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3 También la lluvia, película completa : visualizo la secuencia "el agua es nuestra"

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3 También la lluvia, película completa : visualizo la secuencia "el agua es nuestra"

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En la rúbrica videos de esta página conseguiréis la película completa "También la lluvia" Pulse aquí

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Centro Federado de Sociales UNMSM | Lima

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Centro Federado de Sociales UNMSM, Lima, Peru. 14,979 likes · 9 talking about this · 55 were here. Pagina oficial de Centro Federado de Ciencias Sociales de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos

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DOSIER IV El olvido que seremos, F. Trueba, 2021

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DOSIER IV El olvido que seremos, F. Trueba, 2021

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DOSIER III ROMA, Alfredo Cuarón, México, 2018 

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DOSIER III ROMA, Alfredo Cuarón, México, 2018 

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Pour aller plus loin

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 1 DOSIER II. NO, Pablo Larraín, Chile, 2012

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 1 DOSIER II. NO, Pablo Larraín, Chile, 2012

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2 DOSIER I También la lluvia : DIAPORAMA

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2 DOSIER I También la lluvia : DIAPORAMA

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CONSULTEZ le matériel audiovisuel publié pour mieux comprendre : Cliquez sur la diapositive 4 "Estalla la guerra del agua" seulement le début jusqu'à 1'27"

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FICHA TÉCNICA

Proyección: También la lluvia

Dirección: Icíar Bollaín

Año producción: 2010

Formato: DVD

Duración: Largometraje - 104 min

Género: Ficción

País producción: España

Versión original: español

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4 También la lluvia,Icíar Bollaín, 2010 el trailer 

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4 También la lluvia,Icíar Bollaín, 2010 el trailer 

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TAMBIÉN LA LLUVIA - Trailer oficial [HD]

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5 Historia del Cine español y latinoamericano

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5 Historia del Cine español y latinoamericano

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PARA SABER + corrientes cinematográficas europeas
el neorrealismo italiano características : 1942-1952 posguerra
-muestra condiciones sociales más auténticas y humanas (no se trata ya de la representación de la realidad sino de la realidad misma)
-se vale de actores no profesionales
-se roda en exteriores preferentemente
-meta: estimular la mirada crítica ante la situación política y social

Obra de referencia Roma, ciudad abierta,Roberto Rossellini

Cine vérité : 1955 estilo cine-documental (realidad en bruto, cine espontáneo) fundador Jean Rouch
-cámara al hombro o cámara portátil
-sonido sincronizado
-actores no profesionales
Escucha
-vena naturalista

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A finales del siglo XIX el panorama en España no era muy favorecedor: había perdido todas sus colonias en América y Asia, sus exportaciones eran escasas, su nivel de alfabetismo rondaba el alrededor del 50% y su tasa de natalidad era menor comparada con otros países vecinos. A pesar de lo anterior, el nacimiento del cine en el país fue similar al de otros lugares del continente europeo.

La primera proyección pública del cinematógrafo tuvo lugar en Madrid el 14 de mayo de 1896 a cargo de Alexandre Promio, un joven francés de 25 años enviado de los hermanos Lumiére. La función, con un costo de una peseta, fue todo un éxito. El cine había llegado para quedarse y convertirse en un negocio rentable.

En el siguiente año, 1897, se filmó Riña en un café, considerada la primera película española, dirigida por Fructuós Gelabert. De aquí a la primera década del siglo XX, el cine toma como base los dramas teatrales nacionales.
Junto a Gelabert, estuvieron también Ricard de Baños, y Segundo de Chomón (dedicado al cine fantástico) como los pioneros del cine español. Los tres escogieron trabajar en Barcelona, volviendo a la ciudad en el primer centro neurálgico del cine español durante dos décadas.

Durante la Primera Guerra Mundial España vivió una especie de época de oro, ya que permitió al cine desarrollarse. En estos años 28 productoras realizaron 242 películas, de las cuales 77 fueron documentales.

A principios de los años veinte otras ciudades, como Valencia y Bilbao, tomaron el relevo como potencia cinematográfica. Sin embargo, en 1923 llegó al poder Miguel Primo de Rivera y la industria cinematográfica no fue ajena a esta situación, por lo que Madrid suplanta las anteriores ciudades. Los géneros de estos años estuvieron inspirados en el folclore y la cultura popular, como por ejemplo: Paloma (1921), La casa de la Troya (1925) y La aldea maldita (1930) todas del director Florián Rey.

Para 1928 se vive un ambiente de inquietud cultural, y fue así que nació el primer cineclub en Madrid, ubicado en la Residencia de Estudiantes. De la Residencia saldrían intelectuales y artistas como Federico García Lorca, Luis Buñuel, Salvador Dalí y Severo Ochoa. En este famoso recinto se llegaron a proyectar las vanguardias rusas y francesas.

Coincidiendo con la Segunda República Española, la década de 1930 comienza con una industria fílmica débil debido a la llegada del cine sonoro y de las producciones estadounidenses. Esta época tuvo como géneros predominantes el costumbrismo, los dramas sociales, el folclore, además del uso de escenarios naturales.

En 1932, en pleno fervor surrealista y del género documental, Luis Buñuel realiza el cortometraje documental Las Hurdes (Tierra sin pan). El filme, que a través de planos generales denuncia la pobreza y miseria del pueblo de Las Hurdes, es rápidamente censurado.
Destacan también las películas de Benito Perojo,El hombre que se reía del amor (1933) y La verbena de la Paloma (1935), esta última con récords en taquilla.

En 1936, el golpe de Estado del general Franco desencadena la Guerra Civil y con ello la producción cinematográfica prácticamente desaparece. El cine documental propagandístico y los noticieros se vuelven la principal corriente de exposición, como lo fue el corto documental España 1936 (1937) de Jean Paul Dreyfus.

Los noticieros, con su contenido propagandístico, se volvieron clave para la movilización de gente, además la sociedad optaría por ellos para huir de los bombardeos. Cada facción tuvo el suyo: España al día, por parte del bando republicano y Noticiario español, del lado insurgente.

Para 1939, el conflicto finaliza con la victoria de Franco y el establecimiento de una dictadura. Los artistas tenían dos opciones: Adherirse al gobierno o abandonar el país, opción por la que se inclinarían cineastas como Luis Buñuel o Carlos Velo. Vendrían años donde la censura haría sombra a la producción cinematográfica, al mismo tiempo que se instauró un sistema de protección económica y se incluyó el doblaje obligatorio para las películas extranjeras.

Para la década de los cuarenta, directores del cine mudo como Benito Perojo o Florián Rey no logran sobrevivir a la época sonora. Por otra parte, en 1942 el Estado crea el NO-DO (Noticiarios y Documentales), institución que se vuelve clave para dar a conocer la información oficial hasta 1976.

En estos primeros años del franquismo destaca la película Rojo y negro (1942) de Carlos Arévalo, centrada en el amor entre una falangista y un comunista, un amor que no florece por el enfrentamiento de las distintas visiones.

A partir de 1944 comenzó una nueva corriente dentro del régimen: las películas religiosas. Este tipo de películas recogieron las virtudes religiosas a través de ficciones: (1947), La señora de Fátima (1951), Marcelino, pan y vino (1954), entre otras. Además, el cine épico cosechó ciertos éxitos, como Locura de amor (Juan de Orduña, 1948), que puso de moda el cine histórico.

Por otra parte, el cineasta Edgar Neville (no aceptado en la izquierda ni en la derecha española) destaca entre los cineastas de la época. Neville realizó una importante trilogía entre 1944 y 1946: La torre de los siete jorobados (1944), Domingo de carnaval (1945) y El crimen de la calle Bordadores (1946).

Antes de finalizar la década, en 1947, se creó por Órdenes Ministeriales la Escuela Oficial de Cinematografía, con el nombre de Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas (IIEC). Muy al estilo de Benito Mussolini en Roma, esta institución estaba pensada para lograr tener creadores afines al régimen, sin embargo, las expectativas fracasaron desde su primera generación, gracias a disidentes como Luis García Berlanga o Juan Antonio Bardem.

Los años cincuenta comienzan con la apertura de España al resto del mundo, ejemplo de esto fue, en 1953, el nacimiento de la Semana Internacional de Cine, después conocida como el Festival de San Sebastián, uno de los festivales más prestigiosos de España y del mundo. Aunado a lo anterior, a lo largo de la década se verían ejemplos de cineastas españoles evocando al nuevo movimiento del cine europeo, el neorrealismo italiano.

En esta década dos alumnos recién salidos del IIEC, romperían con el estilo establecido: Luis García Berlanga y Juan Antonio Bardem. Juntos realizaron su primer filme Esa pareja feliz (1951), y colaboraron juntos con el guion de ¡Bienvenido, Mr. Marshall! (1953), que fue dirigida por el propio Berlanga.
¡Bienvenido, Mr. Marshall! resultó una dura crítica a la situación del momento, pues además de hacer evidente el aislamiento del país, denunció la exclusión de España de los países beneficiarios del Plan Marshall, programa de ayuda económica a Europa que el presidente estadounidense Harry S. Truman financió.

Berlanga, haciendo uso de un humor sarcástico, realizó durante esa década Novio a la vista (1953), (1956) y (1957). Se burló de la falsa generosidad de la clase burguesa y de las campañas caritativas del franquismo en (1961) y tocó el tema de la pena de muerte en (1963).

Por su parte, Bardem llevó la crítica de forma más directa, pues la cinta Nunca pasa nada (1963), era una clara alusión a las declaraciones del embajador español Alfredo Sánchez Bella en Roma, quien parafraseando, dijo: "Hace falta bastante tupé" para decir que "en la España actual nunca pasa nada".

Con Muerte de un ciclista (1955) Bardem evocó un hecho real: las huelgas sectoriales de la primavera de 1956, esto sin dejar la influencia del neorrealismo italiano. El año siguiente estrenó Calle Mayor (1956), una crítica a las costumbres de una burguesía ociosa.

Estas producciones contribuyeron a flexibilizar a las autoridades del régimen, a llevar una postura menos conformista al cine y a desarrollar lo que en la siguiente década sería bautizado como un Nuevo Cine Español (NCE).
No te pierdas las siguientes publicaciones sobre España.
Publicaciones anteriores de Trayecto23:
Festivales e instituciones españolas. Visión actual con mirada al pasado. Nuevas producciones de Portugal. Manoel de Oliveira, un siglo de cine portugués .Las nuevas producciones de Ecuador .El cine en Ecuador. Producciones paraguayas contemporáneas. El cine en Paraguay. Las nuevas producciones guatemaltecas. El cine hecho en Guatemala .El cartel en el cine cubano. El cine cubano después de la Revolución.

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Los inicios A finales del siglo XIX el panorama en España no era muy favorecedor: había perdido todas sus colonias en América y Asia, sus exportaciones eran escasas, su nivel de alfabetismo rondaba el alrededor del 50% y su tasa de natalidad era menor comparada con otros países vecinos.

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Por decimocuarta vez consecutiva llega el concurso ¿Quieres Ser Crítico de Cine? gracias al grupo Guía del Ocio.

El concurso tiene como objetivo fomentar vocaciones periodísticas y literarias en el entorno universitario y de los centros formativos que tengan como denominador común el séptimo arte.

Como ya ocurrió en la edición 2010, participan centros universitarios de Madrid, Valencia y Granada. Además, este año el concurso cuenta con la contribución de nada menos que Alejandro Amenábar, que desde el comienzo de su carrera ha estado ligado estrechamente a la Universidad.

En esta decimocuarta edición se ha elegido la película " Black Swan ", candidata a los Oscars de este año en varias categorías, incluido el de mejor película y cuyo pase supondrá su preestreno en exclusiva a nivel nacional.

El premio para el ganador será de 1.200 € entre otras cosas. También habrá premios para el segundo clasificado y para los finalistas.

El plazo máximo de admisión de críticas será hasta el 29 de abril de 2011.

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XIV Concurso ¿Quieres Ser Crítico de Cine? - Dosdoce.com

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Por decimocuarta vez consecutiva llega el concurso ¿Quieres Ser Crítico de Cine? gracias al grupo Guía del Ocio. El concurso tiene como objetivo fomentar vocaciones periodísticas y literarias en el entorno universitario y de los centros formativos que tengan como denominador común el séptimo arte. Como ya ocurrió en la edición 2010, participan centros universitarios...

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TÉCNICAS CINEMATOGRÁFICAS

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El Método,Marcelo Piñyero,  2005, (España-Argentina): Cómo poner uno en tela de juicio su vida con El Método.

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El Método,Marcelo Piñyero,  2005, (España-Argentina): Cómo poner uno en tela de juicio su vida con El Método.

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El logro de esta película es poner al espectador en la misma situación que los candidatos. Pone el público en una encuesta personal, entonces nos sentimos realmente en la historia, como si fuésemos los propios personajes.  Así estamos en un suspenso constante y podemos investigar y reflexionar sobre la psicología de cada uno de los candidatos al mismo tiempo que los personajes.

Los actores desarrollan una actuación doble en el papel de estos candidatos que, en lucha para el puesto tan querido, fingen sentimientos y personalidades falsas para eliminar  a los demás y convertirse en el último candidato en la competencia. Aunque es muy asombroso, acabamos la película sin haber realmente conocido la verdadera personalidad de los personajes.

En todos caso, esta película nos deja reflexionando, sobre el mecanismo de la historia, sobre los personajes, sobre la psicología humana con su egoísmo y su altruismo en una situación especial, y principalmente sobre lo que nosotros hubiésemos hecho en este caso.

Una de las fallas de este largometraje es, en mi opinión, la falta de elementos precisos sobre la psicología de los personajes. Creo que no podemos examinar la índole de cada uno, y así las emociones esperadas del público por el director no son tan profundas y los personajes faltan de relieve.

“Lo que nosotros tenemos que discutir es cuales son las consecuencias de nuestras decisiones”. Me parece que esta frase representa bien la película porque hace referencia a la primera prueba en la que uno de ellos es puesto en tela de juicio, cuando su pasado es revelado y que intenta defender su caso para no ser despedido por los demás, y creo que es muy elocuente en nuestra sociedad capitalista que funciona como una empresa.

Por Léa, Mayo 2020

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cada plano ilustra una intención de parte del cineasta

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Viva Cuba, Juan Carlos Cremata Malberti, 2005, cubana: La vida en Cuba bajo la mirada de dos niños.

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Viva Cuba, Juan Carlos Cremata Malberti, 2005, cubana: La vida en Cuba bajo la mirada de dos niños.

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Para mí, el mayor logro de la película es que los niños protagonistas de la historia se convierten en las voces y miradas a través de las cuales el espectador se acerca a la realidad cubana durante la dictadura de F. Castro. Esta mirada pone pues de realce el mundo incomprensible de los adultos. Otro logro es la manera en que se muestra cuán difícil es vivir bajo el régimen castrista. Sin embargo, según yo, la falla reside en que los padres no desempeñan de manera convincente su papel.
«No quiero que juegues con ese chico. perteneces a otro mundo. ». Elegí esta frase porque representa una sociedad dividida por razones económicas y políticas. Y alude a la huída de los dos amigos inseparables que, a pesar de sus diferencias, van a emprender juntos una aventura inolvidable.

Por Antoine

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En tierra extraña, Icíar Bollain, 2014, documental español. Una lucha difícil para los jóvenes españoles. Attention ceci doit accompagner votre capture d'écran il faut donc les rassembler en un même post merci 

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En tierra extraña, Icíar Bollain, 2014, documental español. Una lucha difícil para los jóvenes españoles. Attention ceci doit accompagner votre capture d'écran il faut donc les rassembler en un même post merci 

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Icíar Bollaín ha fijado el objetivo de su cámara en la capital de Escocia, en Edimburgo, para retratar con toda su crudeza el fenómeno de los nuevos migrantes españoles que se exilian en búsqueda de una vida digna luego de la crisis económica por la que estaba pasando el país desde el 2008.

Me parece que el hecho de entrevistar a los testigos uno por uno en privado es un logro de este documental porque podemos claramente percibir las  expresiones y  entender la dura experiencia por la que están pasando lejos de los suyos. Todos echan de menos el sentido del humor, la comida de su lugar natal. Incluso internet no compensa el estar lejos de sus seres queridos. Como dice uno de ellos: “En Skype no compartes los silencios”.
Existe una cita emblemática en este documental que es la metáfora del guante perdido :  ¿Os sentís de alguna manera como un guante sin pareja cuando pensáis en nuestro país? Nosotros sí, como un guante al que han arrebatado su otra mitad, porque algunos, hemos dejado allí: casa, amigos, familia, una vida. Otros nos fuimos porque quisimos, pero sentimos que nos han robado la oportunidad de poder volver. Como decía Miguel de Unamuno "Me duele España".

por  Emilie, Mayo 2020

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La lengua de las mariposas, José Luis Cuerda, 1999, (España): la película perfecta si quieren divertirse y conmoverse al mismo tiempo.

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La lengua de las mariposas, José Luis Cuerda, 1999, (España): la película perfecta si quieren divertirse y conmoverse al mismo tiempo.

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Desde mi punto de vista, la presencia continua de la música española a lo largo de toda la película es el mayor logro porque permite al espectador entender mejor el mensaje  y también ayuda a una mejor comprensión de los sentimientos de los personajes.

Sin embargo, me parece que la mayor falla es la mezcla de temas. Los varios temas abordados hacen que el hilo conductor de la película sea difícil de seguir.

“rojo, rojo, tilonorrinco, espiritrompa": réplica emblemática de Moncho, la protagonista, al final de la película cuando las autoridades se llevan a los comunistas presos mientras todo el pueblo se pone a insultarlos, incluyendo a Moncho. En este momento, nos preguntamos si, al fin y al cabo, todo lo que descubrió Moncho gracias a Don Gregorio, su gran maestro, ha sido o no en vano.

Por Camille, , Mayo 2020

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Kamchatka, Marcelo Piñeyro, 2002, (Argentina): ¿Cómo habría vivido la dictadura militar argentina un niño de 10 años?

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Kamchatka, Marcelo Piñeyro, 2002, (Argentina): ¿Cómo habría vivido la dictadura militar argentina un niño de 10 años?

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A mi modo de ver, el mayor logro de esta película es la ambientación y la presencia de los numerosos símbolos que atraviesan el largometraje. Estos reflejan una realidad para muchos de los que fueron presos políticos tanto en Argentina como en otras dictaduras a en el mundo entero y en los últimos siglos. Una horrible experiencia que tuvieron que sufrir muchos, aislándose de la sociedad y dejándolo todo atrás por tener una ideología diferente a la del régimen imperante y, hasta dieron a veces la vida por ella.

Sin embargo,, en determinadas escenas los actores no transmiten el sufrimiento o preocupación inquietante, adoptando expresiones más bien hastiadas en lugar de sufridas, lo que hace más difícil que nos identifiquemos con ellos. Este es para mí la falla de la película.

"La última vez que lo vi, mi papá me habló de Kamchatka. Y esa vez entendí. Y cada vez que jugué, papá estaba conmigo. Y cuando el partido vino malo, me quedé con él y sobreviví. Porque Kamchatka es el lugar donde resistir." Esta es la última intervención por parte de Harry, el niño protagonista que hace referencia al título del largometraje. Hace alusión al símbolo más importante de la peli que es encontrar un refugio donde conseguir escaparse de la cruel realidad.

Por Juan,
Mayo 2020

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La Voz Dormida, Benito Zambrano, 2011, (España): ¿Cómo sumergirse en el corazón de la España post Guerra civil y en una reconstrucción histórica más o menos realista?

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La Voz Dormida, Benito Zambrano, 2011, (España): ¿Cómo sumergirse en el corazón de la España post Guerra civil y en una reconstrucción histórica más o menos realista?

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Bajo mi punto de vista, el mayor logro de la película es que ésta fue rodada de manera que el espectador tenga la impresión de que está con los personajes en los años 40. Es decir que desde los trajes, a la decoración y hasta el modo de pensar de los personajes : todo nos permite sumergirnos bien en la España bajo Franco.

Y también, el  suspenso, lo permite mantener en vilo al espectador a lo largo de la película.

Sin embargo, en mi opinión, ha habido algunas escenas que no hacían  avanzar mucho la acción que tardó en empezar, creo que lo que falló fue entonces el comienzo de la peli.

“Aquella maldita guerra y todo lo que ocurrió después, nunca debió de haber ocurrido” : la última frase de la película, resume bien todo lo que está en juego . Además, es pronunciado por la hija de Hortensia, la protagonista de la película, que ya ha crecido lo que añade un efecto dramático ya que es la víctima directa de esta "maldita guerra" por la que perdió a su madre después.Y no olvidemos tampoco la frase:

“Antes de la guerra, parecíamos otras”, frase pronunciada por Pepita , la hermana inseparable de Hortensia, que refleja bien todos los cambios nefastos que ha generado la guerra y la posguerra: sus vidas han sido fatalmente trastornadas por los acontecimientos: especialmente la de Pepita quien llega a Madrid inocente y se ve obligada a superar muchos problemas.

Por Naïla, Mayo 2020

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Diarios de motocicleta, Walter Salles, 2004, (latino americano) Mas que una película, un viaje iniciático. 

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Diarios de motocicleta, Walter Salles, 2004, (latino americano) Mas que una película, un viaje iniciático. 

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Me parece que la presencia de tanta variedad en la película, desde el punto de vista de los paisajes, las costumbres, las expresiones y la riqueza lingüística del continente americano  es su mayor logro. De hecho, permite al espectador adherir  totalmente a la aventura de Ernesto Guevara y Alberto Granado ,viajar y descubrir con ellos gran parte de América Latina.

Sin embargo, me parece que falta un poco de acción. En esta carencia reside su mayor falla.

«No es éste el relato de hazañas impresionantes. Es un trozo de dos vidas tomadas en un momento en que se cruzaron en un determinado trecho con idénticas aspiraciones y conjunción de ensueños”. Esta cita me parece ser la que mejor representa la película ya que ha sido extracta del diario de viaje del Che Guevara  además, esta cita marca el principio y el final de la película, de un viaje iniciático que el espectador comparte con el protagonista.

Por Eden, Mayo 2020

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Los Colores de la montaña, Carlos César Arbelàez, 2011 (Colombia). UNA PELÍCULA QUE MEZCLA ALEGRÍA Y GUERILLA

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Los Colores de la montaña, Carlos César Arbelàez, 2011 (Colombia). UNA PELÍCULA QUE MEZCLA ALEGRÍA Y GUERILLA

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Según mi punto de vista, el mayor logro de la película es la dificultad de vida del pueblo cogido entre los guerrilleros y los militares del ejército colombiano. Pero el realizador intenta demostrar utilizando como actores principales niños para alejar el censo dramático de esta película. Los niños no tienen idea del peligro causado por esta guerilla (ver la escena donde el cerdo explota sobre una mina justo al lado del terreno de fútbol). Desde este momento, la vida de los niños se asemeja a a la vida dura y peligrosa de los adultos. Sin embargo, me parece que la falla reside en que el fin de la película está demasiada abrupto por razón a las idas de los alumnos. Ninguna de estas idas estan explicadas. Los días pasan, los alumnos desaparecen y no sabemos porque. Lo tenemos que adivinar por nuestros propios medios.

“Guerrillero ponte el camuflado o muere de civil”. Esta cita resume a ella sola toda la película. El pueblo tiene que destacarse entre estar para la guerilla o contra ella y, entonces, morir. Además, esta cita está pintada sobre la pared de la escuela, lo que quiere decir que hasta la vida de los alumnos está comprometida.
Por Amandine

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La Regenta, Fernando Méndez-Leite, 1995, (España): entre el deber de fidelidad y una pasión amorosa destructora.                     

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La Regenta, Fernando Méndez-Leite, 1995, (España): entre el deber de fidelidad y una pasión amorosa destructora.                     

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La serie la Regenta es una adaptación para la Televisión Española de la novela de mismo título escrito por Leopoldo Alas Clarin .Para mí el mayor logro es la manera minuciosa en la que el cineasta trata acerca de la condición de la mujer y de las diferencias entre las clases sociales en la España de finales del siglo XIX. Pero la mayor falla es que como la vida de la protagonista es monótona, algunas escenas pueden parecer un poco largas.

“Lo juro por mi nombre honrado,antes que esto prefiero verla en brazos de su amante.  Sí,  mil veces sí,  búsquenle un amante,sedúzcanmela;todo antes que verla en brazos del fanatismo”.
Frase emblemática porque bien se ve aquí que la protagonista tiene que escoger entre seguir  su deber  o dejarse llevar por lo que le dicta su corazón entregándose a una pasión  mal vista por la sociedad de aquella época.Para mi cuando dicen « en brazos del fanatismo » quiere decir que si la ven con un amante va a tener consecuencias y que ya no va a ser la mujer “perfecta”.

Por Axel,
Mayo del 2020

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Cría Cuervos, Carlos Saura, 1976, (España): ¿CÓMO SUMERGIRSE EN LA HISTORIA DE UNA RELACIÓN ENTRE UNA MADRE Y SU HIJA, QUE SIGUE HASTA DESPUÉS DE LA MUERTE?

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Cría Cuervos, Carlos Saura, 1976, (España): ¿CÓMO SUMERGIRSE EN LA HISTORIA DE UNA RELACIÓN ENTRE UNA MADRE Y SU HIJA, QUE SIGUE HASTA DESPUÉS DE LA MUERTE?

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Para mí el mayor logro de la película es la ambientación ya que gracias a la casa, a las prendas y el estilo vestimentario y a la actitud de los personajes, podemos sumergirnos en el Madrid de los años 70, en una España franquista y burguesa. Asimismo, el alcance universal es uno de los logros ya que, a través del carácter de los personajes, se destaca el tema de la infancia que se opone al mundo de los adultos. Dos mundos que se enfrentan por el contraste entre percepciones diferentes de la realidad y de la vida, como es el tema de la muerte pero también la noción del bien y del mal que los adultos distinguen pero que los niños no, ya que no conocen los límites de esta frontera.

A mi parecer, la falla reside en la actuación de los personajes ya que no nos permite sentir empatía hacia ellos y por lo tanto tampoco identificarnos realmente. Por otra parte, algunas escenas y enfoques carecen de un sentido claro lo que no hace avanzar la trama de la historia.

"No entiendo como hay personas que dicen que la infancia es la época más feliz de su vida."
He elegido esta frase ya que es la Ana adulta quien opina acerca de su infancia. Aquí, no tenemos una oposición entre la infancia y el mundo de los adultos, sino que Ana hace un vínculo entre los dos. Tenemos la sensación de que ella sigue sintiendo las emociones de su infancia, aunque sí, con una reflexión de adulta.

Pero también porque esta frase tiene un alcance universal ya que algunas personas se pueden identificar con ella  al haber vivido una infancia triste y difícil como Ana.

Por Sabrina, Mayo 2020

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El Bar, Alex de la Iglesia, 2017 (España): ¿CÓMO SUMERGIRSE EN UN AMBIENTE TENSO EN EL QUE SE REVELARÁN LOS INSTINTOS MÁS OSCUROS DEL SER HUMANO? 

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El Bar, Alex de la Iglesia, 2017 (España): ¿CÓMO SUMERGIRSE EN UN AMBIENTE TENSO EN EL QUE SE REVELARÁN LOS INSTINTOS MÁS OSCUROS DEL SER HUMANO? 

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Bajo mi punto de vista el mayor logro de la película es la ambientación, ya que el espectador puede, como los personajes, sentir la desesperación, la angustia y sensación claustrofóbica que da el encierro. Esas emociones son transmitidas gracias a la actuación de los personajes pero también gracias a la forma de rodar y de enfocarlos. El ambiente claustrofóbico es creado también por el propio lugar de rodaje es decir el bar, la reserva del bar y los alcantarillados, en los que tienen que sobrevivir los personajes.  Otro logro, es el lado oscuro del ser humano que el cineasta ha querido mostrar, y que surge de manera distinta en los personajes. Elena demostrará ser alguien reflexivo en cualquier situación mientras que Nacho va a demostrar egoísmo y violencia debido al miedo.

Por otra parte, el mayor fallo son las incógnitas que tenemos del supuesto virus africano que los puede afectar, pero también de la eficacia del antídoto. Sin embargo, esas incógnitas pueden constituir a la vez un detalle interesante de la película, ya que como las personas que se encuentran fuera del bar mirando, a nosotros espectadores nos falta también información.No obstante, sabemos más que ellos dado que hemos sido testigos de lo que realmente ha estado sucediendo en el interior del bar.

“el miedo nos muestra cómo somos realmente”: es una frase que muestra perfectamente el propósito del cineasta: revelar el lado más oscuro del ser humano en una situación caótica.

“como no hay para todos, que se joda el pobre” : me parece también una frase contundente  reveladora de las reacciones humanas en un período de crisis en el que vivimos hoy.

Por Inés Andreu, Mayo 2020.

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Las mujeres de verdad tienen curvas, Josefina Lopez, 2002 : UNA PELÍCULA DE COMPLEJOS SIN COMPLEJOS.

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Las mujeres de verdad tienen curvas, Josefina Lopez, 2002 : UNA PELÍCULA DE COMPLEJOS SIN COMPLEJOS.

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“ - ¿Cómo se atreven a decirme qué aspecto debo tener cuando soy más que unos kilos?

- Quiero que se me tome en serio, que me respeten por lo que pienso y no a lo que aparento”

Para mí, el mayor logro de la película es como hablaron de uno de los temas principales : la gordofobia. Al ser un tema actual, hay que tener mucho cuidado con lo que se dice, y cómo se lo dice. Además de sentir empatía por la protagonista, la película sensibiliza al espectador sobre el tema, sin hacer como en las otras películas donde la respuesta más corriente a la gordofobia es el adelgazar. El tema es entonces considerado como una falla ignorada por la sociedad, lo que representa bien la realidad.  Eso le da un alcance universal importante a la película, que muestra que un complejo no se debe forzosamente corregir sino de asumir, y que de todas formas hay mucho más de una persona que su apariencia.

Otro de los temas es la explotación de los inmigrantes latinoamericanos por las grandes empresas estadounidenses. Es mencionado con la renta que cobran las costureras del taller, en un momento en el que Ana está indignada por el hecho de que solo cobren 18 dólares por un vestido vendido por más de 300 dólares. La hermana mayor cierra los ojos y accepta lo que dicta la sociedad.

Sin embargo, el fallo de la película serían algunas transiciones. Al ser imaginada a partir de una obra de teatro, se nota mucho el cambio de escenas y encuentro que la adaptación se hubiera podido hacer mejor, en particular al principio, con más sutileza.

Por Iris Poiré Hernandez, Mayo 2020.

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Se tratará de :

-empezar por una frase que capte la atención : « cómo divertirse con ... »

-dar las informaciones técnicas: cineasta, actores si son conocidos, fecha de estreno, lugar del rodaje

-hacer una reseña breve sin contar el desenlace

-hacer tu propia valoración. Este es el punto más importante que tiene que durar la mitad del tiempo impartido: LOGROS y FALLAS de la película.

Parámetros  :

-ambientación (lugar y música)

-actuación

-tratamiento del tema  (manera de rodar, crear suspense, empatía con los personajes, planos...)

-alcance de la película: dimensión universal o no, incitación a una reflexión sobre el mundo que nos rodea etc