# data[].attributes.body
Aquí se siente ya otro ambiente más moderno, el hecho de que fuera un estudio de ballet nos hace pensar en la comodidad que se vivía en el entorno urbano que se buscaban actividades recreativas en tiempos libres. Aún así ese sentido hace contraste con los trabajadores claramente de clase baja, que a pesar de que la economía avanza los pobres siguen pobres.

# data[].attributes.attachment_link.title
Los cepilladores de parquet - Gustave Caillebotte

# data[].attributes.attachment_link.description
Caillebotte nos presenta al proletariado urbano en plena faena.

# data[].attributes.body
a diferencia de Courbet y los obreros, Millet y los campesinos, Caillebotte por primera vez representa al proletariado urbano en una obra. También es uno de los primeros trabajos de movimiento impresionista expuestos, aunque en ese entonces aún no se formalizaba el movimiento.

# data[].attributes.body
Otra obra criticada por considerarse amenazadora.

# data[].attributes.body
La gran urbe francesa del siglo XIX es representada por el artista Caillebotte, mostrando la otra cara de la sociedad de ese entonces. Al ver esta pintura sin conocer el contexto de lo que en verdad era ese infierno, uno pensaría que es una sociedad modelo y que sus habitantes están conformes con su forma de vida.

# data[].attributes.body
Y también busca seducir a los republicanos a ver un lado un poco más "amable" frente a todos los problemas que se vivían en la época

# data[].attributes.body
Esta obra buscaba tener un fuerte impacto en la sociedad del siglo XIX, pues, además de molestar a la burguesía dando tanta importancia a temas tan despreciados por la misma clase alta

# data[].attributes.body
La simpleza y la tranquilidad del campo son captadas con suma delicadeza y precisión. Contrario a lo que se vivía en la gran urbe Francesa, aquí podemos observar el trabajo de dos campesinos al plantar patatas para poder venderlas.

# data[].attributes.body
Utiliza una forma muy humanista de representar la realidad, en la que las mujeres cumplían con jornadas laborales de hasta 12 horas.

# data[].attributes.body
Esta obra tuvo un fuerte impacto en Francia al exhibirse, pues era considerada como peligrosa por la clase alta (qué raro).

# data[].attributes.body
En la obra se siente la desesperación y el miedo por ser atrapados.

# data[].attributes.body
Después de la revolución obrera de 1848 se toman nuevas medidas de represión, donde los encarcelamientos, destierros y ejecuciones obligaron a los protestantes a abandonar sus hogares para poder salvar su vida.

# data[].attributes.body
En el siglo XIX expresar una ideología distinta a la de la monarquía era motivo de rebeldía. la opresión era evidente.

# data[].attributes.body
Al existir intereses sociales y políticos distintos a los de la burguesía, la monarquía ordena controlar el revuelo asesinando. La obra es fuerte y precisa, nos muestra los estragos de estas guerrillas, con tan sólo esta pequeña parte del conflicto nos podemos imaginar la magnitud que alcanzó.

# data[].attributes.body
El rostro de la mujer del centro tiene mucha fuerza y nos hace poder sentir todo lo que ha cargado y cómo, a pesar de la situación, siguen luchando por sacar adelante a su familia.

# data[].attributes.headline
La diferencia de clases se puede observar desde la vestimenta de los personajes, los rostros y el hecho de que se puede ver que las señoras acaban de comprar sus alimentos, algo que los burgueses nunca hacen.

# data[].attributes.subject
La diferencia de clases se puede observar desde la vestimenta de los personajes, los rostros y el hecho de que se puede ver que las señoras acaban de comprar sus alimentos, algo que los burgueses nunca hacen.

# data[].attributes.body
Pintor, coleccionista y mecenas francés (1848-1894), mejor conocido por sus pinturas de la vida urbana en Francia. Precursor del impresionismo.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Gustave Caillebotte
Painter and Patron of Impressionism

17.05.2019 to 15.09.2019
Alte Nationalgalerie
Gustave Caillebotte (1848-1894) was one of the central figures of French Impressionism, yet he is among those artists who remain to be discovered today. His fame was initially founded on his role as a patron, and only later did he gain full recognition as a painter.

Caillebotte's painting "Paris Street; Rainy Day" ("Rue de Paris, temps de pluie"), completed in 1877 and now an icon of Impressionism, is coming to the Alte Nationalgalerie. It is considered one of the artist's principle works, and is a showpiece of the Art Institute of Chicago. The monumental painting has rarely travelled to Europe in the past, and this will be its very first appearance in Berlin. The fact that "Paris Street, Rainy Day" is being shown here is certain ly a sensation, and results from a unique international cooperation: the Art Institute of Chicago will be loaned Édouard Manet's "In the Conservatory" for a major monographic exhibition; in return, the Alte Nationalgalerie will be able to show this masterpiece by an artist who is otherwise not represented in their collection. Thereby both German and American audiences will benefit from the unique opportunity to visit exhibitions with rarely available works.

Caillebotte's groundbreaking piece with its almost life-sized figures and unconventional perspective was presented at the Third Impressionist Exhibition of 1877, and even today it has lost none of its intriguing allure. "Paris Street; Rainy Day" exemplifies both the Impressionists 'new vision' and Caillebotte's adoption of modern urban motifs. Carefully selected studies and preparatory sketches for his principal work allow visitors to the exhibition to better understand this atypical Impressionist 2019s creative process.

Close consideration of Caillebotte's paintings and painting methods opens new perspectives on French Impressionism. Pure painterly appearance is not paramount in his work - his paintings captivate with bold perspectives and structured pictorial space. The seemingly random framing of the view, and the striking immediacy of the image are what particularly underscore the modernity at play here.

This focussed exhibition in the Alte Nationalgalerie will simultaneously highlight Caillebotte's role as a patron. At only twenty-nine years old in 1877, he was not only the youngest but also the most active member of this group. As a man of considerable wealth, he played a leading role in financing and organising the first group exhibitions. For such occasions he would often lend works - by fellow artists such as Renoir, Manet, Degas, Cezanne and Monet - from his own collection. The tight network of the Impressionists, in whose midst Caillebotte found himself as friend and supporter, will become apparent in this exhibition in the Alte Nationalgalerie.
The exhibition is made possible by the Freunde der Nationalgalerie and supported by the Leinemann-Stiftung für Bildung und Kunst.
Related content

Address / Getting there

Visitor entrance

Bodestraße
10178 Berlin

partially wheelchair accessible

U-Bahn U6 (Friedrichstraße)
S-Bahn S1, S2, S25, S26 (Friedrichstraße); S3, S5, S7, S9 (Hackescher Markt)
Tram M1, 12 (Am Kupfergraben); M4, M5, M6 (Hackescher Markt)
Bus TXL (Staatsoper); 100, 200 (Lustgarten); 147 (Friedrichstraße)

Low-carbon public transport connections
Local traffic
Long distance

Opening times

Opening times on public holidays Plan your visit

Prices / Tickets

Alte Nationalgalerie
10,00 EUR Concessions 5,00
Buy ticket

Museum Island all exhibitions
18,00 EUR Concessions 9,00
Buy ticket

Annual membership Staatliche Museen zu Berlin

from just 25,00 EUR

Weitere Informationen

Information / Booking / Feedback

# data[].attributes.attachment_link.description
17.05.2019 to 15.09.2019 Alte Nationalgalerie Gustave Caillebotte (1848-1894) was one of the central figures of French Impressionism, yet he is among those artists who remain to be discovered today. His fame was initially founded on his role as a patron, and only later did he gain full recognition as a painter.

# data[].attributes.body
El contexto de esta obra es de un conflicto armado que tuvo lugar en Francia (1834) después de que fuera prohibida cualquier asociación, los republicanos comenzaron protestas y acabó en una sangrienta matanza.

# data[].attributes.body
En esta obra se pueden observar fuertemente las diferencias de privilegios entre los obreros y los burgueses, no permitiendo que ambas clases sociales pudieran siquiera compartir el mismo espacio del tren.

# data[].attributes.body
Caricaturista, escultor, pintor, dibujante francés (1808-1879) de la época realista e industrial. Juega un papel de cronista de la vida urbana.

# data[].attributes.body
Artista francés (1814-1875) fue precursor del movimiento artístico denominado "impresionismo", además de trabajar el realismo y el naturalismo.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
El artista francés Jean-François Millet, el último pintor de la vida campesina, sembró las semillas del arte moderno como se refleja en la exposición presentada este miércoles en Ámsterdam, tanto que Vincent van Gogh, Claude Monet y Salvador Dalí se inspiraron en él e hicieron copias literales de sus obras.

Millet es uno de los artistas más famosos y mejor conocidos del siglo XIX, precisamente porque era "muy provocador por su forma de pintar a los campesinos y estaba muy comprometido con la vida del campo", explica a Efe Maite van Dijk, conservadora del Museo Van Gogh, que acoge esta exposición internacional inédita hasta enero.

Lo que caracterizaba a este paisajista de la Escuela de Barbizon no solo era el objeto de sus cuadros, que en sí suponía una interpretación de crítica social de la vida de campo, sino también -dice Van Dijk- "la técnica de pintura novedosa y radical", que fue tan admirada como criticada por tantos otros maestros.

Los que trabajan la tierra eran para Monet (1814-1875) unas figuras nobles y unos personajes heroicos, merecedores de más consideración, un análisis que se hizo obvio tras la publicación en 1881 de la biografía romántica "Millet, campesino y pintor", escrita por el francés Alfred Sensier.

Los tradicionalistas objetaron su técnica cruda y la crítica social aguda que reflejaba, pero poco después de su fallecimiento, fue aplaudido como un héroe nacional que había logrado capturar el campo francés en toda su esencia y esplendor.

Lo que admiraban de él pintores como Van Gogh, Monet, Dali y Paul Gaugin es la "monumentalidad de las figuras y del paisaje, y su relación con la tierra", y aunque para cada artista la inspiración pueda ser una cosa diferente, la clave estaba en su visión humana de la vida, la relación que establecía entre el hombre y la naturaleza.

La exposición -que abre al público el viernes, coincidiendo con el 205 cumpleaños del artista francés- se centra en cómo el trabajo de Millet fue una inspiración para numerosos artistas de todo el mundo gracias a la naturaleza innovadora de su trabajo y el impacto que tuvo en generaciones de pintores.

El museo Van Gogh recuerda que Millet es hoy un gran olvidado para el público en general y su trabajo es visto como algo tradicional y antiguo, cuando en realidad, a finales del siglo XIX, representaba un arte moderno y progresista, tanto que fue el artista moderno más famoso del mundo, y fue inmortalizado en varias estatuas.

Su trabajo fue elogiado por diversas razones, desde sus composiciones innovadoras, su técnica antiacadémica, sus trazos de pintura en bruto, su uso del color y los materiales y el enfoque abstracto de la forma y la composición, hasta los temas que eligió para sus pinturas.

La muestra presenta 128 obras, de las que 53 son de Millet y un total de 108 son prestamos de museos y colecciones privadas de países como Japón, Estados Unidos, Francia y México. Las piezas son originales de artistas como Camille Pissarro, Edgar Degas, Paul Cézanne, Jan Toorop, Edvard Munch y Kazimir Malevich.

Dalí contaba que había estudiado en la escuela el cuadro de El Angelus (1857-1859), la obra más importante e innovadora de Millet, y que había soñado con esta pintura en 1930, lo que la convirtió en una especie de obsesión para él. Durante la siguiente década, hizo diferentes cuadros y dibujos, e incluso escribió textos sobre ella.

"Me parece algo muy positivo que en este siglo hubiera pintores como Millet, que es insuperable", dijo Van Gogh en una carta a su hermano Theo en 1890. El maestro holandés quiso seguir sus pasos, convertirse en un pintor de campesinos, y copió varias de sus obras, algunas incluso 20 veces, hasta que empezó a hacer sus propias pinturas inspiradas en Millet.

Según explica la conservadora de la exposición, Van Gogh aprendió primero de la técnica de Millet y después "intentó traducirlo en colores nuevos y en algo más moderno, de sus propios tiempos, pero para él era un artista en el que inspirarse en todos los niveles".

Una de las piezas clave de esta muestra es "The Sower" (1850), un trabajo de Millet que no ha salido de Japón desde 1977. El cuadro, que representa un campesino sembrando semillas, tuvo tal impacto en Van Gogh, que este acabó adoptando el tema en varias de sus propias obras.

Por Imane Rachidi

# data[].attributes.attachment_link.title
Jean-François Millet, objeto del "copia y pega" por Dali, Van Gogh y Monet

# data[].attributes.attachment_link.description
El artista francés Jean-François Millet, el último pintor de la vida campesina, sembró las semillas del arte moderno como se refleja en la exposición presentada este miércoles en Ámsterdam, tanto que .

# data[].attributes.body
Las enfermedades, el hambre, la muerte y los abusos eran el día a día de la clase obrera.

# data[].attributes.body
Algunos de los artistas más influyentes en el movimiento Realista son: Courbet, Millet, Daumier y Caillebot.

# data[].attributes.body
El Socialismo y el Anarquismo eran movimientos que comenzaron a surgir en búsqueda de una mejor calidad de vida e igualdad de oportunidades para los obreros. El movimiento estaba en contra de la burguesía y del capitalismo.

# data[].attributes.body
La pobreza se ve reflejada en esta pintura, la desigualdad de oportunidades y la miseria que se vive. La simplicidad del entierro solo denotan la normalidad de una muerte en el oscuro mundo obrero.

# data[].attributes.body
El realismo fue un movimiento artístico que buscaba poder representar las injusticias que soportaba la clase obrera o la clase baja de la Francia capitalista del siglo XIX.

# data[].attributes.body
Es importante el hecho de que un niño no mayor a 15 años esté trabajando de igual manera que el adulto. En esta obra los rostros no son esenciales, centrándose únicamente en el arduo trabajo que se está realizando.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Los Picapedreros es una obra de Gustave Courbet representativa de un nuevo movimiento en el arte francés denominado " Realismo", cuyo objetivo es exponer la vida de la sociedad francesa. En esta escena, Courbet eligió representar a dos picapedreros para constatar los abusos cometidos contra las clases más bajas de la sociedad francesa de mediados del s iglo XIX en condiciones extremas.

Fue realizada en las afueras del pueblo de Ornans en Francia, donde el artista solía pasar largas temporadas. El realismo de Courbet y su rechazo al estilo refinado del arte Neoclasicista se expresa también en las gruesas y toscas pinceladas con que pinta sus lienzos, que con la misma rudeza dan forma tanto a las rocas como a las caras del joven y el viejo picapedreros. Se trata de un óleo, el cual hoy en día no existe ya que desaparecio en la Segunda Guerra Mundial.

Con los Picapedreros, Courbet inaugura la temática socialista en la pintura, según su amigo Proudhon. El lienzo surgió cuando el pintor contempló la dureza del trabajo de estos dos hombres, transmitiendo con su pintura una fuerte carga social. Las figuras ocultan sus rostros, concentrándose en su labor; visten ropas raídas, apreciándose claramente los parches de los pantalones o los agujeros en las camisas. Con esta obra, Courbet quiere democratizar el arte, analizar la sociedad para corregirla ya que el pintor tiene una misión que cumplir. Los dos picapedreros se recortan sobre la oscura loma que hay tras ellos, apreciándose referencias a la naturaleza. Las piedras, la cacerola del fondo, los útiles de trabajo toman un papel protagonista en la composición, recogiendo el pintor con el mayor realismo posible lo que observan sus ojos. Su exhibición en el Salón de 1850 sirvió para exaltar el trabajo públicamente. Desgraciadamente, fue destruida durante la Segunda Guerra Mundial.

Sobre la obra

Los modelos para "Los Picapedreros" fueron unos obreros que Courbet vio cuando iba al castillo de Saint-Denis para pintar un paisaje y que llevó a su taller donde posaron para él. En la tela el artista representa a dos trabajadores camineros, uno viejo y el otro joven, dos hombres anónimos a los que no se les ve el rostro, por lo tanto no expresan nada, ni una idea o emoción. A través de sus cuerpos se aprecian características físicas como fuerza, pesadez, un estado de seriedad o algo de pesadumbre. Su postura sugiere monotonía e indiferencia, producto del trabajo monótono que realizan. La naturaleza pintada hacia el horizonte no es luminosa ni atractiva, para no distraer al espectador de las figuras centrales.

Composición de la obra

En un paisaje árido, duro, aparecen dos figuras de espaldas, en un primer plano, uno, viejo de rodillas con un pico en la mano y el otro, un muchacho de pie. La composición es muy simple, sólo las dos figuras, retratadas desde un punto de vista ligeramente más alto se recortan en una colina en penumbra mientras únicamente en el ángulo superior derecho se ve un pequeño trozo de cielo azul; se completa la escena con los objetos cotidianos de los picapedreros. La luz proviene de la parte frontal iluminando las figuras que proyectan leves sombras y contribuye al efecto plástico de los personajes, aunque la línea tiene también un importante protagonismo. Los colores utilizados son toda la gama de los pardos y ocres, con algunos toques de blanco sucio y el pequeño toque de color azul del fondo que nos sitúa la escena de día, pero en la ladera de la umbría, que contribuye al efecto de tristeza y miseria al tiempo que "empuja" a las figuras hacia el espectador. La profundidad no se consigue sólo con el juego de luces y sombras sino también por los escorzos que adoptan las figuras. El dibujo tiene un marcado protagonismo con las figuras perfectamente delimitadas, sin embargo el color domina el paisaje.

Contenido temático

El tema de la obra nos la explica el mismo autor en carta a su amigo Wey: "Me dirigía al castillo de Saint-Denis para pintar un paisaje, me paré cerca de Maisières para observar a dos hombres que partían piedras en la carretera. Es difícil imaginar una indigencia más completa y más manifiesta..., así es como me vino la idea al espíritu de hacer de ello un cuadro...Por una parte hay un viejo de setenta años, encorvado por el trabajo, con el pico levantado, la piel quemada por el sol, la cabeza protegida por un sombrero de paja; sus pantalones de tela burda, estaban todos remendados y en los zuecos rotos se veían los calcetines, que debieron ser azules, rotor por los talones. A su lado un joven con los cabellos llenos de polvo, la piel grisácea, la camisa sucia y desgarrada, deja al descubierto los costados y los brazos; un tirante cuero le sujeta lo que le queda de unos pantalones y los zapatos llenos de barro se entreabren por todas partes..." Los Picapedreros representa, pues, un hecho real pero intrascendente: el trabajo de los picapedreros, la dura existencia física de dos peones camineros. Seres totalmente anodinos a los que no se le ve el rostro, de modo que no expresan nada, ninguna idea ni emoción alguna, sólo equivalencias formales de ciertas cualidades inherentes a este tipo de trabajadores: fuerza, taciturnidad, cierta torpeza y pesadez. Visten ropas raídas, apreciándose claramente los parches de los pantalones o los agujeros de las camisas. Las piedras, la cacerola del fondo, los útiles de trabajo toman un papel tan protagonista como los de los propios personajes en la composición, recogiendo el pintor con el mayor realismo posible lo que observaron sus ojos. Con esta obra Courbet quiere democratizar el arte, analizar la sociedad para corregirla ya que el pintor tiene una misión que cumplir: la transformación de la realidad.

Lenguaje estilístico al que puede adscribirse la obra

La obra utiliza el lenguaje del Realismo, movimiento cultural que se caracteriza por la representación objetiva de la realidad que se dio en la segunda mitad del XIX. Pertenece movimiento pictórico realista que se desarrolló en Francia primero y después en el resto de Europa entre el Romanticismo y el Impresionismo, en el siglo XIX. Estamos ante un verdadero virtuoso que nos presenta los rasgos de los personajes, sus ropas o cualquier elemento plasmado hasta el último detalle, para darle imagen a la miseria. Hay que entender la imagen en el momento concreto en que la pintó. Meses después de los sucesos de la Revolución de 1848 en la que el movimiento obrero salió a protestar por la explotación que sufrían y por lograr unos derechos inexistentes. Unas ideas que Courbet compartía. En este contexto se debe ubicar esta obra y también el modo en el que la realizó, ya que hay un detalle muy propagandístico y que encaja poco con la crudeza que suele caracterizar las obras de este artista. Fijaros en la postura del niño cargando con una piedra. Un trabajo duro, una postura forzada y que nos da la impresión del peso de la roca y los dolores del muchacho. Sin embargo, su compañero mucho más mayor, está trabajando en una postura mucho más equilibrada, como si posara para una representación ideal del sufrimiento del trabajo. Quizás demasiado antinatural y propagandístico.

# data[].attributes.attachment_link.description
Los Picapedreros es una obra de Gustave Courbet representativa de un nuevo movimiento en el arte francés denominado " Realismo", cuyo objetivo es exponer la vida de la sociedad francesa. En esta escena, Courbet eligió representar a dos picapedreros para constatar los abusos cometidos contra las clases más bajas de la sociedad francesa de mediados del s iglo XIX en condiciones extremas.

# data[].attributes.body
Según el propio Courbet "nunca había visto a dos personas tan tristes"; fuertes palabras para describir la esclavitud a la que estaban encadenados los obreros.

# data[].attributes.body
La representación de un entierro en la época oscura de la Francia Industria tal vez resulte un poco confusa, pero es digna de admirar la decisión de representar la vida de la clase obrera.

# data[].attributes.body
Duramente criticado por la importancia que le dio a un tema tan ajeno al interés del consumidor, pues le daba importancia a un grupo de personas "marginadas" en un formato tan grande.

# data[].attributes.body
La simplicidad de la escena da paso al complejo mensaje que se da. Los rostros de los personajes denotan la tristeza y la miseria que han cargado toda su vida. Una muestra de la realidad que se soportaba.

# data[].attributes.body
Otra obra duramente criticada por darle tanta importancia a los obreros. Es una obra muy fuerte ya que plasma tal cual es el arduo trabajo de un picapedrero y el niño.

# data[].attributes.body
La primer obra maestra del pintor Francés destaca por tratarse de una escena de convivencia de un grupo de obreros, lo que ocasionó el disgusto de un gran número de personas.

# data[].attributes.body
Artista nacido Francia (1819-1877). Principal exponente y fundador del movimiento artístico "realismo".

# data[].attributes.attachment_link.title
Realismo y romanticismo 04   Gustave Courbet GRVadg9VI4Y