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Miroirs, lumière, échelles et ordres de grandeurs... Pour ce nouvel article de sa série "Arts & Sciences", Joël Chevrier a jeté son dévolu sur les oeuvre d'Anish Kapoor, qu'il rapproche des découvertes de Galilée.
Anish Kapoor, le sculpteur britannique d'origine indienne, a produit une série d'œuvres intitulées Sky Mirror. L'une est installée dans le Wellington Circus à Nottingham. Une autre, plus grande, est au Rockfeller Center à New York.
Sky Mirror à New York, vu du Rockefeller Center (crédit : Brad Patrick, 2006 / Wikimedia commons)
Comme on l'observe sur la photo ci-dessus, il s'agit simplement de disques concaves en acier inoxydable poli. Celui de Nottingham est tout de même d'une masse de 10 tonnes pour un diamètre de six mètres. Un joli miroir qui, semble-t-il, ne fut pas simple à réaliser. Les miroirs et les lentilles sont deux piliers de l'optique. Ils sont des outils de base qui permettent de changer la direction des rayons lumineux. Indice optique et lois de Snell-Descartes sont les éléments théoriques de la description. Transmission, réflexion et réfraction, les mots associés. Ce que l'on veut regarder, la manière d'observer, déterminent la façon dont on va construire et assembler ces éléments optiques. Les astros et les microscopistes dans les laboratoires le savent bien. C'est la même chose ici.

Du cristallin aux supernovae

On ne joue pas impunément avec la lumière. Elle apporte dans nos yeux de l'information en images sur le monde à la vitesse... de la lumière. Avoir accès à cette information, la voir, change nos vies. Rien de moins. Mais nous le savons tous tant les images sont toujours plus présentes. Les miroirs et les lentilles nous permettent de voir à différentes échelles : de l'infiniment grand avec le télescope spatial Hubble à l'invisible autour de nous avec des microscopes USB qui coutent moins de vingt euros aujourd'hui. L'imagerie à différentes échelles constitue un des enjeux majeurs de la science depuis toujours. Une préoccupation explicite de Anish Kapoor aussi (1). Il a même abordé la sculpture à l'extérieur avec cette idée, et il a donc fini par construire des miroirs courbes... pour un physicien, cette démarche est une évidence. Ce qu'il en fait au plan artistique est bluffant. Dire pourquoi avec des yeux de physicien est le sujet de cet article.

En jouant avec des miroirs ou des lentilles, on peut explorer des espaces lointains. On le fait grâce à un miroir concave pour Anish Kapoor avec Sky Mirror et aussi avec Hubble, grâce à des lentilles dans les lunettes astronomiques. Aussi grâce à un cristallin aux propriétés incroyables dans chacun de nos yeux, une lentille convergente à focale variable, nous passons en quelques secondes des détails d'un écran de smartphone ou d'un livre, à l'immersion dans un ciel nocturne. La vue est le sens qui nous donne l'expérience immédiate du proche et du lointain. Fermez les yeux, seul reste le proche.
Phases de la Lune dessinées par Galilée en 1616 (Crédit : Wikimedia commons)
L'exemple le plus célèbre de ce jeu, dans lequel un instrument d'optique porte le regard brutalement au delà du visible pour l'homme, est l'observation de la Lune dans le ciel par Galilée avec sa lunette en 1609. Deux références permettent de situer l'importance de l'événement. Il faut tout d'abord revenir au Messager des Etoiles (2) écrit par Galilée. Il s'agit en fait de la toute première page : " Grands, assurément, sont les sujets qu'en ce mince traité je propose à chacun de ceux qui observent la Nature, afin qu'il les examinent et contemplent. Grands, dis je, d'abord en raison de l'importance de la matière même, ensuite en raison de sa nouveauté inouïe au cours des siècles, enfin, également, à cause de l'Instrument grâce auquel ces sujets se sont offerts à notre perception. " Physicien expérimentateur grenoblois, je reste sensible au I majuscule de "instrument". Le même physicien, mais comme enseignant, a toujours noté le " sont offerts à notre perception ". Le résultat de l'observation est, écrit (à peu près) Galilée à la page suivante, que, à son corps défendant, le regardeur de l'époque certainement persuadé que la Lune est une sphère céleste idéale, ne pourra pas ne pas voir qu'elle est comme la Terre, " couverte de tous côtés d'énormes protubérances, de creux profonds, et de sinuosités. " Trop tard dit en substance Galilée, fallait pas regarder... Au choix, regardez ou ne regardez pas. À votre guise, mais si vous regardez la Lune dans la lunette, elle perdra immédiatement son statut de sphère idéale pour devenir terreuse, c'est à dire un astre comme la Terre. Votre vision du monde et de l'univers en sera irrémédiablement transformée, souligne Galilée.

Un miroir qui met le monde à l'envers

La philosophe Hannah Arendt, dans La Condition de l'homme moderne (3), reprend cette découverte de Galilée. Pour elle, trois événements fondent la modernité (4) : la découverte de l'Amérique, la Réforme et l'invention de la lunette astronomique. Elle insiste particulièrement sur cette dernière invention et sur son utilisation par Galilée. On ne joue pas impunément avec la lumière : elle ouvre des portes, nous transporte très loin comme le montrent aujourd'hui les images du télescope Hubble qui souligne l'incroyable diversité de l'univers et fait venir à nous le lointain pour nous mettre dans un autre monde. Elle insiste en fait lourdement (5) : " Ce que fit Galilée, ce que personne n'avait fait avant lui, ce fut d'utiliser le télescope de telle façon que les secrets de l'univers fussent livrés à la méconnaissance humaine avec " la certitude de la perception sensorielle " ".
Y'a quelqu'un ? Peinture de Pierre Rouillon 2013 (image reproduite avec l'autorisation de l'artiste)
Dans ce contexte qui allie la capacité technique d'observation et ses implications bouleversantes pour la vision que l'homme a de sa situation sur Terre et dans l'univers, comment alors aborder l'oeuvre de Anish Kapoor ? En commençant l'écriture de cet article, en rentrant de Chicago, je pensais que mon analyse des œuvres miroirs de Anish Kapoor était un peu le résultat de mes propres lubies et qu'elle ne correspondait pas vraiment avec les intentions de l'artiste. Installer des miroirs est toujours spectaculaire et il n'est peut-être pas nécessaire de se casser la tête comme je le fais ici pour apprécier le projet artistique de Anish Kapoor. On peut d'ailleurs tout à fait s'en passer mais... Mais Anish Kapoor appelle son projet anglais Sky Mirror. Dans Sky Mirror, il positionne le miroir pour que l'on voie le ciel. Pour éliminer tout doute et préciser son intention, il déclare dans une interview à la chaîne américaine CNN en 2012 : " Je suis vraiment intéressé par la façon dont la sculpture active l'espace. Et c'est ce que ces miroirs sont, ou c'est ainsi qu'ils fonctionnent - c'est comme une peinture. C'est comme si on mettait le ciel par terre. C'est également presque comme un trou dans l'espace. C'est presque comme si l'objet n'existait pas. C'est une sorte de passage sans fin à travers. Sky Mirror met le monde à l'envers. " (6)

C'est comme si le miroir n'existait pas bien sûr. Comme si ce morceau de ciel était vraiment avec nous et pas au-dessus de nous. Ne regardez pas dans son miroir, sinon le ciel va venir à vous ! Je n'ai pas vu " en vrai" Sky Mirror mais avec plusieurs mètres de diamètre, voir ce ciel par terre doit être effectivement impressionnant. Anish Kapoor met le ciel par terre pour nous faire relever la tête et prendre la mesure de notre monde, de ces éléments les plus forts. Immergés dans des grandes villes, et dans les quotidiens qui nous maintiennent " le nez dans le guidon ", cette œuvre nous invite à voir le ciel par dessus le toit.

Les grenoblois et la verticalité

Dans I have nothing to say / Je n'ai rien à dire (référence dans la note (1)), Anish Kapoor insiste sur le lien entre ses miroirs et leur lieu d'installation, l'espace qu'ils ouvrent en relisant le monde autour d'eux. Le traitement de la verticalité par les miroirs d'Anish Kapoor est central. On le sait tous : " Au bout de chaque rue, une montagne ". À Grenoble, avec des montagnes qui pointent vers le ciel, il est vrai que nous sommes équipés différemment mais très bien nous reconnecter au ciel : la verticalité est partout autour de nous. Finir sa journée sur le parvis de la Bibliothèque universitaire des sciences sur le Campus tout en regardant Belledonne est très efficace pour ça.
Crédit : Histoires d'universités, blog de Pierre Dubois
Autre lieu et pas de montagnes... A Nottingham ou à New York, pour mettre les regardeurs dans le ciel, Anish Kapoor met celui-ci par terre. Ainsi, par le jeu de la lumière, celui ci devient un élément de l'environnement immédiat et impose au regard ses changements permanents qui déterminent la météo de notre vie. Jouer avec la lumière, créer des images, à différentes échelles, de mondes inaccessibles, ceci par le jeu des grandissements et des déformations que permettent les surfaces, les indices et les formes, c'est à dire les éléments optiques que sont les lentilles et les miroirs, et le faire en temps réel tant la vitesse de la lumière est grande qui permet d'avoir en même temps le ciel par terre et par-dessus le toit, voilà le terrain de jeu de certains artistes s'emparant d'outils qui sont aussi bien le quotidien des scientifiques (7). C'est que la chose est importante : il en va de notre regard sur le monde et sur nous même.

Pour ne pas reprendre mes réflexions sur Pierre Soulages [lire : "Les Outrenoirs de Pierre Soulages, obsession d'un physicien ?"], bien que le lien soit à mes yeux évident, je citerai la magnifique exposition intitulée Contact à la Fondation Louis Vuitton que l'on doit à l'artiste Olafur Eliasson. Des lentilles et des miroirs géants dans des salles fermées et souvent sombres aux atmosphères hors du temps. J'aurai pu faire un cours de physique voire de math à partir de cette exposition. L'image ci-dessous montre comment deux miroirs géants à angle droit génèrent trois images d'une même personne. Quoi de mieux pour jouer avec les symétries en se déplaçant ? Ici combinaison de deux symétries par rapport à deux plans perpendiculaires (deux miroirs donc) pour obtenir une symétrie centrale, symétrie par rapport à la verticale où se joignent les deux miroirs. Petit bonheur de cristallographe...
Exposition Contact de Olafur Eliasson à la Fondation Louis Vuitton (Crédit : we-find-wildness.com Anish Kapoor, Cloud Gate (2004) - Stainless steel, 1006 x 2012 x 1280 cm (Crédit photo : Flickr, licence cc) )
Avec Sky Mirror, ce miroir concave géant, Anish Kapoor joue dans une ville avec le ciel et la terre. Il joue à mettre le ciel qui est par-dessus le toit, par terre aux yeux de tous. Dans son travail autour des miroirs, ce fut un beau début. J'essaierai de voir Sky Mirror à Nottingham ou à New York, c'est-à-dire en fait de voir le ciel par terre. Bien joué donc et depuis il a récidivé, avec succès au vu du nombre de personnes qui s'arrêtent devant Cloud Gate dans le Millennium Park sur Michigan Avenue à Chicago ! Cloud Gate, la porte des nuages, immédiatement surnommé The Bean, c'est à dire le haricot, pour une raison évidente comme le montre la photo.

Ça, je l'ai vu deux fois en quelques années et je ne m'en lasse pas. Sky Mirror, semble-t-il, ne fut déjà pas facile à fabriquer. Cloud Gate, ou le haricot, semble avoir été un vrai défi technologique. Un haricot miroir posé sur le sol. 168 plaques d'acier inox soudées. Hauteur 10 mètres pour une base de 20 m x 13 m. Et en fait il faut bien cela ! Plus petit n'est pas possible. Il faut vraiment cela pour prendre sa place dans le Millennium Park et pour réaliser l'ambition du projet. Un miroir haricot géant pour jouer de la lumière et tout mélanger à Chicago, de jour comme de nuit. C'est frappant : la ville de Chicago est le bon endroit pour Cloud Gate avec une géographie autour de Chicago très simple. D'un côté le Middle-West, le plat pays américain sur des distances infinies. Inouï pour un français qui vit dans un pays où tout change en quelques dizaines de kilomètres. Là, rien ne change pendant des heures et des heures de route. De l'autre côté le lac Michigan. Une surface d'eau équivalente à un dixième de la surface de la France. De l'eau jusqu'à l'horizon d'un côté et de l'autre des champs de maïs sans fin. Le ciel au-dessus. A coté du Millenium Park, de Cloud Gate, au bord du lac, la ville de Chicago avec sa Skyline. Des skyscrapers, ou gratte-ciels, qui pointent vers le ciel dans ce monde plat. Dans cette ville, plus de 100 buildings qui culminent à plus de 150 mètres. 442 mètres pour le plus haut. La nuit, c'est simplement magique.
Cloud Gate, la nuit (crédit : Dave Wilson / Flickr, licence cc)
Dans cet écrin, selon la position que vous adoptez, Cloud Gate avec sa forme de haricot est le miroir que vous vous choisissez. Vous pouvez mélanger les éléments à votre guise : le ciel, la ville, l'espace au-dessus du lac et bien sûr les gratte-ciels. La nuit, le jour. Par beau temps ou pas. Vous pouvez être dans l'image que vous avez construite ou pas. À votre guise. C'est simple. Vous pouvez suivre les règles du jeu sur Google Maps et sur l'image ci dessus. Vous êtes sur Michigan Avenue face au lac et devant le Cloud Gate. Devant vous donc il y a le lac (enfin vous voyez surtout un rideau d'arbres très fourni mais plus loin c'est l'espace au dessus du lac ; en fait le rideau d'arbres est ici bienvenu). Derrière vous, Cloud Gate et la ville avec le quartier The Loop (il faut (re)voir Le Fugitif avec Harisson Ford et Tommy Lee Jones). Déjà pas mal de grands immeubles qui bordent Michigan Avenue comme on le voit sur la photo ci-dessus. À votre gauche, une rangée d'immenses immeubles : la ville verticale. À votre droite, le long du lac, de l'espace. Avec la vue des immeubles et le reflet dans Cloud Gate, on retrouve tous ces éléments dans l'image ci-dessus.

Un jeu avec la lumière
Le lac d'Annecy et la Tournette au fond (Crédit : Bernard Fumeau / Flickr, licence cc)
À partir de là, le jour, la nuit, par beau temps ou pas, seul ou avec d'autres, présent dans les images ou pas, vous jouez avec la lumière grâce à ce miroir haricot géant. Il vous permet de mélanger et de tordre tous ces éléments autour de vous. Passez même dessous pour tout masquer si vous le souhaitez ! Les milliers de photos présentes sur le Web doivent à peu près rendre compte de l'ensemble des possibilités.

Il reste la simplicité du dispositif et de son fonctionnement. Ce n'est finalement qu'un miroir géant. Sa forme de haricot met à votre disposition toutes sortes de miroirs avec différentes courbures et d'angles de vue. C'est ainsi que chacun peut construire l'image de Chicago qu'il va photographier. A la différence du télescope de Galilée, le regardeur installe sa propre présence, en ce qu'il choisit sa place et celle des autres lors de la construction de l'image. Pour un instant, il devient le sculpteur de son propre environnement en en produisant sa propre représentation éphémère.
"Haute de 3,70 m, l'arche de la Cloud Gate contient une chambre concave appelée omphalos" (source légende et crédit photo : Wikipédia)
Au demeurant, bien des villes ne pourraient pas accueillir Cloud Gate. Chicago, avec une géographie élémentaire, une plaine et un lac tous deux immenses, est un paysage urbain magnifique construit par l'homme et fait pour Cloud Gate. Cloud Gate, dans un dialogue avec les gratte-ciels qui installent la verticalité dans cet espace plat, est un instrument qui permet à chacun de jouer de la lumière pour proposer tous les mélanges, toutes les distorsions, toutes les reconstructions de ce paysage. Même si l'Y grenoblois souligne la présence des deux rivières qui caractérisent Grenoble, il n'y a pas ce plan d'eau immense, miroir naturel qui vient permettre ce jeu de la lumière avec les éléments du paysage et cette recomposition de la présence. Annecy est la ville qui ajoute ce large miroir horizontal à la verticalité des montagnes environnantes.

Cette ville et celles autour du lac ont su réaffirmer leur discrétion sur les bords du lac. Heureusement. Ceci dit, on peine à imaginer Cloud Gate sur le Paquier au bord du lac. Au jeu de la lumière, il perdrait certainement la partie contre le lac, le ciel, les forêts et la montagne. Cloud Gate puise sa force dans la recomposition humaine d'un paysage d'abord urbain, dans des espaces immenses et plats. Cette sculpture est bien un nouvel instrument d'optique pour explorer le monde. C'est un nouveau scope qui, par distorsion et dilatation, change le regard sur notre place dans le monde. Cette vision de Cloud Gate souligne donc combien cette sculpture travaille à la proximité accrue du regardeur avec les éléments de son paysage. Le ciel est encore une fois à nos pieds mais aussi la Skyline et l'on se trouve en proximité immédiate avec le massif des constructions derrière Michigan Avenue.

Le contraste avec l'analyse de l'observation de la Lune par Galilée avec sa lunette, faite par Hannah Arendt, est alors radical. Pour caractériser comment l'observation de Galilée marque l'entrée dans la modernité, elle introduit un point d'Archimède, c'est à dire un point d'appui pour la pensée. Ce point d'Archimède introduit à partir d'un télescope est loin de la terre. Infiniment loin. Il place alors l'homme dans une position d'observateur de l'univers et de la Terre, mais qui ne fait pas partie de l'image. Hannah Arendt dans La Condition de l'homme moderne écrit alors : " ...dans tous les cas nous manions la nature d'un point de l'univers situé hors du globe. Sans nous tenir réellement en ce point dont rêvait Archimède, liés encore à la Terre par la condition humaine, nous avons trouvé moyen d'agir sur la Terre et dans la nature terrestre comme si nous en disposions de l'extérieur, du point d'Archimède. Et au risque de mettre en danger le processus naturel de la vie nous exposons la Terre à des forces cosmiques, universelles, étrangères à l'économie de la nature. " (8). On ne joue pas sans conséquences avec la lumière...

Une affaire d'échelles

Pour finir, il ne faut pas oublier la décision de la ville de Chicago de construire Cloud Gate. " You know that was somewhat risky, guys ! " Le dispositif est simple, élégant et sans mystère. Encore a-t-il fallu le faire et ce ne fut pas une mince affaire. Son coût parle : il apparaît de l'ordre de 20M$. Et il n'était pas possible d'économiser en cherchant à faire plus petit. Il doit être entre les gens et les buildings de plus de 100 mètres, soit autour de 10 mètres. Incontournable. On retrouve l'interrogation de Anish Kapoor sur les échelles (1) et les ordres de grandeur si chère aux physiciens.

Un objet simple est souvent le résultat de beaucoup de travail. Ainsi un polissage de l'ensemble en cinq étapes fut nécessaire pour obtenir le poli miroir des tôles d'acier qui satisfait notre regard. Un miroir rugueux ou rayé, même très peu, perd rapidement de son intérêt. Si j'en crois Wikipedia, un nettoyage à la main deux fois par jour est nécessaire. Atmosphère urbaine oblige ! La magie de la réflexion sur ce miroir géant est à ce prix. C'est une règle générale quand on joue avec la lumière, celle des laveurs de carreaux, des polisseurs de lentilles à l'époque de Galilée et donc encore aujourd'hui celle du physicien ou de l'industriel du verre, et finalement celle des artistes : si on veut satisfaire nos yeux ou l'instrument de mesure, il n'y a pas de compromis possible avec la lumière. Le jeu est magnifique mais que le terrain de jeu est difficile à préparer. Les opticiens, les fabricants de miroir sont des maniaques de la rugosité et de la propreté, de tout ce qui perturbe la propagation de la lumière suivant les lois de Snell-Descartes.

>> Notes :

1. Chapitre "Monumentality" dans I have nothing to say / Je n'ai rien à dire, Interviews with Anish Kapoor / Entretiens avec Anish Kapoor, Edited by Richard Leydier, RMN Grandpalais, 2011, ISBN 9782711859115

2. Le Messager des étoiles, Galileo Galilei, Coll. Sources du savoir, Ed. Seuil

3. Hannah Arendt, La Condition de l'homme moderne, Coll. Agora, Ed. Pocket

4. Jacques Attali, Histoire de la modernité, Coll. Plein Champ, Ed. Flammarion

5. "What Galileo did and what nobody had done before was to use the telescope in such a way that the secrets of the universe were delivered to human cognition "with the certainty of sense-perception" that is, he put within the grasp of an earth-bound creature and its body-bound senses what had seemed forever beyond his reach, at best open to the uncertainties of speculation and imagination". Hannah Arendt écrivit ce livre en anglais. En français, on trouve " the human cognition " traduit alternativement par "connaissance" ou par "méconnaissance". J'avoue ne pas comprendre. Il reste qu'elle souligne " la certitude de la perception sensorielle " qu'elle trouve chez Galilée.

6. Traduction personnelle de : "I'm really interested in the way sculpture activates space. And that what these are, or works like this - so it's like a painting. It's like it's bringing the sky down to the ground. It's also almost like a hole in space. It's almost as if the object doesn't exist. It's sort of endless passage through. Sky Mirror turns the world upside down". Lire la retranscription en anglais de cette interview sur le site de CNN.

7. Bien sûr les astros en particulier vont au-delà dans le ciel. Le ciel qu'ils nous donnent à voir n'est plus celui qui est maintenant, mais celui qui était quand les photons messagers sont partis. En ce sens, ils remontent vers le passé.

8. Traduction trouvée communément sur le web de : " Without actually standing where Archimedes wished to stand, still bound to the earth through the human condition, we have found a way to act on the earth and within terrestrial nature as though we dispose of it from outside, from the Archimedean point. And even at the risk of endangering the natural life process we expose the earth to universal, cosmic forces alien to nature's household "

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Les miroirs d'Anish Kapoor : jouer avec la lumière, regarder le monde

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Miroirs, lumière, échelles et ordres de grandeurs... Pour ce nouvel article de sa série "Arts & Sciences", Joël Chevrier a jeté son dévolu sur les oeuvre d'Anish Kapoor, qu'il rapproche des découvertes de Galilée. Anish Kapoor, le sculpteur britannique d'origine indienne, a produit une série d'œuvres intitulées Sky Mirror.

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bibliographie: Jeu et réalité, de Winnicott pédo psychiatre, 1896 - 1971

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bibliographie: Jeu et réalité, de Winnicott pédo psychiatre, 1896 - 1971

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« Classe des familles » : de la formation à la pratique

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Alors que le jeu n’est pour Melanie Klein que le moyen de transposer la cure psychanalytique à l’enfant, il est pour Winnicott au cœur de la constitution de la personnalité.

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Le jeu dans l'art est une thématique vivante et qui permet aux artistes de montrer leur art ainsi que leur manière d'en jouer !

Dans l'Egypte antique le Senet était un jeu pratiqué à l'époque par les nobles, jeu qui signifie " le passage ". dans le royaume d'Osiris. Ceux qui pratiquaient le Senet jouaient leur destin dans les parties. Il y avait sept puis cinq pièces blanches et noires.

Néfertari jouant au senet. Peinture dans la tombe de la reine.

Les Grecs sont de grands joueurs comme le montrent les Jeux Olympiques. L'art ne cesse de représenter les beaux athlètes dans des postures sportives et élancées. Plusieurs mythes expliquent l'origine des jeux olympiques: fondés par le héros Pélops ou Héraclès,

Chez les romains, les jeux perdurent. Les Jeux de la Rome antique, ou les Ludi, comprennent les courses de chevaux, l'athlétisme ( athletae), la boxe et même du théâtre. Il y avait les jeux des gladiateurs, les courses de chars, des combats navals, des chasses etc. On rapporte que l'empereur Néron n'hésitait pas à jouer sur un coup de dés la somme de 400 000 sesterces, soit l'équivalent de la solde de 400 soldats.

Les plus anciennes cartes à jouer connues sont d'origine chinoise et apparurent durant la dynastie Tang (618-907) au moment où le format des livres passe du rouleau à la feuille.

Manuscrit (VIe-VIIe siècle)Krishna et Radha jouant au chaturanga

Roman du chevalier Cifar. Castille. Miniature de Juan de Carrion.
XIV e siècle
Le chevalier Cifar observe le camp ennemi jouer aux échecs

Il y a comme une mise en abyme du jeu dans cette enluminure.

Le 3 avril 1369, le roi Charles V promulgue une ordonnance singulière, qui prétend interdire aux sujets de son royaume la pratique de tous les jeux. Les jeux de dés, de tables, le jeu de paume, les quilles, les palets, la soule et les billes sont explicitement désignés. De fait, tous les jeux " qui n'ont point d'utilité pour exercer nos dits sujets au maniement des armes " sont visés, les contrevenants s'exposant à l'importante amende de quarante sous ; pour se divertir, les sujets doivent s'adonner exclusivement au tir à l'arc ou à l'arbalète.

Partie d'échecs devant un château, par le Maître de Liedekerke

L'inventeur des jeux le plus souvent signalé, dès le haut Moyen Âge, c'est le diable : l'apparition du jeu daterait de la Passion du Christ, le diable venant apprendre les dés aux soldats romains au pied de la Croix

Jacques de Cessoles, Le Jeu des échez moralisé. Les échecs représentent la société avec ses rois et reines, cavaliers et fous. La partie s'arrête quand le roi est mat ou mort. N'est-ce pas une manière de faire de la propagande ?

Le jeu de cartes fera son apparition pour la toute première fois en 1370. Il se démocratisera avec l'invention de l'imprimerie.

Brueghel l'Ancien représente une scène rurale avec plus de 90 jeux d'enfants. La prouesse est éclatante.

Jerôme Bosch dans L'escamoteur représente une scène de jeu où le joueur se fait subtiliser sa bourse par un voleur.

Lucas van Leyden (1494-1533): ou Lucas de Leyde, aussi appelé Lucas Huighensz ou Lucas Jacobsz est un peintre et graveur hollandais. Le jeu d'échecs 1508 montre une scène de jeux peinte avec beaucoup de détails.

Le jeu d'échecs 1590 de Carrache Ludovic

Les tricheurs de Georges de La Tour en 1635 est intéressante: le peintre et l'observateur assistent à une scène de tricherie.

Paul Cézanne représente les fameux joueurs de cartes en 1891

Picasso peint les joueurs de cartes

Otto Dix montre une scène de l'après guerre avec des gueules cassées jouant au cartes. Il est intéressant de remarquer que le spectateur a une vue globale sur le jeu faisant de lui un vainqueur.

Quand l'art devient un jeu :

Léonard de Vinci peint deux fois La Vierge aux rochers avec de subtiles différences.

Mais il revient à Charles V d'avoir inventé le premier jeu des 7 différences avec son portrait peint par deux artistes dont le premier Jacob Seisenegger en 1532 et un an après par Titien.

" Charles Quint demanda donc au Titien, un autre peintre de sa connaissance, de réaliser une copie du tableau, mais en veillant à y inclure 7 différences. Les invités auraient ainsi un jeu pour s'occuper et tromper leur ennui. Maurice de Saxe fut le premier à trouver les 7 différences. " Ici

L'art contemporain réduit la frontière avec le jeu: les artistes deviennent des inventeurs de nouveaux dispositifs. Avec le numérique, le jeu vidéo devient un sujet de recherches pour les artistes.

Mais avant, Marcel Duchamp s'est arrêté de peindre pour jouer aux échecs ...

Ping Pong Table de Orozco est constituée de quatre joueurs qui doivent éviter que la balle tombe dans la mare centrale.

Stadium de Marurizio Cattelan est un baby-foot où 22 joueurs peuvent s'affronter comme sur un vrai terrain de foot.

en 1991, dans la galerie d'Art moderne de Bologne, la Cesena, équipe du championnat régional italien, et l'AC Fornitore Sud - fournisseurs du sud - se sont affrontées sur ce baby-foot géant. Egalitaire quant à son fondement, le jeu apparaît révélateur d'inégalités et, ce faisant, du dérèglement social11. Car l'AC Fornitore Sud est une équipe d'immigrants sénégalais en situation irrégulière, composée par Cattelan lui-même.

Gogolf ? François Curlet a invité 18 amis artistes à réaliser un minigolf, grandeur nature. Chaque " trou " a été conçu par un artiste différent. Le tout donne une installation loufoque, ouverte au public qui peut emprunter des clubs et balles de golf pour tester les différents spots, pour certains carrément infaisables

Cinq toboggans géants installés par l'Allemand Carsten Höller dans le hall des Turbines de la Tate Modern à Londres : parc d'attractions ou nouvelle architecture ?

Wim Delvoye détourne une cage de football.

Tony Cragg fait de géantes sculptures avec des dés.

Les Skullball machines de Perego où on achète des têtes de mort

Freya Jobbins est une artiste australienne qui s'amuse à recycler des jouets, en détournant cette vision de l'enfance, pour en faire de véritables oeuvres d'art à travers une série de portraits surprenants.

David Adamo fabrique des raquettes de Ping pong injouables.

Ana Soler

Three Graces
Kehinde Wiley, 2005
Oil and enamel on canvas

Feng Mengbo, Long March

Cory Arcangel et le sommeil de Super Mario

Hunter Jonakin : Jeff Koons must die : un jeu où on fait exploser les oeuvres de Jeff Koons. Mais qu'avaient-ils contre lui ?

Jeff Koons Must Die!!! The Video Game from Hunter Jonakin on Vimeo.

Guillaume Reymond propose une performance dans une salle de spectacle sur le jeu Tetris

Les pinatas de Sarah Bay William

Keita Takahashi & Adam Saltsman's " Alphabet " est un jeu graphique avec les lettres de l'alphabet

On voit que le jeu dans l'art contemporain a diversifié les supports et médiums. L'art par le jeu tente de trouver un nouveau public en réduisant la frontière le séparant de lui. Par le jeu, les artistes comme Cattelan proposent une critique sociale. Mais le jeu sert également à vilipender les artistes comme le montre le jeu vidéo faisant exploser les oeuvres de Jeff Koons. !

D'autres thématiques ici:
https://atomic-temporary-26416781.wpcomstaging.com/les-notions-dans-les-arts-plastiques/

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Le jeu dans l'art est une thématique vivante et qui permet aux artistes de montrer leur art ainsi que leur manière d'en jouer ! Dans l'Egypte antique le Senet était un jeu pratiqué à l'époque par les nobles, jeu qui signifie "le passage". dans le royaume d'Osiris.

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Encore un peu de lecture : comment l'art s'adapte à l'époque des jeux numériques

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Encore un peu de lecture : comment l'art s'adapte à l'époque des jeux numériques

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Le marché du jeu vidéo explose? Narration, virtualité, communauté et esthétique particulières : les jeunes artistes s'emparent des codes. Tour d'horizon.

" Rien n'est vrai. Tout est permis " *

Le jeu vidéo est une écriture artistique de notre époque. Il recouvre tout à la fois une esthétique générale très reconnaissable et une pluralité d'univers graphiques, ce qui en fait un objet culturel à part entière. La jeune création contemporaine, née au tournant des années 1980/1990 a grandi avec les premiers jeux vidéo disponibles sur ordinateurs personnels puis consoles de jeux individuelles. Il serait étonnant qu'elle ne s'empare pas de cette esthétique qui lui est si familière, de ce langage né avec elle.

Le jeu vidéo allie narration, virtualité, communautés ; il est l'esprit de notre temps. On parle même en sens inverse de " gamification " de la société tant le médium et ses caractéristiques se répandent, tel un phénomène social 2.0. En attestent les marques de mode qui n'hésitent pas à s'en approprier les codes (Balenciaga, Coperni, Marine Serre) jusqu'à la création de jeux interactifs (Burberry, Louis Vuitton). On pourrait remarquer que cette écriture imprègne aussi les autres champs de la création, à commencer par le cinéma. Le Dunkerque de Christopher Nolan n'avait-il pas quelque chose du jeu dont vous êtes le héros ?

Avec près de 3 milliards d'utilisateurs pour un marché à 150 milliards d'euros, le jeu vidéo a maintenant ses propres expositions comme Game Story au Grand Palais en 2011 ou Behind the Game à la Gaîté Lyrique en 2018. Dans une démarche de conservation avant-gardiste le MoMA New-York complète quant à lui chaque année sa collection de jeux.

Le jeu vidéo semble être une source de créativité inépuisable, particulièrement pertinente pour parler de notre époque. Désormais mature, ce champ de la création s'accompagne d'innovations (casques de réalité virtuelle, technologies haptique et kinect, etc.) et d'une nette appropriation par la jeune génération de la création contemporaine. Ces œuvres hybrides explorent alors de nouveaux territoires, tels que l'inquiétante dissociation au profit d' avatars fantasmés ou la réappropriation des réalités historiques.

Découvrez ces jeunes artistes qui se sont emparés de l'univers du gaming.

Theo Triantafyllidis, né en 1988, vit et travaille à Los Angeles.

Theo Triantafyllidis construit des espaces virtuels directement inspirés des jeux vidéo. Ses mondes expansifs et complexes étudient l'isolement, la sexualité ou encore la violence via des expériences virtuelles, la réalité augmentée, des jeux et des installations interactives.

Dans AntiGone, l'artiste s'adonne à une œuvre " phygitale " mêlant une pièce de théâtre au jeu vidéo : le physique fusionne de manière étrange, absurde et poétique avec le numérique, pour nous parler du capitalisme et des grands troubles sociétaux. Avec Pastoral, il dévoile un paysage rural infini sous le son d'un luth mélodique : une ode romantique à la liberté dans une réalité alternative plus douce.

Ismaël Joffroy, né en 1988, vit et travaille en Belgique.

Dans une nuit assaillie par le brouillard, un militaire muni d'une Kalachnikov règne sur la ville. Le film Swatted raconte une époque où la frontière entre réel et virtuel se floute, ou le monde perd pied avec l'existence. L'artiste nous plonge dans le swatting, le cyberharcèlement, et aux autres dérives comme l'addiction. Dans une combinaison édifiante d'images vectorielles issues d'un jeu vidéo et d'un fond sonore d'interviews de différents joueurs l'artiste évoque dans son court métrage une gamification sectaire, miroir de notre temps. Le trailer annonce la couleur : alors que l'image est encore brute, un appel des secours américains est diffusé, un jeune garçon vient de tuer sa mère avec une arme à feu car elle avait confisqué sa console.

Léa Porré, née en 1996, vit et travaille à Londres.

Léa Porré est une jeune artiste française qui explore le regard porté sur l'histoire de France à travers une lecture critique, mythologique et spirituelle par le numérique. Au sein de son exposition Dear One, présentée par la galerie d'art digital Virginia Bianchi, l'artiste revisite la chute de Louis XVI à travers un parcours interactif qui rappelle celui de nombreux jeux vidéo d'énigme.

Léa Porré qui aime à décaler le regard, repense cet événement sous l'angle royaliste, faisant mourir le monarque en martyr. Le premier acte illustre l'événement du régicide lui-même sur un autel mystérieux sous une atmosphère sanglante et apocalyptique ; le deuxième acte est consacré à la fête, aux célébrations du sacrifice du Roi ; pour s'achever enfin sur la dispersion matinale du corps fragmenté dans un troisième acte. Par une vision inédite de la monarchie, l'œuvre nous rappelle que Louis XVI n'était qu'un homme parmi les hommes, peut-être lui-même victime d'un ordre social en décalage avec son temps...

*slogan du jeu Assassin's Creed
NNFCTN est une agence de stratégie qui identifie les esthétiques, les sujets, les dispositifs artistiques de l'époque afin de penser des modèles culturels innovants et de révéler les imaginaires sous jacents auxquels les marques peuvent s'identifier.

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Comment les artistes s'emparent de l'univers des jeux vidéo

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Le marché du jeu vidéo explose? Narration, virtualité, communauté et esthétique particulières : les jeunes artistes s'emparent des codes. Tour d'horizon. Le jeu vidéo est une écriture artistique de notre époque. Il recouvre tout à la fois une esthétique générale très reconnaissable et une pluralité d'univers graphiques, ce qui en fait un objet culturel à part entière.

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Jacques Julien - l’atelier A - Regarder le documentaire complet | ARTE

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Jacques Julien développe une réflexion sur la forme : son élaboration, sa réalisation et son abandon.

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Interdit aux enfants

Type d'oeuvre :

sculptures/installations

Technique utilisée :

technique mixte

Date :

Dimensions variables

Collections :

Collection de l'artiste

Exposition liée

2014, Interdit aux enfants, France - Paris - Galerie Nathalie Obadia

Mots clés :

POF 003 balançoire / POF 004 casquette radar / POF 006 peau / POF 007 chatouille / POF 011 mandrake roots / POF 016 pantachaise / POF 019 invention de la table / POF 020 valse hystérique / POF 024 string d'épaule / POF 038 maison temporaire / POF 051 ted hyber / POF 077 maison à un seul niveau / POF 096 wings / POF 100 escalier sans fin / POF 109 entre jambe / POF 110 épouvantail / POF 115 Greeny / POF 125 L' homme de Bessines / POF 128 homme hérisson / POF 147 Triple balance / POF 152 déplié / POF 156 robinets / POF 161 anti-urinoir portable / POF 162 l'una

Numéro d'inventaire :

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Collection Fabrice Hyber : Œuvre : Interdit aux enfants [S_2014_3998]

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Interdit aux enfants Type d'oeuvre : sculptures/installations Technique utilisée : technique mixte Date : Dimensions variables Collections : Collection de l'artiste Exposition liée 2014, Interdit aux enfants, France - Paris - Galerie Nathalie Obadia Mots clés : POF 003 balançoire / POF 004 casquette radar / POF 006 peau /

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"homo ludens"

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Constant Nieuwenhuys
/utopie sociale d'une ville situationniste/

"New Babylon est l'œuvre des New Babylonians mêmes, le produit de leur culture. Pour nous, ce n'est qu'un modèle de réflexion et de jeu."

New Babylon, une vision utopique des années 60, était fondée sur l'idée de l'Homo ludens ("l'homme le joueur"), la société qui ne connaît ni la famine ni exploitation ni de travail, une société dans laquelle la créativité devient le seul moyen d'exister.
Contrairement à la conception de l'Homo faber ("l'homme le fabricant") et de la société utilitariste, la culture de New Babylon est par l'automatisation libérée du travail productif, ainsi laissant l'espace de developper des autres activités créatives.
En tant que travail productif disparu, les masses ont une quantité considérable de temps libre, ce qui renforce leurs besoins pour les jeux, l'aventure et la mobilité.
A partir de cette liberté dans l'espace et le temps, on arriverait à un nouveau type d'urbanisation. La mobilité et la fluctuation permanente de la population crée une relation différente entre la ville et le lotissement. Avec aucun calendrier à respecter et sans domicile fixe l'être humain va approprier une mode de vie nomade dans un environnement artificiel et entièrement "construit". On appelle cet environnement New Babylon. Constant a imaginé une ville sociale qui rapprocherait les hommes les uns des autres. À l'inverse des villes modernes qui divisent les hommes par de grands espaces verts, il imagine une construction spatiale continue, dégagée du sol qui comprendrait les groupes de logements ainsi que les espaces publics.
Le concpet postule un vaste réseau de services collectifs à l'intérieur de la macro structure, et d'autre part la concentration massive de la production dans les centres gigantesques, situés à l'extérieur de l'espace de la vie quotidienne.
La ville est organisée en blocs et secteurs qui forment un réseau d'unités et d'entités socioculturelles d'échelle planétaire. New Babylon finit nulle part (puisque la terre est ronde) et il ne connaît pas de frontières (puisqu'il n'y a plus d'économies nationales).
Les secteurs sans cesse changent leur forme et l'atmosphère en fonction des activités qui se déroulent là-bas. Personne ne peut revenir à ce qui était avant, redécouvrir le lieu comme il l'avait laissé ou l'image qu'il avait conservé dans sa mémoire. Personne ne tomberait plus dans le piège de l'habitude.

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Constant Nieuwenhuys /utopie sociale d'une ville situationniste/ "New Babylon est l'œuvre des New Babylonians mêmes, le produit de leur culture. Pour nous, ce n'est qu'un modèle de réflexion et de jeu."

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Les Jeux d'enfants est une peinture à huile sur panneau de bois peinte par Pieter Brueghel l'Ancien en 1560. Il est exposé actuellement au Kunsthistorisches Museum à Vienne.

De dimension 116 × 161 cm, il porte en bas, à droite, la signature et la date : " BRVEGEL 1560 ". Mentionnée pour la première fois par Carel van Mander dans son évocation de la vie de Bruegel, cette peinture devient possession du duc d' Autriche en 1594.

Elle représente 200 enfants - 122 garçons et 78 filles - jouant 91 jeux différents.

Les Jeux d'enfants, huile sur bois de 1560, frappent par l'architecture du tableau - bâtiments aux lignes franches, perspective volontaire où l'on a vu un rappel de l'art italien ou de Hans Vredeman de Vries en Flandre - et par le monde joyeux qui se construit en tous sens, celui de l'enfance, auquel on pourrait opposer la vision effrayante offerte par Le Triomphe de la Mort quelques années plus tard. Le thème, repris aux bréviaires, livres d'heures, calendriers, parallèle aux allégories du siècle, infantia ou innocentia, se renouvelle par l'étonnante animation créée dans un site urbain, qu'envahissent quelque deux cent trente enfants et dont l'adulte est banni, à l'exception d'une femme jetant un seau d'eau sur deux garçons qui se battent, comme on le ferait sur des chiens trop excités.

Si les jeux sont identifiables (on en a dénombré près de 91), l'enfant n'est guère individualisé : une attitude, une expression le font vivre et le mouvement naît d'une ligne, d'une forme, d'une tache de couleur. Tel serait peut-être le caractère positif de ce grand tableau dont le titre, Khinderspill von Bruegel, figure en 1595 dans l'inventaire de la succession de l'archiduc Ernest qui l'avait acquis l'année précédente à Bruxelles. Carel van Mander mentionne également une œuvre avec tous les jeux d'enfants, et d'innombrables petites allégories. Ce dernier membre de phrase, qui peut se rattacher aux Jeux ou terminer une énumération, ouvre la porte à des lectures plurielles. En contrepartie à la simple et habile suite des quelque deux cent dix-huit divertissements de Gargantua que Rabelais aligne : au flux, à la prime, [...] au renard, aux marelles, [...] au poirier, à pimpompet, [...] à colin maillard, à myrelemofle [...], aux croquinolles [...], à cul salé [...] et jusqu'aux chiquenaudes on a vu chez Bruegel un prétexte à dénoncer la folie humaine.

On épingle, par exemple, la parodie du mariage au centre, un jeu de hasard au bas du tableau où une petite fille joue aux osselets, une huque bleue que porte un enfant dans la procession du baptême. Les essais d'interprétation de l'un ou l'autre groupe, isolés de leur ensemble, peuvent ouvrir la voie à une approche satirique. Mais quoi de plus innocent, inversement, que de jouer à la poupée, de courir après un cerceau, de jouer à saute-mouton, de marcher sur des échasses ou de faire des culbutes ? Certes, l'anonymat physionomique caractérise ces petits personnages ; on ne reconnaît pas Pierre de Paul ou Catherine de Marie, mais le monde enfantin n'est guère personnalisé et le vêtement, sauf ses couleurs, est quasi uniforme, s'il distingue les sexes. Cet univers de l'enfance semble bien réel. L'impression se renforce si on le compare à celui qui anime L'Âne à l'école. Les prétendus enfants y ont un air vieillot et leur physionomie est plus proche du cercle des adultes que de l'école primaire.

Si la scène du mariage, dans les Jeux d'enfants, se trouve au croisement exact des deux diagonales du tableau, doit-on y voir la dénonciation de ce sacrement? Ne serait-ce pas, au contraire l'endroit précis, la source même de l'enfant en tant que tel ? Qu'il y ait, du reste, référence à des proverbes, quoi de plus normal puisqu'ils sont toujours le résumé d'une attitude ou d'une action humaine. De surcroît, les enfants imitant leurs parents, le peintre fait un clin d'œil complice au spectateur. Bruegel, en 1560, auteur des Proverbes, du Combat de Carnaval et Carême, des Vertus, d' Elck ou de L'Alchimiste, de La Sorcière à Mallegem ou de La Fête des fous, procède à des allusions, à des reprises, ou se cite lui-même. Il détient un registre d'images, le meilleur possible, dont il fait naturellement usage.

Quant à la huque bleue, il s'agit moins ici d'une dérision que, peut-être, d'une mise en garde. Dans le contexte de la production des années soixante, l'ironie étant toujours latente, on ne change pas d'humeur du jour au lendemain. Si les Proverbes dénoncent souvent, si le Combat de carnaval et de Carême souligne les ridicules, les Jeux d'enfants ne seraient-ils pas un temps de pause absolu ? Si l'innocence peut imiter la folie, elle ne plagie pas une réalité, mais des apparences. Celles-ci restent un jeu qui se pourrait un avertissement adressé aux adultes, sans pervertir pour autant l'univers enfantin. Ce monde de l'enfance n'est en rien simpliste, sa diversité même est exemplaire. Les cerceaux et les tonneaux, au premier plan, donnent le mouvement, les enfants à la barre et l'échassier devant la façade, au plan moyen, conjuguent l'instabilité et la construction, les enfants aux fenêtres, à gauche, jouent avec l'insolite, et la percée du fond paraît abolir le temps et l'espace.

Le tableau fut parfois interprété comme incarnant une saison : le printemps. Ainsi fut-il exposé à Vienne après la mort de Rodolphe II, avec Le Massacre des innocents (l'hiver), La Moisson (l'été) et La Rentrée des troupeaux (l'automne). Quoi qu'en pensent certains, cette grande place publique devant un bâtiment - l'hôtel de ville d' Anvers peut-être -, ouverte à gauche sur un cours d'eau et une campagne verdoyante et, dans l'axe, sur une longue rue en contre-plongée qui monte au lointain vers une église - pourquoi pas la cathédrale ? - ce lieu vivant ne personnifie pas un moment de l'année. On y trouve, en effet, des réjouissances d'été, telles que le feu de la Saint-Jean, mais aussi, à droite, un enfant portant un pain de la Noël et du nouvel an et, à gauche, à la fenêtre, un masque de Carnaval que l'on a déjà vu dans le combat de ce dernier avec Carême. Les temps sont mêlés et s'additionnent comme les jeux eux-mêmes, à l'exception de ceux exclusifs à la neige figurés dans Le Dénombrement de Bethléem et le Paysage avec trappe à oiseaux.

Les Jeux d'enfants ne se réduisent donc pas à une intention précise. L'œuvre ressemble plus à un éclat de vitalité qu'à une leçon de morale, à une manifestation de vie qu'à l'inventaire d'un temps et d'un lieu, mais avec ses notes d'humour. Ainsi le jet des bérets à droite - trois noirs et un rouge - compose-t-il un visage ironique; quant à la fillette qui joue à la marchande, dans le coin inférieur droit, elle gratte une brique rouge afin de préparer les pigments du peintre, et l'artiste a signé au-dessous " BRUEGEL 1560 ".

Historiquement, l'œuvre connaît des antécédents images d' enluminures, textes de Froissart, de Rabelais ou de l'humaniste espagnol Juan Luis Vivès qui écrivit en latin des traités d'éducation. Faut-il rappeler l'avertissement de Sébastien Brant dans sa Nef des fous : Tous les enfants ressemblent/quelque peu aux parents... ? La postérité en gardera aussi mémoire. Si des inventaires mentionnent des copies de Brueghel le Jeune, ces œuvres ont disparu.

Cependant, d'autres interprétations existent, telles une composition de Martin van Cleve, des parodies, sous forme de singeries, de Pieter van der Borcht, anversois et suiveur de Bruegel, et, proche du maître également, une gravure de Nicolas de Bruyn d'après un dessin de Martin de Vos qui séjourna en Italie à la même époque que Bruegel. Au siècle suivant, le poète flamand Jacob Cats a sensiblement contribué à orienter la lecture du tableau vers l'irréalisme : " Le monde ", dit-il, " n'est rien qu'un jeu d'enfant " et il ajoute " Vous y trouverez là, je le sais, votre propre folie dans le jeu des enfants ". Tout est en tout, bien sûr; mais il est certain que Bruegel, dans cette œuvre comme dans d'autres, donne à voir quelque chose en artiste, en créant, et non en discourant, et d'ajouter que les interprètes y apportent leurs formules. Ainsi les Jeux d'enfants deviennent-ils des jeux d'adultes ! Et l'invention juvénile est parfois mieux fondée que le raisonnement.

Si l'on a pu transformer de façon erronée ce monde de l'enfance en une parodie, c'est que l'on a omis son chromatisme. Celui-ci, vif, joyeux, au point de le doter parfois d'un sens printanier ou estival, avec ses rouges, ses bleus, ses verts et ses jaunes, disposés et surtout ponctués, milite en faveur d'une vision positive, voire expansive de ce monde. Formellement d'ailleurs, les groupes et les taches de couleurs occupent l'espace, en prennent possession en tous sens, à la ville comme à la campagne, au rez-de-chaussée comme à l'étage, au civil comme au religieux. L'enfant en ce lieu a établi son siège, au propre et au figuré : celui-ci est bien en évidence au premier plan ! Bruegel adapte parfaitement le thème choisi à l'espace qu'il détermine pour l'exprimer. Il unit la démonstration narrative et l'unité spatiale. Le choix du format est parfois surprenant. Obéit-il aux vœux d'un client ou à l'inspiration de l'artiste? Nulle information n'existe à ce jour.

Notes et références

Ressources relatives aux beaux-arts :

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Les Jeux d'enfants (Brueghel) - Wikipédia

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Les Jeux d'enfants est une peinture à huile sur panneau de bois peinte par Pieter Brueghel l'Ancien en 1560. Il est exposé actuellement au Kunsthistorisches Museum à Vienne. De dimension 116 × 161 cm, il porte en bas, à droite, la signature et la date : " BRVEGEL 1560 ".

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En visite en 2010, Daniel Buren a montré un intérêt pour la nef du MAMCS (Musée d'Art moderne et contemporain) et sa luminosité. Il aura donc fallu quatre ans pour qu'une proposition in situ voit le jour. Sa démarche ? Répondre à une invitation selon l'envie que suscite un lieu.