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Conclusión 2 parte casa IB y white o Toyo ito grupo 16 schmidt gorocito Matías.

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Conclusión 2 parte casa IB y white o Toyo ito grupo 16 schmidt gorocito Matías.

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Conclusión casa IB y white o Toyo ito grupo 16 schmidt gorocito Matías.

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Conclusión casa IB y white o Toyo ito grupo 16 schmidt gorocito Matías.

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Grupo 16 schmidt gorocito Matías se volvió a corregir y hacer  el mapa conceptual 

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Grupo 16 schmidt gorocito Matías se volvió a corregir y hacer  el mapa conceptual 

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Grupo n° 16 schmidt Matías white o Toyo ito.

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Grupo n° 16 schmidt Matías white o Toyo ito.

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Palacio 6 de julio Collage.

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Grupo 16 : schmidt Matías Collage palacio 6 de julio

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Grupo 16 : schmidt Matías Collage palacio 6 de julio

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G18

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Grupo 18

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Grupo 18

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Grupo 18

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Grupo 13: entre la pequeñez ante la monumentalidad y la asociación al plano terrenal de la horizontalidad..... Las fotos son buenas....pueden componer un collage que juegue con esos conceptos y los refuerce o exagere

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Grupo 13: entre la pequeñez ante la monumentalidad y la asociación al plano terrenal de la horizontalidad..... Las fotos son buenas....pueden componer un collage que juegue con esos conceptos y los refuerce o exagere

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Gr

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Grupo 13, no describan las categorías. Habiten la escala monumental....la horizontalidad....etc. 

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Grupo 13, no describan las categorías. Habiten la escala monumental....la horizontalidad....etc. 

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Grupo 15, interpretación y propuesta correcta. La masa elevada es la expresión del desafío de la gravedad y de la continuidad del verde desde el Paseo a la Cañada. 

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Grupo 15, interpretación y propuesta correcta. La masa elevada es la expresión del desafío de la gravedad y de la continuidad del verde desde el Paseo a la Cañada. 

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Chicos grupo 7, no es una descripción de lo que ven. Es una interpretación  cruzando lo vivencial (experiencia en el lugar ) con el espacio institucional máquina.

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Chicos grupo 7, no es una descripción de lo que ven. Es una interpretación  cruzando lo vivencial (experiencia en el lugar ) con el espacio institucional máquina.

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CICUTTI - DOMINGUEZ - DOMINGUEZ

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ENTREGA MAPA ORDEN FRÍO DE LA LAGIBILIDAD

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Hola profe, tenemos la duda de si estamos bien encaminados con el trabajo o de que manera continuar, muchas gracias.

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CICUTTI - DOMINGUEZ - DOMINGUEZ

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Que pasa con los grupos que tienen este caso???

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Que pasa con los grupos que tienen este caso???

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Busca negocios locales, consulta mapas y consigue información sobre rutas en Google Maps.

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Aquí tienen un video de otra casa de Breuer, para que vean la continuidad espacial y la fluidez. 

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Aquí tienen un video de otra casa de Breuer, para que vean la continuidad espacial y la fluidez. 

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Video of 81 Sunset Rock | Andover, Massachusetts real estate & homes

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grupo 10

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Grupo 3 (Ayala, Altamirano, Aguilera)

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Grupo 3 (Ayala, Altamirano, Aguilera)

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Grupo 3 (Ayala, Altamirano, Aguilera)

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CICUTTI-DOMINGUEZ-DOMINGUEZ

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grupo 10

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En una hoja A3 : collage o fotomontaje que combine las categorías del orden frío + vivencias propias, con una explicación de la imagen obtenida

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https://niood.es/las-10-obras-de-arte-mas-famosas-de-david-hockney/

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David Hockney, nacido el 9 de julio de 1937 en Bradford, Reino Unido, es un retratista y paisajista, dibujante, grabador, decorador, fotógrafo y teórico del arte británico.

Es una figura importante del movimiento del arte pop de la década de 1960 y del hiperrealismo, y uno de los pintores británicos más influyentes del siglo XX.

Utilizando colores brillantes y llamativos, David Hockney pinta retratos y paisajes que combinan pintura y fotografía.

niood enumera las 10 obras de arte más famosas de David Hockney:

1. Portrait of an Artist (Pool with Two Figures) (1972)

La película de Jack Hazan A Bigger Splash ayudó a hacer de Retrato de un artista una de las pinturas mejor documentadas de David Hockney. El rodaje de la película comienza en el verano de 1971, unos meses antes de que Hockney emprenda la obra. Termina con las últimas pinceladas de Retrato de un artista, unos días antes de su exposición en la Galería André Emmerich de Nueva York, en mayo de 1972. La película de Hazan, que hace de esta obra el meollo de un drama sentimental, ha contribuido durante mucho tiempo a restringiendo su exégesis solo a su dimensión narrativa. El retrato de un artista está ciertamente relacionado con la ruptura de David Hockney con Peter Schlesinger. Esta ruptura es, sin embargo, sólo el pretexto para una meditación sobre las relaciones entre el arte y la vida.

2. The Splash (1966)

A Bigger Splash es una imagen promocional perfecta de California, un boceto de los símbolos de su forma de vida, de los clichés de su decoración. Un cielo perfectamente puro, casas bajas y modernas, abiertas de par en par, palmeras con cimas altas encaramadas y, por supuesto, piscinas, más piscinas... Una silla de "productor" nos recuerda por su presencia que Hollywood no está lejos. Tal síntesis no surgió así constituida del pincel de Hockney. Dos pinturas de 1966 anuncian A Bigger Splash The Little Splash, el primero de la serie, dibuja una piscina con formas aún curvilíneas. Muestra una casa, cuyo techo inclinado sacrifica más a la nostalgia que a las leyes locales de lluvia. The Splash, el mismo año, esta vez somete la piscina al rigor de la ortogonalidad. La distancia de un paisaje, la perspectiva de un pedestal para la escultura moderna, ahueca aún más un espacio que el Bigger Splash aplastará violentamente. Como única sugerencia de un espacio profundo, A Bigger Splash solo conserva la línea de un trampolín, trazada en diagonal. Solo, o casi, las hojas de una palmera la distinguen de una obra de Près Mondrian. Para asegurar la planitud de sus zonas coloreadas, Hockney llega a abandonar sus pinceles en favor del rodillo.

3. Man in Shower in Beverly Hills (1964)

Esta pintura incluye algunos de los temas favoritos del artista: el agua en movimiento, la cortina, escenas domésticas e imágenes homoeróticas. El motivo de la cortina (en particular, su planitud y similitudes con una pintura) había interesado a Hockney durante varios años. La fuente de la figura es una fotografía tomada por el Athletic Model Guild, que se especializó en desnudos masculinos; la figura también tiene similitudes con varios imágenes en Physique Pictorial. Hockney había tenido la intención desde el principio de agregar la planta de primer plano pero, al tener dificultades con los pies, dobló las hojas para cubrirlas. Comenzó a pintar en acrílico durante esta primera visita a Los Ángeles, cuando el color más que la textura era su principal preocupación.

4. Model with Unfinished Self-Portrait (1977)

La obra presenta magníficos colores y un brillante dominio de la perspectiva (especialmente en los cortinajes de la prenda de la modelo).

5. Nichols Canyon (1980)

Hockney ha creado una composición fauvista que deleita los sentidos. La técnica utilizada para crear esta pintura asegura que su elección de tono no se pueda malinterpretar. Cada matiz permanece bastante puro, reflejando la vívida escena que el pintor ve tanto ante él como en su mente.

Nichols Canyon se fabricó en 1980. David Hockney es quizás el artesano vivo inglés más importante de la actualidad. La fuerza de cada espléndido trazo del pincel requiere consideración, lo que hace que la mirada deambule por todo el lienzo.

El fauvismo fue el primero de los desarrollos de vanguardia que prosperaron en Francia a principios del siglo XX. Aparentemente rebeldes en su creación, los pintores fauve decidieron que el impresionismo no les permitiría expresarse.

6. Pearblossom Hwy., 11 - 18th April 1986, #2 (1986)

Hockney creó Pearblossom Highway durante varios días mientras estaba en California. Tomó muchas fotografías de una vista en la famosa ruta 138, Antelope Valley.

La obra de arte resultante es una imagen del paisaje estadounidense desde la perspectiva del conductor y del pasajero. El punto de vista de la derecha representa a qué prestaría atención un conductor mientras conduce a lo largo de ese tramo; las señales de tráfico, la escritura en la propia carretera, el destino construido en la distancia, todas las cosas que un conductor atento consideraría.

En el lado izquierdo de la pieza está la vista desde el lado del pasajero. Hockney elude el hecho de que un pasajero es un observador más pausado y se fija en el paisaje, los árboles y la basura en la carretera.

El pasajero no tiene que prestar atención a las señales de tráfico y el conductor no tiene tiempo para admirar la vista. La composición también juega con la perspectiva a través de la ampliación de objetos más cercanos. Esta técnica enfatiza aún más los diferentes puntos de vista involucrados.

7. American Collectors (Fred and Marcia Weisman) (1968)

A mediados de la década de 1970, Marcia y Frederick optaron por poner fin a su matrimonio, sin embargo, siguieron siendo queridos compañeros y a lo largo de los años se sumaron al desarrollo de las generosas acumulaciones de artesanía de cada persona.

En la pintura, cada uno de ellos parece cercano a las obras de arte y al elegir que reflejen las piezas, el artista puede mostrar su dedicación a su propósito.

En los años 70, el uso del realismo por parte de Hockney en su obra de arte se intensificó, pero ninguna de sus pinturas parecía una fotografía, aunque utilizó las fotos como referencias. Su trabajo no se transformó en fotorrealismo. Tampoco parecía estirado ni anticuado. Echando un vistazo a las composiciones de este período y además a los dibujos en tinta poco comunes y directos que el artista ha realizado a lo largo de los años, parece que su interés por el realismo no es nuevo y siempre se ha manifestado en su arte.

8. Garden (2015)

Con su distintiva terraza azul al fondo y la piscina en el centro, Garden 2015 es instantáneamente reconocible como el propio jardín de Hollywood de Hockney. Los cactus que ocupan el primer plano del cuadro hacen del jardín un paraíso de vida y color en medio de la sequía que se apoderó de California en el momento de pintar. Los acrílicos brillantes capturan la vitalidad de su casa en Los Ángeles, explorada por el artista desde diferentes puntos de vista a lo largo de muchos años de su impresionante carrera.

9. Self Portrait with Red Braces (2003)

Lo más destacado de esta pieza son sus monos rojos, o como le gusta llamarlos "tirantes".

10. Mr and Mrs Clark and Percy (1971)

La pintura en sí es de dos de los amigos de Hockney: un famoso diseñador de moda llamado Ossie Clark y un diseñador textil que era su entonces esposa Cecilia Birtwell.

Un poco de información de fondo sobre esta pintura sería que esta pintura se acaba de pintar después de la boda de la pareja a la que Hockney no solo asistió, sino que también fue el padrino de Clark.

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Las 10 obras de arte más famosas de David Hockney - niood

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niood enumera las 10 obras de arte más famosas de David Hockney. Esto incluye Piscina con dos figuras, The Splash, Man in Shower en Beverly Hills ...

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https://es.wikiarquitectura.com/edificio/White-O/

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Introducción

White O es el primer proyecto del arquitecto Toyo Ito en América del Sur. La vivienda forma parte de la segunda etapa de Ocho al Cubo, un ambicioso proyecto de urbanización en Marbella, en el que están implicados algunos de los mejores arquitectos del ámbito nacional e internacional.

El nombre de la vivienda alude a uno de los proyectos más respetados de Ito: White U, diseñada en Tokio, en 1976, para su hermana. "Ambas casas son circulares pero diferentes", explica el arquitecto. "En White U da la impresión de que uno estuviera viviendo en un subterráneo. En cambio, White O está abierta al exterior y pareciera flotar en el espacio".

En esta obra se destaca el uso de mobiliario de la línea HORM, fabricado en Chile por Empresas Fernando Mayer y diseñado por el propio Toyo Ito.

Situación

Se ubica en Marbella, formando parte de la segunda etapa de la urbanización Ocho al Cubo.

En el entorno hay otras casas proyectadas por destacados arquitectos chilenos como Mathias Klotz y Christian De Groote.

Completamente conectada con la naturaleza circundante, White O se emplaza suavemente en un terreno orientado al noreste y tiene atractivas vistas en la misma dirección. La propuesta tiene la intención de hacer un uso dinámico de todo el sitio aprovechando las cualidades especiales creadas por la ladera del terreno.

Concepto

White O es una casa circular, que entrega la misma imagen si uno estuviera viviendo a la altura de la copa de los árboles.

Para que la vivienda formara un conjunto coherente con el resto del complejo, era requisito de diseño que el exterior fuera blanco, la cubierta plana y los muros perpendiculares.

En tanto la cubierta plana y el sistema de pilotis de la fachada representan la construcción racional, al modo de las obras tempranas de Le Corbusier, la fluida cualidad espacial que se experimenta al rodear el interior desde el sendero de entrada contrasta notablemente con aquella.

Espacios

Es una casa transparente y a la vez íntima, que se recoge en sí misma y se abre a las vistas, orgánica y ortodoxamente racional.

El sitio y la casa están compuestas juntos como un solo espacio continuo, fluyendo como un recorrido con movimiento de espiral y centrada en un jardín parcialmente cercado.

El acercamiento a la casa se produce ascendiendo a través de la línea natural de la ladera hacia la parte trasera del sitio. La casa y el sitio están compuestos por una fluida progresión de espacios interiores y exteriores con referencias y orientaciones que cambian gradualmente.

Dentro del jardín interior, la ladera se torna continua con el suelo de la casa. Ascendiendo por una delicada rampa que envuelve el jardín, el interior de la casa hace una transición fluida hacia una zona privada que contiene los dormitorios. Flotando sobre el terreno, estos espacios tienen completa privacidad.

La planta principal se dispone horizontalmente en el extremo occidental, a una cota de considerable altura, enfrentada al emplazamiento en suave pendiente. Los visitantes pasan bajo el dormitorio en el extremo oriental y ascienden por la rampa hasta llegar a la entrada.

Con la excepción del garaje y la habitación de servicio, situados al nivel del terreno, todas las estancias importantes se ubican en la planta principal, en torno al patio.

Tanto el estar, el comedor y los dormitorios miran al este, con vistas hacia el campo de golf.

Materiales

La obra cumple con el requisito de utilizar hormigón armado como material principal.

Video

Recorrido por la vivienda en su última etapa de construcción

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✅ White O - Ficha, Fotos y Planos - WikiArquitectura

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Introducción White O es el primer proyecto del arquitecto Toyo Ito en América del Sur. La vivienda forma parte de la segunda etapa de Ocho al Cubo, un ambicioso proyecto de urbanización en Marbella, en el que están implicados algunos de los mejores arquitectos del ámbito nacional e internacional.

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Referencia : casa Ivy Structure- Shigueru Ban 

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Referencia : casa Ivy Structure- Shigueru Ban 

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http://www.shigerubanarchitects.com/works/1998_ivy-structure-1/index.html

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The property is a long piece of land (9 meters wide and 24 meters deep) that stretches from the east to the west. Because its neighbors' houses are built right next to the edges of the property, the land looks smaller than its actual size of 214.48 square meters. It is located in a residential area with no particular character (plain taste) but the closely-built neighbors' houses create an environment that makes the residents conscious of the eyes of their neighbors. Thus, the themes of the design of this house are to make full use of the land and to provide the three-generation family of five members with an atmosphere of openness.
First, in order to use the land effectively, the property is divided into the southern half as an outside block and the northern half as an inside block. All the four individual rooms and the two bathrooms are placed on the second floor of the northern block, and the entire first floor is used as a large common space. I try to make this common space look as though it stretches into the outside space in the north by reducing the numbers of walls and posts, in order to create a "universal floor."
Second, a new idea has been applied for the construction method. This involves having the interior structure depend on the exterior, like the usage of flying buttresses in Gothic architecture, to free the interior space and its edges as much as possible. But instead of merely putting the structure up externally we combined it with its original external functions. In order to prevent sight lines from the house on the southern side and from the interior of our house, a wall with two layers of ivy screen was created along the south border. For this, a strong structure was necessary as the ivy screen would be of great height, supporting two layers of ivy able to withstand large winds as had been experienced in the "House of a Dentist". Solutions for these problems were thus found by imposing the vertical and lateral load of the main building on the ivy screen. To carry out this idea, I imposed the southern half of the second floor of the northern block on the ivy screen. Furthermore, by hanging the second floor, the need for the posts between the common room on the first floor and the outside space is eliminated, thus successfully creating a larger open space.
Another attempt was also made to create a semi-interior space externally by shielding external light with a mobile membrane. In the "House of a Curtain Wall", curtains were hung on the outer edge of a terrace to control the sunlight, to protect the residents' privacy, and to produce a semi-interior space. In the "Hanegi Forest," outside blinds were used. With this house, the large beam that the second floor is hung from works as a rail for the membrane that covers the roof and the exterior space in the south. The membrane over the southern exterior space is an important device for shielding the sunlight from the southern glass as well as the semi-interiorization of the exterior space. In addition, the membrane over the roof has a double roof effect that prevents the sun from warming up the house in summer.
Iron frames are the basis of this building in materializing the ideas mentioned above. Walls that function as furniture (to which furniture is attached) are built on the east, north and west sides. These walls produce a closed feeling towards the neighbors, in contrast to the open feeling that the glass wall creates on the southern side.

敷地を長辺に沿って細長く半分に割り、南側半分を外部、北側半分を内部空間のブロックとしている。内部空間や内部と外部の境界面を自由にするために、たとえばフライング・バットレスのように、外部に内部の構造を負わせ、しかもただ構造を外に出すのではなく、もともと外部で必要な機能を併せ持たせている。ここでは、視線を遮るためのアイビー・スクリーンを構成する門型の鉄骨フレームから北側ブロックの2階部分を吊る構造とし、共用空間である1階を連続性の高い無柱空間としている。

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The property is a long piece of land (9 meters wide and 24 meters deep) that stretches from the east to the west. Because its neighbors' houses are built right next to the edges of the property, the land looks smaller than its actual size of 214.48 square meters.

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Referencia : the new york five architects // the five 

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Referencia : the new york five architects // the five 

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https://intuarch.com/five-architects/

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https://www.archdaily.com/60259/ad-classics-the-glass-house-philip-johnson

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Text description provided by the architects. Inspired by Mies van der Rohe's Farnsworth House, the Glass House by Philip Johnson, with its perfect proportions and its simplicity, is considered one of the first most brilliant works of modern architecture. Johnson built the 47-acre estate for himself in New Canaan, Connecticut. The house was the first of fourteen structures that the architect built on the property over a span of fifty years.

Completed in 1949, the Glass House was the first design Johnson built on the property. The one-story house has a 32'x56' open floor plan enclosed in 18-feet-wide floor-to-ceiling sheets of glass between black steel piers and stock H-beams that anchored the glass in place. The structure, however, did not impress Mies when he visited the house. It is said that the brilliant mentor to Philip Johnson stormed out in fury because of what he interpreted as a lack of thought in the details of the house.

Nonetheless there are still many features that contribute to the beauty of the house. The clear glass panels create a series of lively reflections, including those of the surrounding trees, and people walking inside or outside of the house, layering them on top of one another creating everchanging images with each step taken around it.

The interior of the Glass House is completely exposed to the outdoors except for the a cylinder brick structure with the entrance to the bathroom on one side and a fireplace on the other side. The floor-to-ceiling height is ten and a half feet and the brick cylinder structure protrudes from the top.

The floor is also made of red brick laid out in a herringbone pattern and is raised ten inches off of ground level. The only other divisions in the house besides the bathroom are discreetly done with low cabinets and bookshelves, making the house a single open room. This provides ventilation from all four sides flowing through the house as well as ample lighting.

Although the house is the primary attraction on the site, Johnson used the expansive land around it to allow his imagination to run and build thirteen more structures that include a guest house, an art gallery, and a sculpture pavilion.

The guest house, connected to the Glass House with a stone path that lays over the expansive lawn immediately surrounding it, is a heavy brick structure, contrasting the extreme lightness and transparency expressed in the Glass House.

The art gallery is buried underground in order to not take away attention from the house, making it windowless which is uncommon for a gallery. Wright's other notable experiment on the site included a sculpture gallery which is "an assymmetrical white-brick shed with a glass roof...conceived as a series of interlocking rooms that step down around an open, central space."

Declared a National Historic Landmark in 1997, the Glass House is still considered a modern marvel. The beauty in its composition along with the rolling landscape have people travelling to visit and experience it firsthand everyday, and with the lines of the Glass House and the other buildings smoothly blending in with the lines of the horizon and the surrounding landscape, one can feel a breathtaking sensation of endlessness.

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AD Classics: The Glass House / Philip Johnson

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Completed in 1949 in New Canaan, United States. Inspired by Mies van der Rohe's Farnsworth House, the Glass House by Philip Johnson, with its perfect proportions and its simplicity, is considered...

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https://www.archdaily.mx/mx/02-169324/clasicos-de-arquitectura-casa-farnsworth-mies-van-der-rohe

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La Casa Farnsworth, construida entre 1945 y 1951, fue diseñada por el arquitecto Mies van der Rohe, como la segunda vivienda para la doctora Edith Farnsworth. La casa está situada en medio de prados y árboles de gran tamaño, bordeando el río Fox, en Plano, Illinois, y es uno de los íconos de la arquitectura del movimiento moderno; caracterizada por ser una simple estructura metálica que sólo se cierra con vidrio.

El pabellón vidriado parece flotar y presenta una fuerte relación con su entorno, el cual preserva casi completamente, mostrando la esencia de la simplicidad en su volumen de forma pura.

Al ser una simple estructura envuelta en vidrio, el proyecto responde a la concepción de un mirador, brindando un homenaje a la belleza del espacio que circunda la casa. La transparencia permite que desde el interior se tenga plena conciencia del paisaje, pero también actúa a la inversa, incorporando el espacio interior de la vivienda al territorio de forma radical. El arquitecto elige conscientemente las condiciones del lugar que asume y el modo de afrontarlas.

Para desligar la casa de cualquier otra intervención humana, Mies decidió omitir un camino de acceso y otros elementos de urbanización. La casa permanece entre los árboles como si flotara, sin perturbar el crecimiento de la hierba, ni la periodicidad y la amplitud del río en su desbordamiento, y poder observar desde su interior esta naturaleza intacta. Durante la primavera, el río se desborda y asciende hasta 60cm por debajo del forjado inferior, completando la previsión del arquitecto, lo que consuma la imagen proyectada. Sin embargo, actuales investigaciones demuestran que el interior de la casa ha recibido agua del desbordamiento en varias ocasiones (1954, 1996, 1997 y 2008).

La vivienda se organiza a partir de dos plataformas rectangulares, a través de las cuales se prolonga hacia el entorno. La primera de ellas separada del suelo por cuatro pilares, a la cual se accede a través de cuatro escalones, actúa como terraza y carece de muros y cubierta. Desde ella, otros cinco escalones idénticos a los anteriores facilitan el acceso a la segunda plataforma, situada a 1,5 metros del suelo y que sostiene a la vivienda mediante ocho pilares de acero.

El acristalamiento completo de las paredes de la casa permite percibir a través de ella el paisaje en el que se inserta, de forma que el edificio pasa a formar parte del propio medio natural, haciéndose casi invisible.

La vivienda consta de un primer espacio, cubierto pero abierto al exterior por tres de sus lados, que se emplea como porche. Pasado éste, se accede al interior de la vivienda con una altura de 2,85 m, donde no existen muros ni divisiones interiores. Solamente un núcleo central de madera, que no llega al techo, excepto en su parte central, contrasta con la fachada de acero y vidrio contiene las instalaciones sanitarias y crea la separación entre la cocina, dos dormitorios y la sala de estar, la cual se orienta hacia el sol y el río.

A pesar de que han habido algunos problemas en la mantención de la casa, debido al desbordamiento del río y de habitabilidad por la poca ventilación en su interior, no hay duda de que esta casa es la máxima expresión del minimalismo. Se utilizaron sólo los elementos mínimamente necesarios para asegurar la estabilidad de la vivienda, como los pilares situados tangencialmente al canto exterior de los forjados, los cuales no interrumpen los planos horizontales, suelo y cubierta que se conforman de idéntica manera.

Arquitecto: Mies van der Rohe
Ubicación: Plano, Ilinois, Estados Unidos
Año Proyecto: 1946-1950
Área Proyecto: 206 m2
Referencias: www.farnsworthhouse.org, wikiarquitectura
Fotografías: Usuarios de Flickr: Greg Robbins, edlifeguard09, 24gotham, mikedugeniohansen; Usuarios de Wikiarquitectura: Hoiol, Map

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Clásicos de Arquitectura: Casa Farnsworth / Mies van der Rohe

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La Casa Farnsworth, construida entre 1945 y 1951, fue diseñada por el arquitecto Mies van der Rohe, como la segunda vivienda para la doctora Edith Farnsworth. La casa está situada en medio de prados y árboles de gran tamaño, bordeando el río Fox, en Plano, Illinois, y es uno de los íconos de la arquitectura del movimiento moderno; caracterizada por ser una simple estructura metálica que sólo se cierra con vidrio.

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https://www.archdaily.com/789618/spotlight-alejandro-aravena

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As founder of the "Do Tank" firm ELEMENTAL, Chilean architect Alejandro Aravena (born on June 22, 1967) is perhaps the most socially-engaged architect to receive the Pritzker Prize. Far from the usual aesthetically driven approach, Aravena explains that "We don't think of ourselves as artists. Architects like to build things that are unique. But if something is unique it can't be repeated, so in terms of it serving many people in many places, the value is close to zero." [1] For Aravena, the architect's primary goal is to improve people's way of life by assessing both social needs and human desires, as well as political, economic and environmental issues.

Born in Santiago de Chile, Alejandro Aravena graduated from the Universidad Católica de Chile in 1992. While teaching at Harvard University between 2000 and 2005, he met engineer Andres Iacobelli, with whom he founded ELEMENTAL on the premise to develop social housing in Chile. From 2010 to 2015, he was a Pritzker Prize Jury member, after which he was selected as the Pritzker Prize Laureate in 2016.

At his Quinta Monroy social housing project, Aravena implemented for the first time one of his signature ideas: the concept of "incremental housing." Given a minuscule budget, instead of designing row houses or small detached houses he proposed to build "half a good house" for the same cost. ELEMENTAL provided a basic house with the necessary sanitary equipment and two rooms for an overall floor space of 40 square meters. With this frame, families took over to build the rest of the house after saving enough money, and progressively changed their homes from low-end social housing to a more desirable unit.

Aravena further developed incremental housing when designing projects like Lo Barnechea, Monterrey and Villa Verde. The latter was built after the 2010 Earthquake and tsunami that destroyed the city of Constitución. For Aravena, " there is nothing worse than answering well the wrong question," which is why he involved all inhabitants in the design process. In doing so, he learned about the need to protect housing not only from tsunamis, but also from recurring floods. Residents highlighted the need for public spaces, and for access to the Maule river. Aravena balanced urgent social needs with individual desires by placing a forest and public walkway between the river and the housing units-an effective design solution that also turned out to be the cheapest.

Beyond social housing, Aravena has developed buildings for universities and municipalities, where he demonstrated his ability to interpret a context and to understand what resources are available. At the Innovation Centre UC, Aravena questioned the need for office buildings to feature glass skins on their facades. He turned this usual typology inside out, designing massive external walls to prevent from overheating, with an open atrium at the core of the building which allows natural light to penetrate into the space. Cross ventilation was possible by opening exterior windows, and the open internal structure created visual connections among employees at different floors.

In 2016, Aravena curated the Venice Biennale "Reporting the Front," where he asked practitioners to report from projects that successfully investigate new fields of action-housing shortage, migration, urban slums, waste and natural disasters among others. The exhibition questions each of these social, economic, and environmental issues individually, but also collectively as Aravena highlights that "architecture is called to respond to more than one dimension at a time, integrating a variety of fields instead of choosing one or another." Aravena insists that these complex issues can only be addressed by synthesizing information into one clear design strategy. "If there is any power in design, that's the power of synthesis," says Aravena, but "scarcity of means requires from the architect an abundance of meaning. The power of architecture is the power of synthesis, to say what you want in two words instead of three, to achieve a solution in as few moves as possible." [2]

Overall, Aravena shows how the quality of a design does not necessarily depend on costs but on the design's intrinsic meaning. A focus on the resouces available can ensure sustainability, as Aravena proved when designing forms that respond to the potentials of nature, common sense and self-construction.

See a selection of Aravena's buildings featured on ArchDaily via the thumbnails below, and further coverage of him at the links below those:
Alejandro Aravena Wins 2016 Pritzker Prize Alejandro Aravena's Pritzker Prize Acceptance Speech Alejandro Aravena Wins 2017 Gothenburg Prize for Sustainable Development AD Interviews: Alejandro Aravena TED Talk: My Architectural Philosophy? Bring the Community Into the Process / Alejandro Aravena It's Elementary (Not): On the Architecture of Alejandro Aravena Alejandro Aravena on Moving Architecture "From the Specificity of the Problem to the Ambiguity of the Question" Critical Round-Up: Did Aravena's 2016 Venice Biennale Achieve its Lofty Goals? Alejandro Aravena Is Profiled by Michael Kimmelman for T Magazine Alejandro Aravena on Design, Venice and Why He Paused His Career to Open a Bar ELEMENTAL Releases Plans of 4 Housing Projects for Open-Source Use Why Aravena's Open Source Project is a Huge Step Toward Better, Cheaper Housing for Everyone Three Years in Villa Verde, ELEMENTAL's Incremental Housing Project in Constitución, Chile Video: Alejandro Aravena on PRES Constitución and Rebuilding After Disaster New York Times Names Alejandro Aravena Among 28 "Creative Geniuses" of 2016 Surface Magazine Examines Alejandro Aravena's "Architecture of Improvement" References:

1. Michael Kimmelman. "Alejandro Aravena, the Architect Rebuilding a Country" 23 May 2016. New York Times. Accessed 15 Jun 2016.

2. Ibid.

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As founder of the “Do Tank” firm ELEMENTAL, Chilean architect Alejandro Aravena (born on June 22, 1967) is perhaps the most socially-engaged architect to receive the Pritzker Prize. Far from the usual aesthetically driven approach, Aravena explains that “We don’t think of ourselves as artists. Architects like to build things that are unique.

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https://mathiasklotz.com/

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Casa Estudio Refugio Urbano / Estudio Berzero Jaros

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Construido en 2016 en Córdoba, Argentina. Imagenes por Federico Cairoli. Sobre el área peri central y prácticamente ligado al Arroyo La Cañada se ubica el terreno de 9 x 16 metros con el fin de resolver un pequeño refugio…

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La Casa Hooper fue la segunda casa proyectada por Marcel Breuer para el coleccionista de arte Edith Hooper y su esposo Arthur. Situada en Baltimore, Maryland, fue construida entre 1958 y 1960.

Dos materiales se han utilizado para construir esta casa, básicamente: piedra y vidrio. Casa binuclear, de forma regular con un ala que contiene dormitorios y una sala de juegos para los niños, y un ala con cocina, comedor y un amplio salón - separados por un patio en el centro, con una vista de un lago. En un nivel subterráneo tiene un garaje y guardado.

A lo largo de los años 50, Breuer desarrolla una interesante serie de variaciones sobre el tema de los espacios que están a caballo entre la terraza y el patio. En el punto conclusivo de esa serie parece encontrarse la casa Hooper. El principio binuclear permite resolver con claridad un amplio programa doméstico. El espacio que se forma entre los dos núcleos, delimitado también por el vestíbulo y un muro de cierre, posee ya todas las características de un patio propiamente dicho.

Otras imágenes

Referencias

http://enredadosenlaweb.com/2012/11/casa-hooper-marcel-breuer/

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Editores y colaboradores de este artículo ¿?

" Alberto Mengual Muñoz " (Ana) " Iñaki M.B.

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Casa Hooper - Urbipedia - Archivo de Arquitectura

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La Casa Hooper fue la segunda casa proyectada por Marcel Breuer para el coleccionista de arte Edith Hooper y su esposo Arthur. Situada en Baltimore, Maryland, fue construida entre 1958 y 1960. Dos materiales se han utilizado para construir esta casa, básicamente: piedra y vidrio.

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Mapa Conceptual Planeación Pizarrón Color Morado Verde Estilo Profesional Moderno

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CASA ESTUDIO REFUGIO URBANO - FUENTES - FARIAS

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casa bkf en villa belgrano - Google Search

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laforet housing gauss housing villa general belgrano caserío quebracho colorado edmundo mariotte fkb arquitectos kustich architecture mariano faraci

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Cicutti - Domínguez - Domínguez

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Más información Menos información
Descripción enviada por el equipo del proyecto. Esta casa fue la oportunidad de probar materiales que no estaba acostumbrado a combinar. La disposición de las vigas en "w" metálicas y los ladrillos de concreto me dieron la rusticidad y precisión exactas para lograr este tipo de armonía.

​El espacio libre polivalente bajo la casa de 55m2 no tiene límites, pero al mismo tiempo contiene un espacio de sombra para refrescarse junto a la piscina.

Además, el balcón "transparente" filtra la cantidad exacta de luz para los asados ​​durante el invierno.

​En el interior, la casa es muy luminosa y no tiene paredes interiores. sólo está dividido por muebles, articulando el balcón casi transparente y las copas de los árboles con el interior del espacio principal.

La estrategia general de la casa plantea un modo de transitar el acceso que garantiza que el recorrido del objeto arquitectónico pueda ir de menor a mayor tanto en privacidad como en permeabilidad y consolidación de los espacios.

De esta manera si bien la obra se ve constituida como un objeto con limites precisos, no lo es en el modo de habitar, permitiendo identificar estos espacios individualmente pero a su vez como partes de un todo.

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Construido en 2021 en Ibarlucea, Argentina. Imagenes por Javier Agustin Rojas. Esta casa fue la oportunidad de probar materiales que no estaba acostumbrado a combinar. La disposición de las vigas en "w" metálicas y los ladrillos...

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Descripción enviada por el equipo del proyecto. White O se emplaza suavemente en un terreno orientado al noreste y tiene atractivas vistas en la misma dirección. La propuesta tiene la intención de hacer un uso dinámico de todo el sitio aprovechando las cualidades especiales creadas por la ladera del terreno.

El sitio y la casa están compuestas juntos como un solo espacio continuo, fluyendo como un recorrido con movimiento de espiral y centrada en un jardín parcialmente cercado.

El aproximamiento a la casa asciende junto a la linea natural de la ladera atrayendo a los visitantes hacia la parte trasera del sitio. Dentro del jardín interior, la ladera se torna continua con el suelo de la casa , fluye alrededor y hacia arriba a las zonas privadas.

Pasada la entrada se encuentra el espacioso living que conduce al área del comedor adyacente.

Ascendiendo por una delicada rampa que envuelve el jardín interior, el interior de la casa hace una transición fluida hacia una zona privada que contiene los dormitorios. Flotando sobre el terreno, estos espacios tienen completa privacidad.

Ascendiendo por la ladera hacia la parte trasera del sitio , entrando a la casa y moviendose a través del continuo interior, la casa y el sitio están compuestos a través una fluida progresión de espacios interiores y exteriores con referencias y orientaciones que cambian gradualmente.

Toyo Ito bautizó esta casa como "White O". Este nombre tiene una conexión con una de las casas más importantes del arquitecto; "White U", diseñada en 1976. Por lo tanto es un nombre en honor a esta obra.

En esta obra se destaca el uso de mobiliario de la línea HORM, fabricado en Chile por Empresas Fernando Mayer. La ficha con la descripción de este mobiliario, se puede encontrar en la sección de materiales de Plataforma Arquitectura.

Puedes ver las también las fotos de la construcción de esta casa que publicamos anteriormente.

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Descripción enviada por el equipo del proyecto. White O se emplaza suavemente en un terreno orientado al noreste y tiene atractivas vistas en la misma dirección. La propuesta tiene la intención de hacer un uso dinámico de todo el sitio aprovechando las cualidades especiales creadas por la ladera del terreno.

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-RODRIGUEZ, Franco
-SALGADO, Facundo
-STOCK, Candela

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CICUTTI - DOMINGUEZ - DOMINGUEZ

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CICUTTI - DOMINGUEZ - DOMINGUEZ

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Grupo 10

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Recuerden sobre todo en esta lógica la importancia de las jerarquías al realizar los mapas gráfico conceptuales

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Recuerden sobre todo en esta lógica la importancia de las jerarquías al realizar los mapas gráfico conceptuales

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-Stock,Candela
-Rodriguez, Franco
-Salgado,Facundo

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La buena vida. Visita guiada a las casas de la modernidad. InÌaki AÌbalos, 2000

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guía 2 habitar como firmitas utilitas y venustas 2023