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4월 18일 12, 10, 30, 3, 2

4월 25일 24, 26, 8, 22, 14

5월 2일 비평문작성 1

5월 9일 11, 20, 29, 25

5월 16일 23, 31, 6, 19, 21, 7, 1

5월 23일 23, 18, 27, 28, 9, 16

5월 30일 17, 15, 5, 4, 13

6월 13일 비평문 보충 설명

6월 20일 비평문 작성

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작가조사내용첨부

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작품 내용 요약해서 첨부

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1925년 10월 22일 ~ 2008년 5월 12일, 그는 사물을 이미지에 종속시키지 않고 반대로 사물을 화면에 도입함으로써 이미지를 파괴하고 혼란시켜서 때로는 넌센스, 또는 역설적으로 현실인식의 다른 길을 내보여 주고 있다.

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리처드 세라-리처드 세라는 장소별 풍경, 도시 및 건축 환경을 위해 제작된 대규모 추상 조각으로 유명한 미국 예술가로, 그의 작품은 주로 미니멀리즘과 관련되어 왔습니다.리처드 세라는 자신의 작품의 물질적 특성을 강조하고 관객, 작품, 현장 간의 관계를 탐구하는 것으로 유명해졌습니다.

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리처드 세라-리처드 세라는 장소별 풍경, 도시 및 건축 환경을 위해 제작된 대규모 추상 조각으로 유명한 미국 예술가로, 그의 작품은 주로 미니멀리즘과 관련되어 왔습니다.리처드 세라는 자신의 작품의 물질적 특성을 강조하고 관객, 작품, 현장 간의 관계를 탐구하는 것으로 유명해졌습니다.

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앤디 워홀(Andy Warhol, 1928년 8월 6일 ~ 1987년 2월 22일)은 미국의 대표적인 팝 아티스트로 펜실베이니아주 피츠버그에서 태어났다

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리처드 세라의 "1톤 기둥 (카드의 집)"은 1969년에 제작된 작품으로, 그의 초기 작품 세계를 대표하는 작품 중 하나입니다. 이 작품은 불필요한 장식을 배제하고 기본적인 형태와 재료의 물성에 집중하는 미니멀리즘 경향을 띠며, 재료 자체의 물성을 강조하고, 균형과 중력의 관계를 탐구하는 특징을 갖습니다.

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리처드 세라의 "1톤 기둥 (카드의 집)"은 1969년에 제작된 작품으로, 그의 초기 작품 세계를 대표하는 작품 중 하나입니다. 이 작품은 불필요한 장식을 배제하고 기본적인 형태와 재료의 물성에 집중하는 미니멀리즘 경향을 띠며, 재료 자체의 물성을 강조하고, 균형과 중력의 관계를 탐구하는 특징을 갖습니다.

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1920년 중반까지 미래주의와 입체주의 성향의 작품을 그렸다. 그러나 그 이후 조르조 데 키리코(Giorgio de Chirico)의 영향을 받아 초현실주의적인 작품을 제작하기 시작하였다. 1950년대에는 그 전까지 했었던 작품들과는 완전히 다른 작품을 제작하기도 하는데, 인상주의시기의 르누아르의 영향을 받은 작품들과 바슈(vache)시기의 야수파의 영향을 받은 작품들이 제작되었다.

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프랑스의 예술가. 오늘날 현대미술에 지대한 영향을 미친 위대한 예술가 중 한 명으로 현대미술을 논할 때 빠지지 않고 거론되는 작가이다. 현대미술과 철학의 관계에 대해 물질과 개념의 ‘엥프라망스’라는 개념을 제시한 것으로도 유명하다.

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마르셀 뒤샹

1927년 2월 26일, 마르셀 뒤샹

출생

Blainville-Crevon

사망

1968년 10월 2일 (81세)
뇌이쉬르센

직업

배우, 체스 기사, 화가, 조각가, 사진가, 시인, 사서, 디자이너, 예술가, 시각 예술가, 영화 감독, 철학자, 제도사, 판화가, 아상블라주 작가

국적

프랑스
미국 (1955 - )

학력

줄리안느 아카데미
피에르코르네유 고등학교
국립고문서학교 (1912 - )

사조

다다이즘, 초현실주의, 개념 미술

배우자

Alexina Duchamp (1954 - 1968)
Lydie Sarazin-Levassor (1927 - 1928)

동거인

가브리엘 뷔페피카비아
Maria Martins

자녀

Yo Savy

에탕 도네, L.H.O.O.Q, 계단을 내려오는 누드 넘버 2

마르셀 뒤샹의 "샘"

앙리 로베르 마르셀 뒤샹 (Henri Robert Marcel Duchamp, 1887년 7월 28일 ~ 1968년 10월 2일)은 프랑스의 예술가로, 다다이즘과 초현실주의 작품을 많이 남겼다. 그는 1955년 에 미국 국적을 취득했다. 뒤샹의 작품과 아이디어는 1차 세계대전 이후 미술의 발전에 많은 영향을 주었으며, 많은 근대 미술 수집가에게 한 조언은 수집가들이 서양 미술 세계의 취향을 형성하는 데 도움을 주었고 이후 뒤샹은 '현대 미술의 아버지'로 불리게 되었다.

특히 1919년에는 레오나르도 다빈치의 모나리자에 콧수염을 붙인 L.H.O.O.Q 라는 작품을 제작했다. 그러나 이 작품은 많은 논란에 휩싸였다.

루앙 근처의 브란빌 출신인 조각가 레이몽 뒤샹 비용과 화가인 쟈크 비용의 아우이다. 처음에는 도서관의 사서(司書)가 되려고 하였으나 파리에 나와서 아카데미 쥐리앙을 다니는 가운데 화필을 잡게 되어 후기 인상파의 작풍에 접근해 갔다. 이윽고 분석적 퀴비슴에 관심을 쏟아 1912년에 유명한 ⟪ 계단을 내려오는 누드 넘버 2⟫를 제작해 세상에서 일컫는 동시주의(同時主義)의 주목할 만한 작품으로서의 반향을 불러일으켰다. 이어서 뒤샹은 1914년에 아홉개의 동편(銅片)을 두장의 글라스에 끼운 ⟪아홉개의 수형(鑄型), 나쁜 남자들⟫을 발표하였고 1917년 뉴욕의 앙데 팡당 미술전에는 흰 변기를 보내어 확실히 반예술의 자세를 취하게 되었다. 결국 그는 보편적으로 낯익은 기성품에 새로운 시점(視點)을 제공한 것이고, '나는 결코 되풀이하지 않는다'는 전개적인 사상의 소유주인 뒤샹은 이후 완전히 제작을 단념하여 버렸다. 그렇다고는 하더라도 그는 피카비아나 만 레이와 더불어 추진한 반예술의 경향은 다다이슴의 선구로서 지금에 와서는 다다의 부활에 새로운 재평가를 받고 있다. 1941년에는 브루인과 뉴욕에서 쉬르레알리슴 미술전을 열었고 1947년에도 파리의 국제 쉬르레알리슴 전시회에도 참가하였다. 뒤샹은 1968년 10월 2일 이른 아침, 뇌이쉬르센 의 자신의 집에서 사망하였다.

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마르셀 뒤샹 - 위키백과, 우리 모두의 백과사전

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마르셀 뒤샹 1927년 2월 26일, 마르셀 뒤샹 출생 Blainville-Crevon 사망 1968년 10월 2일 (81세) 뇌이쉬르센 직업 배우, 체스 기사, 화가, 조각가, 사진가, 시인, 사서, 디자이너, 예술가, 시각 예술가, 영화 감독, 철학자, 제도사, 판화가, 아상블라주 작가 국적 프랑스 미국 (1955 - ) 학력 줄리안느 아카데미 피에르코르네유 고등학교 국립고문서학교 (1912 - )

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로버트 라우센버그 침대

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로버트 라우센버그 침대

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침대는 가장 사적인 영역이다. 휴식과 잠, 성생활을 상징하는 이름이다. 현대 화가들은 침대를 단지 사물로 두지 않았다. 작품으로 만들었다.

아래 작품 제목은 '침대'지만, 침대로 보이지 않는다. 설명을 읽고 나서야 침대로 만든 작품임을 알게 된다.

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바실리 바실리예비치 칸딘스키(1866-1944)는 러시아의 화가이자 미술 이론가로 추상 미술의 선구자 중 한 명으로 널리 알려져 있습니다. 모스크바에서 태어난 칸딘스키는 30대에 예술로 전향하기 전에 법률과 경제학을 공부하며 예술 경력을 쌓기 시작했습니다.칸딘스키는 기하학적 모양, 생생한 색상 및 역동적인 구성을 사용하는 것이 특징인 고유한 추상 미술 스타일을 개발했습니다.

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장 포트리에(Jean Fautrier, 1898년 5월 16일 ~ 1964년 7월 21일)는 프랑스의 화가, 조각가이다1940년 파리에서는 그의 집이 레지스탕스의 본거지가 되어 있었다고 전하며, 1942년에서 1944년까지 그 유명한 <인질>의 연작을 제작하였다.

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이승환 장 포트리에 《인질의 머리》

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이승환 장 포트리에 《인질의 머리》

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1963  100 x 81 cm 캔버스에 유채(Huile sur toile)

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이 작품에서 새는 존재하는 듯, 존재하지 않는다. 그러나 관람객은 으레 새를 떠올린다.

이처럼 부재하는 것(새)이 실재한다(새 모양의 하늘)는 생각은 우리의 습관과도 같은 인식의 태도에서 연유한다. 르네 마그리트는 이 작품을 통해 하나의 사물이 두 개의 사물로 인식될 수 있다는 점을 보여줌으로써 우리의 인식 태도에 의문을 던진다.하늘을 보는 행위와 새를 보는 행위가 동시에 캔버스에서 일어난다. 이렇게 되면 시간을 두고 순차적으로 일어나야 할 사건이 동시에 일어나게 되어 시간의 절대성이 희미해지는 효과도 낳는다

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칸딘스키는 러시아의 화가, 판화제작자, 예술이론가이다. 피카소, 마티스와 비교되며 20세기의 중요한 예술가 중 하나로 평가되는 그는 초기 추상미술의 주요 인물 중 한명이다. 일반적으로 그는 최초의 현대추상작품을 그린 작가로 평가된다.

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미국의 화가, 영화 프로듀서로 팝 아트의 거장. 앤디 워홀은 당시 예술가는 배고픈 직업이라는 인식을 깨고 성공한 예술가라고 불린다. 그는 단순히 그림이 아닌 사진, 조각, 영상, 음악 등 다양한 매체로 예술을 표현하였다.

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마르셀 뒤샹(1887~1968)의 1917년 작품.

평범한 소변기로 보이는 작품이지만, 예술의 정의 자체를 바꿔버린, 현대 미술사에서 가장 중요한 작품 중 하나로 평가받는 작품이다.

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샘
Fountain

작가 | 마르셀 뒤샹
연도 | 1917년 (원본)
매체 | 레디메이드
사조 | 다다이즘

샘(영어: Fountain)은 1917년 마르셀 뒤샹이 제작한 레디메이드 작품이다. 도기로 제작된 소변기에 'R.Mutt 1917'이라고 서명되어 있다.

1917년 4월 뒤샹은 평범한 소변기 하나를 선택해 <샘>이란 이름을 붙이고, 미국 독립작가협회가 주최하는 뉴욕 그랜드 센트럴 팰리스의 전시회에 전시 작품으로 제출하였다. 뒤샹의 발표회에서는 소변기의 방향이 평소 위치에서 변경되었다.[1][2][3]

당초 협회 측은 전시 참가비를 낸 작가라면 어떠한 작품이든 접수하겠다고 밝혔기 때문에, 제출 자체는 이뤄졌지만 실제 전시장에 전시되는 일은 없었다.[4] 전시회에서 내려진 <샘>은 알프레드 스티글리츠의 스튜디오에서 촬영이 이뤄졌고, 다다 전문 잡지였던 <더 블라인드 맨> (The Blind Man) 잡지 2호에 뒤샹은 앨프리드 스티글리츠가 찍은 <샘> 사진과 베아프리스 우드와 뒤샹의 컬렉터인 월터 아렌스버그의 글, 그리고 스타글리츠의 편지를 함께 보냈으나, 이 잡지에도 작품이 실리지 못하고 거절 당했다.[5]

이 작품은 미술사학계와 아방가르드 학계에서 20세기 미술을 대표하는 주요 작품으로 높이 평가받고 있다. 작품 원본은 소실되었으며, 1950~60년대 들어서 사라진 원본을 대신하여 뒤샹 본인이 복제품 제작을 의뢰, 승인하였고 그 결과 총 16개의 복제품이 남아 있다.[6]

역사[편집]

<샘>을 제작하기 앞서 2년 전, 미국으로 간 마르셀 뒤샹은 뉴욕시에서 프랑시스 피카비아, 맨 레이, 베아트리스 우드 등의 예술가와 힘을 합쳐 반(反)이성과 반미술, 선(先) 다다이즘 문화 운동을 창시하였다.[7][8][9]

1917년 미국 역사상 최대 규모의 현대미술 전시를 앞두고 뒤샹이 <튤립 히스테리아 코디네이팅> (Tulip Hysteria Co-ordinating)이란 제목의 입체주의 작품을 출품 준비중이라는 소문이 퍼지기 시작했다.[10] 정작 본 전시회에서 <튤립 히스테리아 코디네이팅>은 모습을 드러내지 않았고, 뒤샹의 신작을 기대하던 관람객은 실망을 감추지 못했다.[11] 작품 자체는 애초부터 존재하지 않았던 가공의 예술 작품으로 여겨지고 있는데,[4][12] 자세한 내막은 해당 문서를 참조하라.

일설에 따르면 뒤샹은 동료 작가 조셉 스텔라, 미술수집가 월터 애런스버그와 함께 뉴욕 맨해튼 5번가 118번지에 있던 J.L.모트 철공소를 찾아, '스탠더드 베드퍼드셔'란 브랜드의 소변기를 구입했다고 한다. 뒤샹은 그것을 웨스트 67번가 33번지에 있는 자기 스튜디오로 가져간 뒤, 원래 쓰임새대로의 모습에서 90도로 방향을 돌려 놓고[1][2][14][3][15] 그 표면에 'R. Mutt 1917' (→1917년 R. 머트 만듦)이라는 글씨를 써 놓은 것이 《샘》을 완성하게 된 계기라는 것이다.[16][17] 글씨에 대해 뒤샹은 다음과 같이 적었다.

(R. Mutt라는 서명에서) '머트'는 대중위생시설 제조업체인 '모트 철공소'에서 따 왔다. 다만 '모트'란 이름은 너무 답답해서 '머트'로 바꿨다. 마침 그 당시 모두에게 친숙한 일일 연재 만화 〈머트와 제프〉가 나올 때였으니까. 그래서 처음부터 머트: 웃긴 땅딸보, 제프: 꺽다리라는 상호작용이 있던 것이다... 이름은 뭔가 구닥다리였으면 했다. 그렇게 'Richard' →프랑스어로 벼락부자를 뜻하는 속어를 덧붙였다. 공중변소 (pissotière) 치고는 그리 나쁜 이름은 아니었다. 이해가 되시는지? 가난의 정 반대. 그렇지만 그 정도는 아니고, 그냥 'R. MUTT.'일 뿐.[1][18]

작품 제작 당시 뒤샹은 미국 독립작가협회의 회원이었다. 하지만 뒤샹이 《샘》을 제출하면서 본인 이름이 아닌 Mutt라는 가명을 사용했던 만큼, 대다수 회원들은 뒤샹의 출품작이라는 사실도 모른 채, 변기 하나도 과연 미술로 봐야 할 지에 대하여 큰 논쟁을 벌였고, 그 결과 《샘》은 전시회 기간 동안 모습을 드러내지 못했다.[19] 이에 대한 항의로 뒤샹은 협회에서 탈퇴하고 <튤립 히스테리 코디네이팅>을 '철수'시켰다.[4] 전시 운영위 측은 《샘》에 대하여 "원래 자리에서는 매우 유용한 물건일지언정, 그 자리는 미술 전시회가 될 수 없으며, 미술 작품이라는 정의에도 따르지 않는다"라고 적고 있다.[20] 이러한 연유로 이 작품은, 뒤샹의 증언을 빌리자면 '감춰진' 셈이 되었다.[3]

아니, 거절된게 아니지. 협회가 작품을 거절할 수는 없다. 그저 감춰진 것이다. 나는 심사 대상에 올랐지만 상의되지는 못했는데, 그걸 보낸 사람이 나라는 사실을 임원들이 몰랐기 때문이다. 나는 작품에 "머트"란 이름을 서명하여 개인과의 연계를 피했다. 《샘》은 전시 기간 동안 칸막이 뒤에 그냥 놓여 있었으며, 나도 그게 어디 있었는지 몰랐다. 그 작품은 내가 보냈소, 라고 말할 수는 없었지만 주최자들도 소문으로 짐작했으리라. 그걸 함부로 말할 사람도 없었고. 나는 협회 측과 사이가 틀어져 협회을 떠나게 됐다. 전시가 끝나고 우리는 칸막이 뒤에서 《샘》을 다시 발견했고 나는 그걸 되살렸다! (마르셀 뒤샹과의 대담, 1971년 출판)[21]

《샘》의 전시 거부 소식을 전해들은 뉴욕 다다이즘 운동가들은 《블라인드 맨》 제2호에 〈리처드 머트 사건〉 (The Richard Mutt Case)라는 제목의 기사를 실어 논란에 불을 지폈다.[13][22] 루이즈 노르통, 베아트리스 우드, 에이런스버그가 글을 쓰고 알프레드 스티글리츠의 작품 사진과 편지를 첨부한 이 기사는, 다음과 같은 사설을 통해 훗날 이어질 근대미술에 적용될 중대한 시사점을 남긴다.

머트 씨가 《샘》을 손수 제작했는가는 중요치 않다. 그는 그것을 선택했다. 그는 삶의 일상적인 물건을 골라, 새로운 제목과 새로운 관점을 붙여 유용성을 제거했다. 이 오브제에 대한 새로운 사고를 창조한 것이다.[13]

각주[편집]

1. ↑ 가 나 다 “Fountain, Marcel Duchamp, 1917, replica, 1964”. 《tate.org.uk》. Tate. 2018년 10월 5일에 확인함.

2. ↑ 가 나 Gavin Parkinson, The Duchamp Book: Tate Essential Artists Series, Harry N. Abrams, 2008, p. 61, ISBN 1854377663

3. ↑ 가 나 다 Dalia Judovitz, Unpacking Duchamp: Art in Transit, University of California Press, 1998, pp. 124, 133, ISBN 0520213769

4. ↑ 가 나 다 Cabanne, P., & Duchamp, M. (1971). Dialogues with Marcel Duchamp Archived 15 November 2017 - 웨이백 머신.

5. ↑ <세상을 바꾼 미술- 아름다움은 인간을 어떻게 변화시키는가 > (정연심 저서) 99쪽 참고.

6. ↑ “An Overview of the Seventeen Known Versions of Fountain”. 2007.

7. ↑ Gaffney, Peter D, "Demiurgic machines: The mechanics of New York Dada. A study of the machine art of Francis Picabia, Marcel Duchamp, and other members of New York Dada during the period, 1912–1922" (2006). Dissertations available from ProQuest. AAI3211072.

8. ↑ Hopkins, David, Marcel Duchamp and Max Ernst: The Bride Shared, Volume 21 of Clarendon studies in the history of art, Clarendon Press, 1998, p. 74, ISBN 0198175132

9. ↑ Biro, Matthew, The Dada Cyborg: Visions of the New Human in Weimar Berlin, G - Reference, Information and Interdisciplinary Subjects Series, University of Minnesota Press, 2009, p. 27, ISBN 0816636192

10. ↑ Catalogue of the First Annual Exhibition of the Society of Independent Artists

11. ↑ Sue Roe, In Montparnasse: The Emergence of Surrealism in Paris, from Duchamp to Dali, Penguin UK, Jun 21, 2018, ISBN 0241976596

12. ↑ Philippe Dagen, Duchamp piège l'avant-garde, 《르 몽드》, 2006년 8월 17일 (프랑스어)

13. ↑ 가 나 다 The Blind Man, Vol. 2, 1917, p. 5.

14. ↑ 사진 속 모습대로 재현하기 위해서는 원래 방향에서 수직축으로 180도를 더 돌려야 한다. 아니면 경사축으로 180도 돌려서 뒤샹이 의도한 모습이나 사진 속의 모습 둘 다 재현할 수도 있다.

15. ↑ Adcock, Craig. Duchamp's Eroticism: A Mathematical Analysis, Dada/Surrealism 16 (1987): 149-167, Iowa Research Online, ISSN 0084-9537

16. ↑ Tomkins, Duchamp: A Biography, p. 181.

17. ↑ Saltz, Jerry (2006년 2월 21일). “Idol Thoughts: The glory of Fountain, Marcel Duchamp's ground-breaking 'moneybags piss pot'”. 《The Village Voice》.

18. ↑ Camfield, William A. (1989). 《Marcel Duchamp, Fountain》. Houston, TX: Houston Fine Art Press. 183쪽. ISBN 0939594102.

19. ↑ Cabanne, Dialogs with Marcel Duchamp, p. 55

20. ↑ Unsigned review, "His Art Too Crude for Independents", The New York Herald, 14 April 1917 (cited in Camfield, 1989, op.cit., 27)

21. ↑ Cabanne, Pierre, & Duchamp, Marcel, Dialogues With Marcel Duchamp, Hudson, 1971, translated from French by Ron Padgett, Da Capo Press, archive.org

22. ↑ Tomkins, Duchamp: A Biography, p. 185.

v

t

e

마르셀 뒤샹

작품 목록

작품

《의사 뒤무셸의 초상》 (1910년)

《덤불》 (1910~11년)

《너덜너덜한 이본과 막델렌 토른》 (1911년)

《계단을 내려오는 누드 넘버 2》 (1912년)

《자전거 바퀴》 (1913년)

《병걸이》 (1914년)

《부러진 팔 앞에》 (1915년)

《총각들에게 발가벗겨진 신부, 조차도》 (1915~1923년)

《에나멜을 칠한 아폴리네르》 (1916년경)

《튤립 히스테리아 코디네이팅》 (1917년)

《샘》 (1917년)

《L.H.O.O.Q》 (1919년)

《아름다운 숨결, 베일에 싸인 물》 (1920~21년)

《왜 로즈 셀라비는 재채기를 하지 않는가?》 (1921년)

《몬테 카를로 채권》 (1924년)

《여행용 가방》 (1934-1966년)

《에탕 도네》 (1946~1966년)

영화

《빈혈증 영화》 (1926년)

《8 × 8: 여덟 개 움직임의 체스 소나타》 (1957년)

기타

마르셀 뒤샹의 레디메이드

반미술

다다이즘

뉴욕 다다

〈블라인드맨〉

알렉시나 뒤샹 (아내)

자크 빌롱 (큰형)

레몽 뒤샹빌롱 (작은형)

수잔 뒤샹 (여동생)

마르셀 뒤샹 상

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위키미디어 프로젝트 기여자

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샘 (뒤샹) - 위키백과, 우리 모두의 백과사전

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샘(영어: Fountain)은 1917년 마르셀 뒤샹이 제작한 레디메이드 작품이다. 도기로 제작된 소변기에 ‘R.Mutt 1917’이라고 서명되어 있다.

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마르셀 뒤샹(Marcel Duchamp)은 1887년 7월 28일 프랑스에서 태어나 1968년 10월 2일 미국에서 사망한 현대 미술의 선구자입니다. 그는 레디메이드 개념을 도입하여 일상적인 물체를 예술로 변형시키며 예술의 경계를 허물었습니다. 뒤샹은 특히 자전거 바퀴와 같은 작품을 통해 예술의 정의에 대한 질문을 던졌고, 이는 현대 미술에 큰 영향을 미쳤습니다. 그의 작업은 관객의 해석을 중시하며, 예술이란 무엇인지에 대한 깊은 성찰을 촉구합니다

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마르셀 뒤샹의 자전거 바퀴(Bicycle Wheel)는 현대 미술의 중요한 작품 중 하나로, 예술의 개념과 정의를 재조명하는 데 기여했습니다. 이 작품은 1913년에 제작되었으며, 자전거의 바퀴와 의자 다리를 결합하여 만들어졌습니다. 뒤샹은 이 작품을 통해 "레디메이드"라는 개념을 도입하며, 일상적인 물체를 예술로 승화시키는 방식을 보여주었습니다.

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파블로 피카소는 20세기 미술의 거장들 중 하나로, 입체주의 그림을 그렸다. 대표작으로 게르니카, 통곡하는 여인등이 있다. 스페인에서 태어난 그는 17살 때 프랑스와 북유럽의 미술 운동에서 자극을 받게 된다. 특히 로트레크와 스텐렌의 작품에 이끌려 파리를 방문하게 된다. 파리 생활 초반에는 파리의 거지들의 비참한 생활상에 주목해서 그림을 그렸다. 이때를 청색시대라고 부른다.(우울한 분위기) 이후 연애를 시작하며 밝은 색상을 사용하는 장밋빛 시대로 바뀌었다.(밝은 분위기) 피카소는 사물의 본질을 보다 효과적으로 표현하기 위해 여러 방향에서 본 모습을 한화면에 구축적으로 재구성하는 방법을 쓰는 입체주의파였다.게르니카처럼 현세를 고발하는 그림을 많이 그렸다.

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앤디 워홀의 마를린 먼로 작품은 팝아트의 대표적인 아이콘 중 하나로, 강렬한 색상과 반복적인 이미지로 그녀의 매력을 강조했다

캔버스에 합성 고분자 페인트 작업 후 실크 스크린 잉크, 211.4 x 144.7 cm,

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작품명: 구성8 제작 연도: 1923년 작품 크기: 141cmx201cm 기법: 캔버스에 유채전시 장소: 뉴욕 구겐하임 미술관. 이 그림은 ‘구성’ 시리즈 가운데 하나이며 칸딘스키 예술세계의 중심을 차지하는 중요한 작품이다. 서로 연관성 있는 형태들이 자유롭게 떠돌아다니며 율동감을 느끼게 한다.

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1937년 발표된 피카소의 유명 그림이다. 그의 연인이자 뮤즈였던 도라 마르를 모티브로 하여 그린 그림으로, 게르니카에 이어 스페인 내전에서의 파시스트들의 만행을 고발하는 작품으로 알려져 있다. 통곡하는 여인의 얼굴을 창백하면서도 원색의 밝은 색감으로 대비하여 그녀가 느끼는 좌절감은 극대화되고, 입체주의를 바탕으로 한 산산조각난 얼굴, 손을 뚫고 나오는 일그러진 입, 그리고 과장된 눈물 등의 이미지들이 서로 맞부딪히며 한없는 비애와 절망이 느껴진다. '슬픔'이라는 보편적 감정에 호소하는 해당 작품은 피카소의 대표작 중 하나로 손꼽히며 큐비즘을 상징하는 작품 중 하나로 평가된다.

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그는 시맨트나 석고,페인트 등을 나이프로 으깨어 작업하였다.오프파트 기법을 사용하였고 겹층을 통해 이루어진 다양한 캔버스의 활용을 이용하여 특징적인 이미지가 윤광의 띄게하는 회화를 그려냈다

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장 포트리에 인질의 머리

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장 포트리에 인질의 머리

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벨기에의 초현실주의 화가. 1920년 중반까지 미래주의와 입체주의 성향의 작품을 그렸다. 그러나 그 이후 조르조 데 키리코의 영향을 받아 초현실주의적인 작품을 제작하기 시작하였다. 그의 작품들은 주로 신비한 분위기와 고정관념을 깨는 소재와 구조, 발상의 전환 등의 특징을 보인다.

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1964년에 제작된 "Shot Sage Blue Marilyn"은 워홀의 가장 유명한 작품 중 하나로, 2022년 경매에서 약 1억 9500만 달러에 낙찰되며 미국 미술품 중 가장 높은 가격을 기록했다

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부분적으로 미니멀리즘에 맞닿아 있는 작가 리처드 세라(Richard Serra)는 현대미술 현장에서 빼놓을 수 없는 거장 중 하나다. 그는 금속을 주재료로 녹이고, 자르고 비틀거나 구부려 제작한 거대한 강철판으로 감상자를 압도하는 대형 조각작품을 만든다.

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조셉 코수스는 1945년 미국 오하이오 주 톨레도에서 태어나 1960년대부터 개념미술의 선구자로 활동한 미술가이자 이론가이다. 이미지나 물체 대신 언어를 예술의 수단으로 사용하여, 아이디어와 이미지, 단어 사이의 관계를 탐구하였다

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찰스 토마스 클로즈 (1940년 7월 5일 ~ 2021년 8월 19일)는 미국의 화가이다.극사실주의 화가이며 사진을 보는것처럼 세밀하게그린것이 작품의 특징이다.

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1923년에 만들어진 <on white ll>은 그가 보여주는 기하학적 추상미술의 시초를 알리고있다 그의 이론저점점,선,면은 이작품에서 불완전하나마 재현된다 칸딘스키는 내적 필연성 즉,작품에 자신의 인식이 투영해야하고,작가의도형과 색체가구성되야 한다는 주의여서 그에에게는 색체도중요한요소이며 흰색의 명확성은 이작품을 <on white ll>로 지었다.

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앙리 마티스-20세기 야수파 프랑스 화가이다. 파블로 피카소와 함께 '20세기 최고의 화가'로 꼽힌다. 22세 때 파리로 나가 그림 공부를 하고, 1893년 파리 국립 미술 학교에 들어가 귀스타브 모로에게서 배웠다.

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1956년생 영국 현대미술가. 주로 죽은 생물을 상자 안이 전시하는 작품울 제작함. 죽음에 대한 직접적이고 그로테스크한 표현 방식을 주로 사용했음.

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하나 이면서 셋인 의자

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하나 이면서 셋인 의자

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하나이면서 셋인 의자는 1965년 조셉 코수스가 만든 작품임니다. 의자 하나, 의자 사진 하나, 그리고 사전에서 말하는 '의자'라는 단어의 정의로 구성된 작품으로, 개념 미술의 대표 작품입니다.

각각 작품들은 이 세 모습을 통해 관객에게 '의자'의 물리적, 상징적, 언어적 의미를 전달하고자 한 겁니다.

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전원주택에서 그려진 마티스의 자화상 작품 "대화"이다. 이 그림은 매우 단순하며 푸른색 바탕을 배경으로, 마티스와 그의 아내가 있는 도시적인 느낌의 자화상이다. 대담하게 병렬 배치되는 그림으로 보색관계를 보여준 평면적이면서 단순화된 그림이다. 아내가 앉아있는 의자의 색과 바탕의 색이 강렬한 울트라마린의 청색으로 동일하면서 분위기의 싸늘함을 더욱 깊게 느끼게 한다. 지나치게 단순화된 인체묘사가 어색 하리만큼 불안감과 냉냉함을 더해준다.

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칸딘스키는 러시아의 화가, 판화제작자, 예술이론가이다. 피카소, 마티스와 비교되며 20세기의 중요한 예술가 중 하나로 평가되는 그는 초기 추상미술의 주요 인물 중 한명이다. 일반적으로 그는 최초의 현대추상작품을 그린 작가로 평가된다.

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바실리 칸딘스키

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척 클로스"는 1940년 미국 워싱턴주 먼로에서 출생하여 워싱턴대학을 졸업 후 예일대학에서 판화 조교로 기법을 공부하며 추상표현주의 양식의 그림을 그렸으나 점점 극사실주의 작품을 제작하는 작품에 몰두해서 우리가 기억하는 "척 클로스"의 대표작은 세밀하게 그린 초상화

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보치오니는 미래주의 미술의 이념을 시각적으로 표현하려고 노력했으며, 그 작업은 빠르고 역동적인 움직임과 기계적 형태를 강조했습니다. 그의 작품은 종종 인간과 기계의 결합을 보여주며 산업화와 도시화로 변해가는 현대 사회를 반영합니다.

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움베르토 보치오니

화랑에서의 난투, 1910년

캔버스에 유채, 64X76 cm

밀라노 브레라 미술관

이 작품에서는 색체와 움직임의 혼란스러움이 그림 전반을 압도하고 있으며 난투극을 벌이고 있는 사람들의 흥분된 감정을 잘 표현해 주고 있다. 그림 속의 인물들은 소용돌이 치듯이 화면의 밝은 중앙으로 밀려 들어와 격렬하게 충돌하고 있다. 이 난투극에 연루된 사람은 애당초 두 사람뿐일텐데 이들은 주위를 히스테리컬한 소요 상태로 만들어 버리고 있다.

또한, 격렬한 움직임과 극도의 강렬한 색채로 인해 공격적인 느김을 준다

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리처드 세라. 이퀄(코너 소품). 1969-70. 납의 이율배반.

판화 크기 48 x 48 x 3/4인치(122 x 122 x 2cm), 기둥 길이 7피트 1/4인치(210cm),

지름 4 3/4인치(11cm).

© 2025 리처드 세라/아티스트 권리 협회(ARS), 뉴욕. 회화 및 조각

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1959 제작, 콜라주, 캔버스에 유화, 200cm×145cm, 예루살렘 이스라엘 박물관 소장

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르네 마그리트의 초현실주의 작품으로 마그리트의 친구였던 변호사이자 작가인 해리 토치너(Harry Torczyner)의 의뢰를 받아 제작하였다. 이 작품은 일반적으로 바위가 갖는 속성인 무거움을 공중부양으로 비틀어버린 것이다. 마그리트의 작품들 중에서 가장 널리 알려졌고 가장 많이 복제된 작품 중 하나이다.

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이 작품은 높이 20인치(52cm), 너비 16인치(42cm)의 캠벨 수프 사가 당시 제조하던 32가지 종류의 통조림을 캔버스에 그려낸 것이다. 각각의 통조림 그림은 반자동 실크 스크린 기법인 판화로 그려졌다. 이 그림은 산업사회의 대량생산과 소비를 그만의 방법으로 풍자한 것으로 해석된다.

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작가이름 - 테오 얀센(Theo Jansen) 물리와 예술에 뛰어난 재능을 가져져 델프트공과대학에서 물리를 공부하다 자퇴퇴후 예술과 공학을 결합하여 움직일수있는 작품을 만드는 키네틱 아티스트가 됨

키네틱아트란 작품이 전기나 연료 자연에너지등으로 부터 동력을얻어 움직이는걸 특징으로 하는 작품 설치형작품인 경우가 많고 디지털작품도 있는편이다 20세기 후반에 걸쳐 본격적으로 발전, 최근에는 과학기술에 발달로 컴퓨터,로봇등도 등장하고있다

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척 클로스는 끊임없이 진화하였다. 핑거페인팅이라 불리는 기법은 신인상주의의 대표화가 쇠라나 시냐크처럼 점과 색을 손가락으로 찍어 올리는 방식이다. 점을 이용한다는 기법과 신체를 이용한다는 형식이 결합된 형태의 그림인 것이다. 뉴욕 현대미술관에서 척 클로스의 회고전을 기획한 롭 스토르는 “살로 살로 만드는군?”이라 했다고 전해질 정도로 척 클로스 다운 방식이었다. 자신의 지문으로 만드는 작품인 만큼 누구도 위조할 수 없는 작품을 만든다고 생각했고, 그림 속의 얼굴을 쓰다듬는 듯 그려나가는 방식이 이 작업의 본질이라고 그는 말한다. 구상 속에 사실성은 유지된 상태에서 이러한 변화와 실험은 계속 이어진다.

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아니마리스 쿠렌스 벤토사 

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아니마리스 쿠렌스 벤토사 

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작가:테오 얀센(Theo Jansen, 1948년 3월 14일 ~ . 만 77세)

작품명:아니마리스 쿠렌스 벤토사(animaris qurrens ventosa)

size:320x550x400

작품소재:플라스틱 파이프,페트병,끈,케이블타이,열풍기

제작년도:1994년

히트건을 이용하여 만든 동물. 다리는 총 48개,날개2개로 풍력을 받아 움직인다 날갯짓을 하며 바닷가를 걷는 아니마리스 쿠렌스 벤토사를 촬영한 동영상을 통해 바다동물 시리즈와 작가가 유명해 졌으며 네덜란드 문화교육 과학부로부터 지원금을 받았다

바람으로 움직이기에 다른 전기나 연료가 없어도 움직인다는 특징이있다 얀센 링크 매커니즘이라는 구조로 다리가 부드럽게 걷는거처럼 움직인다 이매커니즘은 실제 동물이 움직이는 것을 모방하여 할게되었다 구조가 커도 바람에 쉽게 움직일수있는이유는 pvc파이프, 페트병,천,페트병,끈 등 가볍고 저렴한 소재로 제작되었기 때문이다 예술작품이지만 동시에 기계공학,생물역학,동역학적 원리를 사용한 심오한 창조물이다

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미술교사인 아버지 밑에서 태어난 그는 말을 배우기 시작할 무렵부터 그림을 그리기 시작했다.14살 때 집안이 바르셀로나로 이사 가면서 바르셀로나 예술 학교를 다니게 되지만 그만두고 다시 마드리드 예술 학교에 다니게 된다. 하지만 피카소는 학교 수업에 만족하지 못해 프라도 미술관을 매일 다니다시피하며 명화를 감상했다.그 후, 17살 때 다시 바르셀로나로 돌아와 프랑스와 북유럽의 미술 운동에서 자극을 받는다. 특히 로트레크와 스텐렌의 작품에 이끌려 파리를 방문하게 된다. 청년기의 피카소는 초창기에는 친구이자 시인인 막스 자콥과 함께 지내면서 힘든 시절을 보냈다. 친구 카사헤마스가 죽기도 하고 돈이 없어 가난하게 살아야 했는데, 이때 그림들이 전부 우울한 푸른빛 톤에 우중충함, 슬픔, 고난 등의 주제를 다루었기에 이 시기는 청색 시대 라고 불린다. 그리고 제1차 세계 대전 이후 예술가들의 후원가로 널리 알려진 레오 스타인과 거트루드 스타인 남매의 후원을 받았다. 이들 남매가 그림을 잇달아 사준 덕분에 피카소는 살림이 좀 나아졌고, 그보다 살짝 이전에는 첫 번째 연인인 페르낭드 올리비에도 만났다. 또한 스타인 남매의 소개로 야수파의 상징인 앙리 마티스를 만나게 되었다. 이들은 거트루드 스타인의 아파트 에서 모임을 가지며 가까워졌다. 정신적 여유가 생긴 피카소는 따사한 붉은빛을 많이 사용했는데 이 때를 장밋빛 시대 라고 한다. 피카소는 이후 큐비즘을 추구하면서 수많은 작품을 창작하게 된다.

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그는 공간주의의 창시자 이자 캔버스를 베어버린 최초의 예술가로 알려진 추상 회화의 지지자 로 알려져 있습니다 . 이는 예술의 모든 전제 조건을 완전히 거부하는 것을 상징합니다.

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피카소의 게르니카는 최종국면 당시 독일군이 스페인 게르니카 지역 일대를 1937년 4월 26일 24대의 비행기로 폭격하는 참상을 신문으로 보고 파블로 피카소가 그린 그림이다. 나치 독일군의 폭격으로 수많은 사람이 희생되었으며 250~1,600명 그 이상의 사람들(대부분 민간인)이 사망하였고 또한 부상당하였다.거대한 벽화의 형상을 띤 이 그림은 사실 1937년 파리 세계 박람회의 스페인 전용관에 설치되도록 스페인 정부가 피카소에게 의뢰한 작품이었다. 그림은 사실 이 사건이 일어나기 수년 전에 의뢰된 것이었는데 어떤 이유에서인지 게르니카의 참상이 그에게 영감을 주었던 것으로 보인다. 폭격의 공포와 피카소가 화폭에 담아내고자 했던 정치적 이데올로기에 대한 저항이 근본 이유인 것으로 보인다. 그 당시 프란시스코 프랑코의 독재 체제에 대해 엘리트로서 느꼈던 비애도 그림에 잘 나타나 있다.크기는 349.3 X 776.6 cm 이고 현재 스페인 마드리드의 레이나 소피아 국립 미술관에 소장 되어있고, 그림에는 부상당한 사람들과 절규하는 사람들 등이 그려져 있으며, 전쟁의 참상을 알려주는 작품이다.피카소의 게르니카는 전쟁이 한창이던 1937년 제작된 작품으로, 캔버스에 유화물감을사용하여 그렸다. 입체주의와 초현실주의 사조의 그림이고, 349.3cm776.6cm규격으로, 스페인 국립 레이나 소피아 왕비 예술센터에 소장되어 있다.

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살아있는 자의 마음속에 있는 죽음의 육체적 불가능성 -1991, 철제 수조 안에 포름알데하이드 용액을 채운 뒤 그 안에 모터를 단 죽은 상어를 넣은 작품. 충격적인 비주얼로 많은 논란이 생김.

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살아있는 자의 마음속에 있는 죽음의 육체적 불가능성

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살아있는 자의 마음속에 있는 죽음의 육체적 불가능성

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미국의 추상표현주의 화가

삼류라고 인식되었던 미국 미술을 오늘날의 지위로 올리는데 큰 공을 세웠다는 점에서 가장 유명한 예술가 중 한 명으로 평가받는다.

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앙리 마티스는 그리스 신화 속 인물 '이카루스'가 하늘을 날다 태양에 가까이 가서 추락한 순간을 단순하고 강렬한 형태로 표현했습니다. 중심의 검은 인물 실루엣은 자유와 추락의 이중적 의미를 담고 있으며, 붉은 점은 심장과 운명의 순간을 암시합니다. 파란 배경과 별 형태의 요소들은 우주적 차원의 꿈과 도전을 떠올리게 합니다.

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이탈리아의 화가이자 조각가로, 미래주의(Futurism) 운동의 핵심 인물 중 하나입니다. 그는 속도, 기술, 도시화, 폭력성 등 당시 현대 세계의 에너지와 역동성을 예술로 표현하려 했습니다. 그의 작품들은 고전적인 형식미를 거부하고, 운동감과 변화, 격렬함을 강조합니다.

보치오니의 생애 개요

출생: 1882년, 이탈리아 레조칼라브리아

사망: 1916년, 제1차 세계대전 중 말에서 떨어져 사망

활동 분야: 회화, 조각

주요 운동: 미래주의

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작품: 《갤러리아의 폭동 (La Rivolta in Galleria / Riot in the Galleria)》 (1910)

작품 설명

제목: 《갤러리아의 폭동》

제작연도: 1910년

매체: 유화

운동: 미래주의

소장처: 개인 소장 혹은 박물관(일부는 전시용 복제본으로 존재)

내용 및 특징

이 작품은 이탈리아 밀라노의 비토리오 에마누엘레 2세 갤러리아(Galleria Vittorio Emanuele II)에서 일어난 상징적 폭동 장면을 묘사합니다. 그림 속에는 군중이 격렬하게 충돌하고, 인물들이 뒤엉켜 있으며, 건축 구조와 인물의 경계가 흐릿해질 정도로 역동적입니다.

보치오니는 이 작품을 통해 미래주의자들이 찬양했던 폭력과 혁명의 에너지를 시각화합니다. 이는 단순한 거리 폭동을 묘사한 것이 아니라, 기성 질서에 대한 도전과 새로운 세계의 출현을 상징적으로 표현한 것입니다.

스타일적 특징

빠르게 휘도는 붓질과 격렬한 색채

인간과 공간의 융합

움직임과 속도의 시각화

감정적 격렬함 강조

보치오니와 미래주의

보치오니는 1910년 〈미래주의 화가 선언〉의 공동 서명자로, 예술을 통해 과거의 전통을 부정하고 기계, 속도, 도시화 등 현대성의 미학을 드러내고자 했습니다. 그는 “기계는 고대의 니케보다 아름답다”는 미래주의 철학에 깊이 공감했죠.

그의 다른 대표작으로는:

《거리에서의 도시의 발흥》

《공간 속의 연속체로서의 인간형상》

《근대 도시의 환상》 등이 있습니다.

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미래주의(Futurism)는 속도와 역동성, 테크놀로지, 기계주의 등에 확고한 믿음을 두고 회화, 조각, 건축, 패션, 인테리어 디자인, 영상, 음악, 그래픽 디자인 등 다양한 분야에 걸쳐 미래주의적 실험을 남겼다. 그들은 심지어 미래주의 옷과 요리에 대한 선언을 시도했을 정도로 이탈리아의 전통 미술에서는 볼 수 없었던 해프닝적인 행위를 통해 과거의 미적 취향과 예술제작 과정을 타파하고자 애썼다.

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피트 몬드리안(Piet Mondrian, 1872–1944)은 네덜란드 출신의 추상화가로, 그의 생애에는 여러 예술적 전환점이 존재한다.

그는 초기에는 자연주의와 인상주의적인 풍경화를 그렸지만, 1911년 파리로 이주한 후 입체파(Cubism)의 영향을 강하게 받게 된다. 이 시기가 그의 예술 인생에서 첫 번째 중요한 전환점으로, 점차 구상적인 요소를 제거하고 순수한 형태와 색채에 집중하는 추상화로 나아가게 된다.

1917년에는 테오 판 두스부르흐와 함께 ‘신조형주의(De Stijl)’ 운동에 참여하며 두 번째 전환점을 맞는다. 이 운동을 통해 그는 수직과 수평선, 그리고 기본색(빨강, 파랑, 노랑)만을 사용하는 독특한 양식을 정립한다. 그러나 1924년, 두스부르흐가 대각선을 사용하는 새로운 접근을 시도하자 몬드리안은 이를 받아들이지 않고 결별한다. 이 사건은 그의 원칙에 대한 강한 고집과 예술 철학을 드러낸 세 번째 특이점이다.

마지막으로, 1940년 제2차 세계대전을 피해 미국 뉴욕으로 이주하면서 그의 화풍에도 변화가 생긴다. 뉴욕의 도시적 에너지와 재즈, 특히 부기우기 음악에서 영감을 받아, 이전보다 더 역동적이고 리듬감 있는 추상적 구성의 작품들을 제작하게 된다. 이는 그의 말년 양식의 특징으로 자리 잡으며, 대표작 《Broadway Boogie Woogie》로 정점을 이룬다.

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1869년 12월 31일 프랑스에서 태어난 앙리 마티스는 1893년 미술학교를 준비하던 중 구스타프 모로의 눈에 띄어 미술 학교에 입학합니다. 여기서 (같은 야수파가 될)마르케 등과 같은 친구를 만나고 모로의 형식에 구애받지 않는 자유로운 지도 아래서 색채 화가로서의 천부적인 재능을 드러내기 시작했습니다.

그 후, 어두운 색조의 화풍을 펼치다가 피카소 등과 함께 야수파 운동에 참가하여 그 중심인물로 활약합니다.

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피에트 코르넬리스 몬드리안:  네덜란드의 근대 미술 화가이다. 몬드리안은 추상화의 초기 화가에 속하며, 네덜란드 구성주의 회화의 거장이다. 빈센트 반 고흐와 야수파에서 많은 영향을 받은 예술가이다.
몬드리안은 테오 판 두스부르흐가 만든 데 스틸(De Stijl) 예술 운동의 중요한 구성원이다. 그는 자신이 신조형주의(Neo-Plasticism)라고 부른 비구상적인 형태를 발전시켰다. 그의 그림들은 가로와 세로의 검은 선의 격자(grid)와 삼원색을 사용한 것들이 많다.1872년 네덜란드의 아메르스포르트에서 태어났다. 피트 몬드리안은 1892년 교사 자격증을 딴 뒤 같은 해에 암스테르담의 미술학교에 입학했고 글을 실었다. 1919년에서 1938년까지 주로 파리에서 활동했다.몬드리안의 유명한 신조형주의적인 그림들은 강렬한 추상성이 특징이다. 그의 그림의 주된 모티브는 빨강, 파랑, 노랑 등의 원색을 가진 직사각형 면과 그와 섞인 흰색과 검은색 면, 그리고 검은색 선들이다. 이런 형태를 중요하게 다룬 추상화는 신조형주의가 추구한 양식의 두드러진 특징이 되었다.1940년에 미국으로 망명해서 귀화했다. 1944년 뉴욕에서 폐렴으로 사망했다.패션 디자이너인 이브 생로랑은 몬드리안의 작품에서 영향을 받아 몬드리안룩(Mondrian look)을 선보였다. 정말 최고였다

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피에트 코르넬리스 몬드리안

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피에트 코르넬리스 몬드리안

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피에트 코르넬리스 몬드리안: 네덜란드의 근대 미술 화가이다. 몬드리안은 추상화의 초기 화가에 속하며, 네덜란드 구성주의 회화의 거장이다. 빈센트 반 고흐와 야수파에서 많은 영향을 받은 예술가이다. 몬드리안은 테오 판 두스부르흐가 만든 데 스틸(De Stijl) 예술 운동의 중요한 구성원이다. 그는 자신이 신조형주의(Neo-Plasticism)라고 부른 비구상적인 형태를 발전시켰다. 그의 그림들은 가로와 세로의 검은 선의 격자(grid)와 삼원색을 사용한 것들이 많다.1872년 네덜란드의 아메르스포르트에서 태어났다. 피트 몬드리안은 1892년 교사 자격증을 딴 뒤 같은 해에 암스테르담의 미술학교에 입학했고 글을 실었다. 1919년에서 1938년까지 주로 파리에서 활동했다.몬드리안의 유명한 신조형주의적인 그림들은 강렬한 추상성이 특징이다. 그의 그림의 주된 모티브는 빨강, 파랑, 노랑 등의 원색을 가진 직사각형 면과 그와 섞인 흰색과 검은색 면, 그리고 검은색 선들이다. 이런 형태를 중요하게 다룬 추상화는 신조형주의가 추구한 양식의 두드러진 특징이 되었다.1940년에 미국으로 망명해서 귀화했다. 1944년 뉴욕에서 폐렴으로 사망했다.패션 디자이너인 이브 생로랑은 몬드리안의 작품에서 영향을 받아 몬드리안룩(Mondrian look)을 선보였다. 정말 최고였다

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타블로 1은 피에트 몬드리안이 1921년에 그린 작품으로 그의 추상화 예술 스타일을 대표하는 작품 중 하나입니다. 이 그림은 회색 배경에 직선과 빨강, 노랑, 파랑으로 이루어진 색상 블록을 사용하여 형성된 격자 구조로 이루어져 있습니다. 그림전체는 극도로 단순화되었고, 조화로운 균형과 질서를 나타내며, 몬드리안의 정교한 예술 철학을 반영하고 있습니다. 타블로 1은 조형미와 디자인에서 불필요한 요소를 배제하고 수직과 수평의 직선, 기본 색상, 평면의 균형을 강조하는 형식주의적인 작품입니다. 이 그림에서 직선은 단순한 선분이 아닌, 공간의 경계와 관계를 표현하는 수단으로 작용합니다. 그리고 격자 내부는 회색, 빨간색, 파란색, 노란색으로 이루어진 사각형 블록으로 채워져 있습니다. 이러한 색상 블록은 각각의 직선과 교차점에서 만나며, 그림의 구조와 균형을 강조합니다. 피에트 몬드리안은 형태와 색상을 단순화 하고 조화롭게 배열함으로써 현실 세께의 복잡성을 표현하지 않고 순수한 예술적 원리를 추구했습니다. 그림은 공간을 균형있게 분할하고 다양한 선의 방향과 길이, 색상의 조합을 통해 안정적이면서도 동시에 역동적인 느낌을 연출합니다. 수직선은 생기 수평선은 평온함을 나타냅니다. 몬드리안의 그림은 그의 예술적 진화를 보여주기 위해 그의 경험과 탐구를 반영합니다. 타블로 1은 그가 나중에 발전시킨 데 스틸 운동의 초기 단계를 보여주는 작품으로, 형태와 색상의 단순성을 통해 순수하고 이상적인 형태를 추구하는 미적 원칙을 나타냅니다. 또한 미술에서 형식적인 요소와 정교한 조화의 중요성을 강조하며, 현실에서의 복잡성을 단순화하여 미적 해결책을 찾아가는 과정을 보여줍니다.

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폴 잭슨 폴록은 미국의 화가로 추상표현주

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폴 잭슨 폴록은 미국의 화가로 추상표현주의의 예술가이다. 부인은 추상화가 리 크래스너다. 와이오밍주에서 태어나 로스앤젤레스와 뉴욕에서 공부하였다. 1930년대부터 표현주의에서 초현실주의로 선회했다. 삼류라고 인식되었던 미국 미술을 오늘날의 지위로 올리는데 큰 공을 세웠다는 점에서 가장 유명한 예술가 중 한 명으로 평가받는다.

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1952년,캔버스에 유채,237cmX390cm

그의 대표적인 드립 페인팅 기법이 잘 드러난 작품으로, 추상 표현주의의 정점 중 하나로 평가받는다. 이 작품은 그가 물감을 붓거나 뿌리는 방식으로 캔버스를 구성하는 액션페인팅 스타일의 전형적인 예다.선, 점, 물감의 궤적들이 격렬하고 복잡하게 얽혀 있어 강한 운동감과 즉흥성을 드러낸다.이와 같은 표현은 당시 미국 사회의 혼란, 냉전, 핵무기 위협 등의 긴장된 시대 분위기를 상징적으로 담고 있다고 보기도 한다.다양한 색과 선들이 혼재하면서도 조화로운 리듬을 형성, 무질서 속의 질서를 느끼게 한다

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빨강 파랑 노랑의 구성

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빨강 파랑 노랑의 구성

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《빨강, 파랑, 노랑의 구성》(1930)은 몬드리안의 대표작 중 하나로, 그의 신조형주의 철학이 가장 순수하게 드러난 작품이다.

이 작품은 흰 배경 위에 수직과 수평의 검은 선들이 그리드를 형성하고, 그 사이의 일부 공간에 빨강, 파랑, 노랑의 기본색이 채워져 있다. 작품에는 곡선이나 대각선이 없으며, 오직 직선과 원색만 존재한다. 이는 몬드리안이 추구한 ‘형태의 순수화’와 ‘보편적 조화’라는 예술 철학을 시각적으로 구현한 것이다.

그는 이 작품을 통해 감정적 표현이나 자연의 모방을 배제하고, 대신 색과 선, 면의 구성만으로 시각적 균형과 질서를 표현하고자 했다. 빨강, 파랑, 노랑의 기본색은 각각 강한 에너지와 감정을 상징하며, 무채색 면과의 조화를 통해 시각적인 안정감을 형성한다.

이 작품은 20세기 추상미술의 상징으로 평가되며, 이후의 현대 디자인, 건축, 패션 등 다양한 분야에 지대한 영향을 끼쳤다.