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Comment jouer & Improviser sur le thème “Le Parrain” – de Débutant à Avancé.

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Marina Graf - Pianiste . Chanteuse . Coach Piano

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#63  Comment s'amuser avec les exercices du Hanon

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A propos de la "technique" par Marie Cécile Baritou

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A propos de la "technique" par Marie Cécile Baritou

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A Dozen a day. Livre 1 groupe 3. Explications de Dorothée Hurel

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A Dozen a day. Livre 1 groupe 3. Explications de Dorothée Hurel

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A DOZEN A DAY - Book1 - Groupe 3 -Tutoriel Complet + Accompagnements audio

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Téléchargez gratuitement des partitions de piano classique à partir de cette page. Les morceaux proposés ici sont les plus connus, que chaque pianiste se doit d'avoir à son répertoire ! Vous pourrez écouter et télécharger les partitions simplement.

Choisissez dans la liste ci-dessous le compositeur qui vous intéresse :

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Télécharger des partitions de piano de musique classique

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Téléchargez gratuitement des partitions piano, de la partition piano classique au piano jazz. Des exercices d'enchaînements d'accords et des partitions de piano blues

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Des accompagnements pour jouer les exercices de Hanon. 

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Des accompagnements pour jouer les exercices de Hanon. 

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Une mine d'informations. Des images, des textes, des musiques.

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La variété des instruments à claviers provient de deux façons de jouer différentes, illustrées par deux instruments en particulier : le psaltérion, instrument à cordes grattées à l'aide d'un ... ou " eschiquier ", instrument à clavier et cordes frappées du XIV plectrepièce d'écaille, d'os, de plume, de métal ou de plastique permettant de pincer ou gratter les cordes d'un instrument, et le tympanon, instrument à cordes frappées à l'aide de petits marteaux. C'est sur le principe du psaltérion que sont conçus des instruments à clavier tels que le clavecin, le virginal et l'épinette. Le mode de fonctionnement du tympanon, quant à lui, donne naissance à des instruments comme le dulcimerInstrument à cordes frappées de forme rectangulaire ou trapézoïdale datant du Moyen Âge, il est équivalent à la doulcemelle française., l'échiquier clavicorde et, bien sûr, le piano ! e siècle dont la forme de la caisse ressemble à celle d'un jeu d'échecs., le

Homme de qualité jouant du tympanon. Gallica - BnF

Diminutif de l'italien pianoforte, le piano désigne un instrument polyphonique à clavier et à cordes frappées par des marteaux permettant de jouer, comme son nom l'indique, piano et forte. Il est conçu quasiment simultanément dans trois pays différents, l'Italie, la France et l'Allemagne, alors même que les facteurs ne se connaissent pas. En 1703, Carlo Grimaldi transforme un clavecin en cembalo con martelletti dans lequel de fines lames de métal enroulées à leur extrémité forment un petit renflement qui frappe les cordes.

Bartolomeo Cristofori (1653-1731), fabricant de clavecins et de clavicordes, présente vers 1709-1711 un gravicembalo col piano e forte. En remplaçant les sautereauxPièce principale du mécanisme d'un clavecin ou d'une épinette, qui sert à pincer la corde. du clavecin par des marteaux en bois qui frappent les cordes, il crée un instrument que l'on peut considérer comme le premier piano. La grande nouveauté qu'offre l'instrument est la possibilité de varier l'intensité du son en fonction de la force avec laquelle on appuie sur les touches. En 1726, Cristofori perfectionne encore l'instrument, et le dote d'une nouvelle mécanique Les marteaux sont recouverts de parchemin et de cuir, les étouffoirs sont positionnés en bout de touche, et la pédale " forte " permet d'accroître la palette de nuances existante. qui augmente ses capacités de jeu.

L'évolution de l'écriture pour piano est intimement liée aux progrès de la facture instrumentale, et à l'étroite collaboration entre les facteurs et les compositeurs. Sébastien Érard, en répondant aux exigences de Beethoven, offre au compositeur l'un des instruments les plus perfectionnés de son temps. Chopin entretient de véritables liens d'amitié avec Camille Pleyel à qui il dédie les 24 Préludes de son opus 28. Mais qu'en est-il de l'apparition du piano-forte ? Comment cet instrument a-t-il progressivement supplanté le clavecin à la fin du XVIII e siècle ?

Le clavecin était l'instrument de la haute société et des cours aristocratiques. Symbole de l'Ancien Régime, il connaît son déclin avec la Révolution française, pour des raisons autant sociales que musicales. Sa disparition est ainsi liée à l'émergence d'une nouvelle classe sociale, la bourgeoisie, qui promeut petit à petit les nouveaux instruments dont le piano-forte fait partie. Les compositeurs de cette époque, également interprètes, jouent aussi bien du clavecin que de l'orgue selon les circonstances. Alors qu'il a déjà composé pas moins de neuf concertos pour clavier Les concertos pour claviers étaient donc des concertos pour clavecin., Mozart doit attendre 1784 pour posséder son premier piano-forte. À cette époque, l'archétype du pianiste est celui du claveciniste qui reporte sa technique et son jeu sur un instrument dont il apprend à dompter la nouvelle mécanique et le toucher. Beethoven, quant à lui, joue régulièrement de l'orgue et du clavecin dans l'orchestre de l'archevêque à Bonn. La possibilité de pratiquer le piano-forte lui est offerte lorsque la famille impériale de Vienne se met à acheter des instruments vers la fin des années 1780. En France, à Versailles, la famille royale conserve au contraire la tradition aristocratique du clavecin.

Clavecin Ruckers, Taskin (E.979.2.1). Musée de la musique - Philharmonie de Paris, photo de Jean-Marc Anglès

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L'évolution de l'écriture pour piano est intimement liée aux progrès de la facture instrumentale, et à l'étroite collaboration entre les facteurs et les compositeurs.

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Apprendre le piano - Fondements de la posture de la main

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Diabelli Opus 149 N°2 Secondo (play-along)

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https://youtu.be/0b5uulBrDrs

Coup de cœur pour ce morceau 🎶
Étienne Lbu

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Extrait du recueil: Easy listening, Piano souvenirs 3 de Dick Martens, 1994

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Barapartitions.com: Fais ton choix en écoutant une version en vidéo

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Barapartitions.com: Fais ton choix en écoutant une version en vidéo

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Vous êtes adulte amateur de piano et pratiquez seul, cherchez des nouveaux morceaux pour votre répertoire ou conseil? Soyez bienvenus sur ma page des cours de piano virtuels pour apprendre tout seul! Ce sont des articles dédiés aux partitions de piano que j'aime travailler avec mes élèves adultes, débutants, moyens ou avancés.

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520000 partitions des musiques du domaine public

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International Music Score Library Project (Projet de bibliothèque internationale de partitions). Ce site fait tout son possible pour respecter les lois canadiennes en matière de droits d'auteur (reportez-vous à la page domaine public pour plus de détails). Toutefois, si vous veniez à constater une violation de ces dispositions, nous vous serions reconnaissants de le signaler à l'adresse suivante: feldmahler {at} imslp.org.

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Si quelqu'un à envie de passer du temps à faire un sommaire, ce serait super!

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#1 Les bons conseils pour progresser au piano - Comment travailler une difficulté

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Pour les "très motivés"

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Cours de piano - La position de la main par Marie-Josèphe Jude

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#2 Les bons conseils pour progresser au piano - Quand travailler mains séparées ?

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#3 Les bons conseils pour progresser au piano - Quand utiliser le métronome

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#6 Les bons conseils pour progresser au piano - Comment jouer dans un tempo rapide

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#4 Les bons conseils pour progresser  - Echauffement au piano

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#5 Les bons conseils pour progresser au piano - Comment progresser en déchiffrage

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Avec Grigory Sokolov, Yuja Wang, Arthur Rubinstein, Van Cliburn, Daniil Trifonov, Garrick Ohlsson...

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Cheffe d'orchestre et pédagogue, Nadia Boulanger (1887-1979) a exercé une influence majeure sur la vie musicale du XXéme siècle. Toujours à l'écoute des évolutions du langage musical de son temps, elle a formé plusieurs générations de compositeurs et de musiciens, parmi lesquels Aaron Copland, Leonard Bernstein, Igor Markevitch, Philip Glass, Astor Piazzolla, Quincy Jones, Lalo Schifrin...

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Qui était Nadia Boulanger ? : actualité et dossier sur France Musique

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Cheffe d'orchestre et pédagogue, Nadia Boulanger (1887-1979) a exercé une influence majeure sur la vie musicale du XXéme siècle. Toujours à l'écoute des évolutions du langage musical de son temps, elle a formé plusieurs générations de compositeurs et de musiciens, parmi lesquels Aaron Copland, Leonard Bernstein, Igor Markevitch, Philip Glass, Astor Piazzolla, Quincy Jones, Lalo Schifrin...

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UN METIER D'ART POUR MOI - FACTEUR DE PIANO

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Prendre de bonnes habitudes dès le début

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Avoir une bonne assise au piano vous permet de partir sur de bonnes bases. Il existe plusieurs types de sièges, qui ne se valent pas tous (cf. choisir son siège de piano). Une fois votre siège choisi, encore faut-il bien le positionner et bien s'asseoir dessus !

Privilégiez une banquette ou une chaise de piano à un tabouret. Les tabourets ne fournissent pas assez de stabilité et de place pour pouvoir bien s'y installer et être à l'aise sur son clavier. De plus, les banquettes et chaises de piano sont souvent réglables et s'adaptent donc à votre taille. Sans compter qu'elles sont matelassées, ce qui est bien plus confortable lors de vos longues séances de travail.

Le siège se place de manière à être centré face au clavier. Si vous possédez un piano avec des pédales fixes, elles sont un bon moyen de repère. Une fois le siège bien positionné, assurez-vous qu'il ne soit ni trop loin, ni trop près du clavier. De manière à avoir un bon angle entre vos bras et vos avant-bras (sans atteindre l'angle droit). Cette position doit vous sembler naturelle et confortable.

Essayez de ne pas vous avachir sur votre siège, car mal se tenir, c'est le mal de dos assuré ! Pour cela, essayez de vous asseoir au bord de votre siège. De cette façon, vos jambes seront solidement ancrées dans le sol ! Ce qui permet de garder une bonne position lorsque vous jouez.

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Avoir une bonne assise au piano vous permet de partir sur de bonnes bases. Il existe plusieurs types de sièges, qui ne se valent pas tous (cf. choisir son siège de piano). Une fois votre siège choisi, encore faut-il bien le positionner et bien s'asseoir dessus !

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Extrait de la méthode de travail:

·         travaillez régulièrement, entre 15 et 30 minutes minimum par jour dès vos premiers cours.

·         Concentrez-vous sur la posture physique : l’assise, les jambes, le dos, les épaules, les bras, les mains et enfin les doigts. Eliminez toutes les tensions inutiles. Concentrez-vous sur les sensations dans les doigts, le toucher et sur la détente de votre corps.

·         Etudiez, analysez et annotez la partition avant de la jouer. Relevez et nu-mérotez les grandes phrases musicales, numérotez les mesures et, si besoin, écrivez les pulsations sous les portées. Repérez les passages qui pourraient vous poser des problèmes afin de les résoudre en premier.

·         Travaillez par fragments courts. N’hésitez pas revenir sur chaque passage qui pose problème sans reprendre systématiquement au début du morceau

·         Commencez par travailler la fin du morceau.

·         Soyez capable de commencer à n’importe quel endroit du morceau.

·         Une fois que vous savez jouer votre morceau, soyez toujours capable de le jouer très lentement. La lenteur est le microscope du musicien.

Déchiffrez régulièrement de nouvelles partitions (sans les travailler). Cela vous permettra de développer la réactivité du circuit œil / cerveau / doigts / sensations.

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Son nom vient du latin prae, "qui précède", et ludere, "jouer".
Le prélude était, à l'origine, une forme musicale de structure libre placée au début d'une œuvre ou d'un concert. Puis l'écrasante présence de Jean-Sébastien Bach a fait du prélude une forme précédant une fugue. Depuis, le prélude a bien évolué et pris son autonomie.

" Prélude à quoi ? " pourrait-on se demander en écoutant ceux de Chopin, Debussy ou Scriabine. A la méditation ? A une rêverie personnelle ? Quoi qu'il en soit, le prélude n'a pas changé profondément de sens. Toujours, il ouvre toutes grandes les portes de la musique.

Après avoir retracé la riche histoire du prélude, nous nous attachons à ceux de Chopin, de Debussy et aux préludes russes.
De nos jours, l'art du prélude est loin d'être tombé en désuétude comme en témoignent les œuvres de Stéphane Delplace, de Florentine Mulsant ou encore les préludes de 22 compositeurs créés par le pianiste Hugues Leclère.

... Lire la suite

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Richesse du répertoire du Piano. Sonates, préludes, histoire de la transcription oeuvres à quatre mains. Tout ce qu'il faut savoir pour les pianistes professionnels, les amateurs et pianistes passionnés par cet instrument. La sélection des articles de la revue Piano

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Que vous arriviez à ce poste est un signe que vous voulez approfondir l'histoire et l'origine de cet instrument qui a aujourd'hui une grande importance.

L'inventeur du mécanisme original du piano est attribué à l'Italien Bartolomeo Cristofori. Bien que curieusement, bien qu'il soit son inventeur italien, ce pays a tourné le dos à cet instrument pendant un certain temps. Son principal développement se fait en Allemagne, c'est donc dans ce pays que le Piano ou Pianoforte est développé.

En Italie, le piano est lent ou lâche et la force est forte. C'est pourquoi le piano a la capacité de sonner plus fort ou moins fort en fonction de la force avec laquelle vous appuyez sur la touche est également appelé PianoForte.

Je suis sûr que vous serez intéressé par...
très populaires comme le clavecin, mais ils n'avaient pas la caractéristique principale du piano. Qui devait pouvoir régler le volume de la note en fonction de la force ou de la faiblesse de la touche. De cette façon, le piano changeait même la façon dont il jouait la musique.

On vous ment, le clavecin vous permettait de régler le volume et d'ajouter de l'expressivité à ce que vous jouiez, mais il avait très peu de puissance et de volume. Il n'a donc pas fonctionné pour le nouveau genre de musique qui était en train d'être créé. Beaucoup plus expressif et sentimental.

Et en quelle année le piano a-t-il été inventé ?

What will you find in this post?

Bartolomeo Cristofori a commencé à faire son invention en 1698, il y a presque trois cents ans. Bien que ce ne fût pas le piano tel que nous le connaissons aujourd'hui, il avait environ 4 octaves et aucune pédale pour maintenir la note. Et depuis lors, le système de marteaux a été amélioré.

Vous voulez savoir à quoi ressemblait le son du clavecin ? C'était l'instrument le plus populaire lors de sa création, et il a fallu encore longtemps pour que le piano le surpasse en popularité.

Le clavecin
La façon dont nous avons réellement nommé le piano auparavant a commencé à se développer en Allemagne, et au début il a été ignoré en Italie. C'est un personnage un peu excentrique appelé Gottfried Silbermann qui a construit le piano en Allemagne.

Silberman était un fabricant de clavecins renommé, mais il était aussi très blagueur et prenait des risques. Une fois, il a dû quitter Fribourg à toute vitesse parce qu'il avait tenté d'enlever une religieuse de façon très minable et a dû se cacher à Strasbourg. C'était une personne très habile pour les affaires mais son goût pour le sexe opposé lui a valu beaucoup d'ennuis, en bref, ces musiciens.....

Silberman a entendu parler du système de Cristofori et a construit l'un des premiers pianos qui ont existé. Certains d'entre eux appartenaient à Frédéric le Grand lui-même. Le même Jean-Sébastien Bach est venu essayer l'invention mais la vérité est qu'il ne l'a pas beaucoup aimé au début mais a donné son approbation des années plus tard.

Malgré cela, le piano a mis longtemps à l'emporter sur les autres instruments à clavier, mais c'est parce que la musique baroque était encore dominée par la polyphonie et le contrepoint.

Le piano de Silberman a ensuite été développé en Angleterre par d'autres fabricants qui ont réduit la taille de l'instrument et simplifié le mécanisme afin qu'il devienne abordable pour les classes moyennes. Cela a grandement influencé son développement et a étendu son utilisation et sa popularité.

Les grands pianistes

Avec la popularité croissante du piano à la fin du baroque et au début du romantisme, les grands compositeurs ont commencé à composer pour cet instrument puissant et expressif. Dans l'histoire, J.C. Bach et Dussek se distinguent comme des pionniers, mais Mozart est le premier des grands. On parle aussi de Clementi comme l'un des créateurs de la nouvelle façon de jouer et du piano.

Mozart a découvert dans le piano comment exprimer des sentiments avec des changements de volume. Il a créé un monde d'une beauté incomparable, mais c'est Beethoven qui a tout transgressé. Beethoven jouait d'une manière jamais vue auparavant, sauvage. On pourrait dire que c'était la version de Jimmy Hendrix de son époque, une vraie rockstar. Il était tout à fait normal qu'il détruise les claviers avec sa façon énergique de jouer.

Bien sûr, des personnages très importants allaient arriver plus tard et chacun d'entre eux a apporté son empreinte sur la musique composée pour le piano. Des artistes tels que Joseph Haydn, Schubert. En gros, ils ont fermé le baroque et ont ouvert la porte à une nouvelle musique avec une mélodie beaucoup plus singulière. Et il y avait aussi des chanteurs dans leurs soirées...

ET SOUDAIN, LE PIANO DEVIENT L'INSTRUMENT LE PLUS POPULAIRE AU COURS DU 19ÈME SIÈCLE.

Tout au long du XIXe siècle, le piano est devenu populaire à un niveau incroyable. Les classes moyennes commencent à l'acquérir et dans le monde entier, il n'y a pas une maison qui n'ait pas de piano dans son salon. Bien sûr, tout cela est favorisé par le fait que des modèles beaucoup moins chers et moins encombrants, comme les pianos droits, voient le jour. Qui ont tout le mécanisme monté dans le plan vertical. Pour les faire sonner plus fort, le couvercle supérieur est ouvert.

Nous devons garder à l'esprit qu'à cette époque, il n'y avait pas de télévision, pas de consoles, pas de radio. Le piano est devenu le centre des rencontres. Il divertissait les gens et était merveilleux parce qu'il empêchait que les discussions sur la politique ne se terminent par un plateau sur la tête de quelqu'un. Cela souligne l'importance du piano en tant qu'élément social.

On dit qu'au milieu du XIXe siècle seulement, à Paris, il y avait plus de 15 000 professeurs de piano. Des marques comme Steinway exportent leurs pianos à l'autre bout du monde et on peut ainsi voir des scènes de chameaux qui les transportent.

On peut dire que le XIXe siècle est l'âge d'or du piano. Dans tous les styles, c'était l'instrument le plus joué. El Vals, la musique populaire en tout genre... sans parler de son rôle dans la musique militaire. Très populaire ce style au cours du XIXe siècle, dont la fonction était de donner de la gloire aux campagnes militaires et d'augmenter le moral de la population. Dans certains cas, les notes pouvaient imiter des éléments de la guerre, tels que les tirs de canons.

Schubert par exemple a composé de la musique militaire, en voici un extrait.

Schubert Musique militaire nº 1 Op 51

Et dans le Far West, il devient aussi très populaire, il y avait toujours un piano dans le bar typique des cow-boys. Qui sera alors la bande sonore de ce genre. C'était déjà à la fin du XIXe siècle.

20e siècle : Jazz et Swing

Comme au XXe siècle, le piano est encore à son apogée. Surtout au début du XXe siècle, il n'y a pas de bar ou de maison sans piano. Cependant, de nouveaux styles de musique voient le jour, qui sont encore très vivants aujourd'hui. Il s'agit du Swing et du Jazz.

On peut dire que le Swing est un type de Jazz, mais il est aussi lié au style de danse qui est devenu si populaire aux États-Unis pendant la première moitié du XXe siècle.

Le piano commence à cette époque à partager le protagonisme avec la guitare comme principal instrument harmonique, mais il brille toujours de lui-même. De plus, le piano est généralement l'instrument de référence pour la composition et l'apprentissage de l'harmonie car il est beaucoup plus visuel en ce sens.

Il est vrai que toutes sortes de musiques pour piano sont encore composées au cours du XXe siècle, mais nous ne pouvons pas éviter de mettre l'accent sur le jazz et l'introduction de l'harmonie moderne. Ce changement est si important qu'il existe aujourd'hui des conservatoires de " classique " et d'autres de " moderne ". Cela est dû à l'introduction de l'harmonie moderne, qui est développée et créée au fur et à mesure de l'émergence des génies du jazz du XXe siècle. Les règles de l'harmonie classique sont brisées, créant de nouvelles règles et jouant avec les dissonances.

Certains noms qui changent les règles de la musique sont Bill Evans, Duke Ellington, Thelonious Monk

Les années 70 et l'arrivée du piano numérique et des synthétiseurs

Dans les années 70, il y a quelque chose qui va révolutionner la musique. Il s'agit des synthétiseurs et des claviers de piano. Grâce à la technologie numérique, il est possible de produire des sons à partir de zéro et de modifier leurs ondes. Cela ouvre un nombre incroyable de possibilités aux musiciens. C'est le début de la musique électronique et de ces claviéristes entourés de claviers de synthétiseurs partout. Un exemple de ce nouveau monde est celui de Herbie Hancock.

Herbie Hancock est l'un des meilleurs exemples de pianiste novateur. Ce grand musicien de jazz n'hésite pas à expérimenter les nouvelles technologies et devient un grand fan des synthétiseurs et de la musique disco. Nous vous laissons ensuite une vidéo où vous pouvez voir le saut de la planète que certains claviéristes donnent.

Eh bien, ce billet arrive à son terme, nous avons évidemment laissé beaucoup de choses dans l'encrier mais nous espérons vous avoir diverti et vous avoir donné un aperçu de l'histoire et de l'évolution de ce merveilleux instrument. Si vous avez aimé cet article et que vous pensez qu'il pourrait plaire à quelqu'un, n'hésitez pas à le partager.

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Un voyage amusant à l'origine et à l'histoire du piano. Qui a inventé le piano ?

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Que vous arriviez à ce poste est un signe que vous voulez approfondir l'histoire et l'origine de cet instrument qui a aujourd'hui une grande importance. L'inventeur du mécanisme original du piano est attribué à l'Italien Bartolomeo Cristofori. Bien que curieusement, bien qu'il soit son inventeur italien, ce pays a tourné le dos à cet instrument [...]

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Petite histoire du piano, du Moyen-Âge à nos jours.

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Un résumé succinct, documenté en images et en extraits sonores, sur les ancêtres du piano, son émergence et ses évolutions techniques.

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300 - CÈline Dion - All By Myself (composed by Eric Carmen).pdf

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Bienvenue sur le site partition-piano-gratuite.fr

Vous trouverez ci-dessous de nombreuses partitions piano gratuites à télécharger.
Pour chaque oeuvre, un fichier pdf et un fichier midi sont à votre disposition.
Comme vous pouvez le constater, elles sont classées par niveaux de difficulté.
Si vous recherchez une partition piano facile, ou une partition piano débutant alors choisissez le niveau 1.
Si vous êtes d'un niveau expert ou confirmé alors n'hésitez pas à vous lancer dans un niveau 5 !
Bref, si comme moi, vous êtes souvent à la recherche d'une bonne partition piano gratuite (libre de droit et légale...)
alors ce site est fait pour vous.

Musicalement

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Partition de piano gratuite à imprimer libres de droit

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Partitions de piano gratuites pour tous niveaux, des débutants aux confirmés, téléchargez des partitions de piano classique et jazz, issues du domaine public

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Il y a des moments dans la vie d'un instrumentiste où rien n'y fait, ça résiste, on ne trouve pas la solution pour progresser et parvenir à un résultat convenable.

Parfois même, la motivation en fait les frais.

Alors comment faire et quelle méthode de travail adopter?

Il existe une méthode à laquelle on ne pense pas immédiatement, mais qui est d'une efficacité redoutable : travailler très lentement et suffisamment afin de donner au cerveau le temps de l'apprentissage, sans le stresser, par exemple en exigeant des prouesses irréalisables telles que restituer une page ou une grille d'improvisation sans même avoir pris le temps de l'étudier à fond, sous tous ses angles et tous ses aspects.

Plus ça résiste et plus il faut commencer très très lentement, et très très longtemps!

Après quoi, le cerveau restituera n'importe quelle oeuvre à la vitesse souhaitée, avec le sourire et dans la détente.

Et puis la lenteur est le clé du plaisir. Alors hâtons-nous lentement.

Méthodologie et effets ressentis :

Je mets mon métronome sur quarante cinq et je travaille une partition écrite ou une improvisation sur une grille. Puis je recommence en incrémentant le métronome de cinq points, à cinquante bpm. (Beat Per Minute). Difficile de sentir l'accélération à ce tempo, et pourtant...

Je recommence le processus plusieurs fois. Entretemps, mon rythme cardiaque a ralenti, le fréquence de mes ondes alpha également, ma concentration est stable, je suis plus calme.

Le temps a passé, mais je ne lui accorde plus la même importance, il devient pure illusion, son emprise sur moi s'estompe. La voix angoissante qui susurre " tu perds ton temps " s'est enfin tue. Plusieurs heures sont encore passées mais je ne ressens aucune fatigue et mes muscles sont de plus en plus détendus, j'y veille constamment. Le placement de mes mains, poignets, coudes et doigts est devenu naturel, optimisé, afin de rendre ces derniers les plus disponibles possibles à l'instant " T ", là où ils doivent se placer au mieux pour jouer sans effort. Je suis rentré dans un rythme régulier et répétitif. Mon esprit est vif et clair, disponible et éveillé. Un horizon apaisé et plein de possibles s'ouvre alors à moi.

Contrairement à la sensation du début, je ne perd pas mon temps, j'investi du temps au démarrage pour le récupérer plus tard avec en prime l'acquisition d'une base technique et musicale solide.

Car les déplacements et les doigtés sont progressivement enregistrés avec pour conséquence une relaxation et une confiance qui résout petit à petit toutes les tensions dues à l'incertitude, aux déséquilibres, à l'urgence de trouver une solution même bancale pour jouer les notes sans savoir exactement où elles se situent, ni avec quel doigté les attaquer. Idem pour les nuances, les dynamiques et les phrasés.

Economie de mouvements

Mes mouvements sont réduits au strict nécessaire, mes mains ne bougent pratiquement plus, aucun geste parasite ne vient perturber le minimum requis pour jouer ce que j'improvise ou la musique écrite que j'interprète.

Je me souviens de mon professeur d'aïkido lors des randoris (combats en fin de cours) ou on l'attaquait à plusieurs à la queue leu-leu, il ne bougeait pratiquement pas, était très ancré au sol (le " Ki "), mais personne ne parvenait à le toucher car sa défense était réglée au millimètre près, un simple geste du bras très bien placé suffisait. Nous étions projetés à gauche et à droite avec la même énergie que celle qu'on utilisait pour l'attaque, énergie qui se retournait contre nous, principe de base de cet art martial sublime.

Une économie absolue de la dépense musculaire est fondamentale dans toute pratique sportive ou instrumentale.

Observez un débutant sur des skis, sur des patins à roulettes ou à glace, on a mal pour lui tellement il fait de gestes contre-productifs et dangereux!

Comment espérer programmer les bons gestes en jouant autrement que très lentement au début?

Même un tempo médium lent est encore trop élevé pour " programmer " tout ce qui est nécessaire à l'exécution parfaite d'une oeuvre.

Combien de temps et de motivation faudra-t-il ensuite perdre pour déprogrammer les mauvais gestes appris dans la précipitation d'un mauvais début?

L'imagination au service de l'apprentissage

Lors de ce genre de pratique, le corps évolue lentement. Je m'imagine et reproduit au piano un film montrant au ralenti la course d'un guépard. Je peux alors décomposer et reproduire la surextension de ses membres tendus à l'extrême qui reviennent à l'inverse se croiser au maximum, encore et encore. Je ne joue pas lentement, je simule un jeu rapide au ralenti, ce qui est très différent.

Mais ce qui est important, c'est que le cerveau fonctionne, lui, à plein régime. Une quantité très importante de paramètres peuvent être pris en comptes pendant ce travail lent. Je peux me concentrer sur la vitesse de descente des touches pour maîtriser les nuances et le toucher, fixer les doigtés, programmer les gestes et les déplacements des coudes et des poignets, les écarts latéraux des doigts (les empreintes) pour jouer les accords , le fait de bien prendre la touche au milieu à chaque attaque.

A ce propos, j'imagine par exemple, lors de cette méditation en action, que je tire à l'arc. Peu importe que je regarde ou pas la cible, en l'occurrence le milieu de la touche visée. Je la mentalise. Lorsque je décoche la flèche, je sais qu'elle va parvenir au but car c'est au moment où j'en ai eu la vision interne.

Idem pour le placement rythmique. Là aussi le concept de " milieu " du temps, ou légèrement " en avance ", ou légèrement " derrière " le temps est à l'oeuvre. Le métronome servant de repère-étalon pour tester différentes solutions de placement rythmique alternatives, mais toujours maîtrisées.

Le métronome impose également de respecter les divers stades d'augmentation de la vitesse sans céder à la tentation de jouer trop tôt trop vite et de perdre le contrôle, d'être " joué " par ses doigts.

Ce qui est remarquable, c'est que tout ceci constitue un apprentissage extrêmement précis car, au même moment, le corps et l'esprit fusionnent et apprennent en mémorisant tout, comme si nous étions devenus un magnétophone. Tout ceci sera restitué dans la vitesse, on a peine à y croire au début. C'est comme reculer pour mieux sauter.

L'anticipation

Lors de l'exécution finale, l'anticipation sera la clé indispensable pour pouvoir " voir venir " et résoudre d'éventuels problèmes dûs à quelques millisecondes de déconcentration, d'hésitation, de mini trou de mémoire. C'est un peu comme la mémoire tampon d'un lecteur video en ligne. La barre de chargement est en avance par rapport à celle de la lecture. De temps en temps l'intervalle entre les deux se rétrécit quand le chargement stoppe momentanément alors que la lecture se poursuit à une vitesse stable. Mais lorsque la barre de lecture rejoint celle du téléchargement qui s'est complètement arrêtée, il n'y a plus d'espace pour la mémoire tampon, et la lecture video stop net.

Lorsque l'on joue " au tempo ", que ce soit improvisé ou non, un manque d'anticipation nous met " en danger " permanent et créé de la tension invalidante. Impossible de corriger à l'avance quoique ce soit, on évolue à tâton, le nez sur l'obstacle, sans le recul indispensable pour résoudre les problèmes que l'on voit pourtant venir.

Cette anticipation peut être de l''ordre de quelques millisecondes jusqu'à quelques mesures, voire plus encore. Il peut même y avoir plusieurs plans d'anticipation différents et superposés en simultané afin de prévoir également la forme à venir, les plans de nuances, les modifications de couleur ou tout événement qui va rendre l'exécution intéressante.

L'anticipation est également la base de l'art du déchiffrage...et de la gestion en général.

Cette anticipation se travaille, s'apprend, se programme. On habitue notre cerveau à anticiper en même temps qu'on apprend les notes, les accords et les doigtés. L'anticipation doit devenir un réflexe au même titre que tout le reste. C'est notre assurance. Anticiper doit être une tâche de fond présente lors de tout processus d'apprentissage et ce, dès le début.

Or, dans la lenteur, cet apprentissage de l'anticipation nécessite parallèlement d'accélérer le processus de la pensée, de la mentalisation.

Plusieurs vitesses superposées

Si bien que l'on se retrouve à gérer plusieurs plans de vitesses différents et simultanés : ceux de la lenteur d'exécution des muscles, des doigts, coudes, poignets et mains d'une part, ceux de la pensée en action a contrario rapide et ceux de tous les éléments que l'on veut inclure dans le dossier " anticipation " d'autre part.

Ces derniers peuvent se situer dans une réalisation à courts ou moyens termes et réclamer un traitement plus ou moins rapide par la pensée, voire ultra rapide lorsqu'il s'agit de haute virtuosité ou de superposition de contrepoints lors d'une improvisation.

Petit voyage métaphysique

Cette superposition de plusieurs vitesses est un phénomène que l'on peut retrouver dans beaucoup d'autres domaines de la vie quasiment à l'identique. Nous évoluons probablement dans une onde sinusoïdale lente, dans laquelle s'incrustent d'autres sinusoïdales à multiples fréquences. Prenez par exemple les mouvements qu'effectue la terre dans sa rotation autour du soleil. Elle oscille de tous côtés, tourne sur elle-même, tourne autour du soleil, le tout forcément à des fréquences différentes et simultanées.

Ou bien visualisez les rythmes de nos vies et leur différentes fréquences, représentez-vous sur un schéma imaginaire leurs cycles en terme de secondes, minutes, heures, journées, semaines, mois, années, décennies, siècles, vie, etc...Maintenant, superposez tout ceci sur un instant " T ". Le concept de temps horizontal n'existe plus. Dans cette méditation, le temps se conçoit de manière verticale. Tout existe ici et maintenant, et, si l'on va au bout de ce concept, l'instant est parfait.

Et, pourquoi pas, l'espoir peut enfin renaître! Puisque " avant " on y peut plus rien, et " après ", on ne sait rien encore.

Dans ce cas, pourquoi se presser? Pourquoi ne pas apprécier pleinement et faire durer le plus longtemps possible cet instant parfait?

En psychologie cognitive, on sait bien que derrière le message " dépêche-toi " se cache un autre message : " n'aies pas de plaisir "!

Dans ces conditions, inutile de se demander pourquoi on perd la motivation.

Petite expérience à faire :

Essayez de vous promener pour une fois lentement, très très lentement dans la rue, flannez sans but et observez tout autour. Observez également ce qui se passe en vous une fois passée la sensation étrange du début.

Le monde vous sourira d'une manière inhabituelle, les choses s'offriront à votre attention, vous entrerez dans le mode de l'observation et non plus dans celui de l'action.

De cette manière, vous vous rendez disponible, et c'est justement là que réside la condition indispensable pour parvenir à se concentrer.

La concentration n'est pas un enfermement sur soi-même, mais au contraire une ouverture et une disponibilité paisible au monde qui nous entoure.

Laissez donc vos doigts exécuter les ordres de votre cerveau à qui vous avez laissé le temps d'apprendre, tandis que vous méditez dans une attitude contemplative, disponible, imaginative, libérée des peurs et des tensions, et ouverte au plaisir ressenti grâce à cette lenteur en réalité toute relative.

Dans ces conditions, pratiquer sera un plaisir, et y retourner, une urgence!

Ma propre expérience sur du Bach

Pour travailler comme ceci trois préludes et fugues de Bach, il m'a fallu environ deux heures par tranche de tempo. En partant de quarante cinq bpm et en incrémentant de cinq bpm à chaque reprise de l'ensemble, j'ai casé quatre passages de l'intégrale dans la journée, de quarante cinq à soixante cinq à la croche, soit environ huit heures de pratique sans fatigue!

Je recherchais la perfection, l'égalité absolue des attaques, et la possibilité de me concentrer ultérieurement sur l'interprétation uniquement, sans penser du tout aux notes du texte. Ces dernières devant être entièrement " automatisées ".

Le résultat au bout d'une dizaine de jours a été phénoménal! Je me suis mis à jouer à grande vitesse les trois préludes et fugues. Tout coulait de source, égal, sans aucune fausse note, avec une maîtrise intégrale de tous les paramètres. Je voyais mes doigts jouer à toute vitesse, mais cette fois-ci, ma pensée était totalement disponible et allait lentement, calmement, et ça m'a fait éclater de rire tout en jouant...la dernière fugue du clavecin bien tempéré avec ses trilles redoutables!

A partir de ce stade, j'ai pu me consacrer totalement à l'interprétation, et là, je me suis bien régalé!

Tout ceci vous paraît incroyable? alors testez sur une dizaine de jours ce remède de cheval sur quelques pages difficiles qui résistent, ou bien sur une grille d'impro particulièrement rébarbative, ou toute autre pratique sportive, artistique ou autre.

Après tout, qu'est-ce que dix jours à l'échelle d'une vie de pratique laborieuse?

Mode d'emploi, posologie :

* Mettre le métronome à quarante cinq sur les demi-temps ou sur les temps faibles (les deuxièmes croches ou les temps deux et quatre) ou bien sur tous les temps au choix.

* Jouer ces pages ou improviser sur cette grille (ou sur quatre ou huit mesures en boucle uniquement, au choix) en se concentrant sur la perfection des notes, du son et des mises en place, les placements, la décontraction, la fluidité etc... travailler l'anticipation! Entrer gentiment dans cet univers d'extrême lenteur, dans cette méditation inhabituelle.

* Repérer immédiatement les passages qui ne fonctionnent pas et les refaire plusieurs fois à ce tempo très lent jusqu'à ce que la fluidité soit ressentie et qu'une lecture intégrale soit faite sans aucune faute à ce tempo.

* Une fois que le tout est joué sans faute à ce tempo, valider et augmenter la vitesse de cinq points sur le métronome

* Recommencer encore et encore jusqu'à parvenir à un tempo médium lent (env. soixante dix bpm peut-être?). Surtout, ne pas aller au-delà.

* Refaire pareil en repartant à quarante cinq bpm le lendemain et le sur lendemain pendant une semaine à dix jours tous les jours sans jamais jouer au tempo rapide pour ne pas détruire ce qui se fabrique en " enregistrant " des défauts à notre insu.

Au bout de dix jours, après une pause d'une journée ou deux, jouer pour la première fois dans un tempo rapide, voire ultra rapide, le résultat sera étonnant!

Stages à venir :

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Eloge de la lenteur ou comment travailler l'instrument

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Il y a des moments dans la vie d'un instrumentiste où rien n'y fait, ça résiste, on ne trouve pas la solution pour progresser et parvenir à un résultat convenable. Parfois même, la motivation en fait les frais. Alors comment faire et quelle méthode de travail adopter?

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Parce que le talent c'est juste le début

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Parce que le talent c'est juste le début

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Une mine de conseils, de réflexions et encouragements toujours bienveillants et pour tous les niveaux

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Une mine de conseils, de réflexions et encouragements toujours bienveillants et pour tous les niveaux

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Apprendre à jouer du piano - Comment pratiquer le piano concrètement et avec plaisir aujourd'hui

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"Un plan de répétition redoutable d'efficacité" 

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"Un plan de répétition redoutable d'efficacité" 

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Rien ne remplace un professeur qui s'adapte à l'élève mais beaucoup de choses peuvent aussi être apprises en ligne

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Élève, parent de musicien, enseignant, le numérique peut être votre meilleur ami pour avancer dans l'apprentissage de la musique. Le tout est de bien sélectionner l'outil qui vous correspond le mieux. Applis, jeux ou tutoriels, voici notre sélection.

Matt Cardy, © Getty

Ce n'est plus un secret pour personne : les portables, tablettes et autres écrans ont investi les salles de classe et les pupitres des musiciens. Au lieu de lutter contre un joueur de jeux vidéo clandestin pendant le cours de formation musicale ou pour motiver un débutant réticent à la dictée, apprenez à apprivoiser la bête. Faites votre tri entre les jeux en ligne, applications et tutoriels et faites-en votre meilleur allié dans votre salle de classe ou à la maison, en fonction de vos besoins et de vos intérêts. Notre sélection (non exhaustive) propose dix outils numériques (disponibles en français) qui ont éveillé notre curiosité.

1. Note Rush

Réviser les notes tout en s'amusant ? L'application Note Rush peut être une solution. Disponible sur iOS et Android, elle est destinée aux élèves débutants ou intermédiaires. Le principe est simple : il faut reconnaître un maximum de notes qui défilent sur l'écran en un temps limité, en les chantant ou en les jouant sur l'instrument. Comme dans l'univers des jeux vidéo simples, le graphisme est adapté pour les enfants - coccinelles, ballons de foot ou planètes représentent les notes en clés de sol ou de fa. Comme dans les jeux vidéo, le joueur gagne des étoiles en répondant correctement. Elle peut être utilisée pour le travail à la maison ou pour compléter vos cours de formation musicale ou d'instrument.

Coût : 4,99 euros

2. Music Crab

Beau projet que cette application disponible à la fois sur itunes et Google Play. Eric Zorgniotti, professeur de formation musicale et concepteur du jeu, voulait rendre l'apprentissage du solfège accessible à tous. Tout est donc entièrement gratuit : " Au lieu de lutter contre les téléphones portables en classe, j'ai décidé d'en faire un outil de travail ", explique-t-il. L'univers marin dans lequel évolue le petit crabe est attractif pour les plus jeunes et leur permet de s'entraîner à repérer et à placer les notes dans différentes clés. L'apprenti-musicien avance progressivement sur dix niveaux proposés. Accessible dès le plus jeune âge.

Coût : gratuit

3. Meludia

Meludia, c'est l'histoire d'une application - française ! - devenue un phénomène, plébiscité par les enseignants et les amateurs, jusqu'à devenir l'outil d'initiation à la musique proposé gratuitement par les gouvernements estonien et maltais à tous leurs citoyens. Un apprentissage qui repose sur " les mêmes principes que l'apprentissage de la langue maternelle ", selon son concepteur Bastien Sannac. Adaptée à tous les niveaux, débutant ou avancé, Meludia part de la perception et de l'écoute avant d'introduire les notions de solfège. Au-delà d'un simple outil, c'est une vraie méthode d'enseignement de la musique. Le graphisme est abstrait et épuré et la manipulation des différents modules est simple d'accès. L'accès est payant, précédé par une évaluation gratuite pour déterminer votre niveau.

Coût : 4,99 euros par mois garantissent l'accès à 600 exercices pendant un an. Possibilité d'acquérir une licence groupée pour les professeurs de musique

4. EarMaster

Disponible en téléchargement sur PC, MAC ou iPad, EarMaster est disponible en version française et destinée notamment aux adultes ou grands ados, de niveaux intermédiaire ou avancé. Les exercices comprennent l'écoute d'intervalles, d'accords, de gammes et de modules rythmiques avec la correction immédiate. Le graphisme est clair et simple, et le petit plus est l'interactivité : certains exercices peuvent être joués ou chantés.

Coût : environ 60 €

5. imusic-school

Apprendre à jouer d'un instrument en suivant le tutoriel en ligne, c'est ce que propose l' imusic-school, " première école de musique en ligne " qui touche plutôt un public d'adolescents ou adultes. L'idée est de suivre des cours en ligne présentés par des musiciens confirmés et de progresser étape par étape en suivant les tutoriels. Une grande variété de styles, d'instruments et des cours tout niveau sont proposés contre un abonnement. L'accent est mis sur l'instrument, mais le site propose également les bases de solfège et d'harmonie. L'interactivité est assurée à travers des forums qui permettent à la fois d'échanger avec les professeurs et les autres étudiants. Disponible en ligne, sur Google Play et en version iOS.

Coût : différentes options de 9,90€ à 24,90€

6. Dictée musicale L'audition tonale

Et si vous remplaciez un professeur par votre ordinateur pour vous entraîner en dictées ? Le site Dictée musicale - L'audition tonale du CCDMD, éditeur québécois de ressources pédagogiques numériques, est le royaume de la dictée pour le musicien. Mélodique, harmonique ou rythmique, la dictée sera à votre portée en quelques clics, comme si vous étiez devant votre professeur particulier. Les exemples sont à télécharger en mp3, en entier et séquencés, et vous pouvez vous auto-corriger grâce aux corrections, elles aussi disponibles en ligne. Les exemples sont très progressifs et permettent un travail solide de l'oreille musicale. Par contre, il est indispensable d'être rompu à l'exercice, débutants et faux débutants s'abstenir.

Coût : gratuit

7. Musiclever

Destiné à un apprentissage progressif du solfège, Musiclever est à la fois très classique dans sa présentation et très complet. Il est ainsi possible d'accéder gratuitement au cours théoriques, très systématiques et déclinés en plusieurs chapitres : mélodie, rythme, harmonie et expressions. Chaque cours est suivi d'un quiz qui permet de réviser ses connaissances. Le site propose aussi toute une partie consacrée aux exercices, progressifs et adaptables à tous les niveaux de connaissances. Ce concept de grande anti-sèche du solfège est plutôt facile d'accès pour un public allant des grands débutants aux professionnels qui veulent réviser leurs classiques.

Coût : gratuit sur inscription

8. Pianofacile

Un site qui a une approche intéressante : Pianofacile est une méthode d'initiation au piano en ligne destinée aux grands débutants qui donne à la fois des bases théoriques et pratiques mais de façon globale, en abordant la pratique d'abord. Malgré la gratuité annoncée, seule une partie des leçons sur le site est en accès libre, environ un exercice sur deux est réservé aux membres, donc payant, ainsi que tous les contenus supplémentaires du site. Même si l'apprentissage d'un instrument reste, selon nous, incomplet sans l'accompagnement d'un professeur, Pianofacile constitue une bonne base qui, contrairement à ce que promet le site, ne rend pas la maîtrise du piano plus rapide ni plus facile. Mais de toute façon, l'enjeu de l'exercice n'est pas là.

Coût : 14,90 euros + 15 euros le livre

9. Unizic

Un professeur particulier virtuel à votre domicile ? C'est ce que propose Unizic, déclinaison virtuelle de l'ICM, qui propose depuis 25 ans des cours de musique à domicile. Le principe reste le même : débutant ou avancé, c'est vous qui choisissez votre professeur avec qui vous vous engagez sur un pack de cours qui vous seront dispensés via Skype à votre convenance. Chaque élève dispose d'un espace personnel, qui lui permet de bénéficier des conseils de son professeur entre les cours. Unizic propose une grande variété d'instruments et de styles, en fonction du choix du professeur.

Coût : 25 euros, forfaits de 5 à 20 cours

10. ClappingMusicApp

En bonus, une curiosité qui travaille une notion essentielle dans la musique : le rythme, la pulsation. ClappingMusicApp est une application pour iOS développée autour de l'oeuvre éponyme et emblématique de Steve Reich. Elle est adaptée plutôt aux adolescents ou adultes, niveaux intermédiaire ou confirmé. L'enjeu est de pouvoir suivre les modules rythmiques qui défilent sur l'écran en franchissant différentes étapes de cette oeuvre envoûtante. Pour les anglophones, écoutez Steve Reich en parler en personne :

Coût : gratuit

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Apprendre la musique en ligne : que choisir ?

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Élève, parent de musicien, enseignant, le numérique peut être votre meilleur ami pour avancer dans l'apprentissage de la musique. Le tout est de bien sélectionner l'outil qui vous correspond le mieux. Applis, jeux ou tutoriels, voici notre sélection.

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Partitions à jouer avec votre professeur, avec un pianiste de votre entourage, ou avec les accompagnements enregistrés sur les vidéos ci dessous

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Cours d'impro toute simple par Ibrahim Malouf

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Cours d'impro toute simple par Ibrahim Malouf

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Présentation du Challenge des 40 par Dorothée HUREL.

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Présentation du Challenge des 40 par Dorothée HUREL.

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40
Bonjour à vous.
A la demande de Sylvie 
(j'avoue que je n'aurais jamais eu l'idée de faire ça ! Merci Sylvie !), 
j'ai enregistré une vidéo de quelques minutes à propos du challenge des 40 pièces...

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Improvisation sur les feuilles d'automne

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Improvisation sur les feuilles d'automne

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Masterclass Autumn Leaves - Thomas Enhco - Pianiste n°112

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Mozart Alla Turca Jazz by AyseDeniz arr. Fazil Say | @ADPianist

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Partitions à jouer avec votre professeur, avec un pianiste de votre entourage, ou avec les accompagnements enregistrés sur les vidéos ci dessous

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Blind test musiques pour piano

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Blind test - Musique classique - Episode 2 : piano

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Présentation des style de 10 grands compositeurs pour piano

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Happy Birthday in the Styles of 10 Classical Composers (COMPILATION)

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Happy Birthday, by Beethoven? Bach? Mozart? - Nicole Pesce on piano