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Selfie: una nuova parola per un desiderio antico

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Selfie: una nuova parola per un desiderio antico

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Tra i neologismi della lingua italiana più accreditati degli ultimi anni balza alle orecchie l’inglese selfie, nel 2013 scelto come parola dell’anno dall’Oxford English Dictionary. Nato dall’unione dell'inglese self 'sé' e dal suffisso diminutivo -ie, il termine indica una fotografia fatta a se stessi, un autoscatto solitamente realizzato con uno smartphone e poi condiviso sui social network.
Una pratica dilagante, con 93 milioni di selfie scattati ogni giorno. Favorita dall'avvento di tecnologie che permettono a chiunque di scattarsi una fotografia e condividerla con un pubblico potenziale, questa pratica ha però radici antiche: pittori, scultori e fotografi si sono cimentati con il tentativo di autorappresentarsi e "immortalarsi", sottraendo allo scorrere del tempo ciò che è insitamente transeunte: noi stessi.

Uno scatto del 2014 raccolto nel contesto dell'iniziativa Museum Selfie Day lanciata da Twitter: una ragazza interagisce con un'opera di Anish Kapoor generando "un filtro fotografico" inedito forse ispirato dai lavori dell'artista americano Chuck Close.

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Benché prima del Rinascimento l’autoritratto non costituisse un genere autonomo, nell’arte antica non mancano esempi di rappresentazione di sé da parte di pittori, scultori e artigiani: l’uso della propria immagine, in quest’epoca, equivale all’affermazione di paternità di un’opera, all’apposizione simbolica della propria firma.
I più antichi autoritratti di cui si abbia testimonianza hanno ormai tre millenni e provengono dall’Antico Egitto.

L’Autoritratto con la moglie Taheri, scolpito più di 3000 anni fa da Bak, scultore capo del faraone Akhenaton (1325-1336 a.C.), è considerato uno dei primi autoritratti della storia.

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Per usare i Moduli Google nelle proprie Google Classroom e, quindi, ricevere in modo automatico i risultati degli studenti, i moduli vanno copiati nel proprio spazio Google Drive e condivisi da lì mediante link. Il modulo nel vostro Drive sarà anche completamente modificabile. Per copiare i moduli vai ai seguenti link:

CLIL - Self-portraits and selfies

Un esempio di autoritratto medievale

L'autoritratto romantico

I molti volti di Van Gogh

Genio e follia: gli autoritratti di Edvard Munch

CLIL - Andy Warhol's self-portrait

Tra i quadri più noti al mondo e diventati vere e proprie icone, un posto di primo piano spetta a Ragazza col turbante dell'artista olandese Jan Vermeer. Tra le tante riproposizioni e reintereptazioni, non poteva mancare quella in stile "selfie", diffusa in rete dieci anni fa e presto diventata virale.

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Materiali a cura degli autori del corso di Storia dell’Arte Capire l'arte (Secondaria di Secondo Grado).
Coordinamento: Silvia Gadda
Redazione: Giulia Baccanelli
Il Padlet e tutti i suoi contenuti  sono sotto licenza CC BY-NC-SA (uso con obbligo di citazione, fini didattici non commerciali, condividi allo stesso modo).

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L'opera è organizzata secondo una struttura che aiuta lo studente a orientarsi e si offre come un modello di pensiero logico e critico.

All'inizio di ogni volume la sezione Metodi e strumenti presenta e approfondisce un aspetto metodologico relativo all'analisi, all'interpretazione e alla conservazione del patrimonio artistico.

I volumi sono suddivisi in parti, corrispondenti ai grandi periodi storico-artistici. Ogni parte si apre con una introduzione che chiarisce il contesto geostorico e richiama i prerequisiti per lo studio dei nuovi argomenti, sintetizzando inoltre i contenuti che saranno oggetto di studio nei capitoli successivi permettendo di collocarli in un orizzonte di senso più ampio.

In ogni capitolo una prima sezione tratteggia gli eventi e i temi cruciali, quindi la trattazione procede in forma narrativa privilegiando i grandi autori e l' analisi delle opere.

Grandi immagini con schemi e particolari vanno di pari passo con il testo per permettere un passaggio agevole fra lettura e osservazione. Schemi e particolari aiutano l'analisi compositiva e la lettura di aspetti specifici. Le didascalie indicano autore, titolo dell'opera, datazione, tecnica, misure e collocazione attuale; dove necessario, la didascalia è completata con indicazioni relative alla storia dell'opera e a eventuali aspetti tecnici o conservativi di particolare rilievo.

I capolavori dell'arte sono al centro di ampie pagine dedicate:

* la scheda Opera zoom offre un modello di analisi formale e un' interpretazione critica di dipinti, sculture, architetture;

* la scheda Opere a confronto guida allo studio comparativistico.

Focus tematici approfondiscono poi aspetti specifici e tecnici o percorrono in modo diacronico i grandi temi dell'arte. Queste schede sono pensate per individualizzare la didattica e per una lettura multilivello.

Parallelamente le schede Tipologie e forme dell'architettura lavorano su tipologie di edifici che hanno segnato la storia dell'architettura e della società occidentale, evidenziandone origine, bisogno e valore sociale, funzione, caratteri, evoluzione nel tempo.

In affiancamento al corso sono disponibili inoltre:

* la versione digitale dei volumi di Vittorio Gregotti, Studi di architettura, cui si accede attraverso l'utilizzo del codice alfanumerico del coupon apposto sul frontespizio del manuale;

* un volume opzionale in lingua inglese, Contemporary art, per imparare la storia dell'arte in inglese secondo il metodo CLIL.

Il corso, inoltre, permette di accedere ai contenuti della app senzaLIBRO.

Didattica inclusiva
* Sono disponibili, inoltre, i volumiArte su misura ad alta leggibilità, per la didattica inclusiva e per studenti con Bisogni Educativi Speciali.

La didattica digitale attiva le competenze attraverso la multimedialità, sollecitando l'approccio critico e la rielaborazione di quanto appreso.

La versione digitale eBook è acquistabile su www.bsmart.it e oppure è scaricabile gratuitamente tramite il coupon abbinato al testo cartaceo, seguendo le indicazioni fornite sul frontespizio di ogni volume.

La versione digitale offre l' edizione sfogliabile di ogni volume con le seguenti espansioni multimediali:
* linea del tempo
* gallerie di immagini con le figure del testo e altre opere aggiuntive
* esercizi interattivi autocorrettivi per verificare in modo immediato conoscenze e abilità
* analisi dell'opera interattive
* video su autori e opere
* approfondimenti eitinerari artistici in Europa
* percorsi CLIL con testo, audio ed esercizi

* audiosintesi integrale con la possibilità di variare corpi e caratteri per la didattica inclusiva (libri liquidi ad alta accessibilità)

In più, in versione eBook il volume Studi di architetturadi Vittorio Gregotti e Annibale Pinotti.
LA APP DI ATLAS PER IMPARARE GIOCANDO
Il corso permette di accedere gratuitamente e senza registrazione ai contenuti della app senzaLIBRO, un'applicazione per smartphone e tablet per imparare giocando e ripassare.
Capitolo per capitolo, la app offre:

* quiz interattivi e ludici
* mappe di sintesi

* sintesi con audio
* collegamento diretto ai video del corso

Sul sito www.edatlas.it tutti possono accedere liberamente senza registrazione a ulteriori contenuti digitali collegati alla collana:
* siti e film: sitografia e filmografia interattiva per periodi e per artista
* documenti dell'arte: testi critici e storiografici
* glossario
* repertorio di disegni architettonici

In digitale PER L'INSEGNANTE

L'insegnante può accedere all'eBook su www.bsmart.it e richiedendo ai nostri agenti l'attivazione di una copia saggio oppure scaricando la copia digitale tramite il coupon apposto sul volume cartaceo.

Registrandosi e accedendo con l'apposito codice di attivazione, l'insegnante può scaricare dal sito www.edatlas.it i contenuti digitali riservati collegati alla collana:

* Risorse per l'insegnante in formato .pdf e .doc modificabile

* soluzioni degli esercizi del volume Arte su misura

RISORSE PER L'INSEGNANTE, versione a stampa

Le Risorse per l'insegnante sono disponibili nella versione a stampa, la quale può essere richiesta ai nostri agenti.

Si tratta di un volume articolato nelle seguenti parti:

* un aggiornamento generale sulla scuola e la didattica della disciplina

* Test d'ingresso e prove di verifica con soluzioni per ogni capitolo. Le proposte sono divise in livello base (Test A), livello standard (Test B) finalizzate a una didattica individualizzata
* un'ampia sezione sull'Alternanza Scuola-Lavoro con elementi teorici ed esempi di progetti concretamente attuabili * Attivazioni didattiche e compiti di realtà * CLIL - Art & English
* Proposte di lavoro propedeutiche al nuovo Esame di Stato

Nella sezione riservata all'insegnante sono disponibili diversi modelli di programmazione annuale.

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Capire l'arte (ed. arancio), Storia dell'arte. Gillo Dorfles, Angela Vettese, Eliana Princi, Marcello Ragazzi, Cristina Dalla Costa, ISBN 9788826820231. Materia: Storia dell'arte

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Evoluzione e alterazione dell’autoritratto pittorico prima e di quello fotografico poi, la pratica del selfie rinvia alla tradizione artistica
rinascimentale, dove l’atto di autoritrarsi corrispondeva generalmente agli interrogativi dell’artista sul suo nuovo ruolo di individuo nella società. Dopo l’Età medievale, l’uomo veniva, infatti, ricollocato al centro del recuperato pensiero scientifico e l’autoritratto simboleggiava la riflessione del pittore su se stesso come intellettuale autonomo e, dunque, una sua autocelebrazione.
In Autoritratto con pelliccia (1500) Albrecht Dürer si ritraeva come un Cristo ieratico, testimoniando non solamente la celebrità e l’approvazione raggiunta come artista di fama europea, ma soprattutto le sue abilità pittoriche e quindi la consapevolezza adoperata nella trasmissione della propria immagine. L’auto-osservazione introspettiva veniva così tradotta in opera simbolica. Al tempo stesso, la propria effigie poteva essere sottratta alla caducità del tempo.

Albrecht Dürer, Autoritratto con pelliccia, 1500. Olio su tavola, 67x49 cm. Monaco, Alte Pinakothek.

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Dall’affermazione dell’autoritratto come genere autonomo ad oggi numerosissimi pittori e pittrici si sono cimentati nella raffigurazione di sé.
Sfoglia la gallery per ammirare alcuni degli autoritratti più celebri della storia dell'arte!

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Se anticamente la pratica dell’autoritratto era appannaggio esclusivo di artisti dotati di notevoli abilità, qualche secolo dopo, nell’“era della riproducibilità tecnica” (Walter Benjamin, 1936), l’opportunità di “creare se stessi a propria immagine” (Albrecht Dürer) divenne un’usanza sempre più democratica. Con l’avvento della fotografia, la possibilità di immortalare le proprie sembianze e consacrarle a un eterno presente, infatti, si ampliò a un largo pubblico, affidata all’accuratezza
della fotocamera: ora guardare una propria fotografia è quasi come
guardarsi allo specchio!

Il primo autoscatto della storia è del fotografo americano Robert Cornelius (1809-1893) e risale al 1839: questo dagherrotipo, conservato oggi alla Library of Congress di Washington, è la prima tappa di una moda destinata a caratterizzare tutto il Novecento e a incrociare ripetutamente le tecniche tradizionali dell’arte.

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Risale a un secolo fa, invece, il primo "selfie" vero e proprio, inteso come un autoscatto senza temporizzatore e senza posizionamento della camera su supporto fisso. Gli artefici sono i fotografi della Byron Company. A testimoniare l'evento restano due foto oggi conservate al Museo della Città di New York, entrambe con protagonisti i fotografi del rinomato studio Byron Company. Stesso evento, ma qualcosa da una all'altra è cambiato: sai dire cosa?

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CLIL - Reading: Self-portraits and selfies

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CLIL - Reading: Self-portraits and selfies

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Read the text below and answer the following questions.

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Test your comprehension: answer the following questions.

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Read the text "The artist sees (and shows) himself: self-portraits and selfies" and then answer the following questions.

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L’autoritratto di stampo fotografico trova la sua massima realizzazione
nell’avvento del selfie a metà degli anni Duemila. Portabilità e immediatezza dei nuovi dispositivi fotografici si coniugano alla rivoluzionaria possibilità fornita dalla comparsa di Internet e il selfie pone per tutti nuovi interrogativi sui concetti di “identità” e “percezione dell’immagine”. Pur affrancandosi da pittura e fotografia per la mancanza di un’intenzione artistica e per il suo valore spiccatamente “social” (Maria Paola Sevieri, 2014), il selfie continua a implicare le condizioni fondamentali comuni ai due generi artistici: la presenza essenziale di un individuo allo specchio che nell’autorappresentarsi ripensi se stesso e il suo ruolo nella società.
Con la transitorietà di un istante, l’individuo posa, scatta e cattura irrimediabilmente un pezzo della propria storia intima e questo
atto essenzialmente privato di confronto con il proprio doppio si
traduce in azione pubblica indirizzata all’apprezzamento collettivo.
Una volta condivisa in rete, l’immagine ottenuta e attentamente
studiata di sé (o “editata”) funziona come strumento di indagine e promozione personale. Nell’invitare all’interazione la community (mediante strumenti di misurazione del gradimento, come l’apposizione
di like diretti, commenti estesi o ulteriori condivisioni), si soddisfano
così il bisogno di esibizionismo o la necessità di ottenere conferme da un tribunale virtuale sempre connesso.
Secondo i dati più recenti, ogni giorno vengono scattati 93 milioni di selfie, cioè oltre mille autoscatti al secondo!

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Attraverso la creazione di una versione elettronica del sé, il soggetto comunica poi i propri spostamenti e attività, rendendo manifesti il proprio dinamismo e migliorando la propria “reputazione digitale” (Alice Marwick, 2014).
In questo senso, anche politici e diplomatici utilizzano il selfie per
intercettare consensi e si rivolgono agli utenti dei social network (o al potenziale pubblico di elettori) parlando così un linguaggio popolare.

Il selfie del Presidente degli Stati Uniti Barack Obama con il Primo Ministro danese Helle Thorning-Schmidt e il Primo Ministro inglese David Cameron: scattato nel dicembre 2013 in Sudafrica, è tra i più celebri e discussi autoscatti, primo di una vera e propria tendenza.

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Di un altro tra i primi autoritratti ci parla lo scrittore greco Plutarco (I-II sec. d.C.) nella sua raccolta di biografie Vite parallele:

Fidia, il plasticatore, […] essendo amico di Pericle, e, moltissimo potendo appo lui, venne però a essere invidiato ed a farsi de’ nemici […] e gl’imputavano principalmente a delitto l’aver egli [Fidia] nello scudo, in cui aveva scolpita la guerra delle Amazoni, rappresentato pure in certo modo se stesso sotto la figura di un vecchio calvo che levava un macigno a due mani

Un gesto che, secondo il biografo greco, sarebbe valso a Fidia una condanna per empietà.
Purtroppo, di questo autoritratto che Fidia avrebbe inserito nella Battaglia delle Amazzoni, scolpita a bassorilievo sullo scudo dell’Atena Promachos, non ci è pervenuta testimonianza se non nelle parole di Plutarco.

Nell’immagine in allegato puoi osservare un’ipotesi ricostruttiva della statua dell'Atena Promachos originariamente collocata nell’Acropoli ateniese.

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Gli studi sull'autoritratto tendono ad attribuire scarsa importanza al Medioevo; vi si soffermano solo per osservare che durante i dieci "secoli bui" che iniziano con la caduta dell'Impero romano l'autoritratto autonomo, naturalistico non esisteva [...] Ma è un vero shock scoprire quanti autoritratti medievali siano sopravvissuti e come fossero ingegnosi, acuti, multiformi e perfino arguti. [...] I volti non sono forse particolarmente realistici, ma non per questo le immagini, nel loro insieme, sono meno istruttive, caratteristiche e dettagliate.

J. Hall, L'autoritratto. Una storia culturale, Einaudi, Torino 2014

Dunstano, Autoritratto in adorazione di Cristo, 943-57 ca., inchiostro su pergamena.

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Mettiti alla prova - Un esempio di autoritratto medievale

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Mettiti alla prova - Un esempio di autoritratto medievale

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Molti degli autoritratti medievali giunti fino a noi si trovano in libri miniati.
Osserva l'esempio proposto nel Modulo Google in allegato e prova ad analizzarlo rispondendo alle domande.

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Osserva l'immagine e rispondi alle domande.

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In epoca romantica l’autoritratto diviene lo strumento prediletto dagli artisti per esprimere con forza la propria personalità e affermare la propria unicità.
Leggi l’approfondimento per saperne di più, dopodiché svolgi il test per verificare quello che hai capito.

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Mettiti alla prova - L’autoritratto romantico

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Mettiti alla prova - L’autoritratto romantico

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Mettiti alla prova: svolgi il test e verifica quello che hai capito.

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Nella vasta produzione artistica di Vincent van Gogh particolarmente interessanti appaiono i suoi numerosi autoritratti, vere e proprie fotografie dei suoi stati d’animo che testimoniano, anno dopo anno, il succedersi delle fasi artistiche ed emotive della sua esistenza.
Leggi l’analisi di alcuni dei più celebri autoritratti del pittore olandese.

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Mettiti alla prova - I molti volti di Van Gogh

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Mettiti alla prova - I molti volti di Van Gogh

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Dopo aver analizzato gli autoritratti proposti, rispondi alle seguenti domande.

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Mettiti alla prova: dopo aver confrontato gli autoritratti di Van Gogh proposti nella scheda, rispondi alle domande.

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Malattia e pazzia furono gli angeli neri custodi della mia
culla

Queste le parole del pittore norvegese Edvard Munch a proposito della sua travagliata infanzia. Partendo dagli eventi tragici della propria esistenza, Munch dà voce al travaglio esistenziale dell’uomo nella città borghese, mettendo in scena le tematiche del dolore fisico e mentale, della pazzia e dell’emarginazione.
Nei suoi autoritratti Munch volge su di sé lo sguardo indagatore nelle pieghe della follia e della sofferenza: abbandonati gli interni gelidi e le strade di Oslo, l’artista guarda a se stesso, e la sua
immagine diventa come un’apparizione, incerta, liquida, sfuocata nell’effetto flou della fotografia. Gli occhi, vivi e mobili,
lanciano a loro volta un appello visivo all’osservatore. Munch
si guarda e ci guarda allo stesso tempo.

Nell’Autoritratto con braccio di scheletro del 1895 il volto di Munch emerge dall’oscurità come un’apparizione fantasmatica, come un teschio su quella lapide, sepolcro abissale, che è il fondo nero.

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L'arte tra esteriorizzazione della sofferenza e terapia

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L'arte tra esteriorizzazione della sofferenza e terapia

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Colpita a sei anni dalla poliomielite e coinvolta a diciotto anni in un incidente che le costò devastanti lesioni alla colonna vertebrale,
Frida Kahlo fu uno spirito inquieto costretto in un corpo sciancato. La sua vita fu attraversata dall’esperienza del dolore
e dell’inquietudine esistenziale, in una estenuante lotta per l’esistenza. I suoi autoritratti sono la manifestazione visibile della sua interiorità travagliata, indagata
in una sorta di autoanalisi per immagini attraverso uno sguardo al tempo stesso lucido e instabile, ma sempre gestito con profonda consapevolezza.

Poco dopo l’operazione chirurgica alla spina dorsale, Frida ritrasse il suo trauma fisico nell’opera La colonna rotta (1944).

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Negli scatti che la vedono come protagonista la fotografa statunitense Cindy Sherman interpreta ogni volta un ruolo diverso: con accurati travestimenti l’artista incarna alcuni dei principali stereotipi femminili proposti dai media moderni.
Guarda il video, dopodiché cerca in rete altri scatti dell’artista: elenca quindi almeno 5 personaggi e stereotipi interpretati da Cindy Sherman nei suoi autoscatti.

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How mass media representations shape us | Cindy Sherman | UNIQLO ARTSPEAKS

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CLIL - Video: Andy Warhol Self-Portrait, a sudden rivelation

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CLIL - Video: Andy Warhol Self-Portrait, a sudden rivelation

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Watch the video about Andy Warhol's piece of art Self-Portrait (Fright Wig), then answer the following questions.

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Test your comprehension: answer the following questions.

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Watch the video “Andy Warhol’s ‘Self Portrait’ ” and then answer the following questions.

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Leggendario per la sua passione per l’alcol, la solitudine e il disordine, allontanato da casa a sedici anni per avere mostrato la propria omosessualità e pressoché autodidatta: stiamo parlando di Francis Bacon, uno dei maggiori pittori inglesi del Novecento. Con i suoi dipinti Bacon ambiva a superare in inventiva il cinema e la fotografia, ricreando l’immagine attraverso la distruzione e la deformazione. Nei suoi autoritratti il volto dell’artista appare in preda a un moto centripeto, che ne sfregia e deforma i tratti: quel che resta dietro alla finzione degli schermi è la violenza e la brutalità della vita.

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The information in the present section on francis-bacon.com is based on the data in Bacon: Catalogue Raisonné by Martin Harrison and Rebecca Daniels, which was published by The Estate of Francis Bacon in 2016. The following 'Notes for readers' are extracted from the catalogue raisonné Vol.1, p.102 and 103) and elaborate on the methodology and thinking behind the compilation and presentation of some data, such as titles, dates and media.
Notes for readers
Paintings are catalogued chronologically, under the year of their completion: thus a painting dated 1956-57 will be found in 1957. Undocumented paintings, to which only approximate (circa) dates can be attached, are generally placed at the end of the year in which they are believed to have been painted; this rule is departed from when there is firm evidence that a painting was made at a specific date during a certain year (for example 'Street Scene (with Car in Distance)', 1984 (84-03).

Titles of paintings placed in inverted commas, for example 'Figure with Cricket Pad', c.1982 (82-09), were not applied by Bacon or by his gallerists, and are merely descriptive. Among the paintings with descriptive titles in the catalogue, many did not emerge into public view until after 1998. Some of the titles initially given to them have been revised here; for example, 'Figures in a Landscape', c.1956 (56-11) has been substituted for 'Two Figures in the Grass', which is more logical in view of its relationship with Figures in a Landscape, 1956-57 (57-01).
Media
In the past most of Bacon's paintings have been described as 'oil on canvas'. But he employed many other media, and was fond of mixing sand, dust, fibres and pastel, for example, with his oils. While every effort has been made to include these details, until paintings are examined (and ideally scientifically tested) with the glass removed, the descriptions of media will inevitably be incomplete.
Dimensions
Canvas dimensions are given in imperial measurements, height preceding width, followed by metric; this conforms with the British manufacture of Bacon's canvasses.
Signatures
After 1969, Bacon titled, signed and dated, on the reverse of the canvas, a majority of his paintings: before that date he only did so intermittently. It has been our aim to record all such details, but there are almost certainly omissions. The modern practice of fixing backing boards on paintings means that, even when granted privileged access to works, it is not always possible to inspect the reverse side.
Photography dates
Paintings were usually sent to be photographed shortly after leaving Bacon's studio. The photography dates provide key data, therefore, in the chronology of paintings.
Alley
Alley numbers, for example (Alley 106), are those assigned to each painting in the first catalogue raisonné, Ronald Alley and John Rothenstein, Francis Bacon (London: Thames & Hudson; New York: Viking Press, 1964).
Destroyed paintings
Bacon destroyed many hundreds of paintings. The so-called 'slashed canvasses' are not (with one exception, Do uble Portrait of Lucian Freud and Frank Auerbach , 1964 ( 64-03) ) included in this catalogue. Forty such canvasses, found in Bacon's studio after he died, are now in Dublin City Gallery The Hugh Lane. Margarita Cappock published them in 2005 under the heading 'Destroyed Canvasses', which raised questions regarding Bacon's intentions with the destructions. On small portrait canvasses he - or a friend - invariably cut out the head, and on the large canvasses the heads and sufficient of the main figurative elements to nullify the 'image' were excised. Doubtless Bacon cut the canvasses so as to leave the stretchers intact for reusage, but while he could not have foreseen the tattered fragments eventually having a commercial value, or being exhibited, he could have rendered the destruction more complete (by burning the fragments, for example). His partial destructions were, typically, ambivalent, while as the creator of images that had 'failed', the connotations of violence in his taking a knife to them has clear psychological implications.

Four canvasses removed from Bacon's studio in 1978 appeared on the market in April 2007, and a further five, from a separate source, were sold in June 2007; six fragments of canvas which had been given in the 1950s to the Cambridge artist Lewis Todd, who painted on their primed sides, were auctioned in March 2013.

Paintings with the suffix 'D' in the catalogue (for example 67-15D) are destroyed. Two of these are paintings which had been sold and were destroyed in accidents while in private ownership; a third was damaged beyond restoration when it fell into Tokyo Dock. Other paintings with this suffix in the present catalogue were destroyed by Bacon but had been exhibited publicly before he did so; since images of them are accessible in catalogues, they have been included for the sake of completeness.

In the 1964 catalogue raisonné, under pressure from Bacon, Ronald Alley consigned abandoned or destroyed paintings to two appendixes, classified as 'A' and 'D'. These compromise categories have been jettisoned in the present catalogue, and the extant paintings placed where they occur in the chronology. A compelling reason for ceasing to adopt these categories is that of the nine paintings Alley listed as 'Destroyed' in 1964, four in fact survive.

On 30 July 1996 David Sylvester wrote to the then owner of 'Lying Figure', c.1953 (53-21), who was disappointed he had not included it in the Bacon retrospective at the Centre Pompidou, Paris. He explained that none of the pictures listed in the 1964 catalogue raisonné as 'Abandoned' was treated as a candidate for inclusion, adding 'it seems reasonable to me that during an artist's lifetime and for a few years after his death, a retrospective exhibition should not include works that he considered abandoned. I think that a different attitude should be taken when an artist has been dead for some years.' Sylvester volunteered the comment: 'As we all know, works which an artist abandoned can still be works of great value: there are any number of such works by a variety of masters in the museums of the world. In my opinion "Lying Figure" is a very fine example of Bacon's work.'

The question of 'finish', as signifying a putative state of completion, is probably less relevant in the case of Bacon than most other artists. An atheist and nihilist, the only 'finish' he recognised - and was haunted by - was death: to finish a painting was, perhaps, analogous to dying. It was neither whimsical nor accidental that he called so many of them 'Study for...': he was being not so much tentative as open-ended. Moreover, if Fragment of a Crucifixion, 1950 (50-02), in which more than half of the canvas is unpainted, was considered by Bacon a 'finished' painting, it is counterintuitive to categorise 'Lying Figure', c.1953 (53-21), for example, as 'unfinished'.

Robert Melville, reviewing the 1964 Alley/Rothenstein catalogue raisonné in Studio International, July 1964, observed that Study from Innocent X, 1962 (62-2), despite having been painted only two years previously, had already been given three different (if unofficial) titles - Red Pope, Red Pope on Dais, and Red Figure on a Throne. Melville doubted that Bacon gave any of his paintings the title 'Pope', and pointed out that when he was working for Erica Brausen at the Hanover Gallery, 'we used to call them "cardinals" rather than "popes" in the presence of visitors, to make sure that no one would be offended.' Melville predicted that all the paintings in the 1964 catalogue would be thenceforth known by the titles assigned to them by Ronald Alley. This precept has been adhered to in the present catalogue. Furthermore, for the 'post-Alley' years, 1963 to 1991, the titles established by Bacon and Marlborough Fine Art have been adopted consistently; for example, although Painting, 1980 (80-09) was exhibited in 1999 with the descriptive title Three Figures, One with a Shotgun, subsequent research has shown that its original title was Painting, and has been reverted to here.

The five works Bacon included in his first exhibition, in 1930, all had specific titles. In the present catalogue the titles of paintings dating from 1929 and 1930 follow those adopted by Alley, but they have been placed within inverted commas since it is highly unlikely that Bacon titled them as they are, by their media; (Alley had to negotiate Bacon's indifference - or hostility - towards his pre-1944 œuvre).

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Three Studies for Self Portrait | Francis Bacon

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The information in the present section on francis-bacon.com is based on the data in Bacon: Catalogue Raisonné by Martin Harrison and Rebecca Daniels, which was published by The Estate of Francis Bacon in 2016.

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Analizza un’opera - Autoritratto di Frida Kahlo

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Analizza un’opera - Autoritratto di Frida Kahlo

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La maggior parte dei dipinti di Frida Kahlo hanno come protagonista la pittrice stessa: scegli uno dei numerosi autoritratti dell'artista messicana e analizzalo alla luce delle sue informazioni biografiche. Per farlo, prova a rispondere a queste domande:

in che anno è stato realizzato il dipinto? Quali eventi traumatici avevano già colpito l’artista?

quali elementi simbolici sono presenti nel dipinto? A quale aspetto autobiografico fanno riferimento?

quale sensazione trasmette l’opera? Cosa voleva comunicare, secondo te, l’artista?

È del 1940 l’Autoritratto con collana di spine e colibrì, nel quale Frida inserisce simbolicamente animali (il colibrì, la scimmia, le farfalle e la pantera nera) legati alla tradizione messicana indigena.

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Mettiti alla prova - Gli autoritratti di Edvard Munch

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Mettiti alla prova - Gli autoritratti di Edvard Munch

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Osserva i tre autoritratti dell’artista norvegese qui proposti e rispondi alle domande.

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Analizza un’opera - Autoritratto con cappello di paglia

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Analizza un’opera - Autoritratto con cappello di paglia

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Ora prova tu: sulla base di quanto hai appreso finora sull’artista, realizza un’analisi dell’opera Autoritratto con cappello di paglia (1887). Per farlo:

raccogli ulteriori informazioni sull’opera visitando la pagina del MET Museum ad essa dedicata;

ricorda di inserire riferimenti alle vicende biografiche dell’artista;

soffermati sull’aspetto stilistico (colori, pennellate, ecc.)

Vincent van Gogh, Autoritratto con cappello di paglia, 1887. Olio su tela, 40,6 x 31,8 cm. New York, Metropolitan Museum of Art.

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Tra narcisismo, estetizzazione del sé e scavo psicologico

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Tra narcisismo, estetizzazione del sé e scavo psicologico

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Poso, so che sto posando, voglio che voi lo sappiate, ma questo supplemento di messaggio non deve minimamente alterare...la preziosa essenza della mia persona

Roland Barthes

Percepito da alcuni come un gesto di natura esibizionista o narcisista, interpretato da altri come manifestazione implicita di insicurezza, il selfie trova validazione ultima nella ricezione da parte di terzi, e dunque nell’esercizio di un giudizio di valore
sul soggetto ritratto. In altre parole, l’atto privato (e in alcuni casi ossessivo) di specchiare se stessi nell’obiettivo di una camera si traduce poi in testimonianza pubblica, trasformandosi così in interrogativo sociale spesso rivolto a una comunità virtuale: qual è l’immagine che offro di me?

Uno scatto del climber e fotografo russo Kirill Oreshkin, divenuto celebre sul web per i suoi selfie estremi, ai limiti della legalità, realizzati sulla cima di grattacieli, ponti e monumenti.

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Pratica generalizzata e accessibile a tutti, il selfie incarna le peculiarità di un’epoca in cui il progresso tecnologico va di pari passo con la repentina digitalizzazione dei rapporti sociali, mentre le comunità reali si intrecciano con dilaganti realtà virtuali. In questo contesto, l’atto auto-contemplativo diviene segno imprescindibile per affermare la propria presenza nell’etere. Un fenomeno di tale portata non poteva non colpire l’immaginazione e la curiosità degli artisti. Nel 2013, mentre a New York l’artista Yayoi Kusama invitava i visitatori della sua ultima installazione Infinity Mirrored Room a ritrarsi in un selfie insieme all’opera, a Londra Marina Galperina e Kyle Chayka presentavano al Moving Image Contemporary Art Fair (una fiera d’arte internazionale specializzata in video arte) il progetto National #Selfie Portrait Gallery: un insieme di video in cui 19 artisti internazionali lavorano unicamente sulla propria immagine.
Uno sguardo inquieto sul fenomeno compare, invece, nell’opera Five Hands dell’artista tunisino Nidhal Chamekh: una scultura in vetroresina bianca rappresentante cinque avambracci che impugnano un selfie stick come se si trattasse di un’arma o una bandiera, con un forte rimando al ruolo dei social network e delle immagini nei fenomeni sociali e politici di larga portata.

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Yayoi Kusama: Infinity Mirrors | Arts | NPR

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Nel 2015, con l’installazione The Perfect Tourist l’artista Hubertus von Hohenlohe invitò viennesi e turisti a realizzare “lo scatto perfetto” sullo sfondo del celebre Palazzo del Belvedere a Vienna. Nucleo tematico dell’opera era l’autorappresentazione nella comunità virtuale e reale: il progetto ebbe un effetto virale.
La pratica del selfie presso opere d’arte spopola in rete e sui profili social di milioni di utenti: l’arte è dunque riuscita a inglobare questo fenomeno di costume in costante ascesa? O, al contrario, è la pratica del selfie ad aver inglobato le opere d’arte?
Svolgi una rapida ricerca in rete e osserva alcuni esempi di selfie scattati di fronte a monumenti e opere d’arte: l’arte è protagonista o mero "contorno" di questi scatti? Qual è, secondo te, l’obiettivo di queste immagini? Discutine in classe con i compagni.

Turisti che si scattano foto davanti alla celebre Gioconda leonardesca conservata al Museo del Louvre a Parigi, che attira ogni anno 10 milioni di visitatori.

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Ora tocca a te! Seleziona il tuo personaggio preferito e reinterpretalo: sbizzarrisciti con trucco e parrucco, abiti e accessori e predisponi la scenografia: quando tutto è pronto scatta la tua foto.
Condividete i vostri lavori con la classe direttamente nella vostra Classroom o incorporateli in una bacheca virtuale di classe creata con Padlet, lo strumento utilizzato per realizzare questa lezione digitale.

Nel ritratto Untitled #466​ (2008) Cindy Sherman veste i panni di una ricca donna dell’alta società. Non è però tutto oro quel che luccica: l’apparente perfezione che traspare dagli accessori opulenti, dal trucco e dall’acconciatura impeccabili, viene infatti abilmente incrinata da una ciabatta di plastica rosa e una spessa calza contenitiva, che fanno capolino sotto all’elegante abito.

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Altri artisti, prima di Francis Bacon, hanno lavorato sulla propria immagine scomponendola, destrutturandola e stilizzandola. Osserva l'autoritratto di Francis Bacon del 1971 che trovi in allegato a questo post e confrontalo con quelli di Juan Miró e Pablo Picasso proposti sotto:

quali tratti del volto sono ancora distinguibili nelle diverse opere?

le interpretazioni di sé che danno Bacon, Picasso e Miró suscitano le stesse emozioni nello spettatore?

cosa puoi dire dello stile dei tre artisti? Puoi ricondurre ciascuna delle tre opere a una precisa corrente artistica? Se sì, quale?

Francis Bacon, Autoritratto, 1971. Olio su tela, 35,5 x 30,5 cm. Collezione privata.

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Juan Miró, Autoritratto, 1937-1960. Olio e matita su tela, 146,5 x 97 cm. Barcellona, Fondaciò Juan Miró.

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Pablo Picasso, Autoritratto, 1971. Olio su tela.