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Que dire à part que cette fresque réalisée par le crew A'shop est tout simplement magnifique. Il aura fallu pas moins de 16 jours, 500 bombes de couleurs différentes et 5 artistes acharnés, pour arriver à bout de ce graffiti inspiré de l'art nouveau et surtout du peintre tchèque Alfons Mucha. La mairie de Montreal a laissé carte blanche au crew pour inscrire une oeuvre unique sur le mur de leur ville. Une idée qui devrait faire réfléchir, j'espère, plus d'institutions pour décorer certaines parties moroses de nos grandes villes.

Tristan.

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Merveilleuse fresque inspirée de l'art nouveau - Journal du Design

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Si je posais de l'art nouveau sur un mur? Que dire à part que cette fresque réalisée par le crew A'shop est tout simplement magnifique.

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L'architecte catalan Antoni Gaudí i Cornet est célèbre dans le monde entier pour son immense talent et son leadership en matière de modernisme. Cet architecte génial a inventé un langage architectural unique, personnel et sans précédent qu'il est toujours difficile de qualifier.

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Enfance d'Antoni Gaudí

Selon certains biographes, Antoni Gaudí serait né en 1852 à Reus tandis que d'autres situent sa naissance à Riudoms, village situé à proximité de Reus dans lequel ses parents passaient l'été. Issu d'une famille de chaudronniers, c'est dans l'atelier familial, en aidant son père et son grand-père, que le jeune Gaudí apprit à maîtriser l'espace et les volumes. Très jeune, il fit preuve d'une grande capacité pour concevoir des espaces et transformer les matériaux, qualité qui allait faire de lui le véritable génie de la création en trois dimensions tel qu'on le connaît aujourd'hui.

De santé délicate dans sa jeunesse, il dut séjourner de longues périodes dans la maison de Riudoms où il passait des heures et des heures à contempler et à mémoriser tous les secrets de la nature qu'il considérait comme l'œuvre suprême du Créateur et donc comme celle qui lui avait tout appris et qui lui avait transmis la connaissance.

Ainsi, pour Gaudí, l'essence et le sens même de l'architecture devaient s'inspirer des modèles offerts par la nature tout en respectant ses lois. Il ne s'agissait pas de la copier mais de suivre son cours à travers un processus de coopération et, dans ce contexte, faire de son architecture l'ouvrage le plus beau, le plus durable et le plus efficace possible. Ainsi, Gaudí affirmait : " L'originalité consiste à revenir aux origines. "

Études d'architecture

En 1870 il partit vivre à Barcelone pour suivre ses études d'architecture tout en travaillant pour pouvoir se payer ses études. L'étudiant Gaudí fut assez irrégulier mais il montrait déjà des signes de génie qui lui ouvrirent vite les portes de la collaboration avec certains de ses professeurs. Lorsque, en 1878, il finit ses études à l'École d'architecture, le directeur, Elies Rogent, déclara : " Je ne sais pas encore si nous avons donné ce diplôme à un fou ou à un génie, l'avenir nous le dira. " Il était indéniable que les idées de ce jeune homme ne ressemblaient en rien à ce qui avait été fait jusque là et qu'elles ne laissaient personne indifférent.

" Je ne sais pas encore si nous avons donné ce diplôme à un fou ou à un génie, l'avenir nous le dira. "

Après avoir obtenu son diplôme, Gaudí se mit à son compte et installa son cabinet rue del Call à Barcelone où il commença avec beaucoup d'entrain à produire ce qui allait devenir une œuvre architecturale très originale dont une grande partie fait aujourd'hui partie du patrimoine de l'humanité. Mais c'est en 1878 qu'eut lieu une des rencontres les plus productives de l'histoire tant sur le plan de l'amitié que sur celui du mécénat. Le hasard voulut en effet que l'artiste et Eusebi Güell, grand pourvoyeur de l'industrie du pays et grand amateur d'art, croisent le même chemin. Dés le début, leur relation alla bien au-delà de la simple relation client-architecte et se transforma très vite en une admiration mutuelle ponctuée de passions partagées qui donna naissance à une amitié grâce à laquelle l'architecte put entamer un véritable parcours professionnel où il allait pouvoir développer toutes ses qualités artistiques.

Au-delà de sa relation avec Güell, Gaudí se vit confier une grande quantité de travaux et dessina de nombreux projets. Heureusement pour nous, beaucoup d'entre eux virent le jour même si certains autres restèrent dans les tiroirs de l'artiste.

Durant la période de maturité de l'architecte, les œuvres majeures se succédèrent : la tour Bellesguard, le Park Güell, la restauration de la cathédrale de Majorque, l'église de la Colonia Güell, la Casa Batlló, La Pedrera et enfin la Sagrada Familia.

Curieusement, alors qu'il était au sommet de son génie architectural, la personnalité de Gaudí commença progressivement à se modifier en profondeur. Il abandonna en effet sa jeunesse de dandy aux goûts raffinés, amateur de théâtre, de concerts et de tertulias pour s'éloigner de la vie sociale, se contenter de repas frugaux et même négliger son aspect physique et se rapprocha de plus en plus de la religion et du mysticisme.

Mort d'Antoni Gaudí: Dernier adieu

Il mourut le 10 juin 1926, renversé par un tramway alors qu'il faisait, comme chaque soir, le trajet entre l'église de Sant Felip Neri et la Sagrada Familia. Après avoir été heurté, il perdit connaissance et personne ne se douta que ce vieillard sans papier et d'apparence plutôt négligé était le célèbre architecte. Il fut transporté à l'hôpital de la Santa Cruz où il fut reconnu plus tard par le curé de la Sagrada Familia. L'enterrement eut lieu deux jours plus tard dans la Sagrada Familia après des funérailles auxquelles assistèrent un très grand nombre de personnes. Une grande partie des Barcelonais sortirent en effet dans la rue pour rendre un ultime hommage au mondialement connu Gaudí, l'architecte de la ville.

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Antoni gaudi biographie | Casa Batlló d'Antoni Gaudí, Barcelone

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L'architecte catalan Antoni Gaudí i Cornet est célèbre dans le monde entier pour son immense talent et son leadership en matière de modernisme. Cet architecte génial a inventé un langage architectural unique, personnel et sans précédent qu'il est toujours difficile de qualifier.

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Gaudi was a man of simple ideas and common sense. In his architecture it fuses structure and decoration. He clearly accepted nature as his guide. All aspects of his work evince this. It does not copy the nature but that includes/understands its geometry and its principles: it has infinity of forms that can be studied by means of regulated geometry; he studies the laws of statics and dynamics like example the natural structures of fibrous composition, such as rushes, canes and bones. His interest in nature was in three dimensional forms, rather than in two dimensional and he was interested primarily in nature's inner forces, which expressed themselves on the surface. This can be seen in the tilted columns and the warped walls supporting the roof of the chapel in the Colony Guell, or the doorway and columns of the Mila house.

If the nature always works looking for functional solutions, since it is put under the inexorable law of the gravity, he is very wise to study the natural structures that during million years have had a perfect operation. Knowing the essence these structures, it was intention of Gaudi to take them to the land of the construction.

Helicoid is the form that takes the trunk from the eucalyptus, and Gaudi used in the columns of the Teresiano School. The hyperboloid is the form of femur, and Gaudi used in the columns of the Sagrada Family. The conoid is frequent form in the leaves of the trees, and Gaudi used in the covers of the Provisional Schools of the Sagrada Familia. Parabolic the hyperbolic one is the form that adopts the sinews between the fingers, and Gaudi applied it in the vaults of crypt of the church of the Güell Colony.

Tree vs columns of Sagrada Familia Cathedral, structures subjected to compressive and bending stress have branching systems with increasing slenderness as a result of the higher stability due to bundling. These are of equal proportions on all branching levels. Branching structures are used to transmit forces which attack in space in a distributed manner. The three-dimensional growth of trees follows the same forming principles due to the biological necessity to occupy free unshaded spaces. The branched structure results in a favourable structural system, in addition to making optimum use of the available surface. The elements verticalizing the resulting forces are interior in the Sagrada Familia cathedral, these columns resemble trees and are divided into several branches at certain heights. This comparison of columns to trees has often been made in reference to Gothic cathedrals, but the parallel is not exact as trees support independent loads, while the columns of the gothic cathedrals do not. On the other hand, it holds good for the Sagrada Familia where each branch of a column and the column itself only support one particular section of the superstructure, roof and ceiling, independently from the rest. Each branch of the tree-column is directed towards the centre of gravity of the section of the vault that it is supposed to carry. Their shapes are hyperboloids and hyperbolic paraboloids.

Trunk of a sweet chestnut tree vs parc Guell columns. In the parc Guell columns and the Sagrada Familia cathedral either, Gaudi made use of a warped surface, the helicoids. This helicoid form was specially applicable to columns, since columns are probably in their origin derived from tree forms and the tree grows in a similar way, Gaudi planed all the columns for the Sagrada Familia using this form and made many models and studies for these helicoid generated columns. Their sections vary, some are polygonal, regular and irregular, others star shaped. He chose warped surfaces because model makers and masons can construct them easily, as both the hyperboloids.

Human bones, tibia and fibula vs Batllo house columns.

Towers of the Sagrada Familia Cathedral. In the course of time, as Gaudi's work developed, the influence of natural forms became more noticeable in his larger shapes. He no longer applied them decoratively as he did in his early buildings. Natural shapes created to resist wind and weather require sound structures. Shell shapes that have these qualities may have inspired the towers of the Sagrada Familia. Their curves follow similar mathematical formulas.

Spiral Staircase into the towers of the Sagrada Familia Cathedral vs Perisphinctes spiral shell. The helical form is universal, existing in every form of matter. From the microcosmic, atomic structure of crystal growth to the molecular structure of DNA to the macrocosmic spiral form of galaxies.

Inverted Catenary arches in Casa Mila building vs rips. After the careful study of the structure of skeletons of animals, plants or shells, he found fresh forms which he adopted as guides, after mathematical computations had proved them to be right for his purpose.
The Hanging Model
Between 1889 and 1908 Gaudi designed the Colonia Guell Church with a highly innovative method: the hanging model. With the model inverted, a very lightweight masonry brick structure was developed.

The hanging model is based on the theory of the "reversion of the catenary." A chain suspended from two points will hang spontaneously in the shape of a so-called "catenary". Only tension forces can exist in the chain. The form of the catenary upside down gives a perfect shape for an arch of stone masonry, and in such an arch only reversed forces of tension, being compression, will occur.

In Gaudi's hanging model a system of threads represents columns, arches, walls and vaults. Sachets with lead shot resemble the weight of small building parts.

Gaudi spent ten years working on studies for the design, and developing a new method of structural calculation based on a stereostatic model built with cords and small sacks of pellets. The outline of the church was traced on a wooden board (1:10 scale), which was then placed on the ceiling of a small house next to the work site. Cords were hung from the points where columns were to be placed. Small sacks filled with pellets, weighing one ten-thousandth part of the weight the arches would have to support, were hung from each catenaric arch formed by the cords. Photographs were taken of the resulting model from various angles, and the exact shape of the church's structure was obtained by turning them upside- downobtaining therefore the form, absolutely precise and exact, of the structure of the building, without to have conducted no operation of calculation and without possibility of error. The forms of cords corresponded to the lines of tension of the prim structure and when investing the photo, the lines of pressure of the compressed structure were obtained. An absolutely exact and simple method, giving an example of the intuitive and elementary methods that Gaudi applied in its architecture and that allowed him to obtain balanced forms very similar to which it offers the nature.

Links

gaudiclub
http://www.gaudi2002.bcn.es

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Gaudi was a man of simple ideas and common sense. In his architecture it fuses structure and decoration. He clearly accepted nature as his guide. All aspects of his work evince this.

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Vous avez cherché pour Shylight par Studio DRIFT - Journal du Design

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Maison de villégiatures en Bavière par Studio Yonder

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La Rose Chair, icône de l'éditeur Edra, célèbre ses 20 ans avec le label italien. Zoom sur le modèle star de la collection Flower.

Kitsch, ce fauteuil en forme de pétales de rose ouverts ? Culte, surtout. Créé par le Japonais Masanori Umeda, il fut présenté pour la première fois pendant la Tokyo Design Week de 1988, au côté de toute une collection de sièges-fleurs, parmi lesquelles Getsuen, un fauteuil évoquant le lys royal, ou Anthurium, un tabouret bien nommé au pistil ostentatoire. Ils sont repérés par Massimo Morozzi, directeur artistique de la marque italienne Edra, qui décide de les mettre au catalogue en 1991, après une première présentation qui fit sensation dans le quartier de la Brera, pendant le Salon du meuble de Milan. Nul autre que cet homme éclairé, au goût affûté, ex-designer du groupe Archizoom, n'aurait pu avoir l'idée d'éditer ce fauteuil a priori difficile à vendre. Vingt ans plus tard, la Rose Chair et ses avatars floraux sont toujours bien présents ; un miracle au regard des milliers d'objets exposés chaque année au Salon du meuble de Milan et aussitôt oubliés. Sa force tient peut-être à son aspect figuratif, très " premier degré ". Peut-être aussi à son concept efficace. "La fleur est un concentré de beauté organique, explique le designer. Et mes fleurs sont ma traduction du kyosei, le concept japonais de vie en harmonie avec la nature." A l'origine recouverte de velours rouge, la Rose Chair renvoie à une sensualité frivole mêlée d'un humour et d'une extravagance hérités des années 80. Fan d'Ettore Sottsass, auprès de qui il a débuté sa carrière chez Olivetti dans les années 70, Umeda a en effet été fortement influencé par le créateur italien. Dans leseighties, il le suit chez Memphis, un collectif milanais d'avant-garde, où il retrouve Shiro Kuramata, autre designer japonais influent, lui aussi inspiré par les fleurs. Mais le secret de la Rose Chair est peut-être à chercher ailleurs : "Ma femme est une passionnée de fleurs, raconte Umeda. Notre petit jardin botanique au milieu de la métropole explose de couleurs chaque année, au point que les gens se déplacent pour venir le voir au printemps. Je me souviens, un soir de pleine lune, avoir été ému par une fleur bleu ciel à cinq pétales, une kikyo chinoise éclose dans un coin du jardin. C'est à ce moment précis que mon idée de la collection Flower a germé." A l'occasion de ses 20 ans, Edra propose la Rose Chair en édition limitée version cuir or ou satin rouge, et le Getsuen en bleu profond. Cette collection poétique, sensuelle et confortable demeure un best- seller de l'éditeur italien, prouvant que le bon design sait dépasser les modes.

Jusqu'au 28février, chez My Design, 75, quai de la Gare, 75013 Paris (01.44.97.99.08). Prix sur demande.

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La Rose Chair, icône de l'éditeur Edra, célèbre ses 20 ans avec le label italien. Zoom sur le modèle star de la collection Flower. Kitsch, ce fauteuil en forme de pétales de rose ouverts ? Culte, surtout.

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Titre : JOB.
Auteur : Alfons MUCHA (1860 - 1939)
Date de création : 1898

Date représentée :

Dimensions : Hauteur 150 - Largeur 101

Technique et autres indications : Lithographie en couleur

Lieu de Conservation : Musée de la publicité site web

Contact copyright : © Musée de la Publicité, Paris - Tous droits réservés

Référence de l'image : JOB12443,1

JOB.

http://www.histoire-image.org/fr/etudes/mucha-chantre-nouvelle-affiche-publicitaire

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Contexte historique

1850, l'affiche s'affiche

Si l'affiche fait son apparition au XV e siècle, peu après l'invention de l'imprimerie, elle est essentiellement utilisée par les autorités comme média d'information. Il faut attendre 1796 et la mise au point par l'Allemand Senefelder de la lithographie pour qu'elle soit diffusée plus largement et que son usage se diversifie. Au milieu du XIX e siècle, la révolution industrielle, l'urbanisation croissante et le perfectionnement des techniques de production fournissent à l'affiche moderne sa raison d'être. La " réclame " envahit les murs des villes, et l'affiche devient un média de premier plan pour vanter les mérites des produits les plus divers. Les grandes maisons de l'époque comme les biscuiteries Lefèvre-Utile - fabricants du déjà célèbre " Petit-Beurre LU " - ou Nestlé, les champagnes Ruinart, les cognacs et spiritueux Rémy Martin font appel aux affichistes. Si dans les villes des espaces muraux sont spécifiquement réservés aux affiches, la plupart sont placardées un peu partout et de façon sauvage. L'affichage mobile se développe également, avec le fiacre-réclame et l'homme-sandwich qui sillonnent la ville.

Alfons Mucha, qui est sorti de l'anonymat en 1894 grâce à la réalisation de l'affiche " Gismonda " pour Sarah Bernhardt, est salarié de l'imprimeur Champenois, une des plus grandes maisons de la période 1880-1910, qui fut notamment à l'origine des panneaux décoratifs.

Analyse des images

Le style Mucha

Cette affiche (1898) est la seconde que Mucha réalise pour la marque de papier à cigarette Job. La première date de 1896. S'inspirant ici d'une des sibylles de la fresque peinte par Michel-Ange dans la chapelle Sixtine, il place la jeune femme au centre de sa composition et l'inscrit dans un cercle qui la cadre dans l'image. Elle porte une robe aux replis compliqués, qui dénude le haut de son buste et une partie de sa jambe gauche. Belle, langoureuse, envoûtante et aérienne, la " femme Mucha " n'est que courbes et arabesques. Très représentatives du vocabulaire graphique élaboré par l'artiste, les boucles de son abondante chevelure viennent sensuellement s'enrouler autour de son corps. D'un pinceau virtuose, Mucha enrichit son sujet de longues vrilles et volutes, effet typique que certains critiques qualifieront alors ironiquement de style " macaronis ". Véritable objet du désir, la femme est érigée en machine à vendre. Mucha travaille les trois lettres de la marque Job jusqu'à en faire un élément décoratif. Dès lors très raffiné, il apparaît discrètement en fond d'affiche et sur l'étui du papier à cigarette. Avec la broche qui orne sensuellement la robe de la jeune femme, il accède même au rang de bijou à part entière. Le nom de la marque ainsi traité s'intègre avec subtilité à l'œuvre de l'artiste.

Interprétation

L'affichomanie

Grâce au prix modique des affiches et des panneaux décoratifs, tirés à un grand nombre d'exemplaires, toutes les couches de la société de la Belle Époque peuvent en acquérir. Leur large diffusion doit beaucoup à la chromolithographie, procédé qui permet de reproduire les images, en couleur et en un temps réduit. L'affiche publicitaire devient dès lors une œuvre d'art accessible à tous : " J'étais heureux de m'être engagé dans un art destiné au peuple et non aux salons fermés. C'était bon marché, à la portée de tous et trouvait sa place aussi bien chez les familles pauvres que dans les milieux aisés ", explique Mucha. Les éditions les plus chères seront imprimées sur satin, vélin ou japon, mais les acheteurs peuvent aussi se procurer des affiches imprimées en huit couleurs, moins coûteuses, ou sur carton. Dès lors l'art entre dans la vie et nombre de collectionneurs se ruent sur les affiches : l'écrivain Octave Uzanne donne à cet engouement le nom d'" affichomanie ", qui apparaît dès les années 1880. Détournées de leur fonction première, les affiches sont souvent vendues par des galeristes ou des collectionneurs qui n'hésitent pas à soudoyer les colleurs d'affiches pour obtenir les dernières nouveautés. Une grande manifestation organisée par Ernest Maindron, le premier historien de l'affiche, se tient à Paris lors de l'Exposition universelle de 1889.

La vogue de l'affiche suscite plusieurs publications comme L'Affiche en 1891, L'Estampe et l'affiche en 1897 ainsi que Le Courrier français qui édite des affiches en format réduit. Sous l'impulsion de Champenois, l'art de Mucha se décline sur une multitude de supports : panneaux décoratifs, calendriers illustrés, cartes postales, vignettes, programmes de théâtre, menus... Mais le rythme effréné que lui impose l'imprimeur s'avère néfaste pour sa créativité. Mucha se contente bientôt de varier attitudes, gestes, figures, mais ne parvient plus à se renouveler véritablement. Cette surabondance, cette édition de masse, finissent par lasser le public qui, peu avant 1900, se désintéresse de cet art publicitaire. Au final, l'engouement n'aura duré qu'une trentaine d'années. Après une décennie de création d'affiches, Mucha réalise les frises du Pavillon de la Bosnie, édifié à l'occasion de l'Exposition universelle de 1900, puis il part aux États-Unis et s'attelle à un projet qui lui tient à cœur depuis longtemps : la peinture de son immense " Épopée slave ", fresque en vingt tableaux qui relate l'histoire des peuples slaves.

Alain WEILL, L'Affiche française, Paris, P.U.F., 1982.
Alain WEILL, Affiches Art Déco, Paris, Inter-livres, 1990.
L'Affichomanie : collectionneurs d'affiches, affiches de collection, 1880-1900, catalogue de l'exposition du musée de l'Affiche, 22 janvier-5 mai 1980, Paris, Musée de l'Affiche, 1980.
Art & pub : Art & publicité 1890-1990, catalogue de l'exposition du musée national d'Art moderne, 31 octobre 1990-25 février 1991, Paris, Éd.
du Centre Georges-Pompidou, 1990.

Isabelle COURTY, " Mucha, chantre de la nouvelle affiche publicitaire ", Histoire par l'image [en ligne], consulté le 17 Mai 2018. URL : http://www.histoire-image.org/fr/etudes/mucha-chantre-nouvelle-affiche-publicitaire

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Mucha, chantre de la nouvelle affiche publicitaire

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1850, l'affiche s'affiche Si l'affiche fait son apparition au XVe siècle, peu après l'invention de l'imprimerie, elle est essentiellement utilisée par les autorités comme média d'information. Il faut attendre 1796 et la mise au point par l'Allemand Senefelder de la lithographie pour qu'elle soit diffusée plus largement et que son usage se diversifie.

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Rien de plus doux qu'un battement d'aile pour se rafraîchir, c'est ce que propose le nouveau projet du studio Allemand Bionic Motion. Ce concept fortement inspiré par la nature s'articule sur des idées écologiques (très faible consommation) mais aussi très design.

Rien de plus doux qu'un battement d'aile pour se rafraîchir, c'est ce que propose le nouveau projet du studio Allemand Bionic Motion. Ce concept fortement inspiré par la nature s'articule sur des idées écologiques (très faible consommation) mais aussi très design.

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DESIGN >>> i:wing / Ventilateur par Bionic Motion - Journal du Design

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i:wing Rien de plus doux qu'un battement d'aile pour se rafraîchir, c'est ce que propose le nouveau projet du studio Allemand Bionic Motion. Ce concept fortement inspiré par la nature s'articule sur des idées écologiques (très faible consommation) mais aussi très design. Rien de plus doux qu'un battement d'aile pour

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Petit Poucet from florian dach on Vimeo. Petit Poucet est ce que l'on pourrait appeler une lampe de réveil. En effet en partant du constat que nos systèmes d'éclairage domestique n'étaient pas adaptés à une situation de réveil nocturne, cette lam...

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View Slideshow

When it comes to design, mother nature has a lot to teach us. The field of Biodesign has emerged as an exciting new discipline which integrates the best ideas from nature with the cutting edge of modern technology, fostering technological breakthroughs that could allow us to live better lives, more in harmony with our environment. We recently invited architects and designers from all across the world to submit their wildest visions for a Biodesigned future, and they delivered so much creativity and ingenuity that it was extremely difficult to narrow it all down to a short-list and then determine a winner. From algae structures, to aquaponic fish homes, to self-healing homes, we were thoroughly impressed by the entrants of our Biodesign Competition. And the winner is...

Chlorella Oxygen Pavilion by Adam Miklosi

Designer Adam Miklosi was inspired by the concept of symbiosis to create a futuristic oxygen bar called the Chlorella Pavillion which would allow tired people to enter, relax, and fill up on energizing, oxygen-rich air. Miklosi proposes piping living algae through the structure to create a swirling "algae fountain" throughout the exterior and interior of the space. Like all photosynthesizing organisms, algae naturally consumes CO2 and produces oxygen through respiration. Humans relaxing (and breathing) in the space would give the algae the CO2 it needs to survive, and, in turn, the algae would give Chlorella Pavilion visitors an extra oxygen boost.

Chlorella Oxygen Pavilion by Adam Miklosi

The Chlorella Pavillon was the category winner for 'Healing Spaces' in addition to being selected by the judges as the Grand Prize Winner. Designer Adam Miklosi's algae pavilions are built with molded beech wood and covered with a semi-transparent isolating film. Each pavilion is designed to live and breath interdependently with humans using photosynthesis - exhaled carbon dioxide and fresh oxygen mixes in the central algae fountain. The algae-filled water then circulates in tubes spiraling around the structure that soak up sunlight. Each pavilion is meant to be a "temple of relaxation" in a hectic urban environment.

Self Healing House by Raynaldo Theodore, Maria Vanessa, and Rama Dwi Wahyu, and Edwin Indera Waskita

Designers Edwin Indera Waskita, Raynaldo Theodore, Maria Vanessa, and Rama Dwi Wahyu's Self-Healing House explores the value of social sustainability by fostering communities in which humans, animals, plants, and the environment benefit from a mutual symbiosis. The proposal transforms marginalized city spaces into dynamic and productive zones (like urban farms) to ensure positive and sustainable social growth. The Self-Healing House relies on community participation to improve both the quality of life of inhabitants and ecological balance, and it benefits residents through improved resource distribution. The Self-Healing House is wrapped in an "ecological skin" of mosses and plants which provide a source of food and water for birds. In exchange, by depositing new seeds and plant life, birds will encourage new growth of the skin.

Aquaponic Future Housing by Mihai Chiriac:

Aquaponic Future Houses are 3-story homes made out of 3D-printed biodegradable vegetable-based bioplastic, housing living plants and fish in a closed-loop system, where the plants feed the fish, the fish feed the plants, plants produce oxygen for the home's inhabitants and the fish produce food. In order to create a more sustainable environment, the building uses built-in hydroponics and aquaculture for growing food at home. The home is intended for neglected urban spaces to help urban dwellers live a greener, healthier life.

Jellyfish Lodge by Janine Hung:

The Jellyfish Lodge proposes to rehabilitate the world's most polluted river slums by removing waste, treating water, growing food, and purifying air all through solar power. The structure's jellyfish-inspired tentacles will remove garbage from the water while testing water toxicity levels, and microbial digestion chambers within the design will break down harmful microorganisms before returning treated water to the river. An aquaponics system would produce food for nearby residents.

Oculus emergency shelter by Chalmers University of Technology:

Oculus is a prototype for a rapidly deployable shelter inspired by the Beehive house - a traditional Syrian dwelling with bionic geometry. With a focus on material efficiency, the Oculus is a small den-style single-family unit made of expanded polystyrene (EPS). The dwelling consists of 29 rings set inside each other to form a stepping shell structure. The prototype was developed by 4 students at Chalmers University of Technology in Sweden focusing on material efficiency, off-site manufacturing and low-tech assembly. It was developed as a case study through work with the Al-Zataari camp in Jordan.

Algaevator urban revitalization by Jie Zhang and Tyler Stevermer:

The Algaevator inserts an algae farm into a weather-tight, transparent and lightweight roofing system that can be used in abandoned buildings to help revitalize urban environments. The algae can be used for various applications in consumer products and alternative fuels. The Algaevator's funnel shape optimizes sun exposure for algae production and can also harvest rainwater for additional sustainability.

Hybrid Fibrous Morphologies by Ruxandra Gruioniu:

Ruxandra Gruioniu's Hybrid Fibrous Morphologies project seeks to create a new bio-integrative material system out of fungus. Gruioniu experimented with fusing living and non-living matter to develop a cost and energy-efficient architectural solution that resembles the biological model. Fungus is a very simple multicellular microorganism consisting of numerous filaments (hyphae) that have the ability to branch out and reconnect with each other to form a biological transport network over a manmade structure, such as a metal lattice.

Urban Pure BioTower Dennis Dollens:

Urban Pure: BioTowers are environmentally-friendly buildings for housing, schools, or offices. The design for the towers was inspired by the shape of plants and trees to support healthy living. Enhanced using synthetic biology, AI, and biorobotics, BioTowers "eat" air pollution while contributing energy and green spaces to modern cities.
+ Inhabitat Biodesign Competition

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biodesign competition to ideate the x-prize for regenerative building

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Biodesign Competition winners announced - algae takes center stage

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View Slideshow When it comes to design, mother nature has a lot to teach us. The field of Biodesign has emerged as an exciting new discipline which integrates the best ideas from nature with the cutting edge of modern technology, fostering technological breakthroughs that could allow us to live better lives, more in harmony with our environment.

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Lampe "Mushroom Lamp" by Simon Duff - Blog Déco Design

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La lampe champignon a été designée par Simon Duff. Outre le design particulier de cette lampe à poser sur le sol, les matériaux utilisés sont très " vert " avec un éclairage basse tension avec de LED, de la résine ABS recyclée, et du polymère organique bio-dégradable...

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Luigi Colani est un designer allemand, né en 1928, qui travailla pour différents grands groupes d'automobiles, d'aviations, et de photographie. Il est l'inventeur du bio-Design. Ses conceptions sont souvent restées à l'état de prototypes mais font évoluer le Design à travers le temps.

Le bio-Design est un design qui s'attache à la ligne produite par les formes de la nature. En effet, la nature a une grande adaptabilité à son environnement et c'est cette relation qu'utilise Luigi Colani dans son travail de designer.
Il a fait ainsi évoluer la forme et l'ergonomie des objets, en créant une relation entre l'homme et ce qu'il utilise.
Il est bien évident que si l'objet est naturellement adapté au corps de l'homme, il devient facile d'utilisation et prend le statut d'une prothèse ou d'une prolongation du corps.

Différents prototypes réalisés par Colani

L'ergonomie à l'extrême pour Canon :

Ce designer a été engagé dans les années 80 par Canon, pour prévoir le futur de l'objet en photographie. En respectant son concept de bio-Design et en poussant la relation homme objet à l'extrême, Luigi Colani a réalisé 5 prototypes d'appareils photographiques, dont deux concernant la photographie et la vidéo sous marine. Ces 5 prototypes sont désormais dans la collection Design du centre Georges Pompidou à Paris.
Il est aussi le concepteur du célèbre Canon T-90.

Nous voyons donc ici le Canon Homic et le Canon Frog , cameras vidéo dont le flash et l'écran sont placés dans l'axe de la lentille, le Hy-pro, le C-Bio, le Lady .
Nous constatons ici le rapport de formes entre la nature et l'objet et plus largement le rapport entre l'utilisateur potentiel et l'ergonomie dédiée à son corps.

Pour finir, le Canon T-90, lui, n'est pas resté à l'état de prototype et a été commercialisé. Évidemment, son look et son ergonomie sont moins déroutants pour la consommation de masse.

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Lomography - Luigi Colani, le bio-Design et les prototypes Canon

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Luigi Colani est un designer allemand, né en 1928, qui travailla pour différents grands groupes d'automobiles, d'aviations, et de photographie. Il est l'inventeur du bio-Design. Ses conceptions sont souvent restées à l'état de prototypes mais font évoluer le Design à travers le temps.