# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Yayoi Kusama Museum's measures to prevent the spread of the COVID-19 infection

To ensure the safety of all visitors and our employees, Yayoi Kusama Museum takes several measures to prevent the spread of the COVID-19 infection. Please read the following instructions before your visit. We appreciate your cooperation to contain the spread of COVID-19.
Considering the situation, further changes might be made. Please check our website for any updates before your visit.

[Our measures to prevent the spread of the COVID-19 infection]

· All of our employees will have their body temperature checked when they report to work. Museum staff will wear masks (some of the staff will also wear gloves) while they are in the museum. Welcoming staff will wear face shields.

· Plexiglass barriers are installed in front of the cash register.

· The museum is cleaned and sanitized frequently, especially doors, handles, elevator and lavatories.

· To reduce the density of visitors, number of visitors in one admission slot (90 minutes) is limited to 40.

· To prevent the spread of the COVID-19 infection, some of the facilities in the museum will be out of service.

[When you are in the museum]

· Please practice social distancing during your visit. Please follow the signs on the floor when queueing.

· You may need to wait before entering the museum, or any particular part of the museum. Please keep an appropriate distance from each other and follow the instructions from our staff when waiting.

· Please refrain from talking in the gallery.

· When shopping, please sanitize your hands before touching the goods. Cashless payment is recommended.

Please read the following notes before visiting:

# data[].attributes.attachment_link.title
HOME - Song of a Manhattan Suicide Ad | YAYOI KUSAMA MUSEUM 草間彌生美術館

# data[].attributes.attachment_link.description
Yayoi Kusama Museum's measures to prevent the spread of the COVID-19 infection To ensure the safety of all visitors and our employees, Yayoi Kusama Museum takes several measures to prevent the spread of the COVID-19 infection. Please read the following instructions before your visit. We appreciate your cooperation to contain the spread of COVID-19.

# data[].attributes.attachment_link.description
Espai de coneixement i difusió de l'obra de Miró i de la creació actual

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Yayoi Kusama (草間 彌生) es una artista total japonesa. Pionera en movimientos tan importantes como el Pop o el minimalismo. De hecho, artistas como Warhol o Oldenburg le deben mucho a esta japonesa que se instaló en los Estados Unidos cuando se estaba gestando el nuevo arte moderno que revolucionaría el mundo tras la Segunda Guerra Mundial.

Kusama comenzó a crear desde niña, al principio probó con el arte tradicional japonés, pero Yayoi no era precisamente tradicional. Lo suyo era, en todos los aspectos, la vanguardia. Por ello en 1957 decide irse a Nueva York para hacer un poco de expresionismo abstracto y descubre que puede aplicarlo a la escultura e incluso a la instalación.

También se dedicó a la performance cuando empezó a nacer el movimiento hippie y le dio por pintar lunares de colores estridentes en los cuerpos desnudos de sus modelos. Tuvo una relación (sin sexo) con el artista Joseph Cornell, única pareja sentimental de Kusama hasta la fecha.

En los años 70 se vuelve a Japón para intentar llevar la modernidad a su país, pero fracasó. Japón era todavía demasiado tradicional en muchos aspectos, más para una mujer tan adelantada a su tiempo.

Aquejada de problemas psiquiátricos, se internó en un hospital donde todavía reside.

El trabajo de Kusama está basado en el arte conceptual y trata temas dispares, a menudo autobiográficos. Desde luego el feminismo, pero también la psicología, la moda, la multiculturalidad y la sexualidad.

Nacimiento de
Yayoi Kusama

# data[].attributes.attachment_link.description
Yayoi Kusama (草間 彌生) es una artista total japonesa. Pionera en movimientos tan importantes como el Pop o el minimalismo. De hecho, artistas como Warhol o Oldenburg le deben mucho a esta japonesa que se instaló en los Estados Unidos cuando se estaba gestando el nuevo arte moderno que revolucionaría el mundo tras la Segunda Guerra Mundial.

# data[].attributes.headline
Les 10 obres més importants de l'artista

# data[].attributes.subject
Les 10 obres més importants de l'artista

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Yayoi Kusama (草 間 彌 生, Kusama Yayoi, nacido el 22 de marzo de 1929) es un artista contemporáneo japonés que trabaja principalmente en escultura e instalación, pero también participa en pintura, performance, cine, moda, poesía, ficción y otras artes. Su trabajo se basa en el arte conceptual y muestra algunos atributos del feminismo, el minimalismo, el surrealismo, el Art Brut, el arte pop y el expresionismo abstracto, y está impregnado de contenido autobiográfico, psicológico y sexual. Ha sido reconocida como una de las artistas vivas más importantes de Japón.

Abrazando el auge de la contracultura hippie de finales de la década de 1960, llamó la atención del público cuando organizó una serie de eventos en los que los participantes desnudos fueron pintados con lunares de colores brillantes. Desde la década de 1970, Kusama ha seguido creando arte, sobre todo instalaciones en varios museos de todo el mundo.

niood enumera las 10 obras de arte más famosas de Yayoi Kusama:

1. Dots Obsession, 2003

Dots Obsession se aproxima visualmente a las alucinaciones que supuestamente sufrió Kusama cuando era niña, en las que la totalidad de su espacio circundante estaba cubierto con patrones repetidos. La instalación también revela la cuidadosa atención del artista a la construcción del espacio a través del color y la forma, y al juego de luces y perspectiva logrado mediante la repetición de algunos dispositivos simples, creando una experiencia inmersiva a partir de pintura roja, puntos blancos, globos gigantes y colocados estratégicamente espejos.

A finales de la década de 1960, los lunares se habían convertido en una estrategia de lo que el artista describió como "autodestrucción". Una característica destacada de sus "sucesos" y actuaciones de la época, y generalmente pintadas en los cuerpos de los participantes, neutralizaban simbólicamente el ego, al que Kusama culpó del horror y la destrucción de la guerra entre Estados Unidos y Vietnam. Ella instó en ese momento:

2. Pumpkin, 1990

Su fascinación por las calabazas se remonta a su infancia. Sin embargo, la calabaza apareció por primera vez en la obra de arte de Kusama en 1946 cuando la exhibió en una exposición itinerante en Matsumoto, la ciudad de su infancia. Esta primera pieza fue pintada en el estilo Nihonga de pintura tradicional que se desarrolló en Japón alrededor del siglo XIX. Después de esta primera pieza, Kusama no volvió a presentar calabazas en su obra de arte hasta que las resurgió en la década de 1970.

Conocidas en Japón como Kabocha, las calabazas son imágenes positivas para Kusama porque representan una parte positiva de su problemática infancia en Matsumoto. Cuando era niña, Kusama pasaba horas dibujando calabazas. Para ella, las calabazas son representativas de estabilidad, comodidad y modestia. Según Kusama, prefiere usar calabazas porque no solo son atractivas tanto en color como en forma, sino que también son tiernas al tacto. Por lo tanto, se puede decir que la inclusión de calabazas en su obra de arte se debe a los recuerdos de la infancia que desencadena el vegetal.

3. Flowers, 1983

Las flores que florecen a la medianoche son una serie de esculturas a gran escala, cada una con su distintivo esquema de colores bulliciosos. Las flores han sido durante mucho tiempo una parte esencial de la obra de Kusama. Utiliza sus propiedades metafóricas para reflejar muchas de sus preocupaciones conceptuales, junto con su desprecio por las dicotomías.

Las flores de Kusama simbolizan la vida y la muerte, la masculinidad y la feminidad, y la celebración y el duelo. Su forma compleja, frágil, orgánica, que encuentra singularidad a través de la repetición, encuentra resonancia en todo su trabajo.

Desde que era niña, Kusama ha estado rodeada de flores gracias al negocio de viveros de su familia. Como una forma de trabajar instintivamente a través de sus primeras experiencias, las flores aparecen en muchos de sus primeros dibujos y pinturas. En una de sus primeras fotografías, se la podía ver casi oscurecida por grandes crisantemos.

4. Ascension of Polka Dots, 2006

Kusama, que es famosa por sus obras de arte llenas de lunares a gran escala, usó cuerdas elásticas y grapas de metal para envolver firmemente varios árboles en una tela de poliéster roja cubierta de manchas blancas.

5. Repetitive Vision, 1996

Yayoi Kusama deslumbra al público de todo el mundo con sus inmersivas "Infinity Mirror Rooms" y una estética que abarca la luz, los lunares y las calabazas.

6. Butterfly, 1988

Butterfly de Yayoi Kusama representa un regreso histórico para la artista a su estilo maduro. Pintada en 1982, el mismo año en que exhibiría grandes pinturas y esculturas nuevas en la Fuji Television Gallery, Tokio, y volvería a la escena de las galerías europeas con una exposición en la Naviglio Gallery de Milán, Butterfly manifiesta los motivos característicos de Kusama: la red infinita y los puntos borradores. - en una representación inmediatamente icónica de uno de sus temas principales, la mariposa.

Butterfly encierra vibrantemente los puntos simbólicos en un intento formal de predecir y medir el infinito del universo ilimitado. La pintura de Kusama presenta aquí una interesante dicotomía entre las cualidades visuales calmantes y caprichosas de la composición y el impulso inquisitivo y obsesivo de la artista por contener y restringir sus neurosis. En particular, la mariposa, formada por esos puntos por excelencia, no está en absoluto limitada por el tejido aparentemente ilimitado de redes que emana de abajo y de atrás. "No me preocupa el surrealismo, el arte pop, el arte minimalista o lo que sea. Estoy tan absorta en vivir mi vida ", y a eso se podría agregar la creación de su propia marca de arte idiosincrásica e icónica. La repetición infinita de puntos y redes representa una confrontación con una obsesión por el espacio, el tiempo y la realidad de su eventual terminación, y Kusama, en Butterfly, ha ejecutado una composición magistral que fusiona su propia imaginería figurativa y abstracta autobiográfica con la misma. carga psíquica que emana de su mejor y más exitoso trabajo.

7. Accumulation No. 1, 1962

Para hacer Acumulación No. 1, su primera escultura, Kusama cubrió un sillón con decenas de protuberancias pintadas y rellenas cosidas a mano, a las que se refirió como falos. "Los hago y los hago y luego sigo haciéndolos, hasta que me entierro en el proceso. Yo llamo a esto aniquilación ". Cuando exhibió por primera vez esta obra en Nueva York, su hogar durante la década de 1960, los críticos, quizás no sorprendentemente, se sorprendieron por la transformación sexualizada de un objeto doméstico ordinario por parte de una artista femenina.

8. Infinity Nets, 1990

Yayoi Kusama comenzó a pintar "Infinity Nets", la serie de más larga duración del artista, después de mudarse a la ciudad de Nueva York en 1958. Para Kusama, estas obras abstractas cubiertas de pinceladas curvas repetidas son una forma esencial de terapia artística, inspirada en parte por ella. visiones alucinatorias. "Mis redes crecieron más allá de mí y más allá de los lienzos que cubría con ellas", explicó una vez. "Comenzaron a cubrir las paredes, el techo y finalmente todo el universo. Siempre estuve en el centro de la obsesión, sobre el apasionado aumento y repetición dentro de mí ". En pos de este abismo infinito, Kusama incluso ha pintado sus "Infinity Nets" en sesiones ininterrumpidas de 40 a 50 horas. En 2014, esta influyente serie estableció récords en el mercado del arte. Su monocromática "Infinity Net" White No. 28 (1960) se vendió en una subasta por $ 7,1 millones, que en ese momento era el precio más alto jamás pagado por una obra de una artista femenina viva.

9. Obliteration Room, 2002

The obliteration room & nbsp; (2002-presente) es una instalación familiar y participativa de uno de los artistas más populares y queridos del mundo, Yayoi Kusama (n. 1929 Matsumoto, Japón).

Comenzando como un interior blanco puro, lo alienta a transformar el espacio de nuestro & nbsp; Centro de aprendizaje creativo saturándolo con un arco iris de puntos de colores brillantes. Observe cómo, con el tiempo, los visitantes crean una mareante borrosidad de color al aplicar calcomanías de colores brillantes en varios tamaños en cada superficie.

Con las características familiares de una casa típica de Aotearoa en Nueva Zelanda, The obliteration room en Auckland Art Gallery alienta a los visitantes, especialmente a los niños, a experimentar e interactuar con las obras de arte con poca o ninguna indicaciones.

10. No. F, 1959

Atraída por la libertad social y la abundante escena artística de posguerra en los Estados Unidos, Kusama dejó Japón y se mudó a la ciudad de Nueva York en 1958. Poco después, comenzó a producir su serie de pinturas Infinity Nets, incluida la No. F., en la que interpretó con la noción de repetición infinita y espacio infinito. Combinando su estrategia en desarrollo de repetición en serie con un método de pintura integral, las obras colapsan la distinción entre figura y fondo, dando igual peso tanto a las pinceladas como a los agujeros dentro de ellas. Psicológicamente, el proceso de realización de estas pinturas fue una forma de catarsis para la artista, que buscaba borrar sus miedos e incluso a sí misma a través del acto de repetición.

# data[].attributes.attachment_link.title
Las 10 obras de arte más famosas de Yayoi Kusama - niood

# data[].attributes.attachment_link.description
Yayoi Kusama (草 間 彌 生, Kusama Yayoi, nacido el 22 de marzo de 1929) es un artista contemporáneo japonés que trabaja principalmente en escultura e instalación, pero también participa en pintura, performance, cine, moda, poesía, ficción y otras artes.

# data[].attributes.attachment_link.description
Web oficial del Museu Picasso de Barcelona, centre de referència per al coneixement dels anys de formació de Pablo Picasso

# data[].attributes.attachment_link.description
Pablo Picasso: Biografia, Análisis de Cuadros, Frases Célebres, Toda su Obra

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Pablo Ruiz Picasso, arquetipo de "el artista", genio, vital, follador..., creador de estilos, una leyenda ya en vida (que él contribuyó a forjar) y sin duda alguna, uno de los más grandes artistas de la historia.
Dejó huella en cada una de sus múltiples etapas de sus períodos azul, rosa o blanco y negro, al cubismo que inventó, después al surrealismo, a la abstracción... y por este inconmensurable talento junto a su ingente producción estamos ante el artista más famoso de la historia del arte.

Picasso no pierde vigencia porque fue la figura central de todo el arte del siglo XX, un artista experimental pero ligado al pasado y con una obra que continuamente admite nuevas lecturas. Fue quizás también el artista más influyente. El arte contemporáneo es lo que es gracias (o por culpa) de él.

No podemos hablar de biografía al uso. Estampó su vida en sus lienzos y entre él y sus amigos, la élite cultural del siglo XX, se crearon su propia vida, su propia leyenda. Los detalles biográficos parecen irrelevantes ante la grandiosidad de su obra, aunque está plagados de mitos, desde la bocanada de humo que le dio la vida a un recién nacido artista al robo de la Gioconda en 1911.

No podemos hablar de un estilo concreto. Su libertad estilística hizo que pasara de un estilo a otro sin transición, Su genio fue el material principal de su arte: en apenas segundos podía hacer una obra maestra. Representaba la rama del arte contemporáneo más física, la necesidad de pintar, de crear de forma material.

Fue también celebridad: la fama y el éxito económico, pero también el reconocimiento artístico. Y esto se tradujo en una interminable lista de amantes, esposas, modelos... Es evidente su vinculación entre sexo y arte.

Se calcula que Picasso fue autor de unas 13.500 pinturas y diseños, 100.000 impresiones o grabados, 34.000 ilustraciones para libros y 300 esculturas o cerámicas, además de tener el mayor número de museos con su nombre ("Museos Picasso").

El principal enemigo de la creatividad es el buen gusto.

# data[].attributes.attachment_link.description
1881Pablo Ruiz Picasso, arquetipo de "el artista", genio, vital, follador..., creador de estilos, una leyenda ya en vida (que él contribuyó a forjar) y sin duda alguna, uno de los más grandes artista...

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Biografía corta de Pablo Picasso

Pablo Picasso, versátil, espontáneo, creador revolucionario, natural de Málaga nació el 25 de octubre de 1881. Demostró habilidades artísticas a temprana edad, tanto que en 1895 entra a la Academia de San Fernando de Madrid.Enel "Els Quatre Gats", se gestarían sus concepciones de un arte alejado de la tradición en la que había sido formado y con las que influenciaría los grandes procesos artísticos más representativos del siglo XX.

Para 1900, el fallecimiento de Carlos Casagemas; le deprime inspirándolo a retratar, entre 1901 hasta 1904, temas mortuorios en paleta mayoritariamente azul, conocida ésta como época azul del artista. En abril de 1904, instalado en París, se enamora de la modelo Fernande Olivier, lo cual lo inspira a pintar en rosa de ello deviene lo que se conoce como época rosa del artista y duraría hasta 1906.

En 1907, junto con Georges Braque, experimentaría un arte pionero: El Cubismo y sus diversas manifestaciones, con este procura desafiar las normas de copiar exactamente la naturaleza al incursionar en la fractura de la bidimensionalidad del lienzo. Su valiosísima carrera se extendió más de 75 años y sus frutos,más de 16.000, no sólo fueron pinturas, sino esculturas, grabados, cerámicas, y otros.

1. La vida-1903- Museum of Fine Arts, Cleveland.

Obra de grandes dimensiones, tal vez la más simbólica e importante de su época azul, la misma, condensa la atmósfera funesta de ese momento de su vida en una composición sencilla con figuras un tanto rígidas. Ésta ha sido controversial por los estudios que le subsiguieron, no obstante, muchos coinciden que el debate principal en ella es el dilema de la vida y la muerte envuelta en una gama de azules que dan cuenta de la frialdad de la temática.

2. La Bella Holandesa-1905-Queensland Art Gallery,Brisbane.

Un Picasso enamorado creará esta obra nacida durante sus vacaciones en Holanda en 1905, luego de entablar una relación con su primera pareja estable, Fernande Olivier. La fría paleta del genio da un giro más cálido al inspirarse en otros temas opuestos a los de su otrora época azul. Este retrato de una mujer holandesa, es uno de los dos más importantes que el artista produjera en ese país, siendo también simbólicos en esta época los temas del mundo circense.

3. Las Señoritas de Avignon-1907-Museo de Arte Moderno, Nueva York.

Entre las obras importantes de Picasso encontramos el cuadro que se considera inicio del arte moderno y vanguardia pictórica del siglo XX, ubicable en la época protocubista del artista, dado que marca el inicio del uso de las figuras geométricas en la transformación y modificación de la realidad rompiendo con los cánones del realismo. El autor afectado por aspectos africanos, griegos e ibéricos crea "Las señoritas de Aviñón o las señoritas de la calle de Avinyó" remojando su génesis, entre otros, en artistas como El Greco y Cézanne.

4. Los Tres Músicos-1921-Museo de Arte Moderno, Nueva York.

Poniendo punto final al período del Cubismo Sintético y adentrándose en el intrincado Cubismo Analítico, Picasso logra crear una obra maestra de la Historia del Arte en complejidad y abstracción. "Los tres músicos" o "Músicos con máscaras", paradigmas de la comedia,son un arlequín, un pierrot y un monje tocando un instrumento musical, éstos se descomponen en formas simples y coloreadas con una paleta que crea confusión entre el fondo y las figuras dada la intención de neutralizar la profundidad.

5. Bañista Sentada-1930-Museo de Arte Moderno, Nueva York.

De la época surrealista cubista, donde el artista distorsiona las formas para representar lo monstruoso o reminiscencias mitológicas, nace esta obra en la que la deshumanización de la figura humana choca con la gracia impregnada en detalles de extraordinaria verosimilitud, con técnicas finamente cuidadas para generar transparencias, feminidad y sensualidad en un cuerpo deformado, anómalo pero bello, una playa apacible y una atmósfera luminosa. La misma pertenece a un conspicuo compendio de obras basados en el mismo estilo y temática.

6. Mujer Ante el Espejo-1932- Museo de Arte Moderno, Nueva York.

Catalogada como una de las obras de gran virtuosismo del autor dado la madurez y experiencia que demuestra, así como la complejidad psicológica que le subyace, es otro de los retratos que haría Picasso a una de sus amantes, en este caso, a la modelo Marie-Thérèse Walter aún estando casado aún con Olga Koklova, el cuadro es una oda a la mezcla de colores, al uso de las formas rombos, círculos, triángulos sin restricción y a la continuidad de planos.

7. Retrato de Dora Maar-1937-Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía,Madrid.

Henriette Theodora Markovitch inmortalizada en este retrato como Dora Maar, no fue el único que realizó el autor de esta artista plástica considerada su musa durante la fase de creación del "Guernica". Mantuvo una relación sentimental con el virtuoso de las artes siendo su modelo principal en la creación de retratos emblemáticos y efigies. Picasso logró transfigurarla y con ello comunicar simbólicamente el momento político español agitado e insurrecto de ese entonces así como la relación personal-sentimental que les unía.

8. El Guernica-1937-Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

Entre las mejores obras de Picasso, no podía faltar una obra maestra, coloreada en blanco y negro y una amplia paleta de grises, tiende a considerarse expresión viva de la España de 1937, época expresionista del autor en la que sus creaciones expresan sentimientos de angustia producto de la problemática situación que se vivía en ese entonces.Con posiciones encontradas, el referente común en torno a la interpretación de la obra es el que referencia a la misma como una alusión al bombardeo de Guernica durante la Guerra Civil Española.

9. Mujer que Llora-1937-Galería Tate, Londres.

Es otro de los retratos de Dora Maar, fotógrafa pareja del artista, ésta modeló para él intentando presentar la angustia y el dolor de la mujer española durante la Guerra Civil. Con tonos azules y blancos se exaltan grandes manos y una boca con dientes que muerden un pañuelo arrugado, a su vez, vibrantes tonos amarillos y rojos contienen un rostro deformado de dolor con líneas y formas que lo distorsionan para recrear así el dolor interior de la mujer.

10. Las Meninas-1957-Museo Picasso, Barcelona.

Fueron 58 los cuadros que Picasso elaborara en honor a 'Las Meninas' de Velázquez. Una serie completa con la el genio del Cubismo intentó no copiar sino recrear e interpretar, con su agudo lenguaje, paleta y pincel, la maestría de Velázquez intentando así exponer su visión sobre aspectos como la luz, el volumen, la ocupación del espacio o la perspectiva que impregnan la obra de éste, para ello le analizó exhaustivamente y el producto final es una dramática reinterpretación cubista. Con esto concluímos la serie de 10 obras importantes de Picasso.

Y de Picasso y el cubismo os dejamos nuestra recomendación:

# data[].attributes.attachment_link.title
Las 10 Mejores Obras de Picasso - 10 Obras de Arte

# data[].attributes.attachment_link.description
Pablo Picasso, versátil, espontáneo, creador revolucionario, natural de Málaga nació el 25 de octubre de 1881. Demostró habilidades artísticas a temprana edad, tanto que en 1895 entra a la Academia de San Fernando de Madrid.Enel "Els Quatre Gats", se gestarían sus concepciones de un arte alejado de la tradición en la que había sido formado y con las que influenciaría los grandes procesos artísticos más representativos del siglo XX.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
La artista Kara Walker es una de las artistas estadounidenses más reconocidas a nivel internacional. Walker explora la identidad racial afroamericana creando obras inspiradas en el sur de Estados Unidos previo a la guerra civil. Walker es conocida por su uso de los recortes de papel de la época victoriana, que utiliza para crear cuadros del tamaño de una habitación. Al revivir esta técnica del siglo XVIII, Walker relata impactantes relatos históricos sobre la esclavitud y los estereotipos étnicos. "Mi obra siempre ha sido una máquina del tiempo que mira hacia atrás a través de décadas y siglos para llegar a comprender mi 'lugar' en el momento contemporáneo", dice Walker sobre su trabajo.

La obra de Walker suele representar escenas perturbadoras de violencia y opresión, con las que espera provocar sentimientos incómodos en el espectador. "No quería un espectador completamente pasivo", dice. "Quería hacer una obra en la que el espectador no se alejara; que se riera nerviosamente, se viera arrastrado a la historia, a la ficción, a algo totalmente degradante y posiblemente muy hermoso".

Aunque Walker es mejor conocida por sus siluetas, también realiza grabados, pinturas, dibujos, esculturas e instalaciones. Sigue leyendo para descubrir cinco de las obras más famosas de Walker.

Aquí tienes cinco obras de Kara Walker que debes conocer.

Gone: An Historical Romance of a Civil War as it Occurred b'tween the Dusky Thighs of One Young Negress and Her Heart, 1994

Esta épica instalación mural de 1994 fue la primera exposición de Walker en Nueva York. La artista estrenó su medio característico: siluetas negras recortadas de figuras vestidas con trajes del siglo XIX, dispuestas sobre una pared blanca. El elaborado título de la obra (que podría traducirse como "Llevada: un romance histórico de una guerra civil tal como ocurrió entre las oscuras piernas de una joven negra y su corazón") hace varias referencias. Gone es un guiño a la novela de Margaret Mitchell de 1936 Lo que el viento se llevó, ambientada durante la guerra civil estadounidense. Walker también hace referencia a un pasaje de The Clansman, de Thomas Dixon, Jr. (un texto principal del Ku Klux Klan) dedicado al poder manipulador de la "negra leonada".

La forma del cuadro parece contar una historia romántica de cuento, como indican las dos figuras enamoradas de la izquierda. Sin embargo, una mirada más cercana a los otros personajes revela representaciones gráficas de sexo y violencia. Al describir sus pensamientos cuando realizó la obra, Walker dice: "La historia de Estados Unidos se basa en esta desigualdad... El maltrato burdo y brutal de un grupo de personas, dominantes con un tipo de color de piel y un tipo de percepción de sí mismos, frente a otro grupo de personas con un tipo de color de piel y una posición social diferente. Y la suposición sería que, bueno, los tiempos cambiaron y hemos avanzado. Pero esta es la mitología subyacente... Y nos la creemos. La blancura es una construcción tan artificial como la negritud".

Darkytown Rebellion, 2001

Tras realizar varias obras con recortes en blanco y negro, Walker comenzó a experimentar con la luz a principios de la década de 2000. En Darkytown Rebellion, proyectó luz de colores sobre sus figuras, acentuando los aspectos terroríficos de la escena. La luz permitía incluso que las sombras de los espectadores interactuaran con los personajes recortados de Walker. Al fusionar el blanco y negro con el color, Walker vincula el pasado con el presente. Invita a los espectadores a contemplar cómo la historia del racismo sistémico de Estados Unidos sigue afectando y definiendo la cultura del país en la actualidad.

A Subtlety, or the Marvelous Sugar Baby, 2014

Encargada por la organización artística pública Creative Time, se trata de la mayor obra de Walker hasta la fecha. El título completo de la obra se traduce como: Una sutileza, o la maravillosa bebé de azúcar un homenaje a los artesanos no remunerados y sobrecargados de trabajo que han refinado nuestros dulces sabores desde los campos de caña hasta las cocinas del Nuevo Mundo con motivo de la demolición de la planta refinadora de azúcar Domino.

Walker realizó una gigantesca escultura de una mujer recubierta de azúcar dentro de la ya demolida fábrica de azúcar Domino de Brooklyn. La artista realizó docenas de dibujos y modelos a escala de la pieza antes de que un equipo de escultores y expertos en confitería pasara dos meses construyendo el diseño final en forma de esfinge. La increíble instalación se hizo con 330 bloques de espuma de poliestireno y 40 toneladas de azúcar.

Como respuesta a la historia del edificio, la obra gigante representa un estereotipo racista de "mammy". Esculturas de jóvenes negros-hechas de melaza y resina-la rodeaban, pero se fueron derritiendo lentamente en el transcurso de la exposición. El azúcar crudo es marrón y, hasta el siglo XIX, el azúcar blanco era elaborado por los esclavos que lo blanqueaban. El proceso era peligroso y a menudo llevaba a los trabajadores a perder miembros, e incluso sus vidas. La poderosa pieza in situ de Walker conmemora las experiencias indocumentadas de la clase trabajadora de este momento de la historia y llama la atención sobre la desigualdad racial.

"La fábrica de azúcar Domino tiene un papel clave en la obra", dice Walker sobre la pieza. "[Quería] hacer una pieza que la complementara, que se hiciera eco de ella y que, con suerte, contuviera estos diferentes significados sobre el imperialismo, sobre la esclavitud, sobre el comercio de esclavos que cambiaba azúcar por cuerpos y cuerpos por azúcar".

Resurrection Story with Patrons, 2017

Resurrection Story with Patrons ("Historia de resurrección con patronos") de Walker es una pintura en tres partes (o tríptico). Hace referencia a la residencia de 2016 de la artista en la Academia Americana de Roma. Durante su estancia en Italia, vio numerosos ejemplos de arte renacentista y barroco. La forma y las imágenes del grabado imitan un retablo, una obra de arte tradicional utilizada para decorar el altar de las iglesias cristianas. Los retablos suelen reservarse para contar historias bíblicas, pero Walker reinterpreta esta forma de arte para crear una narración de la historia estadounidense y de la identidad afroamericana.

La imagen central (mostrada aquí) representa una gigantesca escultura del torso de una mujer negra desnuda siendo levantada por varias figuras negras. La pieza hace referencia a los trabajos forzados de los esclavos en los Estados Unidos del siglo XIX, pero también ilustra un puerto africano, al otro lado del comercio transatlántico de esclavos.

Dos figuras afroamericanas-un hombre y una mujer-enmarcan el panel central a la izquierda y a la derecha. Al estar representadas en blanco sobre un fondo oscuro, Walker puede revelar más detalles que sus siluetas anteriores. Las figuras tienen rasgos acentuados, como cejas prominentes y labios y narices agrandados. La vestimenta formal de la figura masculina indica que es del periodo antebellum, mientras que la mujer apenas está vestida. En la obra de tres paneles, Walker yuxtapone la belleza de la silueta con escenas de violencia y explotación. La obra también destaca la conexión entre los esclavos oprimidos y las figuras que se beneficiaban de ellos.

Fons Americanus, 2019

Creada para la comisión de Hyundai del Tate Modern en 2019, Fons Americanus es una escultura pública a gran escala en forma de fuente de cuatro niveles. Está inspirada en el Victoria Memorial que se encuentra frente al Palacio de Buckingham, en Londres. Sin embargo, en lugar de celebrar el Imperio británico, la pieza de Walker presenta una narrativa del poder en las historias de África, América y Europa.

Fons Americanus mide la mitad que el Victoria Memorial, y en lugar de mármol blanco, Walker utilizó materiales sostenibles, como corcho, madera blanda y metal, para crear su fuente de 13 metros de altura. La escultura representa la brutalidad de la esclavitud en yuxtaposición con la tranquilidad de una fuente, y cuenta con varios elementos figurativos.

La pieza central de la fuente hace referencia a una obra de propaganda de 1801 llamada El viaje de la Venus de Sable, de Angola a las Indias Occidentales. La figura extiende sus brazos hacia el cielo, pero su garganta está cortada y el agua brota de ella como si fuera sangre. Debajo de la Venus de Sable hay dos figuras masculinas; una representa a un capitán de barco y la otra simboliza a un antiguo y poderoso propietario de esclavos. Ambos miran hacia la base de la fuente, donde el agua está llena de esclavos ahogados y tiburones. El agua es tal vez el elemento más importante de la obra, ya que representa los océanos por los que se transportaba a los esclavos a la fuerza cuando se comerciaba con ellos.
Kara Walker: Sitio web | Instagram | Twitter
Artículos relacionados:
Augusta Savage: la maestra y escultora negra que dio forma al Renacimiento de Harlem El Renacimiento de Harlem: un periodo histórico sin igual para el arte y la cultura afroamericana Henry Ossawa Tanner: la extraordinaria vida y obra de un artista negro del siglo XIX El Smithsonian regala a la administración Biden una pintura de un artista negro del siglo XIX

# data[].attributes.attachment_link.title
5 Piezas de Kara Walker que cuentan historias de vidas afroamericanas

# data[].attributes.attachment_link.description
La artista Kara Walker es una de las artistas estadounidenses más reconocidas a nivel internacional. Walker explora la identidad racial afroamericana creando obras inspiradas en el sur de Estados Unidos previo a la guerra civil. Walker es conocida por su uso de los recortes de papel de la época victoriana, que utiliza para crear cuadros del tamaño de una habitación.

# data[].attributes.attachment_link.title
Kara Walker - 12 obras de arte - instalación

# data[].attributes.attachment_link.title
Charlando con Kara Walker por National Endowment for the arts

# data[].attributes.attachment_link.description
La nativa de California Kara Walker creció en Georgia, donde su padre artista enseñó en la Universidad Estatal de Georgia.

# data[].attributes.attachment_link.provider_name
masdearte. Información de exposiciones, museos y artistas

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
No ofrecen lecturas unívocas y tampoco suscitan sensaciones fáciles: los trabajos de la artista californiana Kara Walker resultan estéticamente delicados, pero su belleza formal contrasta abruptamente con la violencia de los temas que abordan, entre los más habituales, el racismo, el apartheid, el impacto social de esa discriminación y el modo en que la historiografía la ha contado. Le interesa a esta autora enfrentarse a los dramas, propios y colectivos, vinculados a la esclavitud, el sexo o la injusticia social, incidiendo en las idealizaciones proyectadas sobre lo que fueron vejaciones.

Sus procedimientos se han inspirado a menudo en las caricaturas recortadas sobre cartulina negra típicas de la corte francesa del siglo XVII, pero ha evolucionado de las siluetas en papel de sus inicios a proyecciones que le permiten conectar con los antecedentes del cine, las linternas mágicas y el teatro de sombras.

Su primera gran exhibición en Suiza la presenta, hasta el 26 de septiembre, Kunstmuseum Basel y lleva por título "A black hole is everything a star longs to be": consta de cerca de seiscientos trabajos sobre papel, procedentes de su archivo personal, que nunca antes se habían mostrado al público y que se fechan en las últimas tres décadas. Se completan con dibujos recientes ligados a asuntos contemporáneos, tanto como el legado de Barack Obama; en unas y otras piezas conjuga Walker referencias a la tradición, virtuosismo técnico y provocación conceptual: lidia, como avanzábamos, con la historia, las relaciones raciales, los roles de género, la sexualidad y el conflicto.

No nos ofrece una visión conciliadora, en absoluto, del pasado, sino que ante todo busca cuestionar las narrativas establecidas y los mitos arraigados: se muestra implacable en el análisis de las violencias que llegaron a ser aceptadas y de los males persistentes.

Esta exposición suiza plantea, además, la vigencia del conjunto de su producción en nuestra época, en relación con acontecimientos recientes y con la repercusión internacional del movimiento Black Lives Matter; se pone de relieve que, si las desigualdades en un sentido amplio son materia candente, Walker advirtió hace bastante tiempo, desde mediados de los noventa, esa urgencia.

Antes y ahora, a lápiz o en proyección, la base de su práctica creativa viene siendo el dibujo sobre papel; da fe de ello ese archivo personal que ha guardado hasta ahora con celo y del que ahora nos abre las puertas: contemplaremos bocetos de formato íntimo, estudios, collages y obras más amplias y meticulosamente acabadas junto a notas de diarios, reflexiones mecanografiadas en fichas y testimonios escritos sobre sus sueños. La intimidad gráfica de cada ejemplar individual de esos documentos contrasta con la asombrosa abundancia de su contemplación conjunta: acercándose y alejándose, el espectador se convierte en testigo ocular de la génesis del arte de Walker; puede imaginarse observándola mientras representa su pensamiento en el papel e inventa, adapta y transforma paulatinamente figuras y narrativas.

Comparándolos con sus proyecciones de siluetas, sus dibujos tienen un aire de espontaneidad y de emoción sin filtrar; sobre muchos aplicó pigmento con pincel, lo que les da un aire fluido y una dinámica abierta. Escudriñando su propia identidad -como artista, mujer negra y madre- investiga Walker tanto la dimensión personal de su propia vida como las implicaciones sociales de los sucesos que la marcan; destacan, en ese sentido, esos cuatro excepcionales retratos que creó específicamente para esta muestra y que reflejan distintos roles relativos a la presidencia y el legado de Obama. También veremos las 38 piezas que componen la serie The Gross Clinician Presents: Pater Gravidam, donde examina conceptos históricamente asociados al arte y la creatividad y a tradiciones presentes en el devenir del arte gráfico, también en los fondos del propio Kunstmuseum Basel.

"A black hole is everything a star longs to be" viajará a la Schirn Kunsthalle de Frankfurt am Main (Alemania) el próximo otoño y, ya en 2022, al De Pont Museum de Tilburg, en Holanda.

Kara Walker. "A black hole is everything a star longs to be"

ST. Alban-Graben 8

Del 5 de junio al 26 de septiembre de 2021

# data[].attributes.attachment_link.title
Kara Walker, lo brutal y lo delicado en Kunstmuseum Basel

# data[].attributes.attachment_link.description
No ofrecen lecturas unívocas y tampoco suscitan sensaciones fáciles: los trabajos de la artista californiana Kara Walker resultan estéticamente delicados, pero su belleza formal contrasta abruptamente con la violencia de los temas que abordan, entre los más habituales, el racismo, el apartheid, el impacto social de esa discriminación y el modo en que la historiografía la ha contado.

# data[].attributes.attachment_link.title
Kara Walker: My Complement, My Enemy, My Oppressor, My Love

# data[].attributes.attachment_link.description
Kara Walker: My Complement, My Enemy, My Oppressor, My Love is made possible by generous support from the Henry Luce Foundation, the Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc., the Lannan Foundation, the Peter Norton Family Foundation, Linda and Lawrence Perlman, and Marge and Irv Weiser.

# data[].attributes.attachment_caption
Va ser un pintor i teòric de l'art neerlandès considerat un dels grans artistes del segle xx. 

# data[].attributes.body
És conegut per ser un dels pioners de l'art abstracte del segle xx, ja que va canviar la seva direcció artística de la pintura figurativa a un estil cada vegada més abstracte, fins que va arribar a un punt en què el seu vocabulari artístic es va reduir a elements geomètrics simples.

# data[].attributes.attachment_caption
Piet Mondrian - para niños. Breve descripción.

# data[].attributes.attachment_link.title
Piet Mondrian - para niños. Breve descripción.

# data[].attributes.attachment_link.title
La biografia il·lustrada de Gaudí per a infants, amb l'ARA

# data[].attributes.attachment_link.description
El llibre es pot aconseguir a la botiga web de l'ARA del 17 al 30 de novembre

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
(25 de juny de 1852 - 10 de juny de 1926)

A la Catalunya de finals del segle XIX, el moviment social i polític de la Renaixença es va manifestar artísticament a través del Modernisme, un corrent que a l'Europa del moment es va conèixer amb diferents noms: Art Nouveau (França i Bèlgica), Jugendstil (Alemanya i països nòrdics), Modern Style (als països anglosaxons) Sezession (Àustria), Liberty (Itàlia), etc... El Modernisme s'oposava al conservadorisme de la burgesia i intentava, a partir de l'art, canviar la societat i regenerar les masses "incultes". També tenia un component esteticista en què l'art actuava com el refugi i la religió dels artistes. Paradoxalment, el moviment ens ha llegat magnífics treballs encarregats, precisament, per una burgesia catalana optimista i emprenedora.

Els arquitectes, pintors, cartellistes i artesans catalans d'aleshores acostumaven a treballar conjuntament i això va fer possible una sinergia única que, en el curt període del canvi de segle, va enlluernar la societat. Un dels artistes cabdals d'aquest període, que s'estén aproximadament entre els anys 1885 i 1915, és sens dubte Antoni Gaudí. L'arquitecte mereix un especial reconeixement per la seva obra original i creativa. Un personatge únic, la producció del qual s'ha situat dins del moviment artístic modernista, però que si s'estudia detingudament, es veurà que el depassa àmpliament.

Gaudí era un mestre emprant tècniques constructives basades en la tradició que, un cop posades a les seves mans, acabaven produint arquitectures molt avançades al seu temps. L'univers Gaudí va molt més enllà de la Sagrada Família i de La Pedrera. Durant la seva prolífica trajectòria, va construir edificis de caràcter religiós, zones residencials i cases per a particulars, a més d'altres treballs menors i multitud de projectes que no van veure la llum o que va deixar que acabessin els seus col*laboradors. Arquitecte total i una figura amb molts matisos que, un segle més tard, segueix despertant l'interès del món sencer.

# data[].attributes.attachment_link.title
La história de Antoni Gaudí - Portal Gaudí

# data[].attributes.attachment_link.description
(25 de juny de 1852 - 10 de juny de 1926) A la Catalunya de finals del segle XIX, el moviment social i polític de la Renaixença es va manifestar artísticament a través del Modernisme, un corrent que a l'Europa del moment es va conèixer amb diferents noms: Art Nouveau (França i Bèlgica), Jugendstil (Alemanya i països nòrdics), Modern Style (als països anglosaxons) Sezession (Àustria), Liberty (Itàlia), etc...

# data[].attributes.attachment_link.description
Per què els infants tenen tanta facilitat per connectar amb el món màgic de l'arquitecte? Probablement per la seva gran imaginació

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Batalla monumental

El dia que Antoni Gaudí i Cornet va acabar els estudis d'arquitectura, Elies Rogent, el director de l'escola, va deixar una frase premonitòria: "Hem donat el títol a un boig o a un geni, només el temps ho dirà". I el temps ha dit que aquell jove nascut a Reus -alguns diuen a Riudoms- el 25 de juny del 1852 ha estat no solament un geni de l'arquitectura, sinó també un dels personatges catalans més universals. El seu nom està escrit amb lletres d'or a la bíblia del Modernisme. Les seves obres, d'una originalitat perenne, estan intrínsecament lligades a Barcelona, la ciutat a la qual la família de Gaudí es va traslladar a viure quan tot just ell era un adolescent i que va convertir en tot un referent de l'arquitectura mundial.

1 La seva infància va estar marcada per la seva delicada salut

Tot i ser el petit d'una família de cinc germans i no destacar com a bon estudiant, Gaudí va tenir la sort de tenir un pare que creia en el talent dels seus fills i que va sacrificar part del seu patrimoni per costejar-los els estudis. És possible que els mals resultats a l'escola de Gaudí fossin a causa de la seva delicada salut: tenia malalties reumàtiques i això el va obligar a passar llargs períodes a la masia familiar, a Riudoms. Allà, les passejades entre hortes i avellaners van accentuar la seva capacitat d'observació, fins al punt que la natura esdevindria la seva principal font d'inspiració.

"L'arquitecte del futur es basarà en la imitació de la naturalesa, perquè és la forma més racional, duradora i econòmica de tots els mètodes", diria anys després. Era capaç d'imaginar boscos de columnes i voltes que simulaven coves i també tenia un sisè sentit per a l'art, estimulat sobretot per la professió del pare i dels avis, tots tres calderers, dels quals va aprendre a transformar les superfícies en volums. Un dels primers projectes arquitectònics pels quals s'obsessionà fou la reconstrucció de les ruïnes del monestir de Poblet. Amb dos companys de batxillerat de l'Escola Pia de Reus, va elaborar el projecte Mecanoscrit de Poblet, amb el qual volien retornar l'esplendor a aquelles restes.

Sent un adolescent, els Gaudí i Cornet es traslladaren a Barcelona per donar continuïtat als estudis dels seus fills. L'Antoni va decidir entrar a l'Escola d'Arquitectura. Tanmateix, van haver de passar tres anys abans que aconseguís ser acceptat. La seva ment no era capaç de concentrar-se en les assignatures prèvies que li exigien i Gaudí es perdia entre línies corbes, figures orgàniques i estructures impossibles. L'amor també va formar part de les distraccions. Amb 19 anys, Gaudí és un jove atractiu, d'ulls blaus i cabell ros que s'enamora per primera vegada. La noia, una francesa de visita a Barcelona, li va donar carbasses perquè ja estava promesa al seu país. D'aquesta etapa de joventut se'n saben poques coses. Sembla que es lliurava a la vida mundana, que sovintejava locals i espectacles als quals acudia l'alta burgesia i que anava fet tot un dandi vestit impecablement, amb roba cara, barret de copa i guants.

2 Va encetar estudis d'alemany i francès, història i economia, i s'interessà per les cultures africanes i orientals, per la poesia contemporània i per Marx

Començà la seva carrera com a delineant, a les ordres de Josep Fontserè i Mestre, fill d'un riudomenc, i col·laborà amb la cooperativa L'Obrera Mataronense, la primera fàbrica de l'Estat propietat dels seus obrers. Allò el va apropar als cercles de dirigents anarcosindicalistes i lliurepensadors com el poeta Bartrina, Salvador Pagès o Camil Oliveras i Gensana; personatges en la seva majoria agnòstics o ateus, i alguns d'ells maçons. Sembla que Gaudí hauria coquetejat amb diferents ideologies i idearis, però no es té constància que s'involucrés en cap.

Amb tot, el seu ventall d'interessos creixia. Va encetar estudis d'alemany i francès, història i economia, i s'interessà per les cultures africanes i orientals, per la poesia contemporània i per lectures com el 'Manifest comunista' de Karl Marx. En l'àmbit íntim, Gaudí s'enamorà per segon i darrer cop d'una jove pèl-roja, Pepeta Moreu. La parella va establir una relació de confiança i estima, però quan Gaudí es va armar de valor per demanar-la en matrimoni, ella ja s'havia promès.

3 Va acceptar l'encàrrec de la Sagrada Família després de la destitució de l'arquitecte que capitanejava les obres

Als 31 anys, Gaudí ja era un arquitecte prometedor. Si bé havia enllestit pocs projectes propis, com la Casa Vicens, a Gràcia, en les obres que havia col·laborat sempre havia deixat el seu segell personal. L'arquitecte Joan Martorell va recomanar Gaudí a l'Associació Espiritual de Devots de Sant Josep perquè capitanegés les obres del temple de la Sagrada Família, després de la destitució de l'arquitecte Francesc de Villar. Gaudí va acceptar l'encàrrec i de seguida va ser conscient que aquella podia ser l'obra magna de la seva carrera. Quan, en presentar el seu projecte, li recriminaren que la seva proposta era colossal i impossible de realitzar-se, ell va etzibar: "Jo treballo per Déu i el meu client m'ha dit que no té pressa". El 19 de març del 1882, l'aleshores bisbe de Barcelona, José María de Urquinaona, va posar la primera pedra del temple.

4 Després de l'atemptat anarquista al Liceu va col·locar a la Sagrada Família la imatge d'un obrer a qui el dimoni donava una bomba Orsini

Martorell va intercedir per segon cop en el destí de Gaudí en presentar-li Eusebi Güell, que esdevindria el seu mecenes. L'admiració mútua que de seguida van sentir l'un per l'altre i la fortuna familiar dels Güell va permetre a Gaudí l'oportunitat d'experimentar el seu llenguatge arquitectònic transgressor amb total llibertat. Les fantasies de Gaudí deixaven astorada l'alta burgesia barcelonina, la majoria d'ocasions per bé, però de tant en tant també el criticaven, com en el cas de la tribuna que Gaudí va construir al Palau Güell. "¡Parece una barbería!", es lamentava la dona de Güell, resignada al fet que el seu marit donés carta blanca a Gaudí. A banda de la seva pròpia residència, Güell també va finançar El Capricho a Comillas, la cripta de la Colònia Güell a Santa Coloma de Cervelló, o el projecte urbanístic del parc Güell.

El va afectar el terror anarquista
El terror anarquista que patia la ciutat a la darreria del XIX i molt especialment l'atemptat de l'any 1893 al Liceu van deixar una forta impressió en Gaudí. Al portal del Roser de la Sagrada Família, Gaudí va col·locar-hi la imatge d'un obrer a qui el dimoni dóna una bomba Orsini, igual que la que va esclatar al Liceu, per simbolitzar la temptació de l'home. Sens dubte, allò també va fer que Gaudí s'anés allunyant gradualment de les tesis socialistes i s'aproximés, cada vegada més, vers idearis catalanistes, sobretot a través de rellevants personalitats de la cultura catalana que Güell li anava presentant com Joan Maragall o Jacint Verdaguer. Amb mossèn Cinto es van fer amics íntims. Tots dos compartien els ideals de la Renaixença i sentien admiració pels temes mitològics. De fet, l'arquitecte es va inspirar en el poema L'Atlàntida per dissenyar algunes parts dels pavellons Güell. En paral·lel, Gaudí també es va anar mistificant. En aquest sentit, va ser clau el bisbe de Vic, Josep Torras i Bages, que el va inspirar i guiar en els nombrosos dejunis que Gaudí feia.

5 Entregat totalment a la construcció del temple, es va traslladar a viure a l'obrador de la Sagrada Família

De la seva vida quotidiana se sap que Gaudí va viure en diferents pisos del centre de la ciutat i posteriorment a l'Eixample, fins que el 1906 es traslladà a la que actualment és la Casa-Museu del parc Güell. Allà hi va viure amb el seu pare i amb una neboda malalta de la qual es va fer càrrec fins que va morir. Professionalment, a partir del 1914 Gaudí va dedicar-se en exclusiva a la Sagrada Família.

Tan absorbit estava en la construcció del temple que l'arquitecte va decidir traslladar-se a l'obrador de la Sagrada Família i viure immers en aquell mar de plànols i maquetes. S'havia convertit en un venerable ancià, una mica taciturn, estrictament vegetarià i un catòlic fervent que es confessava cada dia. Se sabia una visionari i el frustrava comprovar que la societat no era capaç de veure-hi tan clar. "Les meves idees són d'una lògica indiscutible; l'única cosa que em fa dubtar és que no hagin estat aplicades anteriorment".

6 El conductor del tramvia que el va atropellar no el va reconèixer, el va apartar de la via i va prosseguir el seu camí

Els qui el van tractar deien que rere el seu posat esquerp s'amagava un home sacrificat i amable, amb algunes manies com la de lligar se els pantalons amb cordes o dur la mateixa roba un dia rere un altre fins que es convertia en parracs. Tant és així que el conductor del tramvia que el va atropellar, en veure un home amb aquell aspecte humil, simplement el va apartar de la via i va prosseguir el seu camí. Era el 7 de juny del 1926 i Gaudí es dirigia a l'església de Sant Felip Neri. Greument ferit, va ser traslladat a l'Hospital de la Santa Creu, on s'atenia malalts sense recursos. Dos coneguts el van reconèixer i li van proposar d'anar a una clínica privada, però ell s'hi va negar adduint que preferia morir en un hospital de beneficència. I així va ser, tres dies més tard.

El seu funeral, a la Sagrada Família, va aglutinar una multitud de barcelonins, com ho havia fet abans l'enterrament del seu amic Jacint Verdaguer o com ho faria set anys després el funeral de Francesc Macià. Va ser enterrat a la cripta de la Sagrada Família, una de les poques parts que va poder veure acabada. Amb tot, l'acurat disseny arquitectònic gaudinià, precís i lògic, ha permès que els arquitectes posteriors hagin pogut prosseguir la seva gran obra inacabada, tot i que els plànols es van cremar durant la Guerra Civil. Gaudí continua present en cada torre que s'acaba, en cada figura que es col·loca i en cada porta i façana que s'obre.

7 La Colònia Güell a 'Batalla monumental'

A Batalla monumental, deu icones patrimonials del nostre país competeixen per ser el nou monument favorit dels catalans; entre elles la Colònia Güell, que amaga al seu interior una obra mestra d'Antoni Gaudí. El programa, que s'emet els dijous al vespre a TV3, consta de cinc enfrontaments, un per capítol, en què es posen cara a cara monuments de característiques semblants: el castell de Montsoriu i el de Mur; els recintes emmurallats de Montblanc i de Cervera; el Palau de la Música Catalana i la Colònia Güell amb la seva cripta; la cartoixa d'Escaladei i el monestir de Santa Maria de Ripoll, i el Poble Vell de Corbera d'Ebre i el Born Centre de Cultura i Memòria de Barcelona. El guanyador de cada duel passarà a la gran final, que serà un programa en directe.

En cada programa, les reporteres Candela Figueras i Laia Fontàn defensen un dels dos monuments, amb Roger de Gràcia com a conductor. El monument guanyador de cada programa el decideix l'audiència amb els seus vots, que es poden emetre a les xarxes socials del programa: Facebook, Twitter i Instagram. Us convidem a passejar per tots els monuments participants en aquest mapa interactiu.

Quiz

SUBSCRIU-T'HI​

# data[].attributes.attachment_link.description
Batalla monumental El dia que Antoni Gaudí i Cornet va acabar els estudis d'arquitectura, Elies Rogent, el director de l'escola, va deixar una frase premonitòria: "Hem donat el títol a un boig o a un geni, només el temps ho dirà".

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Aquesta petita història dirigida a nens i nenes ofereix, de forma amena i rigorosa a la vegada, un recorregut per la vida i trajectòria artística de l'arquitecte més representatiu del modernisme català, Antoni Gaudí. El text de Petita Història de Gaudí de l'Editorial Mediterrània va acompanyat de les il·lustracions a tot color de Pilarín Bayés.

Aquest llibre també està disponible en format ebook o llibre electrònic que podràs trobar a la web del nostre distribuïdor digital Zonaebooks.

# data[].attributes.attachment_link.title
Petita Història de Gaudí de l'Editorial Mediterrània

# data[].attributes.attachment_link.description
Aquesta petita història dirigida a nens i nenes ofereix, de forma amena i rigorosa a la vegada, un recorregut per la vida i trajectòria artística de l'arquitecte més representatiu del modernisme català, Antoni Gaudí. El text de Petita Història de Gaudí de l'Editorial Mediterrània va acompanyat de les il·lustracions a tot color de Pilarín Bayés.

# data[].attributes.headline
Casa Museu Gaudí, residència de l’arquitecte des del 1906 i fins al 1925.

# data[].attributes.subject
Casa Museu Gaudí, residència de l’arquitecte des del 1906 i fins al 1925.

# data[].attributes.attachment_link.description
Des de l’any 1992, la Fundació Junta Constructora del Temple Expiatori de la Sagrada Família també gestiona la Casa Museu Gaudí, residència de l’arquitecte des del 1906 i fins al 1925. L’edifici va ser construït com a casa mostra del projecte d’urbanització del Park Güell, i va ser projectat per Fra…

# data[].attributes.headline
Biografia en forma de conte per a infants

# data[].attributes.subject
Biografia en forma de conte per a infants

# data[].attributes.attachment_link.title
Antoni Gaudí | Biografía en cuento para niños | Shackleton Kids

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
El feminismo es un movimiento con varios siglos de historia. Algunos atribuyen su nacimiento a la propia Revolución francesa, donde también las mujeres se levantaron para reivindicar sus derechos y criticar que este movimiento se centraba solo en el hombre.

Aunque pusieron todo su empeño, esta revolución no les ayudó a conseguir sus objetivos, así que empezaron a luchar ellas mismas, al margen de este movimiento. Es entonces cuando nace una de las luchas que se ha convertido en símbolo del feminismo: la lucha por el derecho al voto.

Durante todo este tiempo han surgido diferentes figuras que han luchado por la total inclusión de la mujer en la sociedad, mujeres fuertes y conscientes de la situación que han querido aportar su grano de arena a la causa. Hoy queremos presentarte a uno de los grandes símbolos del feminismo: Frida Kahlo. ¿Te quedas a leerlo?
Frida Kahlo, un símbolo del feminismo
Nuestra protagonista de hoy seguramente necesite pocas presentaciones, pero queremos que no te pierdas ningún detalle. Frida Kahlo fue una pintora mexicana de principios del siglo XX y, en un mundo de hombres (que eran los que se encargaban de recibir los reconocimientos en el plano artístico), Frida no solo destacó sino que abrió un camino a todas esas mujeres seguras de sí mismas y de su talento.

La obra de Kahlo ha sido tremendamente prolífera e influida por episodios muy diversos de su vida, como un accidente que la dejaría postrada en una cama durante largo tiempo. Pero si pensamos en quién fue esta artista, sin duda nos viene a la cabeza su aspecto físico. ¿Nos equivocamos?

Frida decidió crear su imagen como si de una obra se tratara, y quiso enfocarla a la lucha hacia la igualdad. Masculinizó su aspecto, permitiendo y aceptando el vello facial, y se olvidó de los estereotipos de género, que eran tan seguidos en la época.
Acciones más allá de la pintura
Frida es un símbolo del feminismo por algo más que por sus cuadros. Aunque el hecho de que una mujer hubiese llegado tan lejos en el mundo de la pintura en aquellos tiempos ya tiene mucho que aplaudir, Kahlo quiso ser una mujer luchadora en otros ámbitos, como el político.

Defensora del marxismo y de los derechos de los indígenas, participaba activamente en política, un rol que estaba asignado casi en exclusiva al género masculino.

¿Crees que aquí termina su papel? Queda lo más importante: ¡su legado artístico!
El feminismo en sus obras
Sin duda, donde podemos ver una mejor manifestación de sus ideales es en su trabajo. Frida era una mujer libre, y así lo reflejaba en sus obras, en las que hablaba abiertamente de sexualidad, aborto, lactancia o maternidad. Daba voz a las mujeres reprimidas y enjauladas, que no salían de sus casas o que no hablaban con libertad porque eso no correspondía a su género.

En este post te hemos introducido a Frida Kahlo como símbolo del feminismo, hablando de su vida y de cómo reflejó esta lucha de géneros en sus obras. Hoy es conocida mundialmente y se ha convertido en un verdadero icono para muchas mujeres que luchan por su libertad.

Si quieres saber más acerca de esta singular figura del feminismo, te invitamos a analizar su obra (y lo que ella ha inspirado, desde libros hasta películas) para conocer en profundidad sus pensamientos y sus metas. También te invitamos a compartir ¿Qué opinas de Frida como un símbolo de feminismo en México? D éjanos tus comentarios.

La entrada anterior fue tomada del blog de OXFAM INTERMÓN

# data[].attributes.attachment_link.description
La obra de Kahlo ha sido tremendamente prolífera e influida por episodios muy diversos de su vida, como un accidente que la dejaría postrada en una cama durante largo tiempo. Pero si pensamos en quién fue esta artista, sin duda nos viene a la cabeza su aspecto físico. ¿Nos equivocamos?

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Autorretrato con traje de terciopelo.

La columna rota.

El venado herido.

El abrazo de amor del universo.

Autorretrato con el pelo corto.

Autorretrato con collar de espinas.

"Aquí me pinté yo, Frida Kahlo, con mi reflejo en el espejo"

Frida y Diego 1929 - 1944.

Diego en mis pensamientos.

Dos desnudos en un bosque.

Entre las cortinas

Autorretrato en la frontera entre México y los Estados Unidos.

Henry Ford Hospital.

Las dos Fridas.

Sin esperanza.

Unos cuantos piquetitos (Apasionadamente enamorado).

❮❯

Frida Kahlo es la artista mexicana que por excelencia logró el empoderamiento de las mujeres creativas, talentosas y con una gran pasión por vivir la vida sin prejuicios ni miedos ¡solo para disfrutar!

Gracias a éste Frida logró superar su terrible accidente automovilístico el cual sufrió a los 18 años, pero también en su arte logro expresar de la mejor forma sus emociones y sentimientos; lo que su vida le trajo para bien o mal ella lo pintó, logrando con esto convertirse en una pintora renombrada y recordada por años.

Hoy recordaremos algunas de sus obras y el significado que ella le dio a esas pinturas.

Frida declaró que sus pinturas no reflejaban sueños o imágenes surrealistas, aunque así lo pareciera, sino que eran representaciones de su propia vida y de sus emociones: "Me pinto a mí misma porque soy a quien mejor conozco".

Autorretrato con traje de terciopelo

primer autorretrato de Frida y lo pinto en 1926; fue un regalo para su novio Alejandro Gómez Arias, quien había terminado con la relación amorosa, pues pensaba que ella lo había engañado. Frida le regaló este retrato con la esperanza de recuperarlo... Efectivamente esto sucedió, la pareja se reconcilió.

La columna rota

Frida pintó este cuadro en 1944 y en él muestra el desastroso accidente de autobús que le ocasionó muchas fracturas y achaques que padecería por el resto de su vida.

En esta pintura ella se ve con lágrimas en los ojos y sobre un fondo árido y desolado. La obra completa es un grito desesperado de dolor.

Frida y Diego 1929 - 1944

lo pintó en 1944, como un regalo para Diego en su quinceavo aniversario de bodas.

Las fechas marcan los años de matrimonio, salvo el periodo de 1939 a 1940 en que estuvieron separados. La relación de los esposos es reiterada con la luna y el sol, y la concha y vieira.

"Aquí me pinté yo, Frida Kahlo, con mi reflejo en el espejo"

Una obra en la que busca reforzar su identidad como lo indica su presencia en primer plano y la mención de su lugar de nacimiento.

Autorretrato en la frontera entre México y los Estados Unidos

Frida pintó este cuadro en 1932, en el que muestra sus sentimientos encontrados hacia Estados Unidos.

El fondo lleno de imágenes que evocan a los dos países, pero en la mano sostiene una bandera con los colores mexicanos, dando a entender cuál es el lugar al que su corazón pertenece.

Diego en mis pensamientos

Un retrato de Diego en su frente, quien para la época mantenía múltiples infidelidades mientras Frida desarrollaba un amor obsesivo hacia él, con el único deseo de poseerlo en su totalidad.

Henry Ford Hospital

aquí uno de los momentos más traumáticos de su vida: el aborto natural que sufrió en el año 1932, mientras vivía en Estados Unidos.

La pintora mexicana anhelaba tener un hijo y aunque nunca lo logró, cuando hablaba del tema se refería a él como "el pequeño Dieguito".

Autorretrato con collar de espinas

Sin esperanza

cuando Frida tuvo que permanecer en reposo completo y mantuvo una dieta de purés cada dos horas para hacerla engordar, pues la falta de apetito, consecuencia de operaciones y enfermedades la había dejado sumamente delgada.

Dos desnudos en un bosque

Fue un regalo para su amiga íntima Dolores del Río. Esta pintura encierra diversas teorías respecto a su significado.

Hay quien sostiene que exhibe su bisexualidad, puesto que la pintura muestra a dos mujeres desnudas siendo observadas por un mono; símbolo del pecado y la sexualidad animal.

Mientras que otros argumentan que en realidad exhibe la dualidad racial de Frida, la europea y la India Mexicana; "la mujer que da consuelo y la que tiene necesidad de ser consolada".

Las dos Fridas

reflejó aquí las emociones luego del divorcio de Diego. Dibujó dos personas idénticas, pero con diferentes personalidades.

Una de ellas es la Frida mexicana, de la cual Diego se enamoró. La otra es Frida europea, es la nueva artista independiente y reconocida en todo el mundo, pero también la que su esposo abandonó.

Este cuadro se convirtió en el más caro vendido por la artista durante su vida; fue comprado por el INBA en 4 mil pesos.

El venado herido

Es fácil saber cuándo una pintura de Kahlo expresa un sentimiento de dolor insoportable, pues la artista era incapaz de replicar el sufrimiento en su propio cuerpo, y por eso utilizaba otras imágenes.

El abrazo de amor del universo

ilustra el gran amor que le profesaba a su marido, un amor que iba cambiando de forma, que a veces era de amantes y muchas otras de madre, de hija, de hermana.

Al mismo tiempo, la imagen nos remite a la imposibilidad del cuerpo de Frida para engendrar hijos, lo que sin dudas fue la gran herida de su vida.

Autorretrato con pelo corto

Cuadro que data de 1940 posterior al divorcio donde Frida abandonó su imagen femenina. Se cortó el pelo, colgó los vestidos y utilizó ropas masculinas, dejándose únicamente los pendientes como atributo femenino.

Unos cuantos piquetitos (Apasionadamente enamorado)

los periódicos mexicanos dieron a conocer la noticia de una mujer asesinada por celos, y en la que el asesino se defendió ante el juez diciendo "pero sólo fueron unos cuantos piquetitos".

Entre las cortinas

Este cuadro adornó el estudio de Trotsky en la Casa Azul, hasta que éste se mudó a su propia casa y dejó el cuadro a petición de su esposa.

Frida le dedico este cuadro con la siguiente frase: "Para Leon Trotsky, con todo mi amor..."

La pintora mexicana tuvo una vida llena de amores, dolores, infidelidades, enfermedades, cirugías, alegrías y demás; pero cada situación sirvió de inspiración para crear grandes obras de arte que con el paso del tiempo sigue siend o admiradas y valoradas por un mayor número de personas.

Frida Kahlo cuenta con un amplio catálogo de obras, en las cuales podrás reconocer ese reflejo de su sentir; ese enorme y enfermizo amor por Diego, su México y su pasión por la pintura que ejerció hasta el último día de su vida.

# data[].attributes.attachment_link.title
¿Conoces el significado de las pinturas de Frida Kahlo?

# data[].attributes.attachment_link.description
Frida Kahlo es la artista mexicana que por excelencia logró el empoderamiento de las mujeres creativas, talentosas y con una gran pasión por vivir la vida sin prejuicios ni miedos ¡solo para disfrutar!

# data[].attributes.headline
Els 10 quadres més importants de Frida Kahlo

# data[].attributes.subject
Els 10 quadres més importants de Frida Kahlo

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
En el post de hoy queremos homenajear a una de las artistas más importantes del surrealismo mexicano: Frida Kahlo. Por ello, hemos preparado una lista con las 10 de las obras que para nosotros son las más importantes de Frida Kahlo. A pesar de los debates que podamos generar, estamos ansiosos por leer vuestros comentarios.

Si bien es cierto que Frida se ha convertido en un icono del feminismo, también debemos conocer su obra. Durante la época en la que llevo a cabo su arte, realizó múltiples obras con gran calidad artística y cargadas de simbolismo.

Como muchos sabéis, la vida de Frida Kahlo estuvo marcada por un grave accidente que sufrió en su juventud. Por este accidente, la joven Frida estuvo postrada en la cama durante largos periodos llevando así, una vida poco corriente. Así, postrada en la cama, fue cuando la artista comenzó a pintar.

La temática de la obra de la artista gira al rededor de su sufrimiento. No solo por el accidente si no por otros motivos como su difícil relación con Diego Rivera o los tres abortos que sufrió. Así es casi imposible separar la importante obra de Frida de su biografía y sufrimiento. Ya que, como veremos a continuación su obra está llena de simbolismo y referencias a su vida y sufrimiento.

Las 10 obras más influyentes de Frida Kahlo

Después de este pequeño resumen de la vida y obra de Frida, os dejamos 10 de las obra que, a nuestro parecer son las más importantes de la artista:

Frieda y Diego Rivera, 1931

La cama volando, 1932

Unos cuantos piquetitos, 1935

Autorretrato con monos, 1938

Las dos Fridas, 1939

Autorretrato con collar de espinas, 1940

Diego en mi pensamiento, 1943

La columna rota, 1944

El venado herido, 1946

Mi familia, 1949

Las 10 mejores obras de Frida Kahlo, en vídeo

¿Qué te parece este pequeño resumen de las obras más famosas de Frida Kahlo? ¡Esperamos tus comentarios!

Las 10 obras más influyentes de Frida Kahlo

Frieda y Diego Rivera, 1931

La cama volando, 1932

Unos cuantos piquetitos, 1935

Autorretrato con monos, 1938

Las dos Fridas, 1939

Autorretrato con collar de espinas, 1940

Diego en mi pensamiento, 1943

La columna rota, 1944

El venado herido, 1946

Mi familia, 1949

Las 10 mejores obras de Frida Kahlo, en vídeo

# data[].attributes.attachment_link.title
Los 10 cuadros más importantes de Frida Kahlo - Noticias de Arte Totenart

# data[].attributes.attachment_link.description
Conoce la vida y obra de Frida Kahlo a través de 10 de los cuadros más importantes de la artista mexicana más influyente...

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Todos sabemos que las mujeres no pasaron a la historia del arte como debían. Muy pocas están en el Olimpo de los grandes artistas, pero sin duda hay excepciones y Frida Kahlo es una de ellas.
Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón fue una de las pintoras más conocidas de y este país fue uno de los ingredientes principales de su obra. Los surrealistas quisieron ver en a uno de los suyos, pero ella siempre se mostró reticente por un motivo: Frida no pinta sueños... pinta su realidad. "No sabía que era surrealista hasta que llegó André Breton a México y me lo dijo".

Su vida estuvo marcada por diversos factores: la mala salud fue uno de ellos. La polio de su infancia y sobre todo un terrible accidente de autobus dejó secuelas que cambiaron su vida (dolores, amputaciones, imposibilidad de engendrar...), pero que también la iniciaron el el arte. Durante el largo periodo de convalecencia en el hospital Frida Kahlo realiza sus primeros trabajos artísticos.

Otro factor que marcó su vida y obra fue el (los) matrimonio(s) con Diego Rivera, toda una institución en Mexico, que resultó una influencia masiva en el arte de Frida.
Aunque Kahlo era polígama y bisexual, las infidelidades de su promiscuo marido hicieron de las peleas algo cotidiano y también quedó documentado en la pintura de la artista.

La obra de Frida Kahlo es difícil de clasificar. Tan unida a su vida personal, se podría decir que los cuadros de Frida son sujeto y objeto. Sin duda, y aunque ella misma lo negara, hay una masiva influencia surrealista (no todo son sueños, también está la magia, los mitos y el inconsciente que se respira en Mexico). También un evidente influjo expresionista.

Muchos quisieron ver en su obra un primitivismo cercano a Rousseau, y desde luego se percibe esa ingenuidad e infantilismo naïf del francés, aunque Kahlo, como Rivera buscaron siempre mostrar un exaltado nacionalismo, un arte que expresara la afirmación nacional mexicana.

Su condición de mujer también fue principal en su obra. Rompiendo tabús sobre el cuerpo y la sexualidad femenina siempre buscó con su trabajo alejarse de lo que podría hacer una mujer de su época y se mostró dura, excesiva, violenta, activa... Es por ello una especie de símbolo del feminismo en el arte.

Al igual que la Kahlo creó el personaje de Frida, con su forma de vestir y arreglarse, con vestimentas y abalorios indígenas, su negativa a depilarse cejas y bigote y su pasión por la cerveza.

Según la propia artista, usó la simbología de los colores para su obra:
El verde: luz tibia, buena; marrón: hoja que va a la tierra, color del mole; amarillo: locura, miedo y enfermedad, pero también algo del sol y de la alegría; azul cobalto: electricidad, amor y pureza; negro: nada es negro; hojas verdes: tristeza, ciencia; amarillo verdoso: locura y misterio, los fantasmas usan trajes de ese color; verde oscuro: color de buenos negocios y malos anuncios; azul marino: distancia, aunque también la ternura puede ser de ese color.

# data[].attributes.attachment_link.description
Todos sabemos que las mujeres no pasaron a la historia del arte como debían. Muy pocas están en el Olimpo de los grandes artistas, pero sin duda hay excepciones y Frida Kahlo es una de ellas. Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón fue una de las pintoras más conocidas de y este país fue uno de los ingredientes principales de su obra.

# data[].attributes.body
Simo, Anas, Dennise, Itziar, Ainoa

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
El creador de las primeras pinturas abstractas modernas, Wassily Kandinsky fue un influyente pintor y teórico del arte ruso. En su juventud, estudió derecho y economía en la Universidad de Moscú, y luego fue contratado como profesor de derecho romano en la Universidad de Dorpat en Estonia. Tenía 30 años cuando comenzó sus estudios de pintura, centrándose en dibujo de vida, bocetos y anatomía. Sus obras abstractas fueron creaciones basadas de sus intensas creencias filosóficas y en sus propias experiencias personales con el arte. La devoción a la belleza interior fue un tema central en su arte.

1- Composición VIII

El constructivismo fue un movimiento de arte moderno influyente marcado por la construcción de objetos en obras de arte que no existían en el mundo. Esta pintura es una síntesis de elementos del suprematismo, el constructivismo y la escuela Bauhaus; e ilustra el comando de Kandinsky sobre el arte moderno de la época.

2- Amarillo - Rojo - Azul

Amarillo - Rojo - Azul fue creada por Kandinsky en 1925. Los colores primarios en la pintura presentan cuadrados, círculos y triángulos y hay formas abstractas mezcladas con estos. También hay líneas negras rectas y curvas que atraviesan los colores y las formas. Esto es para ayudar a provocar un pensamiento profundo en la persona que ve la pieza.

3- Composición IV

La historia interesante de esta pintura nos ayuda a hacer un examen intelectual de Kandinsky en torno a la creación de sus obras. Se agotó durante varios meses en su estudio preparando esta pintura, y decidió salir a caminar. Su asistente en ese momento, Gabrielle Munter, que estaba ordenando el estudio en ausencia del artista, sin darse cuenta giró el lienzo de lado. Al regreso de Kandinsky, vio el lienzo, cayó de rodillas y comenzó a llorar por la belleza de la pintura. Su nueva perspectiva sobre la pieza cambiaría su visión y dirección artística por el resto de su vida.

4- Varios Circulos

Esta es una de las pinturas en donde Kandinsky creyo haber capturada en mejor forma la importancia del circulo como forma geometrica y artistica.

5- Estudio de Color: Cuadros con Círculos Concéntricos

Kandinsky se inspiró en el color y creía que podía transmitir emoción a través de él sin el uso de figuras. Exploró las cualidades emocionales y expresionistas de los colores en muchas pinturas. También conocido simplemente como círculos concéntricos, esta pintura es uno de sus estudios de color más famosos y quizás su obra de arte más reconocible.

6- En Blanco II

En esta pintura Kandinsky expresa una combinación inteligente de los dos colores principales en la pintura: blanco y negro. Kandinsky usó el color para representar más que solo formas y figuras en sus pinturas. En esta pintura, las muchas dimensiones del color blanco se utilizan para representar las muchas posibilidades y oportunidades disponibles en la vida. El color negro, por otro lado, representa la no existencia y la muerte.

7- Composición VII

Los años 1910 a 1914 se consideran el pico de la carrera de Kandinsky y esta pintura se cita como el pináculo de su logro artístico durante el período. Hizo más estudios para esta composición que para cualquier otra, aunque pintó la versión final en solo tres días. Se cree que la Composición VII alude a los temas apocalípticos de Diluvio, Juicio Final, Resurrección y Paraíso.

8- Círculos en un Círculo

"Círculos en un círculo" es una composición compacta y cerrada. Demuestra el estilo distintivo de Kandinsky de principios de la década de 1920. Kandinsky comenzó a estudiar el círculo como una unidad artística a partir de esta pintura.

9- Jinete Azul

Esta es la pintura más importante de Kandinsky de principios de 1900, antes de haber cambiado completamente al estilo abstracto. La pintura ilustra a un jinete envuelto en azul, a toda velocidad por un prado verdoso. La abstracción intencional de la pintura había llevado a muchos teóricos del arte a proyectar sus propias representaciones en la figura, y algunos vieron a un niño en los brazos del jinete azul.

10- Composición X

La música era una parte habitual del arte de Kandinsky. Algunas de sus obras espontáneas las llama "improvisaciones" y las más elaboradas "composiciones". Esto como analogía a los nombre dados a las piezas musicales. La composición X es la pintura más famosa de la última fase de la carrera de Kandinsky. Enesta fase buscaba crear una resonancia espiritual entre el espectador y el artista.

11- Lineas Negras

Es una de las primeras pinturas verdaderamente abstractas de Kandinsky. Las pinturas que pinto antes de la Primera Guerra Mundial son consideradas paisajes apocalipticos. Las lineas negras de esta pintura junto con los colores vibrantes crean una disonancia con lo que Kandinsky sugería destructividad.

12- Primera Acuarela Abstracta

Esta pintura es una obra sin título de Kandinsky que ahora es famosa por ser considerada como la primera acuarela abstracta. Con esta obra Kandinsky se alejo por primera vez de las pintura figurativa y se dirigió hacia la abstracción pura.

# data[].attributes.attachment_link.title
Las 12 Pinturas más Famosas de Wassily Kandinsky - Ocioso Ando

# data[].attributes.attachment_link.description
El creador de las primeras pinturas abstractas modernas, Wassily Kandinsky fue un influyente pintor y teórico del arte ruso. Sus obras abstractas fueron creaciones basadas de sus intensas creencias filosóficas y en sus propias experiencias personales con el arte. La devoción a la belleza interior fue un tema central en su arte.

# data[].attributes.body
Simo, Anas, Dennise, Itziar, Ainoa

# data[].attributes.attachment_link.title
Vassili Kandinski - Viquipèdia, l'enciclopèdia lliure

# data[].attributes.attachment_link.description
Vassili Vassílievitx Kandinski (transcripció del rus Василий Васильевич Кандинский, amb el cognom sovint escrit Kandinsky; Moscou, 4 de desembre de 1866 - Neuilly-sur-Seine, 13 de desembre de 1944) fou un pintor rus, precursor de l' abstracció en la pintura.

# data[].attributes.body
Simo, Anas, Dennise, Itziar, Ainoa

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Todas las vanguardias que hemos vistado hasta el momento - cubismo, futurismo y fauvismo- pese a las rupturas y novedades que en ellas se dan, se encuentran dentro del ámbito de un arte figurativo, un arte que describe objetos, personas... relacionados con una realidad "fotográfica". Éstos pueden estar representados de manera simultánea desde diferentes puntos de vista (cubismo), con colores exaltadamente diferentes a lo que normalmente reconocemos en la naturaleza (fauvismo) o tomando una nueva perspectiva en la velocidad, en el cambio que la nueva sociedad les ofrece (futurismo), pero en todos ellos seguimos reconociendo el objeto que el artista ha decidido describir.

Hoy vamos a hablar de Vasili Kandinsky, una figura clave del arte abstracto. El pintor que liberó definitivamente al arte de su función tradicional: ofrecer un reflejo de la realidad visible.

.

Composición IV, 1911

EL COLOR SE HACE AUTÓNOMO e INDEPENDIENTE.

"Todo se volvía claro...
la descripción de los objetos perdía todo sentido...

en el cuadro sólo quedaban los colores:
un abismo se abría a mis pies"

Esta frase fue pronunciada por Kandinsky en 1908, dos años antes - aunque para algunos cinco, pues hay bastante controversia sobre la fecha en la que fue pintada esta acuarela- de que crease uno de los cuadros más relevantes de su corpus de obra y del arte del s. XX. Se trata de la imagen que os presento a continuación, un pequeño dibujo que en los escritos de Kandinsky aparece catalogado como primera acuarela abstracta.

Primera acuarela abstracta, 1910

¿Qué es lo vemos? ¿Cómo lo describiríamos? Obviamente, si el patrón que pretendemos reconocer son figuras, objetos, o personas pintadas con más o menos destreza en el cuadro, no encontraremos nada. Kandinsky desde hacía años no tenía interés en definir objetos.

El arte abstracto se negará a pintar la realidad

existente para concentrar la fuerza

en sus aspectos cromáticos,

formales o estructurales.

En la pintura abstracta, la obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no intenta representar hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar una necesidad interior de significar. Pero vayamos paso a paso y veamos que esto no es fruto de la ocurrencia de un día, sino un proceso, una búsqueda que a Kandinsky le condujo su vida entera.

Amarillo, rojo y azul, 1925

CAMINO A LA ABSTRACCIÓN
Cuando Kandinsky miraba un cuadro para él lo más importante no era el objeto que estaba representado. No le importaba nada que hubiese una casa, una ciudad o una señora corriendo, para él lo importante eran los colores que allí se concentraban y la fuerza que en su combinación adquirían en la obra. En sus tiempos de estudiante en Moscú, mucho antes de dedicarse sistemáticamente a la pintura y hacer de la abstracción su búsqueda, tuvo una experiencia que le marcó para toda su vida: al observar un cuadro de la serie de Monet Almiar fue incapaz de reconocer lo que en él está pintado.

Y de pronto, por primera vez, vi un cuadro.

Leí en el catálogo que se trataba de un montón de heno, pero no podía reconocerlo (...)Me di cuenta de que faltaba el objeto del cuadro (...) Lo que tenía perfectamente presente era la insospechada y hasta entonces oculta fuerza de la paleta".

No es que no existiese un objeto, por supuesto que etaba presente, Monet lo había pintado y nosotros no tenemos más que mirar el cuadro para reconocerlo. Peropara el joven Kandinsky, la fuerza de los colores allí presentes hacían del objeto algo superfluo. En el cuadro, a sus ojos, el color se convierte en la fuerza más importante. Lo que Kandisnky percibe inconscientemente ante esta obra impresionista es que la fuerza de la paleta es capaz de determinar el efecto completo, expresivo y descriptivo, del cuadro.

Almiar, puesta de sol. Claude Monet, 1891

.
La idea está muy clara en su cabeza, pero el proceso que le lleva a la abstracción se realiza de manera gradual, como una evolución llena de continuas búsquedas e investigaciones. En el espacio de apenas seis años vemos como Kandinsky pasa de pintar cuadros de pincelada impresionista y maravillosos efectos cromáticos, en los que sus temas son los de las leyendas rusas (un ejemplo estupendo es Pareja a caballo, 1906) a otros que podemos inscribir dentro del Realismo Objetua l. Obras en las que Kandinsky, sirviéndose del expresivo colorido que ha visto empleado en pintores fauvistas como Matisse, Dufy o Vlaminck, nos presentará los objetoscomo algo sin importancia, convertidos en meros ornamentos cromáticos abstractos (Murnau con Iglesia I, 1910)

Pareja a cabal lo, 1906/07

Murnau con Iglesia I, 1910

"Pensé menos en las casas y los árboles,

extendía con la espátula líneas y manchas de color sobre el lienzo, dejándolas cantar con tanta fuerza como me fue posible"

El camino está abierto, y será uno de los más fertiles dentro de la imaginación en el siglo XX. A partir de 1911, Kandinsky va a eludir la realidad de sus cuadros en pos del cromatismo, la abstracción y el movimiento. En los años siguientes su obra sesuele agrupar en tres categorías:

Impresiones: inspiradas en la naturaleza.

Improvisaciones: Poco a poco vamos viendo en su obra un proceso de limpieza, en el que se eliminan las formas naturalistas. Así, por ejemplo, una montaña se convertirá en una curva con un vértice lanzado hacia el cielo o un río se trastocará en una imprecisa forma sinuosa. Cuadros cada vez más difíciles de analizar en clave realista, pues en ellos es el color y la línea lo que predomina sin detenerse en cuerpos, sino como búsqueda de una expresión libre, una via abierta en la búsqueda y exposición gráfica de emociones interiores.

Improvisación diluvio, 1913.

Composiciones: en la que ahonda en lo intuitivo desde el máximo rigor compositivo. Unas composiciones que si bien a partir de 1920 vemos como se van a ir llenando de formas precisas (abstracción geométrica ) en su primer momento, que corresponde a la abstracción lírica, estarán creadas a partir de colores y formas libres, orgánicas, sin apenas geometría, jugando con ellos hasta conseguir sinestéticas obras musicales. Sí, habéis leído perfectamente la música es fundamental para Kandinky a la hora de establecer el nuevo lenguaje.

.

PINTURA VERSUS MÚSICA

La pintura puede desarrollar las mismas fuerzas que posee la música

Kandinsky tenía la suerte, y lo digo desde la envidia más absoluta, de ser sinestésico. La sinestesia es una facultad poco común que tienen algunas personas, consistente en experimentar sensaciones de una fuente sensorial a partir de estímulos de otra modalidad distinta. Expresado de una manera sencilla el sinestésico, por poner un ejemplo, puede oír colores, ver sonidos, y percibir sensaciones gustativas al tocar un objeto con una textura determinada. No es que lo asocie o parezca tener la sensación: realmente se produce una contaminación de un sentido en otro. Kandisnky tenía la suerte de tener una respuesta sonora inmediata cada vez que tenía un color en su cabeza. Para él color y sonido eran una unidad indisoluble y el cuadro, la obra musical a componer.

.

.

No es extraña que con estas experiencias Kandisnky necesite crear un lenguaje visual autónomo, en donde forma y color, liberados de su función de imitar la naturaleza, se conviertan en elementos expresivos con valor propio, que nos proponen una realidad diferente a la natural. Para ello, su modelo sera la música y la autonomía de los medios expresivos que en ella se empleaba, autosustentados y directamente conectados con la emoción.

Kandinsky dedicó su vida a construir una "teoría de la armonía" para la pintura, una regularidad interior que debíeran seguir las formas y los colores.

PRIMERA PROPUESTA DIDÁCTICA

No sé si en vuestra clase o vuestra casa habrá algún sinestésico. Yo no conozco a nadie pero para intentar entender este "fondo musical" que hay presente en toda la obra de Kandisnky os propongo una actividad con vuestros chavales.

1. Elegís dos músicas, muy diferentes Podéis elegir dos estilos contrastantes: música clásica y rock duro o dos obras antagónicas dentro de la música clásica: El Requiem de Mozart y La mañana de Grieg, o Un fragmento de La primavera de Vivaldi y Treno a las víctimas de Hiroshima de Penderecki. Da igual, cualquier idea que se os ocurra estará perfecta.

2. Les dais dos hojas en blanco y unos colores a cada niño.

3. Y una única pauta, deben pintar en cada uno de los folios lo que les provoque la música. No deben pensar, simplemente se tienen que dejar llevar por lo que allí están escuchando.

Seguro que las imágenes difieren bastante. Seguro que La mañana de Grieg no está pintada con trazo rápido, ni de color negro, seguro que utilizarán un color cálido como el amarillo. Por contra, si les habéis puesto bacalao el carácter machacón estará reflejado en su "arte" o el verde no será el color que prime en el cuadro creado a partir del heavy metal.

Kandinsky estudió las sensaciones y los efectos que colores, líneas, y todos los elementos de la imagen producen en la psicología humana. Os dejo alguna de las relaciones que estableció entre color y emoción, me decís si coinciden con las expresadas por vuestros alumnos:

amarillo: calidez, emoción y felicidad;

azul: la paz y lo sobrenatural.

verde: salud y la naturaleza

blanco: la claridad, la armonía, la pureza.

negro: la oscuridad, desconocido, el silencio eterno. Frente al blanco que permite el negro es un color que niega.

rojo: alegría, la confianza y la vida misma

marrón: es el rojo mezclado con el negro y un color que preludia tensión.

naranja: ese mismo rojo mezclado con amarillo produce un color cálido y agradable.

El sonido interior abstracto.

KandinskySi la pintura no representa un objeto ni nada concreto se desconectan las asociaciones de conocimiento y entra en funcionamiento descubrió que liberando de la representación física del mundo al color, la línea, el plano, es decir, a los elementos básicos de la imagen, conseguía liberar el mensaje de ideas concretas hacia ideas más abstractas. Si en el cuadro que estamos viendo hay formas que representan ideas concretas, entonces el mensaje, inevitablemente, se está dirigiendo hacia ideas concretas. En cambio si no hay representación de la realidad, el pensamiento del espectador que ve la imagen abstracta puede acceder a otro tipo de ideas. la sensación.

El arte para Kandinsky y para tantos otros nombres que en torno a la misma fecha están interesados en la abstracción ( Mondrian, Delaunay...) no tiene como objetivo copiar la realidad, tiene que interpretar el mundo de forma subjetiva y personal. En palabras de Paul Klee, no se trata de reproducir lo visible, sino de hacer visibles estructuras y emociones inéditas para quien contempla o se zambulle en una obra. Sus cuadros son una invitación a ir más allá, no no debemos quedar en la superficie de las cosas, no debemos decir que el cuadro es negro y tiene círculos de colores. Lo que nos proponen es mirar detrás de ellas, mirar lo que hay en el interior, en la esencia secreta y escondida de las cosas.

Todo objeto, sin excepción, ya sea creado por la naturaleza

o por la mano del hombre, es un ente con vida propia

que inevitablemente emite algún sentido.

Kandinsky pasó mucho tiempo preguntándose qué podía reemplazar al objeto y llegó a la conclusión que debía ser una cosa espiritual.

Para Kandinsky un cuadro no debe depender de normas externas sino que debe surgir de una necesidad interior. La pintura es para él algo espiritual, algo que superaba lo comprensible de forma lógica y lo perceptible en el presente. Por eso su liberar a la pintura de los objetos reconocibles es para él un camino para descubrir lo espiritual en el arte.

Kandinsky estudió el sonido interior abstracto de las formas y los elementos de la imagen (sean representaciones o puramente abstractos), e ntendiendo por ese "sonido interior" las sensaciones que emanan de ellas.

Entender el arte abstracto es saber comunicarse

con las sensaciones interiores que la imagen provoca,

y tener conciencia del sentimiento en sí mismo.

Si hay un tema tratado en internet, con mil artículos colgados y muchos de ellos estupendos, es la manera en que acercamos Kandinsky a los más pequeños. Os dejo cuatro enlaces que me han parecido que merecen la pena ( uno, dos, tres y cuatro). En ellos encontraréis perfectamente secuenciadas maneras en las que desde la práctica introducís a vuestros chavales en la imaginario de Kandinsky. Prometo hacer una propuesta propia pero hoy me vais a permitir que me despida mostrándoos cómo podemos enfrentarnos una obra, cuando ya no hay casas, ni destrezas técnicas que llamen nuestra atención.

1. La primera premisa que daría Kandisnky es que os situéis frente al cuadro sin ninguna prisa. Mirándolo sin concepciones previas. Kandinsky defendía que sus cuadros eran paseables. El espectador necesitaba un tiempo para poder caminar con la vista por los colores y las formas allí pintadas. Exactamente igual que sucede en la música, un arte que se desarrolla en el tiempo.

2. Así le daremos tiempo a nuestros ojos para ver lo que allí está pintado. Si os fijáis en el cuadro que está justo aquí arriba, comenzaremos viendo un gran óvalo de distintos colores cálidos (amarillos y rojos) que girará lentamente hacia la derecha. Un óvalo que se va llenando poco a poco de cosas, con manchas verdes y rojas, que cada vez actuará más como un imán, pues seguro que ese profundo azul del fondo os irá atrayendo cada vez más.

3. Un azul tiene varias salidas visuales, y si buscáis veréis líneas que llegan a él desde el exterior del cuadro. Son como puentes. Salidas hacia el exterior para iniciar el proceso.

.

.

En cada vuelta que vayáis tejiendo os iréis encontrando nuevos colores y líneas o grupos de líneas que no habíais visto antes. Son como pequeños instrumentos dentro de una gran orquesta, pequeños sonidos que irán completando el gran fondo musical del cuadro, dominado por la voz grave pero dulce del azul del fondo.

La descripción no es mía, la firma Vicente Camarasa en un estupendo blog ( aquí), pero me parece un ejemplo perfecto para invitar a vuestros alumnos a mirar un cuadro sin prejuicios, y desde la descripción simple de las formas y colores que allí están dibujadas intentar llegar a las sensaciones, a los estados de ánimo, a los sentimientos que dichos objetos abstractos invocan.

Entender el arte abstracto es saber comunicarse

con las sensaciones interiores que la imagen provoca,

sentir la imagen y tener conciencia del sentimiento en sí mismo.

Más ARTES PLÁSTICAS PARA NIÑOS

Los TALLERES de RZ100arte

# data[].attributes.attachment_link.title
ARTE PARA NIÑOS: Kandinsky y la Abstracción al alcance de los más pequeños

# data[].attributes.attachment_link.description
Todas las vanguardias que hemos vistado hasta el momento - cubismo, futurismo y fauvismo- pese a las rupturas y novedades que en ellas se dan, se encuentran dentro del ámbito de un arte figurativo, un arte que describe objetos, personas... relacionados con una realidad "fotográfica".

# data[].attributes.body
Simo, Anas, Dennise, Itziar, Ainoa

# data[].attributes.body
La biografia amb il·lustracions de Paul Cézanne.

# data[].attributes.attachment_link.description
Paul Cezanne blog around impressionist paintings

# data[].attributes.body
Les 12 obres d'art més famosas de Paul Cézanne.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
También puede leer este artículo en o en .

Paul Cézanne (19 de enero de 1839 - 22 de octubre de 1906) fue un artista francés y pintor post-impresionista cuyo trabajo sentó las bases de la transición de la concepción del esfuerzo artístico del siglo XIX a un mundo del arte nuevo y radicalmente diferente en el siglo XX. .

Se dice que Cézanne formó el puente entre el impresionismo de finales del siglo XIX y la nueva línea de investigación artística de principios del siglo XX, el cubismo. Las pinceladas exploratorias y repetitivas de Cézanne son muy características y claramente reconocibles. Usó planos de color y pequeñas pinceladas que se acumulan para formar campos complejos. Las pinturas transmiten el intenso estudio de Cézanne sobre sus sujetos. Se dice que tanto Matisse como Picasso señalaron que Cézanne "es el padre de todos nosotros".

niood enumera las 12 obras de arte más famosas de Paul Cézanne:

1. Las bañistas (francés: Les Grandes Baigneuses)

Año: 1900
Estilo: Post-Impressionism
Tipo: Painting
Localización: Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, United States

Con cada versión de Los bañistas, Cézanne se alejó de la presentación tradicional de pinturas, creando intencionalmente obras que no atraerían al espectador novato. Hizo esto para evitar modas pasajeras y dar una calidad atemporal a su trabajo, y al hacerlo, abrió el camino para que los futuros artistas ignoren las tendencias actuales y pinten piezas que atraigan por igual a todas las generaciones. Las desnudas femeninas abstractas presentes en Grandes bañistas dan tensión y densidad a la pintura. Destaca entre su obra en dimensiones simétricas, con la adaptación de las formas desnudas al patrón triangular de los árboles y el río.

2. Basket of Apples

The Basket of Apples demuestra cómo Cézanne empleó múltiples perspectivas, una paleta de colores vívidos y pinceladas analíticas para producir composiciones creativas en oposición a representaciones realistas de objetos cotidianos. Ha sido calificado como el "Padre del Arte Moderno", debido a que sus pinturas fueron precursoras del fauvismo y el cubismo. La distorsión mostrada en esta pintura fue un proceso que influyó en la obra de Picasso y Georges Braque. Esto fue observado por Braque en 1957, quien declaró: "Las estrictas reglas de la perspectiva que logró imponer al arte fueron un error espantoso que ha tardado cuatro siglos en corregir; Paul Cézanne y, después de él, Picasso y yo podemos tome mucho crédito por esto ".

3. Montaña Sainte-Victoire

Montagne Sainte-Victoire es una montaña en el sur de Francia, con vistas a Aix-en-Provence. Se convirtió en el tema de una serie de pinturas de Cézanne, en total una treintena de pinturas y acuarelas. Mont Sainte-Victoire se convirtió en uno de los temas más repetidos y variados de Cézanne, con Cézanne cambiando algo de la escena cada vez, desde su ángulo hasta la iluminación, pasando por los detalles compositivos y el estado de ánimo que intentaba evocar. Cézanne utilizó tres puntos de vista principales para estas pinturas: cerca de la propiedad de su hermano en Bellevue, cerca de la cantera de Bibemus y en Les Lauves. Sus escenas generalmente incluían el propio Mont Sainte-Victoire, una montaña de piedra caliza de color blanco grisáceo, y el valle y las llanuras circundantes desde donde se elevaba la montaña.

Estas pinturas pertenecen al posimpresionismo. Cézanne usó la geometría para describir la naturaleza y diferentes colores para representar la profundidad de los objetos. Cézanne generalmente trató de transmitir la estructura interior eterna de la escena que tenía ante él, más que los rasgos superficiales efímeros.

4. Los jugadores de cartas

Cézanne tenía cincuenta y tantos años cuando emprendió una campaña de pintura dedicada a dar forma memorable a un tema que inspiró a personajes como Caravaggio y Chardin. Estaba decidido desde el principio, como vemos en esta robusta escena provenzal, a hacerla suya. Cézanne elaboró cuidadosamente esta composición a partir de estudios de figuras que había hecho de los campesinos locales. Una vez que hubo desconcertado su concepción, continuó afinando las poses y posiciones de los jugadores de cartas, hasta que, como los cuatro tubos que colgaban de la pared detrás de ellos, cada uno encajó perfectamente en su lugar. Cézanne canalizó la autoridad silenciosa que logró aquí en una variante mucho más grande (Fundación Barnes, Filadelfia) y puntuó la serie con tres obras en las que recortó detalles superfluos para enfocar su mirada en un par de jugadores.

5. Pirámide de calaveras

La pirámide de las calaveras es una óleo sobre lienzo pintado por el artista francés post-impresionista Paul Cézanne en 1901. Representa cuatro cráneos humanos apilados en una formación piramidal, un tema que preocupó cada vez más a Cézanne en su vida posterior.

La preocupación de Cézanne por la muerte fue un tema continuo que se puede identificar en una serie de pinturas de bodegones de calaveras que realizó entre 1898 y 1905. Estas pinturas, realizadas tanto al óleo como a la acuarela, ofrecen una representación más sutil del tema tradicional de las vanitas. Una vanitas es una obra de arte simbólica que muestra la fugacidad de la vida, la futilidad del placer y la certeza de la muerte, a menudo contrastando símbolos de riqueza y símbolos de lo efímero y la muerte.

6. El bosque

Año:1902-1904
Estilo: Post-Impressionism
Tipo: Landscape
Localización: National Gallery of Canada, Ottawa

El bosque es un paisaje pintado al óleo sobre lienzo, que mide 81,9 cm x 66 cm. El lugar representado en el cuadro puede ser la entrada al Château Noir, una finca que Cézanne frecuentaba para pintar. La composición emplea colores cálidos y terrosos para representar las rocas rojas en el centro de la pintura. Hacia los bordes, Cézanne utilizó tonos más fríos de gris y azul para representar el follaje y el cielo. También usó pinceladas más sueltas a propósito y creó manchas de color en los bordes junto al lienzo desnudo.

7.Una Olimpia moderna

Una Olimpia moderna (1874) de Paul Cézanne fue un homenaje al cuadro Olimpia (1863) de Édouard Manet que causó un gran escándalo cuando se exhibió por primera vez en el Salón de París de 1865. La Olimpia de Manet muestra a una mujer desnuda acostada en la cama mientras un sirviente le trae flores. Se inspiró en la pintura Venus de Urbino (ca. 1534) del pintor renacentista Tiziano. Sin embargo, la Olimpia de Manet no era una diosa romana, y un público contemporáneo pudo identificarla inequívocamente como una mujer prostituida. En el París del siglo XIX, 'Olympia' era una palabra del argot para 'prostituta', y Manet reveló la identidad de su modelo a través de varios detalles en la pintura: los accesorios contemporáneos simbolizaban la riqueza y la sensualidad, el gato negro era un símbolo de la prostitución y sobre todo el La mirada del modelo se enfrentó directamente al espectador. La pintura rompió con la tradición y las convenciones académicas al rechazar el desnudo idealizado que representaba figuras históricas o míticas. A pesar de la controversia, Olimpia fue muy admirada por los artistas Claude Monet y Paul Cézanne, así como por el escritor Émile Zola.

8. Chateau Noir

Después de instalarse en Aix, Francia, en 1899, Cézanne se aventuraba a diario en el paisaje provenzal circundante en busca de sujetos para pintar. Chateau Noir, un castillo neogótico de reciente construcción diseñado para imitar ruinas antiguas, lo cautivó. Repetidamente representó esta estructura y también pintó desde su terreno, donde tenía una vista sin obstáculos del cercano Mont Sainte-Victoire, otro tema favorito. Como es típico de los paisajes ejecutados al final de su carrera, Cćzanne aplicó pintura espesa en muestras amplias y de varios tonos.

9. Cortina, Jarra y Frutero

Cézanne exploró varios géneros a lo largo de su carrera artística, incluidos los paisajes y el retrato, pero volvió repetidamente al tema de la naturaleza muerta. Era un género que históricamente se había ignorado en el arte por carecer de imaginación, pero Cézanne desafió al establecimiento centrándose en los objetos cotidianos. Se sintió particularmente atraído por la fruta, que utilizó para explorar la correspondencia entre los objetos y la armonía y el equilibrio de la composición. Aunque sus objetos parecen haber sido colocados al azar, las imágenes se construyeron cuidadosamente para experimentar con la perspectiva.

La pincelada distintiva de Cézanne y la distorsión del tema finalmente influyeron en los nuevos estilos artísticos durante el siglo XX, como el cubismo.

10. Autorretrato

Cézanne pintó decenas de autorretratos, muchos de ellos exactamente en esta pose y en lienzos de aproximadamente el mismo tamaño, registrando su apariencia e imagen de sí mismo, así como su progreso como pintor. En este retrato poderosamente modelado, pintado cuando tenía unos cuarenta años y una edad que invita a la autoevaluación, Cézanne se mira a sí mismo sin pestañear, informando objetivamente sus rasgos nudosos y su apariencia generalmente grumosa, sin refinar y desgreñada. Su chaqueta, suelta y toscamente pintada, parece, en algunos lugares, ser de la misma tela que la lona. El cabello de Cézanne llega hasta su cuello y su cuello se esconde detrás de su ropa y su desordenada barba.

11. Mesa de cocina

Durante su vida, Cézanne fue ridiculizado por su falta de habilidad artística convencional y criticado por su excentricidad estética. En otras palabras, no pintó como otras personas. Pero dijo: "Asombraré a París con una manzana". Aquí nos asombra con manzanas, peras y melones que se disputan su propio espacio y exigen nuestra atención como ninguna naturaleza muerta estática o naturaleza muerta ("naturaleza muerta", como la llaman los franceses) jamás podría hacerlo.

12. Árboles y Casas

Durante la época de Cézanne, las casas abandonadas eran comunes en el campo de la Provenza debido a las reglas de herencia, que distribuían la propiedad por igual entre los hijos. Aquí Cézanne registra detalles específicos de la estructura, como la gruesa grieta en la fachada que conduce a una pequeña ventana. La relación de la casa con la pared circundante es difícil de discernir, particularmente en la esquina de la izquierda, donde la perspectiva parece cambiar. Tales ambigüedades espaciales deliberadas son típicas de los paisajes de Cézanne de este período.

# data[].attributes.attachment_link.title
Las 12 obras de arte más famosas de Paul Cézanne - niood

# data[].attributes.attachment_link.description
También puede leer este artículo en o en . Paul Cézanne (19 de enero de 1839 - 22 de octubre de 1906) fue un artista francés y pintor post-impresionista cuyo trabajo sentó las bases de la transición de la concepción del esfuerzo artístico del siglo XIX a un mundo del arte nuevo y radicalmente diferente en el siglo XX.

# data[].attributes.body
Paul Cézanne: el pintor postimpresioniste que va transformar l'art modern.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
A finales del siglo XIX, el postimpresionismo hizo su aparición en Francia. Unificado por un enfoque subjetivo hacia la pintura, este gran movimiento artístico fue iniciado por Vincent van Gogh y Paul Cézanne, un pintor francés cuyo trabajo se caracteriza por pinceladas pictóricas, un enfoque vanguardista sobre la perspectiva y una paleta de colores intensos.

Además de ser una figura clave del postimpresionismo, Cézanne es considerado el antecesor del fauvismo y un precursor del cubismo. Dada su importancia en estas corrientes revolucionarias, Cézanne es una de las figuras más influyentes del arte moderno.

¿Quién es Cézanne?

Paul Cézanne nació en Aix-en-Provence, una comuna en el sur de Francia, en 1839. Aunque vivió y trabajó principalmente en esta región, también pasó tiempo en París, donde expuso con artistas impresionistas como Claude Monet y Mary Cassatt.

Aunque trabajó estrechamente con estas figuras, Cézanne no se consideraba un impresionista. A diferencia de los miembros de este grupo, el pintor prefería trabajar en un estudio a pintar en plein air. Además, Cézanne rechazó sus procesos aparentemente espontáneos en favor de composiciones organizadas y ordenadas. A este artista tampoco le interesaba capturar impresiones efímeras de sus sujetos-una característica del impresionismo-y se enfocó en el simbolismo y la substancia en lugar del estilo. "Quería hacer del impresionismo algo sólido y duradero como el arte de los museos", afirmó el pintor (Joachim Gasquet's Cézanne: A Memoir With Conversations ).

Como resultado de su enfoque artístico, Cézanne desarrolló una estética única que se distingue firmemente de la de sus contemporáneos.

Estética

Pinceladas "constructivas"

A principios de su carrera, Cézanne usó cuchillos de paleta para producir pinturas altamente texturizadas. Sin embargo, después de trabajar con los impresionistas, Cézanne se sintió inspirado a adoptar nuevos métodos para aplicar la pintura.
Al igual que los impresionistas, Paul Cézanne adoptó una técnica de "pinceladas rotas". Sin embargo, a diferencia de los brochazos rápidos de que caracterizan las obras impresionistas, Cézanne usó " pinceladas constructivas"-marcas acomodadas meticulosamente para crear formas geométricas. Como el pintor evitaba el uso de líneas oscuras, se valía de estas pinceladas contrastantes para "definir los contornos de los objetos cuando sus puntos de contacto son tenues y delicados".
Colores brillantes

Además de las pinceladas pictóricas, las pinturas de Cézanne también se caracterizan por una paleta de colores reconocible. Si bien muchos de sus primeros trabajos se componen de tonos sombríos, eventualmente adoptó colores saturados.

Este tratamiento tonal es particularmente pronunciado en sus paisajes, como sus radiantes vistas de Mont Sainte-Victoire. En esta soleada serie, Cézanne reduce las montañas, árboles y casas mediterráneas de la campiña provenzal a coloridos bloques fragmentados pero hermosos. Estos planos policromáticos le dan una sensación de profundidad a cada panorama que muestran el enfoque vanguardista de Cézanne para capturar la naturaleza. "Estaba contento conmigo mismo cuando descubrí que la luz del sol no podía reproducirse", explicó, de acuerdo con Renoir. His Life and Work. "Tenía que representarse con otra cosa...con color".

Perspectiva distorsionada

En sus pinturas, Cézanne solía rechazar las representaciones realistas del espacio en favor de composiciones más creativas. Esto es particularmente evidente en sus bodegones, en las que frecuentemente aparecían frutas, botellas y otros objetos cotidianos sobre mesas inclinadas y desordenadas.
En estas pinturas, Cézanne jugó con la perspectiva y aplanó superficies para mostrar el mismo arreglo desde múltiples ángulos al mismo tiempo. El pintor logró esto haciendo énfasis en cada objeto en lugar de la escena como un todo, dando como resultado composiciones llamativas y extravagantes. Este principio de distorsión después sería un elemento importante del cubismo, como el artista Georges Braque señaló en 1957: "Las reglas de perspectiva duras y rápidas que se impusieron en el arte fueron un error espantoso que llevó cuatro siglos corregir; Paul Cézanne y después de él, Picasso y yo podemos tomar mucho crédito por esto". Combinado con sus pinceladas analíticas y su paleta de colores vivos, este enfoque único sobre perspectiva fue lo que eventualmente llevaría a Picasso a llamar a Cézanne "el padre de todos nosotros".
Obras importantes

Los jugadores de cartas

A principios de la década de 1890, Cézanne produjo una serie de cinco pinturas llamadas Los jugadores de cartas. Aunque estos trabajos se centran en temas similares, difieren ligeramente en el número de figuras y su enfoque estilístico.

Por ejemplo, la pintura de Los jugadores de cartas de 1894-5 es uno de los tres lienzos que muestra a dos jugadores de cartas. Debido a que es una de las piezas finales de la colección, esta pieza en particular contiene pinceladas más "constructivas"-anticipando el estilo que definiría los últimos años de Paul Cézanne.

Las bañistas

La obra maestra de Cézanne, que también es considerada como una de las pinturas más importantes del arte moderno, se titula Las bañistas. Esta gran pintura al óleo mide 2.1 x 2.5 metros y muestra a un grupo de mujeres desnudas descansando junto a un lago. Cézanne pintó varias interpretaciones de de este tema a lo largo de su carrera y pasó siete años trabajando en su versión más famosa, que dejó incompleta al momento de su muerte en 1906.
Esta enorme pintura evoca la obra de maestros clásicos como Tiziano y Rubens en su contenido. Al igual que ellos, Cézanne capturó una atmósfera de ocio romántico. Sin embargo, para mantenerse fiel a su propio punto de vista artístico, el pintor abstrajo las figuras y el fondo como marcadas formas geométricas.
Artículos relacionados:
Un viaje por la vida de Van Gogh a través de sus 5 autorretratos más importantes 13 Movimientos artísticos revolucionarios que definieron la historia de las artes visuales'Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte', la gran obra maestra puntillista de Seurat Mary Cassatt: la pintora que se convirtió en una figura clave del impresionismo

# data[].attributes.attachment_link.title
Paul Cézanne: el pintor postimpresionista que transformó el arte moderno

# data[].attributes.attachment_link.description
A finales del siglo XIX, el postimpresionismo hizo su aparición en Francia. Unificado por un enfoque subjetivo hacia la pintura, este gran movimiento artístico fue iniciado por Vincent van Gogh y Paul Cézanne, un pintor francés cuyo trabajo se caracteriza por pinceladas pictóricas, un enfoque vanguardista sobre la perspectiva y una paleta de colores intensos.

# data[].attributes.body
Cézanne, paisatges gairebé impossibles.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Fue un pintor incomprendido, apenas tenía amigos y expuso de forma ocasional. En 1874 participó en la primera exposición del grupo impresionista, pero solo volvería a exponer con ellos en una ocasión, en 1877. Pasó los años finales de su vida pintando al aire libre los paisajes de su Provenza natal. Cuando Paul Cézanne murió, casi diez años después, ya era reconocido como una figura crucial del arte moderno.

En los paisajes de Cézanne (1839-1906) las composiciones son apretadas y los colores opacos. Son sensaciones lo que se percibe al observar su obra y, a diferencia de los pintores impresionistas, la hora del día o las estaciones no quedan reflejadas en sus pinturas.

Todo se fundeen sus escenas, el cielo no queda al fondo, en ocasiones se une a las casas, junto a masas de arbolado y cumbres de colinas. Pinceladas anchas que crean mosaicos de color azul, verde, gris, rojo, naranja y que a veces se superponen para configurar una estructura en la que, por ejemplo, las nubes se tiñen del verde de los árboles.

Inspiró a los jóvenes fauvistas y se le ha llegado a considerar el padre del Cubismo. El próximo mes de La muestra está formada por néditas en nuestro país, y se expondrán junto a Matisse bebió de sus colores y Picasso de su geometría. febrero se inaugura en Madrid una exposición monográfica sobre este pintor post-impresionista, en la que se podrá ver una importante selección de obras incluidas en los dos principales géneros en los que trabajó Cézanne: el paisaje y la naturaleza muerta. 58 pinturas del artista Cézanne fue incomprendido, sí, pero su postura no fue enfrentarse a la sociedad que le rechazaba, sino crear espacios, paisajes a veces imposibles, con estructuras geométricas que simbolizaban lo que podría ser una nueva relación con el mundo, sin angustias.
De esa dialéctica entre el exterior y el interior viene el subtítulo de esta exposición: Site/Non Site. ‐ 49 óleos y 9 acuarelas ‐ que proceden de museos y colecciones privadas de todo el mundo (incluyendo Estados Unidos, Australia o Japón), algunas i 9 obras de otros artistas como Pissarro, Gauguin, Bernard, Derain, Braque, Dufy y Lhote.

Esta exposición llega antes que la de los impresionistas americanos. Ambas, citas a las que espero tener ocasión de acudir. Mientras tanto, podemos visitar la obra de Cézanne a través de algunas de los paisajes que nos dejó para emocionarnos. Espero que os guste.

Comisario: Guillermo Solana

Del 4 de febrero a 18 de Mayo de 2014

Museo Thyssen- Bornemisza | Paseo del Prado 8. Madrid

Martes a domingo de 10:00 - 19:00 h. Cierra los lunes

# data[].attributes.attachment_link.title
Cezanne: paisajes casi imposibles - EL BLOG DE LA TABLA

# data[].attributes.attachment_link.description
Fue un pintor incomprendido, apenas tenía amigos y expuso de forma ocasional. En 1874 participó en la primera exposición del grupo impresionista, pero solo volvería a exponer con ellos en una ocasión, en 1877. Pasó los años finales de su vida pintando al aire libre los paisajes de su Provenza natal.

# data[].attributes.body
Documental: els jugadors de cartas de Paul Cézanne.

# data[].attributes.attachment_link.title
Documental  "Los jugadores de cartas" de Paul Cézanne.

# data[].attributes.attachment_caption
TAIRA CACERES, ESTER CAMPS, CRISTINA CORNELLÀ, GENESIS MARADIAGA I ARIADNA BOVER.

# data[].attributes.body
Va néixer a Rússia. Era un nen al que li agradava
molt la pintura i els colors. Li agradava escoltar música i ja mostrava interès per l’art.
Totes les tardes anava a una escola de dibuix i quan es va fer gran es va convertir en un pintor molt famós.
Va decidir viatjar per molt països per veure col pintaven altres artistes i d’aquesta manera agafar idees per les seves obres.
Va descobrir que uns artistes li donaven importància als colors, uns expressaven els seus sentiments, alguns pintaven la naturalesa i altres pintaven les formes geomètriques.
Kandinsky va ajuntar totes les maneres de pintar dels altres pintors i va crear les seves obres.
Primer, es va centrar temes sobre la naturalesa exemple: El genet blau.
En segon lloc va pintar quadres plens de colors i no se semblaven a la realitat, exemple: composició lV.
Per últim, va crear quadres amb figures geomètriques, que no se semblaven res de res a la realitat ja que expressaven els seus propis sentiments, per exemple: Alguns cercles.

Al cap d’un temps es va fer professor d’una escola que es deia La Bauhaus, al cap d’un temps l’escola es va tancar i va viatjar a França per continuar pintant.

Finalment va morir als 78 anys.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Ruso, alemán y después francés, el pintor Wassily Kandinsky fue el gran teórico (y práctico) del arte abstracto, es decir, este arte en el que la representación del objeto es secundaria e incluso perjudicial: la belleza del arte reside en la riqueza cromática y la simplificación formal. Es la representación de lo esencial del arte, no una burda imitación de la naturaleza, que es de por si insuperable.

Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y economía con clases de dibujo y pintura. Como buen aficionado al arte de principios del siglo XX, le interesaban las culturas primitivas y las manifestaciones artísticas populares rusas.
A los 30 años lo abandonó todo para estudiar pintura en Munich, y viajó por numerosos países para descubrir colores, formas y formas de representación alejadas de la mímesis tradicional.

Encabeza el grupo expresionista Der Blaue Reiter (el jinete azul), con el que comienza a obsesionarse con expresar algo más allá de la simple representación de la naturaleza.
Poco a poco, su experimentación continuada culmina en torno a 1910, entregándose a la pura abstracción. Un poco de la libertad cromática de los el impulso personal del artista típico de los expresionistas y una espiritualidad que robaba tanto de las matemáticas como de la música.

Entre 1910 y 1914, Kandinsky pintó obras de tres categorías: las impresiones (inspiradas en la naturaleza), las improvisaciones (expresiones de emociones internas) y las composiciones (de gran rigor compositivo aunque basadas en la pura intuición). Líneas negras agrupadas junto a vivos colores, geometrías, motivos decorativos eslavos y formas en armonía.

Sería por tanto, uno de los padres del arte abstracto, que se acabaría diversificando y contaminando a otros movimientos, del Surrealismo al Neoplasticismo, pasando por el Constructivismo y el Expresionismo abstracto.

# data[].attributes.attachment_link.description
Ruso, alemán y después francés, el pintor Wassily Kandinsky fue el gran teórico (y práctico) del arte abstracto, es decir, este arte en el que la representación del objeto es secundaria e incluso perjudicial: la belleza del arte reside en la riqueza cromática y la simplificación formal.

# data[].attributes.body
L’activitat consta de retallar formes rodones i lineals amb paper celofant i enganxar-lo al paper l’aironfix. Després l’engaxarem al vidre de l’institut per decorar.
OBJECTIUS ACTIVITAT CERCLE EN EL CERCLE:
- Treballar la motricitat a través del tall del paper amb l’ajuda de les tisores. També és treballa en l’apartat d’engaxar i desenganxar el paper.
- Desenvolupar la creativitat lliurement ( cada infant és lliure i únic per dur a terme la seva creació).
- Conèixer els diferents colors del paper celofant (lila, vermell, verd, groc, rosa, vermell i blau).
- Distingir les diferents formes geomètriques que han creat ( cercles i línies ).
- Crear diferents colors col·locan diferents colors un sobre l’altre.

AVALUACIÓ:

Els infants han entès l’activitat?
Els infants han diferenciat les diferents formes que han retallat?
Els infants han diferenciat els colors amb els que hem treballat? (lila, vermell, verd, groc, rosa, vermell i blau).
Els hi ha resultat difícil a l’hora d’enganxar el paper celofant al paper aironfix?
El temps ha estat adequat per dur a terme l’activitat?

# data[].attributes.body
Lactivitat consta d'un abrea al qual haurem de decorar basada en l'obre de l'estudi de colors, retallan i engenxant le s fulkes en forma de cercle, amb varies mides i colors.

Els objectius:
-Trebellar la motricitat fina retallan i engenxan la cartolina.
-Coneixer el cercle com a forma geometrica a treves de diverses mesures (gran, petit, mitja)
-fomentar l'integresió grupal
-potwnciar la concentració i atenció al dur a terme l'abre
- coneixer els colors.

Avaluacio:
-Han sabut retallar la forma circular correctament?
- Han enganxat correctement les cartulines circulars?
- Han conegut tots els colors de les diverses cartolines.
- Han sabut distingir les diverses mesures circulars?

# data[].attributes.body
L'activitat consta en una placa de fang rodona on hauran de pintar-la amb els colors primaris i amb la barreja d'aquests.

Objectius:
-Crear i descobrir nous color.
-Treballar la psicomotricitat fina utilitzant el pinzell.
-Pintar sobre un material diferent.
-Afavorir l'originalitat.

Avaluació:
-Han sabut crear nous colors a través dels colors primaris?
-Han entès en què consistia l'activitat?
-Han sabut treballar sobre el fang?
-Han treballat la psicomotricitat fina?

# data[].attributes.body
-OBJECTIUS:
Treballar la motricitat fina
Fomentar la imaginació i creativitat
Saber diferenciar la mida/color dels taps
Conèixer els diferents colors
Crear diferents tonalitats amb els colors primaris i els acompanyants ( blanc i negre)
Conèixer la obra de kandinsky
Gaudir de l’activitat

-AVALUACIÓ:
Han treballat la motricitat fina?
Han fomentat la imaginació i creativitat?
Han sabut diferenciar la mida/color dels taps?
Han conegut diferents colors?
Han conegut la obra de kandisnky?
Han Creat diferents colors?
Han gaudit de l’activitat?
Han participat?