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Clavos de pervert

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Los autorretratos de Catherine Opie me impactaron demasiado, ya que siento que ella trata de representar en sus obras sus ideales de una manera bastante cruda. El primer autorretrato que vi fue pervert en cual posa con la parte superior desnuda y con unos clavos incrustados en sus brazos, en este retrato ella estaba tratando de visibilizar a la comunidad queer de los años 90 y la verdad siento que esa fotografía en definitiva logra llamar la atención de las personas de una u otra manera. Por otro lado esta cutting, respecto a este autorretrato siento que el contraste entre la imagen en su espalda y la forma de dibujarla es bastante fuerte, ya que ella optó por cortarse y que la sangre que brota sea como su pincel. Adicionalmente,  está nursing que aunque sigue el estilo de esta fotógrafa es mas que una protesta hacia algo, un homenaje a las madres y a la lactancia, algo que suele ser vergonzoso para algunas mujeres.

En general de la obra, siento que vale la pena resaltar el hecho de que esta refleja la evolución del arte y como este es la imagen de la libertad de expresión y como cada artista maneja sus limites a su manera y sin restricciones. Siento que en esta obra se muestra como el arte moderno es mas espontáneo y orgánico. Tanto así que esta fue una de muchas obras en este museo que a primera vista me dejó sin palabras.

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En nursing se puede observar la cicatriz que quedó en el pecho de la fotografa cuando hizo el autorretrato pervert

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Tour Virtual

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UNIDAD VS VARIEDAD: Todas las lineas orgánicas de la obra se juntan (unidad) para formar el paisaje que quería representar Van Gogh. Y estas logran que la obra tenga mucho dinamismo (variedad).

BALANCE: Por la perspectiva lineal se puede observar como hay una distribución asimétrica de los objetos en el espacio para lograr al armonía del paisaje que representaba el autor.

ENFASIS VS SUBORDINACIÓN: Se logra un enfoque a través del tamaño de los elementos presentes en la obra. Por ejemplo la montaña ubicada en el lado inferior derecho es la que más sobresale y hacia la que primero se dirige la vista gracias a que su tamaño es el más grande.

ESCALA Y PROPORCIÓN: Estos dos items muestran como lograr darle un tamaño adecuado a los elementos de la obra, el autor logra representar el paisaje natural que esta lleva como nombre (Mountains at Saint-Remy).

RITMO: Con las pinceladas se logra crear un patrón que da un movimiento a la obra a pesar de que esta es estática. Por lo que la hace muy interesante.

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UNIDAD VS VARIEDAD: El degradé que hay entre los colores generan cierta paz o tranquilidad, pero el hecho de que estos sean complementarios evita que la obra se vuelva sosa o aburrida, ya que genera dinamismo en esta.

BALANCE: Yo observo cierta simetría en la distribución de los colores, aunque tambien hay un toque asimétrico pues dicha distribución no es exactamente igual.

ÉNFASIS VS SUBORDINACIÓN: En esta obra los 3 colores principales resaltan por igual, aunque en mi caso siento que en las partes donde el color es más intenso es hacia donde se desvía la atención.

ESCALA Y PROPORCIÓN: Al no generar una perspectiva y al ser nubes de color las que se presentan en la obra, no hay como tal una escala, aunque si existe una proporción sutil en la distribución de colores.

RITMO: El hecho de que los colores estén difuminados ocasiona una confusión inicial a la vista, además siento que de alguna manera la unión de los elementos formales de la obra logran un ritmo que hacen que esta se perciba mas como una experiencia sensorial (vista) que como un mensaje en específico que quisiera expresar el autor.

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ANÁLISIS COMPOSITIVO

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LINEA: En esta obra predominan las lineas orgánicas, las cuales le dan forma al paisaje que se quiere representar. Por otro lado las lineas geométricas brillan por su ausencia, ademas que en esta obra específicamente una linea geométrica estaría un poco fuera de lugar, ya que le quitaría lo "orgánico" a la obra

FORMA: Las formas son en su totalidad orgánicas y están definidas por ciertos contornos que marcan las lineas descritas anteriormente, pero tambien el manejo de los colores logra que se entienda que quieren representar dichas formas.

LUZ Y SOMBRA: Se maneja la luz y la sombra a partir de los colores, pero el autor lo hace muy a su manera sin seguir lineamientos como el sfummato o el tenebismo característico del arte que se realizaba anteriormente. Por otro lado la luz y la sombra logran una sensación de 3D en ciertos puntos de la obra.

COLOR: En la obra se maneja una paleta de colores frios, aunque se utiliza un color café en ciertas zonas de la obra. Se juega con la saturación y el valor de los colores para darle cierto realismo y dinamismo al paisaje que se está representando.

ESPACIO: En cuanto al espacio, se puede distinguir cierta perspectiva lineal, ya que se puede observar un punto de fuga y lineas implícitas que le dan profundidad al paisaje.

TEXTURA: La obra da la sensación de que hay textura (tanto real como simulada). La real en cuanto a que las pinceladas son marcadas y se percibe que al secarse se sentirá cierto relieve a causa de esta. Además esto que ocurre con las pinceladas tambien hace que se perciba una textura de relieve (no real) en la pintura.

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LINEA: Es bastante evidente la ausencia de lineas en esta obra, lo más parecido a una linea que hay son las formadas implícitamente por los cambios de color que aunque sutil es notorio.

FORMA: En esta obra no hay formas demarcadas por contornos y en general no hay formas, lo que se ven son como nubes de color que tienen formas tan orgánicas que llega un punto en el que son indescriptibles.

LUZ Y SOMBRA: Como tal no se marca luz y sombra, pero me atrevería a decir que es una forma de sffumatto moderno ya que predomina el difuminado de los colores para crear el efecto degradé en la obra.

COLOR: Definitivamente el color es el protagonista en la obra,esta maneja una paleta de colores complementarios (amarillo, rojo y verde) y juega con la saturación y el valor de estos para lograr el desarrollo de la obra.

ESPACIO: En la obra no hay intención de representar un espacio como tal, la obra es completamente bidimensional desde donde se le observe, aunque la combinación de los colores logra un poco de profundidad hacia las zonas donde hay un poco de color blanco y un foreground donde se nota el verde más intenso.

TEXTURA: La obra logra que se perciba una textura lisa y suave, esto gracias a la forma en la que los colores se plasman en esta y a que estos están difuminados.

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ANÁLISIS FORMAL

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Mountains at Saint-Remy / Visita 06/Septiembre/2020

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Mountains at Saint-Remy / Visita 06/Septiembre/2020

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Artista: Vincent Van Gogh
Fecha de Creación: 1889
Técnica: Pintura al aceite
Dimensiones: 72cm x 91cm

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2004

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1993

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1994

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SELF-PORTRAITS: CATHERINE OPIE / Visita 06/Septiembre/2020

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SELF-PORTRAITS: CATHERINE OPIE / Visita 06/Septiembre/2020

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Artista Jules Olitskisi. 1922, Snovsk, Rusia; re. 2007, Nueva York

Fecha 1970

Medio Acrílico sobre lienzo

Dimensiones 96 5/8 x 124 3/4 pulgadas (245,4 x 316,9 cm)

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El museo recibe a sus visitantes con esta placa en el suelo de la entrada, y me agradó bastante ya que sentí que es una invitación a la libre expresión a través del arte en todas sus formas.  Aunque me causó un poco de conflicto el hecho de que se use la palabra  "man" y no "people", aunque siento que igualmente se estaba haciendo la generalización pero es un poco chocante.

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La visita virtual la realicé por google arts & culture. Siento que este museo al ser relativamente pequeño (a comparación con los otros que hemos visitado), el recorrido virtual es bastante completo.
Cuando vi la fachada de este museo lo primero que se me vino a la cabeza fue México y su cultura debido a la gama de colores tan vivos y pintorescos de esta. Me parece muy interesante como a la entrada reciben a los visitantes con las esculturas que están dispuestas en el la parte superior de las paredes, la cuales tambien siento que representan a la cultura tradicional mexicana y logran incluso desde el exterior del museo darle la importancia que se merece y crea una memoria que hace que esta, a pesar del paso del tiempo y los cambios en la sociedad, se mantenga viva y vigente en la memoria colectiva . La arquitectura del museo aunque sencilla es muy representativa y es perfecta en mi -opinión- con en arte que en este se exhibe, ya que las obras son muy representativas de México, de sus tradiciones, y de sus realidades vistas desde el punto de vista de Kahlo y otros autores allí expuestos. El hecho de que previamente hubiera sido una casa, hace la experiencia aún más acogedora y permite que los visitantes puedan de cierta forma interactuar y sentir el arte allí presente como propio y lograr tener una empatía con lo que cada obra representa.

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"LET EACH MAN EXERCISE THE ART HE KNOWS"

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"Solomon R. Guggenheim Museum and Foundation"
Este museo esta ubicado en Nueva York (EE.UU).
Fue fundado en 1937 por la  Fundación Solomon R. Guggenheim. En este Museo se exhibe una colección de obras impresionistas y post-impresionistas, así como de arte moderno temprano y arte contemporáneo. Por otro lado, el museo organiza exposiciones temporales especiales a lo largo del año.

En 2013, casi 1,2 millones de personas visitaron el museo y fue sede de la exposición más popular de la ciudad de Nueva York.

El 14 de agosto de 1990, el museo y su interior fueron designados por separado como Monumentos históricos de la ciudad de Nueva York.  El museo fue agregado al Registro Nacional de Lugares Históricos el 19 de mayo de 2005 y fue registrado como Monumento Histórico Nacional en Estados Unidos el 6 de octubre de 2008. En julio de 2019, el Guggenheim fue entre las ocho propiedades de Wright incluidas en la Lista del Patrimonio Mundia l bajo el título "La arquitectura del siglo XX de Frank Lloyd Wright".

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"Amurallar el propio sufrimiento es arriesgarse a que te devore desde el interior".

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"Amurallar el propio sufrimiento es arriesgarse a que te devore desde el interior".

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Frida Kahlo

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Autor: Frida Kahlo
Fecha de Creación: 1934
Técnica artística: Charcoal and color pencil on paper

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Autor: Frida Kahlo
Fecha de Creación: 1952
Técnica artística: Photography colored with oil by Frida Kahlo

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Autor: Frida Kahlo
Fecha de Creación: 1949 - 1950
Técnica artística: Oil on canvas on masonite

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Autor: Frida Kahlo
Fecha de Creación: Desconocida
Técnica artística: Oil on plaster

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Exvoto dedicado al Señor de la Misericordia

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Exvoto dedicado al Señor de la Misericordia

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Autor: Desconocido
Fecha de Creación: 1876
Técnica artística: Oil on copper

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Exvoto dedicado a San Nicolás de Tolentino

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Exvoto dedicado a San Nicolás de Tolentino

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Autor: Desconocido
Fecha de Creación: 1936
Técnica artística: Oil on copper

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Autor: Desconocido
Fecha de Creación: 1934
Técnica artística: Oil on copper

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Autor: Alexandre Cabanel
Fecha de Creación: 1863
Dimensiones físicas: w2250 x h1300 mm
Técnica: Oil on canvas

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"Zoom" que evidencia las pinceladas que componen la pintura. En comparación a la obra anterior cabe resaltar como la textura de la pintura sobre el lienzo es lisa luego de secarse la pintura

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"Zoom" que evidencia las pinceladas que componen la pintura. En comparación a la obra anterior cabe resaltar como la textura de la pintura sobre el lienzo es lisa luego de secarse la pintura

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"Zoom" que evidencia las pinceladas que componen la pintura. Por otro lado cabe resaltar como se logra una textura con un relieve real al secarse la pintura sobre el lienzo

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"Zoom" que evidencia las pinceladas que componen la pintura. Por otro lado cabe resaltar como se logra una textura con un relieve real al secarse la pintura sobre el lienzo

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La linea azul, muestra profundidad y perspectiva. Además muestra una simetría en la obra. Las lineas rojas evidencian como el tamaño de los elementos simula una ubicación (Adelante o atrás)- 

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La linea azul, muestra profundidad y perspectiva. Además muestra una simetría en la obra. Las lineas rojas evidencian como el tamaño de los elementos simula una ubicación (Adelante o atrás)- 

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Las lineas azules son las lineas implícitas nombradas en el análisis

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https://www.thinglink.com/scene/1357768963882221570

Frida pintó este cuadro después de su primer aborto, en su tercer mes de embarazo. Pintar para Frida era como una liberación física y alegórica de su afección y su paso constante por los hospitales. Ella podía transformar el dolor en expresión, como se evidencia claramente en esta pintura inconclusa.

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Exposición: Las apariencias engañan
Titulo: Frida y la cesárea (inconcluso)

Autora: Frida Kahlo
Fecha de creación: 1931
Dimensiones físicas: w620 x h730 mm (sin marco)

Técnica: Oil on canvas

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E"Exvotos"

Frida Kahlo coleccionó más de 400 exvotos (pinturas votivas o pequeños retablos) como testimonio de la riqueza del arte popular en México, además de la expresión artística y la fe del pueblo mexicano. Los exvotos son pequeñas ofrendas pintadas por personas que desean agradecerle a la Virgen o algún santo por el favor que recibieron.

Estos exvotos son la prueba de la importancia para Frida de la cultura Mexicana y porque en sus obras -aún siendo autorretratos- siempre tienen ese toque Mexicano.

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Me pareció curioso, como en su obra no solo se retrataba a sí misma sino también a su familia, por lo que se intuye una relación muy cercana con ellos. Lo que una vez más corrobora que a través de su pintura se puede ir descubriendo como era la vida de Frida, ya que solía plasmarla en muchas de sus obras.

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En estas dos pinturas, se obsserva la representación de una columna rota, lo que hace alución a un accidente que tuvo Frida y que la mantuvo bastante tiempo en el hospital. Lo que evidencia como para muchas de sus obras ella era su propia inspiración

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Tour Virtual

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Este museo me causó una impresión especial desde el momento en que vi su fachada, desde el exterior todo expresa actualidad e innovación. Empezando por su arquitectura la cual es bastante particular, ya que en comparación a los otros museos es muy diferente y llama bastante la atención, esto hace que el museo empiece siendo una obra de arte en si mismo y produzca esa curiosidad que hace que las personas se sientan atraídas hacia el.
Al visitar la primera planta me agradó la amplitud del museo, además la predominancia del blanco hace que se sienta cierta tranquilidad. Ya al visitar los 6 pisos del museo, siento que todo encaja perfectamente y es bastante satisfactorio el hecho de que las obras de arte se mezclen con el museo hacen que todo sea en cierto modo armonioso y además de esto la experiencia sea aun más "inmersiva".

En cuanto al recorrido virtual, en un principio quedé de alguna manera en "shock" ya que el arte aquí expuesto es un cambio casi que del cielo a la tierra en comparación con los demás museos, las técnicas de los artistas, los conceptos que manejan, las esculturas y es que todo lo que vi me pareció demasiado orgánico y que definitivamente salia de la espontaneidad y la necesidad de expresarse de cada uno de los artistas.

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"La casa azul"
Fue convertida en museo en 1958, cuatro años después de la muerte de Frida Kahlo. Está ubicado en la Calle Londres número 247 en la esquina de Allende en la Colonia Del Carmen, distrito de Coyoacán de la Ciudad de México.
Este museo se centra en la obra de Frida Kahlo, allí se encuentran algunos de sus objetos personales y algunas de sus obras más importantes: Viva la Vida (1954), Frida y la cesárea (1931), Retrato de mi padre Wilhem Kahlo (1952), entre otras. Aunque también hay obras de otros autores mexicanos.

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Quiero resaltar esta obra porque el contraste que tiene con "Red roofs, corner of a village, winter", si bien es cierto que aqui la protagonista no es la naturaleza sino Venus (Figura Humana), la "manera" de pintar de los diferentes autores si se puede comparar. Por ejemplo en esta pintura se trata de emular el paisaje de la forma más precisa posible (el cielo, el mar y las figuras humanas), mientras que en el arte impresionista se logra representar el paisaje pero de una manera más orgánica y -en mi opnión- menos psicorrígida (espontaneidad del autor). Mientras que esta pintura se ve muy etérea por las pinceladas tan suaves y perfectas, la otra puede aterrizar al espectador a un plano más terrenal y eso es lo que les da su sello y las hace igualmente valiosas a su manera..

Siento que estos contrastes logran evidenciar como el arte de una u otra manera siempre permite liberar sensaciones, sentimientos y a pesar de ser una pintura que evidentemente no está viva, la combinación de las cuestiones formales, más la inspiración y motivación de los autores logra que estas cobren vida y transmitan percepciones y emociones al espectador, tanto así que uno puede sumergirse en la pintura y sentirse como parte de esta.

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En esta pintura es bastante llamativo el hecho de que se hace a partir de pinceladas, por lo que las lineas y formas orgánicas predominan en esta, lo que es bastante acertado pues es una obra donde la protagonista es la naturaleza. Solo se alcanzan a ver unas pocas lineas geométricas y son las que le dan forma a las casas (aunque éstas a pesar de se geométricas no se ven muy intencionales).

Por otro lado el uso del color muestra la predominancia de dos colores complementarios: Paleta de naranjas y verdes. los cuales logran una armonía visual que permite lograr un balance entre la arquitectura de las casas y los objetos característicos de la naturaleza (como la hierba). Además que dicho contraste permite inferir que la pintura representa el otoño (Lo que es curioso y contradictorio al leer el título de esta pintura).

En cuanto al espacio, este se caracteriza por el uso de una especia de perspectiva lineal, aunque es muy curioso pues no se observa como tal una linea de horizonte, pero igualmente se marcan lineas que definen profundidad, la ubicacion de los objetos en el espacio tambien juega un papel muy importante pues como se observa en los arboles encerrados en rojo, el más grande luce más cercano, mientras que el más lejano es bastante pequeño.

Al observar la obra en perspectiva, se transmite una variedad que la hace interesante y curiosa a la vista, aunque los colores y las lineas implicitas logran una unidad que crea un orden en medio del "caos" de las pinceladas.

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La visita virtual la realicé por google arts & culture, pero también vi algunos videos para familiarizarme más con las instalaciones del museo.
En primer lugar, es muy impresionante como las instalaciones del museo logran acoplarse de una manera tan armoniosa al tipo de arte que se exibe en este, pues las obras expuestas tienen contrastes bastante fuertes, por ejemplo, neoclasicismo vs impresionismo. Por otro lado, en mi percepción siento que la arquitectura de este museo hace que este también sea una obra de arte, desde el exterior es muy imponente y causa una sensación de grandeza y belleza y el interior no decepciona en lo absoluto, empezando por el diseño curvado del techo combinado con los detalles de las paredes y ventanas que hacen que el espacio este lleno de luz y sea muy acogedor, lo que lo hace idóneo para que el espectador logré una apreciación más cercana a las obras (más emocional). Además las esculturas que se ubican en la primera planta dan el aire a la antigua Grecia que se complementa luego con las exposiciones impresionistas presentes en el.

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Tour Virtual

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Está ubicado en París, Francia
Anteriormente, en este se encontraba la residencia de la realeza y el jardín de Marguerite de Valois y posteriormente era donde funcionaba la estación de ferrocarril de Orsay.
Este se caracteriza por su gran colección de obras impresionistas.

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Titulo: "Sorrow of War Stamped in These Features" (Barcelona)

Autor: Desconocido
Fecha de Creación: 1936
Técnica: Fotografía

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Titulo: "Women at the Siege of the Alcázar in Toledo"

Autor: Desconocido
Fecha de Creación: 1936
Técnica: Fotografía

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Titulo: "Entrance of the Republican Troops in Terue"l

Autor: Desconocido
Fecha de Creación: 1938
Técnica: Fotografía

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Titulo: "Mujer leyendo una carta"
Autor: Johannes Vermeer
Fecha de Creación: 1663
Técnica: Óleo sobre Lienzo

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Titulo: "La carta de amor"
Autor: Johannes Vermeer
Fecha de Creación: 1670
Técnica: Óleo sobre Lienzo

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Titulo: "Vista de casas en Delft"
Autor: Johannes Vermeer
Fecha de Creación: 1658
Técnica: Óleo sobre Lienzo

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Titulo: "La lechera"
Autor: Johannes Vermeer
Fecha de Creación: 1660
Técnica: Óleo sobre Lienzo

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Esta colección llamó mi atención por las tonalidades monocromáticas en las diferentes fotografías, si bien en la época en la que fueron tomadas no existía la fotografía a color, siento que esto permite que las fotografías transmitan aún más emociones al espectador. Me pareció increíble la forma en que el autor logró atrapar la dura realidad que se vive durante la guerra por parte de la población en general y me impactó el hecho de que en estas se observa como las mujeres tambien tomaban un papel activo en la guerra, ya que se suele creer que los hombre son los únicos que toman las armas en estas situaciones.
Al observarlas me produjeron cierta melancolía y admiración.
Me encanta el hecho de que a partir del arte se puede reflejar la realidad de una época y como este permite plasmarlos y crear una memoria histórica y colectiva (Una imagen dice más que mil palabras). Lo anterior es bastante notorio, pues durante la visita virtual al museo es bastante evidente que esta colección junto con "Guernica" son obras que destacan dentro de todas las obras del museo.

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Análisis Formal y Compositivo de la obra

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Análisis Formal y Compositivo de la obra

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Ficha técnica

Contexto de la Obra

Análisis Formal

Análisis Compositivo

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La visita virtual la realicé por google arts & culture, pero también vi algunos videos para familiarizarme más con las instalaciones del museo.
En mi percepción, este museo tiene una arquitectura bastante contemporánea, lo cual es bastante interesante pues es algo que concuerda con el arte expuesto en este. Otro aspecto que me parece muy importante es que la mayor parte del museo se caracteriza por sus paredes, techos y pisos completamente blancos, lo que da una sensación de amplitud y bastante luz al espacio lo que en mi caso me causa bastante tranquilidad y siento que este ambiente permite que el espectador se sumerja en las diferentes obras y las pueda tener una mejor conexión con estas. Además me parece bastante adecuado que el color base sea el blanco pues contrasta de una manera extraordinaria con las obras exibidas y las hace resaltar, en especial las referentes a la guerra cilvil: Guernica y  Fotografias (obras muy significativas en este museo), ya que estas son a blanco y negro.

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https://www.youtube.com/watch?v=qfcwN3u5-Sw
Tour Virtual

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"Guernica"
Pablo Picasso

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"Símbolo político, hasta el punto de que aparece como emblema ante cualquier episodio de violencia o de vulnerabilidad de la población civil"

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"Símbolo político, hasta el punto de que aparece como emblema ante cualquier episodio de violencia o de vulnerabilidad de la población civil"

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La visita virtual la realicé por google arts & culture, pero también vi algunos videos para familiarizarme más con las instalaciones del museo.
Para mi es bastante impactante ver como no solo este almacena obras de arte tan valiosas, sino que ES una obra de arte (arquitectónica). Desde el exterior su diseño es muy imponente y minucioso que le da un aire de grandeza. Por otro lado, al cruzar la entrada su interior me recordó al interior de una iglesia, ya que la forma del techo y la disposición de las columnas son muy similares por ejemplo a el Santuario de Monserrate o la Catedral Primada. Algo que se me hizo bastante curioso es la uniformidad en los colores de las paredes y pisos de este, ya que las tonalidades usadas (entre azules y beige) dan cierta paz, lo que a mi parecer permite que los asistentes tengan una mejor experiencia mientras aprecias las obras expuestas