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Escuela Superior de Artes Visuales "Luz Vieira Méndez"
Profesorado de Artes Visuales
Las Artes Visuales en la Historia II
Profesora: Iris Morelli
Estudiante: Cintia Mansilla
Año 2021

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En la historia del arte, la escultura es sometida a innovaciones técnicas, plásticas y estéticas vinculadas a los cambios culturales, sociales, políticos y económicos que ha sufrido la humanidad. La escultura, al igual que las demás disciplinas, busca responder a las necesidades generales de las personas y del artista en cada tiempo y espacio.

Así como en otras épocas, tras la Segunda Guerra Mundial la producción escultórica sufre una transformación como respuesta a la crisis social, surgiendo la necesidad de expresarse con un nuevo lenguaje. De esta manera, nace un nuevo movimiento donde el artista tiene atracción por lo intuitivo y por la disposición libre de los materiales y signos poco formales denominado Informalismo.

El Informalismo en la escultura no es una rebelión contra la forma si no un abandono a la forma clásica, es un replanteo como obra abierta para un sinnúmero de posibilidades de interpretación.

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-          Predominio de la espontaneidad y el gesto.

-          Automatismo puro marcado por el ritmo creativo.

-          Empleo de la materia como medio para transmitir experiencias únicas.

-          Carencia o inexistencia de ideas preconcebidas, la obra de arte es entendida como un momento único de creación.

-          Marcada obsesión por desaparecer la forma y su concepto en el arte.

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Se trata de una escultura gestual, donde la mano se convierte en la herramienta esencial siguiendo las leyes del azar, con tendencia a la máxima indeterminación y dispersión.

Se barajan tres ideas escultóricas:

-        Construcción autómata e irreflexiva.

-        Ausencia de referente real.

-        Confianza creativa, impulso vital y gesto espontáneo.

La escultura informalista emplea, por lo general, un lenguaje abstracto y no figurativo. Sin embargo, siempre se dejan latentes fragmentos tangibles de la realidad, por muy minúsculos e imperceptibles que éstos sean, ya que la escultura debe ser legible, debe iluminar su significado y  abrir la percepción estética.

Orienta a darle valor al mismo material: la obra tiene una fuerza expresiva por la materia con la que crea la imagen. Es recurrente la incorporación de nuevos materiales con diferentes texturas, incluso imperfecciones.

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Informalismo Matérico

La materia tiene predominio sobre cualquier otro elemento que la constituya. La incorporación de material forma parte de la obra, llegándose a convertir en protagonista.

Trabaja hasta llegar a los valores táctiles a través de intervenciones como agujeros, cortes, superposición de materia, inclusive con muchas técnicas en la misma obra.

Predominan los espacios abiertos, la obra es dinámica, dispuesta a prolongaciones, por lo que los tamaños son variables.

Incorpora elementos poco convencionales en la escultura como papel, telas, tubos, objetos de uso cotidiano, etc.

Informalismo Gestual

Existe una cierta evocación por constituir un contacto con la forma, en su mayoría irregular.

Presentan un gran dramatismo por la agresividad que puede llegar a contener.

En la mayoría de las esculturas, llega a un estado que da la sensación que aún falta por terminar.

Informalismo Espacial

Dentro del Informalismo Espacial, el límite de la escultura no indica toda la idea de espacio, va más allá de lo visible. Los artistas intentan captar el movimiento, espacio y el tiempo.

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La escultura informalista se desarrolló en Europa y en América.

Entre los artistas que se destacan, se pueden mencionar:   Alberto Giacometti (1901- 1966) en Suiza; Germaine Richier (1904- 1059) y Jean Dubuffet (1901- 1985) en Francia; Eduardo Chillida (1924- 2002), Pablo Serrano (1910- 1985) y Martín Chirino (1925- 2019) en España; Arnaldo y Giò Pomodoro en Italia; y Henry Spencer Moore (1898- 1986), Barbara Hepworth (1903- 1975 ), Reg Butler (1913- 1981 ), Lynn Chadwick (1914- 2003 ), Bernard Meadow (1915- 2005) y Kennet Armitage ( 1916- 2002) en Inglaterra.

Los artistas representativos en América son Louise Nevelson (1899-1988) y Jonh Chamberlain (1927- 2011).

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Giacometti, A. (1950). Hombre volcado 3/6. [Escultura]    Bronce. París, Fundación Alexis Rudier. Recuperada de file:///C:/Users/Usuario/Documents/PRACTICAS%20DISCURSIVAS/TESIS%20SANDRA%20MAGALY%20ARMIJOS%20CARRI%C3%93N.pdf

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Giacometti, A. (1950). Le nez. [Escultura]. Bronce. París, Fundación Alberto Giacometti. Recuperada de https://historia-arte.com/artistas/alberto-giacometti

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Giacometti, A. (1954). El gato. [Escultura]. Bronce. Nueva York, Museo Metropolitano. Recuperada de https://historia-arte.com/obras/el-gato-giacometti

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Giacometti, A. (1960). Hombre caminando [Escultura]. Bronce. Pennsylvania, Museo de Arte Carnegie. Recuperada de file:///C:/Users/Usuario/Documents/PRACTICAS%20DISCURSIVAS/TESIS%20SANDRA%20MAGALY%20ARMIJOS%20CARRI%C3%93N.pdf

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Giacometti y la fragilidad humana en el Guggenheim de Bilbao

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Germaine Richier (Grans, Francia, 1904- París, Francia, 1959)

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Germaine Richier (Grans, Francia, 1904- París, Francia, 1959)

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Estudia en la escuela de Bellas Artes de Montpellier (1922-1925) en el taller de Guigues, anteriormente practicón del escultor Rodin (1840- 1917).

Las primeras obras de Germaine Richier obedecen a las reglas de la estatuaria clásica y realista.

Su estilo se convierte en menos figurativo después de la Segunda Guerra Mundial. Las deformaciones corporales que ella favorecía como tema se vieron más acentuadas en un intento de transmitir un mayor sentido de la angustia.

Esta artista expresa en sus esculturas la inquietud que siente ante la guerra y su visión trágica de una sociedad en descomposición: figuras híbridas, distorsionadas de gran expresión. Formas relacionadas con lo animal y vegetal mezcladas con figuras humanas. Son esculturas solitarias, caminando hacia ninguna parte. Se puede percibir en ellas, de manera simbólica, al hombre sin sentido, quizás al hombre en busca de sentido, preocupado en la materia, que queda desmaterializada y enaltecida en un contexto espiritual y sobrio.

Sus formas y superficies rugosas evocan una sensación general de incomodidad, decadencia o tragedia.

Algo característico de su producción son los alambres que unen diversos puntos de la escultura.

Germaine Richier, guarda como parte de la obra la propia huella de las manos.

Para la artista, el ser mujer representa una barrera para que sus obras sean reconocidas y valoradas como las de otros artistas varones, pero logra imponer su estilo.

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Richier, G. (1950). Diabolo. [Escultura]. Bronce. París, National Museum of Modern Art - Georges Pompidou Center.  Recuperada de file:///C:/Users/Usuario/Documents/ESCUELA%20REMOTA%20MALE/TESIS%20SANDRA%20MAGALY%20ARMIJOS%20CARRI%C3%93N.pdf

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Richier, G.(1951). Le Berger des Landes. [Escultura] Bronce. Londres, The Tate Modern Museum.

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Richier, G. (1954). Le Pentacle. [Escultura]. Bronce con pátina oscura. París, Galerie Perrotin. Recuperada de file:///C:/Users/Usuario/Documents/PRACTICAS%20DISCURSIVAS/TESIS%20SANDRA%20MAGALY%20ARMIJOS%20CARRI%C3%93N.pdf

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Richie, G. (1954). L'Eau. [Escultura]. Bronce. Londres,  TATE Galery. Recuperada de  file:///C:/Users/Usuario/Documents/ESCUELA%20REMOTA%20MALE/TESIS%20SANDRA%20MAGALY%20ARMIJOS%20CARRI%C3%93N.pdf

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Richier, G. (1956). La Sauterelle, grande. [Escultura]. Bronce con patina oscura. Recuperada de file:///C:/Users/Usuario/Documents/ESCUELA%20REMOTA%20MALE/TESIS%20SANDRA%20MAGALY%20ARMIJOS%20CARRI%C3%93N.pdf

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Jean Dubuffet (El Havre, Francia, 1901- Paris, Francia, 1985).

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Jean Dubuffet (El Havre, Francia, 1901- Paris, Francia, 1985).

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Uno de los pintores y escultores más famosos de la segunda mitad del siglo XX. Es quien mejor transmite la imagen inocente del mundo infantil y los enfermos mentales.

Es un artista que se revela contra el arte como patrimonio cultural de las elites y a la obra artística como fruto de un proceso complejo.

A los 61 años, comienza a trasladar sus pinturas bidimensionales a la tridimensionalidad, buscando corporalidad, logrando lo que se conoce como su periodo “Hourlope” (1962 – 1974), en el que realiza esculturas en poliestireno pintadas con vinílico.

Su obra escultórica percibe perfectamente la esencia de las cosas simples, sin perspectivas, sombras ni claroscuros, y con pocos elementos a representar. Casi siempre utiliza los colores blanco, azul y rojo; grandes tamaños escultóricos y una movilidad sin una forma predeterminada. Sus esculturas son formas nacidas del entrecruzamiento arriesgado y de unos pocos colores elementales.

Dubuffet refleja un gran interés por la arquitectura y por la idea de crear obras que pudieran estar en la calle, a la vista de los paseantes circunstanciales, constituyendo un precedente del Street Art o Arte Urbano.

En 1948 funda la Compañía del Arte Bruto.

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Dubuffet, J. (1954). Madame Jórdonne. [Escultura]. Recuperada de https://www.wikiart.org/es/jean-dubuffet/all-works#!#filterName:all-paintings-chronologically,resultType:masonry

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Dubuffet, J. (1960). L'hourloupe. [Escultura]. Poliestireno pintado con vinílico. París, Fundación Jean Dubuffet. Recuperada de file:///C:/Users/Usuario/Documents/ESCUELA%20REMOTA%20MALE/TESIS%20SANDRA%20MAGALY%20ARMIJOS%20CARRI%C3%93N.pdf

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Dubuffet, J. (1967). The Auditor. [Escultura]. Poliestireno pintado con vinílico. Recuperada de https://www.wikiart.org/es/jean-dubuffet/all-works#!#filterName:all-paintings-chronologically,resultType:masonry

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Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografías y Vidas [Fotografía]. Recuperada de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/chillida.htm

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Eduardo Chillida (San Sebastián, España, 1924- 2002).

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Eduardo Chillida (San Sebastián, España, 1924- 2002).

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Es el máximo representante de la escultura informalista en España.

Sus primeras obras están influidas por la escultura arcaica griega y por Henry Moore (1898- 1986).

A partir de los años ´50 introduce como material el hierro que utiliza junto con la madera y logra esculturas enraizadas con la cultura y tradiciones vascas.

Con el tiempo, su estilo continúa evolucionando, logrando obras que combinan la escultura con la arquitectura y, en algunos casos, la naturaleza.

La mayoría de sus trabajos son de tamaño monumental, pensado para espacios abiertos, que transmiten gran fuerza y belleza.

Chillida explora conceptos como los de vacío y volumen, luz y sombra, límite e infinitud.

El material del que están hechos sus trabajos no es para él un fin en sí mismo, como tampoco las formas. Más allá de la materia y la forma, lo que pretende expresar a través de sus obras es una concepción ética, mística y trascendental de la existencia.

También fue diseñador de interiores.

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Chillida, E. (1952). El espíritu de los pájaros I. [Escultura]. Forja y soldadura. Madrid, Museo Reina Sofía. Recuperada de https://www.museoreinasofia.es/coleccion/autor/chillida-eduardo

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Chillida, E. (1952). El peine del viento I. [Escultura]. Forja, recortado y soldadura. Madrid, Museo Reina Sofía. Recuperada de https://www.museoreinasofia.es/coleccion/autor/chillida-eduardo

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Chillida, E. (1955). Homenaje a A. Fleming. [Escultura]. Granito. San Sebastián, Paseo de Miraconcha. Recuperada de https://www.wikiart.org/es/eduardo-chillida

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Chillida, E. (1956). Del plano oscuro. [Escultura]. Forja, soldadura y patinado. Madrid, Museo Reina Sofía. Recuperada de https://www.museoreinasofia.es/coleccion/autor/chillida-eduardo

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EDUARDO CHILLIDA, LA ESCULTURA ABSTRACTA

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Pablo Serrano (Crivillén, España, 1910- Madrid, España, 1985).

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Pablo Serrano (Crivillén, España, 1910- Madrid, España, 1985).

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Escultor español, miembro fundador del Grupo El Paso. Es considerado uno de los artistas españoles más importantes e influyentes del siglo XX.

A partir de 1920 se inicia en la escultura, con obras de corte académico. En 1929 viaja a Argentina y en 1935 se traslada a Montevideo, Uruguay, donde se convierte en un escultor de referencia en Sudamérica.

A partir de 1940, encuentra una manera más personal, expresionista, que constituirá siempre una de las vertientes de su producción.

En 1957 impulsa el arte de vanguardia en España realizando esculturas expresionistas a puramente abstractas, además de cultivar el arte gráfico.

En todas sus obras representa como elemento principal el espacio y el vacío.

Trata temas como la comunicación o la capacidad del ser humano de abrirse a otros.

Hoy en día, sus obras forman parte de las más importantes colecciones del mundo.

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Serrano, P. (1953). Prisionero político desconocido. [Escultura]. Bronce. Madrid, Museo Reina Sofía. Recuperada de https://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/prisionero-politico-desconocido

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Serrano, P. (1953). Ritmos en el espacio. [Escultura]. Forja- Alambres de acero. Madrid, Museo Reina Sofía. Recuperada de https://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/ritmos-espacio

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Serrano, P. (1957). Quema del objeto. [Escultura]. Acero soldado y cartón. Recuperada de https://artsandculture.google.com/asset/quema-del-objeto/8gF2LxX4NLInOw?hl=es-419

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Serano, P. (1958). Drama del objeto. [Escultura]. Cobre soldado. Recuperada de https://artsandculture.google.com/asset/drama-of-the-object-pablo-serrano/agEQzkhqw-g5ag?hl=es

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Serrano, P. (1959). Objeto para quemar. [Escultura]. Hierro soldado. Recuperado de http://dspace.unl.edu.ec:9001/jspui/bitstream/123456789/13849/1/TESIS%20SANDRA%20MAGALY%20ARMIJOS%20CARRI%C3%93N.pdf

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Martín Chirino (Las Palmas, España, 1925- Madrid, España, 2019)

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Martín Chirino (Las Palmas, España, 1925- Madrid, España, 2019)

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Es uno de los artistas más destacados en la escultura abstracta de España.

Su material principal es el hierro, realizando obras con una composición mínima, que el propio artista denomina “Herramientas poéticas e inútiles”.

A fines de la década de los ´50 se une al Grupo El Paso.

Sus esculturas informalistas tienen influencia de sus raíces canarias y el arte guanche.

Incorpora en sus trabajos un elemento: el espiral de acero.

A fines de los ´70 se instala en Estados Unidos y su estilo deriva al Constructivismo.

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Chirino, M. (1956- 1957). Herramienta poética e inútil. [Escultura]. Hierro forjado. Recuperada de http://www.fundacionmartinchirino.org/la-coleccion/obra-en-hierro/

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Chirino, M. (1956- 1957). Herramienta poética e inútil II. [Escultura]. Hierro forjado. Recuperada de http://www.fundacionmartinchirino.org/la-coleccion/obra-en-hierro/

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Chirino, M. (1956- 1957). Sin Título. [Escultura]. Hierro forjado. Recuperada de http://www.fundacionmartinchirino.org/la-coleccion/obra-en-hierro/

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Arnaldo Pomodoro (Morciano di Romagna, Italia, 1926).

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Arnaldo Pomodoro (Morciano di Romagna, Italia, 1926).

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En 1953, Pomodoro asiste a una exposición de Pablo Picasso (1881- 1973) en Milán, en el Palazzo Reale. Esta exposición le causa una fuerte impresión, y un año después se muda a Milán donde se une a la comunidad artística haciéndose amigo de artistas como el argentino Lucio Fontana (1899- 1968).

Participa en la X Trienal de Milán, y junto con su hermano Giò también participa en la Bienal de Venecia.

En 1959 recibe una beca para estudiar arte estadounidense. Allí, su visita al MoMa y las esculturas de Brancusi (1876- 1957) son una fuerte inspiración para su trabajo.

Realiza obras informalistas, fundidas en metal  y con gran gestualidad.

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Pomodoro, A. (1960). La columna del viajero. [Escultura]. Bronce. Recuperada de https://www.tornabuoniart.com/fr/exhibitions/arnaldo-pomodoro-3/

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Pomodoro, A. (1968). Superficie giratoria con investigación interna. [Escultura]. Bronce. Recuperada de https://www.tornabuoniart.com/fr/exhibitions/arnaldo-pomodoro-3/

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Pomodoro, A. (1969). Rotating Sphere. [Escultura]. Bronce. Boston, Museum of Fine Arts. Recuperada de https://www.epdlp.com/pintor.php?id=2683

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Giò Pomodoro (Orciano Pesaro, Italia, 1030- Milán, Italia, 2002).

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Giò Pomodoro (Orciano Pesaro, Italia, 1030- Milán, Italia, 2002).

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Es considerado uno de los escultores más importantes del Arte Abstracto en la escena internacional del siglo XX.

Hermano del famoso escultor Arnaldo Pomodoro, con quien trabaja al igual que con Lucio Fontana.

Más tarde, se separa de estos artistas y se dedica a la escultura de búsqueda, comenzando con la primera experiencia de jóvenes informales sobre el signo.

Realiza obras informalistas realizadas con metales coloreados, pero con mayor vínculo con la tradición formal.

Por lo general, hay brechas abiertas que permiten la ruptura del sol quien es, a menudo, el tema de sus obras.

Activamente dedicado a la pinura y a  la orfebrería de arte, el director de arte y diseñador es invitado a menudo a la Bienal de Venecia y la Documenta de Kassel.

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Pomodoro, G. (1958). Superficie e segn. [Escultura]. Bronce sobre base de mármol negro. Recuperada de https://www.pinterest.it/pin/714383559618769158/

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Pomodoro, G. (1959).Spilla. [Escultura]. Bronce. Recuperada de https://ar.pinterest.com/pin/714383559619374357/

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Pomodoro, G. (1962). Folla. [Escultura]. Recuperada de https://www.wikiart.org/es/gio-pomodoro/folla-1962

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Pomodoro, G. (1964). Fenice III.[Escultura]. Bronce. Recuperada de https://www.pinterest.it/pin/348114246199806043/

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Gio' Pomodoro. L'opera scolpita e il suo disegno

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Calvo Santos, M. (2016). Henry Moore. Historia Arte. [Fotografía]. Recuperada de https://historia-arte.com/artistas/henry-moore

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Henry Spencer Moore (Castleford, Inglaterra, 1898- Much Hadham, Inglaterra, 1986).

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Henry Spencer Moore (Castleford, Inglaterra, 1898- Much Hadham, Inglaterra, 1986).

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Es una de las figuras más importantes dela escultura moderna y una de las más populares dentro del arte público.

Su obra es influencia de la escultura griega arcaica y clásica, el Renacimiento y Cubismo, que el mismo artista reinterpreta y reelabora.

Son esculturas monumentales, mayormente de bronce o mármol, que combinan forma y espacio, caracterizadas por los espacios vacíos y formas onduladas. Están pensadas para lugares públicos y exteriores por su tamaño, e inspiradas en la figura humana, especialmente la femenina.

Algunos afirman que están basadas en los paisajes de Yorkshire, su lugar de origen.

Moore realiza varios bocetos y dibujos antes de crear cada escultura. Son importantísimos para su proceso de creación y suponen obras de arte en sí mismos.

Tras la Segunda Guerra Mundial, las esculturas de Moore se volvieron cada vez más grandes, convirtiéndose en arquitectura escultórica.

Le da a sus esculturas títulos bastante sencillos, sin sombra de pedantería o prepotencia.

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Moore, H. (1951). Figura reclinada. [Escultura]. Cambridge, Fitzwilliam Museum. Recuperada de https://www.wikiart.org/es/henry-moore/all-works#!#filterName:all-paintings-chronologically,resultType:masonry

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Moore, H. (1952). Helmet Head and Shoulders. [Escultura]. Bronce. Recuperada de https://www.wikiart.org/es/henry-moore/all-works#!#filterName:all-paintings-chronologically,resultType:masonry

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Moore, H . (1953). Mother and child. [Escultura]. Bronce sobre base de madera. Londres, TATE Modern. Recuperada de https://www.wikiart.org/es/henry-moore/all-works#!#filterName:all-paintings-chronologically,resultType:masonry

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Moore, H. (1959). Reliefe. [Escultura]. Jerusalem, Museo de Israel. Recuperada de https://www.wikiart.org/es/henry-moore/all-works#!#filterName:all-paintings-chronologically,resultType:masonry

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López, A. (2020). Barbara Hepworth, la brillante escultora de los agujeros. El País. Cultura. [Fotografía]. Recuperada https://elpais.com/cultura/2020-08-25/bar

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Barbara Hepwoth (Wakefield, Reino Unido, 1903- St. Ives, Reino Unido, 1975).

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Barbara Hepwoth (Wakefield, Reino Unido, 1903- St. Ives, Reino Unido, 1975).

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Es una de las escultoras más relevantes de la posguerra.

Tuvo dos elementos que decantaron su pasión por la escultura desde niña: los paseos con su padre por la campiña inglesa y una clase de arte egipcio que recibió en el colegio.

Su obra está influenciada por Henry Moore, pero sus esculturas son más abstractas, donde juega con los volúmenes, logrando un lenguaje muy personal. Son esculturas de madera, mármol o bronce.

Al finalizar la Segunda Guerra Mundial se convierte, junto a Moore, en una de las revelaciones más importantes de la escultura de su generación.

La mayoría de las obras de Barbara Hepworth adquieren un sentido voluble en el que, a pesar de sus sencillas formas, el hueco que contiene se convierte en el pulmón de la escultura.

La artista trabaja sin esbozos previos, sino por la intuición que le transmiten los materiales, dando como  resultado obras lisas, redondeadas, pulidas por los materiales usados de la piedra y la madera, que adquieren una gran armonía y belleza al juntarlos. Esto es lo que se conoce como talla directa, una técnica por la cual el proceso de escultura está influenciado por las cualidades de las materias primas más que por un modelo preconcebido de la obra.

Las más de seiscientas esculturas que Hepworth realiza a lo largo de su carrera continúan siendo un legado del poder único que posee el arte para reflejar los valores atemporales del humanismo y la belleza natural con la sencillez de las formas y su armonía con el entorno natural.

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Hepworth, B. (1956). Involute II. [Escultura]. Bronce. Londres, TATE Modern. Recuperada de https://www.tate.org.uk/art/artworks/hepworth-involute-ii-t03749

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Hepworth, B. (1958). Torso II.[Escultura]. Bronce. Londres, TATE Modern. Recuperada de https://www.tate.org.uk/art/artworks/hepworth-torso-ii-torcello-t03138

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Hepworth, B. (1958). Garden Sculpture (Model for Meridiam). [Escultura]. Bronce. Londres, TATE Modern. Recuerada de https://www.tate.org.uk/art/artworks/hepworth-garden-sculpture-model-for-meridian-t03139

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Hepworth, B. (1959). Corymb.[Escultura]. Bronce. Londres, TATE Modern. Recuperada de https://www.tate.org.uk/art/artworks/hepworth-corymb-t12281

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Villegas, F. (2021). Bellas Artes de Landau. Solo obras maestras. [Fotografía]. Recuperada de https://www.landaufineart.ca/chadwick

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Lynn Chadwick (Londres, Inglaterra, 1914- Lypiatt Park, Reino Unido, 2003).

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Lynn Chadwick (Londres, Inglaterra, 1914- Lypiatt Park, Reino Unido, 2003).

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Después de la guerra, trabajó en la producción de diseños textiles, de muebles y arquitectónicos.

Sus inicios en la escultura son a través de móviles similares a los de Alexander Calder (1898- 1976). Ya en los ´50 comienza a combinar elementos figurativos y abstractos, logrando un estilo muy personal, vital y de gran energía. Estas obras están realizadas con una estructura de hierro y acero, y a veces de hierro rellenas con yeso.

No esculpía ni modelaba, sino construía formas sólidas. El enfoque de Chadwick hacia la escultura es constructivo y aditivo, en lugar de modelado sustractivo.

Muchas de sus esculturas son figuras individuales de formas puntiagudas y en algunos casos con túnicas en forma de alas que se agitan al viento.

Posteriormente desarrolla soportes de suelo para los móviles, transformándolos en lo que llama "estables".

Durante la década de 1950 se destaca entre el grupo de escultores en metal que sigue los pasos de Henry Moore cuyas obras, aunque en gran parte abstractas, contienen sugerencias de la figura humana.

En la década de 1960,  su trabajo se vuelve más monumental y parecido a un bloque, diseñado para ser visto al aire libre.

Su tema varía desde la forma humana, abstraída pero fácilmente reconocible, hasta animales, tipos generales en lugar de criaturas específicas.

Muy pocas de estas obras sobreviven; están hechos de alambre, madera de balsa y formas cortadas de cobre y latón, a menudo parecidas a peces y, a veces, de colores. Algunos se incorporan como elementos decorativos en stands de exhibición.

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Chadwick, L. (1951). Ciprés. [Escultura]. Lámina de cobre y barras de latón. Recuperada de http://vacioesformaformaesvacio.blogspot.com/2017/03/lynn-chadwick-escultura.html

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Chadwick, L. (1951). El comedor de Pescado. [Escultura]. Recuperada de http://vacioesformaformaesvacio.blogspot.com/2017/03/lynn-chadwick-escultura.html

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Chadwick, L. (1952). Ojo interno. [Escultura]. Recuperada de http://vacioesformaformaesvacio.blogspot.com/2017/03/lynn-chadwick-escultura.html

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Chadwick, L. (1954). El extraño. [Escultura]. Recuperada de http://vacioesformaformaesvacio.blogspot.com/2017/03/lynn-chadwick-escultura.html

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Chadwick, L. (1954). Sin título. [Escultura]. Recuperada de http://vacioesformaformaesvacio.blogspot.com/2017/03/lynn-chadwick-escultura.html

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Chadwick, L. (1956). Encuentro IV. [Escultura]. Recuperada de http://vacioesformaformaesvacio.blogspot.com/2017/03/lynn-chadwick-escultura.html

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Kenneth Armitage (Leeds, Inglaterra, 1916- Londres, Inglaterra, 2002).

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Kenneth Armitage (Leeds, Inglaterra, 1916- Londres, Inglaterra, 2002).

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Es uno de los artistas británicos más importantes del siglo XX.

Sus obras se basan en la figuración tomando como protagonista a la figura humana, aislada o en grupos.

Las formas alargadas y frágiles de su obra son expresión fiel de su principal preocupación: el futuro de la humanidad.  Armitage encuentra en la escultura el camino más certero para comunicar sus verdades.

Desde temprana edad se ve influenciado por los paisajes de su ciudad natal y por las constantes visitas a casa de su madre en Longford, Irlanda. Las esculturas egipcias del Museo Británico también son fundamentales en la evolución estilística de su carrera.

En su último período, experimenta con la fusión entre dibujo y escultura, a través del uso de la pantalla de seda, las imágenes de bromuro montadas sobre formas simples y por la yuxtaposición de pequeñas figuras de yeso con fondos gráficos.

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Armitage, K. (1950). People in the Wind. [Escultura]. Bronce. Londres, TATE Modern. Recuperada de file:///C:/Users/Usuario/Documents/ESCUELA%20REMOTA%20MALE/TESIS%20SANDRA%20MAGALY%20ARMIJOS%20CARRI%C3%93N.pdf

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Armitage, K. (1952). Sitting People. [Escultura]. Bronce. Recuperada de https://en.wikipedia.org/wiki/Kenneth_Armitage#/media/File:Marl_Armitage_01.JPG

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Louise Nevelson ( Kiev, Rusia, 1988- Nueva York, Estados Unidos, 1988).

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Louise Nevelson ( Kiev, Rusia, 1988- Nueva York, Estados Unidos, 1988).

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Pintora y escultora estadounidense de origen ruso.

A partir de 1933, Nevelson expone grabados y pinturas y enseña por primera vez su trabajo de escultura en 1936.

Sus obras pasan por varias etapas: de formas dinámicas inspiradas en el Futurismo, hasta obras abstractas en los años ´50.

Es una de las primeras escultoras norteamericanas en presentar Asemblagges. La artista empotra en cajas apiladas reliquias de piezas de madera de varias clases, construyendo de este modo, arquitecturas abstractas, monumentales y barrocas. Estas piezas, lo mismo que sus títulos, sugieren un mundo imaginario y poético.

Las primeras esculturas de Louise Nevelson están pintadas de un negro mate pero más tarde se hacen más luminosas y líricas, blancas o doradas ya que la artista incluye espejos, o plexiglás.

Su obra es galardonada a lo largo de su vida con premios prestigiosos y es parte de las colecciones más importantes de los museos.

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Nevelson, L. (1957). Jardín tropical. [Escultura]. Madera pintada. París, Museo George Pompidow. Recuperada de https://www.centrepompidou.fr/es/ressources/oeuvre/cajbXjL

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Nevelson, L. (1958). Catedral del cielo. [Escultura]. Madera pintada. Recuperada de https://www.moma.org/learn/moma_learning/louise-nevelson-sky-cathedral-1958/

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Nevelson, L. (1959). Sans Titre. [Escultura]. Madera pintada. París, Museo George Pompidow. Recuperada de https://www.centrepompidou.fr/es/ressources/oeuvre/cajbXjL

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Nevelson, L. (1959). Bagage de lune. [Escultura]. Caja de madera  pintada. París, Museo George Pompidow. Recuperada de https://www.centrepompidou.fr/es/ressources/oeuvre/cajbXjL

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John Chamberlain (Indiana, Estados Unidos, 1927- Nueva York, Estados Unidos, 2011).

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John Chamberlain (Indiana, Estados Unidos, 1927- Nueva York, Estados Unidos, 2011).

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Escultor estadounidense, un artista de transición entre el Expresionismo Abstracto y el Pop Art y Minimalismo que combina estas  tendencias en obras dinámicas.
Es considerado por muchos como “El Pollock de la escultura” y el creador de la tendencia conocida como “Junk Art”.
Se da a conocer por ser el primer artista en utilizar “materiales encontrados” como material creativo, sobre todo chasis y trozos de automóviles aplastados y doblados a los cuales les exalta el color. También experimenta con una gran variedad de materiales, como pexiglás, tela, aluminio y gomaespumas, que combina (Assemblage).
Trabaja a partir de un proceso espontáneo de improvisación, caracterizado por la falta de acabados sofisticados a través de pinceladas instintivas y gestuales.
Sus primeras esculturas están hechas con tubos de acero que ensamblaba con viejas piezas de carrocería de automóviles. En estas obras muestran la influencia de David Smith (1906- 1965).
Su obra se constituye de tres elementos esenciales: materia, color y forma. El color subraya los contornos y perfiles y forma parte integral de la obra. Aunque parezcan obras realizadas al azar, el artista le da una gran importancia a su composición formal. La yuxtaposición de formas y colores crea una tensión y le brinda a su obra un gran dinamismo.
Rechaza la búsqueda se significados ocultos en sus obras, negando las interpretaciones de quienes aseguran que sus obras remiten a traumas ocasionados por accidentes automovilísticos. El artista insiste en pedirle al público que observe las piezas sin juicios previos, dejándose guiar por lo estético, abstracto y lírico.
Sus obras forman parte de las colecciones de los principales museos del mundo.
También se desarrolla en pintura, fotografía y video, ejerciendo una notable influencia en los artistas del Minimalismo y Pop Art.

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Chamberlain, J. (1957). Shortstop. [Escultura]. Recuperado de https://www.wikiart.org/es/john-chamberlain/all-works#!#filterName:all-paintings-chronologically,resultType:masonry

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Chamberlain, J. (1959). S. [Escultura]. Recuperada de https://www.wikiart.org/es/john-chamberlain/all-works#!#filterName:all-paintings-chronologically,resultType:masonry

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Chamberlain, J. (1960). Sin título. [Escultura]. Recuperada de https://www.wikiart.org/es/john-chamberlain/all-works#!#filterName:all-paintings-chronologically,resultType:masonry

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Chamberlain, J. (1960). Sin título. [Escultura]. Recuperada da https://www.wikiart.org/es/john-chamberlain/all-works#!#filterName:all-paintings-chronologically,resultType:masonry

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Giacometti, A. (1954). El gato. [Escultura]. Bronce. Nueva York, Museo Metropolitano. Recuperada de https://historia-arte.com/obras/el-gato-giacometti

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Análisis de obra informalista de artista europeo

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Análisis de obra informalista de artista europeo

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Datos de la obra

Título: El gato

Nombre del autor: Alberto Giacometti  (1901- 1966()

Disciplina: Escultura

Año de ejecución: 1954

Tamaño: 27.9 x 80 x 13.3 cm.

Material: Bronce.

Ubicación: Nueva York, Museo Metropolitano.

Análisis denotativo

La obra está realizada en bronce.

De acuerdo a la posición respecto a la base, contiene un eje horizontal a ésta, dada por la estructura de la figura. Las líneas de fuerza y direccionales son horizontales

La obra se caracteriza por la forma (representativa del artista), el volumen y la textura.

Podría decirse que contiene líneas que hacen de estructura del cuerpo de la figura. Es una línea recta, con posición horizontal y se encuentra paralela a la base. Otras líneas rectas, se encuentran en forma adyacentes a la base y actúan como las patas del animal.

En cuanto a los planos, la obra contiene un plano recto, perteneciente a la base de la escultura.

El volumen de la obra es real, ya que ocupa un lugar en el espacio.

Esta obra cuenta con  formas cerradas, tanto en la figura como en su base.

Contiene textura visual y táctil, ambas determinantes en la obra ya que está dada por el acabado de la misma y la huella del artista y cumple una función expresiva.

No se observa un trabajo en el color, ya que el mismo está dado solamente por el material en que está realizada (bronce). Por lo tanto, el color es subordinado de la forma.
La luminosidad se logra a través de la incidencia de la luz en toda la figura, obteiendo luces y sombras de acuerdo a su posición con respecto a ésta, sin cumplir una función expresiva determinada.

En cuanto a la composición, se observa una armonía en la distribución de los elementos, más allá de la característica de la figura: figura delgada y con partes de su cuerpo exageradas que, aun así, logran un equilibrio.

Es una obra estática, ya sea por su figura o la forma de su base que brinda una sensación de apoyo y rigidez.

Contiene una simetría aparente ya que, si se realiza un corte transversal a la obra, no se reconocen los mismos elementos de un lado que del otro, pero sí similares.

La atención, sin duda alguna, se centraliza en las extremidades de la figura que, como se menciona anteriormente, caracteriza a las obras de este artista, especialmente en el periodo luego de la Segunda Guerra Mundial.

Análisis Connotativo

La anatomía de este gato, como la de las demás figuras de Giacometti, son características: figuras alargadas, extremadamente delgadas y de una superficie rugosa, áspera que representan la piel y los huesos.

Estas figuras se perciben como la metáfora apropiada del hombre que emergía de las secuelas de la guerra. Muestran la agonía, la tristeza, el sosiego que ésta dejó en la sociedad y relatan la idea de un mundo completamente destruido, sin un futuro aparente y sin muchas esperanzas.

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Análisis de obra informalista de artista americano

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Análisis de obra informalista de artista americano

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Datos básicos de la obra

Título: S

Nombre del autor: Jonh Chamberlain (1927- 2011)

Disciplina: Escultura

Año de ejecución: 1959

Técnica: Assamblage

Análisis Denotativo

Esta obra del artista americano John Chamberlain está realizada con materiales de desecho de automóviles (chatarrra).

De acuerdo a la posición respecto a la base, contiene un eje transversal que se sitúan por el medio de la obra, y que termina en el elemento que actúa como base de apoyo en su conjunto. Se pueden observar diferentes líneas de fuerza y direccionales que se dan por la posición de algunos de los elementos que la componen, especialmente en la parte superior.

Los elementos que la caracterizan son las líneas, y principalmente los planos y volúmenes. La textura está dada en algunos casos por el material que la constituye, y el color es adicionado por el artista.

En cuanto a las líneas, son mayormente rectas y se encuentran en diferentes direcciones. Los planos son rectos en su mayoría, existiendo algunos curvos. Estos planos curvos, pueden contener convexidad y concavidad.

Contiene un volumen real, es decir, que ocupa un lugar en el espacio.

En cuanto a las forma, es cerrada, observándose algunos espacios que dan la sensación de ser una obra abierta en ciertos fragmentos.

La luminosidad está dada por los huecos y salientes con que cuenta la obra que, a su vez, se obtienen a través de la superposición de las diferentes formas que la componen.

Como se mencionó anteriormente, la textura (en ciertos lugares) está dada por las características del material con el que está realizada. Esta textura, por lo tanto, está subordinada y no cumple una función expresiva determinada. Al igual el color, que el artista lo coloca de manera improvisada pero que, sin embargo, le brinda un realce a la obra.

Teniendo en cuenta la distribución de los elementos, es una obra armónica donde cada uno de ellos se encuentra en una posición equilibrada, otorgando zonas de reposo y otras de más movimiento.

Es una obra de simetría aparente ya que, si se realiza un corte transversal en el centro de la obra, se pueden observar elementos similares de un lado y del otro pero no iguales.

Análisis Connotativo

Esta obra tan representativa de Chamberlain, está realizada con partes desechables de automóviles. Es una obra que remite al pasado, a lo que ya no es utilizado, a lo antiguo.

Sus partes nos remontan a los elementos con los que podríamos haber jugado en nuestra infancia, a lo que quedó olvidado en algún rincón inhóspito. Las partes oxidadas y  deterioradas nos remiten a lo viejo, a lo descuidado, pudiéndolo relacionar con la destrucción de la guerra.
Sin embargo, esos puntos de colores que contiene nos pueden trasladar a lo actual, a lo moderno.  Y de esta manera, se crea un equilibrio entre lo que ya pasó, lo que pasa y lo que está por venir.

El artista busca que el público se deje guiar por lo estético, lo abstracto y lo lírico y que encuentre en ellas, partes de su interior olvidado.

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Obra escultórica de artista informalista para práctica docente en el nivel primario.

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Obra escultórica de artista informalista para práctica docente en el nivel primario.

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La obra que se observa en la imagen, pertenece a la artista estadounidense de origen ruso, Louise Nevelson.
Dicha obra es seleccionada para la utilización en una práctica docente en nivel primario; específicamente en el Segundo Ciclo, Cuarto Grado.
La actividad consiste en realizar un Assamblage como los de Nevelson utilizando elementos de desecho; como cajas de fósforos, cajas de alimentos, tapitas, corchos, bollitos de papel, todo lo que el estudiante sea capaz de imaginar. Una vez finalizada la composición, cada estudiante según su criterio, optará por pintar o no el trabajo realizado.
El desarrollo de esta actividad permitirá lograr ciertos objetivos en el proceso enseñanza- aprendizaje:

Representar a través de diversas técnicas de acuerdo a la propia expresividad y sentido estético del estudiante.

Traducir al lenguaje plástico experiencias personales emocionalmente significativas, a través del material elegido.

Desarrollar una actitud crítica ante los mensajes visuales.

Reconocer y elegir los materiales que se ajusten a su idea de desarrollo.

Desarrollar una imagen tridimensional.

Enfrentar los problemas que la propia tridimensión plantea y elaborar estrategias para resolverlos.

Elegir los materiales que mejor se adecúen según sus criterios y experiencias propias.

Utilizar el lenguaje de las Artes Visuales para colaborar con el medio ambiente reciclando materiales de  desecho.

Conocer diferentes formas de realizar una obra de arte y diferentes técnicas, como el Assamblagle.

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Obra escultórica de artista informalista para práctica docente en el nivel secundario. 

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Obra escultórica de artista informalista para práctica docente en el nivel secundario. 

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La obra que se observa en la imagen, denominada Figura reclinada, pertenece al artista inglés Henry Moore y data de 1951.
Dicha obra es seleccionada para la utilización en una práctica docente en nivel secundario.
La actividad consiste en realizar una escultura al estilo del artista antes mencionado. El material utilizado será la Crealina por ser más accesible que otros materiales como arcilla o plastilina.
Los estudiantes realizarán pequeñas esculturas a partir de la forma de trabajar del artista, sus propias ideas, la observación del entorno ya que estas obras están, por lo general, en espacios públicos; y teniendo en cuenta el contexto actual.
Antes de llevar a cabo la actividad en la tridimensión, cada estudiante deberá realizar uno o varios bocetos previos que le servirán de apoyo para plasmar su idea.
Esta actividad le permitirá al estudiante:

Demostrar el dominio en el uso del material de modelado.

Expresar emociones e ideas en sus producciones a partir  de la experimentación del material y su potencial.

Comparar y relacionar la idea inicial plasmada en un boceto, con el producto final y reflexionar de una manera crítica.

Construir conocimientos significativos a través del análisis y producción de obras propias y ajenas.

Reflexionar sobre la relación entre las artes y el contexto cultural a través del conocimiento del artista y su contexto político- social.

Fortalecer el conocimiento de los elementos básicos del lenguaje visual y la toma de decisiones compositivas.

Comprender las problemáticas específicas de los modos de representación.

Conocer los elementos, materiales, soportes, técnicas y procedimientos propios del lenguaje visual en el espacio tridimensional.

Organizar la composición de acuerdo a los espacios llenos y vacíos.

Tomar decisiones vinculadas al equilibrio, estructura, tensión, movimiento, proporción y volumen.

Desarrollar procedimientos en el plano y en el volumen (superponer, adicionar, sustraer).

Reflexionar sobre las decisiones tomadas a lo largo del proceso de producción, en relación con la intencionalidad comunicativa y la producción de sentido estético.

Distinguir entre la interpretación literal y la interpretación metafórica, comprendiendo la apertura significativa y el carácter ficcional de las imágenes artísticas.

Utilizar las TICs como herramienta para obtener información útil que permita el desarrollo de nuevas capacidades.

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Alberto Giacometti (Borgonovo, Suiza, 1901- Cuera, Suiza, 1966)

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Alberto Giacometti (Borgonovo, Suiza, 1901- Cuera, Suiza, 1966)

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Escultor y pintor suizo, cuyas obras son la traducción plástica de la crisis existencialista por la que pasa la sociedad occidental al finalizar la Segunda Guerra Mundial.

Es uno de los artistas más importantes del siglo XX. Representa como nadie la soledad y el aislamiento del ser humano durante esa época.

Desde 1925 hasta 1965, su producción corrió a la par de los grandes movimientos de la modernidad: el Cubismo, el Surrealismo, la Abstracción y el regreso a la Figuración.

A partir de los años ´30, inició un cambio de estilo.  Pequeñas figuras moldeadas en arcilla o escayola que luego funde en bronce. En estas obras se precia la preocupación por la figura, en un vacío con ideas existencialistas: hombres caminando, mujeres y grupos donde cada figura está aislada, surgiendo así sus figuras humanas alargadas y de apariencia nerviosa, muy delgadas y de superficie áspera, a menudo de tamaño natural.

Creó una obra que apunta a responder numerosas preguntas de fondo y siempre vigentes sobre la práctica artística, como los significados y mecanismos de la representación, la relación entre la obra de arte y el espacio, y el rol del arte y el artista.

Giacometti fue más allá, abordando cuestiones filosóficas fundamentales del ser humano, como las relaciones entre el sujeto y el entorno, la forma en que el individuo se inscribe en el tiempo, y el papel que desempeña la memoria.

El bronce, un material que a principios de los años ´50 se había hecho económicamente accesible, fue uno de los materiales con el que el artista suizo empezó a realizar sus obras. Pero el bronce no fue el único material con el que Giacometti trabajó. Para él, el yeso fue de gran importancia.  Este material le permitió pintar o reelaborar sus objetos en una amplia variedad de formas. De hecho, un número significativo de sus esculturas existe solo en una versión de yeso.

Con una expresión repujada a mano, el artista deja su huella en esas texturas que, piel y hueso, encarnan la fragilidad del hombre.

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La escultura de la segunda mitad del siglo XX se desarrolla de forma casi paralela a la pintura, aunque  no tuvo la influencia que sí tuvo ésta, ya que no todos los movimientos que se desarrollaron el la pintura tuvieron una repercusión simiar.

Esta disciplina fue desarrollada por un pequeño número de artistas que trabajaron aislados y no lograron crear una tendencia.
Se establece un paralelismo entre las corrientes pictóricas y sus principales representantes en escultura, surgiendo diferentes vetientes: Informalismo Matérico, Gestual y Espacial.
La escultura se desarrolló tanto en Europa como en Estados Unidos. Dentro de los artistas destacados de esta disciplina se pueden mencionar a Alberto Giacometti, Jean Dubuffet, Eduardo Chillida y Henry Moore en Europa, y Louise Nevelson y Jonh Chamberlain.

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