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👁⚠️ PSICOLOGÍA de la FORMA en el DISEÑO GRÁFICO

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CURSO DISEÑO GRÁFICO FUNDAMENTOS Y TÉCNICAS

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CURSO DISEÑO GRÁFICO FUNDAMENTOS Y TÉCNICAS

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Modos de color

Modo de color RGB también llamado modo de colores luz o colores aditivos porque cuanta más luz usemos, más nos aproximamos al blanco, y cuanto menos luz usemos más nos aproximamos al negro. Este modo de color funciona con tres colores, R (rojo), G (verde) y B (azul). El modo de color RGB es el modo de color para visualizar de forma digital.

Modo de color CMYK, es el modo de color para impresión que en diceño sr llama Offset. Este modo de color es llamado también como cplors pigmento o colores sustrativs y está formado por cuatro colores C  (cian), M (magenta), Y (amarillo) y (negro).

Los pantones:

Pantone 1963 crearon el primer sistema de identificación cromática para trabajos de impresión. Para impresión se utilizan dos pantonera CMYK Coated (que se utiliza cuando el papel de impresión tiene tratamiento plástico, es estucado) y CMYK Uncoated (se utiliza para la impresión en un papel normal, sin tratamiento plástico
PAL para acrílico, acetato,

Tabla de Karl Borggrafe:

Tabla de colores que genera la mejor visibilidad de la tipografía. (ampliar)

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Psicología del color:

Jureni castillo

El blanco no es un color, es la máxima luminosidad y se utiliza mucho como recurso porque da espacio, claridad y limpieza. Se utiliza de fondo, como color subordinado color del minimalismo, representa el bien, lo positivo, la maternidad,

El amarillo estimula la actividad mental se utiliza para incidir, generar llamadas de atencon. Es el color del sol, se traduce en optimismo, alegría, felicidad. Una variante es el dorado que es una mezcla de más luz y de marrón y está relacionado con la riqueza, el color del oro, la fama, el lujo, la idea de una supuesta felicidad comprada, el estatus.

Naranja, es energico como el rojo pero alegre como el amarillo. Es uno de los colores cálidos por antonomasia que conecta con la juventud. Transmite entusiasmo, creatividad, éxito, euforia, hambre, ….. Se utiliza mucho en anuncios destinados a un público joven

Rojo, color más atrayente que impulsa a la acción y es vigorizante (se pone en acción nuestro organismo al verlo. Capta la atención rápidamente y ejerce un gran impacto emocional. Es muy visceral. Transmite pasión carnal, peligro, amor, acción.

Azul, al ser el color del cielo y del mar es el que más reduce la presión sanguínea cuando lo observamos. Es un color relajante que transmite serenidad, seguridad, confianza, lealtad, sabiduría, inteligencia, frescura, paciencia. En tonos más claros se asocia al público infantil y en tonos más oscuros se asocia al hombre en cuanto elegancia, éxito, etc.

Verde, color asociado a la naturaleza, ecología, lo sano. Es el que más relaja, transmite fertilidad, renovación, crecimiento, abundancia, tranquilidad. Siempre funciona en cualquier diseño.

Rosa representa sentimientos positivos y románticos, se relaciona con la inocencia, femenina, niñez. En publicidad se usa mucho para productos de mujeres jóvenes o niñas.

Morado o púrpura, que se encuentra a medio camino entre la estabilidad del azul y la energía del rojo. Simboliza el poder, la nobleza , el lujo, la creatividad, la ciencia ficción, la magia, el misterio, el empoderamiento de la mujer.

Marrón color que representa la madera y la tierra. Transmite simplicidad y calidez y está relacionado con la masculinidad en lo tradicional y añejo. Es un color muy utilizado para inspirar confort y seguridad

Negro no es un color, es la ausencia total de luz y se asocia a la elegancia, sotisficación, buen gusto y se utiliza mucho con el blanco y el gria para combinar.

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✅ En este artículo conocerás un poco más cómo aplicar la creatividad al diseño y el emprendimiento. Pero si quieres saber mucho más, no te pierdas los retos formativos de Diseño Social EN+

La creatividad, denominada también inventiva, pensamiento original, imaginación constructiva, pensamiento divergente... es la generación de nuevas ideas o conceptos, o de nuevas asociaciones entre ideas y conceptos conocidos, que habitualmente producen soluciones originales.

Coincidiendo con esta definición, la creatividad debería ser algo que deberíamos aplicar a nuestra vida en general y en concreto a cada diseño o plan de comunicación que realicemos.

Hoy veremos la creatividad aplicada a la creación gráfica y para analizarla, usaremos el más significativo de todos ellos: el logotipo. Un logotipo es la base de una idea, su imagen al exterior y la primera que queremos transmitir.

Diseñar logos no es un trabajo sencillo, es todo un proceso creativo que no tiene formulas cerradas en su realización pero es importante tener varios aspectos en cuenta a la hora de hacer uno.

Conceptos básicos de diseño y pensamiento creativo:

Busca siempre la simplicidad.

Elegir el color adecuado es fundamental.

Otro elemento básico a tener en cuenta en este tipo de diseño es la tipografía, nunca debe haber más de dos.

Deben tenerse también en cuenta los posibles problemas técnicos que provoquen dificultades a la hora de imprimir nuestro logotipo en un soporte como por ejemplo en nuestras tarjetas de visita o en dos tintas.

Necesitamos un logotipo creado en un programa vectorial que se basa en métodos matemáticos y no en píxeles para que no tengamos problemas con el pixelado o la definición de los bordes en impresiones de gran tamaño.

No utilizar imágenes fotográficas en nuestro logotipo.

La sencillez es la clave del diseño de un logotipo.

our creative process/. 01 from MINDCASTLE on Vimeo.

Los mejores ejemplos de logotipos pueden servirte para hacerte una idea de los conceptos básicos a tener en cuenta a la hora de hacer tu propia creación pero hemos optado por mostrare algunos diseños de logotipos ficticios pero que destacan por su creatividad. Son logos que están creados para la inspiración de todos vosotros, para que si llega el momento de crear uno tengamos claro que hay que innovar y que debemos apostar por la creatividad frente a la copia de recursos.

Veamos este TOP 5 seleccionado por Topik de los más sencillos a los más complejos:

Ejemplo: Combinar letras para crear una nueva y única que te identifique

Ejemplo: Mezclar letras con un símbolo sencillo:
M + A + MONTAÑA M + NUBE (IMAGINACIÓN) + D (DISEÑO) FUEGO + AGUA + S
Ejemplo: Letras + un dibujo complejo ¡No hay problema!
INTEGRANDO LO DISTINTO SIMPLIFICANDO LO COMPLEJO
Ejemplo: ¿Y no es un símbolo? ¿Y si es una imagen? ¡No insistas, no hay límites creativos!
B + BEBIDA B + GAVIOTA

¿Cuál es el mejor logo que has visto nunca? ¡Házmelo saber en tus comentarios!

Conoce las fases del proceso creativo

Para diseñar logotipos o cualquier otra necesidad gráfica, es importante entrenar la creatividad para poder desarrollar un proceso de entendimiento del proyecto. Es el llamado proceso creativo ( briefing). En este proceso debemos especificar:

qué necesitas tú o el cliente (si trabajas como diseñador para otra persona.

los contenidos que ha de tener el diseño

el target o público objetivo,

soportes analógicos o digitales en los que aparecerá,

investigación de la competencia directa e indirecta

y por supuesto, cuándo será lanzado al público.

Existen muchos esquemas de fases del diseño y pensamiento de diseño para ayudarnos desarrollar y ordenar nuestras ideas creativas de forma efectiva. Veamos algunos ejemplos las fases creativas más habituales según las principales teorías:

Fases del proceso creativo antes de diseñar:

Ejemplo de la fase lógica de Arthur Koeter y fase de incubación de Wallas

Tras recopilar toda la información necesaria que hemos detallado antes, debes plantear ideas rápidas, por medio de bocetos o simplemente apuntándolas.

Ideas previas al briefing: serán de gran inspiración pero ¡cuidado! no debes enamorarte de ellas. Quedar anclado en la primera idea es un error peligroso ya que tendemos a justificar el desarrollo del briefing para intentar encajarlo en ella.

Limpia tu mente: para poder genera buenas ideas debemos limpiar nuestra mente de ideas precondebidas, juicios de valor, soluciones estandarizadas... de lo contrario, nuestro diseño será simplemente la copia mala de un proceso creativo que sí fue bueno.

No te canses de bocetar: aunque creas tener más o menos perfilada la idea, no escatimes tiempo en crear bocetos divergentes. Uno tras otro sin límites creativos. Dedícale un tiempo prudencial a esta tarea y no te detengas cuando creas haber encontrado la solución adecuada. Quizás un boceto mejor te esté esperando unos minutos después.

Creatividad colectiva y multidisciplinar: busca la inspiración en tus grupos creativos de confianza pero también, en otras expresiones creativas y artísticas alejadas de tu estilo y tu disciplina. A veces, el color adecuado nos llega escuchando la canción adecuada.

Fase intuitiva de Arthur Koeter y fase de Incubación de Wallas:

No elijas una única solución, para una nueva incubación de la solución debes elegir varias de las mejores opciones y compararlas. Estudia lo que más y menos te gusta de cada una de ellas. Después, intenta hacer este mismo juicio de valor desde distintas perspectivas. Necesitas mucho trabajo para que en el momento adecuado, surja la inspiración o ese momento eureka en el que realmente sientes que has dado con la clave. Wallas nos invita a abrirnos a la sensación de iluminación que nos inunda cuando llegamos a ella.
¿Qué hacer cuando no surgen buenas ideas?
Siempre surgen ideas, y en su defecto, podemos usar técnicas de creatividad como la popular lluvia de ideas ( brainstorming). Lo más complicado es contar con buenas ideas. Para que esto suceda, al igual que un deportista debe mantener su cuerpo entrenado, un creativo debe mantener su mente creativa entrenada e inspirada. De nada sirve "esforzarse" durante ese momento de creación si previamente no hemos trabajado esa creatividad (de pensamiento y emocional).

Fase de verificación de Wallas y crítica de Arthur Koeter:

Una cosa es la teoría y otra bien distinta es la puesta en práctica. Debemos analizar si realmente la idea cumple la función para la que fue creada, revisando de nuevo el briefing y viendo que cumple todas las premisas necesarias.

Fase Elaboración de Arthur Koeter:

Antes de mostrarlo al cliente, si tienes posibilidad de mostrarlo a compañeros de confianza, hazlo. Busca opiniones sinceras y válidas, es decir, formadas. Quizás te ayuden a descubrir algo que habías pasado por alto y debas regresar a la fase intuitiva o de incubación hasta que consigas el resultado necesario.

Mitos del proceso creativo

Para alcanzar nuestro potencial creativo, necesitamos cambiar nuestra percepción de la creatividad. ¿Eres una persona creativa? ¿O dejas toda esa innovación a la gente más artista, mientras tú haces el trabajo real? Si piensas en estos términos ya has caído en uno de los mitos de la creatividad. La verdad es que todos podemos ser creativos. Todos tenemos esa habilidad decidimos usarla. Y muchas muchas veces, la necesitaremos.

Libros como Los mitos de la creatividad desacreditan nuestros conceptos erróneos comunes sobre cómo funciona la creatividad y nos proporcionan conocimientos prácticos y valiosos consejos sobre cómo generar nuevas ideas y dejarlas prosperar. El mito de que solo algunos pueden ser creativos es uno de muchos. ¿Otros mitos? La creatividad es el producto del genio solitario, que se desboca en su pequeño espacio de trabajo. O la innovación surge como una chispa de genialidad. O que la lluvia de ideas es la mejor manera de crear muchas ideas rápidamente. ¿En cuántos de estos crees?

En este reto formativo te mostraremos una perspectiva alternativa y le ayudarán a ver lo que se puede hacer para crear ideas innovadoras que cambien el mundo.

Todos estamos familiarizados con cómo Isaac Newton descubrió la gravedad. Un día, mientras estaba sentado debajo de un árbol, una manzana le cayó encima, lo que provocó que se diera cuenta del fenómeno. Sin embargo, este cuento es un gran ejemplo de un mito común de que la creatividad proviene de la inspiración divina inesperada. Aunque la mayoría de nosotros acepta este mito, está mal. La creatividad no nos cae de la nada.

Hemos tomado este ejemplo porque el descubrimiento de Newton de la gravedad no es exactamente como se cuenta pero la historia real detrás de él nos puede ser de gran ayuda. Lo que sucedió es que observó la caída de la manzana mientras estaba con otra persona, lo que provocó una discusión científica entre ellos. Su discusión implicó revisar lo que ya entendían en términos del fenómeno de la gravedad. Por lo tanto, no es la historia de cómo Newton fue el receptor de una revelación repentina y una verdad absoluta; la idea surgió de la interacción entre dos mentes inteligentes debatiendo opiniones opuestas. Fue solo después de años de intensa investigación que Newton pudo finalmente presentar su fórmula matemática sobre la gravedad.

El psicólogo Mihaly Csikszentmihalyi descubrió que el conocimiento es solo un paso central de una serie de pasos antes de que una idea se haga realidad.Las ideas solo pueden surgir después de que se haya preparado una base y se haya dejado germinar por un tiempo.

Para aprovechar al máximo el proceso, muchas personas altamente creativas como Leonardo da Vinci y Edison tenían varios proyectos en marcha simultáneamente. Esto permitió que todas sus ideas tuvieran el tiempo necesario para desarrollarse y madurar mientras sus creadores trabajaban también en otro tipo de proyectos.

Analicemos el mito: ¿Por qué creemos que unas personas son más creativas que otras? Tendemos a creer que ciertas personas son creativas por naturaleza, ya sea porque recibieron el don de la creatividad que les fue otorgado divinamente o porque está en sus genes. Pero es falso. De hecho, la investigación científica ha demostrado que la creatividad no la deciden nuestros genes.

Mientras los científicos continúan examinando el cerebro de Einstein, todavía no hay pruebas de que su inteligencia se deba a una estructura cerebral genéticamente excepcional. Sorprendentemente, incluso se descubrió que su cerebro era bastante pequeño.

Echemos un vistazo más de cerca a la influencia genética con el estudio del psicólogo Marvin Reznikoff sobre la creatividad de los gemelos. Los gemelos se dividieron en dos grupos; con código genético diferente (también llamados gemelos fraternos o mellizos) y código genético compartido.

Si los genes fueran la clave de la creatividad, habría una mayor similitud en la creatividad entre gemelos idénticos que entre gemelos fraternos (mellizos), pero este no fue el caso. La diferencia creativa entre los pares de gemelos siguió siendo la misma para los gemelos fraternos e idénticos.

Desafortunadamente, a pesar de esta investigación, muchas organizaciones continúan actuando de manera diferente hacia los empleados creativos y no creativos y las autoridades gubernamentales en los Estados Unidos diferencian entre profesiones creativas y no creativas, lo que provoca diferencias en la legislación laboral.

El problema es que excluir a aquellos en roles "no creativos" del proceso de innovación restringe la innovación. Y también la innovación social. Sin embargo, sabemos que las empresas que se han opuesto a esta tradición y permiten que cualquiera participe en el proceso creativo cosechan grandes beneficios.

Encender el proceso creativo

¿Cuál es una mejor manera de fomentar un alto grado de innovación y creatividad? La respuesta es una estructura organizativa democrática. Asignar una tarea creativa a alguien y esperar que produzca algo de inmediato es completamente irreal. De hecho, a menudo ocurre lo contrario. Contrariamente a lo que algunos puedan pensar, el proceso creativo depende en parte de una concesión para la dilación y la distracción mental.

Tomarte tu tiempo y trabajar en las tareas preferidas puede encender el proceso creativo.

La creatividad se mejora a través de un entorno social beneficioso

¿Qué es exactamente lo que nos impulsa a ser creativos? Uno de los catalizadores más importantes es el tipo de red social con la que interactúa. Un consejo valioso en términos de personas con las que te rodeas es mirar más allá de tu lugar de trabajo inmediato para estimular tu potencial creativo.

A menudo, consideramos la innovación como el resultado de una mente que se concentra durante mucho tiempo en una idea. Sin embargo, esta estrategia rara vez tiene éxito. La innovación a menudo proviene de muchas mentes que colaboran e influyen entre sí. Por lo tanto, para encontrar las mejores oportunidades para innovar, debe interesarse por lo que hacen los demás.

Claramente podemos beneficiarnos de la interacción con otra persona, pero aún mejor para fomentar la creatividad es trabajar con equipos diversos.

De hecho, cuando miramos hacia atrás a muchos genios famosos, vemos que se guiaron al trabajar con otros. Thomas Edison, por ejemplo, trabajó con un equipo diverso de diversas disciplinas, como físicos, ingenieros y maquinistas que se autodenominaban "los muckers". Fue este equipo el que unió fuerzas e ideó algunos de los inventos más conocidos de Edison, incluida la bombilla.

Olvídate de lo que sabes sobre creatividad. Ya no hay excusas para no ser creativo. Todo el mundo es creativo.

La creatividad depende de la capacidad de conectar

Acabamos de ver lo valioso que es ampliar su red social para la creatividad. Pero la capacidad de ser creativo no se limita a compartir ideas con los demás. También necesitamos suministrar y estimular nuestras propias mentes con aportes de una variedad de áreas.

La creatividad depende de la capacidad de conectar diferentes tipos de conocimientos en el cerebro.

Cuantas más ideas preexistentes conozcamos, más oportunidades tendremos de combinarlas y producir ideas aún más innovadoras. A menudo es necesario obtener conocimientos a partir de ideas preexistentes, pero la creatividad también depende de las conexiones físicas dentro de nuestro cerebro.

¿Recuerda que el cerebro de Einstein no era tan especial como pensábamos? Esto es cierto en el sentido de que no había mostrado anomalías genéticas. Aún así, los neurocientíficos han descubierto que los cerebros de personas excepcionalmente creativas pueden conectar mejor las ideas almacenadas en la materia gris, el tejido cerebral que almacena lo que pensamos. La materia blanca es el tejido de conexión responsable de transportar los pulsos eléctricos. Por lo tanto, las personas excepcionalmente creativas tienen más materia blanca que otras, lo que les permite combinar ideas de una manera más creativa. Sin embargo, esto no está relacionado con los genes o con ganar algún tipo de lotería genética; la materia blanca es como la musculatura, crece cuanto más la usamos.

Cuando el innovador se ve limitado

Al buscar nuevas ideas, muchas empresas son víctimas del mito de la lluvia de ideas. Están convencidos de que la mejor manera de generar nuevas ideas es juntar a un gran grupo de personas en una habitación y decirles que aporten tantas ideas como se les ocurra. Sin embargo, contrariamente a la creencia popular, este mito no funciona tan bien. Por supuesto, a menudo se proponen varias ideas novedosas, pero muchas de ellas son inútiles.

La mejor manera de generar ideas rápidamente es imponer restricciones al proceso. En lugar de saltar sobre lo primero que se te ocurra, identifica el problema y luego investigua algunos conocimientos previos. Luego, después de pensar en algunas ideas, puede comenzar a combinarlas y desarrollarlas.

Este método ayudará a que surjan ideas novedosas, útiles y bien pensadas

Las restricciones también pueden mejorar la creatividad cuando se aplican a los recursos. A menudo afirmamos que si tan solo tuviéramos todo el dinero y el tiempo que necesitamos, podríamos lograr los increíbles resultados innovadores que buscamos. Sin embargo, es cierto todo lo contrario. Restringir nuestros recursos nos obliga a pensar fuera de la caja.

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5 de los mejores ejemplos de proceso creativo para entender los porqués de un logotipo

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✅ En este artículo conocerás un poco más cómo aplicar la creatividad al diseño y el emprendimiento. Pero si quieres saber mucho más, no te pierdas los retos formativos de Diseño Social EN+ La creatividad, denominada también inventiva, pensamiento original, imaginación constructiva, pensamiento divergente...

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Todos los colores que existen están formados por los colores primarios (son los únicos que no se crean combinando otros colores), combinando esos colores primarios se obtienen los secundarios

Círculo cromático es la representación de todos los colores.

Para obtener contraste se utilizan los colores complementarios, aquellos que se encuentran en los lados opuestos del círculo cromático. Colores análogos son aquellos colores próximos al color opuesto.

Colores cálidos tienen en su mezcla una mayor cantidad de rojo y los fríos de azul. En diseño se utilizan con mayor cantidad los colores fríos en el fondo de la imagen, y los cálidos se utilizan para crear impacto o llamar la atención en menor cantidad.

Cuando se quiere aplicar jerarquía visual con el color se utiliza la triada del color (tres colores), uno llamado color dominante que es el que predomina y más llama la atención, un segundo color llamado subordinado que complementa y da contraste al dominante (normalmente es un color neutro como el blanco) y por último el color de énfasis que es el encargado de focalizar la atención sobre un determinado detalle utilizandose en muy poca proporción (normalmente rojo o amarillos). El nombre de cada color es un código hexadecimal.

Aplicaciones de paletas de colores a las que acuden los diseñadores:
Paletton: buscar información
Color hunter: buscar información
Colormind: buscar información
Adobe color: buscar información

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Principios de Diseño Gráfico / Jerarquía Visual / Vol.1

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Psicología del color en diseño gráfico ¿Qué evocan y transmiten los colores? / Marco Creativo

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La ortotipografía es la parte de la ortografía técnica que se ocupa del estudio y aplicación de los principios tipográficos de estéticas, funcionalidad, legibilidad y eficacia comunicativa.
CONSEJOS Y RECOMENDACIONES
1.- REGLA DE ORO: Combina una fuente serif con una sans serif. No usar más de tres fuentes.

2.- No abusar del uso excesivo de las mayúsculas.

3.- Legibilidad (KARL BORGGRAFE).

4.- No utilizar mayúsculas dentro de un texto para resaltar una palabra (usar cursivas o versalitas).

5.- Las ligaduras hacen más legibles los textos.

6.- Usar las comillas para las citas.

7.- En las enumeraciones usar puntos.

8.- Cuando se hace uso de la alineación justificada se debe evitar los huecos/espacios exagerados que quedan entre las palabras. Se recomienda alineación izquierda que hace los textos más legibles. No abuses de la alineación centrada.

9.- Uso correcto de la ortotipografía.

10.- Prohibido usar la fuente comic sans.

¿Qué es el tracking?
Proceso de creación de expandir o comprimir un bloque de texto(el espaciado del texto)
¿Qué es el kerning?
Es el proceso de añadir o eliminar espacio entre pares de caracteres.

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Familias tipográficas
Dentro de cada familia tipográfica existen unas subfamilias tipográfica y una familia es un grupo de fuentes que han sido diseñadas a partir de un diseño grafico básico o estándar y que connota unos determinado valores y características.
-Fuentes serif
Indicadas para largos párrafos de texto por su legibilidad, evocan al clasicismo, la tradición, el refinamiento, delicadeza.
Romana:
Se caracterizan por los siguientes detalles:
-Son letras que tienen serif
-Los trazos son variables: ascendentes finos y descendientes gruesos.
-La dirección del eje de engrosamiento es oblicua
-El espaciado de las letras es especialmente amplio
En este grupo podemos incluir:
Garamond, Caslon, trajan
Romana Moderna:
Se caracterizan por los siguientes rasgos:
-Tienen serif
-El serif se relaciona angularmente con el bastón de la letra
-La serif es lineal
La dirección del eje de engrosamiento es horizontal
Incluiríamos dentro de este grupo la tipografía: Bauer bodoni, Didi.
Egipcia:
Se definen por las siguientes características:
-Tienen serif.
-El serif es tan grueso como los bastones, esta es la principal característica que la identifica.
Podemos incluir en este grupo:
Lubalin Graph, Robotik, Cooper Black.
-Sans Serif
Transmite dinamismo, modernidad, limpieza, precisión, ideal para cartelería.
Se caracterizan por los siguientes rasgos
-Ausencia de serif.
-La letra presenta el mismo grosor en todo su trazo.
-Presentan una gran variedad de pesos desde el ligero al black.
-Las mayúsculas son el regreso de antiguas formas griegas y fenicias.
Podemos incluir en este grupo: Verdana, Franklin Gotic, Gill Sans.
-Rotuladas o script
Son fuentes que transmiten creatividad, elegancia, afecto y seducción. Son
apropiadas para títulos y firmas y al no ser muy legibles no es recomendable
usarla en textos largos.
Está formada por las fuentes caligráficas o escritas a mano. Imitan el estilo caligráfico tradicional.
Podemos incluir en este grupo: American Uncial, Comercial Script, Canselleresca.
-Decorativas
Este tipo de fuentes, se usan fundamentalmente para aportar personalidad. Son fuentes divertidas y casuales que suelen transmitir la sensación de ser únicas y exclusivas.
Estas fuentes no fueron concebidas como tipos de texto, sino para un uso esporádico y aislado de forma decorativa, rotulación de carteles o reclamos.

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Proceso Creativo Del Diseño Grafico   Fundamentaciones del Diseño

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Eres creativo, lo sepas o no. Duncan Wardle, exdirector de creatividad de Disney

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La palabra tipografía surge de dos vocablos griegos <<tipo>> que significa huella
Y podemos definirla como el arte y la técnica en el manejo y selección de fuentes para crear trabajos de impresión en papel o digital. También se ocupa del estudio o clasificación de las distintas fuentes.

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La psicología de la forma se relaciona directamente con lo demostrado bajo la teoría de la Gestalt . Ambas disciplinas estudiaron las formas y cómo incidían directamente sobre la percepción humana.

Combinando las formas con otros elementos visuales que formen parte de nuestra composición podemos ayudar a reflejar más claramente un mensaje. Y es que la mente humana puede llegar a ser algo impredecible y la percepción cuenta con un papel protagonista en el éxito de una composición visual.

Por eso es importante que en diseño gráfico podamos echar mano de la psicología y este estudio de la percepción para lograr enfocar mejor nuestro mensaje. Al menos en un nivel muy básico.

En el artículo de hoy me gustaría profundizar sobre la psicología de las formas y cómo puede guiarnos a los diseñadores gráficos en todo el proceso creativo, creando una mejor experiencia de usuario.

Índice de contenido

¿Qué es la psicología de la forma?

La psicología de la forma es la disciplina que estudia la influencia que tienen las formas sobre las personas. Sugiere que a cada forma se le puede atribuir un conjunto de significados o conceptos, porque éstas tienen un impacto directo sobre nuestra conciencia y conducta.

Sabemos que es posible percibir y analizar cada elemento visual en términos de forma. Por ejemplo, el sol a menudo se interpreta como un círculo rodeado de líneas rectas que simbolizan al astro y a sus rayos solares. También sabemos que un triángulo puede simbolizar precaución, pero ¿sabrías decir por qué? ¿por qué no asociamos precaución con otra forma como el círculo o al cuadrado?

En ocasiones las personas no somos conscientes de las formas y las figuras que nos rodean, pero lo cierto es que las formas pueden llegar a tener un gran impacto en nuestra conciencia.

La psicología de la forma avala que cada forma cuenta un significado propio y pueden llegar a incidir en nuestras mentes de manera diferente. Incluso también existen algunas pruebas psicológicas que se ayudan de las formas para "definir la personalidad" o la condición mental de un individuo. Se cree que tu figura favorita o seleccionar una forma rápidamente podría informar sobre algunos rasgos profundos de tu personalidad.

Muchos años de investigación han acabado ayudando a profesionales a definir el significado que cada forma nos evoca y cómo puede influir la forma en la percepción humana.

Vamos a conocerlos un poco mejor.

Psicología de la forma y el significado de las figuras geométricas

Cuando te mencionan la palabra forma, la mayor parte de la gente pensará en las formas geométricas y no especialmente en las formas orgánicas. Recuerda que si quieres ampliar tu conocimiento sobre los diferentes elementos visuales de diseño gráfico, cuento con un artículo donde lo desarrollo al detalle: Los 7 elementos visuales claves del diseño gráfico .

Vamos a conocer un poco más acerca del significado que nos evoca cada figura geométrica según la psicología de la forma.

Cuadrado (y rectángulo)

El cuadrado y el rectángulo son dos de las formas que más vemos en nuestro día a día. Piensa en las paredes de tu casa, los muebles, libros, la pantalla de tu smartphone...

Las líneas y los ángulos rectos de los cuadrados producen una sensación de robustez que evoca fiabilidad y seguridad.

¿Tienes papel y lápiz a mano? Venga, tomate 30 segundos y dibuja sobre el papel un edificio antes de seguir leyendo.

¿Ya lo tienes? ¿Qué forma es la predominante en tu dibujo? Seguro que lo has dibujado con una forma rectangular. Se cree que además de por su forma también asociamos comúnmente los cuadrados con los edificios porque esta asociación contribuye a aportar un sentimiento de autoridad, fiabilidad y confianza.

Algunos significados comunes del cuadrado y las formas rectangulares serían: disciplina, fortaleza, solidez, orden, masculinidad, estabilidad, confianza, coraje, seguridad y fiabilidad.

Triángulo

El triángulo es una forma muy dinámica, fuerte y enérgica que se asocia con movimiento y dirección. También se le puede relacionar con la jerarquía o la divinidad. Dependiendo de la orientación del triángulo, sus líneas laterales pueden contribuir a desplazar nuestro ojo hacia la punta.

Y es que como el triángulo es una forma muy dinámica puede contar además con significados diferentes en función de cómo esté dispuesto. Por ejemplo, un triángulo en posición vertical puede evocarnos sentimientos de estabilidad y equilibrio. En cambio un triángulo invertido evocará riesgo y precaución, ya que nos dará la sensación de que está a punto de caer, causando una sensación de tensión.

Ahora ya puedes decir que sabes por qué el triángulo simboliza precaución.

Algunos significados comunes de las formas triangulares serían: emoción, poder, avance, vitalidad, crecimiento, dirección, riesgo, peligro y equilibrio.

Círculos (y elipses)

Como no cuenta con principio ni fin a la forma del círculo se le asocia con la eternidad. También se relaciona a esta forma con el sol, la luna, la tierra y el concepto de unidad.

Las formas ovaladas o redondas, al carecer de ángulos o picos evocan emociones más empáticas y cercanas. Son por tanto emocionalmente más positivas y menos frías que las rectangulares.

Algunos significados comunes de las formas ovaladas y los círculos serían: adaptabilidad, unidad, movimiento, globalidad, perfección, infinitud, protección, fiabilidad, eternidad y feminismo.

Líneas rectas

Aunque las líneas ayudan a delimitar formas, al agruparse también pueden contribuir a evocar algunos conceptos o emociones.

Por ejemplo, si las líneas están inclinadas evocarán movimiento, dinamismo, velocidad y una ligera sensación de fuerza o tensión.

Si las líneas se encuentran en posición horizontal evocarán tranquilidad, fiabilidad, confianza y una sensación de paz.

Las líneas se encuentran en posición vertical cuenta con una posición más enérgica que puede contribuir a llamar más la atención y a dominar la composición. Evocarán equilibrio, jerarquía o eficiencia.

Algunos significados comunes de las líneas rectas serían: unión, enlace, comunicación, relación, dinamismo y coordinación.

Espirales

La forma de las espirales está bastante presente en la naturaleza. Si recuerdas ya lo mencioné previamente cuando hablamos de la proporción áurea o la espiral de oro.

Por eso a la formas de las espirales se le asocia también con el crecimiento, la vida (nacimiento y muerte) o la evolución. En algunas culturas las espirales también pueden representar conocimiento.

Algunos significados comunes de las formas espirales serían: crecimiento, creatividad, continuidad, ilusión, calma, inteligencia, energía, vitalidad e imaginación.

Cruces

A las formas cruzadas o cruces se les asocia con el equilibrio, la esperanza y la divinidad. Pueden interpretarse también como un punto de cruce de energías. Se usan para sugerir vida y salud, unidad, esperanza, relaciones, equilibrio y espiritualidad.

Otras formas: orgánicas y abstractas

Formas orgánicas

Las formas orgánicas son las concebidas como formas naturales. Piensa en todas las formas creadas por la naturaleza, como la forma de una gota, de una hoja o de las flores.

Son formas que han servido de inspiración para artistas y diseñadores. Las formas naturales tienen claros significados de las plantas y animales que simbolizan. A menudo aportan una sensación de frescura y unidad con el entorno natural.

Los animales y las plantas también contar con sus propios significados si los utilizamos como símbolos claro. Por ejemplo, una rosa puede ser un símbolo de amor, mientras que un león es un símbolo de orgullo y valentía, pero este sería otro tema a discutir en un nuevo artículo.

Algunos significados comunes de las formas orgánicas podrían ser: originalidad, orgánico, equilibrio y frescura.

Formas abstractas

Se denomina como formas abstractas a las formas que son manifestaciones o símbolos visuales de conceptos o ideas abstractos.

Algunas formas abstractas pueden acabar siendo difíciles de reconocer. Tras sintetizarse pueden dar sólo pequeñas pistas de qué representan. A menudo las formas abstractas representan un sólo concepto o una versión simplificada de una forma orgánica.

Las formas abstractas se usan con bastante frecuencia en el diseño de logos , la iconografía o la señalética, ayudándose en ocasiones del espacio negativo . Y es que las formas abstractas son una manera muy eficaz de transmitir un mensaje sin texto.

Me vienen a la cabeza todas los símbolos que diseño Lance Wyman para el metro de Ciudad de México.

Cómo usar la psicología de la forma en diseño gráfico

Ya sabemos que las formas son elementos visuales clave en el diseño gráfico . Pueden ayudarnos a realizar una composición visual, estructurando la información o relacionando otros elementos. Si queremos realizar un diseño más sofisticado, deberemos tener en consideración los significados de las formas.

Los diseñadores gráficos somos comunicadores visuales. Comunicamos a través de la imagen diseñando composiciones con significado. Algunas de las composiciones que pueden aprovecharse mejor las formas serían, por ejemplo el diseño de logos, iconos o tipografías.

Eso sí, la psicología de la forma también se usa con frecuencia en otros campos del diseño gráfico como en el diseño editorial o en la usabilidad web. Los elementos del diseño pueden estructurarse en determinadas formas para guiar que los ojos de los usuarios encuentren fácilmente la información más importante.

Nos ayudan por tanto a establecer una correcta jerarquía visual.

Psicología de la forma y el diseño de logos

La funcionalidad de un logo puede estar ligada en muchas ocasiones a la forma en que la gente lo percibe. Y es que son muchos los factores que pueden influir en la percepción humana.

Un logo es una herramienta clave para cualquier empresa. Debe contribuir a transmitir (y evocar) un mensaje o significado acorde a la marca. Si escogemos bien las formas para el diseño de un logo, contribuiremos a transmitir la sensación deseada sin recurrir a texto o información adicional.

Por ejemplo, imaginemos que necesitamos desarrollar un logo para una entidad bancaria. Quizás un enfoque positivo podría ser intentar aplicar en el diseño del logo el uso de alguna forma que nos transmita confianza y seguridad. Sí, si estás valorando el cuadrado es que estás razonando correctamente.

Ejemplo Chase Bank.

Eso sí, la psicología de las forma puede resultar muy útil no sólo para crear logos que contribuyan a resaltar lo que queremos comunicar, sino también para el resto de composiciones de diseño gráfico.

Psicología de la forma y la tipografía

La psicología de la forma toma un papel muy importante también en la tipografía. Ya hemos visto que existen innumerables tipografías diferentes, y las clasificamos por su forma en 4 grandes grupos: Tipografías con serifa, tipografías de palo seco, tipografías manuscritas y tipografías decorativas.

Para entender mejor la personalidad de la tipografía o psicología tipográfica es necesario estudiar la forma de sus caracteres. Valorar si cuentan con formas más geométricas o quizás más orgánicas. Si cuentan con formas más rectas y puntiagudas, como las que podemos encontrar en una tipografía de palo seco, o quizás más curvas y suaves, como los que podemos encontrar en una tipografía manuscrita.

Las tipografías que contienen caracteres dominantes con formas más redondas y curvas pueden evocar algo más de cercanía y también feminidad. A diferencia de los caracteres con formas y ángulos más rectos que pueden evocar más formalidad y en ocasiones algo de agresividad.

Por eso es clave que prestemos siempre atención a las formas dominantes de cualquier tipografía. Así podremos seleccionar una tipografía que favorezca el contexto de nuestro mensaje y la comunicación visual.

¿Qué te ha parecido el artículo? ¿Lo más encontrado interesante? Ya sabes, "pon en forma" a tu diseño con ayuda de las psicología de la forma.

Jaime P. Llasera

Soy Ingeniero informático, diseñador gráfico y desde hace más de 13 años ayudo a otras empresas a trabajar en su identidad corporativa.
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Psicología de la forma: qué es y cómo se aplica en diseño gráfico

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La psicología de la forma se relaciona directamente con lo demostrado bajo la teoría de la Gestalt . Ambas disciplinas estudiaron las formas y cómo incidían directamente sobre la percepción humana. Combinando las formas con otros elementos visuales que formen parte de nuestra composición podemos ayudar a reflejar más claramente un mensaje.

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Se utiliza en los diseños, proyectos íntimamente relacionados con la percepción visual para atraer la mirada. Y haga todo diseño mucho mas armónico y equilibrado.
Se le ha denominado de muchas maneras y esta representada por las letra griega PHI en honor al escultor griego phideas y la proporción aurea es 1,618034.
Los diseñadores una vez que tienen la proporción  hacen divisiones sucesivas manteniendo esa proporción y una vez hecha toda las proporciones uniendo los vértice se obtiene la espiral de oro, quedando focalizado el mayor impacto en el final de la espira.
Euclides definió la proporción aurea basada en la naturaleza
En la tipografía para crear una jerarquía visual deberá multiplicar el titulo por 1,618 y el texto dividirlo por 1,618.
Omni.com.

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Hay que distinguir entre dos equilibrios:
-Simétrico: un diseño es simétrico cuando al dividir una composición en dos parte iguales el peso de los dos lados es el mismo. se pretende transmitir armonía, orden, regularidad
-Asimétrico: un diseño es asimétrico cuando lo dividimos por partes iguales no tienen el mismo peso. Se pretende transmitir movimiento, agitación, dinamismo, vitalidad

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Con la jerarquía se pretende establecer el recorrido de visualización del diseño. Establecer el camino el recorrido que queramos que se visualice en nuestro diseño. Partiendo siempre de una entrada inicial.

Se puede establecer jerarquía por diferentes cosas:
-Tamaño
-Color(amarillo, rojo)
-Tipografía

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El contraste es uno de los principios más divertidos en el diseño gráfico e incluso el más radical. Se trata de arriesgar y que el elemento principal del producto gráfico en torno al cual giran todos los demás, destaque frente al resto. En pocas palabras, se trataría de no ser cobarde y lanzarse con originalidad.

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Durante las próximas semanas, en Seele Comunicación hablaremos de los 6+1 principios de diseño gráfico. Como ya sabréis, hay diversas metodologías y corrientes que se emplean en el mundo del diseño, cada una de ellas muestra diferentes propiedades, características y maneras de interpretar el contenido visual, sin embargo, pese a la gran cantidad de teorías que podemos encontrar, no se puede establecer ninguna "mejor o peor", cada diseñador, decide seguir una corriente sin ser por ello negativo, es lo bonito del diseño, depende de quién y cómo se interprete. Nosotros hablaremos de los 6 principios del diseño gráfico, añadiendo finalmente un último principio el cual consideramos muchas veces olvidado pero muy importante.

¿Qué entendemos por contraste en diseño gráfico?

El contraste es muy empleado en aplicaciones de diseño gráfico, como por ejemplo en el diseño de cartelería publicitaria. Mucha gente cree que con el contraste nos referimos a aplicar diversos colores opuestos a las tipografías de los diseños, sin embargo, va mucho más allá. Empleando la técnica del contraste conseguiremos diferenciar elementos resaltando su peso visual en la composición, con ello, también podremos organizarlos en una jerarquía visual y de lectura que logrará crear un efecto visual cuya finalidad es dirigir la atención al mensaje clave ya sea al contrastar los colores, texturas tamaños, o tipografías.

¿Cómo podemos crear y gestionar el contraste?

1. A través de la forma, con la ruptura del patrón.

2. A través del color, se basa en las propiedades del color (tono, valor, saturación).

3. A través de relaciones de tamaño de las formas

El contraste, bien empleado, permite destacar de una manera rápida aquellos elementos que queremos resaltar, así que ya sabéis, usado en su justa medida y combinado con el resto de principios del diseño, se convertirá en un aliado en vuestras mesas de trabajo.

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1. Contraste. Principios del diseño gráfico - Seele Comunicación

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Durante las próximas semanas, en Seele Comunicación hablaremos de los 6+1 principios de diseño gráfico.

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Los elementos forman un todo cuando se mueven en la misma dirección

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La experiencia previa de cada sujeto interviene en la construcción de la forma es decir educación cultura del que lo recibe.

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Percibimos los objetos de la manera mas simple posible destacando en conjunto lo que realmente es importante.

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Este principio describe la tendencia del ojo humano separado de lo que le rodea.

Algunas personas verán inmediatamente el árbol y las aves cuando vean el logotipo del Zoológico de Pittsburgh& PPG Aquarium, mientras que otros verán al gorila y al león mirándose el uno al otro.

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Es el principio que utiliza la tendencia del ojo humano a ver forma cerradas, completando la información que falta.

El principio de cierre Gestalt se ilustra bellamente en el logotipo de panda del Fondo Mundial para la Naturaleza. El cerebro completa las formas blancas, a pesar de que no están bien definidas.

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Es el principio por el que el ojo humano percibe los elementos continuos aunque estén interrumpidos entre si.

El ojo tiende a querer seguir la línea recta desde un extremo de esta figura a la otra, y la línea curva desde la parte superior a la inferior, incluso cuando las líneas cambian de color a la mitad.

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Cuando los objetos se ven similares entre sí vemos el conjunto como un todo para crear este patrón o grupo de elemento y conectarlo podemos utilizar la forma, el color, la textura y la repetición es uno de los recursos mas utilizados para conectar visualmente un grupo o patrón.
Con el uso de este principio le damos fuerza a la composición, guía la mirada vincula toda las piezas y proporciona unidad.
Cuando queremos hacer una llamada de atención y romper el patrón para llamar la atención, eso se llama ANOMALIA

Los cuadrados están todos igualmente espaciados tienen el mismo tamaño, pero lo agrupamos por colores

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Translated By Yesica Danderfer. This article was originally written in English

El espacio negativo ha sido durante mucho tiempo un elemento básico de un buen diseño. Dejar un espacio en blanco alrededor de los elementos de un diseño es lo primero que se nos viene a la mente. Pero luego hay diseños que usan ese espacio en blanco para inferir un elemento que no está realmente allí (la flecha escondida entre la E y la X en el logotipo de FedEx inmediatamente viene a la mente como un ejemplo).

La "E" y la "x" en el logotipo de FedEx crean una flecha dentro del espacio negativo entre ellas.

El cerebro humano es excepcionalmente bueno rellenando los espacios en blanco en una imagen y creando un todo que es mayor que la suma de sus partes. Es por eso que vemos caras en cosas como hojas de árboles o grietas en las aceras.

Este principio es una de las ideas subyacentes más importantes detrás de los principios gestálticos de la percepción visual. La propuesta inicial más influyente escrita sobre la teoría fue publicada por Max Wertheimer en sus leyes de organización perceptiva de 1923, aunque la discusión de Wolfgang Köhler en 1920 sobre la Gestalten física también contiene muchas ideas influyentes sobre el tema.

Independientemente de quién propuso las ideas por primera vez (ha habido ensayos que datan de hasta 1890), los principios gestalt son un conjunto importante de ideas para cualquier diseñador para aprender, y su implementación puede mejorar mucho no solo la estética de un diseño, sino también su funcionalidad y facilidad de uso.

En los términos más simples, la teoría gestalt se basa en la idea de que el cerebro humano intentará simplificar y organizar imágenes complejas o diseños que consisten en muchos elementos, al organizar inconscientemente las partes en un sistema organizado que crea un todo, en lugar de solo un serie de elementos dispares. Nuestros cerebros están diseñados para ver la estructura y los patrones con el fin de que comprendamos mejor el entorno en el que vivimos.

Hay seis principios individuales comúnmente asociados con la teoría gestalt: similitud, continuación, cierre, proximidad, figura/fondo, y simetría y orden (también llamado prägnanz). También hay algunos principios adicionales más nuevos asociados a veces con gestalt, como destino común.

Similitud

Es la naturaleza humana agrupa cosas similares. En gestalt, elementos similares se agrupan visualmente, independientemente de su proximidad entre sí. Se puede agrupar por color, forma o tamaño. Semejanza se puede usar para unir elementos que pueden no estar próximos. el otro al otro en un diseño.

Los cuadrados aquí están todos igualmente espaciados y tienen el mismo tamaño, pero los agrupamos automáticamente por color, aunque no hay rima o razón para su ubicación.

Por supuesto, puedes hacer que las cosas sean diferentes si quieres que se destaquen entre la multitud. Es por eso que los botones para llamadas a la acción a menudo se diseñan con un color diferente al del resto de la página, por lo que se destacan y llaman la atención del visitante sobre la acción deseada.

En el diseño de UX, al usar la similitud, deja claro a los visitantes qué elementos son iguales. Por ejemplo, en una lista de características que usa elementos de diseño repetitivos (como un ícono acompañado de 3-4 líneas de texto), el principio de similitud haría que sea fácil escanearlos. Por el contrario, cambiar los elementos de diseño por las características que desea resaltar los hace destacar y les da más importancia en la percepción del visitante.

Incluso cosas tan simples como asegurarse de que los enlaces de un diseño estén formateados de la misma manera se basan en el principio de similitud en la forma en que sus visitantes percibirán la organización y la estructura de su sitio.

Continuación

La ley de la continuidad postula que el ojo humano seguirá el camino más suave al ver las líneas, independientemente de cómo las líneas en realidad fueron dibujados.

El ojo tiende a querer seguir la línea recta desde un extremo de esta figura a la otra, y la línea curva desde la parte superior a la inferior, incluso cuando las líneas cambian de color a la mitad.

Esta continuación puede ser una herramienta valiosa cuando el objetivo es guiar la mirada del visitante en cierta dirección. Seguirán el camino más simple en la página, así que asegúrese de que las partes más vitales que deberían ver caigan dentro de ese camino.

Como el ojo sigue naturalmente una línea, colocar los elementos de una serie en una línea atraerá la atención de un elemento al siguiente. Los deslizadores horizontales son uno de esos ejemplos, al igual que los listados de productos relacionados en sitios como Amazon.

Cierre

Closure es uno de los principios más geniales de Gestalt y uno que ya tocado al principio de esta pieza. Es la idea de que su cerebro completará las partes faltantes de un diseño o imagen para crear un todo.

En su forma más simple, el principio de cierre le permite a su ojo seguir algo así como una línea punteada hasta su final. Pero aplicaciones más complejas se ven a menudo en logotipos, como el del World Wildlife Fund. Grandes trozos del contorno del panda faltan, pero tu cerebro no tiene problemas para completar las secciones faltantes y ver todo el animal.

El principio de cierre gestalt se ilustra bellamente en el logotipo de panda del Fondo Mundial para la Naturaleza. El cerebro completa las formas blancas, a pesar de que no están bien definidas.

El cierre se utiliza muy a menudo en el diseño de logotipos, con otros ejemplos que incluyen los de la red estadounidense, NBC, Sun Microsystems e incluso Adobe.

Otro ejemplo muy importante de cierre en el trabajo en UX y diseño de la interfaz de usuario es cuando se muestra una imagen parcial desapareciendo de la pantalla del usuario para mostrarles que hay más para encontrar si deslizan hacia la izquierda o hacia la derecha. Sin una imagen parcial, es decir, si solo se muestran imágenes completas, el cerebro no interpreta inmediatamente que podría haber más para ser visto, y por lo tanto es menos probable que el usuario se desplace (ya que el cierre ya es aparente).

Proximidad

Proximidad se refiere a qué tan cerca están los elementos entre sí. Las relaciones de proximidad más fuertes son aquellas entre superposición de sujetos, pero simplemente agrupar objetos en una sola área también puede tener un fuerte efecto de proximidad.

Lo opuesto también es cierto, por supuesto. Al poner espacio entre los elementos, puede agregar separación incluso cuando sus otras características son las mismas.

Tome este grupo de círculos, por ejemplo:

Lo único que diferencia al grupo de la izquierda de los de la derecha es la proximidad de las líneas. Y sin embargo, su cerebro interpreta la imagen de la derecha como tres grupos distintos.

Un PDF de USPS forma ejemplo donde el principio gestalt de proximidad está perjudicando a UX. Debido a que las etiquetas de campo están más cerca de los campos debajo de ellos, la gente erróneamente cree que es donde la información va para "c". y "d" Sin embargo, se supone que la información debe proporcionarse en los campos sobre las etiquetas de texto.

En el diseño UX, la proximidad se usa con mayor frecuencia para que los usuarios agrupen ciertas cosas juntas sin el uso de elementos como bordes rígidos. Al poner las cosas similares más cerca entre sí, con espacio entre cada grupo, el espectador reconocerá de inmediato la organización y la estructura que desea que perciban.

Figura/Fondo

El principio de figura/fondo es similar al principio de cierre porque aprovecha la forma en que el cerebro procesa el espacio negativo. Probablemente haya visto ejemplos de este principio flotando en los memes en las redes sociales, o como parte de logotipos (como el logotipo de FedEx ya mencionado).

Su cerebro distinguirá entre los objetos que considera que están en el primer plano de una imagen (la figura o punto focal) y el fondo (el área en la que descansan las figuras). Donde las cosas se ponen interesantes es cuando el primer plano y el fondo en realidad contienen dos imágenes distintas, como esta:

Algunas personas verán inmediatamente el árbol y las aves cuando vean el logotipo del Zoológico de Pittsburgh& PPG Aquarium, mientras que otros verán al gorila y al león mirándose el uno al otro.

Otro gran ejemplo del principio gestalt de figura/tierra.

Un ejemplo más simple se puede ver con esta imagen, de dos caras creando un candelabro o jarrón entre ellos:

En esta famosa ilusión desarrollada por el psicólogo danés Edgar Rubin, al espectador generalmente se le presentan dos interpretaciones de formas: dos rostros o un jarrón. Es otro excelente ejemplo del principio figura/fondo.

En términos generales, su cerebro interpretará el área más grande de una imagen como el suelo y la más pequeña como la figura. Como se muestra en la imagen de arriba, puedes ver que los colores más claros y más oscuros pueden influir en lo que se ve como la figura y lo que se ve como el suelo.

El principio figura/fondo puede ser muy útil cuando los diseñadores de productos desean resaltar un punto focal, particularmente cuando está activo o en uso, por ejemplo, cuando aparece una ventana modal y el resto del sitio se desvanece en el fondo, o cuando se hace clic en una barra de búsqueda y el contraste se incrementa entre él y el resto del sitio.

Simetría y orden

La ley de simetría y orden también se conoce como , la palabra alemana para "buena figura". Lo que este principio dice es que su cerebro percibirá formas ambiguas de la manera más simple posible. Por ejemplo, una versión monocromática del logotipo Olímpico se ve como una serie de círculos superpuestos en lugar de una colección de líneas curvas.

Aquí hay otro buen ejemplo del principio de diseño gestalt " prägnanz ":

Su cerebro interpretará la imagen de la izquierda como un rectángulo, círculo y triángulo, incluso cuando los contornos de cada uno estén incompletos porque son formas más simples que la imagen en general.

Destino común

Si bien destino común no era originalmente incluido en la teoría gestalt, se ha agregado desde entonces. En el diseño UX, su utilidad no puede pasarse por alto. Este principio establece que las personas agruparán las cosas que apuntan o se mueven en la misma dirección.

En la naturaleza, vemos esto en cosas como bandadas de pájaros o bancos de peces. Están formados por un conjunto de elementos individuales, pero debido a que se mueven aparentemente como uno solo, nuestros cerebros los agrupan y los consideran un único estímulo.

Una bandada de pájaros se ve como una sola unidad cuando vuela en la misma dirección y, por lo tanto, comparte un destino común. (por Martin Adams en Unsplash)

Esto es muy útil en UX ya que los efectos animados se vuelven más frecuentes en el diseño moderno. Tenga en cuenta que los elementos en realidad no tienen que moverse para beneficiarse de este principio, pero tienen que dar la impresión de movimiento.

Principios de Gestalt en el Diseño UX

Al igual que con cualquier principio psicológico, aprender a incorporar los principios de percepción visual de gestalt en su trabajo de diseño puede mejorar enormemente la experiencia del usuario. Comprender cómo funciona el cerebro humano y luego explotar las tendencias naturales de una persona crea una interacción más fluida que hace que el usuario se sienta cómodo en un sitio web, incluso si es su primera visita.

Los principios de Gestalt son relativamente fáciles de incorporar en casi cualquier diseño y pueden elevar rápidamente un diseño que parece aleatorio o como luchar por la atención de un usuario a uno que ofrece una interacción perfecta y natural que guía a los usuarios hacia la acción que desean que tomen.

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Explorando los Principios Gestalt del Diseño

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Translated By Yesica Danderfer. This article was originally written in English El espacio negativo ha sido durante mucho tiempo un elemento básico de un buen diseño. Dejar un espacio en blanco alrededor de los elementos de un diseño es lo primero que se nos viene a la mente.

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El moodboard es el rincón para soñar, es una pieza clave en todo proceso creativo, es una técnica creativa que ayuda a crear el universo visual de un proyecto.
Sirve para establecer las bases de la identidad visual  antes de empezar a diseñar.
Su principal misión es proporcionar un foco de inspiración da claridad de ideas permite previsualizar el camino creativo a seguir y al mezclar materiales te ayuda a encontrar un estilo diferenciador.

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Hay que bocetar en papel antes de plasmar en el ordenador.

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Técnicas de Creatividad para la Innovación

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Éstas son muchas de las técnicas de creatividad más utilizadas mundialmente para estimular la producción de ideas y su evaluación.

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Lo primero que habrá que hacer es una investigación para generar una idea y luego convertir esa idea y hacerla realidad.

Investigar en tu referentes o en otras fuentes.

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Características de las personas creativas.

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Características de las personas creativas.

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Alguna características pueden ser:

-Son originales

-Tienen iniciativa

-Poseen una gran sensibilidad

-Son flexibles

-Sienten curiosidad

-Están motivados

-Tienen sentido del humor

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¿Qué características comparten las personas creativas?

La creatividad es una de las habilidades blandas más valoradas por las empresas pero, ¿qué características comparten las personas creativas?

¿Cuál es el secreto de los creativos? ¿Qué es lo que hace que a algunas personas se les ocurran ideas innovadoras o tengan un especial talento para tocar un instrumento, pintar, escribir, etc.?

La creatividad es una de las habilidades blandas más valoradas por las empresas, especialmente porque las personas creativas son muy buenas hallando soluciones innovadoras y rápidas a los problemas.

¿Quieres saber que otras características comparten? Aquí te dejamos algunas:

Primero que nada, los creativos son originales, entendiéndose originalidad como la capacidad de tener ideas innovadoras que puedan generar interés en algún ámbito de la sociedad.

No se quedan sentados esperando que las cosas se solucionen solas. Los creativos son seres proactivos que toman cartas en el asunto con gran iniciativa.

Poseen una gran sensibilidad

La capacidad de observar y analizar sentimientos y situaciones es una cualidad intrínseca de las personas creativas.

Cerrarse a la posibilidades de nuevos escenarios, opciones e incluso contratiempos, bloquea completamente nuestras capacidades creativas. Para ser creativos debemos realizar constantemente ejercicios de apertura mental.

El interés por descubrir y crear cosas nuevas se manifiesta a través de la curiosidad. Las personas creativas suelen interesarse por casi todo y hacen muchas preguntas.

El motor de los creativos es, sin dudas, la motivación. Si no sientes interés y pasión por lo que haces, tu espíritu creativo permanecerá adormecido.

La creatividad y la capacidad de reírse, incluso de uno mismo, están estrechamente vinculadas. Los creativos comparten la particularidad de tomarse la vida de forma tranquila y sin demasiado dramatismo.

Fuente: Universia Chile ll Fuente de la imagen: Shutterstock

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¿Qué características comparten las personas creativas? - UISRAEL

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La creatividad es una de las habilidades blandas más valoradas por las empresas pero, ¿qué características comparten las personas creativas? ¿Cuál es el secreto de los creativos? ¿Qué es lo que hace que a algunas personas se les ocurran ideas innovadoras o tengan un especial talento para tocar un instrumento, pintar, escribir, etc.?

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El pensamiento lateral (lateral thinking, en inglés) es un proceso de pensamiento creativo consciente y sistemático que analiza los desafíos desde diferentes perspectivas y visiones.
El término de pensamiento lateral fue introducido por Edward De Bono en 1967 en su libro “New Think: The Use of Lateral Thinking”. Para De Bono, el pensamiento lateral era aquel patrón de pensamiento que se realiza por diferentes vías a las utilizadas en el razonamiento tradicional, facilitando perspectivas novedosas.
El pensamiento lateral se centra en lo que podría ser más que en lo que es posible y plantea 4 directrices:

Reconocer las ideas dominantes que polarizan la percepción de un problema.

Buscar diferentes formas de ver las cosas.

Relajar el rígido control del pensamiento.

Aprovechar la oportunidad para fomentar otras ideas.

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De la creatividad a la realidad- ELSA PUNSET

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De la creatividad a la realidad- ELSA PUNSET

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De la creatividad a la realidad - ELSA PUNSET

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La creatividad es la creación de nuevas ideas o usar ideas ya existentes para dar una nueva respuesta original