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-Eu vejo que a imagem mostra um garoto com uma medalha, simbolizando conquista. As cores vibrantes do fundo passam uma sensação de energia e esperança, e o Cristo Redentor ao fundo traz um toque cultural.

-Essa obra reflete questões sociais. O garoto representa crianças de comunidades carentes, mostrando a desigualdade no Brasil. A medalha sugere que, mesmo com conquistas, muitos ainda enfrentam desafios na vida.

-A imagem provoca emoções. O olhar do garoto transmite determinação, mas também vulnerabilidade. Isso nos faz pensar sobre o que significa vencer em um ambiente difícil e gera empatia pela sua luta.

Eu escolhi essa imagem porque ela tem um grande impacto visual e fala sobre temas importantes como desigualdade, luta e esperança de uma maneira direta e simbólica. É uma obra que nos faz refletir sobre a realidade de muitos jovens no Brasil.

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Pintura "Fatata te miti (By the sea), feita por Paul Gaguin.

Nesta pintura, eu vejo 2 mulheres tomando banho de rio nuas e umas cores e detalhes bem elaborados.

O pintor Paul Guaguin quis trazer uma cultura inspirada por obras literárias, e achei que ele também quis passar um reflexo das tensões entre as culturas indígenas e as influências ocidentais. Já que ele estava vivendo em uma época que as ilhas do pacífico estavam sendo cada vez mais impactadas pela colonização europeia.

Pra mim tem um sentimento de felicidade ou liberdade.

Eu escolhi essa imagem, porque foi uma obra que me chamou a atenção, nos detalhes, as características do ser humano bem feitos e as cores bem diferentes.

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As respigadoras, de Jean-François Millet, 1857

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-Ao observar essa obra, é possível notar três mulheres camponesas -respigadoras- trabalhando, recolhendo espigas de trigo que são deixadas para trás após a colheita, em um cenário que se assemelha à um campo ou fazenda, retratado com cores mais fechadas, mais escuras. No fundo, é possivel notar: pilhas dos trigos que estão sendo recolhidos; mais trabalhadores; e um homem sobre um cavalo, quem aparenta ser o senhorio, observando o trabalho de seus subordinados.

-Em questão histórica e cultural, consigo notar que, além do trabalho manual e cansativo que era feito antigamente, as mulheres não estão sendo observadas pelo senhorio, retratando o tratamento que as mulheres recebiam em épocas passadas, geralmente em segundo plano, e não sendo consideradas importantes para serem supervisionadas e controladas. A distância entre as mulheres e os outros trabalhadores, também pode retratar que a camada social em que se encontram é distante, diferente.

-Em questão de significado e percepção psicológica, é notório como a obra trás um ambiente triste, sendo retratado com cores mais fechadas, e sendo explícito o rosto obscuro das mulheres em primeiro plano, mostrando a infelicidade. A obra retrata a desigualdade de gênero e classe social, trabalho àrduo manual sendo exercido por pessoas claramente mais pobres, trabalhando incessantemente e permanecendo na pobreza, com vestes sujas, expressões infelizes e sob o sol, enquanto o senhorio usa de seu cavalo para se locomover e observa o trabalho a distância, deixando as mulheres de lado.

-Escolhi essa obra por conta da profundidade que ela passa sem precisar de uma análise aprofundada. Quanto mais você observa os elementos, mais significado você pode extrair da obra, cada vez pesando mais seu significado. Também é de se notar que mesmo que essa obra estivesse retratando um cenário antigo, vendo que foi terminada em 1857, ainda é capaz de retratar reveses presentes nos dias atuais.

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— Pode ser notado em primeira visão, um tom fechado, o marrom. Também pode ser constatado uma espada no peito, simbolizando a angústia. Uma capa tentando cobrir o rosto e uma caveira aos pés da mulher. E muitas roupas que está cobrindo o corpo dela.

— Essa obra de arte nos mostra a "Nossa Senhora das dores" ou "Mater dolorosa", essa obra religiosa nos conta as 7 dores que a Nossa Senhora sofreu. Que são: 1°- A profecia de Simeão. 2°- A fuga para o Egito. 3°- A perda do menino Jesus no Templo. 4°- O encontro de Maria com Jesus a caminho do Calvário. 5°- A crucificação e a morte de Jesus. 6°- Jesus é descido da cruz. 7°- O sepultamento de Jesus. Mas especificamente a dor que ela sentiu ao ver seu primogênito sendo morto, podendo ser comparada as mulheres que perdem os seus filhos.

—A dor que ela sentiu ao ter uma espada atravessando o seu peito. O tanto de roupa que está cobrindo seu corpo, talvez seja um jeito para se passar "despercebida". Sendo transmitido muita tristeza, tanto do seu rosto virado e cobrindo por um manto quanto pelo jeito que ela toca na espada. Além de uma caveira ao seu pé representando a morte de um filho, que jaz querido. Uma mãe que viu o seu único filho aguentar a dor, tortura e a morte. E não querer que ninguém veja o seu rosto, talvez seja porque o sua face esteja vermelho de tanto chorar, ou que ela deseja que a sua dor seja ocultada.

— Pois gosto muito de artes melancólica, que me lembre a tristeza e forma de como pode esculpida ou desenhada, um jeito de transparecer um sentimento. Ou seja, uma retração de como é o sentimento de luto.

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Freising: St. Mary and Corbinian Cathedral - Egid Quirin Asam - Google Arts & Culture

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Nave, central nave, crucifix, Mater dolorosa

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- A obra “O grito” demonstra desespero, aflição e em termos fisiológicos podemos observar a expressão facial que aparenta estar em completa agonia. Além disso, temos as cores vibrantes da obra, que fortifica a ideia de perturbação.

- ⁠A obra reflete diversos aspectos sociais e artísticos da época em que foi pintada, tem como representação o estado psicológico humano, a modernização acelerada e a angústia existencial.

- ⁠O sentimento que mais se destaca é a angustia, mas vejo dor, ansiedade, medo e solidão também presentes.

- ⁠Escolhi essa obra por me chamar atenção, e ter grande impacto na hora de observar-la. A forma que demonstra sentimentos tão profundos de uma maneira mais “simples”.

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-Observando essa obra, é possível notar dois homens observando a lua crescente, sua paleta de cores frias trazem sensação de serenidade e dá ênfase no centro da pintura, onde está a lua.

-Essa obra reflete elementos do Romantismo, movimento artístico que valorizava a emoção e a conexão espiritual do homem com a natureza. A pintura de Caspar David Friedrich propõe uma admiração silenciosa e provoca uma sensação de tranquilidade. Essa cena faz alusão ao conceito romântico, apontando a natureza como um espelho dos sentimentos humanos que tem o poder de nos levar a pensar sobre a grandiosidade do mundo.

-O fato dos dois homens observarem a lua em silêncio sugere uma busca interior, como se eles estivessem em um momento de reflexão sobre a existência e o mistério da vida. A presença da natureza detalhada ao redor reforça um sentimento de insignificância diante do universo, mas também de conexão espiritual com algo maior.

-Escolhi essa pintura por conta de sua beleza, de seu significado e seus detalhes, e também pela sensação tranquila que este quadro transmite.

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Elementos e princípios:
Céu estrelado, lua, montanhas, árvores, casas e igreja. Movimento e profundidade.

Referências e contexto histórico:
Expressionismo e simbolismo. Estilo pós-impressionista.

Sentido, efeitos emocionais e significado:
Representação da relação entre o homem e a natureza, inspiração e admiração pela beleza natural. Inspirado pela vista da janela do seu quarto e impulsionado por sua intensa emoção e instabilidade mental, Van Gogh criou esta obra como uma expressão de sua visão interior e de sua luta por paz e significado.

Escolhi essa imagem pois é a obra que eu mais gosto e aprecio. Gosto muito das técnicas utilizadas e da beleza do quadro em si.

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Nível Primário (Percepção Fisiológica)

A Mona Lisa é marcada pelo uso equilibrado de elementos e princípios visuais. Da Vinci emprega o sfumato, uma técnica que suaviza as transições entre cores e tons, especialmente ao redor do rosto da personagem. A composição é simétrica e harmoniosa, com Mona Lisa posicionada centralmente e com um fundo paisagístico suave. O contraste entre o primeiro plano claro e o fundo escuro ressalta a figura, atraindo o olhar diretamente para ela.

Nível Secundário (Interpretação Cultural)

Essa obra está profundamente conectada ao contexto cultural do Renascimento, época de grande avanço artístico e científico na Europa. O sorriso enigmático da Mona Lisa e seu olhar direto desafiam o espectador, sendo frequentemente interpretados como símbolos da complexidade da psique humana. Da Vinci, também cientista e anatomista, trouxe um entendimento profundo do corpo humano para sua pintura, o que é refletido na naturalidade dos traços da personagem. O retrato é considerado um dos mais famosos da história da arte, transcendendo fronteiras culturais e épocas.

Nível Terciário (Interpretação Psicológica)

O sorriso da Mona Lisa é conhecido por sua ambiguidade, que sugere uma mistura de serenidade e mistério. Essa ambivalência emocional cria uma conexão psicológica com o observador, permitindo múltiplas interpretações e provocando reflexões sobre o verdadeiro estado emocional da personagem. Muitos enxergam nessa expressão um misto de sabedoria, serenidade e introspecção, gerando uma sensação de mistério que ainda hoje fascina o público.

Escolhi a Mona Lisa porque o sorriso dela é intrigante e deixa a gente curioso. Mesmo depois de tanto tempo, essa pintura faz todo mundo se perguntar o que ela está sentindo de verdade.

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Autorretrato como Alegoria da Pintura (1638-1639),  Artemisia Gentileschi, óleo sobre tela.

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- De primeira visão, percebo cores de tons frios e fechados, escuros. Uma mulher pintando; segurando em sua mão direta um pincel, e em sua esquerda uma paleta de tintas. Percebo também movimento de que ela está pintando e certa profundidade.

- Culturalmente, essa pintura representa Artemisia Gentileshi, a própria autora, como a alegoria da pintura. Na época essa obra chamou atenção da comunidade artística pelo motivo que os pintores homens não conseguiam representar a si mesmos dessa forma, visto de a alegoria ser comumente representada pela figura feminina; além disso, pela época que foi realizado não haverem muitas artistas mulheres. É provável que essa obra foi produzida em Londres, enquanto viajava com seu pai (Orazio Gentileschi) a pedido do rei Carlos |.

Além disso, obra possui contexto social, tendo em mente do seu impacto.

- De sentido, percebo uma concetração e uma vontade vívida vinda de Artemisia, serenidade e foco. De outro lado, como um todo é uma pintura um tanto quanto feroz e que ressalta os ideais da autora de um jeito sutil e de como suas obras são voltadas para a expressão do feminino.

- Escolhi essa obra pela lembrança de outro quadro que conhecia da autora, "Judite Decapitando Holofernes", acabei por encontra-lo durante a pesquisa e o achar interessantíssimo, visto que não conhecia antes. Gosto muito do quadro e da sua história por trás, além da história da autora; seu traço, seu estilo, seus significados e suas cores me cativam muito, é muito interessante e bonito.

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1. Nível Primário (Percepção Fisiológica)

A Mona Lisa é marcada pelo uso equilibrado de elementos e princípios visuais. Da Vinci emprega o sfumato, uma técnica que suaviza as transições entre cores e tons, especialmente ao redor do rosto da personagem. A composição é simétrica e harmoniosa, com Mona Lisa posicionada centralmente e com um fundo paisagístico suave. O contraste entre o primeiro plano claro e o fundo escuro ressalta a figura, atraindo o olhar diretamente para ela.

2. Nível Secundário (Interpretação Cultural)

Essa obra está profundamente conectada ao contexto cultural do Renascimento, época de grande avanço artístico e científico na Europa. O sorriso enigmático da Mona Lisa e seu olhar direto desafiam o espectador, sendo frequentemente interpretados como símbolos da complexidade da psique humana. Da Vinci, também cientista e anatomista, trouxe um entendimento profundo do corpo humano para sua pintura, o que é refletido na naturalidade dos traços da personagem. O retrato é considerado um dos mais famosos da história da arte, transcendendo fronteiras culturais e épocas.

3. Nível Terciário (Interpretação Psicológica)

O sorriso da Mona Lisa é conhecido por sua ambiguidade, que sugere uma mistura de serenidade e mistério. Essa ambivalência emocional cria uma conexão psicológica com o observador, permitindo múltiplas interpretações e provocando reflexões sobre o verdadeiro estado emocional da personagem. Muitos enxergam nessa expressão um misto de sabedoria, serenidade e introspecção, gerando uma sensação de mistério que ainda hoje fascina o público.Aqui está uma análise da obra Mona Lisa de Leonardo da Vinci, estruturada conforme as instruções:

Escolhi a Mona Lisa porque o sorriso dela é intrigante e deixa a gente curioso. Mesmo depois de tanto tempo, essa pintura faz todo mundo se perguntar o que ela está sentindo de verdade.

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Essa obra de Claude Monet (1872), considerada uma das pinturas mais emblemáticas do movimento impressionistas.

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No primeiro nível de percepção(interpretação fisiológica podemos abordas como elementos visuais que a pintura usa pinceladas rápidas e soltas um das características do movimento impressionistas, predominam tons de azul e laranja que contrastam. As formas sugeridas não mostram muito detalhes. Já vendo pelos princípios e design o contraste entre o sol e o céu cria ma tensão que vista pode guiar o olhar do observador, a repetição das pinceladas e o reflexo com certa simetria transmitem uma sensação de movimento e paz ao mesmo tempo.

-No segundo nível de percepção ( interpretação cultural) sabemos que a obra é uma das que deu origem ao tempo "impressionismo", que foi inicialmente usado como forma pejorativa, já que Monet e outros pintores estavam desafiando as convenções acadêmicas, focando em capturar sensação de um momento em vez de retratar a realidade de forma detalhada. Referências culturais : A pintura representa o porto de Le Havre, cidade natal do pintor, e captura o início de uma nova visão artística que priorizava a percepção pessoal e subjetiva sobre a realidade objetiva

-No terceiro nível de Percepção (interpretação psicológica) observamos os efeitos emocionais onde a obra transmite uma sensação de serenidade pelo uso de cores mais suaves mostrando uma manhã calma e pacífica. O sol talvez pudesse simbolizar por estar nascendo um recomeço ou algo do tipo,

Eu escolhi essa obra por ser um marco na história da arte e representar esse começo do movimento impressionista, uma época de revolução. Mas também porque acredito que o nascer do sol seja um momento de vislumbre e apreciação passando sempre o sentimento de que não é um fim, e tudo pode ter um recomeço, podendo ter diferentes formas de interpretação e ser bonito esteticamente.

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A Noite Estrelada (1889), óleo sobre tela, 73 x 92 cm. Museu de Arte Moderna de Nova Iorque

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O que você percebe no nível primário de percepção, a interpretação fisiológica da obra ?

R:Essa obra retrata uma paisagem durante o anoitecer, que era composta por árvores, casas, montanha e estrelas.

- O que você percebe no nível secundário de percepção, a interpretação cultural da obra ?

R:A forma em que as cores foram trabalhadas parecendo o movimento da luz e uma certa confusão na mente de Van Gogh.

- O que você percebe no nível terciário de percepção da obra, a interpretação psicológica da obra?

R:Como dito na resposta anterior, Van Gogh estava tendo certa confusão mental, tanto que o mesmo estava internado por vontade própria em uma clínica de tratamento psiquiátrico, após ele arrancar sua própria orelha.

- Por que você escolheu essa imagem?

R:Por conta de sua história, que Van Gogh pintou esta arte em seu quarto na clínica durante uma noite

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Obra : Cavalheirismo, de Frank Bernard Dicksee. Ano de 1885

Na pintura Cavalheirismo, o cavaleiro em sua armadura protege a dama ao lado dele. Com cores vivas, eles se destacam contra o fundo mais suave, trazendo o foco para o casal.

A obra, do período vitoriano, valoriza honra e lealdade. Nessa época, o cavalheirismo e a proteção eram ideais românticos e muito admirados, que o cavaleiro representa.

A cena transmite uma sensação de segurança e respeito, sugerindo um ideal de relação onde esses valores são centrais. Ela nos faz pensar se esses ideais ainda têm espaço no mundo de hoje.

A imagem atrai pela beleza e pelos valores que evoca, que continuam inspirando.

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*Observando esta obra de arte, notamos duas figuras: Nanã e seu filho Omolu, que compartilham uma conexão simbólica através da luz emanando de suas mãos. Na cultura africana, eles representam mãe e filho. No entanto, durante sua infância, Omolu foi abandonado pela mãe devido a uma doença de pele. Anos mais tarde, ao reencontrá-la já adulto, ele a perdoou, pois compreendeu que o amor materno é único e insubstituível.

*A história por trás desta arte revela que Omolu foi deixado por sua mãe quando pequeno por conta de sua condição. Ele foi acolhido por outra mulher, Iemanjá. Contudo, ao reencontrar sua mãe anos depois, Omolu percebeu que o rancor não traz benefícios. Assim, ele a ama incondicionalmente, independentemente do passado. Essa obra transmite uma mensagem poderosa: devemos sempre cultivar o amor ao próximo, independentemente das circunstâncias.

*Escolhi esta arte porque considero a história cultural que a envolve extremamente bonita. Ela nos convida à reflexão sobre o ódio e nos questiona se vale a pena nutrir sentimentos negativos em relação aos outros.

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2024/30/10/ Adm111 Geovana do nascimento 

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2024/30/10/ Adm111 Geovana do nascimento 

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A noite estrelada

- Elementos: Linhas sinuosas, cores vibrantes (azul, verde, amarelo), pinceladas expressivas.

- Princípios: Harmonia, contraste, movimento.

- Efeitos visuais: Profundidade, textura, luminosidade.

- Contexto histórico: Pós-impressionismo (1889), influência do Impressionismo.

- Referências: Paisagem noturna, estrelas, lua crescente, simbolismo religioso/cosmológico.

- Significado cultural: Representação da natureza, busca pela espiritualidade.

- Sentido: Sentimento de pequenez diante do universo, conexão com o infinito.

- Efeitos emocionais: Serenidade, admiração, contemplação.

- Significado psicológico: Busca pela transcendência, equilíbrio entre caos e ordem.

Escolhi "A Noite Estrelada" por sua beleza icônica, expressividade e profundidade simbólica. A obra representa a capacidade da arte de evocar emoções e reflexões, conectando-nos com a natureza e o universo

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- Na obra "Madame X", feita por John Sargent, podemos observar diversos elementos e princípios artisticos. Dentre eles, destaca-se o uso de cores escuras em contraste com a pele clara da mulher. Ela se apresenta escorada em uma mesa de madeira posando com um vestido polêmico para a época, constituído por um fundo decote e a finas alças que expuseram sua região do colo. Também é possível perceber em uma de suas mãos, uma aliança.

- A pintura foi finalizada em 1884, eternizando Virginie Amélie Avegno Gautreau (conhecida como Madame X), pelas mãos de Sargent e se enquadra no estilo artístisco "Realismo".

Com mais de 30 estudos e diversos meses de duração, o retrato tornou-se um desafio pelo entediamento de Gautreau. Embora fosse recheada de expectativas, a obra não foi bem aceita pela sociedade em razão da sensualidade excessiva para os demais. Atualmente, é considerada a obra mais icônica do artista.

- O significado da obra, a meu ver, se dá pela autoconfiança da mulher, sua pose que representa quem ela é. Apesar de muito julgados, a modelo e o pintor acreditavam que se tratava de uma obra prima que representava a ilustre presença de Gautreau.

Eu escolhi esse retrato porque, apesar de antigo, ele ainda é atual. Por não se encaixar em padrões impostos por todos, a mulher foi desonrada. Ainda podemos dizer que vivemos em um mundo com tais pensamentos e isso deve trazer uma reflexão para nós.

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-Nota-se que a cena ocorre em um ambiente fechado que lembra uma sala de jantar . No fundo há 3 janelas que deixam entrar luz e dão uma sensação de profundidade a obra

-A obra representa um dos momentos mais importantes da narrativa cristã: a Última Ceia de Jesus Cristo com seus apóstolos, na qual ele revela que será traído

-A obra traz a tona questionamentos sobre o destino, o livre-arbítrio e a natureza da traição humana. A figura de Judas pode ser vista como um símbolo da fragilidade moral, por outro lado jesus ,sabendo da iminente traição de judas demonstra serenidade Esse contraste entre o conflito interno de Judas e a serenidade de Cristo reflete a dualidade humana diante dos dilemas morais

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_ De primeira percebo as cores da pintura, vejo que ele usou cores primas e usou cores que se saiu super bem, dps analiso com calma os detalhe que possui na pintura.

_"O Quarto de Van Gogh" é uma famosa pintura de Vincent van Gogh, criada em 1888. A obra retrata o quarto do artista na Casa Amarela em Arles, na França. A composição destaca cores vibrantes e um uso expressivo de perspectiva, refletindo o estado emocional de Van Gogh.

O quarto é representado de forma não convencional, com móveis distorcidos e uma paleta dominada por tons de amarelo e azul. A pintura simboliza a busca por conforto e a solidão do artista. Van Gogh fez várias versões da obra, cada uma com suas particularidades, mas todas transmitindo sua profunda conexão com o espaço pessoal. Essa pintura é considerada um marco do pós-impressionismo.

_ Acredito que transmite uma sensação de intimidade e solidão. A perspectiva distorcida e as cores vibrantes evocam a intensidade emocional do artista, refletindo sua busca por um refúgio pessoal. Os móveis, quase surrealistas, sugerem uma realidade interna mais do que uma representação de um quarto.

_ acabei escolhendo essa pintura pelas cores vibrantes e simboliza a busca por conforto e a solidão do artista.

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Obra feita por: John Singleton Copley

•Nível primário de percepção

Eu vejo quatro pessoas empurrando uma espécie de carruagem e tem um homem em cima dela segurando um tridente e uma esfera. Também percebi que a os tons de azul e dourado são muito presentes e as linhas das ondas são muito bem trabalhadas. As formas são bem realistas e a anatomia dos personagens foi feita com muitos detalhes.

•Nível secundário

A pintura faz uma alusão ao deus Netuno, o deus romano do mar da mitologia Romana (tbm conhecido como Poseidon na mitologia grega), tbm simbolizando o poder e o controle sobre os mares, um tema relevante para a nação marítima da Grã-Bretanha na época. Dito isso, a obra pode ser interpretada como uma celebração do poder naval britânico, especialmente relevante durante um período de expansão e exploração marítima da época.

•Nível terciário

A obra pode ser vista como uma representação do poder do deus dos mares. Netuno, como deus dos mares, representa a força incontrolável da natureza e a autoridade suprema dos oceanos. A pintura pode simbolizar a relação entre a humanidade e o mar.

• eu escolhi essa obra porque assim que eu a olhei me lembrei do deus Poseidon e acabei me atraindo, as cores e os detalhes também me chamaram bastante atenção. A pintura como um todo me atraiu muito.

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- Inicialmente vejo uma imagem desesperadora com iluminação clara-escura, um corpo mutilado enquanto é devorado e destroçado por um grande homem com expressão terrível em seu olhar.

- A obra faz parte da série de pinturas negras, feita por Francisco de Goya, o quadro representa Cronos, Deus do tempo na mitologia grega (Saturno na mitologia romana) devorando um de seus filhos. O tema está relacionado com a melancolia e destruição, traços presentes nas pinturas negras. O corpo destroçado ocupa o centro da composição assim como em Judite e Holofernes um dos temas centrais é o do corpo mutilado.

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Na pintura observamos uma figura central volumosa, que se destaca pelo exagero nas proporções. Os elementos como as formas arredondadas e a paleta de cores vibrantes criam um impacto visual marcante. A composição é equilibrada, com a figura ocupando um espaço central que chama a atenção do espectador. O uso do contraste entre as cores quentes e frias, além da aplicação de sombras sutis, enfatiza a tridimensionalidade da figura. A textura também é relevante, uma vez que a pincelada característica de Botero dá uma sensação tátil à obra. A obra de Botero é uma crítica e uma releitura da pintura renascentista. Ao reinterpretar a icônica "Mona Lisa" de Leonardo da Vinci, Botero insere elementos da cultura latino-americana, refletindo uma identidade própria e uma maneira de abordar temas universais como a beleza e a gordura. Essa obra dialoga com a história da arte, se opondo a ideia de idealização e proporcionando um comentário social sobre os padrões de beleza, ao mesmo tempo que homenageia um dos mestres da pintura. O contexto histórico, marcado por um renascimento cultural na América Latina, também influencia essa leitura. A obra provoca uma reflexão sobre o conceito de beleza e aceitação. A figura bizarra porem erotica  pode evocar sentimentos de desconforto ou estranhamento, mas também de empoderamento e amor próprio. A expressão facial serena da "Mona Lisa" de Botero, embora caricata, convida o espectador a contemplar a própria visão sobre a estética e o que significa ser belo. A presença da figura em um cenário familiar sugere uma conexão com a intimidade e a vida cotidiana, instigando emoções que vão desde a alegria até a curiosidade. O significado da obra, portanto, transcende o mero visual, estimulando um diálogo sobre a diversidade da experiência humana. Escolhi esta pintura pois gosto muito da forma que o o pintor Fernando Botero satiriza o preconceito com corpos reais trazendo uma reflexão grandiosa sobre o tema e ao mesmo tempo faz uma reeleitura magnifica e um tanto abstrata de uma das maiores obras de artes já criadas, usando formas exageradamente redondas ( que são sua marca registra) capaz de tornarnala em algo nostálgico porem unico, aplicando sua tecnica e personalidade diferenciada.

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Info 111- Eduardo Gouveia Vidal de Souza 

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Info 111- Eduardo Gouveia Vidal de Souza 

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- Na imagem eu vejo três pessoas em um telhado, onde estão possivelmente trabalhando ou vigiando as redondezas do castelo onde seu clã ficava, ja que na época havia algumas batalhas travadas entre clãs. A obra contém cores predominante saturadas e quentes, mostrando uma paisagem montanhosa e com a presença de várias árvores.

- Em questão histórica e cultural, podemos notar a estrutura do prédio onde eles estão, que é bem antiga e característica do período de 1833, Toyokawa era um distrito militarmente importante e passava por períodos de batalhas entre clãs que habitavam esses castelos, e em minha visão os homens estão ali para consertar algo e vigiar as redondezas, porém não deixam de apreciar a linda vista para a natureza e desfrutar do momento.

- a obra provoca emoções de uma certa reflexão e tristeza, suas cores fazem com que a arte pareça algo mais nostálgico e que nos faça pensar sobre o que realmente quer nos transmitir.

- Eu escolhi essa obra, pois ela me chamou atenção pelo fato de ser uma imagem com aspecto mais antigo e que tem seu lado que parece ser triste, mas ao mesmo tempo conter uma paisagem tão linda, o que me reflete a novos caminhos.

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Toyokawa Bridge, Yoshida, from the series the Fifty-three Stations of the Tokaido (Hoeido edition) - Utagawa Hiroshige - Google Arts & Culture

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Toyokawa was a militarily important district, so up until the Edo Period there was no end to the number battles fought here. The walls being refurbished ar…

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Na pintura observamos uma figura central volumosa, que se destaca pelo exagero nas proporções. Os elementos como as formas arredondadas e a paleta de cores vibrantes criam um impacto visual marcante. A composição é equilibrada, com a figura ocupando um espaço central que chama a atenção do espectador. O uso do contraste entre as cores quentes e frias, além da aplicação de sombras sutis, enfatiza a tridimensionalidade da figura. A textura também é relevante, uma vez que a pincelada característica de Botero dá uma sensação tátil à obra. A obra de Botero é uma crítica e uma releitura da pintura renascentista. Ao reinterpretar a icônica "Mona Lisa" de Leonardo da Vinci, Botero insere elementos da cultura latino-americana, refletindo uma identidade própria e uma maneira de abordar temas universais como a beleza e a gordura. Essa obra dialoga com a história da arte, se opondo a ideia de idealização e proporcionando um comentário social sobre os padrões de beleza, ao mesmo tempo que homenageia um dos mestres da pintura. O contexto histórico, marcado por um renascimento cultural na América Latina, também influencia essa leitura. A obra provoca uma reflexão sobre o conceito de beleza e aceitação. A figura bizarra porem erotica  pode evocar sentimentos de desconforto ou estranhamento, mas também de empoderamento e amor próprio. A expressão facial serena da "Mona Lisa" de Botero, embora caricata, convida o espectador a contemplar a própria visão sobre a estética e o que significa ser belo. A presença da figura em um cenário familiar sugere uma conexão com a intimidade e a vida cotidiana, instigando emoções que vão desde a alegria até a curiosidade. O significado da obra, portanto, transcende o mero visual, estimulando um diálogo sobre a diversidade da experiência humana. Escolhi esta pintura pois gosto muito da forma que o o pintor Fernando Botero satiriza o preconceito com corpos reais trazendo uma reflexão grandiosa sobre o tema e ao mesmo tempo faz uma reeleitura magnifica e um tanto abstrata de uma das maiores obras de artes já criadas, usando formas exageradamente redondas ( que são sua marca registra) capaz de tornarnala em algo nostálgico porem unico, aplicando sua tecnica e personalidade diferenciada.

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O Quarto em Arles (1888) de Vincent Van Gogh.

-A obra apresenta os aposentos do pintor na época em que morou em Arles,na França.

A imagem cria uma relação entre as cores vibrantes e distorcidas e a sensação de conforto e aconchego, e ao mesmo tempo trazendo consigo um conflito emocional.

-Essa obra reflete uma sensação de familiaridade e conforto ao contemplar um ambiente tão comum no cotidiano, mas também gera um conflito emocional e reflexivo, Vincent buscou expressar as suas sensações vividas naquele tempo.

Van Gogh utilizou da perspectiva desequilibrada do seu quarto e das representações realistas da tradição artística holandesa.

-Ao olharmos a pintura,logo remetemos a um ambiente de descanso, mas ao lembramos de todos os conflitos que escondemos dentro do cômodo nós podemos observar a filosofia contida ali,que vem com a segurança e a familiaridade do ambiente.

-Escolhi essa imagem pois pude analisar os conflitos e questões da alma,e como nós associamos lugares a memória e sentimentos que muitas vezes não expressamos para pessoas, mas optamos por "consultar o nosso travesseiro".

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Percepção primária:É uma sala com uma varanda,comida na mesa e uma pessoa ao fundo,uma pintura muito colorida
História da obra:Em 1912 Pierre Bonnard(pintor da obra) comprou uma casa no campo em Verbon,esse cômodo era a sala de jantar de sua casa e a pessoa ao fundo era sua esposa
Percepção psicológica:Essa obra para mim passa uma imagem de paz e tranquilidade,uma casa no campo serena e confortável
Eu escolhi essa obra por conta de sua estética colorida e na minha visão é uma arte muito bela

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afresco de 280 cm x 570 cm, pintado por Michelangelo Buonarroti por volta de 1511, que fica no teto da Capela Sistina. A cena representa um episódio do Livro do Gênesis no qual Deus cria o primeiro homem a partir do pó da terra: Adão.

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Elementos e princípios:

Adão é retratado no ambiente terrestre enquanto Deus aparenta estar flutuando no céu cercado por seres angelicais, que junto a ele formam o que se parece a um cérebro humano.

Referências e contexto histórico:

Renascimento cultural, Humanismo e Racionalismo

Sentido, efeitos emocionais e significado:

A obra tenta representar a criação de Adão, o primeiro homem, que segundo o livro bíblico, foi criado à semelhança de Deus ,sendo perceptível a simetria que ambos os personagens possuem em relação ao outro. Essa foi a primeira obra em que um artista consegue expressar todo o mistério, espontaneidade e, ao mesmo tempo, força divina no ato da criação.

Eu escolhi essa obra, porque é uma das poucas que conseguiram fazer uma excelente representação da criação do homem possuindo então um belo significado e detalhes minuciosos que demonstram a atenção e o cuidado que Michelangelo teve ao faze-la.

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Raiva, o Atirador de Flores de Banksy, 2005

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Ao observar essa obra é possivel perceber um homem com uma bandana escondendo seu rosto e de boné para trás, sua postura corporal de ódio indica uma pessoa prestes a lançar um coquetel molotov, ele está mirando e pronto para atirar sua arma. No entanto, em vez de uma arma, ele segura um buquê de flores (que é única parte do mural que aparece cor). Ao substituir a arma por flores, o artista está defendendo a paz.

Essa arte carrega mensagens de importância social. A ideia de que devemos defender e cultivar a paz ao invés de conflitos. Além disso, o buquê também pode representar uma homenagem as vidas perdidas no longo conflito israelense-palestino.

A obra provoca grande reflexão. A postura de força do homem ao atirar o buquê de flores, destaca o sentimento de raiva afim de ferir alguém ou algo, quando na verdade, esse sentido muda completamente ao enxergar as flores, que são inofensivas e simbolizam intenções boas e positivas a alguém. Isso nos faz refletir sobre o significado de transmitir o amor e a paz para as pessoas e não o ódio e a guerra.

Eu escolhi essa imagem pelo impacto que ela transmite ao observar o desenho e a curiosidade de entender a mensagem que ela quer passar e também porque já conhecia o artista e sabia que suas obras faziam um apelo social e isso me desperta interesse.

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Desert Scene - Francisco Lameyer Berenguer, 1863

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Ao se observar esta obra notamos uma paisagem desértica com varias pessoas de diferentes idades caminhando, e duas outras em camelos. Os personagens estão levando consigo diversos objetos sendo alguns, recipientes.

Na pintura predominam cores quentes e alaranjadas. Percebe-se o cuidadoso contraste entre a sobra e luz que trazem dimensão ao quadro.

Desert Scene foi pintada por Francisco Lameyer um artista espanhol em 1863, enquanto estava em Marrocos com Mariano Fortuny para pintar as pessoas e costumes do Norte da África.

A obra é um dos raros exemplos do romantismo espanhol com clara influência do Oriente.

Com o contraste entre os personagens que se sentem pesados, e o deserto no fundo leve e sereno. A pintura me passa a sensação de cansaço, solidão, e uma certa tensão sustentada pelo olhar impactante de alguns dos personagens.

Conheci esta obra explorando o google arts & culture, a escolhi para fazer este trabalho porque suas cores, detalhes e a forma como o artista utiliza sombra e luz me chamaram a atenção

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Eu acho uma das obras mais icônicas de Van Gogh. Transmite emoções intensas através de algo aparentemente simples, flores. A arte pode comunicar sentimentos complexos e cativar o observador, com algumas formas de interpretação.

Primeiro nível:

paleta de cores quentes, as pinceladas são grossas e bem vistas, textura volumosa. Sobre a composição, os girassóis estão em um vaso, centralizados na tela, com diferentes direções de flores, o que dá movimento à obra.

Segundo nível:

“Os Girassóis" foi pintado durante a época em que Van Gogh estava na França, reflete o período em que ele experimentava o uso de cores vibrantes e luz. Ele criou com a intenção de decorar a casa onde receberia o pintor Paul Gauguin, simbolizando amizade e boas-vindas. Van Gogh utilizava cores de forma inovadora, rompendo com o realismo e dando início ao pós-impressionismo, que enfatizava a expressão emocional do artista.

Terceiro nível:

A obra transmite uma sensação de alegria mas também um certo drama, refletindo o estado emocional de Van Gogh, que tinha uma vida marcada por conflitos internos. A repetição dos girassóis e o uso excessivo do amarelo podem sugerir obsessão ou uma busca por beleza na simplicidade. A pintura é como se refletisse o próprio conflito do artista entre sua paixão pela vida e seu sofrimento pessoal.

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Eu acho uma das obras mais icônicas de Van Gogh. Transmite emoções intensas através de algo aparentemente simples, flores. A arte pode comunicar sentimentos complexos e cativar o observador, com algumas formas de interpretação.

Primeiro nível:

paleta de cores quentes, as pinceladas são grossas e bem vistas, textura volumosa. Sobre a composição, os girassóis estão em um vaso, centralizados na tela, com diferentes direções de flores, o que dá movimento à obra.

Segundo nível:

“Os Girassóis" foi pintado durante a época em que Van Gogh estava na França, reflete o período em que ele experimentava o uso de cores vibrantes e luz. Ele criou com a intenção de decorar a casa onde receberia o pintor Paul Gauguin, simbolizando amizade e boas-vindas. Van Gogh utilizava cores de forma inovadora, rompendo com o realismo e dando início ao pós-impressionismo, que enfatizava a expressão emocional do artista.

Terceiro nível:

A obra transmite uma sensação de alegria mas também um certo drama, refletindo o estado emocional de Van Gogh, que tinha uma vida marcada por conflitos internos. A repetição dos girassóis e o uso excessivo do amarelo podem sugerir obsessão ou uma busca por beleza na simplicidade. A pintura é como se refletisse o próprio conflito do artista entre sua paixão pela vida e seu sofrimento pessoal.

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1- A figura humana de forma desproporcional,com uma cabeça pequena, pés enormes e uma mão gigantesca destacando-se contra o fundo minimalista. Há cores vibrantes e contrastantes,como o azul do céu,verde do cacto, típicos do modernismo.

2-Esta obra é uma obra central do movimento modernista do Brasil,q passava por um momento de busca de identidade cultural. A figura desproporcional representa o " homem brasileiro" conectado a terra e suas raízes.

3- A imagem desperta uma série de interpretações e sentimentos. A figura grande e estranha pode causar um certo desconforto nos levando a refletir sobre o que reapresenta . Ela convida o espectador a contemplar sua própria relação com a cultura e origem

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Daniel in the Lions' Den de Peter Paul Rubens 

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– observando essa pintura focada nos elementos visuais e princípios artísticos usados por Rubens. A composição é centrada em Daniel, que está em uma posição de oração, cercado por leões realistas. Os leões são representados com detalhes vívidos, criando uma sensação de proximidade e tensão. O uso de luz e sombra destaca Daniel e acentua a ameaça dos leões, intensificando a emoção da cena gerando um senso de movimento e urgência, envolvendo o espectador na ação.

– a interpretação cultural considera o contexto histórico da obra. O quadro retrata a história bíblica de Daniel, que foi lançado na cova dos leões por adorar a Deus. Este relato simboliza fé e resistência, especialmente relevante durante a Reforma, quando a Igreja Católica buscava inspirar os fiéis com exemplos de perseverança.

– a interpretação psicológica explora os efeitos emocionais da obra. A postura de Daniel expressa vulnerabilidade e fé inabalável, provocando empatia no espectador, convidando à reflexão sobre como as pessoas enfrentam desafios extremos em suas vidas ,a cena traz sentimentos de medo e alívio com os espectadores sentindo a tensão do momento em que Daniel está cercado pelos leões intensificando o perigo e reforçando a fragilidade da vida humana.

–Eu escolhi essa obra por retratar uma história bíblica muito conhecida do jovem Daniel que foi lançado na cova dos leões, Daniel nos ensina com sua vida que podemos buscar sabedoria e fé em Deus em todas as circunstâncias.

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- A paleta é rica em verdes, azuis e tons terrosos, criando uma atmosfera natural e envolvente. Os tons vibrantes das flores contrastam com a figura de Ofélia, acentuando sua fragilidade.

A figura de Ofélia flutua entre as águas e as flores, criando um efeito quase etéreo. A simetria e a harmonia visual guiam o olhar do espectador pela cena.

Os detalhes meticulosos das flores e da água demonstram a habilidade técnica de Millais, tornando a obra quase tátil.

- Millais foi um dos fundadores da Irmandade Pré-Rafaelita, que buscava uma volta à natureza e à sinceridade na arte. "Ofélia" é um exemplo perfeito do ideal pré-rafaelita, com sua atenção aos detalhes naturais.

A obra é inspirada na tragédia "Hamlet", de Shakespeare. A cena captura o momento em que Ofélia, tomada pela loucura e pela dor, se afoga, refletindo temas de amor, perda e morte.

A imagem de Ofélia cercada por flores pode simbolizar tanto a beleza efêmera da vida quanto a morte.

- A obra provoca uma sensação de melancolia e tranquilidade, ao mesmo tempo que evoca uma profunda tristeza. A serenidade da cena contrasta com a tragédia da história de Ofélia.

Ofélia representa a fragilidade da vida e a luta interna entre o amor e a dor. A sua morte é tanto um ato de libertação quanto um trágico destino, o que leva o espectador a refletir sobre os temas universais da vida e da morte.

Escolhi "Ofélia" por sua beleza e complexidade emocional. A forma como Millais captura a fragilidade da personagem e a riqueza da natureza me fascina. Além disso, a conexão com a literatura de Shakespeare e a profundidade psicológica da obra geram uma reflexão sobre a condição humana, o que a torna relevante e impactante até hoje.

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Ofélia, por: Sir John Everett Millais em 1851-1852.

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Cores: A paleta é rica em verdes, azuis e tons terrosos, criando uma atmosfera natural e envolvente. Os tons vibrantes das flores contrastam com a figura de Ofélia, acentuando sua fragilidade.

Composição: A figura de Ofélia flutua entre as águas e as flores, criando um efeito quase etéreo. A simetria e a harmonia visual guiam o olhar do espectador pela cena.

Textura: Os detalhes meticulosos das flores e da água demonstram a habilidade técnica de Millais, tornando a obra quase tátil.

Romantismo e Pré-Rrafaelitas: Millais foi um dos fundadores da Irmandade Pré-Rafaelita, que buscava uma volta à natureza e à sinceridade na arte. "Ofélia" é um exemplo perfeito do ideal pré-rafaelita, com sua atenção aos detalhes naturais.

Literatura: A obra é inspirada na tragédia "Hamlet", de Shakespeare. A cena captura o momento em que Ofélia, tomada pela loucura e pela dor, se afoga, refletindo temas de amor, perda e morte.

Simbolismo: A imagem de Ofélia cercada por flores pode simbolizar tanto a beleza efêmera da vida quanto a morte.

Efeitos emocionais: A obra provoca uma sensação de melancolia e tranquilidade, ao mesmo tempo que evoca uma profunda tristeza. A serenidade da cena contrasta com a tragédia da história de Ofélia.

Sentido e significado: Ofélia representa a fragilidade da vida e a luta interna entre o amor e a dor. A sua morte é tanto um ato de libertação quanto um trágico destino, o que leva o espectador a refletir sobre os temas universais da vida e da morte.

Escolhi "Ofélia" por sua beleza e complexidade emocional. A forma como Millais captura a fragilidade da personagem e a riqueza da natureza me fascina. Além disso, a conexão com a literatura de Shakespeare e a profundidade psicológica da obra geram uma reflexão sobre a condição humana, o que a torna relevante e impactante até hoje.

Por: Emanuely Souza Marins INFO111

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-É possível ver uma mulher sentada em um móvel que lembra um sofá, aparentemente envergonhada dramaticamente, com cores pálidas no fundo e em primeiro plano mais quentes, possuí pinceladas que dão detalhes aos elementos principais e delicadeza ao seu vestido

-A obra representa a mitologia grega de Ariadne, que diz sobre o amor, traição e abandono, ela ajuda Teseu (outro ser mitológico) a derrotar o minotauro (um monstro também mitológico) e logo após é deixada na ilha de Naxos.

-A obra provoca empatia por Ariadne, por representa-la solitária que acaba conectando as experiências humanas universais de abandono e de ser usado, nos fazendo refletir sobre o amor, o abandono e o desejo de se sentir pertencido.

- Escolhi essa obra pois consegue ser um ótimo exemplo de como podemos usar a arte para expressar emoções complexas e ajuda a absorver melhor as emoções/sentimentos que a história que obra quer contar/ passar. E essa artista, Angelica Kauffman, retratou a condição feminina em contextos mitológicos oferecendo uma perspectiva interessante sobre a representação das mulheres na arte.

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Ficheiro:Angelica Kauffmann - Ariadne Abandoned by Theseus - Google Art Project.jpg – Wikipédia, a enciclopédia livre

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Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre.

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O Nascimento de Vênus - Sandro Botticelli

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O Nascimento de Vênus - Sandro Botticelli

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- Eu vejo uma moça nua em cima de uma concha no mar sendo assoprada por um homem que está segurando outra mulher e sendo abanada por outra mulher que está a sua direita.

- A obra foi provavelmente encomendada e foi feita durante o Renascimento. Botticelli ficou muito famoso graças a essa e outras obras dele durante esse período.

- A obra representa a deusa Vênus emergindo das águas como forma de demonstrar o renascimento do amor e da beleza no mundo.

- Escolhi essa obra, por conta da aula de História. Queria saber mais sobre a obra, fiquei curioso. Além de achar a obra bonita e muito interessante.

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-Na obra “Dama com Arminho” de Leonardo Da Vinci, eu percebo no nível primário a presença de uma mulher jovem, talvez de 1400-1500, segurando um animal chamado Furão, com cores mais escuras talvez para retratar uma solidão ou um contraste.

-O duque de Milão, Ludovico Sforza, encomendou este retrato. Nele, Leonardo retrata a amante de Sforza, Cecília Gallerani, de dezesseis anos (Sforza com quase trinta anos). Ela olha para a direita, como se sua atenção tivesse sido capturada por algo fora da moldura da imagem. Ela tem um olhar de equilíbrio e conhecimento, o que é excepcional para uma jovem de tão tenra idade. O sorriso ligeiramente tímido parece sugerir sua confiança em sua posição na Corte e o conhecimento do poder de sua beleza inata. Ela segura um arminho, portador da pele que foi usada no brasão de Sforza. O arminho era um símbolo de pureza, e sua inclusão provavelmente representava a fidelidade de Cecília ao duque.

-enxergo no nível terciário uma mulher que no ápice da sua “adolescência “( como diríamos hoje em dia), em uma paixão ilusória por um Duque, acredita que poderia entrar para a corte e viver no mundo nobre.

-Escolhi essa imagem pois acho interessante o contexto histórico dela e de como ela foi feita, além de ser muito bonita.

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Em primeira mão, ao observar a imagem, vemos cinco pessoas sentadas comendo batatas, porém as mesmas possuem rostos indiferentes mas que possuem um fundo de tristeza. Observamos também tons escuros, triste e nada vibrantes. Importante ressaltar o ambiente, aparentemente uma casa não muito aconchegante, onde deixa claro o ar de "desespero" e falta de cuidados. Ao repararmos no centro vemos a luz que se sobressai na pintura e que fica bem em cima da mesa, onde deixa mais claro as batatas, enquanto ao redor a luz não causa tanto destaque.

Essa obra tem uma abordagem realista e se contrapõe à idealização romântica da natureza. A obra diz muito sobre os camponeses, as suas expressões marcadas dizem muito sobre a realidade que muitos viviam antigamente, reflete as questões econômicas da época e sobre a exploração dos trabalhadores da classe rural. Essa obra faz com que criemos uma conexão com a situação da época e nos faz criar uma solidariedade e atento com a situação que acontece até os dias de hoje. A obra em si faz com que possamos refletir a situação miserável e desigual que tantas pessoas vivem e já viveram.

Ao vermos as pessoas na mesa olhando umas para as outras, podemos ver que seu olhar nos passa uma sensação de agonia e possivelmente falta de esperança de uma vida melhor. A imagem também retrata um vazio escondido, uma solidão, algo deixado nas entrelinhas, um sentimento reprimido. O fato deles apenas comerem as batatas sem interagirem entre si, onde apenas se olham faz com que eles demonstrem uma certa falta de intimidade, falta de compreensão e amizade entre eles.

Eu escolhi essa obra pois é uma obra que transparece acontecimentos históricos. Me chamou atenção pelo entrosamento das cores, com um aspecto sombrio e também duvidoso, algo difícil de se interpretar em uma única olhada. Uma obra diferente que retrata tanta tristeza e dificuldade mas que ainda assim tem sua beleza, é uma obra que chama muita atenção e que nos faz querer interpretá-la a qualquer custo.

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-Guernica é um quadro a príncipio confuso, Muitos personagens que aparentam não sentido sobre a superfície, não ter nexo. -Apesar disso, O quadro representa o periodo histórico da Guerra Civil Espanhola (1936-1939). O pintor Pablo Picasso se inspirou no bombardeio da cidade que deu nome ao quadro, Guernica. -O desespero dita o sentimento da obra, a luz acesa sob a cabeça dos personagens é uma representação da bomba, uma pessoa despedaçada e com sua espada quebrada, cidadãos correndo, um homem com medo se escondendo atrás de uma porta, um cavalo gritando mostrando que nem animais podem fugir dos conflitos dos Homens. E, por fim, uma mãe com a sua criança morta no colo. Tudo isso serve pra demonstrar que o sofrimento de uma guerra pode ser tanto nacional quanto indívidual, não a dados para medir os danos de um ataque militar, da morte, da perda de alguém. - Eu escolhi esse quadro porque ele representa de forma cruel e real, uma cena que não pode ser descrita e nem pintada de forma realística, porque não da pra sentir algo tão agoniante e surreal sem ser surrealista. Existem muitos quadros de guerra que não passam o nervosimo que Guernica passa. Vicente Duque.

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A obra "campo de trigo com corvos" de Van Gogh é uma obra em que como o nome diz, mostra um campo de trigo com corvos, que estima se ter sido criada nos últimos momentos de vida pelo mesmo, sendo uma das obras de Van Gogh em que mais se sente o sentimento de solidão.

No contexto dessa obra como descrito acima, ela foi pintada por Van Gogh em seus últimos momentos antes de morrer atirando a si mesmo por causa de seu estado mental na época.

Essa obra faz um grande pape em mostrar o sentimento de liberdade e ansiedade,

Liberdade pois por conta dos acontecimentos com Van Gogh, ele ficou internado em 2 hospícios no final da sua vida, um bom paralelo para a gente entender o sentimento que ele sentiu, é pensar na pandemia e como nos sentimos, então passa essa ideia de liberdade pois no contexto ele estava pintando no campo sentindo o vento e ouvindo os pássaros

Ansiedade pois os corvos na imagem dão a sensação que o Van Gogh já sabia que ele não viveria por muito tempo, e faz a gente refletir sobre o estado mental da pessoa, e que ela pode estar a só 1 passo de ser achada pelos corvos

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No quadro "Morro da Mangueira", Heitor dos Prazeres apresenta uma obra vibrante e cheia de vida, que captura a essência da comunidade carioca. A paleta de cores fortes e intensas e as formas dinâmicas transmitem energia e movimento, enquanto a composição em perspectiva oferece uma visão profunda e panorâmica do morro.

Em 1960, o Rio de Janeiro vivia mudanças importantes com a transferência da capital para Brasília, o que visava um desenvolvimento mais equilibrado do país. A cidade enfrentava problemas de pobreza e desigualdade, com o crescimento das favelas, como o Morro da Mangueira, símbolo da cultura popular e do samba. Heitor dos Prazeres retratou a vida e a cultura das favelas em suas obras, especialmente no quadro "Morro da Mangueira", destacando o samba e a resistência cultural dessas comunidades, em um período marcado por transformações políticas e sociais.

Esta obra é um testemunho da vida cotidiana na favela do Morro da Mangueira, um ícone de resistência cultural e símbolo da rica herança popular brasileira e negra. Como um dos precursores do samba, Heitor dos Prazeres homenageia a identidade carioca, entrelaçando-se com as raízes musicais e dançantes que definem a cidade, e consequentemente, o próprio Morro da Mangueira.

Além disso, a obra aborda questões de identidade, destacando a cultura, a história e as experiências dos afro-brasileiros em um contexto de mudanças sociais e políticas. Através da arte, Heitor dos Prazeres celebra a diversidade e a resiliência da comunidade, deixando um legado na cultura brasileira.

Escolhi essa obra por representar o berço de grandes nomes do samba, como Cartola, Nelson Cavaquinho, Nelson Sargento, Carlos Cachaça e outros e lar da Estação Primeira de Mangueira, escola qual admiro muito e é madrinha da Acadêmicos do Salgueiro, minha escola de coração.

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Nível Primário: A obra mostra um quarto simples com cores vibrantes (amarelo, azul, vermelho) e linhas distorcidas, que criam contraste e movimento. A perspectiva inclinada dá uma sensação subjetiva, rompendo com a realidade objetiva.

Nível Secundário: Representa o quarto de Van Gogh em Arles, refletindo o desejo de um espaço próprio e acolhedor, além de marcar o período em que ele buscava estabilidade e amizade com outros artistas.

Nível Terciário: A obra transmite uma sensação de solidão e fragilidade emocional. A simplicidade e a intensidade das cores sugerem um ambiente íntimo e introspectivo, refletindo o estado emocional de Van Gogh.

Escolhi a imagem porque demonstra sentimentos e é uma magnífica representação.

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a interpretação fisiológica da obra se concentra nos elementos visuais e nos princípios que a compõem. "A Noite Estrelada" é marcada por um uso intenso de cores vibrantes, especialmente os azuis profundos e os amarelos brilhantes das estrelas e da lua. As pinceladas de Van Gogh são expressivas e quase turbulentas, criando uma sensação de movimento no céu noturno. As formas das árvores e do vilarejo contrastam com o movimento do céu, trazendo uma dinâmica visual que atrai o olhar. A luz parece pulsar nas estrelas, provocando uma sensação boa que envolve as pessoas pra ver a obra.

A interpretação psicológica da obra foca nos sentimentos e significados que ela evoca. "A Noite Estrelada" é frequentemente interpretada como uma expressão da busca por esperança em meio ao desespero. O céu estrelado pode simbolizar anseios e sonhos, enquanto as formas distorcidas refletem a turbulência emocional dele. A obra provoca uma muitas emoções na pessoas : desde a contemplação da beleza do cosmos até a tristeza pela luta pessoal de Van Gogh. Essa dualidade entre beleza e dor ressoa profundamente com muitas pessoas, tornando a pintura não apenas uma representação visual, mas também um espelho.

Escolhi "A Noite Estrelada" porque é uma das obras mais icônicas da história da arte e encapsula perfeitamente a essência da luta interna de Van Gogh com sua saúde mental e sua busca por beleza em meio ao caos. A combinação única de cores vibrantes e formas expressivas faz com que essa pintura seja não apenas visualmente impactante, mas também emocionalmente. Ela nos convida a refletir sobre nossas próprias experiências e sentimentos, mostrando como a arte pode capturar a complexidade da condição humana.

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1:olhando essa obra eu vejo um céu azul com casas de diversas cores

2:a arte me passa uma sensação de expressão de sentimento e cultura

3:Noite Estrelada não é apenas uma representação do céu noturno, mas uma visão que reflete os sentimentos interiores do artista, sua luta com a saúde mental e sua busca por significado e paz

4:pelas cores,e por ser uma obra bonita

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1. Na obra: "A Última Ceia" percebo uma composição equilibrada, uso intenso de simetria e perspectiva linear que direcionam o olhar para o centro, onde Jesus está. A obra usa contrastes de luz e sombra para enfatizar as figuras, com detalhes nos gestos e expressões dos apóstolos.

2. A obra retrata o momento da última ceia de Jesus com seus discípulos, como descrito na Bíblia. Pintada no período renascentista, reflete valores da época, como a busca pelo realismo e a investigação das emoções humanas. Foi encomendada para o refeitório de um convento em Milão, reforçando seu valor religioso e cultural.

3. A obra evoca tensão e dramatismo, especialmente no momento em que Jesus revela a traição de um dos apóstolos. Transmite sentimentos de surpresa, tristeza e reflexão sobre a condição humana, explorando a lealdade, o sacrifício e a traição.

4. Eu escolhi esta obra, pelo fato de eu sempre ter admirado esta obra e ter sido influenciado religiosamente pelo meus avós.

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A Noite Estrelada" de Van Gogh é uma obra que, ao ser observada, nos envolve com suas cores vibrantes e formas que parecem se mover. O contraste entre as estrelas brilhantes e o céu escuro nos dá uma sensação de profundidade, como se o céu estivesse vivo. As pinceladas intensas transmitem uma energia única, fazendo com que a pintura nos toque emocionalmente, como se estivéssemos diante de algo cheio de movimento e sentimento.

"A Noite Estrelada" reflete o momento difícil de Van Gogh, quando ele estava em um sanatório, e mostra como ele usava a pintura para expressar suas emoções intensas. Ao invés de retratar a realidade de forma realista, ele opta por mostrar o que sentia, com cores fortes e formas que parecem se mover. A obra também carrega uma busca espiritual, um desejo de se conectar com algo maior, refletindo o clima de transformação da época e o anseio de Van Gogh por encontrar sentido em meio ao caos.

Psicologicamente, "A Noite Estrelada" reflete a luta interna de Van Gogh, expressando sua angústia e solidão através de um céu agitado e cores intensas. A obra transmite o desejo do artista por conexão espiritual e transcendência, mas também a sensação de isolamento e desespero. O contraste entre luz e escuridão simboliza suas emoções contraditórias, e a pintura desperta no espectador uma mistura de inquietação e maravilha, convidando a refletir sobre a complexidade das emoções humanas.

Eu escolhi "A Noite Estrelada" porque tenho um sentimento por ela, sinto emoções quando olho (felicidade)

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1.A obra mostra vários trabalhadores em uma fábrica. Eles têm formas bem simples e geométricas, quase como se fossem peças de uma máquina. O fundo é bem colorido, com tons fortes de vermelho e amarelo, contrastando com as figuras mais escuras.

2. A pintura fala sobre a vida difícil dos trabalhadores nas fábricas, mostrando como eles eram tratados como parte de uma máquina, sem identidade ou liberdade. Tarsila critica a exploração dos operários na sociedade industrial e como o trabalho se torna desumanizante.

3. A sensação que a obra passa é de um certo sofrimento e solidão. As figuras parecem presas à rotina de trabalho, sem poder de escolha. A pintura faz a gente refletir sobre como o sistema da época despersonalizava os trabalhadores, tornando-os apenas peças em uma engrenagem.

Assim, Operários é uma crítica social, mas também uma reflexão sobre a desumanização nas fábricas.

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Ana Gabrielle Ferreira adm111

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PLANO 1

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A obra "O Grito" demostra uma pessoa em pânico, em desespero,surpreso e em termos fisiológicos pode se observar a expressão que aparenta está em desespero.E temos as cores que trazem a sensação de desespero.

A obra trás diversos aspectos artísticos e sociais.Tem como destaque o estado psicológico humano, a angústia existencial

O sentimento que mais se destaca e o desespero,mas tem dor , ansiedade e medo na pintura também.

Eu escolhi essa obra por que, ela e como se fosse um retrato da sociedade atual, muitas pessoas sofrendo ou surpresos com alguma coisa.