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Nombre: El Partenón.

Autor: Ictinos y Calícatres (arquitectos) & Fidias (escultor). Los 3 crearon este monumento bajo el mandato de Perícles.

Cronología: 447- 432 a.C.

Estilo: 1er Clasicismo Griego.

Localización: Acrópolis de Atenas, (Grecia).

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Concepto: El Partenón es un templo de orden dórico, estaba dedicado a la diosa Atenea Parthenos, diosa protectora de la ciudad.

Estructura: Templo períptero, octástilo, con los pórticos anterior y posterior hexástilos, realizado en mármol blanco.

La naos en el interior tiene una columnata que rodea la crisoelefantina (escultura de oro y marfil de la diosa hecha por Fideas).

A través de los opistodomos se puede acceder a una cámara con 4 columnas jónicas que se utilizaba probablemente como tesoro.

El exterior estaba decorado y policromado con azules, amarillos y rojos un ejemplo de búsqueda de la armonía y proporción. Estaba decorado también con frontones (conjunto de estatuas de mármol pentélico), con metopas ( figuras en una parte rectangular del mármol que ocupa parte del friso) y el friso (denomina a la parte ancha de la sección central de un entablamiento).

Refinamientos ópticos: Puede parecer que haya errores en la construcción de este templo pero únicamente se trata de corregir efectos ópticos, por ejemplo:

-La distancia desigual entre las columnas que da una sensación de pesadez.

-El estilobato y entablamento convexos.

-Las columnas ligeramente inclinadas al centro menos las dos centrales.

-Las columnas por el centro más anchas.

Evolución: El Partenón tuvo diferentes usos a lo largo de la historia, aunque el principal haya sido de templo, también fue mezquita y en el S. XVII usado por los turcos como polvorín (época en la que fue bombardeado destruyendo su parte central).

Influencias: El Partenón ha sido una inspiración para arquitecturas posteriores, en la misma ciudad de Atenas por ejemplo para El Templo de Atenea Niké o también el Templo de Hephaestus (Hefestión) y dando un giro a la actualidad tenemos lugares como El Capitolio de los Estados Unidos (Washington), El museo Británico (Londres) o La iglesia de la Madeleine (París).

Video. Dron sobrevolando La Acrópolis de Atenas.

Video II. El Partenón, explicación.

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-Iyara Fernández Lobo-

Título: Victoria de Samotracia.

Autor: Se le atribuye a Pithokritos (perteneciente a la escuela de Rodas)

Cronología: se cree que se construyo hacia el año II a.c (aproximadamente en el año 190 a.c) y fue descubierta en el año 1863.

Periodo Helenístico

Tema mitológico: Atenea Nike

Localización: se encontró en Hierón de Samotracia en una zona en la que ya se habían encontrado más obras denominado El Santuario de los grandes Dioses o Santuario de Dioses Cabiros. Actualmente se encuentra en el museo del Louvre en París.

Estas esculturas (Las Nikes) tenían un sentido conmemorativo ya que representaban las victorias navales (solían representarse en la proa de un barco), esta específicamente se cree que representa la victoria sobre Antíoco III Megas. Como se puede ver en el Louvre está representada sobre una base en forma de proa de barco u encima se encuentra la escultura que tiene las telas que componente el vestido hacia atrás aportando dinamismo a la obra.

Sobre la obra:

-Se trata de una obra exenta.

-Está compuesto de mármol blanco de Paros y la base sobre la que se levanta de mármol gris con betas blancas.

-Esta realizada con la técnica de paños mojados que aporta volumen, sensualidad y dinamismo.

- actualmente está restaurada un ala y no se conservan ni la cabeza ni los brazos aun así se considera una de las estatuas mejor conservadas.

- Se han encontrado evidencias de que anteriormente poseía una lanza.

Se puede llegar a considerar la obra maestra del periodo helenístico

Video: https://youtu.be/Lv7yRYOikcE?si=gHL9ob6W4MKIlC_p

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[Sergio]

Ficha técnica.

Son un total de 92 relieves del periodo clásico, en mármol, adosados al friso del Partenón y realizados por Fidias en el 440 A.C. Actualmente los podremos en el British Museum.

Significado.

En la cara norte, se representa la Guerra de Troya, un acontecimiento que pone al pueblo griego como superior y ensalza su astucia. En la sur está representada la Centauromaquia, la batalla entre Tesalia y los centauros. Otra metáfora a que la razón (los humanos) ganan a las bestias (los centauros eran mezcla de animal y hombre). En la este se ve la Gigantomaquia, que de nuevo pone a la razón y los dioses como vencedores sobre el caos. Por último, en la oeste se encuentra la Amazonomaquia, la pelea contra guerreras extranjeras y salvajes. Todo este ensalzamiento no es casualidad, el Partenón se ubica en la Acrópolis, la zona más elevada y sagrada de Atenas.

Análisis formal.

Miden de alto 1.20m con 1.25m de ancho. Al estar esculpidas por Fidias representan perfectamente al primer clasicismo y sus características. Ya se empieza a desarrollar una anatomía perfecta, que en algunos casos se ve aún más por la técnica de paños mojados (se pegan los pliegues de la ropa al cuerpo y se juega con los volúmenes). A esto también le ayuda que se empiece a desarrollar el canon de 7 cabezas que perfecciona las proporciones. Sin embargo la expresividad de las caras no es óptima todavía, ya que todas evocan tranquilidad aunque sus cuerpos estén luchando y curvados (contrapposto). Por último, el movimiento no es singular, sino grupal. Es decir, van en bloques, no está cada uno en un sentido.

Más.

Las metopas no son el único proyecto escultórico del Partenón. En el interior hay una escultura de 12m de Atenea, en el friso la procesión de las panateneas. En el exterior, en el frontón occidental una representación de la pelea de Poseidón y Atenea por la ciudad y en el oriental el nacimiento de esta. También está en discusión si el Reino Unido debería devolver las Metopas. Aquí un vídeo sobre ello.

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Escultura griega. Segundo Clasicismo (S. IV a.C)

HERMES CON DIONISIOS NIÑO

Autor: Praxiteles

Fecha: 340-330 a. C.

Tema mitológico: Hermes (dios mensajero, ofrece un racimo

de uvas a Dionisos (dios del vino y la fiesta) al que lleva al Olimpo

para que lo cuiden las ninfas.

Localización: Fue realizada para el templo de Hera en Olimpia. Actualmente en

el Museo Arqueológico de Olimpia 2.

Función: Muy posiblemente para conmemorar la paz entre Elis y Arcadia, ya que Dionisio era el patrón de la primera y Hermes el patrón de la segunda. Decorativo.

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-Uno de los pocos modelos originales que han llegado a nuestros días.

-Grupo escultórico de bulto redondo, de tipo figurativo y carácter naturalista.

-Material: mármol.

-El cuerpo de Hermes describe una línea sinuosa en su lado derecho, resaltada por le elevación de la cadera.

+Curva Praxiteliana exagera el contraposto para dar más movimiento.

-La curva de la cadera contrasta con la línea recta que marca el tronco, manto y Dionisios.

+El manto cae de forma natural, marcando unos pliegues desordenados.

-Destaca el rostro de Hermes de gran belleza y ligeramente más expresivo que lo que vemos en el periodo clásico puro.

+Trabajo de sus cabellos (trépano)

+Ojos entornados

+Labio carnoso que aporta sensualidad

Influencias

Por un lado podemos establecer una relación de influencias con su padre, Cefisódoto y, por el otro, con el escultor del siglo V Policleto y su canon.

Vídeo explicativo (x1,25)

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𝒞𝑜𝓁𝒾𝓈𝑒𝑜

Fecha: 70-80 d.C.

Auto: Tito Flavio Vespasiano (lo mando construir pero no se sabe quien lo diseño)

Localización: En el centro de Roma

Tipología: Anfiteatro, arquitectura civil de ocio

Material: Bloques de mármol travertino, hormigón, ladrillo, piedra y estuco (cal+yeso)

Periodo: Imperial Romano

Características:

- Se llama asá por la estatua del Coloso de Nerón y por sus grandes dimensiones.

- Planta oval o elíptica

- En el centro está la arena, donde se hacían los espectáculos que podían ser de varios tipos: lucha de gladiadores, cacerías o batallas navales.

- La cávea (los asientos), tenia un aforo de 50.000 espectadores. El acceso al anfiteatro se realizaba a través de los arcos del piso inferior. Las comunicaciones entra cada uno de los nivel se hacían a través de rampas o escaleras.

- Al exterior, se estructuraba en 4 pisos formados por arcos de medio punto que era lo que permitía la altura al anfiteatro (en diferencia de en Grecia que utilizaban una ladera natural para dar altura).

primer piso, orden toscano

segundo piso, orden jónico

tercer piso, orden corintio

ultimo piso, tiene pilastras adosadas a la pared

- Los huecos de los arcos originalmente estaban decorados con esculturas.

- Sirve de influencia para el Renacimiento y para el Barroco.

VIDEO

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Denominación: El panteón de Agripa

Localización: Roma

Periodo al que pertenece: siglo i: Arte romano imperial

Cronología: 126 a.C.

Autor: Apolodoro de Damasco

Lo mando construir: el emperador Marco Agripa en el año 27 a.C.

Aspectos relevantes de la sociedad para comprender el Panteón

En la sociedad romana, religión y política estaban profundamente entrelazadas. Los templos, como el Panteón, no solo eran lugares de culto, sino también símbolos del poder imperial y la conexión divina de los gobernantes.

La construcción original por Marco Agripa enfatizaba el culto a todos los dioses, reflejando la integración cultural del Imperio. Adriano, al reconstruirlo, consolidó la idea de Roma como el centro espiritual del mundo.

Circunstancias en las que se realiza la obra

Original (27 a.C.):

Construida en el contexto de la consolidación del Imperio Romano bajo Augusto, el Panteón de Agripa simbolizaba la estabilidad y el poder del nuevo régimen.

Marco Agripa, aliado cercano de Augusto, utilizó el templo para fortalecer su posición política y religiosa.

Reconstrucción (118-125 d.C.):

Durante el gobierno de Adriano, el Imperio alcanzó uno de sus momentos de mayor estabilidad y prosperidad. Adriano era un emperador amante de las artes, la filosofía y la arquitectura, y veía estas obras como una forma de inmortalizar su legado.

La reconstrucción también ocurrió en un contexto de renovación urbana, con edificios emblemáticos que reflejaban la grandeza romana.

Aspectos generales del arte en esa época

Arte funcional y monumental:

El arte romano tenía un fuerte énfasis en la utilidad y la propaganda. Las construcciones eran diseñadas para durar, impresionar y comunicar la grandeza de Roma.

Influencias griegas y etruscas:

Aunque los romanos desarrollaron su propio estilo, adoptaron elementos arquitectónicos como columnas y órdenes de la tradición griega, combinándolos con su enfoque práctico.

Innovación técnica:

La ingeniería romana, como el uso del concreto y el desarrollo del arco y la bóveda, permitió construir espacios amplios y diáfanos que no eran posibles en épocas anteriores.

Propaganda visual:

Los monumentos eran herramientas de propaganda, diseñados para glorificar al emperador y su legado, como se ve en la inscripción del Panteón que menciona a Agripa pero oculta la participación directa de Adriano.

Analisis formal

El edificio tiene dos partes bien diferenciadas, por una parte, el pórtico de entrada que simula un templo griego con ocho columnas de orden corinto, rematado por un frontón triangular y cubierta a doble vertiente, y por otra parte el edificio en si de planta centralizada.

Es un edificio religioso, dedicado a todos los dioses. El pórtico está sostenido por 16 columnas de granito egipcio con capiteles y basas de mármol blanco y se remata con frontón triangular.

Es un edificio colosal, que muestra la grandiosidad y monumentalidad del pueblo romano. La cúpula del Panteón es la más grande que se ha construido hasta ahora sin el uso del hormigón armado y tiene un diámetro de 43 metros aproximadamente.

En centro de la cúpula destaca el óculo de casi nueve metros de diámetro que contribuye a aligerar el peso de la misma mientras que por otro lado permite la entrada de la luz en el interior del edificio.

La cubierta fue realizada gracias al conocimiento y el dominio del hormigón y se apoya sobre unos muros de seis metros de espesor.

Su simbolismo, lo más seguro es que aluda al universo, que para los romanos era como una inmensa cúpula en cuyo interior se hallaba el Sol, representado en este caso por el óculo. Para realizar una cúpula de ese tamaño tuvieron que utilizar un encofrado de madera.

La distancia a la que se encuentra la cúpula del suelo y su diámetro es el mismo, es decir, en ambos casos es de 43,30 metros. El hormigón de la cúpula emplea materiales más ligeros a medida que va ascendiendo y en la parte superior se recurre a la piedra pómez, muy ligera y porosa. A su vez, la cúpula está decorada con casetones que descienden su tamaño con la altura, elemento que despues se recupera en el Renacimineto.

Vídeo:

https://youtu.be/dovesZA-l1Q?si=RpkMNl0FlEyCGijj

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Augusto de Prima Porta / Claudia Sánchez

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Augusto de Prima Porta / Claudia Sánchez

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-Cronología: 14 d.c aprox, copia encargada por Livia su mujer ( copia de mármol de un original del 40 a.c)

-Tipología: escultura exenta

-Función: propagandística

Representación thoracata del emperador Octavio Augusto, esta vestido de militra, con la coraza y con el mando consular, en actitud de dirigir a sus tropas. En la mano izquierda tiene el bastón consular.

Toma como modelo el Doríforo de Policleto, aunque posee mayor dinamismo por su brazo extendido. Influencia Griega( Contrapposto)

Es un retrato con rasgos propios pero idealizado. Tiene una expresión serena y actitud llena de dignidad repesentación de un gobernante lleno de naturalidad y dignidad.

Originalmente estaba policromada para dotar a la estatua mayor realismo.

Técnica muy cuidada y detallista, el tratamiento detallista de la coraza imperial : - en la coraza aparecen relieves que aluden a la paz augusta.

Parte inferior aparece un delfín y una figura de cupido.

Se encuentra descalzo como un héroe.

Vídeo:

https://www.youtube.com/watch?v=0LlVnHY7eiE

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Nombre: La Alhambra de Granada

Autor: Yusuf I y Muhammed V

Cronología: S. XIII-XV

Localización: Granada, España

Estilo: Islámico Nazarí

Materiales: Yeso, ladrillo, piedra, madera, cerámica, azulejos, teja, vidrio, marfil y piedras preciosas

Concepto: Es una joya arquitectónica, un emblema del legado islámico en España, es un conjunto de palacios, jardines y fortalezas que sirvieron como corazón del Reino nazarí de Granada

Entorno e integración urbanística: Fue elegida estratégicamente en lo alto de la colina granadina de La Sabica, dominando la cuidad. Sus edificios y jardines se disponen adaptándose a la orografía del terreno y a las necesidades residenciales.

Función, contenido y significado: Era una verdadera ciudadela dentro de la propia Granada, con funciones administrativas de la corte y residencia real.

En ella, se yuxtaponen varios palacios organizados cada uno de ellos en torno a patios o jardín.

El Palacio de los Leones era el ala privada para los aposentos de la familia real

El Palacio de Comares/ Mexuar, la actividad administrativa y las recepciones oficiales se desarrollaban allí

Características: Exterior con aspecto sobrio.

En el interior, arte sensorial, decorativo y colorista.

Azulejos en la parte baja del muro, revestimiento de yeso en el resto del muro, cubiertas de madera o bóvedas con mocárabes.

Uso del mocárabe: arcos, puertas, ventanas, capiteles, cúpulas y trompas

Uso de columna nazari, de carácter decorativo, de mármol, fuste cilíndrico, capiteles con dos cuerpos…

Integración del agua y vegetación en todas sus construcciones

Vídeo

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Obra: Arco de Tito                               Cronología: Siglo I, año 81.                 Ubicación: Foro Romano.                           Estilo: Romano Imperial.                     Material: Mármol.                                              Dimensiones: 15.4m de altura.   

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Año: 81

Roma.

Estilo: Romano Imperial.

Arquitectura Conmemorativa a la Conquista de Jerusalén dirigida por Tito.

Autor desconocido.

Sencillo Arco de Triunfo de un solo vano.

Estructura dividida en 3 partes:

La primera parte, Podium, la parte inferior sobre la que se apoya el cuerpo en el que se encuentra el arco de medio punto, el cual genera una bóveda de cañón.

La segunda parte, dos grandes pilares con semicolumnas adosadas de orden compuesto, en medio de las cuales hay vanos ciegos de pequeño tamaño.

La tercera parte, en la que se encuentra el entablamiento superior con arquitrabe, friso y cornisa, donde aparece una inscripción en latín alusiva a las victorias y logros del emperador Tito. Los relieves hitórico-narrativos que incorpora en el intradós, representa l triunfo de Tito en Jerusalén y el desfile triunfal de las legiones romanas portando los tesoros del templo de Salomón.

En la bóveda del interior del  arco aparecen dos interesantes altorrelieves de gran formato colocados a ambos lados en el cuerpo central del pilar, alusivos a la conquista del emperador Tito de la ciudad de Jerusalén.

En el de la derecha se representa al emperador Tito en su entrada triunfal en Roma, en un gran carro  coronado por la Victoria y en el otro, una comitiva con el botín tomado en Jerusalén: candelabro de los siete brazos y parece ser que la famosa mesa de oro del templo de Salomón. Los relieves tienen un gran valor histórico, narran con gran realismo las victorias y utilizan símbolos que nos permiten conocer los rasgos esenciales de este pueblo.

Para logran profundidad y perspectica esculpen utilizando el alto relieve, medio y bajo.

Relieves propagandísticos romanos

CRACTERÍSTICAS: Tratamiento realista y detallado de personajes.

Gran naturalidad en sus movimientos y gran sentido del ritmo.

Combinación de estructura adintelada y abovedada.

Realización en hormigón y recubrimiento el mármol

La estética de la obra está en el contrate entre las formas macizas y huecas, formadas por el arco y el pilar.

Relieves históricos en el interior.

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https://youtu.be/J6x6QGt5IZg?si=EKDSeErjFs6z8w1n

Denominación: Teatro romano de Mérida

Autor: Desconocido

Estilo: Arte romano

Tipología: Arquitectura pública lúdica

Localización: Mérida

Periodo al que pertenece: Estilo romano imperial

Cronología: 14 y 15 a.c

Función y características:

Es un edificio civil dedicado al ocio, se conservó gracias a su restauración y aún funciona como espacio para representaciones teatrales. Construcción promovida por el cónsul Marco Vipsanio.

En su construcción se utilizó un hormigón que se recubrió de mármol y otros elementos de carácter decorativo. A simple vista podemos notar ciertas diferencias tales como la grada, no está excavada ni construida sobre una ladera natural, se utilizaron arcos que le otorgaban altura dando aforo a 6000 espectadores, su orchestra ocupa poco y tiene forma semicircular.

La escena tiene un frente decorado doble piso de columnas exentas de orden corintio también tiene estatuas entre muros que disponen e entrantes y salientes, generando contraste de luces y sombra.

En el hubo representaciones de dramaturgos de la tragedia griega y comedias romanas.

A partir del siglo IV cuando se oficializó el cristianismo se prohibió las representaciones teatrales por considerarlas pecaminosas.

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RELIEVE DEL ARCO DE TITO - ALEJANDRA SUÁREZ FUEYO.

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RELIEVE DEL ARCO DE TITO - ALEJANDRA SUÁREZ FUEYO.

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Cronología: Año 81

Estilo: Romano imperial

Tipología: Arquitectura conmemorativa.  Conquista de Jerusalén por parte de Tito.

Autor: Desconocido

Localización: Roma

CARACTERÍSTICAS GENERALES

Tratamiento muy realista y detallado de los personajes,

gran naturalidad en sus actitudes y movimientos

diferentes planos de colocación de los personajes (sensación de profundidad y movimiento)

gran sentido del ritmo.

El arco de Tito rememora las victorias de Tito contra los judíos. Las figuras que lo adornan se mueven entre lo real y lo divino, fundiéndose en una misma composición.

LOS RELIEVES DE LAS FACHADAS

En las enjutas figuran las victorias aladas. Ellas encuadran los segmentos centrales del arco sobre las dos fachadas; las piedras colocadas en clave están adornadas por pequeñas estatuas representando probablemente al Honor al oeste y la Virtud al este

En una de las escenas representadas aparece un personaje con yelmo (la diosa Roma); en otra escena aparece una "victoria", que es una figura femenina con alas que coloca la corona de laureles al emperador.

EL FRISO DEL ENTABLAMENTO

Las columnas insertadas entre los dos pilares principales sostienen un entablamento simple formado por un arquitrabe a tres bandas y un friso adornado por un largo altorrelieve representando una procesión triunfal que debió rodear todo el arco pero de la que solo queda la sección del lado oriental. Representa el desfile triunfal de las legiones romanas en Jerusalén. En el extremo izquierdo de la sección conservada, una figura alargada sobre un ferculum llevado por tres hombres ha sido identificada como una personificación del río Jordán. El resto del cortejo se compone de diversas personalidades civiles y militares y de animales que se llevan al sacrificio.

LOS RELIEVES SOBRE EL ARCO

Los dos relieves representan dos escenas que se desarrollaron durante el triunfo celebrado en Roma por Tito por sus victorias en Judea.

Sobre el pilar meridional, el bajorrelieve muestra los despojos tomados del Tabernáculo del Segundo templo de Jerusalén antes de su destrucción.

Sobre el bajorrelieve del pilar norte figura Tito como triunfador coronado de laureles por una Victoria alada, conduciendo una cuadriga y acompañado por otra Victoria alada, una amazona con yelmo, alegoría del Valor.

En el centro de la bóveda se encuentra la ilustración de la apoteosis de Tito que muestra al emperador deificado sobre una enorme águila símbolo de Júpiter y Roma.

Las esculturas de las caras exteriores de los dos grandes pilares se perdieron cuando el Arco de Tito fue incorporado a murallas defensivas medievales.

https://www.youtube.com/watch?v=okXsI43JEPY

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ARQUITECTURA

• Autor: Desconocido, obra colectiva de arquitectos y escultores helenísticos.

• Mandatario: Construido bajo la orden del rey Eumenes II de la dinastía Atálida.

• Cronología: Aproximadamente entre los años 180 y 160 a.C.

• Periodo o estilo: Helenístico.

• Localización original: Ciudad de Pérgamo, Asia Menor (actual Turquía).

• Localización actual: Museo de Pérgamo, Berlín, Alemania.

El Altar de Zeus fue construido en un momento de apogeo del reino de Pérgamo, un centro cultural, político y militar importante en la época helenística. La dinastía Atálida buscaba consolidar su poder y legitimidad mediante la construcción de grandes obras arquitectónicas y artísticas que reforzaran su vínculo con la cultura griega clásica.

• Aspectos relevantes de la sociedad:

• Pérgamo era un faro cultural de la época helenística y competía con ciudades como Alejandría.

• La glorificación de la victoria sobre los gálatas (pueblos bárbaros) fue uno de los motivos principales de esta obra.

• Circunstancias:

• Fue un monumento propagandístico, exaltando el poder del reino y la conexión con los dioses griegos, especialmente Zeus y Atenea.

• Función de la obra:

• Religiosa y política: honra a Zeus y Atenea mientras celebra el triunfo militar y refuerza la identidad cultural griega.

• Aspectos generales del arte helenístico:

• Dinamismo, emotividad y dramatismo en las figuras.

• Atención al detalle y al movimiento en las esculturas.

• Integración de la arquitectura y el arte escultórico.

• Tipología: Monumento religioso con función de altar.

• Material: Mármol.

• Planta: Estructura rectangular de grandes dimensiones, con un patio central rodeado por una escalinata monumental y un friso continuo decorativo.

• Elementos sustentantes: Columnas de estilo jónico que rodean la estructura.

• Elementos sustentados: Cornisas y techos, configurados en un sistema arquitrabado.

• Elementos decorativos:

• Friso del Altar: Un friso en alto relieve de 120 metros de longitud que representa la Gigantomaquia (la lucha entre dioses y gigantes). Las figuras son dinámicas y llenas de movimiento, mostrando expresividad y realismo.

• Temática: Relato mitológico que exalta el orden divino frente al caos.

• Estado de conservación: Se encuentra parcialmente reconstruido en el Museo de Pérgamo. Muchas piezas fueron trasladadas en el siglo XIX.

• Aspectos significativos:

• Escalinata monumental que simboliza el acceso al plano divino.

• Detallismo y dramatismo que capturan el espíritu helenístico.

• Modelos:

• Influencias de templos griegos clásicos y altares anteriores, como el de Olimpia.

• Inspiración en mitos griegos tradicionales, como los recogidos en Hesíodo y Homero.

• Influencia posterior:

• Sirvió de inspiración para obras monumentales de la Roma imperial y posteriormente para el neoclasicismo.

ESCULTURA

(friso del altar)

• Autor: Desconocido, obra colectiva.

• Mandatario: Eumenes II.

• Cronología: Entre 180 y 160 a.C.

• Periodo o estilo: Helenístico.

• Localización original: Pérgamo.

• Localización actual: Museo de Pérgamo, Berlín.

La Gigantomaquia, representada en el friso, refleja las tensiones sociales y culturales de la época helenística.

• Aspectos sociales:

• La exaltación de los dioses olímpicos simboliza la victoria del orden frente al caos, reflejando el triunfo cultural griego sobre los “bárbaros”.

• Circunstancias:

• Celebración de la hegemonía cultural y militar del reino de Pérgamo en la región.

• Función:

• Estético-religiosa: reafirma la centralidad de los dioses en la vida griega.

• Propaganda política: representa a los Atálidas como defensores de la civilización frente al caos.

• Tipología: Relieve escultórico en alto relieve.

• Material: Mármol.

• Composición:

• Figuras dinámicas y expresivas con fuerte sentido del movimiento.

• Uso del claroscuro para destacar las texturas y profundidades.

• Proporciones dramáticas que enfatizan la tensión y la lucha.

• Tema: Representación de la Gigantomaquia. Dioses como Zeus y Atenea luchan contra los gigantes, representados como figuras colosales.

• Luz y color: Aunque originalmente carece de policromía evidente, se cree que pudo haber sido pintado. La luz natural resalta los detalles del mármol.

• Simbolismo: Los dioses representan el orden cósmico y la civilización griega.

• Estado de conservación:

• Varias secciones se encuentran dañadas, pero la mayor parte del friso se ha recuperado y restaurado.

• Modelos:

• Escultura clásica griega, como las del Partenón en Atenas.

• Representaciones mitológicas previas.

• Influencia posterior:

• Inspiración para relieves romanos como la Columna de Trajano.

• Referencias en el Renacimiento y el neoclasicismo.

PINTURA

• Título: Policromía del Altar de Zeus (reconstrucción hipotética).

• Autor: Desconocido.

• Cronología: Helenístico.

• Estilo: Policromía arquitectónica y escultórica típica del arte helenístico.

• Aspectos sociales:

• Uso de colores para dotar de realismo y dramatismo a las esculturas.

• Intención de impactar al observador y reforzar la narrativa mítica.

• Material y técnica: Pigmentos naturales aplicados sobre mármol.

• Composición y color: Gamas vivas para resaltar detalles anatómicos y emocionales en las figuras.

• Luz: La luz del sol habría interactuado con los colores para aumentar el dramatismo.

• Modelos: Policromía clásica griega (influencia egipcia y oriental).

• Influencia posterior: Inspiración en los estudios arqueológicos del siglo XIX sobre policromía en arte clásico.

https://youtu.be/VgNJii4N5qU?si=JTMW1XTRhIX17Xvk

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Título: La columna Trajana

Autor: Desconocido

Cronología: 113 D.C

Estilo: Romano

Localización: Roma

Contexto histórico y social de la Columna Trajana

La Columna Trajana fue construida en el año durante el Imperio romano, bajo el gobierno del emperador Trajano. Se erigió para conmemorar sus victorias en las guerras dacias.

Aspectos sociales relevantes

Los relieves muestran a Trajano como un líder sabio, justo y victorioso, repredentando su imagen como el mejor emperador, visto como un intermediario entre los dioses y humanos

Circunstancias de la creación

Se construyó en un espacio público y monumental diseñado para glorificar al emperador. Fue diseñada para ser un mausoleo de Trajano, cuyas cenizas se encuentran en su base.

Papel del artista

Aunque no se conoce al escultor principal, la obra fue realizada por un equipo de artesanos bajo la dirección de Apolodoro de Damasco.

Función de la obra

Glorificar al emperador y sus conquistas, educar a la población sobre las hazañas de Trajano y la conexión entre el emperador y los dioses.

Aspectos generales del arte romano

Los relieves en la columna destacan por su detalle, mostrando escenas de batallas.

Tipología

Es una columna monumental con fines historicos. La base servía como lugar para guardar las cenizas de Trajano.

Materiales

•Mármol de Carrara y una cinta que rodea toda la columna.

Planta

La columna se alza sobre una base cúbica, con una altura total es de aproximadamente 30 metros.

Elementos sustentados

En la cima se encontraba una estatua de un águila, que pasó a ser la estatua de Trajano y que fue sustituida en el Renacimiento por una estatua de San Pedro.

Elementos decorativos

Relieves con cerca de 2,500 figuras, narra las guerras dacias con temas de batallas y sacrificios.

Aspectos significativos para su comprensión

Refuerza la imagen de Trajano como un gobernante ideal, justo y poderoso, tanto la victoria como la logística.

Evolución y estado actual

Esta en un sitio patrimonial protegido, y su conservación es prioritaria para preservar uno de los monumentos más emblemáticos de la Roma imperial.

Influencia

La Columna Trajana sirvió como inspiración para columnas conmemorativas en Europa. El uso de relieves para contar historias influyó en técnicas narrativas posteriores, desde frescos renacentistas hasta murales históricos.

En síntesis, la Columna Trajana combina influencias griegas, romanas y orientales, y se convirtió en un modelo para el arte y la arquitectura conmemorativa en todo el mundo.

https://youtu.be/cl3ZoMUenSI?si=FWRrdN6h1nsw-nGT

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SAN MARTÍN DE FRÓMISTA

Tipo de obra: arquitectura

Función: religiosa. Iglesia rural

Autor: desconocido

Localización: Frómista, Palencia

Cronología: siglo XI- XII. Edad Media.

Estilo: Arte Románico

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*Contextualización

Es una  de las iglesias Románicas más importantes del Camino de Santiago ya que se consolida en el mismo siglo. Pese a la excesiva restauración a finales del S.XIX recoge todas las características de la arquitectura de este estilo.  Formaba parte de un conjunto monástico, hoy desaparecido.

*Características

-Se trata de un templo de piedra de sillería.

-Planta regular, longitudinal, basilical de cruz latina con transepto no sobresaliente (Cruz inscrita)

-3 naves (la central más ancha que las laterales)

-Bóvedas de cañón

-3 puertas de acceso

-En el crucero hay un cimborrio octogonal sobre trompas, tiene tres ábsides y dos torres cilíndricas en la fachada de la puerta principal.

INTERIOR

-La bóveda de cañón de la nave central se sostiene con arcos fajones, que recaen sobre unos pilares con columnas adosadas, cuyos capiteles están decorados con iconografía variada (capiteles históricos).

-En los muros se puede apreciar la decoración ajedrezada o taqueado jaqués.

-La iluminación es abundante y la luz entra fundamentalmente por la cúpula y ventanas laterales, no tiene claristorio.

EXTERIOR

-Los baquetones en vertical a lo largo de los muros, tienen fin decorativo.

-Los canecillos, representan el mal no están a la vista del espectador, en la parte inferior de la cornisa.

Vídeo explicativo

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Localización: Acrópolis de Atenas.

Autor: Calícratres

Estilo: Clasicismo Griego.

Cronología: Hacia el 426 a.C.

Localización: En la Acrópolis de Atenas, junto a los propileos (acceso a la acrópolis)

Función: Religiosa.

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Es un templo de dimensiones reducidas ( 8 metros de largo) anfipróstilo y tetrástilo (4 columnas en cada pórtico) es de orden jónico y está hecho en mármol.

En el acceso a la naos presenta dos pilares cuadrados en lugar de dos columnas in antis. La naos albergaba imagen de Atenea personificada como Niké o victoria.

Decoración del friso: Presenta escenas de la batalla de Platea entre Griegos y Persas. La decoración del templo se completa con unos relieves de victorias (son representaciones de la diosa victoria El templo conmemora la victoria de los griegos en Salamina ante los persas

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1. Catalogación y datos básicos de El Discóbolo

• Título: El Discóbolo.

• Autor: Mirón de Eleuteras, escultor griego de la época clásica.

• Comitente: Aunque no se conoce un comitente específico, la obra fue encargada en el contexto de la exaltación del cuerpo y los valores atléticos en la antigua Grecia.

• Cronología: Circa 455 a.C.

• Periodo o estilo: Periodo Clásico del arte griego.

• Localización original: Probablemente Atenas, Grecia. Hoy en día existen copias en diversos museos, siendo las más destacadas:

• El Museo Nazionale Romano (Discóbolo Lancelotti).

• El Museo Británico (Discóbolo Townley).

2. Contexto histórico y social

Aspectos relevantes de la sociedad

• En el siglo V a.C., Grecia vivía su época de mayor esplendor político, cultural y artístico, conocida como la Edad de Oro de Atenas.

• La obra se inscribe en un momento de exaltación del cuerpo humano, la perfección física y el ideal de armonía entre mente y cuerpo (kalokagathia).

• El deporte ocupaba un lugar central en la sociedad griega, siendo los Juegos Olímpicos y otras competiciones atléticas manifestaciones clave de identidad cultural.

• El contexto político incluía la consolidación de la democracia ateniense bajo Pericles, lo que propició un auge de las artes como vehículo de expresión de los ideales colectivos.

Circunstancias de la obra

• La escultura refleja la importancia del atletismo en la cultura griega. Los atletas eran considerados casi semidivinos, ya que encarnaban ideales de disciplina y superación personal.

• Mirón, el autor, era conocido por su habilidad para captar el movimiento en el arte, un rasgo poco común para la época.

El papel del artista

• En el periodo clásico, los artistas eran valorados por su habilidad técnica más que como individuos creativos. Mirón, sin embargo, alcanzó gran renombre por su maestría en la representación del dinamismo.

• El Discóbolo era tanto un tributo al deporte como una celebración del ideal antropocéntrico griego.

Función de la obra

• Sirvió como exvoto religioso en templos o espacios públicos para rendir homenaje a los dioses y a los logros humanos.

• Representaba un ideal educativo, destacando el valor del entrenamiento físico como parte de la formación integral del ciudadano.

3. Análisis formal

Tipología:

• Escultura exenta, de pie, en acción dinámica.

Tema:

• Un atleta en el momento culminante de lanzar el disco, simbolizando el esfuerzo y la concentración.

Material:

• Originalmente en bronce (obra perdida). Las copias romanas que han llegado hasta nosotros están hechas de mármol.

Composición:

• Ritmo: Equilibrio dinámico en el momento previo al lanzamiento, donde el cuerpo parece suspendido entre tensión y relajación.

• Proporción: El cuerpo sigue las proporciones ideales descritas por Policleto y su Canon.

• Simetría: Aunque la postura es asimétrica debido al movimiento, logra una sensación de equilibrio visual.

• Movimiento: Representa un instante congelado, destacando la torsión del torso y el dinamismo de los músculos.

Luz:

• La luz incide de manera uniforme sobre el mármol, resaltando la musculatura y la torsión del cuerpo.

Color:

• Aunque las copias actuales no son policromadas, en su origen podrían haber tenido algún tratamiento para resaltar detalles.

Estudio de ideas o símbolos:

• Simboliza la perfección física y el ideal heroico del hombre griego.

• Representa la armonía entre fuerza y equilibrio, cuerpo y mente.

Evolución y estado actual:

• La obra original se ha perdido, pero las copias romanas han permitido su conservación, aunque con diferencias estilísticas.

4. Modelos e influencias

• Modelos previos:

• Influencias de la escultura arcaica, que buscaba representar el cuerpo humano, aunque de forma menos naturalista.

• Influencia de Mirón:

• Abrió el camino para el naturalismo en el arte griego, sentando las bases para escultores posteriores como Policleto y Praxíteles.

• Influencia posterior:

• Fue estudiada y copiada por artistas del Renacimiento y Neoclasicismo, que admiraban su perfección formal y simbolismo clásico.

• Ejerció un impacto en la reinterpretación de los ideales clásicos en la cultura occidental.

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Santa Sofía de Constantinopla. Sara Alonso Pérez.

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Santa Sofía de Constantinopla. Sara Alonso Pérez.

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Nombre: Santa Sofía de Constantinopla o Hagia Sophia.

Autor: Diseñada por los arquitectos Antemio de Tralles e Isidoro de Mileto y ordenada construir por el emperador Justiniano I.

Cronología: 532-537.

Estilo: Arquitectura bizantina (posterior al S.VI).

Localización: Constantinopla, actualmente Estambul (Turquía).

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Concepto: Esta basílica está construida sobre los restos de dos iglesias anteriores derruidas por los disturbios de Niká.

La mandó construir para hacer propaganda de su poder imperial y para mostrar por lo tanto su poder absoluto.

Quería crear una basílica grande y diferente y el templo estaba dedicado a la Divina Sabiduría.

Estructura: Une las tradiciones de Oriente y Occidente, combina una planta basilical con otra centralizada, basada en el empleo de una enorme cúpula.

En el interior consta de 3 naves: la central (doble de ancha que las laterales y acaba en ábside) y las laterales con dos niveles de altura (acaban en un testero plano), en el segundo piso se abre la tribuna hacia la nave central con arcos de medio punto.

-La cúpula central mide unos 31 metros de diámetro, está construida con materiales ligeros y en su arranque hay ventanas para proporcionar luz y sensación de desmaterialización de la arquitectura, (el espacio central es amplio y lijero).

-Se emplea la cúpula para organizar el espacio en una concepción simbólico religiosa del arte. Esta cuenta con unos 4 pilares enormes que la sujetan y unos enormes arcos laterales en los que se asienta.

-La luz tiene un carácter simbólico (luz divina).

-Simplificación del orden corintio en sus columnas y en su parte superior se va desarrollando el cimacio bizantino.

En el exterior, podemos ver un juego de semicúpulas en altura descendente y también unos enormes contrafuertes dispuestos de manera transversal.

-En la base de la cúpula se abren 40 vanos que sirven para aligerar su peso y para repartirlo.

-De la sobriedad del espacio exterior no se deduce el brillante espacio interior (decorado con mosaicos y suelo de mármol).

Evolución: Esta basílica fue una iglesia cristiana ortodoxa (su función principal durante el Imperio Bizantino), más adelante una mezquita (tras la caída de Constantinopla), un museo (tras la fundación de la República de Turquía) y por último tuvo una reapertura como mezquita en 2020 por el presidente (Recep Tayyip).

Influencias: Ha sido una gran inspiración para arquitecturas posteriores como la Iglesia de San Vital en Rávena (Italia), La Mezquita Azul en Estambul (Turquía), La Catedral de San Pedro en el Vaticano, La Catedral de Santa Sofía en Kiev (Ucrania) o la Iglesia de Santa Sofía en Sofía (Bulgaria).

Video. Explicación de Santa Sofía de Constantinopla.

Video II. Video recomendado, (es un informe muy interesante).

Video III. Tour 360°.

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Sergio Delgado

Ficha Técnica.

Es un edificio del prerrománico asturiano ramiriense ubicado en el Monte del Naranco en Oviedo, construido en el 848 con mampostería. Primero fue un aula regia pero después pasó a capilla ( S. XII).

Análisis formal.

Es un edificio con planta rectangular de 20 por 6 metros, dividido en dos niveles de altura que están divididos en tres secciones. La primera planta es más baja y albergaba el oratorio y cuenta con un banco que rodea todo el perímetro de la sala por lo que se podría tratar también de una sala de visitas. El segundo piso, la zona noble, es el doble de alto y tiene a los lados las tribunas (balcones) y una parte en medio que es la sala central a la que se accede por escaleras exteriores (los dos niveles de altura no están interconectados). Este segundo nivel está sujeto por columnas corintias con fustes sogueados y con capiteles troncopiramidales y bóvedas de cañón con arcos fajones que distribuyen el peso y lo pasan a los contrafuertes que se ven al exterior que además de aligerar, estilizan y dan verticalidad. En relación al exterior, se ven tres niveles de decoración: la planta baja con vanos abiertos, en la superior un triple vano de arcos peraltados sobre columnas corintias sogueadas con medallones historiados de animales entre los arcos y en la falsa tercera planta un triple ventanal, típico asturiano.

Influencias.

El uso de arcos fajones en la bóveda de cañón va a derivar en el románico (véase San Martín de Fromista) y el gótico, permitiendo aligerar el peso de los muros y alcanzar más altura.

Más

Un vídeo con muchas fotos.

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Autor: desconocido

Cronología: 785 -788 Abd-al-Rahman I, diferentes ampliaciones

Tipología: mezquita ( arquitectura religiosa)

Material: piedra, ladrillo, madera y, en la decoración, yeso

Estilo: hispanomusulmán

Localización: Córdoba

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Entorno e integración urbanística

Está dentro de la ciudad de Córdoba, la mezquita se orienta hacia el Sur y no hacia La Meca: debido a que los Omeyas vienen de Siria y desde allí la meca está al sur y para adaptarse a la propia topografía del terreno

Función, contenido y significado

La mezquita es la expresión artística de la fe islámica. Es el sitio donde los fieles adoran a Alá en la tierra para cumplir el precepto de la oración, que obliga a los musulmanes a rezar cinco veces al día, aunque solo el viernes en la mezquita.

La mezquita también tenía una finalidad política: la obligatoriedad de la oración permitía a los califas controlar a las clases aristocráticas y políticas.

Aspecto exterior de la Mezquita

Tiene bastante simbología de fortaleza de la fe es austero y de materiales pobres

Un muro grueso rodea el edificio donde sobresalen numerosos contrafuertes terminados en almenas y tiene diecinueve puertas de acceso. La Puerta del Perdón es el acceso principal y desemboca en el patio de los naranjos. Las puertas tienen estructura de tres cuerpos:

-Uno central de apertura (arco de herradura)

-Dos laterales ciegos decorados con lobulados y celosías.

En el muro occidental se levanta el antiguo minarete o alminar, convertido en campanario cristiano.

Aspecto interior de la Mezquita

El interior de la mezquita se divide en dos partes diferenciadas:

-El primer espacio es un patio descubierto o sahn, donde están el minarete, cuatro fuentes rituales — sabil— y un conjunto de naranjos alineados con las naves de la sala de oración.

-La sala de oración o haram

Las diferentes ampliaciones tendrían la finalidad de acoger una población cada vez más numerosa. Estas ampliaciones fueron 5:

-1 Abd-al Rahmán I

-2 Abd-al Rahmán II

-3 Abd-al Rahmán III

-4 Al-Hakan II

-5 Al-Mansur

Modelos e Influencias

Los arquitectos de la Mezquita de Córdoba, aunque la concibieron como una réplica adaptada de la Gran mezquita de Damasco, adoptaron tradiciones constructivas locales y recibieron influencias de la arquitectura romana - dovelas bicolores— y del arte visigótico - arcos de herradura.

La Mezquita de Córdoba aportó numerosas innovaciones, entre las que destaca la introducción del yeso como material de ornamentación interior en arabescos y tracerías, el uso decorativo de las inscripciones cúficas que alaban el nombre de Alá y la tipología de minarete - desvirtuada por el campanario cristiano- -, que sirvió de modelo a otras

mezquitas de Al-Andalus.