# data[].attributes.body
Saiba mais sobre essa importante vanguarda europeia!

# data[].attributes.body
Mapa mental sobre

Fauvismo

# data[].attributes.attachment_link.description
O mapa mental exposto trata-se do tema de: FAUVISMO, de maneira otimizada. O site é novo, por isso ainda não possui acervo grande de mapas mentais.

# data[].attributes.body
O expressionismo é um movimento artístico de vanguarda ocorrido no início do século XX, no contexto que envolveu a Primeira Guerra Mundial. Em franca oposição ao impressionismo, esse movimento é caracterizado pela irracionalidade e pelo individualismo, além de apresentar uma visão pessimista da realidade, de forma a realizar uma deturpação do real.

catarina farias.

# data[].attributes.attachment_link.description
O cenário europeu no início do século XX era de constantes transformações, industrialização, urbanização e surgimento de novas tecnologias.

# data[].attributes.attachment_link.title
CUBISMO: Como Revolucionou a Arte Moderna?

# data[].attributes.body
Exagero emocional: formas distorcidas, cores intensas, traços fortes.

Subjetividade: o mundo é retratado através da visão interior do artista.

Temas existenciais: alienação, sofrimento, medo, ansiedade e conflitos humanos.

Liberdade formal: menos preocupação com proporção, perspectiva ou simetria.

Uso de cores vibrantes e contrastantes para gerar impacto emocional.

# data[].attributes.body
Pedro Henrique

3V01° ESPORTE

# data[].attributes.attachment_link.title
O que é EXPRESSIONISMO_ Resumo e Principais Características

# data[].attributes.attachment_link.provider_name
Academia Internacional de Cinema (AIC) RJ - SP - Online

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
O que foi o movimento cinematográfico, suas principais características estéticas, filmes e cineastas mais importantes e suas influências para o cinema contemporâneo.

"Eu acredito que os filmes do futuro usarão cada vez mais esses 'ângulos de câmera' ou, como prefiro chamá-los, esses 'ângulos dramáticos'. Eles auxiliam o pensamento cinematográfico."

F.W. Murnau

O Expressionismo alemão é um dos estilos do cinema mudo mais reconhecidos, embora às vezes seja difícil de definir. O movimento expressionista nas artes foi algo que despontou na poesia e na pintura, no início do século 20, influenciando também o teatro, a arquitetura e, naturalmente, o cinema, em especial depois da Primeira Guerra Mundial (1914 a 1918).

O que o Expressionismo buscava era uma representação subjetiva do mundo, que fosse capaz de revelar as angústias da existência humana através de imagens distorcidas e afastadas da realidade, remetendo a pesadelos. Esses conceitos se originavam, em parte, do Romantismo alemão.

Com seu uso de sombras e contrastes, histórias abordando temas inquietantes, além de cenários, maquiagens e figurinos exagerados, o cinema mudo alemão dos anos 1920 estabeleceu as bases para dois grandes gêneros do cinema moderno: o filme de terror e o filme noir.

O que foi o movimento

O Expressionismo alemão consistiu em uma série de movimentos criativos na Alemanha, na época da Primeira Guerra Mundial, que teve seu auge em Berlim, nos anos 1920. Esses acontecimentos faziam parte de uma tendência expressionista mais ampla, que tomava conta da cultura europeia daquele período e que, basicamente, caracterizava-se por uma rejeição das convenções ocidentais, mostrando a realidade de maneira extremamente distorcida para causar impacto emocional.

Muito influenciados por artistas plásticos como Vincent van Gogh, Edvard Munch e El Greco, os expressionistas não se preocupavam tanto em produzir composições esteticamente agradáveis, mas buscavam gerar reações profundas do público ao seu trabalho, por meio de contrastes, ângulos e formas abruptas. Em sua essência, o movimento explorava a relação entre arte e sociedade, abrangendo inúmeros campos, incluindo o cinema.

Assim como as pinturas expressionistas, os filmes desse período buscavam abordar as experiências pessoais e subjetivas do ser humano. No cinema, essa característica é mais particularmente associada a sets pouco realistas, ângulos profundos e sombras marcantes, para intensificar a atmosfera do filme.

O termo italiano chiaroscuro (claro-escuro) é frequentemente usado para descrever esse tipo de fotografia de alto contraste entre luz e escuridão, mas a crítico alemão Lotte H. Eisner, autora de A Tela Assombrada (1952), preferiu usar uma expressão de sua própria língua: helldunkel, que ela definiu como "uma espécie de crepúsculo da alma alemã, expressando-se em sombrios e enigmáticos interiores ou em nebulosas e insubstanciais paisagens".

Para compensar a falta de grandes orçamentos, os primeiros filmes expressionistas usavam cenários pouco realistas, com desenhos pintados nas paredes e nos pisos para representar luzes, sombras e objetos. As histórias e narrativas geralmente tratavam de loucura, insanidade, traição e outros temas existenciais trazidos à tona pelas experiências traumáticas da Primeira Guerra Mundial.

O antirrealismo extremo do Expressionismo teve vida curta, dissipando-se depois de poucos anos. No entanto, os temas do movimento permaneceram, de forma um pouco mais sutil, nos filmes produzidos em anos subsequentes, entre as décadas de 1920 e 1930.

Filmes posteriores, mas também categorizados como parte do Expressionismo alemão, incluem Metrópolis ( Metropolis), de 1927, e M, O Vampiro de Dusseldorf ( M), de 1931, ambos dirigidos por Fritz Lang. Essas obras mantinham o estilo de distorções na expressão dos atores e na direção de arte, para mostrar a realidade interna das emoções.

Essa escola de cinema sombria e melancólica acabou sendo levada para os Estados Unidos, mais tarde, quando os nazistas conquistaram o poder e muitos cineastas alemães foram obrigados a emigrar para Hollywood. Esses artistas perceberam que os estúdios norte-americanos estavam dispostos a acolhê-los, e diversos diretores e operadores de câmera alemães obtiveram sucesso no país, produzindo filmes hollywoodianos que impactaram o cinema como um todo.

De acordo com o teórico Sigfried Kracauer, autor do livro De Caligari a Hitler (1947), o cinema alemão da Era de Ouro, ou seja, os filmes mudos feitos antes da tomada do país por Hitler e da consequente ascensão do Terceiro Reich, já apontavam sinais de que a Alemanha nazista era algo inevitável.

Um pouco de história

Muitas manifestações artísticas na Europa dos anos 1920 buscavam mudanças e expressavam uma vontade de olhar para o futuro por meio de ousadas experimentações, novas ideias e estilos de fazer arte. As causas políticas e sociais estão nas bases desse movimentos, já que o Expressionismo foi uma reação à falência econômica da Alemanha com a Primeira Guerra Mundial.

Os filmes expressionistas tiveram sua origem em solo alemão, em um momento histórico no qual o país se encontrava em relativo isolamento. Em 1916, o governo baniu a exibição de filmes estrangeiros no país. A partir de então, a demanda das salas de cinema por mais filmes levou a um aumento da produção doméstica, que ganhou popularidade e passou de 24 filmes por ano em 1914 para 130 filmes em 1918.

Não demorou muito para que esse novo estilo conquistasse o público também de outros países. No início dos anos 1920, diversos cineastas já faziam experimentações com a estética arrojada do cinema alemão. O público europeu também começou a apreciar esse estilo, em parte devido a uma diminuição do sentimento anti-alemão que predominava na Europa, com o término da Primeira Guerra. Quando o banimento de importação de filmes deixou de vigorar na Alemanha, o cinema nacional já havia se tornado uma indústria internacional.

O movimento terminou depois que a moeda se estabilizou, tornando mais barata a compra de filmes estrangeiros. Os estúdios da Universum Film AG (UFA) entraram em colapso financeiro e os produtores alemães começaram a negociar com os italianos. O poder norte-americano na indústria cinematográfica também levou alguns cineastas germânicos a continuarem suas carreiras nos Estados Unidos. O último filme da UFA foi O Anjo Azul ( Der Blaue Engel), de Josef von Sternberg, em 1930, considerado uma obra de arte do Expressionismo alemão.

As características estéticas propostas pelos cineastas expressionistas na Alemanha eram bem aceitas durante a República de Weimar (1919 a 1933), período democrático antes da ocupação nazista, mas aos poucos foram se diluindo e se misturando com outras abordagens e estilos visuais. Essa variação do Expressionismo perdurou por muitas décadas subsequentes - nos ângulos acentuados e nos jogos de sombras dos filmes noir, por exemplo.

Principais características estéticas

Por ter florescido em meio aos horrores da guerra e à devastação econômica que dominou a Alemanha depois disso, o cinema expressionista buscava expressões viscerais de emoção e desprezava a obediência das regras de composição e representação. Embora tenha sido um movimento que emergiu do mesmo clima cultural que deu origem ao nazismo, os expressionistas eram um grupo de rebeldes que pregavam valores artísticos como a abstração e o antagonismo à tradição, aliados à necessidade quase obsessiva de expressar seus sentimentos, o que fez com que se referissem a si mesmos como os "adolescentes apocalípticos".

Muitos críticos veem um link direto entre o cinema e a arquitetura da época, já que os cenários e a direção de arte dos filmes em geral mostravam prédios com ângulos pontiagudos e ambientes grandiosos, visualmente sobrecarregados, como a Torre de Babel no filme Metrópolis, de Fritz Lang. Fortes elementos do monumentalismo e do modernismo aparecem nos filmes canônicos do Expressionismo alemão, como o próprio Metrópolis, em que a arquitetura se apresenta de maneira massiva e muitas vezes opressiva.

Os pintores expressionistas alemães que inspiraram o Expressionismo no cinema rejeitavam a representação naturalista de uma realidade objetiva. Eles retratavam figuras humanas, prédios e paisagens de maneira distorcida e estilizada, sem muita preocupação com as convenções da perspectiva ou da proporção, para desorientar o observador. Essa abordagem era usada para transmitir emoções internas e subjetivas por meio de ferramentas externas e objetivas.

O principal exemplo do estilo visual expressionista é a atmosfera de sonho do filme O Gabinete do Dr. Caligari, reconhecido como um dos marcos do cinema expressionista. Hermann Warm, o diretor de arte do filme, trabalhou com os pintores e diretores de arte Walter Reimann e Walter Röhrig para criar sets fantásticos, que remetiam a pesadelos, com criaturas retorcidas e paisagens com formas pontudas e linhas oblíquas. Alguns desses desenhos foram construídos, outros pintados diretamente em telas.

Os filmes expressionistas alemães não apenas sintetizavam o contexto sociopolítico no qual foram criados, como também trabalhavam problemas intrinsecamente modernos de auto-aceitação e identidade, expressando um pouco do que se passava na consciência coletiva da época. Segundo J.P. Telotte, em 'Expressionismo Alemão: Um Problema Cinemático/Cultural' do livro Tradições do Cinema Mundial (2005), o movimento voltou seu foco ao "poder dos

espetáculos" para oferecer ao público uma espécie de imagem metonímia de sua própria situação.

Os filmes expressionistas permanecem marcados por seus cenários e atuações extremamente estilizados, seu visual altamente contrastado e edição simples. A maior parte deles era gravada em estúdios, onde se podia usar iluminação e ângulos de câmera deliberadamente exagerados e dramáticos, para enfatizar algum aspecto particular dos personagens - medo, horror, dor, etc. Algumas das técnicas expressionistas foram posteriormente adaptados por diretores norte-americanos e incorporadas em muitos filmes de Hollywood.

Principais cineastas e filmes

Um dos filmes mais representativos do Expressionismo alemão foi Nosferatu (1922), de F.W. Murnau. Embora tenha usado diversas locações reais, o que não era comum nos filmes da época, o filme desenvolve o desespero e a angústia de maneira crescente e assustadora.Entre os filmes mais emblemáticos do Expressionismo alemão, certamente é preciso destacar O Gabinete do Dr. Caligari ( Das Cabinet des Dr. Caligari), de 1920, dirigido por Robert Wiene. O filme é famoso por sua atmosfera angustiante e pela história macabra, na qual o personagem Francis tenta resolver uma série de assassinatos que ele suspeita serem obra de um hipnotizador, o Dr. Caligari, e de seu comparsa sonâmbulo, Cesare. O longa foi interpretado por muitos como uma alegoria à Primeira Guerra Mundial, na qual Cesare representava os inocentes soldados levados ao crime pela manipulação de um governo autoritário e abusivo (representado por Caligari).

Outro filme extremamente representativo do Expressionismo alemão foi Nosferatu (1922), de F.W. Murnau. Embora tenha usado diversas locações reais, o que não era comum nos filmes da época, o filme desenvolve o desespero e a angústia de maneira crescente e assustadora. Murnau transforma o familiar em algo estranho, dando toques expressionistas às paisagens da vida real, o que gradualmente transporta o expectador da realidade para o pesadelo. O vampiro, que simboliza a inevitabilidade da morte, é uma adaptação livre da obra de Bram Stoker, cuja viúva acabou processando Murnau e pedindo a destruição de todas as cópias do filme - o que, por sorte, não aconteceu.

Metrópolis (1927), de Friz Lang, também é considerado um dos mais famosos filmes do Expressionismo e do cinema mudo como um todo. O longa-metragem mistura elementos góticos com uma estética futurista que ainda hoje inspira o gênero de ficção científica. Sua visão extremista de uma sociedade movida pela luta de classes, com os ricos vivendo no topo iluminado da cidade e os pobres embaixo, nas sombras, o filme revela as desigualdades econômicas da Alemanha na República Weimar, mesclando angústias pessoais com crítica social. A própria multidão de operários é uma parte essencial da estética visual do filme, movendo-se de maneira simétrica e mecânica, como a máquina gigante à qual servem.

Legado para o cinema

O cinema expressionista alemão dos anos 1920 defendia a premissa de que o filme se transforma em arte na medida em que suas imagens se afastam da realidade. Essa interpretação particular acabou influenciando alguns dos mais relevantes cineastas do século 20. O estilo seminal do Expressionismo conseguiu transpor em imagens o sentimento popular de um período turbulento da história europeia, dando origem a obras poderosas com um olhar revelador sobre a sociedade da época, expressando toda a desilusão, desconfiança e isolamento enfrentados pelo povo alemão.

Os filmes mudos da Alemanha estavam muito à frente do que era produzido em Hollywood no mesmo período. De certo modo, o cinema no mundo inteiro se beneficiou com o desenvolvimento desse estilo e das novas técnicas, que se tornaram cada vez mais visíveis nas telas. A estética expressionista ainda é incorporada por cineastas e diretores de fotografia contemporâneos.

No campo das artes plásticas, o russo Wassily Kandinsky foi um dos pintores fortemente inspirados pelo Expressionismo. O mesmo pode-se dizer do escritor Franz Kafka, na literatura, e do compositor austríaco Arnold Schoenberg, na música. Já no cinema, dois gêneros foram especialmente influenciados: os filmes de terror e os filmes noir.

Inspirado pelo movimento expressionista, o fundador dos estúdios da Universal, Carl Laemmle, ficou famoso por produzir filmes de terror para o cinema mudo norte-americano, como O Fantasma da Ópera ( The Phantom of the Opera), em 1925. Cineastas de origem alemã, radicados nos Estados Unidos, como Karl Freund (que foi diretor de fotografia de Dracula, em 1931), ajudaram a definir a atmosfera dos filmes de monstros produzidos pela Universal nos anos 1930. Com suas características peculiares de direção de arte e de fotografia, esses profissionais criaram um modelo estilístico para as futuras gerações.

Em 1924, o jovem Alfred Hitchcock foi enviado para trabalhar no filme The Blackguard ( Die Prinzessin und der Geiger), como assistente de direção e diretor de arte para os estúdios UFA, em Berlim. O efeito imediato desse ambiente de trabalho pode ser visto no design de seus cenários para esse longa-metragem. O Expressionismo alemão influenciaria o diretor ao longo de toda a sua carreira, assim como o cinema de Hitchcock influenciou diversos outros cineastas modernos.

Em seu terceiro filme, O Inquilino ( The Lodger: A Story of the London Fog), de 1927, Hitchcock apresentou ao público técnicas de iluminação e truques de câmera ousados, contra a vontade do estúdio. Essa influência expressionista também pode ser percebida no bem sucedido Psicose ( Psycho), de 1960, no qual a imagem borrada do assassino, vista através de uma cortina de banheiro, é uma reminiscência a Nosferatu, na cena em que o vampiro é mostrado por meio de uma sombra.

Nos anos 1940, diretores como Fritz Lang, Billy Wilder, Otto Preminger, Orson Welles, Carol Reed e Michael Curtiz introduziram o estilo expressionista nos dramas norte-americanos, expandindo ainda mais a influência do movimento no fazer cinematográfico moderno.

Mais recentemente, em 1979, o filme Nosferatu: O Vampiro da Noite ( Nosferatu: Phantom der Nacht), do cineasta alemão Werner Herzog, foi um tributo ao longa de F.W. Murnau, usando as mesmas técnicas expressionistas para contar uma história de valor simbólico muito profundo. Outro filme recente que usa contraste acentuado e elementos fantásticos é a produção norte-americana Cidade das Sombras ( Dark City), de 1998, dirigida por Alex Proyas.

Elementos estilísticos empregados do Expressionismo são comuns atualmente em obras de ficção científica - por exemplo, Blade Runner: O Caçador de Androides ( Blade Runner), de Ridley Scott, lançado em 1982 e visivelmente influenciado por Metrópolis; e Neblina e Sombras ( Shadows and Fog), de Woody Allen, de 1991, uma homenagem aos cineastas expressionistas Fritz Lang, Georg Wilhelm Pabst e F.W. Murnau.

O estilo pode ser percebido também na filmografia do diretor Tim Burton. Batman: O Retorno ( Batman Returns), de 1992, é muito citado como uma tentativa moderna de capturar a essência do expressionismo alemão. As formas angulares dos prédios e a aparência agressiva da cidade de Gotham evocam a hostilidade e a ameaça presentes em Metrópolis. Além disso, O Gabinete do Dr. Caligari foi a inspiração para a aparência grotesca do Pinguim, interpretado por Danny DeVito.

As influências expressionistas de Burton são ainda mais aparentes no conto de fadas moderno Edward Mãos de Tesoura (Edward Scissorhands). O protagonista é uma referência ao servo sonâmbulo de Caligari. Burton provoca desconforto com os ambientes do filme, desde o subúrbio colorido até o castelo gótico do protagonista. A seu modo, o diretor subverte o pesadelo de Caligari com uma narrativa surpreendentemente inspiradora, apresentando o outsider como herói e os habitantes da vila como vilões. O mesmo pode-se dizer sobre o filme Sweeney Todd: O Barbeiro Demoníaco da Rua Fleet (Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street), de 2007, também dirigido por Tim Burton, cujo protagonista aparece sempre com roupas escuras, maquiagem branca no rosto e olheiras profundas.
*Texto e pesquisa: Katia Kreutz
Confira também os outros artigos sobre os Movimentos Cinematográficos:

# data[].attributes.attachment_link.title
O Expressionismo Alemão | Academia Internacional de Cinema (AIC)

# data[].attributes.attachment_link.description
O que foi o movimento cinematográfico, suas principais características estéticas, filmes e cineastas mais importantes e suas influências para o cinema contemporâneo. "Eu acredito que os filmes do futuro usarão cada vez mais esses 'ângulos de câmera' ou, como prefiro chamá-los, esses 'ângulos dramáticos'. Eles auxiliam o pensamento cinematográfico." F.W.

# data[].attributes.body
1. O expressionismo foi um movimento artístico e cultural de vanguarda, surgido na Alemanha no início do século XX (aprox. 1905-1930), que priorizava a expressão subjetiva das emoções sobre a representação objetiva da realidade. Caracteriza-se por deformar formas, usar cores vibrantes e temas sombrios para transmitir angústia, medo e a intensidade dos sentimentos humanos.

2. Artistas e Obras Marcantes:

Edvard Munch: O Grito (Embora anterior, é considerado o precursor do movimento).

Ernst Ludwig Kirchner: Líder do grupo Die Brücke (A Ponte).

Wassily Kandinsky: Associado ao Der Blaue Reiter (O Cavaleiro Azul).

Anita Malfatti: Importante no modernismo brasileiro, com obras como A Ventania.

Candido Portinari: Exemplo com a obra Retirantes.

# data[].attributes.attachment_link.title
Futurismo: características, principais obras e artistas

# data[].attributes.attachment_link.description
O Futurismo foi um movimento artístico e cultural que surgiu nos primeiros anos do século XX. Parte das vanguardas europeias, rejeitava o passado,…

# data[].attributes.body
mariany ramily

# data[].attributes.body
O Fauvismo teve início ainda no ano de 1901, na França. Porém, ele só foi reconhecido como uma corrente artística em 1905.

O Fauvismo (ou Fovismo) foi um movimento artístico heterogêneo associado à pintura e teve sua origem na França no início do século XX. Essa tendência foi desenvolvida entre os anos de 1905 e 1907.

Dentre os nomes que influenciaram o movimento estão Van Gogh (1853-1890) e Paul Gauguin (1848-1903).

Com suas pinceladas fortes, cores vibrantes e emotivas, ou mesmo com o primitivismo sintetizador da natureza, ambos contribuíram para essa vertente da arte.

catarina farias.

# data[].attributes.body
O cubismo foi uma vanguarda artística europeia marcada pelo uso de formas geométricas. Surgido no início do século XX na França, esse novo estilo rompeu com os modelos estéticos que só valorizavam a perfeição das formas.

O cubismo foi uma vanguarda artística europeia marcada pelo uso de formas geométricas. Surgido no início do século XX na França, esse novo estilo rompeu com os modelos estéticos que só valorizavam a perfeição das formas.

Georges Braque afirmou:

[Não se imita aquilo que se quer criar.]

Vale citar que este estilo abandona distinções entre forma e fundo ou qualquer noção de profundidade.

catarina farias

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
O surrealismo foi uma das vanguardas artísticas europeias que surgiu em Paris no início do século XX.

Esse movimento originou-se em reação ao racionalismo e ao materialismo da sociedade ocidental.

A arte surrealista não se restringiu à pintura, de modo que também influenciou outras manifestações artísticas: a escultura, a literatura, o teatro e o cinema.

Origem do Surrealismo

Grupo de artistas surrealistas nos anos 30: da esquerda para a direita: Tristan Tzara, Paul Éluard, André Breton, Hans Arp, Salvador Dali, Yves Tanguy, Max Ernst, René Crevel e Man Ray

Na Europa, o período entre as duas guerras (1918-1939) ficou conhecido como "os anos loucos". Assim, a incerteza sobre a predominância da paz levou ao desejo de "viver apenas o presente".

Foi nesse período de insatisfação, desequilíbrio e contradições, que surgiram diversos movimentos artísticos voltados para uma nova interpretação e expressão da realidade.

Esses movimentos ficaram conhecidos como "vanguardas europeias". O Surrealismo foi uma dessas correntes e teve como precedente indispensável o Dadaísmo e a pintura metafísica de Giorgio de Chirico (1888-1978).

Pessoas abstratas comendo no restaurante. Formas geométricas, Giorgio de Chirico.
Cassette Bleue/Shutterstock.com

André Breton (1896-1966), escritor francês e ex-participante do Dadaísmo, rompeu com o líder do movimento dadaísta Tristan Tzara.

Com isso, lançou em Paris, em 1924, o Manifesto Surrealista, que trouxe para o mundo um novo modo de encarar a arte. Segundo ele, o termo consiste em:

SURREALISMO, s.m. Automatismo psíquico puro pelo qual se propõe exprimir, seja verbalmente, seja por escrito, seja de qualquer outra maneira, o funcionamento real do pensamento. Ditado do pensamento, na ausência de todo controle exercido pela razão, fora de toda preocupação estética ou moral.

No manifesto, os princípios surrealistas são apresentados, entre eles a isenção da lógica e a adoração de uma realidade superior, chamada "maravilhosa".

Nesse mesmo ano, circula o primeiro número da revista A Revolução Surrealista, que reunia todos os meios de expressão artística, com exclusão da música.

Principais características do surrealismo

De forma simplificada, podemos listar as seguintes características dessa vertente artística:

pensamento livre;

expressividade espontânea;

influência das teorias da psicanálise;

criação de uma "realidade paralela";

criação de cenas irreais;

valorização do inconsciente.

O surrealismo propõe a valorização da fantasia, da loucura e a utilização da reação automática. Nessa perspectiva, o artista deve deixar-se levar pelo impulso, registrando tudo o que lhe vier à mente, sem se preocupar com a lógica.

Os artistas surrealistas tinham como objetivo usar o potencial do subconsciente e dos sonhos como fonte para a criação de imagens fantásticas.

Assim, as artes plásticas e a literatura eram vistas como um meio de expressar a fusão dos sonhos e da realidade em um tipo de realidade absoluta, uma " surrealidade".

Na mesma época, o estudo da psicanálise estava em desenvolvimento - sobretudo por Sigmund Freud - o que veio a influenciar significativamente o surrealismo.

Rumos do Surrealismo

Na pintura, o Surrealismo tomou duas direções: a pintura surrealista figurativa e a abstrata.

Em ambas, adaptou as técnicas de escrita automática dos poetas surrealistas. O intuito era liberar a mente do controle consciente e produzir um fluxo de ideias do subconsciente. Essas obras eram abstratas ou figurativas.

Em outra perspectiva, o surrealismo baseou-se em reconstruções elaboradas e meticulosas de um mundo de sonho, onde objetos eram colocados em uma justaposição inesperada.

Saiba mais sobre:

Principais Artistas e Obras do Surrealismo

O surrealismo teve alguns nomes de destaque, entre eles:

1. Max Ernst

FRANÇA - CIRCA 1991: Um selo impresso na França mostra a obra "Depois da Maternidade" de Max Ernst, cerca de 1991. Neftali/Shutterstock.com

Em 1925, o pintor alemão Max Ernst (1891-1976) - antes dadaísta - inventou a técnica frottage, palavra que em francês significa "friccionar".

Nesse método, o artista fricciona o lápis (ou outro material) em um papel sobre uma superfície texturizada. Assim, imagens surgiam e eram usadas como apareciam, ou serviam como base para um novo desenho.

O artista usou também a decalcomania, em que se coloca a tinta em superfícies como vidro ou metal e pressiona-se sobre um apoio de tela ou de papel. As formas resultantes eram então trabalhadas criativamente.

2. Joan Miró

ESPANHA - CIRCA 1990: Um selo impresso na Espanha mostra o símbolo do turismo espanhol criado por Joan Miro, por volta de 1990. Neftali/Shutterstock.com

O pintor espanhol Joan Miró (1893-1983), em sua obra " Carnaval do Arlequim" (1924-25), cruzou a fronteira entre a observação do "modelo externo" e símbolos que fluíam do subconsciente.

Embora baseado em desenhos feitos em estado de alucinação, sua composição é altamente organizada através da intervenção do controle consciente.

Um artista que sofreu certa influência de Miró foi o norte-americano Jackson Pollock (1912-56).

3. René Magritte

Milão, Itália - 27 de janeiro de 2018: Famosa pintura surrealista, A traição das imagens (1929), de Magritte em selo postal. Spatuletail/Shutterstock.com

O pintor belga René Magritte (1898-1967) rejeitou a suposta espontaneidade do automatismo por considerá-la falsa.

Passou a trabalhar com imagens que, à primeira vista, pareciam convencionais, mas às quais dava um caráter bizarro por sobreposições.

4. Salvador Dalí

A persistência da memória (1931), do pintor espanhol Salvador Dali. Pintura a óleo. Kumachenkova/Shutterstock.com

Nascido na Espanha, o pintor Salvador Dalí (1904-1989) tornou-se um membro oficial do grupo surrealista e deu a ele um novo ímpeto com seu método de atividade paranoica. Ele certamente é o artista mais lembrado quando se fala de surrealismo.

Dalí interessava-se por condições mentais anormais e, em particular, por alucinações. Suas estranhas imagens eram retratadas de modo que se assemelhavam à fotografia em cores.

Para saber mais sobre o quadro mostrado aqui, leia: A persistência da memória.

Surrealismo no Brasil

À esquerda, a tela Desejo de Amor (1932), de Ismael Nery. À direita, Ismael Nery - "Namorados" - óleo sobre tela - 58,5 x 58,5 cm - circa 1927.

No Brasil, o Surrealismo exerceu considerável influência sobre o movimento Modernista. O escritor Oswald de Andrade foi um dos maiores expoentes.

Em seu Manifesto Antropófago, no romance Serafim Ponte Grande e nas peças O Homem e o Cavalo e a Morta, podemos notar elementos que se relacionam com as técnicas de criação surrealista.

Além da literatura, essa vertente artística exerceu influência também nos artistas plásticos: Tarsila do Amaral, Ismael Nery e Cícero Dias.

Para saber mais sobre outros movimentos da arte, leia:

Confira também essa seleção de questões que separamos para você testar seus conhecimentos: Exercícios sobre Vanguardas Europeias.

# data[].attributes.attachment_link.title
Surrealismo: resumo, características, artistas e obras

# data[].attributes.attachment_link.description
O surrealismo foi uma das vanguardas artísticas europeias que surgiu em Paris no início do século XX. Esse movimento originou-se em reação ao racionalismo e ao materialismo da sociedade ocidental. A arte surrealista não se restringiu à pintura, de modo que também influenciou outras...

# data[].attributes.headline
O Fauvismo (1905-1907) foi um movimento artístico francês de vanguarda que revolucionou o uso da cor, utilizando-a pura e intensa para expressar emoções, em vez de descrever a realidade. Liderado por Henri Matisse, o grupo, chamado de "feras" (fauves), rompeu com o naturalismo através de pinceladas espontâneas, cores arbitrárias e formas simplificadas.

# data[].attributes.subject
O Fauvismo (1905-1907) foi um movimento artístico francês de vanguarda que revolucionou o uso da cor, utilizando-a pura e intensa para expressar emoções, em vez de descrever a realidade. Liderado por Henri Matisse, o grupo, chamado de "feras" (fauves), rompeu com o naturalismo através de pinceladas espontâneas, cores arbitrárias e formas simplificadas.

# data[].attributes.body
mariany ramily

# data[].attributes.body
Vale citar que este estilo abandona distinções entre forma e fundo ou qualquer noção de profundidade.

Ele publicou em 20 de fevereiro de 1909, no jornal "Le Figaro", uma nota um tanto quanto polêmica dando início ao movimento.

"Nós destruiremos os museus, bibliotecas, academias de todo tipo, lutaremos contra o moralismo, feminismo, toda cobardice oportunista ou utilitária.

Nós cantaremos as grandes multidões excitadas pelo trabalho, pelo prazer, e pelo tumulto; nós cantaremos a canção das marés de revolução, multicoloridas e polifónicas nas modernas capitais; nós cantaremos o vibrante fervor noturno de arsenais e estaleiros em chamas com violentas luas elétricas; estações de trem cobiçosas que devoram serpentes emplumadas de fumaça; fábricas pendem em nuvens por linhas tortas de suas fumaças; pontes que transpõem rios, como ginastas gigantes, lampejando no sol com um brilho de facas; navios a vapor aventureiros que fungam o horizonte; locomotivas de peito largo cujas rodas atravessam os trilhos como o casco de enormes cavalos de aço freados por tubulações; e o vôo macio de aviões cujos propulsores tagarelam no vento como faixas e parecem aplaudir como um público entusiasmado."

Outro fator conhecido é a utilização da publicidade como principal meio de comunicação. Isso, especialmente pelo enaltecimento da tipografia desse período, em textos que exploravam o lúdico, a linguagem vernácula e uso de onomatopeias.

catarina farias.

# data[].attributes.body
mariany ramily

# data[].attributes.attachment_link.title
Cubismo | Vanguardas Europeias - Brasil Escola

# data[].attributes.body
O Dadaísmo, ou simplesmente “Dadá”, foi um movimento artístico pertencente às vanguardas europeias do século XX, cujo lema era: "a destruição também é criação".

Foi considerado o movimento propulsor das ideias surrealistas e tinha um caráter ilógico, anti-racionalista e de protesto.

O dadaísmo, assim como outras vanguardas artísticas europeias, influenciou o movimento modernista que surgia no Brasil, sobretudo após a Semana de Arte Moderna.

Na literatura, podemos notar essa influência em algumas manifestações dos escritores Mário de Andrade e Manuel Bandeira. Além deles, destaca-se o "teatro de experiência" de Flávio de Carvalho e as pinturas de Ismael Nery.

catarina farias.

# data[].attributes.attachment_link.title
Dadaísmo: origem, características, obras e artistas

# data[].attributes.attachment_link.description
O Dadaísmo, ou simplesmente “Dadá”, foi um movimento artístico pertencente às vanguardas europeias do século XX, cujo lema era: ” a destruição também é criação ”. Foi considerado o movimento propulsor das ideias surrealistas e tinha um caráter ilógico, anti-racionalista e…

# data[].attributes.body
mariany

# data[].attributes.body
mariany ramily

# data[].attributes.attachment_caption
O Grito

Obra de Edvard Munch que mostra desespero e angústia com cores intensas e formas distorcidas.

# data[].attributes.headline
Expressionismo valoriza a emoção e os sentimentos, usando cores fortes, deformações e expressa dor e angústia

# data[].attributes.subject
Expressionismo valoriza a emoção e os sentimentos, usando cores fortes, deformações e expressa dor e angústia

# data[].attributes.body
O surrealismo foi uma das vanguardas artísticas europeias que surgiu em Paris no início do século XX.

Na Europa, o período entre as duas guerras (1918-1939) ficou conhecido como "os anos loucos". Assim, a incerteza sobre a predominância da paz levou ao desejo de "viver apenas o presente".

Foi nesse período de insatisfação, desequilíbrio e contradições, que surgiram diversos movimentos artísticos voltados para uma nova interpretação e expressão da realidade.

Foi nesse período de insatisfação, desequilíbrio e contradições, que surgiram diversos movimentos artísticos voltados para uma nova interpretação e expressão da realidade.

lançou em Paris, em 1924, o Manifesto Surrealista, que trouxe para o mundo um novo modo de encarar a arte. Segundo ele, o termo consiste em:

SURREALISMO, s.m. Automatismo psíquico puro pelo qual se propõe exprimir, seja verbalmente, seja por escrito, seja de qualquer outra maneira, o funcionamento real do pensamento. Ditado do pensamento, na ausência de todo controle exercido pela razão, fora de toda preocupação estética ou moral.

catarina farias

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
O surrealismo foi uma das vanguardas artísticas europeias que surgiu em Paris no início do século XX.

Esse movimento originou-se em reação ao racionalismo e ao materialismo da sociedade ocidental.

A arte surrealista não se restringiu à pintura, de modo que também influenciou outras manifestações artísticas: a escultura, a literatura, o teatro e o cinema.

Origem do Surrealismo

Grupo de artistas surrealistas nos anos 30: da esquerda para a direita: Tristan Tzara, Paul Éluard, André Breton, Hans Arp, Salvador Dali, Yves Tanguy, Max Ernst, René Crevel e Man Ray

Na Europa, o período entre as duas guerras (1918-1939) ficou conhecido como "os anos loucos". Assim, a incerteza sobre a predominância da paz levou ao desejo de "viver apenas o presente".

Foi nesse período de insatisfação, desequilíbrio e contradições, que surgiram diversos movimentos artísticos voltados para uma nova interpretação e expressão da realidade.

Esses movimentos ficaram conhecidos como "vanguardas europeias". O Surrealismo foi uma dessas correntes e teve como precedente indispensável o Dadaísmo e a pintura metafísica de Giorgio de Chirico (1888-1978).

Pessoas abstratas comendo no restaurante. Formas geométricas, Giorgio de Chirico.
Cassette Bleue/Shutterstock.com

André Breton (1896-1966), escritor francês e ex-participante do Dadaísmo, rompeu com o líder do movimento dadaísta Tristan Tzara.

Com isso, lançou em Paris, em 1924, o Manifesto Surrealista, que trouxe para o mundo um novo modo de encarar a arte. Segundo ele, o termo consiste em:

SURREALISMO, s.m. Automatismo psíquico puro pelo qual se propõe exprimir, seja verbalmente, seja por escrito, seja de qualquer outra maneira, o funcionamento real do pensamento. Ditado do pensamento, na ausência de todo controle exercido pela razão, fora de toda preocupação estética ou moral.

No manifesto, os princípios surrealistas são apresentados, entre eles a isenção da lógica e a adoração de uma realidade superior, chamada "maravilhosa".

Nesse mesmo ano, circula o primeiro número da revista A Revolução Surrealista, que reunia todos os meios de expressão artística, com exclusão da música.

Principais características do surrealismo

De forma simplificada, podemos listar as seguintes características dessa vertente artística:

pensamento livre;

expressividade espontânea;

influência das teorias da psicanálise;

criação de uma "realidade paralela";

criação de cenas irreais;

valorização do inconsciente.

O surrealismo propõe a valorização da fantasia, da loucura e a utilização da reação automática. Nessa perspectiva, o artista deve deixar-se levar pelo impulso, registrando tudo o que lhe vier à mente, sem se preocupar com a lógica.

Os artistas surrealistas tinham como objetivo usar o potencial do subconsciente e dos sonhos como fonte para a criação de imagens fantásticas.

Assim, as artes plásticas e a literatura eram vistas como um meio de expressar a fusão dos sonhos e da realidade em um tipo de realidade absoluta, uma " surrealidade".

Na mesma época, o estudo da psicanálise estava em desenvolvimento - sobretudo por Sigmund Freud - o que veio a influenciar significativamente o surrealismo.

Rumos do Surrealismo

Na pintura, o Surrealismo tomou duas direções: a pintura surrealista figurativa e a abstrata.

Em ambas, adaptou as técnicas de escrita automática dos poetas surrealistas. O intuito era liberar a mente do controle consciente e produzir um fluxo de ideias do subconsciente. Essas obras eram abstratas ou figurativas.

Em outra perspectiva, o surrealismo baseou-se em reconstruções elaboradas e meticulosas de um mundo de sonho, onde objetos eram colocados em uma justaposição inesperada.

Saiba mais sobre:

Principais Artistas e Obras do Surrealismo

O surrealismo teve alguns nomes de destaque, entre eles:

1. Max Ernst

FRANÇA - CIRCA 1991: Um selo impresso na França mostra a obra "Depois da Maternidade" de Max Ernst, cerca de 1991. Neftali/Shutterstock.com

Em 1925, o pintor alemão Max Ernst (1891-1976) - antes dadaísta - inventou a técnica frottage, palavra que em francês significa "friccionar".

Nesse método, o artista fricciona o lápis (ou outro material) em um papel sobre uma superfície texturizada. Assim, imagens surgiam e eram usadas como apareciam, ou serviam como base para um novo desenho.

O artista usou também a decalcomania, em que se coloca a tinta em superfícies como vidro ou metal e pressiona-se sobre um apoio de tela ou de papel. As formas resultantes eram então trabalhadas criativamente.

2. Joan Miró

ESPANHA - CIRCA 1990: Um selo impresso na Espanha mostra o símbolo do turismo espanhol criado por Joan Miro, por volta de 1990. Neftali/Shutterstock.com

O pintor espanhol Joan Miró (1893-1983), em sua obra " Carnaval do Arlequim" (1924-25), cruzou a fronteira entre a observação do "modelo externo" e símbolos que fluíam do subconsciente.

Embora baseado em desenhos feitos em estado de alucinação, sua composição é altamente organizada através da intervenção do controle consciente.

Um artista que sofreu certa influência de Miró foi o norte-americano Jackson Pollock (1912-56).

3. René Magritte

Milão, Itália - 27 de janeiro de 2018: Famosa pintura surrealista, A traição das imagens (1929), de Magritte em selo postal. Spatuletail/Shutterstock.com

O pintor belga René Magritte (1898-1967) rejeitou a suposta espontaneidade do automatismo por considerá-la falsa.

Passou a trabalhar com imagens que, à primeira vista, pareciam convencionais, mas às quais dava um caráter bizarro por sobreposições.

4. Salvador Dalí

A persistência da memória (1931), do pintor espanhol Salvador Dali. Pintura a óleo. Kumachenkova/Shutterstock.com

Nascido na Espanha, o pintor Salvador Dalí (1904-1989) tornou-se um membro oficial do grupo surrealista e deu a ele um novo ímpeto com seu método de atividade paranoica. Ele certamente é o artista mais lembrado quando se fala de surrealismo.

Dalí interessava-se por condições mentais anormais e, em particular, por alucinações. Suas estranhas imagens eram retratadas de modo que se assemelhavam à fotografia em cores.

Para saber mais sobre o quadro mostrado aqui, leia: A persistência da memória.

Surrealismo no Brasil

À esquerda, a tela Desejo de Amor (1932), de Ismael Nery. À direita, Ismael Nery - "Namorados" - óleo sobre tela - 58,5 x 58,5 cm - circa 1927.

No Brasil, o Surrealismo exerceu considerável influência sobre o movimento Modernista. O escritor Oswald de Andrade foi um dos maiores expoentes.

Em seu Manifesto Antropófago, no romance Serafim Ponte Grande e nas peças O Homem e o Cavalo e a Morta, podemos notar elementos que se relacionam com as técnicas de criação surrealista.

Além da literatura, essa vertente artística exerceu influência também nos artistas plásticos: Tarsila do Amaral, Ismael Nery e Cícero Dias.

Para saber mais sobre outros movimentos da arte, leia:

Confira também essa seleção de questões que separamos para você testar seus conhecimentos: Exercícios sobre Vanguardas Europeias.

# data[].attributes.attachment_link.title
Surrealismo: resumo, características, artistas e obras

# data[].attributes.attachment_link.description
O surrealismo foi uma das vanguardas artísticas europeias que surgiu em Paris no início do século XX. Esse movimento originou-se em reação ao racionalismo e ao materialismo da sociedade ocidental. A arte surrealista não se restringiu à pintura, de modo que também influenciou outras...

# data[].attributes.headline
O surrealismo foi um movimento artístico e literário vanguardista, iniciado em Paris nos anos 1920 por André Breton, que valorizava o inconsciente, os sonhos e a livre associação de ideias. Rejeitando a lógica e a razão, buscava criar uma "surrealidade" ao unir o sonho à realidade, influenciado pela psicanálise de Sigmund Freud.

# data[].attributes.subject
O surrealismo foi um movimento artístico e literário vanguardista, iniciado em Paris nos anos 1920 por André Breton, que valorizava o inconsciente, os sonhos e a livre associação de ideias. Rejeitando a lógica e a razão, buscava criar uma "surrealidade" ao unir o sonho à realidade, influenciado pela psicanálise de Sigmund Freud.

# data[].attributes.body
Principais Características do Surrealismo:

Automatismo: Criação espontânea, sem controle racional ou preocupações morais/estéticas.

Imagens Oníricas: Cenas que lembram sonhos, com temas como desejo, erotismo, medo e morte.

Irracionalidade: Desafio à lógica, com combinações improváveis e bizarras.

Valorização da Fantasia: Exploração da imaginação e do subconsciente.

Principais Artistas e Obras:

Salvador Dalí: Conhecido por cenas oníricas e distorcidas (ex: A Persistência da Memória).

René Magritte: Explorou o paradoxo entre imagens e palavras.

Max Ernst: Utilizou técnicas como frottage para acessar o inconsciente.

Luis Buñuel: Levou o surrealismo para o cinema (ex: Um Cão Andaluz). mariany

# data[].attributes.attachment_link.title
Entendendo o Fauvismo: Matisse e as "feras"

# data[].attributes.headline
o Cubismoé um movimento artístico que usa formas geométricas e imagens fragmentadas, mostrando vários ângulos ao mesmo tempo e rompendo com a arte tradicional. um Exemplo: Guernica de Pablo Picasso.

# data[].attributes.subject
o Cubismoé um movimento artístico que usa formas geométricas e imagens fragmentadas, mostrando vários ângulos ao mesmo tempo e rompendo com a arte tradicional. um Exemplo: Guernica de Pablo Picasso.

# data[].attributes.body
Movimento artístico que usa formas geométricas e imagens fragmentadas, mostrando vários ângulos ao mesmo tempo e rompendo com a arte tradicional.

Exemplo: Guernica de Pablo Picasso.

# data[].attributes.body
Algumas características: Fragmentação das formas – Os objetos são decompostos em partes geométricas, como cubos, cones e cilindros, e reconstituídos de forma que podem aparecer de múltiplos ângulos ao mesmo tempo.

Perspectiva múltipla – Ao invés de uma visão única, a obra mostra vários pontos de vista simultaneamente, quebrando a perspectiva tradicional da pintura.

Geometrização – Tudo é transformado em formas geométricas, simplificando a realidade sem perder a essência do objeto.

Paleta de cores reduzida – Muitas obras cubistas usam cores sóbrias, como tons de marrom, cinza, verde e azul, para focar na forma em vez da cor.

Incorporação de elementos do cotidiano – Objetos comuns, como garrafas, instrumentos musicais e jornais, aparecem frequentemente, mostrando uma visão abstrata da vida moderna.

Abstração – O cubismo tende a ir do realismo para a abstração, permitindo ao espectador reconstruir mentalmente o objeto.

# data[].attributes.attachment_link.title
O que é o SURREALISMO | Características e Obras

# data[].attributes.body
mapa mental sobre surrealismo

# data[].attributes.attachment_link.description
Expressionismo é o nome de uma vanguarda artística europeia do início do século XX. Esse movimento artístico está entre os primeiros representantes das vanguardas históricas e talvez, o primeiro a focar em aspectos subjetivos, valorizando a expressão emocional do ser humano. Origem do…

# data[].attributes.attachment_link.title
CUBISMO: Como Revolucionou a Arte Moderna?

# data[].attributes.body
O Dadaísmo foi um movimento artístico, literário e cultural que surgiu em 1916, na cidade de Zurique, durante a Primeira Guerra Mundial. Ele nasceu em um contexto de grande crise mundial, marcado pela violência da guerra e pela descrença nos valores tradicionais da sociedade europeia.

Os artistas dadaístas acreditavam que a razão e a lógica — que eram valorizadas pela sociedade — haviam contribuído para o surgimento da guerra. Por isso, criaram um movimento que ia justamente contra tudo isso, defendendo o absurdo, o caos, a espontaneidade e o nonsense (falta de sentido). O objetivo era provocar, chocar e fazer as pessoas questionarem o que era considerado “normal” na arte e na vida.

O Dadaísmo não tinha regras fixas nem um estilo único. Ele se manifestava de várias formas, como poemas sem sentido, colagens feitas com recortes aleatórios, apresentações teatrais estranhas e obras criadas a partir de objetos comuns. Um exemplo famoso é o trabalho de Marcel Duchamp, que transformou um objeto do dia a dia (um urinol) em uma obra de arte chamada “A Fonte”, questionando o que realmente define algo como arte.

Além de Duchamp, outros artistas importantes do movimento foram Tristan Tzara e Hugo Ball, que ajudaram a espalhar as ideias dadaístas pela Europa.

O movimento também criticava o consumismo, o nacionalismo e as instituições tradicionais. Ele não queria criar uma nova forma de arte organizada, mas sim destruir os padrões existentes, mostrando que a arte podia ser livre, imprevisível e até sem sentido.

Apesar de ter sido um movimento relativamente curto, o Dadaísmo teve grande influência em movimentos posteriores, como o Surrealismo, e ajudou a transformar profundamente a maneira como entendemos a arte hoje.

# data[].attributes.attachment_link.title
Colorido Liso Moderno Movimentos Artísticos Surrealismo Artes Visuais Apres_20260406_175120_0000

# data[].attributes.body
O Expressionismo foi um movimento artístico do início do século XX que trocou a observação da natureza pela expressão das emoções internas. Em vez de pintar o que viam, os artistas pintavam o que sentiam — e, na época, o sentimento era de angústia, solidão e medo devido às crises sociais e à guerra.

Pontos-chave:

A Emoção deforma a forma: As figuras são distorcidas e os cenários são angulares para passar uma sensação de desconforto ou intensidade.

Cores "Explosivas": Uso de cores fortes e irreais (como um céu vermelho sangue) para impactar o espectador.

Temas Psicológicos: Foco na subjetividade, no pessimismo e na crítica à hipocrisia da sociedade moderna.

Grandes Nomes: Edvard Munch (com o famoso O Grito), Van Gogh (como precursor) e Anita Malfatti no Brasil.

Aluna: Paloma Alvarenga da Silva

# data[].attributes.body
O que foi o Fauvismo?

Surgido na França por volta de 1905, foi a primeira vanguarda modernista. O nome vem de les fauves ("os feras"), apelido dado por um crítico que ficou chocado com a agressividade das cores nas telas.

Características Principais:

Cores Arbitrárias: O artista usa a cor que quer, não a que vê. Se ele sente que o rosto deve ser verde e o céu amarelo limão, ele faz.

Simplificação das Formas: Menos detalhes realistas, mais foco no impacto visual.

Pinceladas Largas: A tinta é aplicada de forma direta, sem medo de mostrar a textura.

Otimismo: Diferente do Expressionismo alemão (que era sombrio), o Fauvismo francês costumava ser alegre, retratando lazer, natureza e harmonia.

Os Protagonistas:

Henri Matisse: O líder. Sua obra A Alegria de Viver é o símbolo máximo do movimento.

André Derain: Famoso por suas paisagens com cores vibrantes e contrastantes.

Maurice de Vlaminck: Usava a tinta quase saindo diretamente do tubo para a tela.

Aluna: Paloma Alvarenga

# data[].attributes.body
📐 O que define o Cubismo?

Surgido em Paris (cerca de 1907), o movimento foi liderado por Pablo Picasso e Georges Braque. A grande inovação foi a geometrização das formas e a total rejeição da perspectiva tradicional (aquela que dá profundidade realista à pintura).

As Duas Fases Principais:

1. Cubismo Analítico: O foco é desconstruir o objeto. As cores são quase monocromáticas (tons de marrom, cinza e bege) para que o espectador foque na estrutura e na fragmentação, não na beleza da cor. Fica tão fragmentado que beira a abstração.

2. Cubismo Sintético: Os artistas começam a tornar as figuras mais reconhecíveis novamente. Introduziram a colagem (pedaços de jornal, cordas, tecidos), misturando objetos reais com a pintura.

Características Marcantes:

Geometrização: Tudo é reduzido a cubos, esferas, cones e cilindros.

Simultaneidade: Ver o objeto de frente, de lado e de cima, tudo no mesmo plano.

Cores Neutras: Especialmente na fase analítica, para dar prioridade à forma.

Influência da Arte Africana: Picasso foi profundamente impactado pelas máscaras africanas, o que influenciou as faces angulares de suas obras.

Principais Artistas:

Pablo Picasso: Obra icônica: Les Demoiselles d'Avignon.

Georges Braque: O grande parceiro de Picasso no desenvolvimento técnico.

Juan Gris: Conhecido pela precisão e pelo uso de cores mais vivas na fase sintética.

No Brasil:

O Cubismo não teve um grupo "puro" aqui, mas influenciou profundamente nomes como Tarsila do Amaral (na geometrização das suas figuras e paisagens) e Vicente do Rego Monteiro.

Resumo do resumo: Se o Fauvismo libertou a cor, o Cubismo libertou a forma, provando que um objeto pode ser mil coisas ao mesmo tempo em uma única tela.

Aluna: Paloma Alvarenga

# data[].attributes.body
Resumo do resumo: O Futurismo é o movimento agressivo. É a arte que troca a beleza da Vênus de Milo pela beleza de um carro de corrida.

Aluna: Paloma Alvarenga

# data[].attributes.body
Resumo do resumo: O Dadaísmo é o caos. É a arte que diz que "tudo é arte e nada é arte", feita para destruir os valores de uma sociedade que os artistas consideravam podre por causa da guerra.

Aluna: Paloma Alvarenga

# data[].attributes.body
Resumo do resumo: Se o Dadaísmo era o "caos por revolta", o Surrealismo é o "caos dos sonhos". É a tentativa de transformar a lógica do subconsciente em algo visual e poético.

Aluna: Paloma Alvarenga