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Exposición histórica con archivos fotográficos y audiovisuales sobre los orígenes del graffiti neoyorquino de los años 70 y 80.

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Art in the Streets was the first extensive survey of the history of graffiti and street art to be presented in an American museum. The exhibition took place at the Museum of Contemporary Art, Los Angeles from April 17 to August 8, 2011.

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La muestra de arte urbano que Venezuela llevó a la 55 Bienal de Venecia Del 2013

https://albaciudad.org/2013/06/en-fotos-el-arte-urbano-venezolano-causo-impacto-en-la-bienal-de-venecia/

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Inhotim es el centro de arte contemporáneo al aire libre más grande del mundo. Cuenta con 100 hectáreas de terreno compuesto por jardines, 25 galerías, 80 instalaciones y obras de arte distribuidas por el jardín, cinco lagos ornamentales y flora silvestre. Si viaja por el sur de Brasil y tiene tiempo para una escala, agende [...]

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Un conjunto de elementos dispuestos para mostrar/ difundir un proceso o una idea.

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La forma de este proyecto nace de una deformación de la Estrella de David, expandida entorno al sitio y su contexto. Esta se establece mediante un proceso de conexión de líneas entre distintos lugares de eventos históricos, resultando en la estructura del edificio, una literal extrusión de estas lineas hasta formar un edificio en forma de 'zigzag'.

El diseño se basa en dos estructuras lineales que, combinadas, forman el cuerpo del edificio. La primera línea está formada por varias torceduras, mientras que la segunda línea corta a través de todo el edificio. En las intersecciones de estas líneas se encuentran los 'vacíos' espacios que se elevan 20 metros verticalmente desde la planta baja del edificio hasta el techo. Estos representan el elemento estructural del nuevo edificio y la conexión con el edificio antiguo.

Aunque la extensión de Libeskind aparece como un edificio independiente, no existe ninguna entrada exterior formal al edificio. Para acceder a él, es necesario hacerlo a través del Kollegienhaus, el antiguo museo barroco situado al lado. El acceso es a través de un pasillo subterráneo que conduce a la escalera principal, descendiendo tres niveles hasta llegar al primer y más largo de los tres ejes. El contraste material, formal y lumínico se vuelven inmediatamente presente, generando una fuerte yuxtaposición física entre el edificio antiguo y el nuevo.

Los tres ejes representan las experiencias de los judíos en Alemania: continuidad, holocausto y exilio. El primer eje, el 'eje de continuidad', se presenta como una extensión del acceso al nuevo edificio conduciendo a las salas de exposiciones. De él, nace el 'eje del holocausto', un pasillo sin salida en el cual el suelo se inclina hacia techo culminando en la 'Torre del Holocausto'. Un espacio vacío de concreto de 24 metros de altura cuya única iluminación es la luz natural que entra por una pequeña grieta en el techo. Finalmente está el 'eje del exilio' que ofrece un punto de escape hacia el exterior, conectando el museo con el 'Jardín del Exilio', un gran cuadrado compuesto por 49 pilares de planta cuadrada dispuestos en una cuadrícula. Estos son de hormigón y huecos, rellenados con tierra de Berlín (salvo el central, que contiene tierra de Jerusalén) y coronados con vegetación.

La escalera que emerge del 'eje de continuidad', hacia la colección permanente, se desarrolla de forma lineal siguiendo la fachada del edificio, otorgando en los descansos acceso a los diferentes niveles del museo. Esta escalera se presenta como un juego de escalas y luces, conduciendo al visitante a través de espacios estrechos y oscuros a espacios amplios y luminosos. Las vigas que la acompañan están dispuestas en direcciones caprichosas y de una apariencia deconstructivista, pero en realidad son funcionales y sirven de arriostramiento.

Seis 'vacíos' corren verticalmente a través del edificio. Sus paredes son de concreto y al igual que la 'Torre del Holocausto' no tienen calefacción o aire acondicionado y en gran medida no tienen luz artificial. Se muestran como elementos independientes del resto del edificio, sólo se puede físicamente acceder a el último de los 'vacíos', el 'Vacio de la Memoria', donde se encuentra la instalación Shalechet de Menashe Kadishman. Esta obra está compuesta por miles de caras de arcilla, que tintinean cuando la gente pasa sobre ellas, creando un escalofriante echo a través del vacío. Al interior del edificio, los muros de exposición que están compartidos con los 'vacíos' están pintados de negro.

El edificio está revestido en zinc, un material que tiene una larga tradición en la historia arquitectónica de Berlín. El zinc no tratado cambia de color y se oxida con la exposición a la luz y la intemperie, generando cambios en la fachada a través de los años. En la fachada destacan también las ventanas en tiras que parecieran cortar el edifico a través de los paneles de zinc, inundando el interior con destellos de luz en todas las direcciones. Esta fachada apenas permite extraer conclusiones sobre que está sucediendo al interior del edificio, ni las divisiones internas, los diferentes niveles o la disposición del programa. Sin embargo, el posicionamiento de las ventanas, principalmente las estrechas rendijas, sigue una precisa matriz. Durante el proceso de diseño, Libeskind trazó las direcciones de destacados ciudadanos judíos y alemanes en un mapa de antes de la guerra de Berlín y unió los puntos para formar una "matriz irracional e invisible" en la que basó el lenguaje de la forma y geometría del edificio.

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Clásicos de Arquitectura: Museo Judío, Berlín / Daniel Libenskind

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Construido en 1999 en Berlin, Alemania. La forma de este proyecto nace de una deformación de la Estrella de David, expandida entorno al sitio y su contexto. Esta se establece mediante un...

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This summer, artist Oscar Murillo will transform the Turbine Hall into an enormous painting garden. Oscar invites everyone to take part in creating a vibrant work of epic proportions. Pick up a paintbrush and make your mark using wave-like strokes to flood a giant canvas.

The flooded garden is inspired by Claude Monet's paintings of his flower garden in Giverny, France, and builds upon Oscar's own series of Surge works. For inspiration, works from this series will be on display in the South Tank, featuring expressive oil paint flowing across their surfaces, like water. Like the artist, we'll be using deep hues of blue, bright yellows and pinks to create this collaborative piece of art.

Oscar often paints over words, etchings, and debris from his studio, covering them with his own marks. We'll do the same, painting over thousands of drawings, marks and words contributed by people of all ages from around the world and local community groups at Tate Modern.
This activity involves messy materials - please wear suitable clothing.

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Oscar Murillo, The flooded garden | Tate Modern

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This summer, artist Oscar Murillo will transform the Turbine Hall into an enormous painting garden. Oscar invites everyone to take part in creating a vibrant work of epic proportions. Pick up a paintbrush and make your mark using wave-like strokes to flood a giant canvas.

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TAKASHI MURAKAMI MONONOKE KYOTO JAPAN 2024 PHOTO VLOG

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Captura de Twitter @AndreaObaid

SANTIAGO.-. Este jueves 6 de diciembre los habitantes de Santiago fueron sorprendidos con una intervención ciudadana en Plaza Italia.

Mil pingüinos hechos de materiales reciclados se tomaron el espacio público, para hacer un llamado de atención respecto del cuidado del planeta.

La iniciativa es del Canal 13C en conjunto con el colectivo BLA!, y su objetivo es "tomar conciencia sobre los devastadores efectos del cambio climático en el entorno de esta especie que nos hace reflexionar, pues es mundialmente reconocida por su capacidad de organización en pos del bien común", según informaron en un comunicado.

Los animales de "#1000pingüinos13C" fueron creados a partir de 1.300 botellas plásticas recicladas y más de 4,5 toneladas de papel de diario.

En total, los organizadores tardaron más de tres meses en concretar el proyecto, tras un largo trabajo de recolección, diseño y realización.

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Mil pingüinos se tomaron la Plaza Italia y causaron sorpresa a los transeúntes

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Las aves marinas se encontrarán en el espacio público hasta el sábado 8 de diciembre.

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El año de Julio Le Parc: la sorprendente obra que instala en el Teatro Colón

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Clarín recorrió con el artista el sótano del gran coliseo, donde creó un enorme poliedro de efecto fluorescente, que además se amplía con un casco de realidad virtual. Sus muestras en el Bellas Artes y el CCK.

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"La Menesunda" – Marta Minujín y Rubén Santantonín

Fue una de las primeras exposiciones que rompió con la idea tradicional de "ver arte colgado en la pared".

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También quería compartir este texto por Cuauhtémoc Medina, que podría ayudar a situar algunas reflexiones sobre la curaduría como disciplina o área de conocimiento. La metáfora del curador/a como un Frankenstein (monstruo), puede ayudarnos a entendernos mejor a nosotrxs como pares.

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Raising Frankestein | PDF | Curator | Museology

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This document discusses the concept of curating and curatorial training. It argues that curating is a contextual, strategic and ad hoc activity that resists definition and professional regulation. Therefore, while curating cannot be taught as a discipline, curatorial studies programs can educate curators by nurturing their intellectual and professional development and providing theoretical and historical references.

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Color, el conocimiento de lo invisible.

La vi primero en 2021 en el Espacio Telefónica en Madrid y fue impactante, era una muestra sobre la historia del color, color y ciencia, color y emociones expresada en distintos formatos y objetos, realmente increíble, después la ví aquí en Quito en el CCM en 2023 (me parece), en una versión bastante condensada, y la verdad siento que no le hacía justicia a la original. me parece una referencia interesante porque ver una muestra dos veces en dos formatos distintos me hizo pensar sobre el impacto que pueden tener ciertos recursos o elementos de montaje y conceptualización.

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Recorrido por la exposición "Una modernidad hecha a mano"

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El montaje dividió ciertas salas en pequeñas "cabinas" donde se podían ver las obras más "controversiales" de Mapplethorpe

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Solomon R. Guggenheim Museum - Implicit Tensions: Mapplethorpe Now - Exhibitions - Mapplethorpe Foundation

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PRESS RELEASE A yearlong exhibition project in two parts, Implicit Tensions: Mapplethorpe Now explores the full range of the artist’s practice as well as his complex legacy in the field of contemporary art. One of the most critically acclaimed and controversial American artists of the late twentieth century, Robert Mapplethorpe created daring and formally rigorous photographs. He is widely known for images that deliberately transgressed social mores and for the censorship debates that transformed him into a symbol of the culture wars in the late 1980s and early 1990s. In the ensuing decades, artists and critics have grappled with Mapplethorpe’s legacy, raising questions about the agency of the photographic subject and interrogating his representations of homoerotic desire, the black male nude, and the female figure. A yearlong exhibition project in two parts, Implicit Tensions: Mapplethorpe Now explores the full range of the artist’s practice as well as his complex legacy in the field of contemporary art. In 1993 the Robert Mapplethorpe Foundation gifted the Guggenheim 194 key examples of the artist’s work, as well as a generous financial donation to support their entry into the collection and to name the gallery in which this exhibition is presented. This transformative gift initiated the museum’s photography program and catalyzed its collection of the medium. The first part of Implicit Tensions (January 25–July 10, 2019) featured highlights from the Guggenheim’s in-depth Mapplethorpe holdings, including early Polaroids, collages, and mixed-media constructions; iconic, classicizing photographs of male and female nudes; floral still lifes; portraits of artists, celebrities, and acquaintances; explicit depictions of New York’s underground S&M scene; and searingly honest self-portraits. Alongside a focused selection of Mapplethorpe’s photographs, the second part of Implicit Tensions (July 24, 2019–January 5, 2020) showcases the work of Rotimi Fani-Kayode, Lyle Ashton Harris, Glenn Ligon, Zanele Muholi, Catherine Opie, and Paul Mpagi Sepuya, artists who offer expansive approaches to exploring identity through photographic portraiture. Following Mapplethorpe’s death in 1989, Glenn Ligon created Notes on the Margin of the Black Book (1991–93), an incisive response to Mapplethorpe’s depictions of nude black men. Ligon’s seminal work galvanized critical dialogues around histories of representation by contextualizing these images within larger cultural discussions about race and sexuality. Taking Ligon’s project as a starting point, this presentation traces how artists have variously claimed, diverged from, and critically charted the implications and power dynamics of Mapplethorpe’s images, providing nuanced perspectives about identity and difference. Rather than mapping a trajectory of influence, this exhibition suggests a two-way effect: as these artists create new meanings and possibilities for photographic experimentation on their own terms, they also produce counterpoints that challenge and reframe understandings of Mapplethorpe’s practice. The works on view demonstrate a variety of strategies that have evolved within the field of photography during the last three decades, including the construction of identity through self-portraiture, the affirmation of community through photographic representation, and the conception of art as a vehicle for social advocacy. This exhibition is organized by Lauren Hinkson, Associate Curator, Collections, and Susan Thompson, Associate Curator, with Levi Prombaum, Curatorial Assistant, Collections.

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Desprezados por 20 anos, cavaletes de Lina Bo Bardi voltam ao Masp

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La exposición muestra obras y experiencias estéticas. De alguna manera son un intercambio entre artistas (entendida esta palabra en un campo amplio) y quienes visitan la exposición. La forma en que se montan las piezas y todos los productos, objetos y materiales que las acompañan influyen en la forma en que las personas perciben las obras, el espacio y la experiencia. Uno de los retos actuales es pensar cómo ampliar las sensaciones y reflexiones que producen las exposiciones por fuera del espacio del museo, galería o espacio expositivo, evidentemente esto incluye considerar a las personas y a las comunidades alrededor y como parte de la expo.

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https://lacasadelaarquitectura.es/recurso/de-puertas-afuera-de-puertas-afuera/4dc643fb-2b45-4da1-99e9-5360b7ae7473

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Crafting Modernity: Design in Latin America, 1940–1980 | MoMA

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Exhibition. Mar 8–Nov 10, 2024. “There is design in everything,” wrote Clara Porset, the innovative Cuban-Mexican designer. She believed that craft and industry could inspire each other, forging an alternative path for modern design. Not all of Porset’s colleagues agreed with her conviction. This exhibition presents these sometimes conflicting visions of modernity proposed by designers of home environments in Argentina, Brazil, Chile, Colombia, Mexico, and Venezuela between 1940 and 1980. For some, design was an evolution of local and Indigenous craft traditions, leading to an approach that combined centuries-old artisanal techniques with machine-based methods. For others, design responded to market conditions and local tastes, and was based on available technologies and industrial processes. In this exhibition, objects including furniture, appliances, posters, textiles, and ceramics, as well as a selection of photographs and paintings, will explore these tensions. The home became a site of experimentation for modern living during a period marked by dramatic political, economic, and social changes, which had broad repercussions for Latin American visual culture. For nearly half a century, the design of the domestic environment embodied ideas of national identity, models of production, and modern ways of living. The home also offered opportunities for a dialogue between art, architecture, and design. Highlights of the exhibition include Clara Porset’s Butaque chair; Lina Bo Bardi’s Bowl chair; Antonio Bonet, Juan Kurchan, and Jorge Ferrari Hardoy’s B.K.F. Chair; and Roberto Matta’s Malitte Lounge Furniture.

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Felix Gonzalez-Torres – "Sin título"

Una obra que permite al público interactuar con ella, la obra se transforma mientras esto sucede. No es un montaje fijo, se transforma. Es archivo vivo.

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Como ejemplo de exposición de arte quisiera compartir la Documenta 15, curada por el colectivo Ruangrupa de Indonesia. Considero que esta exposición permite expandir el entendimiento no sólo curatorial, sino también el imaginario del arte en la actualidad. Creo que el proceso de selección, el formato, la investigación, el uso de lenguaje especializado y no especializado, y demás; permiten entender la exposición de arte como un producto colectivo, situado con una agenda global aprehendiendo lo transnacional en varios niveles.

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ruangrupa has based documenta fifteen upon the values and ideas of lumbung. lumbung, which directly translates as "rice barn", refers to a communal building in rural Indonesia where a community's harvest is gathered, stored and distributed according to jointly determined criteria as a pooled resource for the future.

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Radical Women: Latin American Art esta expo me parece interesante porque muestra un trabajo colectivo y el uso del espacio para que el publico interactue.

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Radical Women: Latin American Art, 1960–1985 – Cecilia Fajardo-Hill and Theresa Sotto

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Exhibition. Mar 2–Apr 19, 1936. This groundbreaking exhibition was key to establishing the pedigree for modern art proposed by Museum of Modern Art Founding Director Alfred H. Barr, Jr.—a narrative that continues to shape the Museum’s presentation of modernism to this day. In the introduction to the catalogue, Barr declared that the day’s most adventurous artists “had grown bored with painting facts. By a common and powerful impulse they were driven to abandon the imitation of natural appearance.” To demonstrate the breadth of this modernist impulse toward abstraction, Barr assembled a wide-ranging exhibition of nearly 400 works of painting, drawing, printmaking, sculpture, architecture, furniture, theater design, and typography. He also drew up a now-famous diagram of the origins and influences of modern art that was reproduced on the catalogue’s dust jacket.

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Xu Bing
Born in Chongqing, China, in 1955.
He lives and works in Beijing, China, and New York City, USA .

Xu Bing is one of the great voices of the early Chinese avant-garde. His masterpiece Book from the Sky (1987- 1991) consisted of thousands of Chinese characters invented by the artist that were then woodblock-printed onto flowing scrolls and made into hand-bound books. When the installation was unveiled in 1989, it shocked audiences with its jarring combination of meticulousness and absurdity, and he decided to move to New York. There, in the 1990s, he invented an English script made from Chinese calligraphic morphemes that would baffle readers of both languages in an elegant parody of then-prevalent conversations about identity and globalization. In the mid-2000s he returned to Beijing, taking on the deputy directorship of his alma mater, the Central Academy of Fine Arts, a position he held through late 2014. There he engaged with a different, if also equally complex, set of social and intellectual realities from those he had encountered as a student two decades earlier.
At the Biennale di Venezia, Xu Bing presents Phoenix, one of the main projects of his second Beijing era. His Phoenixes began as a commission for a Hong Kong developer building a pair of office towers in the People's Republic of China. They were first realized in Beijing in 2010, but have since been widely exhibited elsewhere, including the decommissioned light bulb factory of Mass MoCA (Massachusetts Museum of Contemporary Art) and the Cathedral of Saint John the Divine in Manhattan. Looking to make visible the unseen consumption-not just of materials, but also of human lives-inherent in the widespread urban development that led up to the 2008 Beijing Olympics, Xu Bing transfigured construction debris into a pair of male and female mythical birds, Feng and Huang. He has explained his method as at once vernacular-"unsophisticated, like Chinese lanterns"-and indebted to the modern lineage of the readymade. Installed at the Gaggiandre, the birds either loom or soar, reminders of the complex interconnections between labor, material, and culture.

Explore museums and play with Art Transfer, Pocket Galleries, Art Selfie, and more

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The Phoenix - Xu Bing - Google Arts & Culture

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Xu Bing Born in Chongqing, China, in 1955. He lives and works in Beijing, China, and New York City, USA . Xu Bing is one of the great voices of the early C...

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teamLab: Drawing on the Water Surface Created by the Dance of Koi and People - Infinity

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Drawing on the Water Surface Created by the Dance of Koi and People - Infinity