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Apreciar a arte.

Conhecer obras de pintores famosos.

Observar pinturas em detalhe.

Escrever textos inspirados em pinturas.

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Vem da palavra "ars" em latim, que significa habilidade, ou ter jeito. Sabias que os videojogos são uma forma de arte? Como deves imaginar, temos mais para te contar neste episódio da "Pulga atrás da Orelha".

A arte é a mais elaborada forma de expressão humana. É a capacidade de transmitir sentimentos e experiências. Pode ser pintar, cantar, esculpir, representar, filmar.

A arte é uma ideia ou mensagem que o artista quer passar através de algo que cria. É uma maneira de comunicar e mostrar os seus sentimentos, onde a criatividade e a imaginação são essenciais.

O objetivo é provocar e/ou transmitir sensações nas pessoas através das emoções que provoca. Tanto pode causar boas como más impressões, chegando ao ponto de poder até chocar. Atualmente há onze formas de arte: dança, pintura, teatro, o cinema, escultura, literatura, fotografia, banda desenhada, música, videojogos e arte digital.

Esta necessidade do homem se expressar através da arte é muito antiga. Apareceu há milhões de anos. Primeiro nas pinturas rupestres, depois na cerâmica, por exemplo, e tem acompanhado a evolução do ser humano e da sociedade, de tal forma que reflete o contexto social, histórico e cultural de quando foi criada.

A arte é uma forma de ver e sentir o mundo que nos rodeia através de outro olhar.

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A arte é a capacidade de transmitir sentimentos e experiências. Pode ser pintar, cantar, esculpir, representar, filmar.

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Visita à exposição "Dalí: a experiência imersiva" Alfândega do Porto

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Visita à exposição "Dalí: a experiência imersiva" Alfândega do Porto

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O quadro «Angelus arquitetónico» de Millet», foi pintado por Dalí, em 1933, com a técnica óleo sobre tela e mede 73 x 60 cm. Está exposto no Museu Rainha Sofia, em Espanha.

É uma obra surrealista que transformou uma pintura antiga chamada «O Angelus», de Jean-François Millet, que Dalí muito admirava. Durante o processo de reinterpretação, usou o método paranoico-crítico, inspirado nas teorias da psicanálise e no seu fascínio pelos sonhos, criando uma versão diferente, cheia de mistério e de elementos estranhos.

No primeiro plano, as personagens que originalmente eram camponeses são transformados em figuras arquitetónicas parecendo esculturas.

O ambiente ao redor parece um lugar abandonado, desértico, surgem apenas duas figuras humanas, e, ao fundo, há formas que lembram prédios antigos ou ruínas. Para além disso, a predominância dos tons ocres e castanhos, com intensos contrastes entre luz e sombra, reforçam a sensação de inquietação e melancolia.

Por fim, achamos este quadro fascinante, pois tem um grande impacto visual, embora seja um pouco estranho.

Carolina e Laura

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«Galatea das Esferas» é uma pintura do artista surrealista espanhol Salvador Dalí, criada em 1952, em óleo sobre tela, com as dimensões de 65cmx54cm e faz parte do acervo do Teatro-Museu Dalí, Figueres, Espanha.

A obra pertence à fase do misticismo nuclear de Dalí, refletindo a sua exploração da teoria atómica e das novas descobertas científicas da época, mostrando a sua obsessão com a ciência e a matemática.

A composição mostra a face de Gala - musa e esposa do artista – formada por uma série de esferas, pintadas com grande precisão, que parecem flutuar no espaço. Como estão dispostas tridimensionalmente, criam um efeito de profundidade e movimento.

Também é admirável a paleta de cores suaves, predominantemente o azul e o branco, o que contribui para um ambiente celestial ou de sonho. Gala está com os olhos fechados e com expressão calma. De facto, não nos cansamos de admirar esta tela, pois transmite-nos serenidade, harmonia e a sensação de leveza.

Para finalizar, este quadro fascinante é o exemplo da habilidade de Dalí em combinar arte e ciência, criando simultaneamente uma imagem bela e intrigante.

David e André

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A obra “Girafa em Chamas” foi criada em 1937 por Salvador Dalí, pintor surrealista espanhol. É uma pintura a óleo sobre madeira, mede 35cmx27cm e integra a coleção do Museu das Belas Artes de Basileia, na Suíça.

No primeiro plano vemos duas figuras femininas. A figura azul feminina parece esquelética e humanizada, com o rosto e mãos vermelhas, simbolizando o sofrimento humano. De facto, a posição dos braços sugere o desejo de afastar algo de terrível. Esta figura também chama a nossa atenção, pelo facto de na perna direita, observarmos várias gavetas abertas, sendo que uma gaveta sai do próprio peito. A gaveta é um símbolo muito usado nas obras de Dalí e representa os compartimentos secretos da mente humana, que guardam segredos, desejos e memórias profundas que só a psicanálise pode abrir. Esta tela inspira-se, assim,  no método psicanalítico de Freud, muito admirado por Dalí, dado que este descobriu que «o corpo humano está cheio de gavetas secretas que só podem ser abertas pela psicanálise».

Na parte inferior do quadro, à esquerda, mais ao longe, surge uma girafa a arder, que deu nome ao quadro. Dalí descreveu esta imagem como "o monstro apocalíptico cósmico masculino" e acreditava que era uma premonição da guerra. Junto à girafa, é visível uma figura masculina minúscula, que poderá simbolizar a fragilidade humana face à destruição ou à guerra, como a Guerra Civil Espanhola, que ocorria nessa época.

Finalmente, o fundo da tela mostra uma paisagem escura e infértil, com as montanhas ao fundo e que juntamente com o céu azul profundo, transmite-nos  uma sensação de tristeza e isolamento.

Thayla

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O quadro «Cisnes Refletindo Elefantes», pintado por Salvador Dalí, em 1937, pertence a uma coleção particular.  A técnica utilizada foi óleo sobre tela, mede 51x77 cm e faz parte do período paranoico-crítico.

Esta tela é um exemplo impressionante do estilo surrealista onde a realidade se transforma de maneira inesperada. A pintura explora o conceito da ilusão e da dualidade.

No primeiro plano, três cisnes flutuam sobre a água e o reflexo, no lago, cria uma ilusão fascinante: as suas formas transformam-se em elefantes. Os pescoços e as cabeças dos cisnes correspondem perfeitamente às trombas dos elefantes, as asas formam as orelhas e as árvores são as pernas. Esse jogo de ilusão faz com que a imagem tenha duas interpretações: primeiro vemos os cisnes, mas ao olharmos mais atentamente, os elefantes aparecem. Dalí, usou a técnica de imagem dupla, para criar este efeito visual: uma marca do seu trabalho. Mostra, assim, como a mente pode interpretar uma mesma cena de diferentes formas, dependendo da perspetiva do observador.

No segundo plano, podemos ver um lago tranquilo rodeado por uma paisagem rochosa, onde existem árvores negras e despidas de folhas, contribuindo para um ambiente misterioso.

Do lado esquerdo da tela, é visível uma figura humana, de costas, que, segundo alguns críticos, é o autorretrato de Dalí. É de realçar também o contraste dos tons dourados com as cores mais escuras da terra e das árvores que transmitem um ambiente de mistério e de fantasia.

Finalmente, quando observamos esta composição, ficamos surpreendidos e fascinados com este efeito visual, tentando compreender como as figuras se transformam umas nas outras.

Maria Inês e Maria Leonor Sá

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A obra «A Tentação de Santo Antão» foi pintada por Salvador Dalí em 1946. Trata-se de uma pintura surrealista e foi usada a técnica óleo sobre tela. Mede 90x119.5 cm e encontra-se nos Museus Reais de Belas Artes da Bélgica, em Bruxelas.

Em primeiro plano, surge Santo Antão, ajoelhado e frágil, segurando uma cruz na mão como símbolo de resistência às tentações.

Num plano intermédio, podemos observar um cavalo branco empinado, dando a impressão de que se vai lançar sobre o santo e elefantes de pernas longas e finas carregando figuras e objetos que representam tentações. As criaturas das quais o santo se protege têm proporções exageradas e carregam objetos tentadores como obeliscos e palácios, representando a vaidade, o orgulho e a ambição material. Por sua vez, a mulher nua sobre uma coluna simboliza a sedução e o desejo. O cavalo simboliza a luxúria e o desejo carnal. Dalí usa estes elementos simbólicos para representar as tentações enfrentadas por Santo Antão. Junto aos elefantes, há três figuras minúsculas que parecem passar por outros conflitos (ou os mesmos que o santo) e uma delas lembra a figura de um padre, carregando uma cruz.

No Plano de fundo, vê-se uma paisagem desértica, com montanhas, um céu escuro e cheio de nuvens, que reforça a sensação de solidão na luta interior do santo.

Nesta composição, Dalí emprega cores contrastantes para intensificar a luta interior que o santo enfrenta. Predominam, no deserto, os tons terrosos e dourados, criando uma atmosfera árida e opressiva. As cores mais sombrias  destacam a tensão e o conflito espiritual.

Para finalizar, quando contemplamos esta obra, conseguimos sentir a tensão, a força espiritual e a dificuldade em resistir às tentações.

Margarida e Matilde

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O quadro Persistência da Memória (também conhecida por Relógios Moles), foi pintado a óleo, aplicado sobre tela com 24,1 por 33 cm. Encontra-se exposto no Museu de Arte Moderna de Nova Iorque (MoMA). É uma das pinturas mais famosas e mais característica do estilo de Dalí.

Segundo o próprio Dalí, a inspiração para esta pintura deriva da observação de um queijo camembert a derreter ao sol. Foi usado método «crítico-paranóico», que reflete a influência das teorias das pesquisas de Freud sobre os sonhos e a teoria da relatividade de Einstein sobre o tempo.

No primeiro plano, destacam-se três relógios derretidos, marcando horas diferentes. No entanto, nem todos estão derretidos. Um deles está inteiro, com o mostrador virado para baixo e cheio de formigas. É de salientar que o pintor não gostava das formigas, uma vez que as associava à putrefação. Também podemos ver uma mosca sobre um dos relógios e outro pendurado numa árvore seca. Talvez se possa ver aí uma relação sobre a passagem de tempo, a sua subjetividade, como ele passa (e termina) de forma diferente para cada um de nós.

Em segundo plano, vê-se o último dos relógios pousado sobre uma figura curiosa, com um olho fechado e pestanas longas - a caricatura do próprio autor, que, aqui aparece a dormir ou a sonhar. Alusão novamente à relação do tempo e dos sonhos.

Ao fundo da tela, uma paisagem árida e rochosa, inspirada na infância de Dalí (norte de Espanha), apresenta tons terrosos e dourados, contrastando com o azul do céu. A luz é suave, sugerindo uma atmosfera irreal. As cores predominantes são quentes e terrosas, reforçando a sensação de um ambiente desolado.

Este quadro é um dos mais emblemáticos da obra de Dali, e leva-nos à reflexão sobre a perceção da realidade e a natureza do tempo.

Matilde e Valentina

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O quadro «Ovo Cósmico», de Salvador Dalí foi pintado em 1932. Tem 65cm de altura por 54 com de largura e encontra-se exposto no Teatro Museu Dalí, em Figueres, Espanha. A técnica baseia-se no método paranoico-crítico.

A obra apresenta em primeiro plano um ovo, que é o elemento mais importante da pintura. Ele está partido e, no centro, destaca-se uma cor, o amarelo-dourado, extremamente brilhante, lembrando o sol e a luz. Dalí usa paleta de cores quentes e frias para criar efeitos visuais interessantes. O amarelo do ovo transmite energia e vida, enquanto que o azul do fundo dá uma sensação de calma e imensidão.

Em segundo plano, o fundo da pintura apresenta um céu com tons de azul e laranja, que ajudam a destacar o brilho do ovo e dão a sensação de profundidade e de mistério. Este jogo de luz e sombras torna o ovo quase palpável.

Para além disso, quando observamos o ovo, parece que algo está prestes a nascer, remetendo para a ideia de nascimento e transformação. Esta obra reflete, assim, a visão surrealista do artista sobre a criação e a origem da vida.

Na parte inferior da tela, predominam os tons terrosos, e vê-se uma figura humana acabada de sair de uma barca em direção à terra.

Por fim, a tela transmite-nos uma ideia de serenidade e é muito bonita.

Santiago e Tomás

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Sonho causado pelo voo de uma abelha ao redor de uma romã um segundo antes de acordar, 1944

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Sonho causado pelo voo de uma abelha ao redor de uma romã um segundo antes de acordar, 1944

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O quadro «Sonho causado pelo voo de uma abelha ao redor de uma romã um segundo antes de acordar» de Salvador Dalí tem uma dimensão de 51cm x 40,5cm.  É uma pintura a óleo sobre madeira, pintada em 1944, e está exposta no Museu Thyssen-Bornemisza, Madrid.  É uma obra surrealista que nos transporta para um mundo de sonhos e mistérios.

Em primeiro plano, nesta pintura, observamos uma mulher, Gala, a mulher do artista, que parece estar a dormir sobre uma rocha a flutuar no mar calmo. Há uma espingarda apontada para ela, que poderá simbolizar a picada de uma abelha.  Ao redor da mulher, como se de um sonho fantástico se tratasse, existe uma romã e um peixe que expele dois tigres ferozes. Um tem grandes bigodes e dentes enormes muito afiados. O outro diferencia-se do primeiro por ter garras enormes e não ter bigodes.

No segundo plano, há um elefante com pernas extremamente longas e o mar, que dão uma sensação de distância e imensidão. O fundo da pintura mostra um céu suave, o que reforça a ideia de um sonho.

Por um lado, destacam-se as cores vibrantes e contrastantes. O azul do mar e do céu transmite calma, enquanto que os tons quentes dos tigres e da romã trazem energia e alegria.

Por outro lado, é admirável a mistura elementos realistas, como o mar e a figura de Gala, com imagens fantásticas e inesperadas, como os tigres saindo do peixe e o elefante com pernas exageradamente longas. Também podemos referir a simbologia dos animais, no surrealismo de Dalí, que têm significados profundos e pessoais: os tigres podem representar agressividade e perigo, enquanto que o elefante com pernas finas simboliza fragilidade e instabilidade.

Por fim, esta obra causa-nos uma sensação de caos, mas também de fascínio, pois admiramos a disposição de cada elemento no espaço e a originalidade de Dalí.

Sara e Madalena

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O «Cristo de São João da Cruz», conhecido como “O Cristo de Portlligat” foi pintado em 1951 por Salvador Dalí. É um óleo sobre tela com as dimensões de 205 x 116 cm e está exposto no Museu e Galeria de Arte de Kelvingrove, em Glasgow, na Escócia.

É uma interpretação única da crucificação, dado que é muito diferente das representações tradicionais. Em primeiro plano, como figura central, surge Cristo, visto de cima, suspenso no vazio, sem sinais de sofrimento.

Abaixo, no plano inferior da pintura, pode observar-se uma paisagem tranquila, com um lago, pequenas embarcações e pescadores, que contrastam com a dramaticidade da cena.

De facto, esta composição é muito impactante: a cruz domina o quadro, flutuando sobre um fundo escuro, enquanto a paisagem ocupa a parte inferior, criando um jogo de profundidade.

Por outro lado, as cores são intensas, com tons ocres e sombras profundas, dando um ar quase divino à imagem.

Finalmente, quando observamos a imagem, sentimos uma mistura de serenidade e de assombro. A ausência de dor torna Cristo mais espiritual, quase etéreo, como se estivesse além do sofrimento humano. É, sem dúvida, uma imagem que convida à contemplação e à reflexão.

João e Diogo

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Desintegração da Persistência da Memória, 1952

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Desintegração da Persistência da Memória, 1952

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A pintura surrealista «Desintegração da Persistência da Memória», é um óleo sobre tela, pintada em 1952-54 por Salvador Dalí. Consiste na recriação do seu trabalho de 1931 «Persistência da Memória», mede 25,4 × 33 cm e está alojada no Museu Salvador Dalí em São Petersburgo, Flórida.

Nesta versão, a paisagem do trabalho original (Cadaqués) foi inundada com água. O bloco e o chão surgem, aqui, em fragmentos, como se fossem tijolos que flutuam, simbolizando a desintegração da matéria em átomos, uma revelação da mecânica quântica. Podemos ainda observar que os relógios também flutuam; a oliveira, onde está pendurado o relógio mole, está morta e começou a partir-se. Atrás dos tijolos, veem-se vários objetos cónicos que cercam os relógios em formações paralelas e que são semelhantes a mísseis atómicos, destacando o potencial do Homem para a autodestruição. A presença do peixe a flutuar simboliza a vida.

Esta pintura reflete o fascínio de Dalí pela mecânica quântica e a desintegração da matéria, após as primeiras explosões de bombas atómicas de julho de 1945.  Este período ficou conhecido na sua arte como «misticismo nuclear».

Por fim, o uso de cores vivas, sobretudo os tons dourados tornam esta obra mais impactante visualmente.

Rafael Viana e Guilherme

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«Boat» é uma obra que se insere no período inicial da carreira do artista, por volta de 1918, antes da sua fase surrealista e faz parte de uma coleção particular. Foi usada a técnica óleo sobre tela e mede 31cmx26cm.

No primeiro plano, ao centro, destaca-se um barco, isolado, como o elemento principal da composição, podendo simbolizar os pensamentos e as emoções do ser humano ou a passagem do tempo.

Em segundo plano, a água reflete a luz e cria uma sensação de movimento e de tranquilidade.

Em terceiro plano, o céu e a paisagem dão profundidade à cena, os jogos de luz (bege, dourado) e sombra (azul e castanho) criam um ambiente realista.

Finalizando, quando estamos diante da obra, devido à mistura de cores suaves e sombrias (verde e azuis), temos ao mesmo tempo, uma sensação de tranquilidade e de inquietação.

Joana e Dalila

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Construção mole com feijões cozidos,  1936

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Construção mole com feijões cozidos,  1936

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A pintura surrealista «Construção mole com feijões cozidos» também conhecida como «Premonição da Guerra Civil» foi criada por Salvador Dalí, em 1936. A técnica utilizada foi óleo sobre tela. Tem a dimensão de 100cmx99.9cm e está exposta no Museu de Arte de Filadélfia.

No primeiro plano, a composição apresenta uma figura humanizada, disforme, muito alongada e em fragmentos. Os braços e as pernas estão mutilados, parecendo estar a autodestruir-se. Tudo isto cria uma sensação de grande violência e sofrimento.

Ao fundo,  há uma paisagem árida e desolada, típica das representações catalãs de Dalí. O céu, com tonalidades dramáticas, reforça a atmosfera de tensão e tragédia.

Martim

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A "Aranha da Noite", foi pintada em 1940, por Salvador Dalí e mede 900x 724cm. Foi usada a técnica óleo sobre tela. É a primeira pintura do artista concluída nos EUA, refletindo o tumulto da Segunda Guerra Mundial e o exílio do artista.

No primeiro plano, como elemento central, destaca-se uma aranha estilizada, com pernas longas e finas, transmitindo uma sensação de inquietação e mistério. Outros elementos são visíveis, como figuras distorcidas, e uma criatura a ser devorada por formigas, e um instrumento musical remetendo para o estilo crítico- paranóico.

Na parte superior do quadro, do lado esquerdo, vê-se um canhão a vomitar um cavalo que se projeta contra uma figura humana, lembrando o caos e o horror da guerra. Na parte inferior da tela, do lado direito, é visível uma figura humana, um jovem, que tapa os olhos com as mãos, talvez para representar a impotência dos homens face ao poder de destruição da guerra, designadamente da Segunda Guerra Mundial.

O fundo da pintura pode sugerir um ambiente desértico ou um espaço indefinido, reforçando a atmosfera de mistério. De facto, Dalí utiliza uma conjugação de cores que reforça a dramaticidade da cena. Ao observarmos esta composição, ela transmite-nos sentimentos de medo, inquietação, mas também de esperança. Para isso, contribui a predominância de tons escuros e terrosos ao criar um contraste entre luz e sombra.

Concluindo, esta pintura surrealista é característica da capacidade de Dalí em misturar realidade e fantasia, criando visões subjetivas e imaginativas do mundo.

Matilde e Vicente

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A tela «Santiago, o Grande» é uma obra-prima surrealista monumental, pintada por Dalí, em 1957, mede aproximadamente 407.7cm x 3 04.8 cm. A técnica usada foi óleo sobre tela e, atualmente, está exposta na Galeria de Arte Winnipeg no Canadá.

No primeiro plano, podemos observar, Santiago, o padroeiro da Espanha, montado num majestoso cavalo branco que parece estar a saltar em direção ao céu, transmitindo uma ideia de força e movimento. Em vez de uma espada, Santiago segura na mão uma cruz enorme, para reforçar a ideia de fé e de devoção cristã.

No canto inferior direito, há uma figura coberta com um manto branco, Gala, esposa de Dalí, reforçando a sua presença como musa e inspiração do artista.

No segundo plano, no fundo da pintura, podemos ver elementos que misturam realidade e fantasia, como conchas (símbolo tradicional dos peregrinos que percorrem o «Caminho de Santiago») e formas abstratas, que parecem ascender ao céu. Para além disso, destaca-se o pé de Santiago, simbolizando as peregrinações feitas por Cristo e pelos seus discípulos. Também nos chama a atenção a explosão atómica, na parte de trás do cavalo, mostrando o interesse de Dalí pela ciência e pela religião.

Finalmente, nesta composição predomina o azul intenso, criando, assim, um contraste com o branco do cavalo enquanto que o dourado, na cruz, reforça a ideia de luz divina. Esta pintura, que é uma das obras mais impressionantes do surrealismo de Dalí, transmite-nos uma sensação de serenidade e paz, porque o azul faz -nos lembrar o céu.

Amir e Miguel

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A pintura surrealista «Espanha, 1936-38» foi criada por Salvador Dalí, em 1938, mede 91.8cmx60.2cm e faz parte da coleção do Museu Boijmans Van Beuningen, em Roterdão. A técnica utilizada foi óleo sobre tela e reflete o contexto violento da Guerra Civil Espanhola.

Nesta composição, Dalí utiliza elementos visuais impactantes para transmitir uma sensação de desordem e sofrimento. Em primeiro plano, podemos observar a figura de   uma mulher, apoiada só com braço sobre uma caixa, de onde sai um pano vermelho, cor de sangue, sugerindo o sofrimento provocado pela guerra. Além disso, os seios da mulher são dois homens a combater e a cabeça da figura feminina também é formada por figuras humanizadas, a pé ou a cavalo, sugerindo uma batalha feroz. Os pés da mulher são muito magros e grandes e rosto da mulher deixa transparecer tristeza e desalento.

De facto, tudo o que rodeia a mulher dá a impressão de caos, destruição e morte, que atinge até os animais selvagens, ideia dada pela presença de um leão morto.

Ao fundo, o céu sombrio e a paisagem árida reforçam a sensação de desolação e de morte. As cores terrosas e escuras que o artista usa, com tons de castanho, azul escuro e preto, reforçam a ideia de violência e de morte.

Para finalizar, quando observamos esta obra temos a sensação de estar a ver a destruição causada em alguns países em guerra como a Ucrânia.  Faz-nos pensar na dor e no sofrimento dessas pessoas e das crianças que estão a morrer à fome em Gaza.

Beatriz e Carlos

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O quadro «Cabeça Rafaelesca Explodindo» foi feito por Salvador Dalí, em 1951, mede 43,2 x33,1 cm e está exposto na Galeria Nacional da Escócia.

Esta obra enquadra-se no período chamado «misticismo nuclear».  Dalí ficou muito impressionado com as descobertas que levaram ao desenvolvimento da bomba atómica e começou a estudar física nuclear. De facto, o artista pintou várias cabeças e figuras fragmentadas, após a explosão da bomba atómica de Hiroxima.

Para criar esta obra, Dalí inspirou-se nas pinturas do artista renascentista Rafael (que ele muito admirava), mas influenciado pelos estudos de física nuclear e a teoria atómica, criou uma imagem que parece estar a desintegrar-se em partículas. Como se pode observar, o rosto aqui representado está fragmentado em várias formas geométricas, dando-nos a sensação de movimento e de explosão. Talvez aqui esteja a explicação para o título da obra. Por outro lado, a parte superior da pintura, com o halo e as nuvens castanhas fazem lembrar as fotografias de explosões atómicas.

Além disso, quando focamos a nossa atenção na tela, conseguimos ver que o crânio mostra o interior de um edifício romano, provavelmente o Panteão em Roma, iluminado por uma luz amarela, o que cria uma atmosfera divina.

A paleta de cores do quadro é composta por tons ocre e terrosos, criando um efeito dramático e misterioso, porque os fragmentos do rosto parecem flutuar no espaço, como se fossem partículas de uma explosão. Contrariamente, a cor amarela no rosto sugere tranquilidade e paz.

Para concluir, este trabalho de Dalí mistura arte clássica, ciência e espiritualidade. Consideramos que é uma pintura fascinante, harmoniosa e parece que nunca nos cansamos de a contemplar.

Laura e Lara

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Festival de Santa Lúcia de Villamalla, 1921

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Festival de Santa Lúcia de Villamalla, 1921

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O quadro «O Festival de Santa Lúcia de Villamalla» foi pintado por Salvador Dalí, em 1921, mede 54,9 x 74,1cm e pertence a uma coleção particular. Usou a técnica guache sobre cartão.

Esta pintura, como o título indica, retrata uma celebração local na aldeia de Villamalla, em Espanha, mostrando a cultura e as tradições da sua região natal. Reflete a fase inicial do artista, quando era influenciado pelo impressionismo, antes da sua imersão no surrealismo.

No primeiro plano, observa-se uma cena festiva, em que figuras humanas estão envolvidas na celebração, destacando-se três adultos. Em segundo plano, um grupo de jovens cheio de energia e alegria continua a divertir-se, cantando e dançando, numa grande roda.

O fundo é dominado por uma paisagem rural, com árvores, que remete à vila de Villamalla, criando uma sensação de profundidade e contexto espacial.

Por outro lado, a paleta de cores que Dalí emprega, tons terrosos e quentes, criam uma atmosfera acolhedora e festiva. As cores são aplicadas de maneira expressiva, com contrastes que destacam os elementos principais da composição. A luminosidade da obra sugere um ambiente ao ar livre, possivelmente capturando a luz natural do evento retratado. De facto, Dalí tentou captar as impressões visuais do mundo em redor, tal como preconizava o impressionismo.

Para terminar, quando contemplamos esta tela, sentimo-nos felizes, bem-dispostos, tranquilos e com boas energias.

David e Gabriel

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Criança geopolítica observando o nascimento do homem novo, 1943

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Criança geopolítica observando o nascimento do homem novo, 1943

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A obra "Criança geopolítica observando o nascimento do homem novo" foi pintada em 1943, por Salvador Dalí. A técnica utilizada é óleo sobre tela, mede 45x50cm, sendo a sua localização desconhecida. Esta obra reflete as preocupações do artista com o futuro da humanidade durante a Segunda Guerra Mundial.

Em primeiro plano, ao centro, vê-se um ovo partido, representando o globo terrestre, de onde sai uma figura humana, junto ao que seria a América do Norte, pois Dalí acreditava que era um poder crescente na época e com a mão a apoiar os esforços da Europa. Transmite, assim, uma sensação de esperança num mundo dividido pela Segunda Guerra Mundial. Junto ao ovo, uma mulher esquelética e uma criança, agarrada à sua perna, assustada, observam o nascimento do homem novo, contudo parece existir um ambiente de ameaça e não de alegria, o que é reforçado pela gota de sangue que sai da abertura do ovo.

Ao fundo, o espaço vazio e desértico, típico do surrealismo de Dalí, sugere os efeitos destrutivos da guerra.

Esta obra está repleta de simbolismo: o ovo representa o nascimento de uma nova era ou transformação da humanidade, após a Segunda Guerra Mundial; a criança e a figura adulta observam atentamente o nascimento, representando a expectativa e o medo diante das mudanças globais. O chapéu que parece surgir sobre o ovo pode ser interpretado de diferentes maneiras, e há quem veja nele uma referência à iminência da bomba atómica—especialmente considerando que a obra foi criada em 1943, numa época de guerra e transformações geopolíticas.

Para além disso, a predominância de cores vibrantes como o vermelho e os tons ocres, criando contrastes traduz a ansiedade e a esperança vividas nessa época.

Para finalizar, gostamos muito desta obra, pois propõe-nos refletir sobre o que significa ser um homem novo e sobre os efeitos da guerra, sendo muito atual uma vez que, neste momento, existem muitos conflitos no mundo.

Dinis Oliveira e Tiago

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«A Última Ceia» foi criada, em 1955, por Salvador Dalí e utilizou a técnica óleo sobre tela. O quadro tem 1.67x2.68 cm e está exposto na Galeria Nacional de Arte de Washington.

No primeiro plano, esta composição mostra Jesus e os seus doze apóstolos

vestidos de branco, reunidos, numa sala envidraçada. Ao centro, Jesus distribui o pão e o vinho pelos apóstolos, que estão ajoelhados à volta de uma grande mesa retangular, de cabeça baixa, em sinal de respeito e de devoção. Dois dos apóstolos estão de costas voltadas para o observador, concentrados na oração.

Além disso, chama-nos a atenção a figura de Cristo, que surge luminoso e transparente, diferenciando-se dos apóstolos, talvez para representar a sua divindade. Jesus aponta para o céu para uma figura humanizada, com a cabeça invisível, vendo-se apenas o tronco, no entanto os braços parecem abraçar todo o grupo.

No segundo plano, ao fundo, podemos observar um mar tranquilo com rochas espalhadas e um céu cheio de nuvens.

Esta pintura, de cunho religioso, representa a fase espiritual da vida de Dalí. Alguns críticos afirmam que toda a imagem é construída de acordo com princípios matemáticos complexos inventados por cientistas do Renascimento e por filósofos gregos antigos como Pitágoras

Para finalizar, há uma predominância de cores suaves e luminosas (branco e dourado) que nos dão uma sensação de paz, calma e de liberdade.

Fontes de pesquisa:

Dinis Felgueiras e Afonso

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A obra «A Persistência da Memória» foi realizada em 1931, por Salvador Dalí, uma das figuras mais importantes do movimento surrealista. A técnica utilizada foi óleo sobre tela. Atualmente encontra-se exposta no Museu de Arte Moderna em Nova Iorque e as suas dimensões são 24 por 33 cm.

Na composição, vemos um ambiente desértico, com objetos aparentemente fora do seu contexto. Os relógios estão distribuídos de forma irregular: um está pendurado numa árvore seca, outro pousado numa superfície estranha, como se fosse uma mesa e o último sobre uma figura disforme, meio humana.

Quanto à paleta de cores destacam-se os tons quentes como o castanho escuro até ao tom azulado do céu, realçando os objetos e aumentando a sensação de irrealidade.

Diante desta obra, sentimos uma mistura de curiosidade e de desconforto. Por um lado, admiramos a criatividade e a capacidade de Dalí em transformar uma ideia abstrata como o tempo numa viagem com o tempo numa imagem visual tão poderosa. Por outro lado, os relógios derretidos e um ambiente tão desolador cria um certo mal-estar, pois foge totalmente àquilo a que estamos habituados. No entanto, é isso exatamente que torna esta obra tão fascinante: ela obriga-nos a sair da nossa zona de conforto e a pensar de forma mais profunda sobre temas como o tempo, a memória, a passagem do tempo e os sonhos.

Em conclusão, «A Persistência da Memória» é uma obra brilhante que combina técnica, imaginação e o simbolismo de forma excecional, sendo um ótimo exemplo do surrealismo.

Francisco e Matilde

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A pintura «Face da Guerra» foi feita em 1940, por Salvador Dalí, quando se encontrava na Califórnia. É um óleo sobre tela, medindo 64 x 79 cm e encontra-se no Museu Boijmans Van Beuningen, na Holanda. Esta obra foi concebida após a guerra civil espanhola e no período que estava a acontecer a Segunda Guerra Mundial, tendo como tema o sofrimento causado pela guerra.

Em primeiro lugar, podemos observar, na parte central desta tela, uma grande caveira composta por olhos e bocas, que, por sua vez, representam outras caveiras, e dento delas ainda mais caveiras. Desta forma, o artista expressa o seu horror pela guerra, uma vez que vivenciou a brutalidade da guerra civil espanhola.

Em segundo lugar, verificamos que a caveira está rodeada de serpentes longas e agressivas, sugerindo também a ideia de morte, reforçada pelo ambiente desértico e árido que também nos dá asensação de solidão

No canto inferior direito do quadro destaca-se a impressão da mão esquerda de Dalí, com que ele presumivelmente terá assinado a tela.

Esta composição tem um forte impacto visual no observador, devido à paleta de cores utilizada por Dalí. De facto, os tons sombrios de preto, cinza e castanho predominam, sugerindo a violência e a carnificina inerentes aos conflitos armados. O artista transmite, assim, uma crítica clara à violência e ao impacto que a guerra provoca nas pessoas.

Concluindo, quando contemplamos «A Face da Guerra» sentimos a dor, o medo e a tristeza, fazendo-nos refletir sobre os horrores da guerra. Esta obra é muito atual e lembra-nos o sofrimento das pessoas que vivem, atualmente, os horrores da guerra na Ucrânia, na Faixa de Gaza e noutros locais do mundo.

Marina e Inês

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A pintura «Três Esfinges de Biquíni» é uma obra surrealista, feita em 1947, por Salvador Dalí. A técnica usada foi óleo sobre tela, mede 40,6x51.4 cm e está exposto no Museu de Arte Moderna Morohashi, em Fukushima, no Japão.

Esta obra faz-nos refletir sobre um momento importante da história: os testes nucleares realizados pelos Estados Unidos no Atol de Bikini, no Oceano Pacífico, em 1946. Esta obra pertence à fase do «Misticismo Nuclear» ou «Fase Mística» de Salvador Dalí, que surgiu após a explosão da bomba atómica a 6 de agosto de 1945.

De facto, a lembrança da Guerra está presente na representação surrealista do atol Bikini, com as «Três Esfinges de Bikini». Na tela, vemos três figuras alinhadas: uma cabeça humana, uma cabeça semelhante a uma árvore e uma formação rochosa de onde também aparece uma cabeça. As três cabeças criam uma ilusão de distância e de perspetiva. As cabeças de cor acinzentada, parecem remeter para a bomba nuclear, pois fazem lembrar o cogumelo atómico, em Hiroxima e Nagasaki. Todos parecem ser afetados pela explosão, a natureza e os seres humanos.

Além disso, o fundo da tela é amplo e vazio, típico do estilo de Dalí, transmitindo uma sensação de imensidão e de isolamento. O artista usa tons terrosos e dourados, fazendo lembrar a areia e o calor da ilha de Bikini, onde se faziam os testes da bomba atómica.

As cores usadas como o tom esverdeado do céu, a cor acinzentada das cabeças e o vermelho no pescoço da mulher criam um ambiente misterioso, de inquietação e de tristeza.

Para concluir, Dalí, com esta tela intrigante, fez-nos pensar sobre o impacto da bomba nuclear, os efeitos destruidores da guerra e o poder da tecnologia usada para a destruição do Homem e da Natureza, mostrando que nunca estamos seguros.

Guilherme, Miguel e Yonathan

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Relógio mole no momento da primeira explosão, 1954

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Relógio mole no momento da primeira explosão, 1954

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A pintura, «Relógio mole no momento da primeira explosão» também conhecida como «Relógio de Melting» foi feito em 1954, tendo-se tornado uma das obras mais icónicas de Dalí, amplamente reconhecidas pela mistura única de surrealismo e simbolismo.

A pintura apresenta-nos, em primeiro plano, um relógio que parece estar a derreter. Esta representação surrealista simboliza a relatividade do tempo, sugerindo que não é fixo, mas que é percecionado por cada um de nós de maneira diferente, desafiando, assim, a perceção convencional do tempo. A mosca,  pousada no relógio, pode significar a decadência enquanto que a traça, ao lado do relógio, poderá representar a transformação.

Nesta composição, Dalí faz o contraste do azul brilhante do céu, com tons dourados e o branco do relógio, em primeiro plano, e os castanhos, como pano de no fundo, criando um efeito visual impressionante.

Concluindo, este quadro é fascinante e leva-nos a refletir sobre a passagem e a subjetividade do tempo.

Clara e Isadora

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«Rosa Meditativa» é um quadro pintado a óleo sobre tela, pelo pintor surrealista Salvador Dalí, em 1958. As dimensões são de 28x36 cm e faz parte de uma coleção privada.

Nesta obra é possível observar, em primeiro plano, ao centro, uma bela rosa vermelha, com uma gota de água numa pétala, como se tivesse sido acabada de colher. Chama-nos a atenção, a rosa não estar ligada à terra, não ter caule e parecer flutuar no ar.

Na parte inferior da tela, há um casal no meio de uma planície árida, deserta e triste que parece contemplar o pôr-do-sol, ao longe, na linha do horizonte.

Na parte superior, destaca-se a imensidão do céu, num azul celeste intenso, sugerindo tranquilidade. A cor vermelha da rosa contrasta com o fundo azul e pode representar amor ou desejo. Os tons dourados transmitem uma sensação de nostalgia ao passo que os tons terrosos, presentes na paisagem, reforçam o sentimento de tristeza.

Finalmente, esta combinação de cores e de elementos cria uma sensação de serenidade que nos convida à reflexão ou meditação.

Maélys e Mariana

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«The Sandeman» é uma obra surrealista criada por Salvador Dalí em 1966. Mede 48x36cm e pertence a uma coleção particular.

Em primeiro plano, vê-se uma figura distorcida com vários olhos sobrepostos, numa atitude de vigilância onde também se pode observar vários morcegos.

Em segundo plano, e na parte inferior da tela, destacam-se prédios altos sem luz, havendo, no entanto, uma casa com janelas iluminadas, criando um cenário noturno e urbano, com a presença da lua e das estrelas, sem brilho, não faltando um gato equilibrado no alto da chaminé de um dos prédios.  Do lado direito, destaca-se um guarda-chuva ilustrado com flores de variadas cores com as varetas a pingar, parece que o gato e o guarda-chuva estão a proteger o mundo.

Como pano de fundo, chama-nos a atenção o céu, com um azul profundo para criar o mundo do sonho, do mistério também sugerido pela sobreposição do real e do irreal em contraste com o tom ocre do guarda-chuva e o branco da lua e das estrelas.

Para concluir, esta obra é parece-nos um pouco estranha, mas ao mesmo tempo, é fascinante, pois desperta-nos a curiosidade e faz-nos pensar no mundo dos sonhos.

Camila e Eliana