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STILL LIFE, 2009, Ron Mueck

En 2009, la pandémie de grippe A multiplie les images de poulets abattus. Elles frappent tant Ron Mueck qu'il traite l'un de ces volatiles comme ces figures humaines hyperréalistes, naines ou géantes, qui, dans son œuvre, donnent à l'humanité une forme inquiète. L'artiste joue ici encore de la tension entre l'extrême réalisme et l'irréalité des dimensions, qui forcent à regarder de près cette bête pathétique, quand nous prêtons à peine attention à des millions d'autres, malades et mises à mort. Ce poulet parait soudain plus qu'un détail du monde une chose très humaine qui nous ressemble.

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La grive morte, 1775, Jean Antoine Houdon

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Dès 1772, Houdon s'était intéressé à la représentation en sculpture d'oiseaux, et il s'était alors confronté à sa difficulté.

La Grive morte prouve qu'il l'a amplement surmontée : le contraste entre les plumes des ailes et le fin duvet du ventre du passereau, leur rendu prodigieux, qui ménage la légèreté et l'épaisseur, égalent la nature. L'illusionnisme et la délicatesse du chef-d'œuvre ont été célébrés par l'homme de lettres Friedrich Melchior Grimm en 1775.

Houdon a réussi un tour de force, preuve que la nature morte peut trouver en sculpture un lieu où s'épanouir également.

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Au milieu du 17° siècle, le motif de la bête en cours d'équarrissage est courant en peinture.

Rembrandt et ses élèves ont pu représenter des scènes de boucheries. Mais l'originalité de ce Bauf écorché tient à sa seule présence dans l'image, où la silhouette d'une servante, qui observe le cadavre mutilé comme nous la regardons, renforce son énormité. Cette grande forme de graisse et de sang dramatisée rompt avec les peintures de banquets et de marchés alors à la mode. Rembrandt oppose à cette tradition, pour la première fois, une seule chose morte, mais qui habite étrangement le monde.

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Cet agneau gisant désigne la figure sacrificielle du Christ, récurrente dans la Bible, comme dans la littérature mystique espagnole de la Contre-Réforme. Zurbarán, moine-peintre, isole ainsi l'animal, très solennel, et, d'un coup de lumière qui contredit le fond gris, fait ressortir sa fourrure, peinte avec une attention émue et un grand souci de naturalisme. Or, si ces codes de représentations servent le récit religieux et incitent à la dévotion, ils sont aussi ceux d'un bodegón, une scène de cuisine. Cette confusion est troublante tant elle augmente le quotidien d'une dimension spirituelle

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Au début des années 1980, Richter est fasciné par le motif du crâne qui lui offre de mettre à distance ses affects, de les canaliser en inscrivant sa peinture dans la tradition. Il prends alors le contre-pieds de la peinture néo-expressionniste allemande , spontanée, subjective et violente. Rien de tel ici, ou le momento mori tend même à s'effacer derrière les moyens de la peinture : la géométrie est impeccable, la rigueur minimal, le quasi-monochrome.

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Toutes ces œuvres pourtant de date de parution très différente représente toute la mort.  La mort est un objet privilégié de représentation artistique, elle est le thème qui parcourt l'histoire de l'art avec le plus de constance. L'œuvre d'art est sensée dans notre culture donner l'immortalité et serait un moyen privilégié de permettre la survie du créateur, de conjurer sa mort. Ce thème intemporel peut aussi être représenté afin d'alerter, de choquer ou de sensibilisé par rapport à certaines causes tel que la gravité de tueries ou pandémie comme Ron Mueck qui recherche à sensibiliser face à l'épidémie de H1N1 qui restent des détails pour certains. Le thème renvoie surtout  à une forme de vanité. Il rappelle au spectateur qui le contemple sa mortalité. Dans la peinture hollandaise et flamande de ce genre, l'homme s'efface souvent au profit de la bête ; l'animal est surexposé, l'homme caché comme dans le bœuf écorché de Rembrandt.