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El cuerpo masculino - Juan Andrés Quiroga Fuquen

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El cuerpo masculino - Juan Andrés Quiroga Fuquen

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La percepción del cuerpo masculino que se tuvo a lo largo de la historia del arte me llama mucho la atención y es algo que me gustaría explorar a lo largo del curso con el fin de saber su desarrollo de forma cronológica. Por lo que he visto, en ciertas épocas se han concentrado mucho en su composición y anatomía, por lo que me gustaría saber su razón de ser y de qué manera empezó este enfoque.

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"El principe de los Lirios" es una reconocida obra del arte minoico. Encontrada en el Palacio de Knossos este fresco muestra la gran tradición artística que se presentó en la isla de Creta. En esta obra, se puede ver a un hombre proveniente de familia aristocrática, esto lo sabemos por el título de la obra y también debido a la forma en la que está vestido, lleva una falda de colores blaco y azul, un collar y una gorra adornada de plumas. El príncipe tiene una pose con el torso de frente y el resto del cuerpo de perfil, técnica usada en el antiguo Egipto y que puede generar un sentimiento de solemnidad. Por último, se pueden ver los lirios en el suelo, elaborados con gran detalle, y que además son símbolo de juventud y pureza.

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ANÁLISIS VISUAL COMPARATIVO (Estatuas de bronce de Riace y Genio de Augusto)

Al realizar un análisis visual comparativo entre estas dos obras lo primero que se ve es que están hechas con materiales disntintos, Las estatuas de Riace están hechas de bronce, un material que permite una alta definición en los detalles y la anatomía, mientras que el Genio a Augusto está hecho de mármol, un material menos maleable que el bronce, lo que puede limitar la cantidad de detalles finos. Otro aspecto es la pose de estas esculturas, las figuras de Riace A y Riace B están en una pose dinámica de marcha, con cuerpos musculosos y expresiones serias y concentradas. Los detalles anatómicos son prominentes, incluyendo los músculos y la armadura, a diferencia del Genio de Augusto, el cual está en una pose más estática y formal, y no se ve su cuerpo ya que tiene una túnica puesta. Además, la expresión es menos intensa en comparación con las figuras de Riace.

Finalmente, las estatuas de Riace representan guerreros griegos y pueden haber sido erigidas como ofrendas votivas o monumentos conmemorativos. Su significado está relacionado con la representación heroica y el realismo en el arte griego, mientras que el Genio de Augusto representa la divinidad protectora del emperador Augusto en la religión romana. El significado está vinculado a la adoración imperial y la protección divina.

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FICHA TÉCNICA:

Título: Mosaicos de Rávena

Autor: Varios artistas anónimos del período bizantino y paleocristiano.

Fecha: Entre siglos V y VI d.C.

Ubicación: Rávena, Italia

Técnica(s): Mosaico, técnica de teselas (pequeñas piezas de vidrio, mármol o piedras de colores).

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FICHA TÉCNICA

Título de la Obra: Virgen de Vladimir

Autor: Anónimo

Fecha: Siglo XII

Ubicación: Galería Tretiakov, Moscú, Rusia

Técnica(s): Pintura sobre madera, técnica de temple y dorado

Dimensiones: 104 cm de alto x 69 cm de ancho

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FICHA TÉCNICA

Título: Tapiz de Bayeux

Autor: Anónimo (a menudo atribuido a monjes o artesanos medievales)

Fecha: Finales del siglo XI (c. 1070-1080)

Ubicación: Museo de la Tapisserie de Bayeux, Bayeux, Normandía, Francia

Técnica(s): Bordado en lino con hilos de lana

Dimensiones: Aproximadamente 50 cm de alto y 70 metros de largo

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El Tapiz de Bayeux, una reconocida obra que data del siglo XI, muestra la conquista normanda de Inglaterra en 1066, destacando la batalla de Hastings. Este tapiz continúa en una secuencia narrativa de izquierda a derecha, ilustrando la guerra con caballeros, soldados y escenas de combate detalladas, capturando la intensidad y la caótica naturaleza de la contienda. La representación de figuras humanas  muestra un estilo artístico medieval realista, con colores vibrantes y expresiones emocionales, también es importante destacar que en esta obra de arte los cuerpos de los hombres están vestidos y no hay tanto detalle en cuanto a la anatomía como en épocas anteriores. El contexto geográfico y arquitectónico se establece mediante la inclusión de castillos, casas y elementos paisajísticos estilizados. Finalmente, las inscripciones en latín que acompañan a las escenas brindan contexto histórico y ayudan a comprender la narrativa.

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Título: El Cristo de la Buena Muerte

Ubicación: Museo Nacional de Escultura, Valladolid, España

Autor: Desconocido

Estilo: Románico

Material: Madera policromada

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Título: Retablo de Isenheim

Ubicación: Museo Unterlinden, Colmar, Francia

Fecha: 1512-1516

Autor: Matías Grünewald  y Nikolaus Hagenauer

Estilo: Gótico tardío, Renacimiento nórdico, influencias renacentistas

Materiales: Madera de tilo, óleo sobre tabla, esculturas de madera

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El "Cristo de la Buena Muerte" y el "Retablo de Isenheim" representan visualmente la figura de Cristo crucificado, si bien difieren en su estilo artístico y en cómo expresan las emociones y la narrativa bíblica. "El Cristo de la Buena Muerte", una escultura románica, se caracteriza por su estilo simple y expresivo. La escultura captura la esencia de la agonía y el sacrificio a través de una representación enfocada en la expresión facial y la postura corporal, con una atención particular a la intensidad emocional de la escena. En este caso, el cuerpo masculino de Cristo se presenta de manera simbólica y estilizada, enfatizando la espiritualidad y el sufrimiento más que la anatomía detallada. Por otro lado, el "Retablo de Isenheim" es un ejemplo sobresaliente de la combinación de elementos góticos tardíos y renacentistas nórdicos. A través de un estilo más realista y detallado, este retablo presenta la narrativa de la vida y muerte de Cristo en una amplitud emocional, desde la desesperación y sufrimiento en la Crucifixión hasta la esperanza y alivio en la Resurrección. En este caso, el cuerpo masculino de Cristo se muestra anatómicamente más preciso, centrándose en detalles realistas como las heridas y sufrimientos físicos. Estos dos ejemplos ilustran la diversidad y profundidad que el arte puede lograr al abordar un tema común a través de enfoques artísticos distintivos. El contraste en la representación del cuerpo masculino refleja las diferentes intenciones artísticas y narrativas de cada obra, desde lo simbólico y espiritual hasta lo realista y anatómico.

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Título: El Rapto de las Sabinas

Autor: Giambologna

Ubicación: Loggia dei Lanzi, Piazza della Signoria, Florencia, Italia

Fecha: 1583

Material: Mármol

Dimensiones: La escultura mide aproximadamente 2,35 metros de altura

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Título: Autorretrato con dos círculos

Autor: Rembrandt

Ubicación: National Gallery en Londres, Reino Unido

Fecha: Alrededor de 1665-1669

Dimensiones: Aproximadamente 114.3 cm de alto y 94 cm de ancho

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Título: Retrato de Baldassare Castiglione

Autor: Rafael Sanzio

Ubicación: Museo del Louvre en París, Francia.

Fecha de Creación: Alrededor del año 1514-1515.

Dimensiones: Aproximadamente 82 cm de alto y 67 cm de ancho.

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EL RAPTO DE LAS SABINAS

Figuras Musculosas: La escultura destaca por la representación detallada y realista del cuerpo humano. Las figuras masculinas muestran músculos bien definidos y anatomía precisa. Giambologna logra representar la fuerza y la virilidad de los personajes masculinos a través de esta atención al detalle.

Expresiones Faciales: A pesar de la compleja interacción de las figuras, las expresiones faciales son un componente importante en la narración visual. Las expresiones reflejan una mezcla de determinación, pasión y, en algunos casos, sorpresa. Esto contribuye a la intensidad emocional de la escena.

Torsión y Dinamismo: La torsión y el movimiento de las figuras son notables. Las figuras parecen estar en medio de un frenesí, lo que crea un sentido de urgencia y acción. Los cuerpos retorcidos y las extremidades en movimiento contribuyen al dinamismo de la composición.

Narrativa Mitológica: "El Rapto de las Sabinas" representa un momento de la mitología romana en el que los romanos secuestran a las mujeres sabinas para asegurar la población de Roma. La escultura capta este episodio mítico de manera intensa y dramática.

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Título: Éxtasis de Santa Teresa

Autor: Gian Lorenzo Bernini

Ubicación: Capilla Cornaro, Iglesia de Santa Maria della Vittoria, Roma, Italia.

Fecha de Creación: Entre 1647 y 1652.

Dimensiones: Aproximadamente 3.5 metros de altura.

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Título: La muerte de Sardanápalo (La Mort de Sardanapale)

Autor: Jacques-Louis David

Ubicación: La obra se encuentra actualmente en la colección del Museo del Louvre en París, Francia.

Fecha de Creación: 1827

Dimensiones: Aproximadamente 392 cm × 496 cm.

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Título: Dante y Virgilio en el infierno

Autor: William-Adolphe Bouguereau

Ubicación: Museo de Orsay, París, Francia.

Fecha de Creación: 1850

Dimensiones: Aproximadamente
281 cm × 225 cm.

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1. Contexto Filosófico y Temático:

"La muerte de Sardanápalo" se centra en la decadencia y la autodestrucción humana, explorando temas de excesos y la efímera naturaleza de la vida.

En "Dante y Virgilio en el Infierno", el cuerpo masculino se utiliza como un medio para expresar conceptos teológicos y morales, abordando temas como la justicia divina y las consecuencias del pecado.

2. Enfoque Estilístico:

En "La muerte de Sardanápalo" se utilizan colores vibrantes y pinceladas expresivas para transmitir emociones intensas y dramáticas.

En "Dante y Virgilio en el Infierno" se utiliza el lenguaje poético para describir las penas y sufrimientos en el Infierno, creando imágenes impactantes a través de la palabra escrita.

3. Perspectiva del Cuerpo Masculino:

En ambas obras, el cuerpo masculino se presenta en situaciones extremas: la rendición a la muerte en "La muerte de Sardanápalo" y el castigo por pecados en "Dante y Virgilio en el Infierno".

La diferencia radica en que la representación de Jacques se enfoca en la autodestrucción individual, mientras que Bouguereau lo contextualiza dentro de un marco moral y espiritual más amplio.

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Título: El hombre herido

Autor: Gustave Courbet

Ubicación: Museo de Orsay, París

Fecha de Creación: Entre 1844 y 1854

Dimensiones: Aproximadamente 81,5 cm × 97,5 cm

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Título: Baile en Bougival

Autor: Pierre-Auguste Renoir

Ubicación: Museo de Bellas Artes de Boston, Estados Unidos.

Fecha de Creación: 1883

Dimensiones: Aproximadamente 181,9 cm x 98,1 cm.

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Título: El gran masturbador

Autor: Salvador Dalí

Ubicación: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, en Madrid, España.

Fecha de Creación: 1929

Dimensiones: 110 x 150 cm.

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El gran masturbador

Contexto e Historia: Salvador Dalí, conocido por su extravagancia y excentricidades, exploró su psique y obsesiones personales a través de su arte. Según Miguel Calvo Santos, quien escribió en 2019, Dalí fue descrito como "un enorme masturbador compulsivo", practicando esta actividad de manera frecuente. Santos sugiere que, para Dalí, la única opción sexual viable parecía ser la masturbación, llevándolo a practicarla varias veces al día. Este hábito compulsivo da origen a una compleja red de traumas, miedos y deseos que Dalí pudo codificar de alguna manera en obras como "El gran masturbador". Así, la pintura se convierte en una expresión artística que refleja las complejidades de su propia psique, explorando temas de sexualidad, miedo y deseo.

Representación del Cuerpo Masculino: En esta pintura, se destaca un cuerpo masculino, evidenciado por genitales y piernas elongadas, el cual está esquematizado y muestra características surrealistas y simbólicas. La representación del cuerpo masculino en esta obra no sigue los cánones de la realidad anatómica, sino que se sumerge en el mundo del subconsciente y la fantasía. La distorsión de las extremidades y la presencia destacada de los genitales contribuyen a la naturaleza provocadora y psicológicamente cargada de la pintura, invitando al espectador a explorar la complejidad de las experiencias personales de Dalí y sus obsesiones.

Simbolismo:

León: En la obra, se observa un león con una melena. En el simbolismo, el león ha sido asociado tradicionalmente con la virilidad y el poderío sexual. Su presencia aquí podría sugerir la afirmación de la masculinidad, contrarrestando posibles ansiedades relacionadas con la sexualidad.

Figura Femenina: Junto al león, hay una figura femenina con características más suaves y redondeadas. Esta representación contrasta con la figura masculina distorsionada, sugiriendo posiblemente la dualidad de la sexualidad y la relación compleja de Dalí con las mujeres, temas que a menudo aparecen en su obra.

Saltamontes: En la parte inferior de la obra hay un saltamontes. Este elemento puede estar relacionado con el saltamontes que aterrorizó a Dalí en su infancia. Además, este insecto, como símbolo, podría representar miedos y traumas de la infancia que persisten en la psique del artista, manifestándose de manera simbólica en su obra.

Hormigas: En la parte inferior de la obra, Dalí pintó hormigas. Este elemento simboliza, según algunas interpretaciones, la ansiedad o incomodidad asociada con la sexualidad, aunque también podrían estar asociadas a la muerte.

Técnicas y Estilo: Dalí utilizó la técnica del surrealismo, creando un mundo que trasciende la lógica y la realidad. La combinación de elementos reconocibles de la vida cotidiana con imágenes surrealistas y simbólicas es característica de su estilo. Además, los colores en la obra son intensos y contrastantes, con una paleta que incluye tonos de azul, amarillo y rosado. La elección de colores contribuye a la atmósfera onírica y surrealista de la pintura.