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Luego de investigar un poco y adentrarme en el mundo del humano como tal y su funcion en las obras de arte, decidí el tema del cuerpo, ya que me parece una herramienta esteticamente bella para representar emociones, hechos, pensamientos, hasta solo representarlo por ser bello.

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LA VENUS IMPUDIQUE.

En esta obra de la prehistoria, encontramos, una figura femenina, lo más importante de esta figura son sus rasgos, encontramos que claramente no se encuentra su cabeza, se observa que hubo una en el momento de su creación, pero por otro lado se observa que nunca tuvo brazos, lo que nos hace entender que el el torso y sus piernas eran lo más importante para resaltar. Luego de concluír esto, se analiza que el cuerpo tallado, no es de una mujer madura, es de una mujer que esta en pleno desarrollo, ya que sus pechos no resaltan completamente, como es el caso por otro lado de la Venus de Willendorf. Podemos concluír luego que, esta pequeña estatua es la representación gráfica de la juventud.

Su lugar de descubrimiento es también un rasgo importante, ya que podemos intuír que la escultura realizada, era parte de una decoración, porque su lugar de encuentro, era lo que parecía un cuarto o una vivienda.

FICHA TÉCNICA:

Material: Marfíl

Iconografía: Representación de la juventud.

Función: Decoración y representación.

Contexto histórico: Época prehistórica.

Dimensiones: 8 centímetros

Fecha: 35.000 y 20.000 a.c.

Artista: desconocido.

Lugar: Laugerie Basse, Francia.

Referencias:
https://hmn.wiki/es/V%C3%A9nus_impudique
https://educomunicacion.es/arte_erotico/prehistoria_arte_erotico.htm

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Esta obra que esta presente, es una obra del medio oriente, objeto caracteristico del movimiento artístico mesopotámico. En ella se puede observar a Ashurnasirpal II, Rey de Asiria, lo que actualmente se conoce como irak. También podemos analizar de manera superficial su iconografía, describiendo asi el naturalismo, tema icónico en el arte de las sociedades mesopotámicas. Igual que la temática, el material, el cual es yeso, es un material que se usó de manera constante en estos sectores geográficos.

Al observar los objetos o los cuerpos que se encuentran distribuídos en el espacio de este cuadrado de yeso, podemos encontrar personas, guerreros en este caso y animales, los cuales se representan evidentemente como animales salvajes. Estéticamente, el arte mesopotámico se caracteriza por un aspecto curioso en la formación de los cuerpos y es la preocupación o más bien la regla que tienen los artesanos o artistas en resaltar las partes del cuerpo humano, animal o hasta cuerpos de objetos. Se evidencia como los personajes estan de manera lateral y sus herramientas y sus partes del cuerpo estan de forma lateral. Esto lo hacen porque es la forma más clara de resaltar estos mismos de forma clara, omitiendo en muchas ocasiones la logica de perspectiva, o sentido de dirección. Para concluir, el cuerpo es una herramienta simplemente estética para darle una belleza y un sentido a la obra, dandole una importancia inmensa a la obra.

FICHA TÉCNICA:

Artista: Anónimo
Fecha de creación: 865A.C-860A.C
Material: Yeso
Dimensiones: 88.65 cm x 223.52 cm
Lugar: Oriente medio

Referencias:

https://www.britishmuseum.org/collection/object/W_1847-0623-11
https://p.plataformaintegra.net/lalibertad/arc/ptareas/GUIA_DE_MESOPOTAMIA_DE_CIENCIAS_SOCIALES_SEGUNDO_PERIODO_DE_LUIS_%C3%81NGEL_TORRADO_RODR%C3%8DGUEZ_8B_2021.pdf

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FICHA TÉCNICA:
DIMENSIONES: 156 cm de altura.
MATERIAL: Mármol
UBICACIÓN: Templo de Zeus en Olimpia.
FECHA DE CONSTRUCCIÓN: 470 a.C, concluyendo en el año 457 a.C.
AUTOR: Fidias.

En estas obras podemos ver la primera base del arte griego, obtenido gracias a la conquista de Creta y a sus infinitas batallas con los primero habitantes de esa región.

Observamos una escultura con caracteristicas claves de la cultura ubicada en Creta. cuerpos estaticos, sin tantas dimensiones, pero podemos encontrar algo más y es el "toque" giego. Estos fueron un poco más allá que la sociedad cretense. Quisieron darle personalidad al objeto, al humano que tendría que permanecer en esa posición el resto de su existencia física. Aunque el cuerpo sea todavía muy estático,rigido y notablemente ahogado por el material, El escultor griego le termina de dar movimiento a la escultura de Creta, descubriendo caracteristicas fundamentales en el arte, como es la belleza, y el escorzo, aspecto que revolucionará no solo el arte griego y mesopotámico, sino el arte en el resto del mundo.

REFERENCIA:
file:///C:/Users/Owner/Downloads/Capi%CC%81tulo%203.pdf

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FICHA TÉCNICA:
FECHA DE CREACIÓN: siglo I d. C.
ARTISTA: Agresandro, Polidoro, Atenodoro de Rodas.
MATERIAL: Mármol blanco.
DIMENSIONES: 2,42 metros de altura.
LUGAR DE DESCUBRIMIENTO: En el Esquilino romano, (también conocido como una de las colinas de la antigua Roma.)

Esta obra, datada en la época helenística, se caracteriza principalmente por el enfoque al detalle, ya no encontramos esculturas ni obras de este estilo, de forma plana como eran en algun momento en la grecia clásica, aunque en los dos tiempos demuestran una naturalidad y un cuerpo estéticamente perfecto, los movimientos, la anatomía y la introducción a la belleza como base de las obras toma lugar.

Este movimiento empieza con el imperio fundado por Alejandro Magno y los imperios formados después. Estamos hablando de una mezcla increíble de culturas, mencionando algunas como la cultura localizada en Egipto, Siria y Pergamo ubicado en Asia menor. Gracias a este inicio de globalización, el arte clásico griego, se vio obligado a evolucionar y a experimentar con demasidas ideas, conceptos, creencias y técnicas. Ya no se tiene en cuenta representar una obra en escultura de forma rígida, con el cuerpo ahogado, ahora quieren ir más allá, quieren tomar el cuerpo humano, volverlo anatomicamente "bello" y crear un movimiento que pueda hacer respirar el mármol, contandonos asimismo una historia dramática y hermosa.

REFERENCIAS:
file:///C:/Users/Owner/Downloads/Capi%CC%81tulo%204.pdf

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Ficha técnica:
Dimensiones: 95 cm x 37 cm
Material: Mármol
Ubicación: Paris
Fecha: hacia 130 d. C
Autor: Anónimo

Al analizar esta obra, podemos ver el rostro sin alma de Antínoo. al decir esto no estoy afirmando que todas las esculturas tengan almas, hago referencia a que estamos viendo un rostro sin caracteristicas unicas, observamos el molde griego a un rostro romano. Estamos analizando a un Antínoo idealizado, embellecido a la forma griega-romana. Aspectos físicos lisos, llegando a la perfección del objeto o de la persona que el artísta quería representar.

Este busto de Antínoo, demuestra la inspiración directa de los griegos en la república romana. Muchas veces estos artistas eran traídos desde Grecia, ya que en aspectos sociales y politicos, los romanos se estaban concentrando más en la estructura de su república, haciendo referencia a su arquitectura. Esta importancia romana hacia la arquitectura, hizo que el arte de esta república sea muchas veces copias directas o indirectas del arte griego ya que ellos habian avanzado en este aspecto por siglos, haciendo que no solo los romanos se copiaran, sino que inspiraron a practicamente todo el mundo.

Referencias:
https://es.wikipedia.org/wiki/Ant%C3%ADnoo#/media/Archivo:Antinous_Mandragone_profil.jpg
https://kripkit.com/antinoo-mondragone/

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Ficha técnica:
Material: Mármol blanco de Carrara
Dimensiones: 98 x 69 cm
Lugar de creación: Roma
Artista: Anónimo
Año: 312 - 325 d.C

Esta obra en donde podemos ver claramente al emperador Constanino, esta hecha de forma tal, que nosotros, los que recibimos la mirada de este personaje, podamos recordar su rostro, sus carateristicas fisicas y lo respetemos. Esta caracteristica fue formada en la creación y construcción del imperio romano. Los emperadores tenian miedo de morir y ser olvidados, ya que sabian que si morian, otro emperador lo reemplazará. Gracias a este pensamiento, los artistas abren sus ideas y constribucones recibidas por los griegos y comienzan a realizar rostros naturales, reales, dejando a un lado el ideal de perfeccion griega.

Esta idea de naturalidad se extiende y nutre a otras culturas gracias a la expansión de este imperio, su practicidad de realización se vuelve facil de adquirir en lugares conquistados como la India, en donde podemos ver esculturas con aspectos griegos, pero, también podemos ver la naturalidad y realismo de los rostros.

Referencia de la imagen:
https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/el-emperador-constantino-el-grande/1897945c-a3a1-4da7-97af-1428ee86b824

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Ficha técnica

Autor: Eduardo Ramirez Villamizar

Material: hojillas de oro sobre madera

Técnica: Mural

Fecha: 1958

En esta imagen se puede apreciar el dominio del color dorado sobre otro material el cual es la base de toda la composición el cual corresponde a una tabla de madera. Además se observan lo que viene siendo ondas y una figura geométrica que en este caso es el circulo. Esta obra además tiene un marco limitado por el artista, sin usar un marco físico, este es invisible pero sus limites se representan fisicamente.

Luego de analizar el aspecto físico de esta, entramos en el análisis crítico, observando que el artista quiere hacernos entender que el dorado es lo principal de esta composición, haciendo referencia directa a la leyenda del dorado, entendiendo un poco también el origen del artista el cual es de descendencia colombiana. Las ondas en este caso puede hacer referencia a los instrumentos, estatuas, creaciones hechas de oro por esta comunidad mencionada en la leyenda , la cual en algun momento dominó estas tierras.

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Ficha Técnica:
Tecnica: Fresco
Ubicación: Catacumba en Roma
Autor: Anónimo
Fecha: Entre el siglo I despues de cristo y  el siglo IX.

Esta obra a simple vista, puede ser objetivamente analizada como una parte de la biblia, la cual es la escena de Adán y Eva. Podemos obsevar la serpiente, y los dos sujetos que serán los personajes principales, no solo de la bíblia sino de esta pequeña composición.

Además encontramos una gama de color muy limitada y simple, los dos personajes y el ambiente en esa escena, nos hace recordar un poco a las caracteristicas del arte romano y griego, ya sea por la postura de los cuerpos o de los rasgos de estos mismos.

Superficialmente se puede concluir eso, pero si nos adentramos en la historia y de la ubicación de esta obra, nos podemos adentrar en una época fundamental del cristianismo, y es su origen. Esta religión fue fundada en un tiempo en el cual el imperio romano estaba dominando todo el mundo conocido hasta ese momento, y no solo eso, también estaba dominando culturas, colocando su propia religion y dioses en cada rincón. Esto hizo que los cristianos tuvieran que esconderse, rezar en lugares oscuros, ocultos de los emperadores y de los dioses romanos. Es por eso que el arte cristiano y este concepto en general, se encontrara en su mayoría en catacumbas, como esta obra, ya que eran lugares que no se suelen visitar, lugares perfectos para practicar con tranquilidad a Cristo.

Finalmente, otra caracteristica de este tipo de arte es la continuidad de inspiración que el arte romano y griego tiene en el mundo artistico. Los cristianos toman las caracteristicas fisicas de la estética romana y griega y la transforman para darle un sentido cristiano, esto se verá representado en este momento de manera simple, pero más evidente cuando esta religión toma poder.

Referencia:

https://www.primeroscristianos.com/catacumba-de-los-santos-marcelino-y-pedro-el-laser-desvela-espectaculares-frescos/
https://rsanzcarrera2.wordpress.com/2008/08/18/adan-y-eva-en-la-iconografia-de-las-catacumbas/

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Ficha técnica:
Fecha: SIglo XII
Autor: Anónimo
Técnica: Mosaico
Ubicación: Estambul
Referencias:
https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_bizantino

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Ficha técncia:
Titulo: Abside de Sant Climent de Taull
Autor: Anónimo.
Fecha: 1123

Este fresco datado en la edad media,superficialmente se puede reflejar un estilo diferente a comparación del estilo bizantino presentado anteriormente. La figuras estan un poco rígidas, pero no llegan al punto de rigidez egipcia ni griega, en cambio se acerca más al movimiento nordico o hasta islamico, proyectando los mosaicos en figuras  humanas.

encontramos la union de varios estilos artisticos, el clasico cristiano, el artista nórdico o también conocido como el vikingo y hasta la cultura islamica. Gracias a esto, el aspecto pictórico dio un giro impresionante, dejando a un lado la tradicion bizantina y explorando la combinación y creación de un estilo completamente diferente, semejando en mcuhas ocasiones  al arte moderno o contemporáneo de la actualidad, reflejado asi un movimiento nuevo y revolucionario.

Esto lo veremos no solo en el arte, sino en la arquitectura, dando así construcciones hechas de piedra o materiales "primitivos" usados por los nordicos, haciendo así una fusión de culturas. También lo veremos en la combinación de estructuras ya construidas previamente como es el caso de la continua mezcla entre la cultura islamica y la cristiana, combinando sucesivamente sus estructuras, gracias a la continua guerra e invasiones que se enfrentaban con contidianidad estas dos religiones.

Referencias:

https://artsandculture.google.com/asset/apse-from-sant-climent-de-ta%C3%BCll-unknown/AgHvZs0qESzp-w

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Apse from Sant Climent de Taüll - Unknown - Google Arts & Culture

# data[].attributes.attachment_link.description
From the church of Sant Climent de Taüll (Vall de Boí, Alta Ribagorça).

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Ficha técnica:
Titulo: Duomo de pisa
Autor: Buscheto, tino di camaino
Estilo: Arquitectura románica
Fecha: 1064-1092

Las caracteristicas princiaples de la arquitectura románica es la estructura que cobre el interior es decir, la fachada de estas. Encontrasmo varias ventanas en donde la intención es dejar entrar la luz divina e invadir el espacio con ella, iluminando a unos pocos, en este caso a la sociedad feudal, haciendo estas estrucutras, diseños rurales.

Además de este aspecto, también encontramos las dimensiones, en donde los arquitectos se enfocaban en distribuír la construcción de forma horizontal, procurando que el material sea grueso para que la estructura fuera fuerte y duradero eventualmente.

Referencia:

https://www.google.com/search?q=duomo+de+pisa&oq=duomo+de+pisa&aqs=chrome..69i57j0i22i30l9.2934j0j4&sourceid=chrome&ie=UTF-8

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Ficha técnica:
Titulo: Catedral de San Esteban
Fecha: 1147
Dimensiones: 34.1 metros de ancho* 136,7 metros de altura
Arquitecto: Anton Pilgram

Este estilo se comporta extremadamente diferente a la estructura no solo románica, sino a cualquie otro estilo cristiano realizado en cualquier época.

Encontramos torres, poca luz, un juego interminable con las alturas y hasta la deformación de la propia estructura base, aspecto que estaba completamente anulado por los estandares básicos de la arquitectura pasada en el aspecto cristiano.

Las dimensiones se enfocan en la altura, para así estar un poco más cerca de Dios. Además introducen lo que conoceremos como las vidrieras, semejando la conexión mística que el hombre tiene con Dios, conexión que pasa de la zona rural como las catedrales románicas y llevandolas a las ciudades, donde cada persona podía presenciar esta obra de gran magnitud.

Para concluir, se puede definir esste flujo arquitectonico como la llevada de la pintura a la vida real.

Referencias:

https://www.google.com/url?sa=i&url=https%3A%2F%2Fwww.tuexperiencia.com%2Fatracciones%2Fcatedral-de-san-esteban-en-viena&psig=AOvVaw0yvhK-Cxa_izAqwF9b6rzf&ust=1665438997735000&source=images&cd=vfe&ved=0CA0QjhxqFwoTCNCplfSR1PoCFQAAAAAdAAAAABAE

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Ficha técnica obra renacimiento italiano:
Titulo: Der ungläubige Thomas
Autor: Caravaggio
Dimensiones: 107*146cm
Fecha de creación: 1601

Ficha Técnica obra renacimiento norte de Europa:
Titulo: Allegorie des Geizes
Autor: Albrecht Durer
Dimensiones: 35*29cm
Fecha de creación: 1507

Al analizar estas dos obras de manera objetiva y muy superficial, podemos encontrar dos extensiones de una misma fuente. Alcanzamos a analizar la base de los dos movimientos, la manipulacion de las bases artísticas y llevadas a las necesidades de una sociedad. Por un lado encontramos el arte italiano, el cual es una extensión del arte clásico, los mensajes tratan de representar lo mismo que el arte bizantino y de la propia edad media, pero hay algo más; La bases son iguales pero su formalidad es diferente, el detalle es fundamental y la naturalidad y el realismo, resaltan en este periodo, contando en este caso el renacimiento italiano y del norte de Europa. Un factor que diferencia el renacimiento italiano con cualquie otro es esta formalidad, esta timidez de irse más allá en algunos ambitos artísticos, sociales y politicos los cuales tenian influencia directa en el arte y en otras ramas artísticas.

Por otro lado, El renacimiento del norte de Europa llega con otra perspectiva a los ojos del artista. Encontramos una libertad absoluta, el arte no etaba sujeta a ningun ambito social y si el cliente comisionaba una obra, este personaje tenia la libertad de hacer lo que quisiera para satisfacer sus necesidades como persona. El objetivo más resaltado en este periodo y en esta obicación europea en general, es la necesidad de mostrar, no solo en los materiales y en los colores los cuales eran realmente costosos, elemento que señalaba el nivel de apoyo económico que este cliente tenia, sino también querer mostrarle al público tanto privado como no privado, que esta familia, esposos o persona individual tenia tanto poder, volviendo el arte como medio de resaltador social más que una propaganda o necesidad religiosa como en el caso del italiano.

Referencias:
https://artsandculture.google.com/asset/der-ungl%C3%A4ubige-thomas-michelangelo-merisi-named-caravaggio/OAEjjQkNdRL9sg?hl=es
https://historia-arte.com/obras/avaricia-durero

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Ficha Técnica:
Titulo: La duquesa fea
Fecha: 1513
Dimensiones: 62,4*45.5cm
Autor: Quinten Massys

En el analisis superficial de esta obra titulada "La duquesa fea" se puede ver pinceladas suaves, difuminadas resaltando la anatomía humana de forma coherente, creando en muchos casos como en este, un personaje imaginario. Esto refleja la libertad del artista y la importancia del autorretrato para reflejar este ideal. Además estamos en un punto histórico en el que el arte refleja riqueza, practicamente  era retratada la persona que podia ser retratada, es decir, la persona que tenia el apoyo económico de hacerlo. En esta obra estamos evidenciando a un individuo, el cual era tan privilegiando que podia comicionar un retrato único, representando a nivel artistico, su estatus social, su poder y su economía.

Referencia:
https://artsandculture.google.com/asset/an-old-woman-the-ugly-duchess/pgHyo_q4XgQKNw?ms=%7B%22x%22%3A0.5%2C%22y%22%3A0.5%2C%22z%22%3A8.559867020117652%2C%22size%22%3A%7B%22width%22%3A3.287093457232083%2C%22height%22%3A1.2500000000000007%7D%7D

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Ficha Técnica:
Titulo: El arte de la pintura.
Autor: Vermeer
Fecha: 1666-1668
Dimensiones: 100*120

El arte barroco no se separa mucho en la técnica vista en el renacimiento, es decir, que podemos observar un uso del oleo en la pintura, pinceladas que todavia se ven muy homogeneas; Además la anatomia ya es dominada a la perfección, gracias a los artistas del renacimiento y de etapas anteriores. En este caso, lo que separa el arte barroco con los demás movimientos artísticos es la iconografía de las obras. El arte se separa de la iglesia, el artista tiene libertad mental y no solo eso, obtiene una posición social importante, haciendo que su presencia en los cuadros sea un ícono importante en la obra, como en este caso, observando un autorretrato dentro de un retrato dentro de una composición habitual de una pintura, es decir, un simple cuarto. Lo que hace importante ese espacio no es la mujer o las obras colgadas, es el artista.

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Ficha técnica:
Titulo: Reina Esther
Fecha:1878
Dimensiones: 213.5 x 170.3 cm
Artista: Edwin Long

En esta obra a simple vista, podemos observar características del arte greco-romano, por ejemplo los tonos, las pinceladas demasiado suaves y no solo eso sino la composición. El objetivo del arte neoclásico es representar la via griega de una manera romantica, idealizada, haciendo así, obras del siglo XIX, llevandolas a un mundo imaginario griego, transformando no solo el arte de esa época, sino creando una nueva visión del pasado.

Referencias:
https://artsandculture.google.com/category/art-movement

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Ficha técnica:
Título: In a Roman Osteria
Fecha: 1866
Artista: Carl bloch
Dimensiones: 177.5 x 148.5

Ésta obra caracteriza de una manera clara el arte romantico. Observamos un individualismo claro, el aspecto fantástico está expuesto, es decir que ya estamos creando escenarios falsos, sentimentales que solo tienen el propósito de crear emociones, movimientos, conceptos o razonar. Tomamos cada personaje en la composición y le damos un propósito, un objetivo en la obra y le damos un sentimiento.

Referencia:

https://artsandculture.google.com/entity/romanticism/m06hsk?categoryId=art-movement

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Ficha Técnica:

Titulo:The Floor Planers
Autor:Caillebotte
Fecha:1875
Dimensiones:1.92 m x 1.46 m

En esta obra, a simple vista. podemos observar tonalidades suaves, muchas veces y en su mayoría, en su composición, encontramos tonos oscuros, no tan llamativos a simple vista, esto es intencional.

El arte realista esta destinado a reflejar ella realidad, romantizar la realidad, la cotidianidad, tomando el estilo clásico y llevándola a las ciudades, dejando a un lado el arte para los ricos y convirtiéndosela en un arte para el pueblo. Sus cuerpos no son idealizados, no son representados con total belleza estética, son simples hombres trabajando para alimentarse.

Referencia:

https://artsandculture.google.com/entity/pintura-del-realismo/m010vqr6v?categoryid=art-movement

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Ficha técnica:
Titulo: Portrait of Otto Mueller
Autor: Ernst Ludwig Kirchner
Fecha: 1915
Dimensiones: 273 x 546 mm

En esta obra, encontramos desde mi punto de vista, la maxima expresión del cuerpo. Los colores se encuentran en un punto en el que no son importantes. Encontramos tonalidades secas, que no aportan mucho en la composición. Lo más importante en este movimiento es el contorno, el dibujo, las direcciones de las lineas es lo que le da sentido a la obra. En otras epocas, estas lineas estaban ocultas, detras de grandes capas de pinturas; ahora es lo más importante en la composición.

Por otro lado, el cuerpo se trasforma, la estética greco-romana se deforma e integran la emoción con el cuerpo de manera literal.

Referencia:
https://artsandculture.google.com/asset/portrait-of-otto-mueller-ernst-ludwig-kirchner-german-1880%E2%80%931938/GgEimeyPMz6aqg?hl=es

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Cuando analizamos el arte desde la prehistoria hasta la contemporaneidad, encontramos impactos sociales, movimientos de personas insatisfechas, encadenadas o simplemente aburridas de la cotidianidad. Encontramos colores rodeados, rocas, metales pulidos convertidos en formas increíblemente fieles a la realidad o fuera de ella. Todo esto lo reflejamos en la línea. La línea es el concepto más antiguo de la historia humana; representamos objetos, emociones, interacciones, guerras, con un simple movimiento de mano. A medida que avanzamos en la historia del arte vemos los sentimientos de una generación afectada por acontecimientos totalmente diferentes a la anterior y a los que vendrán en algún punto, este factor se hace presente en la historia del hombre.

simples líneas que, aunque no hablen, expresan lo que sentimos, lo que hemos visto, hecho y lo que queremos ser.