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Ubicado en la quinta avenida de Manhattan, en el vecindario Upper East Side. Es sede permanente de una colección renombrada y en continua expansión de obras impresionistas y post-impresionistas, así como de arte moderno temprano y arte contemporáneo.
El edificio cilíndrico fue diseñado por Frank Lloyd Wright, más angosto en sus niveles inferiores que superiores, y concebido como un "templo del espíritu".Wright proponía el diseño de estructuras que estuviesen en armonía con la humanidad y el entorno que las rodeaba, una filosofía conocida como arquitectura orgánica. Fue el iniciador del movimiento Prairie School, desarrollando el concepto usoniano de la vivienda. En 2019, ocho obras de Wright fueron declaradas Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

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Maurizio Cattelan, 2008
Esta fue una de las obras que me apareció cuando otra no me cargó*
Por supuesto desde lejos podemos reconocer la famosa figura de Disney de Pinnochio, no sabemos si es una metáfora o está relacionado con alguna escena en específica de la película.
La obra es una escultura con formas orgánicas pero al mismo tiempo el volumen es logrado a partir de figuras geométricas.
La escultura cobra sentido y sensaciones a través del espacio y la disposición de el muñeco boca abajo.

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Aung Myint 2010
El lienzo de Myint es en su mayoría compuesto por líneas sueltas y despreocupadas, ya sean orgánicas o geométricas. En el fondo de la pintura resaltan
La figura y fondo compiten por la dominancia y enfoque de la pintura puesto que mientras el fondo resalta por los colores dorados y saturados; la figura está más cercana al espectador y ocupa la mayor parte del espacio pictórico.

Las luces y sombras son logradas a través del difuminado y escala entre negros, grises y blancos.

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Federico Herrero, 2014
La obra de Herrero es una representación del destino turístico brasilero Pan de Azúcar , sin embargo, no es la representación común del lugar puesto que las montañas que le acompañan no están presentes.
A nivel formal, la obra destaca la montaña a través del color negro puesto que este avanza a la vista. El anterior efecto visual es acompañado por los tonos azules que receden.
Así mismo, los colores azules generan un ambiente de tranquilidad y serenidad sumado a que no hay movimiento en la obra.
La simetría de la obra es bilateral y el enfoque y centro pictórico es la montaña. La profundidad es alcanzada a través del cambio de tono breve entre los azules en representación del mar.

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Nadia Kaabi-Linke, 2011

La escultura de Kaabi es en su totalidad compuesta por objetos de carácter lineal , en donde estos elementos se juntan y juegan con las sombras para crear figuras geométricas.
La disposición de estos objetos es importante ya que abarca toda la sala en el techo; y adicionalmente, no ocupan en su totalidad toda la altura.

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Gabriel Orozco 2013 Solomon R.

La escultura de Orozco posee cortes geométricos que se combinan con las líneas orgánicas dando como resultado la sensación de relieve.
Adicionalmente la combinación y contraste entre los tonos verdes, dorados y negros, generan una sensación de movimiento y sombras. Es decir, los colores y su disposición y juego en el espacio generan la ilusión de luz y por lo tanto de volumen.

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O como muchos le dicen : La casa azul, fue el lugar íntimo de Frida durante muchos años y luego convertido en museo en 1858.

Es una manera de adentrarse en la vida de la artista y profundizar sus obras y de conocer su hogar... se descubre la intensa relación que existe entre Frida, su obra y su casa y elementos cotidianos.
Muchos llaman a la casa como su universo creativo, sitio en el que nació, vivió y murió. Aunque al casarse con Diego Rivera vivió en distintos lugares en la Ciudad de México y en el extranjero, Frida siempre regresó a su casona de Coyoacán.

EL hecho de que el museo haya sido su hogar crea un ambiente íntimo y cercano con quien le visita y quiere conocer más a Frida.

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Frida Kahlo ,1934
Después de observar esta obra, la exhibición de las vestiduras nombrada arriba cobró más sentido.
Es la representación de la Frida dolida, enferma, con problemas físicos, emocionales y con huellas en su alma. La obra nos habla del cómo existe una dualidad en el ser humano, una dualidad entre su apariencia física y lo que hay debajo de algo tan simple como sus vestiduras.
La composición se caracteriza por trazos suaves para el dibujo de las vestiduras y líneas y colores más fuertes para el interior. La artista hace uso de colores vibrantes como tonos pasteles de rosado y verde.
El espacio se centra en una única figura: ella y los detalles en su cuerpo.

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Frida Kahlo ,1952

Retrato de su padre, la obra es muy fiel a las fotografías exhibidas en el museo. La obra hace uso de líneas orgánicas y sombras para alcanzar una representación fidedigna. También hace uso de tonos acaramelados cafés y naranjas.
Observamos en el espacio dos objetos principales: su padre y una cámara, en representación de la profesión del individuo.

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Mujer sentada (Mujer con cuerpo de guitarra)

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Mujer sentada (Mujer con cuerpo de guitarra)

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Diego Rivera, 1915

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Frida Kahlo, 1926
Autorretrato de Kahlo donde hay predominancia de líneas orgánicas.
El uso de tonos azules para el fondo y rojos para la imagen de primer plano genera un contraste de colores complementarios.
Así mismo hay gran textura en la escena tanto en el fondo como en su vestidura que da una sensación de material costoso como el terciopelo debido a su color también.
El uso de la luz es fundamental para destacar el rostro de la artista sobre los demás elementos.

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Diego Rivera, 1911
A primera vista esta pintura llama la atención por no parecer de Kahlo y efectivamente, es de su esposo y tortura de vida: Diego Rivera.
La obra del gran muralista mexicano llama la atención por la sensación de movimiento que generan sus líneas y curvas ondulantes y orgánicas en elementos que no las poseen en la realidad. De esta manera se le agrega un sentimiento de dinamismo.
A su vez, los colores son propios de un paisaje cálido con atmósfera acogedora y fresca.

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Frida Kahlo, 1954
En la obra de Kahlo podemos observar unas frutas desmedidamente redondas y grandes. Estas frutas están representadas a través de colores saturados y brillantes que le dan una alegría y vivacidad al cuadro. Estas emociones van en concordancia con las letras allí escritas "viva la vida".
En cuanto a las líneas se puede ver el uso mayoritario de líneas geométricas.
La simetría del cuadro es alcanzada a través de la unión de los objetos en el centro , siendo el foco no el centro sino la sandía más vibrante de la izquierda del cuadro. Adicionalmente, se ve una contraposición como si fuera de luz que divide la obra en dos partes: una más iluminada y otra más oscura.

Es interesante contrastar los sentimientos de felicidad con los de la realidad de vida del momento de kahlo, quien se encontraba muy enferma y pintó la obra 8 días antes de su muerte.

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Título capturador de la atención de cualquiera.
En esta exposición se evidencian fotos, vestiduras, relicarios, zapatos y accesorios propios de la artista. Es pertinente señalar que la importancia de estos radica en que la artista poseía una identidad , historia personal y estilo único, que se reflejaba no sólo en su cotidianidad sino en las obras que esta pintaba.
En la imagen se pueden observar vestimentas tradicionales de tehuana.

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Frida Kahlo 1942
La entrada al museo virtual posee una de las obras insignias de la artista y me encantó la descripción de la obra puesta por la página. Alcanza a ser un abrebocas para cualquier espectador.
"La artista pintó dos cuadros de naturaleza  muerta: Uno está en Nueva York, y el otro está aquí. Ambos fueron a pedido de la esposa del presidente de México de ese entonces, Manuel Ávila Camacho, pero la primera dama los rechazó porque le pareció que tenían muchos signos eróticos. El marco, creado por la artista, simboliza un útero. Hayden Herrera escribió sobre este trabajo: "La fruta imperfecta de Frida parece haber luchado por sobrevivir en el suelo reseco de México. Dado que lo ha logrado, hace pensar en Frida misma, como sobreviviente, y de ese modo, sus naturalezas muertas llegan a construir una clase de autorretrato. Lejos de ser motivos de cierto color y forma que carecen de sentido, simbolizan un drama de mayor alcance"."

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The Ballet Class
Edgar Degas1871 - 1874

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Ubicar en París, Francia.
Antiguamente era el edificio de la estación ferroviaria de Orsay y alberga la mayor colección de obras impresionistas del mundo.
Se pueden encontrar artistas como Manet, Monet, Courbet y Georges Pompidou).

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Paul Gauguin,1892
Esta obra llamó mi atención por sus colores vivos y saturados y adicionalmente porque sabía que no era un Vang Gogh y quería saber quién era el artista de la obra.
La obra de Gauguin, posee líneas orgánicas que se confunden con líneas un poco más rectas pero que no alcanzan a ser geométricas.
Se observan tres personajes principales como foco de la obra y una simetría lograda a traves de situar el perro (figura más grande y cercana) en la parte izquierda de la obra y a las mujeres (un poco más lejanas) en la parte derecha.
Los colores brindan una sensación de alegría y calidez al espectador. Que junto con los rostros exóticos , no europeos, dan la sensación de viaje, de algo un poco desconocido, para alguien como yo.
Las líneas en la representación de los ojos son de gran importancia ya que marcan rasgos fundamentales como la raza y cultura de las personas allí representadas: la cultura Tahiti.

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Gustave Courbet 1861 - 1862
Esta obra es de aquellas que si se miran de lejos o con una mirada rápida se piensa que es la típica obra renacentista sobre un mito.
Sin embargo, cuando el espectador se acerca podrá visualizar que esta obra es diferente. Si bien es una obra realista que posee una inspiración del estilo clásico griego reflejado en su piel suave y volumen casi que perfecto de los músculos (figura idealizada). No obstante, Courbet representa a una escena cercana sin dejar dicho estilo griego idealista , a través de elementos cotidianos como el perro y la actitud de los personajes.
Uno de estos elementos cercanos a la realidad: la posición del cuerpo de la mujer, se desliga de la idea hierática y del contraposto típico de la escuela de arte clásico.

Esta relación con lo cercano es lo que posiblemente da a la obra un tono erótico y lleno de simbologías para quien observa la obra.

Ahora, en cuanto aspectos formales, para alcanzar el realismo para Courbet fue necesario el uso de líneas orgánicas y que están fueran suaves con el fin de que su pincelada fuera imperceptible.

Así mismo, se observan límites definidos y colores oscuros en las líneas del cuerpo de la mujer, las cuales ayudan a delimitarlo. Sin embargo, no se observa los mismo en el pelaje del perro.
Dentro de las tonalidades se encuentran cafés, rosas, morados y verdes con poca saturación lo que le da un aire dramático y nostálgico a la obra.

Y finalmente la simetría se da por la posición y representación de únicamente dos objetos principales : la mujer y el perro. El artista delimita mucho el espacio, haciendo que este sea cercano al espectador y posea poca profundidad.

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Vincent van Gogh,1888
La obra de Vincent captó mi atención a primera vista debido a la gran cantidad de energía , a la atmósfera iluminada de desorden causado por la cantidad de gente.
A nivel formal la obra se caracteriza por líneas orgánicas y las pinceladas notorias del artista. Los colores son diversos, sin embargo, las tonalidades amarillas resaltan y cumplen la función de luz. El hecho de que este color amarillo esté ubicado tanto en las luces como en los rostros, resalta estos últimos.
Los rostros en general no son muy detallados y aún así, el artista da profundidad al espacio a través de volver más borrosas o difuminadas las figuras lejanas y delimita el espacio con las líneas geométricas que da una idea de la zona construída.

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Rosa Bonheur 1849

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Jean-François Millet, 1857
En esta obra, los espigadores en español, Millet representa una escena cotidiana relacionada con la sega de trigo.
Los detalles en esta obra saltan a primera vista. Así como su perspectiva cercana contrastada con la sensación ajena.
La obra posee un carácter realista y costumbrista
Millet logra una representación realista a través del uso de líneas orgánicas, naturales.
Los colores usados poseen una saturación muy baja que junto con las tonalidades grisáceas sugieren antigüedad y una atmósfera de polvo y tranquilidad.
El espacio se desenvuelve y da profundidad a través de la línea del horizonte y las líneas implícitas de los campos de trigo.

Así mismo la simetría del cuadro es balanceada puesto que los personajes se encuentran en el centro y no hay más puntos focales que desvíen fuertemente la mirada del espectador.

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Vincent van Gogh 1889
La obra de van Gogh resalta por el uso de colores brillantes, saturados y principalmente primarios y secundarios. En otras palabras, no vemos el uso de tonalidades poco comunes.
Así mismo, la perspectiva y las líneas parecen ser un poco desproporcionadas o como si fueran llevadas a cabo de una manera errónea.  Dando la sensación como de mareo, desequilibrio y en general, estas sensaciones brindan una estabilidad al observarla.
La composición es casi en su totalidad hecha de líneas geométricas, pero aún así el artista logra gran dinamismo y movimiento, posiblemente por la perspectiva inestable anteriormente mencionada.

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Ángeles Santos, 1929
En la obra Un mundo (1929) la artista Ángeles Santos ilustra una escena surrealista de un mundo en forma de cubo urbanizado, destruido y abandonado, el cual está rodeado por ángeles que se encuentran en una atmosfera casi celestial, aunque también nostálgica y oscura. En este caso, si bien no hay una abstracción completa de las figuras si hay una fuerte presencia de elementos geométricos, las mujeres andróginas que se encuentran en el primer plano, están compuestas con líneas que tienen a la rigidez y se puede ver que entre más al fondo están las figuras de las mujeres son cada vez menos. Por su parte las escaleras y el cubo grande so retratados como elemenentos estáticos. En general la obra tiene colores fríos y opacos, que evocan la nostalgia y la oscuridad, de esta forma es la artista parece aludir a la distipía de la urbanidad y de los nuevos mundos industrializados. Sin embargo, mediante el manejo de la luz, mediante contrastes llena de un aire misterioso la obra. Por último, vale la pena mencionar la teatralidad de los sujetos y de la escena, pues es un elemento que evoca la sátira y la ironía, de esta manera dota a la obra de un mensaje que parece apuntar a una critica a las nuevas sociedades modernas.

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Portrait de Madame Jossette Gris (1887) 

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Portrait de Madame Jossette Gris (1887) 

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Juan Luis, 1887
En la obra Portrait de Madame Jossette Gris (1887) Juan Gris explora los campos del cubismo sintético mientas realiza un retrato melancólico de una mujer. Se trata del retrato de una mujer en la cual se realiza una representación abstracta de su cuerpo, en la cual solamente una parte de su rostro y sus manos insinúan una representación realista. Su cuerpo se ilustra fragmentado y está compuesto por varias figuras geométricas que se encuentran sobrepuestas entre ellas. La línea en este caso aparece como un elemento primario para la composición, al ser un elemento clave en la formación de figuras geométricas -características en el cubismo sintético-, se tienen líneas marcadas y precisas, las cuales al estar sobre puestas generan un dinamismo particular, al mismo tiempo que juegan con la perspectiva de las figuras. En el juego con las figuras también aparece insinuada una sombra que invade en cierta medida a la mujer retratada y le da un toque de oscuridad a la obra. Con los colores fríos y opacos el artista evoca la melancolía y el misterio.

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El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, conocido simplemente como Museo Reina Sofía, es un museo español de arte del siglo XX y contemporáneo, con sede en Madrid.
La primera impresión que causó este edificio en mí fue de no ser un museo y efectivamente era un hospital neoclásico del siglo XVIII.

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War Prisoners Seized at the Aragon Front

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War Prisoners Seized at the Aragon Front

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Unknown1938
Esta fotografía resalta entre las demás por su uso de la perspectiva y localización del fotógrafo para tomarla.

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La obra posee líneas que no son totalmente geometricos ni organicos , sin embargo, estos si tienen una tendencia más recta que la de la línea natural. Se observa un ambiente oscuro grisáceo, marrones y un color amarillo que resalta los rostros  y a la vez las expresiones de los personajes.

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Mondrian y De Stijl
Piet Mondrian, Tableau no. II, 1925 (with Black and Grey), 1925.
La obra pertenece al género de arte abstracto.
Se encuentra compuesta principalmente por líneas, las cuales generan el balance y simetría con ayuda de los colores. El uso de colores fríos da una sensación de calma y limpieza, así mismo las figuras negras resaltan.

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Mujer, pájaro y estrella (Homenaje a Picasso)

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Mujer, pájaro y estrella (Homenaje a Picasso)

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Joan Miró
Las obras de miró siempre me han parecido fascinantes porque  poseen figuras geométricas y orgánicas conviviendo en perfecta armonía.
El uso de colores es principalmente primarios y secundarios, no se observan tonos pasteles o mezclas no comunes.
Las líneas son finas, sencillas pero fuertes limitantes de la figura y del color contenido en ella.

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Pablo Picasso
En esta obra sobresale el uso de pinceladas dinámicas  que dan textura al vestido de la mujer.
Se hace uso de colores fríos y la composición posee un ambiente tenso, oscuro y dramático.
Las líneas son suaves y desiguales. Abundan los trazos orgánicos y sueltos.

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Syndics of the Drapers' Guild (Los síndicos de los pañeros)

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Syndics of the Drapers' Guild (Los síndicos de los pañeros)

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Rembrandt van Rijn
La obra posee líneas orgánicas en las figuras de las personas puesto que se quiere generar una ilusión realista. Siento que lo logra.
Estas líneas entran en contraposición con las líneas geométricas del fondo y de la mesa que ambientan la escena.
La sensación que me genera es de calidez,  intimidad con los personajes y tensión en los rostros. La obra no posee movimiento sino que parece un momento capturado por una fotografía, en donde se evidencia un ambiente dramático.
Se hace uso de tonalidades cálidas especialmente del rojo y cafés; así mismo como un contraste generado por las vestimentas negras y cuellos blancos.
*Resalta en la composición el uso pictórico del patrón en el mantel que cubre la mesa, el cual es rojo, dando así una idea de elegancia y textura.

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Katsushika Hokusai 1829/1833
Grabado (25cms x 37cms)
Puedo confesar que al entrar al museo fui arrastrada por la curiosidad a una sección dedicada a obras maestras en papel.
Sabía que esta obra la había visto en casi todas mis clases de historia de arte y de arte de Asia pero no tenía ni idea de donde se situaba esta.
Como esta obra hay múltiples y se encuentran en distintos museos del mundo como en el Metropolitan de Nueva York. Por eso no debería ser sorpresa que se encuentre allí en Amsterdam una obra de arte japonés.

Ahora, a nivel formal, la obra captura la vista del espectador por su dinamismo creado por el uso de líneas orgánicas que logran un verdadero acercamiento a la realidad. Podemos observar unicamente tonalidades de azules, blancos y algunos grises.
El espacio genera una idea de profundidad , en donde se ve a lo lejos la representación del monte Fuji disminuido en tamaño para contemplar la lejanía y contraposición con la gran ola, enfoque de la obra.
La textura generada por el artista es espectacular, la sensación es como de ver agua y estar en el mar. También se percibe un sentimiento de angustia y sensación de movimiento generado por los instrumentos pictóricos.
Cabe resaltar que si bien esta obra no pertenece a un género realista podemos sentir la sublimidad de la naturaleza allí representada.

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Edvard Munch, 1898
Una obra sencilla a primera vista pero fijémonos en los colores y en el hecho que con pocas líneas el artista logra transmitirnos una gran sensación.
La obra del expresionista posee líneas orgánicas y sueltas. Las únicas líneas rectas de la obra se visualizan en el vestido de la mujer de vestido blanco.
A pesar de carecer de detalles, las líneas marcan los límites suficientes para generar la concepción de figuras por parte del espectador.
Se hace uso de colores primarios y secundarios. La obra posee un ambiente de tonos fríos, en donde sobresale el cabello naranja, cálido y saturado de la mujer (énfasis de la obra).
El balance y unidad se alcanza a través de la línea diagonal que divide la obra , dando un aire de calma, orden y simetría.
A pesar de las líneas orgánicas y diagonales no se observa la sensación o idea de movimiento en la obra.

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Johannes Vermeer, 1660
Se pueden observar en la obra contornos bien delimitados por líneas orgánicas. Asi mismo, la pintura resalta por su gran uso de colores y tonalidades; en la diversidad de sombras, matices y tonalidades en un mismo objeto. Lo que se puede evidenciar en la vestimenta de la mujer y en sus distintos tonos de piel; bronceados que nos cuentan una historia de trabajo.
los colores saturados avanzan y sobresalen gracias al blanco, perfecto contorno que retrocede.
La composición del cuadro posee profundidad y balance asimétrico generado por la situación de los objetos al lado izquierdo de la obra.

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Amsterdam, Países Bajos
la historia del arte de los Países Bajos desde la Edad Media hasta el siglo XX.
Un adentramiento en el contexto internacional a través de la capital, cuatro pisos, tulipanes, canales y más de 8000 obras en exhibición.
¿Qué más se puede pedir?

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Jan Toorop, 1894
No conocía esta obra.
Realmente capturó mi atención en cuanto la vi, me recordaba algo así a Hércules; aquellos vasos de cerámica griegos.
Pero aquí sobresalen las palabras en un idioma que claramente no es griego, es neerlandés y traduce el nombre de la obra: "aceite de ensalada de Delft".
Si, es un anuncio para ensaladas.
Sin embargo esto no hace que esta obra sea menos magnífica y llamativa.
La obra posee únicamente tres colores: amarillo, negro y gris. El negro da vida y potencia a las líneas orgánicas que llenan el cuadro y que a su vez brindan ritmo, movimiento y unidad. Por otro lado, el amarillo nos acerca a una sensación de alegría, vivacidad y dinamismo (lo que ,en mi opinion, combina muy bien con dichas líneas orgánicas). Y los grises son utilizados para dar detalle, volumen y texturas.

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Adriaen Pietersz. van de Venne, 1614
Me impresionó la cantidad de elementos en la obra y que aún así se lograba el equilibrio, simetría y unidad.