dall'interno della propria esperienza personale di combattente, privata dell'idealizzazione deformante che ne aveva caratterizzato fino ad allora la ricostruzione letteraria; il significato di questa operazione fu colto pienamente da Italo Calvino, che parlò al riguardo di una "Resistenza proprio com'era, di dentro e di fuori, vera come mai era stata scritta ... e con tutti i valori morali, tanto più forti quanto più impliciti". L'altro motivo è la realtà contadina delle Langhe: anche in questo caso l'autore parte dalle proprie radici biografiche, per dare vita alla rappresentazione di un mondo colto nella sua elementare durezza quotidiana, dominata dall'interesse economico.

La scrittura di Fenoglio, frutto di una ricerca assidua e isolata (sempre Calvino lo definisce "il più solitario di tutti"), va oltre la mimesi ingenua di certo neorealismo della sua epoca, fondandosi su un impasto linguistico originale, con un ampio spettro che comprende l'inglese e il dialetto, le espressioni gergali così come alcuni preziosismi. È essenzialmente per questa ragione che Fenoglio rientra a pieno diritto fra i nostri classici contemporanei.

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Beppe Fenoglio, "il più solitario di tutti" | Secondo Tempo

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A distanza di cent'anni dalla nascita (ad Alba, il 1° marzo 1922) non è difficile per noi riconoscere oggi in Beppe Fenoglio uno dei maggiori narratori del Novecento italiano.

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Lo scrittore Beppe Fenoglio (1922-1963) - archivio

Nel centenario della nascita Beppe Fenoglio (Alba 1° marzo 1922 - 2 febbraio 1963) viene giustamente celebrato come un classico del nostro Novecento, ma per molto tempo non è stato reputato tale e i presupposti della sua tribolata vicenda umana e letteraria si possono individuare già nell'esordio, con l'innesco di una reazione a catena che ha penalizzato lo sviluppo della sua opera e ne ha condizionato a lungo la valutazione. Conclusa l'esperienza partigiana cui si è dato con dedizione assoluta, Fenoglio vive un periodo difficile da cui esce con un sofferto compromesso: accetta l'impiego presso un'azienda vinicola per cui cura la corrispondenza con l'estero e punta tutto sulla vocazione di scrivere, sebbene in principio si traduca in una pratica inquieta, guardata con sufficienza da chi gli sta attorno. Il primo testo compiuto è una silloge di racconti sulla guerra partigiana che propone a diversi editori, ma senza successo. Decide perciò di cambiare rotta e scrive La paga del sabato, romanzo di cui è protagonista un ex partigiano che stenta a reinserirsi nella vita civile, e nel 1950 con la mediazione di Italo Calvino lo presenta a Elio Vittorini, direttore per Einaudi della collana 'I gettoni'. E siamo al primo nodo problematico. Vittorini non ne è persuaso, chiede all'autore varie riscritture ma alla fine lo boccia. Fenoglio prova allora a riproporre i racconti e questa volta il progetto va in porto, anche se deve accettare di smembrare il romanzo per ricavarne due testi da accludere alla raccolta, oltre ad altre imposizioni. Nel '52 il volume esce col titolo I ventitre giorni della città di Alba, ma in un quadro gravido di tensioni sottese che sfocerà in aperta frattura quando l'autore presenterà a Einaudi La malora, esito più rilevante del filone langhigiano della propria narrativa. Vittorini accetterà di pubblicarlo, ma esprimendo nel suo consueto risvolto del libro una serie di note critiche e quasi risentite che non hanno uguali fra i 'Gettoni', né forse nell'editoria in genere. E a quanto riferiscono i suoi amici, Fenoglio la prende come una frustata in faccia. Intanto deve fare i conti con un secondo fronte avverso. Mentre il libro d'esordio è stato apprezzato da illustri critici come Carlo Bo e Gianfranco Contini, di segno opposto è stata la critica di matrice marxista. Fra agosto e ottobre 1952 sono usciti su 'L'Unità' quattro articoli, uno per ciascuna edizione del quotidiano ( Torino, Roma, Genova e Milano), in una successione così serrata da far pensare a un fuoco di fila. A rileggerli oggi si rimane basiti. "Rappresentazione qualunquista", "tendenziosa, falsa, meschina"; "gretta acredine filistea"; "ignobili racconti"; "un brutto capitolo nella letteratura della Resistenza ": ecco il tenore dei giudizi che vi sono espressi, e le ragioni di questo clamoroso equivoco vanno ravvisate nell'originalità dello sguardo che l'autore rivolge alla lotta partigiana. Fenoglio si pone infatti in netta divergenza rispetto agli stereotipi e ai modelli imperanti, elude qualunque forma di mitizzazione e di retorica e rappresenta la Resistenza all'insegna di un crudo e spietato realismo, come farà anche nelle opere successive. Sono i fatti che parlano, con intrinseca evidenza, riguardo alla sua posizione: per quanto sia giusta quella contro il nazifascismo, si tratta comunque di una sporca guerra, come lo sono tutte. I partigiani non appaiono perciò sempre buoni e giusti nel loro agire e in certe circostanze possono rivelare viltà, crudeltà, e debolezza. Pur senza mai dubitare della causa per la quale si combatte Fenoglio sa guardare a fondo nel destino dei vinti come in quello dei vincitori, scevro da esplicite chiavi interpretative o vincoli ideologici. Si mostra se mai indignato nei confronti di vanità e opportunismi, come nello sferzante incipit del racconto eponimo: "Alba la presero in duemila il 10 ottobre e la persero in duecento il 2 novembre dell'anno 1944", implicita denuncia dello scarto fra il gran numero di partigiani scesi in città a raccogliere il frutto di una facile vittoria, poiché la guarnigione fascista si era ritirata senza combattere, e quello esiguo di quanti restarono a difenderla quando invece i nemici tornarono in forze a riconquistarla. Oggi il nostro intento non dev'essere però quello di puntare il dito contro i miopi detrattori del '52, ma piuttosto di valorizzare ancora di più Fenoglio, capace di rappresentare eventi in cui pure era schierato e partecipe con un'oggettività a cui anche gli storici sarebbero giunti solo decenni dopo, quando Claudio Pavone assumerà le sue pagine come fonte fra le più attendibili, e Giovanni Falaschi affermerà "Fenoglio è l'unico che riesca a rispettare la verità dei fatti pur dando ai propri scritti un taglio autenticamente letterario". Tutto questo accadrà però solo in seguito, mentre nel '56 Fenoglio vive una dolorosa condizione di isolamento e sfiducia. Comincia a lavorare al testo col quale intende raccontare l'intero quinquennio '40-'45, cioè la memorabile storia del partigiano Johnny, ma la bocciatura della Paga del sabato e il risvolto della Malora gli fanno dubitare di avere il passo del romanziere, e dopo varie traversie ne pubblica solo la prima parte col titolo Primavera di bellezza, che esce da Garzanti nel '59. Poi dà inizio a diversi progetti, rimasti incompiuti anche a causa del brutto male che se lo porta via pochi anni dopo. Le opere maggiori usciranno perciò solo postume, da Una questione privata a Il partigiano Johnny nelle varie versioni. Ma i suoi problemi non sono ancora finiti. La sottovalutazione dell'autore ha come conseguenza anche il caos in cui versano i testi inediti, come testimonia la studiosa Maria Corti quando vi mette mano. A seguito di una serie di malaugurate circostanze accade poi che il vasto archivio di materiali di lavoro, dimenticato in una soffitta, finisca gettato al fiume, e per capire la gravità della perdita basti ricordare che dal casuale ritrovamento di due taccuini riemergeranno i primissimi testi di Fenoglio, dati poi alle stampe nel '94 col titolo Appunti partigiani. E non è ancora tutto, perché mentre è già avviato il processo di rivalutazione dell'autore, Maria Corti cade a sua volta in un equivoco quando erroneamente si convince che la storia di Johnny sia il primo scritto fenogliano, alimentando un'annosa e sterile disputa filologica sulla datazione delle opere che fa implodere il dibattito critico, di nuovo a svantaggio dell'autore. E siamo ai decenni più recenti, quando finalmente anche gli ultimi nodi si sciolgono e Fenoglio riceve la meritata consacrazione. A parziale conclusione, si può dire che hanno sbagliato davvero in tanti con questo autore, il cui torto è stato quello di non essere politicamente inquadrato e di vedere meglio e prima degli altri, fino a meritare ciò che ha scritto di lui Pier Vincenzo Mengaldo, secondo cui: "Fenoglio si presenta fin da subito come il maggior narratore, insieme il più appassionato e il più proprio, della guerra partigiana, in un certo senso l'unico all'altezza di quei fatti".

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Il centenario. Beppe Fenoglio: la vita difficile dell'antiretorica

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Lo scrittore Beppe Fenoglio (1922-1963) - archivio Nel centenario della nascita Beppe Fenoglio (Alba 1° marzo 1922 - 2 febbraio 1963) viene giustamente celebrato come un classico del nostro Novecento, ma per molto tempo non è stato reputato tale e i presupposti della sua tribolata vicenda umana e letteraria si possono individuare già nell'esordio, con l'innesco di una reazione a catena che ha penalizzato lo sviluppo della sua opera e ne ha condizionato a lungo la valutazione.

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SE UNA NOTTE D'INVERNO UN VIAGGIATORE (1979)

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Il CAVALIERE INESISTENTE (1959)

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MARCOVALDO (1963)

Vicende editoriali

La prima serie di 10 racconti incentrati su Marcovaldo esce nella raccolta de I racconti, pubblicati nel 1958.

La serie completa di 20 racconti viene pubblicata come libro per ragazzi nel 1963 e in seguito anche come opera generalista nel 1966. In entrambi i casi il titolo dell'opera è Marcovaldo ovvero le stagioni in città.

Struttura

Funghi in città (1), Il piccione comunale (3), La pietanziera (7), Il bosco sull'autostrada (8), La cura delle vespe (5), L'aria buona (9) sono stati scritti tra il 1952 e il 1953 e pubblicati sul giornale del PCI, l'Unità.

Il coniglio velenoso (11), Un viaggio con le mucche (10), Luna e Gnac (14) sono stati scritti tra il 1954 e il 1957 e pubblicati su varie riviste (Caffè, Contemporaneo, Corriere d'Informazione)

La villeggiatura in panchina (2) viene pubblicata per la prima volta nel 1958 nella raccolta I racconti.

La città smarrita nella neve (4), La fermata sbagliata (12), Dov'è più azzurro il fiume (13), La pioggia e le foglie (15), Marcovaldo al supermarket (16), Fumo, vento e bolle di sapone (17) sono stati pubblicati nel 1963 su una rivista per ragazzi, il Corriere dei Piccoli.

Un sabato di sole, sabbia e sonno (6), La città tutta per lui (18), Il giardino dei gatti ostinati (19), I figli di Babbo Natale (20) sono stati scritti nel 1963 appositamente per l'edizione definitiva.

Genere

Idillio negativo: serie di Marcovaldo ne I racconti era raccolta nella sezione Gli idilli difficili, perché Marcovaldo ogni volta sogna di poter tornare a una sorta di paradiso naturale perduto, per lui però ormai irraggiungibile.

Storielle a vignette: ogni racconto si concentra su un singolo episodio che colpisce il lettore nella forte immagine negativa del finale ad effetto.

Favola moderna: sguardo sognante sulla natura fa degli elementi naturali o degli animali un'allegoria della condizione umana.

Fiaba moderna: struttura ricorrente e schematica in cui il raggiungimento di un obiettivo è ogni volta frustrato per la presenza di un ostacolo o di antagonisti.

Umorismo: scrittura comico-malinconica che nello sguardo fantasioso di Marcovaldo trasmette tutto il dramma del contrasto tra essere e apparire.

Apologo contemporaneo: esempio di allegoria moderna, in cui fantastico e surreale danno vita a immagini che rappresentano la condizione di straniamento dell'uomo contemporaneo e proprio per questo sono irriducibili a un messaggio univoco e semplice.

Tematiche

La situazione comune a tutte le novelle potrebbe essere sintetizzata così: in mezzo alla grande città Marcovaldo 1) scruta il riaffiorare delle stagioni nelle vicende atmosferiche e nei minimi segni d'una vita animale e vegetale, 2) sogna il ritorno a uno stato di natura, 3) va incontro a un'immancabile delusione. (Presentazione dell'Autore, 1966).

Il mio ideale pedagogico era l'educazione al pessimismo che è il vero senso che si può ricavare dai grandi umoristi. Due elementi del libro hanno senz'altro funzionato: 1) una struttura narrativa ripetibile, che serva da modello per organizzare una serie di esperienze, e che dia l'idea che il libro non è qualcosa di perentoriamente definitivo, ma una costruzione a cui tutti possono collaborare; 2) un certo margine di opinabilità nelle conclusioni che si possono trarre dal libro, nella "morale della favola", nel senso ultimo da dare a personaggi e situazioni, in modo che si possano dare discussioni e giudizi divergenti (Prime conclusioni in "Rendiconti", 22-23 aprile 1971).

Nel corso degli anni la fisionomia di Marcovaldo e delle sue avventure subisce una percepibile evoluzione. Sul piano tematico, all'antitesi natura/città subentra spesso il contrasto omologazione massificante/invenzione individuale; sul piano strutturale, lo schema iterativo di sapore fiabesco è sostituito da disegni narrativi più vari e liberi, con un'accentuazione di elementi visionari e surreali. (Note e notizie sui testi in "Italo Calvino, Romanzi e racconti").

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IL SENTIERO DEI NIDI DI RAGNO (1947)

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ACCABADORA (2009)

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RECENSIONE LIBRO "ACCABADORA" DI MICHELA MURGIA

"Accabadora" è un romanzo di Michela Murgia pubblicato nel 2009 che narra una storia

ambientata nei primi anni 50 del XX secolo a Soreni, un piccolo paese della Sardegna. I temi

affrontati sono di rilevante importanza per quel periodo, come l'adozione e l'eutanasia, tutti e

due arricchiti dalla presenza di tratti e parvenze magiche che donano al libro un'atmosfera

misteriosa. La storia narra di Maria, una bambina che viene adottata da una vecchia sarta del

paese chiamata Tzia Bonaria Urrai che le chiede di prendersi cura di lei solo in caso di

necessità future. Tra loro si crea fin da subito un solido rapporto madre e figlia, ma la

protagonista non è a conoscenza che la sua madre adottiva nasconde un segreto di rilevante

importanza. Bonaria infatti ha un'aria cupa e misteriosa, durante il racconto è descritta nel

dettaglio e solita a portare avanti silenzi prolungati, rendendo l'atmosfera sempre più

intrigante. Solo con il passare del tempo Maria viene a conoscenza del suo segreto: Bonaria è

una donna in grado di percepire l'oscurità del genere umano, si dedica alla pratica

dell'eutanasia e si reca nelle case a portare la morte alle persone quando quest'ultima rimane

l'unica alternativa possibile per porre fine alla loro sofferenza. Una volta scoperto il suo

segreto Maria parte alla volta di Torino, ma dopo due anni torna in Sardegna dopo aver

ricevuto una lettera che la informa dell'aggravarsi delle condizioni di salute di Tzia Bonaria.

Solo vedendo la sua madre adottiva Maria rivaluta l'eutanasia e capisce i suoi insegnamenti,

ma prima che possa metterla in pratica l'anziana donna muore risparmiando a Maria questo

In questo romanzo la vita nel paese di Soreni è narrata con incanto e precisione: l'autrice

rappresenta un mondo fatto di pratiche magiche, tradizioni, credenze e superstizioni che

creano un'atmosfera di mistero e suspense. Il linguaggio è ricco di forme dialettali e parole

idiomatiche che vanno a costituire una parte del fascino misterioso di questo romanzo. Il

nucleo base della storia parte da tre temi principali, quali l'adozione, il rapporto tra madre e

figlia rappresentato da Maria e Tzia Bonaria e l'eutanasia praticata di nascosto dalla donna.

Maria è considerata un peso sia per la madre sia per le sue sorelle, per questo motivo viene

affidata senza proteste a Tzia Bonaria. Durante tutto il romanzo si pone in un atteggiamento

autorevole nei suoi confronti e allo stesso tempo amorevole proprio come se fosse sua figlia:

le offre una casa e l'opportunità di portare avanti i suoi studi, cosa che Tzia Bonaria non ha

potuto fare. Maria è quindi la fill'e anima, la bambina che l'Accabadora nella sua gioventù

non ha potuto avere ma che Dio le ha concesso ora in tarda età tramite una "benedizione".

L'Accabadora offre un tema importante dibattuto anche oggi e che crea un grande numero di

perplessità, ovvero ricorrere alla pratica dell'eutanasia per porre fine ai dolori delle persone.

In cambio di questa pratica la donna non riceveva nulla: portare alla morte una persona in

cambio di denaro è un aspetto contrario al pensiero religioso. Per leggere il libro è quindi

necessario essere in grado di razionalizzare per cogliere il messaggio che si trova alla base.

Cerca di dare una spiegazione "leggera" su cosa sia l'eutanasia e il mistero dietro a questo

fenomeno facendo riflettere il lettore sul significato e gli aspetti positivi o negativi di questa

pratica. Questo tema può anche creare perplessità e punti di vista diversi, proprio come è

successo a Maria che nel momento finale del libro si ricrede e rivaluta il segreto che Tzia

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Accabadora - recensione libro - RECENSIONE LIBRO "ACCABADORA" DI MICHELA MURGIA "Accabadora" è un - Studocu

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Su Studocu trovi gratis online riassunti e appunti per superare gli esami universitari. Scarica il materiale di studio per la tua Università e migliora i tuoi voti!

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Michela Murgia è morta. Ritratto di una Morgana - LifeGate

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Michela Murgia è morta. In vita, è stata una delle sue Morgane. Scrittrice, autrice teatrale, critica letteraria e molto altro. Noi ve la raccontiamo così.

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SE QUESTO È UN UOMO (1947)

I primi frammenti risalgono al Dicembre 1945, mentre la conclusione viene datata Gennaio 1947.

Ci sono difficoltà a trovare un editore: opera rifiutata dai grandi editori, viene pubblicata nell'Ottobre 1947 dal piccolo editore De Silva, finendo presto nel dimenticatoio.

Una seconda edizione esce nel 1958 per Einaudi ed è un successo, che ne fa uno dei maggiori testimoni dell'Olocausto, proprio negli anni in cui in Europa si inizia a prendere pienamente coscienza di quanto successo.

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Articoli di giornale su fascismo e antifascismo (1974)

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COMIZI D'AMORE (1964)

SEMPLICITÀ POPOLARE tra ingenuità e lingua dialettale

INTERVISTE SOCRATICHE per un «intellettuale maestro»

MODERNITÀ DEI GIOVANI tra scuola, società dei consumi e città

CINEMA VERITÀ tra sincerità e conformismo

NUOVO CONFORMISMO della televisione e della buona educazione

EDUCAZIONE SESSUALE come una presa di coscienza

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Comizi d'Amore - Film Completo by Film&Clips

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Nasce nel 1922 a Bologna in una famiglia problematica: il padre è un militare di carriera, violento e autoritario, mentre la madre, una maestra elementare friulana, è molto affettuosa nei confronti dei figli. Così Pasolini stringe un forte legame con la madre, anche se per tutta l'infanzia sarà costretto a continui trasferimenti nel Nord Italia per seguire gli spostamenti del padre.

Nel 1942-1943 la famiglia sfolla in Friuli, nel paesino di Casarsa, luogo d'origine del ramo materno della famiglia. Lì scrive poesie in dialetto friulano, affascinato dalla autenticità della vita contadina e dalla vivacità linguistica del dialetto friulano.

Nel 1945 il fratello partigiano viene ucciso da partigiani comunisti sloveni, intenzionati ad annettere anche il Friuli alla Jugoslavia di Tito. Nonostante questa tragedia familiare, Pasolini a lungo si considererà un convinto militante del PCI.

Nel 1949, dopo essersi appartato con alcuni ragazzi ad una festa di paese, viene accusato di corruzione di minore e atti osceni in luogo pubblico, motivo per cui verrà espulso dal PCI.

Fugge nel 1950 a Roma, dove vive nei sobborghi popolari, a stretto contatto con quella realtà di popolo che sarà la grande protagonista dei suoi romanzi e film.

Dal 1954 inizia a lavorare nel settore cinematografico, prima come sceneggiatore, poi come regista: riesce in questo modo a raggiungere un pubblico più ampio. Negli anni del boom economico lo preoccupa sempre più la mutazione antropologica degli italiani, cioè la crescente integrazione del proletariato nella mentalità borghese, sempre e solo nel nome del benessere consumistico.

Nel 1973 inizia a lavorare come giornalista opinionista al Corriere della Sera, con interventi provocatori sulle principali questioni della attualità, culturale, politica e sociale.

Nel 1975 viene trovato assassinato a Fiumicino: i motivi, le modalità e gli eventuali mandanti del delitto non verranno mai chiariti con certezza.

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Definizione

Con il termine “Neorealismo” si designa il nuovo modo di fare cinema e letteratura proprio dei primi anni del Secondo Dopoguerra.

Cronologia

Tra 1945 e 1956 emerge un forte desiderio da parte di letteratura e cinema di raccontare a parole o attraverso immagini l’esperienza partigiana, vissuta in prima persona in quegli anni da tanti intellettuali.

Le opere neorealiste sono fortemente segnate dalle prospettive progressiste e comuniste che hanno animato la Resistenza.

Col tempo anche gli ideali comunisti si riveleranno oppressivi, soprattutto dopo l'invasione dell'Ungheria da parte dell'URSS. Questa ondata di disillusione porterà all'esaurimento della poetica neorealista.

Poetica

La Resistenza viene vista come un momento di svolta, sia per i singoli autori, che hanno visto la loro vita cambiare, sia per l’Italia intera.

Dopo gli anni del Fascismo, caratterizzati da un disimpegno generale (l’impegno politico-sociale era ovviamente impossibile in una dittatura), tanti giovani hanno fatto questa nuova esperienza dell’impegno, hanno lottato per grandi ideali, come la liberazione dell’Italia dalla dittatura fascista e il sogno di costruire una società giusta.

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1923: Nasce a Cuba in una famiglia di scienziati. Il padre infatti è un agronomo di fama internazionale, mentre la madre è docente universitaria di Botanica.

1925: La famiglia rientra in Italia, a Sanremo. La sua giovinezza la trascorre in un benessere laico e antifascista.

1944: Partecipa con grande slancio ed entusiasmo alla lotta partigiana: l'esperienza rappresenta per lui il passaggio alla piena maturità, l'uscita dal mondo protetto della borghesia.

1945: Dopo la fine della guerra si trasferisce a Torino e abbandona gli studi di Agraria per la Facoltà di Lettere.

1946: Inizia a lavorare con la casa editrice Einaudi, presso cui pubblicherà anche il suo primo romanzo: Il sentiero dei nidi di ragno.

1950-1960: Fa carriera in Einaudi: da rappresentante editoriale diventa addetto stampa, poi redattore capo.

1957: Dopo i fatti d'Ungheria, si dimette da ogni incarico politico in polemica con il PCI, che accusa di essere incapace di distanziarsi dalla politica criminale dell'URSS.

1961: Sono gli anni della sua consacrazione pubblica: diventa un punto di riferimento della cultura italiana. Aumentano le collaborazioni con i giornali e viene invitato anche a partecipare a conferenze in tutto il mondo.

1985: Muore, dopo essere stato colpito da un grave ictus.

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VUOTO D'AMORE (1991)

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Merini, "Folle, folle, folle di amore per te"

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LE MOSCHE DEL CAPITALE (1989)

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Volponi, "Dialogo della luna e di un calcolatore"

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IO VENÍA PIEN D'ANGOSCIA A RIMIRARTI (1990)

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Mari - Io venia pien d'angoscia a rimirarti