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Nessa sala que você entra a vários móveis todos da cor vermelha, aí você vira para o lado e há um vidrinho no chão que sai um "líquido" vermelho,se você for seguindo esse rastro vermelho irá chegar no pia com respingos desse "líquido".Desde a primeira vez que eu fui lá virou minha sala de museu favorita.

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A sala de vidro em Inhotim, MG, é um espaço de exposição de arte contemporânea que oferece instalações inovadoras de artistas renomados. O ambiente de vidro proporciona uma experiência única para os visitantes, permitindo a interação entre as obras e a luminosidade natural. As obras exploram temas como o tempo, a natureza e a tecnologia, desafiando os limites da arte e convidando à reflexão. É um local imperdível para quem aprecia a arte contemporânea e busca novas experiências estéticas.

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Nessa sala falava em fotos a cultura indígena e quando e diferente da nossa, ela conta sobre os indígenas que passaram por dificuldade na historia deles, e claro que tem indígenas que já conhecem os nossos abito e costumes mais a maior parte deles não conhecem

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Anoitecer Inhotim é uma das realizações que têm como premissa institucionalizar, cada vez mais, as ações do museu, de forma a garantir sua perenidade, sustentabilidade financeira, democratização do acesso e ampliação da programação artística e educativa. A arrecadação de fundos desta noite será revertida para a manutenção do Inhotim e a continuidade de seus programas artísticos e educativos.

Quando o sol se põe, abre caminhos para que lua e o céu estrelado revelem novas paisagens sobre os jardins e lagos.

Inhotim celebra esse momento da instituição com uma experiência voltada ao tempo e à natureza: o Anoitecer Inhotim.

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Uma das chaves de leitura de Inmensa está justamente em seu título: ao mesmo tempo em que a expressão in mensa em latim significa “sobre a mesa”, sua sonoridade lembra a palavra em português, uma referência aos seus oito metros de altura. Esse trabalho de Cildo Meireles é uma versão baseada na obra homônima criada em 1982, com alterações tanto da sua forma quanto do seu material, que a princípio era madeira. A escultura de aço corten se impõe não só na paisagem, mas também em relação ao corpo do espectador.

Ela tem como o intuito, representar as classes de pessoas no nosso país, desmonstrando a desigualdade que infelizmente está presente até hoje entre nós.

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Essas duas obras criadas por John Ahearn e Rigoberto Torres retratam os cotumes do povo de Brumadinho,um dos murais representa um cortejo religioso de matriz africana,formada pelos grupos locais da região,a outra representa a estação rodoviaria da cidade, que além de ser um terminal também é um espaço de convívio.Quando eu ví essa obra percebi tinha significado de representa o povo da cidade que acolheu o projeto do museu é por isso essa é uma das minhas favoritas.

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um pavilhão de vidro e aço revestido de película plástica,um poço tubular de 202m de profundidade com microfones e equipamentos de amplificação sonora,que captam os sons da terra e transmitem em tempo real.

Eu achei a experiência bem legal e interessante pois além de poder ouvir o som da terra,é um som único de se ouvir na vida por ser transmitido em tempo real.

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Na cultura chinesa, monumentos monolíticos carregados por uma tartaruga são comuns em lugares sagrados e espaços públicos, servindo como fonte de contextualização histórica do local e simbolizando poder político ou religioso. A tartaruga representa longevidade, resistência e solidez, daí sua presença em tais monumentos. Na obra Gui Tuo Bei (2001), Zhang Huan parte dessa tradição, entretanto, ao libertá-la de um contexto histórico-cultural pré-estabelecido, ele amplia seus significados. Situada num ponto de destaque em Inhotim, ao final da alameda que originalmente conduzia à sede da antiga fazenda, Gui Tuo Bei (2001) contrasta com as demais esculturas do parque. O estranhamento não se dá apenas pela escrita chinesa, mas também por algo de ancestral, de atemporal que a obra evoca. O texto gravado na pedra narra a história de um homem, que apesar da idade avançada, consegue com a ajuda de seus descendentes mover as montanhas que bloqueavam o caminho de sua casa. Além da mensagem universal – determinação e esforço levam à realização de qualquer objetivo – a obra revela ainda uma dimensão auto referencial: a face do artista esculpida na tartaruga expressa o árduo trabalho de sustentar uma tradição e projetar-se para além dela. O trabalho de Zhang Huan inclui escultura, pintura, fotografia e, principalmente, performances que exploram questões ligadas ao corpo e suas relações com a história e a sociedade. Para mim foi uma das melhores esculturas que já vi e extremamente interessante, sem falar na sua grande estrutura e combina extremamente com o local.

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A Galeria Galpão recebe, a partir do dia 13/04, O Barco (2021), de Grada Kilomba, uma obra escultórica, performática e poética, inédita no Brasil.

A produção da artista é particularmente conhecida pela prática subversiva de contar histórias e pelas suas imagens imersivas e poéticas, nas quais dá corpo, voz, forma e movimento aos seus próprios escritos. Ao longo do deslocamento entre os blocos, o visitante depara-se com um poema escrito por Kilomba e traduzido para 6 idiomas: Yorubá, Crioulo de Cabo Verde, Kimbundu, Português, Inglês e Árabe da Síria. Eu achei essa obra muito interessante e mostra histórias diversas pela poesia.

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inhotim Grada Kilomba, “O Barco” (2021) 

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A Galeria Galpão recebe, a partir do dia 13/04, O Barco (2021), de Grada Kilomba, uma obra escultórica, performática e poética, inédita no Brasil.

A produção da artista é particularmente conhecida pela prática subversiva de contar histórias e pelas suas imagens imersivas e poéticas, nas quais dá corpo, voz, forma e movimento aos seus próprios escritos.

No trabalho O Barco (2021), 134 blocos de madeira queimada estendem-se por 32 metros, dispostos em referência à arquitetura do fundo das embarcações que levavam pelo oceano milhões de corpos africanos escravizados. Ao longo do deslocamento entre os blocos, o visitante depara-se com um poema escrito por Kilomba e traduzido para 6 idiomas: Yorubá, Crioulo de Cabo Verde, Kimbundu, Português, Inglês e Árabe da Síria.

A instalação escultórica é acompanhada, ainda, de três atos de performance, que acontecem ao longo do período de exibição do trabalho no Inhotim.

Performance

No domingo, 14 de abril, às 14h, acontece a performance do primeiro ato com o grupo Ensemble Lisboa, na Galeria Galpão. O Ensemble Lisboa reúne vozes do gospel e da ópera, bem como percussionistas e bailarinos clássicos. Nos próximos atos, acontecerá a reencenação da performance com um grupo formado por artistas locais de Brumadinho e região.

A entrada será gratuita para os visitantes do parque, mediante retirada de ingresso uma hora antes da apresentação na Galeria Galpão (ingressos limitados).

A mostra O Barco (2021), de Grada Kilomba, conta com a Vale como mantenedora master, e com o patrocínio master da B3 e da Shell, por meio da Lei Federal de Incentivo à Cultura.

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Grada Kilomba, "O Barco" (2021) - Inhotim

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A obra "O Barco", da artista Grada Kilomba, é apresentada no Inhotim a partir de abril de 2024

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O Instituto Inhotim é um museu de arte contemporânea e Jardim Botânico, localizado em Brumadinho, Minas Gerais. Idealizado desde a década de 1980 pelo empresário mineiro Bernardo de Mello Paz, do solo ferroso de uma fazenda nasceu, no ano de 2006, um dos maiores museus a céu aberto do mundo. Esse Instituto é bastante conhecido não apenas por sua história, mas também por sua localização privilegiada, entre os ricos biomas da Mata Atlântica e do Cerrado, além das paisagens exuberantes que o rodeiam. Os 140 hectares de visitação proporcionam aos visitantes uma experiência única que mescla arte e natureza.

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A Galeria Adriana Varejão é um espaço dedicado à obra da artista brasileira Adriana Varejão, localizado no Centro de Arte Contemporânea Inhotim, em Brumadinho, Minas Gerais. A galeria foi inaugurada em 2019 e abriga uma coleção de obras da artista que abrangem diferentes períodos de sua carreira.O projeto arquitetônico da Galeria Adriana Varejão foi realizado pelo escritório Tacoa Arquitetos Associados. A galeria é composta por dois volumes retangulares interligados por um pátio central. O volume principal abriga as salas de exposição, enquanto o segundo volume abriga um auditório e outras áreas de apoio.

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A Sala de Velas Carlos Garaicoa no Inhotim é uma instalação artística criada pelo artista cubano Carlos Garaicoa. Localizada no Instituto Inhotim em Brumadinho, Minas Gerais, essa obra consiste em uma sala escura preenchida com velas dispostas em um padrão de grade. Cada vela representa uma "luz de memória", homenageando momentos históricos perdidos e espaços urbanos esquecidos. A instalação tem como objetivo evocar um sentimento de reflexão e contemplação, incentivando os visitantes a pensar sobre a passagem do tempo e os aspectos frequentemente negligenciados da história e da decadência urbana.

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Texto feito pela Maria Fernanda Cândido-802

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Inaugurada em 2009, a galeria é o resultado de um processo de cinco anos entre pesquisa, projeto e construção da obra Sonic Pavilion, desenvolvida a partir da experiência do artista Doug Aitken, no Instituto Inhotim. No centro do espaço, há um orifício de 202 metros de profundidade, por onde passam um conjunto de microfones que captam os sons da terra. Transmitido em tempo real, os ruídos emitidos ocupam todo o ambiente. Os vidros da galeria são revestidos de um filtro que torna a paisagem – de vales a montanhas – nítida quando vista de frente, e difusa quando observada a partir de qualquer outro ângulo.

Me senti maravilhada assim que entrei no espaço o sons calmos e também barulhentos da terra me deixaram encantada confesso que foi a minha obra preferida que com certeza irei la todas as vezes afinal nossa guia nos contou que os barulhos são únicos e toda vez que você entra lá e uma experiencia diferente.

Essa excursão me ensinou muito... eu pude aprender mais sobre as criticas a sociedade,como nosso planeta e surreal de incrível,aprendi sobre a natureza,sobre a realidade dos povos indígenas isolados,etc..

E pude ter mais um grande exemplo de que arte não e só um desenho ou uma pintura.

O que mais me chamou atenção tirando a obra "o sons da terra" foi o ambiente era tudo tão calmo o ar era bem mais puro era lindo os lagos as plantas diferentes as arvores... tudo que trazia uma enorme paz...

Eu ouvi diversas coisas que não sabia... ouvi sobre um rio que abastecia Belo Horizonte e mais um tanto de cidades,descobri o verdadeiro significado das obras,ouvi e vi plantas jamais encontradas no dia a dia aprendi sobre a cultura indígena,e muitas outras coisas!!

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Essa é uma obra de Jarbas Lopes composta por três fuscas coloridos, amarelo, azul e vermelho, que tiveram suas partes trocadas, resultando em três carros multicoloridos. O mais interessante é que eles foram usados em 2002, pelo artista e amigos, em uma viagem do Rio de Janeiro a Curitiba.

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A sala onde tá rolando essa exposição "Glover Trotter" é simplesmente incrível! Quando você entra lá, é como se mergulhasse em outro mundo, totalmente surreal e cheio de estilo. Cada foto do Tim Walker com a Mulberry é uma história visual por si só, cheia de detalhes loucos que te fazem querer saber mais. É uma mistura única de moda e arte que não só impressiona, mas também te faz refletir sobre como a criatividade pode transformar algo comum em algo extraordinário. É uma daquelas experiências que fica na memória.

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Invenção da Cor, Penetrável Magic Square #5, De Luxe (1977) foi construída postumamente, a partir das instruções deixadas por Hélio Oiticica em textos, plantas, maquetes e amostras. O uso do termo square, que traduzido para português pode significar tanto ‘praça’ quanto ‘quadrado’, revela elementos fundamentais para o pensamento do artista: o interesse pelo espaço público como lugar de encontro e a herança da tradição geométrica em sua formação. A cor atinge a escala ambiental. A presença da luz natural completa a obra, modificando-a a cada instante.”

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Na obra á 3 fuscas ,a obra é de Jarbas Lopes,essa obra representa 3 amigos que viajaram do Rio de Janeiro a Curitiba,são composta pelas cores primarias,azul,amarelo e vermelho,que tiveram suas cores trocadas resultando em 3 carros multicoloridos ,o mais interessante é que eles foram usados em 2002 e até hoje está como se ninguém

tivesse tocado .

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Desvio para o vermelho - Cildo Meireles - Google Arts & Culture     (Rafaela Cristine-801)

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Desvio para o vermelho (1967-1984) apresenta duas datas na legenda: o ano em que o projeto foi concebido (1967) e o ano de sua primeira montagem, no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, em 1984, e, no Inhotim, ganha exibição permanente desde 2006. O título da obra de Cildo Meireles faz referência ao fenômeno Físico “desvio para o vermelho”, um caso particular do Efeito Doppler que indica a cor vermelha como frequência de ondas de luz percebida pelo observador quando os corpos celestes se afastam.

Dividido em três ambientes articulados, o primeiro deles (Impregnação) reúne uma exaustiva coleção de móveis, objetos e obras de arte em tons de vermelho, organizados em uma sala. A saturação monocromática do primeiro ambiente contrasta com a penumbra do segundo (Entorno), onde observamos uma pequena garrafa caída no chão, cujo líquido vermelho derramado produz uma grande mancha no espaço. Este caminho do líquido nos conduz a uma sala totalmente escura (Desvio), onde somos guiados pelo som de água corrente. A escuridão é quebrada apenas por uma pia deslocada, por onde sai uma água vermelha que cria a sonoridade do ambiente. Ao chegar a primeira impressão foi de uma sala bonitinha e toda vermelha, mas esta obra me intrigou muito mais do que eu pudesse imaginar, com seu jeito de expressar, no fundo da sala quando vi uma única torneira com líquido vermelho foi algo completamente surreal. Senti um arrepio ao vê-la no meio da escuridão.

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Desvio para o vermelho - Cildo Meireles - Google Arts & Culture

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Desde o fim da década de 1960, Cildo Meireles tem se afirmado como voz única na arte contemporânea, construindo uma obra impregnada pela linguagem internac…

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Celacanto provoca maremoto (2004-2008) foi apresentada pela primeira vez, em 1999, na Galeria Camargo Vilaça (São Paulo) em versão reduzida e com outro título: “Azulejões”. Foi a partir de sua montagem na Fondation Cartier pour l’Art Contemporain (França), em 2005, que Adriana Varejão concebeu o formato atual do trabalho, que hoje ocupa as quatro paredes da sala da galeria.

A artista tem como ponto de partida a azulejaria barroca portuguesa, em que o jogo de formas, volumes e sombras é recorrente nesse estilo artístico. Aqui, quatro paredes com 184 azulejões, com a superfície craquelada como se tivessem sofrido a passagem do tempo, são montados de maneira desordenada, a produzir a aparência de uma grande onda, um maremoto. O título da obra remete às pichações encontradas no Rio de Janeiro, na década de 1970, feitas por Carlos Alberto Teixeira, que se inspirou na frase que ouviu na série japonesa National Kid, e que teve grande repercussão na época.

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O local que nós chamamos de "Doug Aitken" foi inaugurado em 2009, a galeria é o resultado de um processo de cinco anos entre pesquisa. No centro do espaço, há um orifício de 202 metros de profundidade, por onde tem vários microfones que captam os sons da terra. Transmitido em tempo real, os barulhos que a Terra faz, fazendo o som se circular por todo o ambiente.

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Um dos espaços mais famosos do Instituto Inhotim é o "True Rouge", uma instalação artística criada pelo renomado artista brasileiro Tunga. Neste espaço, os visitantes se deparam com uma escultura monumental envolta em mistério e magia, que combina elementos de arte, arquitetura e natureza de forma única. A obra é composta por uma série de salas interligadas, cada uma com suas próprias histórias e significados, proporcionando uma experiência sensorial envolvente e instigante para os visitantes.

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Inaugurada em 2009, a galeria é o resultado de um processo de cinco anos entre pesquisa, projeto e construção da obra Sonic Pavilion, desenvolvida a partir da experiência do artista Doug Aitken, no Instituto Inhotim. No centro do espaço, há um orifício de 202 metros de profundidade, por onde passam um conjunto de microfones que captam os sons da terra. Transmitido em tempo real, os ruídos emitidos ocupam todo o ambiente. Os vidros da galeria são revestidos de um filtro que torna a paisagem – de vales a montanhas – nítida quando vista de frente, e difusa quando observada a partir de qualquer outro ângulo.

Desde a primeira vez que eu visitei o Inhotim essa se tornou uma das minhas obras favoritas, ela passa uma impressão muito diferente ao ouvir os sons e me traz uma paz muito grande ao observar todo o ambiente em minha volta.

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Essa arte de Cildo Meireles mostra Uma mesa encima de outra mesa encima de outra mesa encima de outra assim até chegar em um ponto que não da para notar ás mesas peguininínhas que sustem tão tudo isso,

Para mim traz um sentimento de realidade pois essa obra se refere a própria sociedade que nós vivemos augo triste mas é a vida que nós vivemos e nada que queremos fazer vai mudar, então a unica coisa que podemos fazer para mudar isso "A resposta esta no passado da França".

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By Means of a Sudden IntuitiveRealization

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By Means of a Sudden IntuitiveRealization

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By Means of a Sudden Intuitive Realization (1996) foi exibida pela primeira vez na Manifesta Biennale I (1996), em Roterdã (Holanda). Olafur Eliasson toma como ponto de partida a arquitetura utópica e visionária de Richard Buckminster Fuller (1895-1983), que ao longo de sua vida, se inspirou em formas geodésicas presentes na natureza para projetar construções simples e sustentáveis.

Aqui, essa estrutura abriga um jato vertical de água que, sob o efeito da luz estroboscópica, parece estar em um estado de suspensão, como uma escultura. Esta instalação dialoga com outras obras do artista, que recriam artificialmente fenômenos naturais, para investigar a nossa percepção da luz, do tempo, da gravidade, do movimento e do som.

Para mim essa foi uma das melhores obras.

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Desvio para o vermelho (1967-1984) apresenta duas datas na legenda: o ano em que o projeto foi concebido (1967) e o ano de sua primeira montagem, no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, em 1984, e, no Inhotim, ganha exibição permanente desde 2006. O título da obra de Cildo Meireles faz referência ao fenômeno Físico “desvio para o vermelho”, um caso particular do Efeito Doppler que indica a cor vermelha como frequência de ondas de luz percebida pelo observador quando os corpos celestes se afastam.Dividido em três ambientes articulados, o primeiro deles (Impregnação) reúne uma exaustiva coleção de móveis, objetos e obras de arte em tons de vermelho, organizados em uma sala. A saturação monocromática do primeiro ambiente contrasta com a penumbra do segundo (Entorno), onde observamos uma pequena garrafa caída no chão, cujo líquido vermelho derramado produz uma grande mancha no espaço. Este caminho do líquido nos conduz a uma sala totalmente escura (Desvio), onde somos guiados pelo som de água corrente. A escuridão é quebrada apenas por uma pia deslocada, por onde sai uma água vermelha que cria a sonoridade do ambiente.

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A estrutura é composta por mesas e cadeiras de diferentes tamanhos e proporções, que se sobrepõem como módulos. Contrariando a lógica construtiva, aqui são as peças menores e mais leves que sustentam as peças maiores e mais pesadas. Essa dinâmica provoca uma reflexão sobre as noções de hierarquia e equilíbrio, conceitos que se originam no campo da física, mas, nesta obra, se expandem para a reflexão sobre a arte e as estruturas sociais ou de poder.

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OBRA EM GALERIA

Através

1983 – 1989

Materiais diversos

Cildo Meireles

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Obra Através, 1983-89, de Cildo Meireles. Acervo de arte contemporânea Inhotim

Cildo Meireles, Através, 1983-89, materiais diversos, 600x1500x1500 cm. Foto: Daniela Paoliello

Obra Através, 1983-89, de Cildo Meireles. Acervo de arte contemporânea Inhotim

Cildo Meireles, Através, 1983-89, [detalhe]. Foto: Eduardo Eckenfels

Através (1983-1989) tem como ponto de partida as lembranças de Cildo Meireles, de sua infância, de um momento de mudança quando se podia circular livremente entre os espaços domésticos e a rua para quando esses espaços passaram a ser cerceados por mecanismos de vigilância, tanto no sentido físico quanto no psicológico e ideológico.

O artista parte de objetos e materiais corriqueiros para o uso de construção de barreiras – como grades, cercas e arames – para que, através de um jogo formal de elementos, o visitante caminhe por esse labirinto, cujo chão forrado por cacos de vidro introduz o som como instaurador da atmosfera do trabalho.

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-Através ( 1983-1989) tem como ponto de partida as lembaranças de Cildo Meireles, de sua infância, de um momento de mudança quando se podia circular livremente entre os espaços domésticos e a rua para quando esses espaços passaram a ser cerceados por mecanismos de vigilância, tanto no sentido físico quanto no psicológico e ideológico.

O artista parte de objetos e materiais corriqueiros para o uso de construção de barreiras ( como gardes, cercas, e arames )

para que através de um jogo formal de elementos, o visitante caminhe por esse labirinto, cujo chão forrado por cacos de vidro introduz o som como instaurador da atmosfera do trabalho.

É uma sala incrível em minha opnião, o efeito causado ao observar todo o labirinto com paredes de vidr, arame , cordas e etc, e estar pisando em cacos de vidro, que também causa um efeito sonoro.

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quando esses espaços passaram a ser cerceados por mecanismos de vigilância,  tanto no sentido físico quanto no psicológico e ideológico.

O artista parte de objetos e materiais corriqueiros para o uso de construção de barreiras – como grades, cercas  e arames –  para que, através de um jogo formal de elementos, o  visitante caminhe por esse labirinto, cujo chão forrado por cacos de vidro introduz o som como instaurador da atmosfera do trabalho.

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Cildo Meireles, Através, 1983-89, materiais diversos, 600x1500x1500 cm. Foto: Daniela Paoliello

Cildo Meireles, Através, 1983-89, [detalhe]. Foto: Eduardo Eckenfels

Através (1983-1989) tem como ponto de partida as lembranças de Cildo Meireles, de sua infância, de um momento de mudança quando se podia circular livremente entre os espaços domésticos e a rua para quando esses espaços passaram a ser cerceados por mecanismos de vigilância, tanto no sentido físico quanto no psicológico e ideológico.

O artista parte de objetos e materiais corriqueiros para o uso de construção de barreiras - como grades, cercas e arames - para que, através de um jogo formal de elementos, o visitante caminhe por esse labirinto, cujo chão forrado por cacos de vidro introduz o som como instaurador da atmosfera do trabalho.

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Conheça a obra Através (1983-89), do artista Cildo Meireles, em exposição no Instituto Inhotim, museu de arte contemporânea e Jardim Botânico