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Dossiers pédagogiques - Collections du Musée
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Martial Raysse, Soudain l'été dernier, 1963

INTRODUCTION
REPRÉSENTER L'OBJET
L'EXPÉRIENCE CUBISTE
* Georges Braque (1882-1963)
* Pablo Picasso (1881-1973)

DÉTOURNER L'OBJET RÉEL
DE DUCHAMP AUX SURRÉALISTES
* Marcel Duchamp (1887-1968)
Les ready-made
* L'objet insolite des surréalistes

UNE SOCIÉTÉ D'OBJETS
POP ART AMÉRICAIN ET NOUVEAU RÉALISME
* Le Pop Art américain
* Les Nouveaux réalistes

MISES EN SCÈNE DE L'OBJET
DES MYTHOLOGIES PERSONNELLES
* Joseph Beuys (1921-1986)
* Bertrand Lavier (1949)

BIBLIOGRAPHIE SÉLECTIVE

INTRODUCTION

L'objet traverse la tradition picturale occidentale dès l'antiquité. Mais c'est au XVIe siècle que la représentation de l'objet inanimé devient autonome et constitue un genre à part entière, celui de la nature morte, qui se canonisera alors en tant que peinture d'objets qui posent, comme suspendus dans le temps et agencés par la main de l'artiste.

Crânes, instruments de musique, miroirs, corbeilles de fleurs et de fruits semblent enfermer le spectateur dans le monde muet des choses. Les XVIe et XVIIe siècles hollandais seront riches en tables servies de verres transparents et de fruits épluchés, tandis que les s'affirment en France où brillera un siècle plus tard le génie incontesté de ce genre : vanités Chardin.
Cézanne fera de la nature morte, car elle présente un répertoire inépuisable de formes, de couleurs et de lumières, le champ de prédilection de sa création picturale. Les cubistes y verront le genre le mieux adapté pour rendre, en peinture, la question de la représentation de l'espace. Déjà en 1912 avec sa révolutionnaire Nature morte à la chaise cannée, Picasso introduit dans le tableau un bout de toile cirée pour le cannage et une corde pour matérialiser l'ovale du cadre. Des éléments prélevés au réel remplacent donc, par endroits, la représentation et dialoguent avec les parties peintes. L'objet ou plutôt des fragments d'objets réels envahissent la représentation.

Mais c'est à Duchamp que revient le geste radical transformant, par la seule déclaration de l'artiste, l'objet quotidien manufacturé en œuvre d'art. Les premiers ready-made datent de 1913. Depuis, l'objet sort du cadre de la peinture et envahit le monde réel se présentant en tant que tel dans la scène de l'art. Il se prêtera aux détournements et aux assemblages les plus surprenants des surréalistes, aux "accumulations", "compressions" et différents "pièges" des Nouveaux réalistes, aux mises en scène de la nouvelle sculpture objective contemporaine, en passant par l'adhésion enthousiaste et critique à la fois du Pop art américain qui a fait d'une société de consommation et de ses objets le sujet principal de son art. L'objet interpelle l'art au XXe siècle, son statut et ses limites, qu'il repousse de plus en plus loin.
C'est une traversée des collections du Musée national d'art moderne à l'enseigne d'un des événements artistiques majeurs du siècle dernier, "l'affirmation de l'objet", que ce dossier propose.

ReprÉsenter l'objet

Violons et bouteilles, guitares et guéridons, journaux et verres peuplent les natures mortes cubistes. Dénoué de toute action, ce genre pictural sert à merveille les recherches plastiques de Braque et de Picasso entre 1910 et 1914. L'objet y est représenté dans ses mille facettes en une diffraction de plans qui le développent dans l'espace. La vision monoculaire de la perspective classique vole en éclats à l'enseigne d'une multiplication des plans qui se rabattent à la surface de la toile.
Georges Braque (1882-1963) Cinq bananes et deux poires,1908
Huile sur toile
24 x 33 cm
Braque explore ici le motif du compotier de fruits avec une référence explicite à Cézanne. Il est superflu d'évoquer l'influence de Cézanne sur la peinture cubiste mais Braque le fait d'une façon consciente et singulière. Il reprend le motif des natures mortes et le développe dans une dynamique spatiale où ce qui prime estPablo Picasso (1881-1973)la continuité de l'espace encore plus que la définition stricte de l'objet. Le vert des poires dialogue avec celui de la nappe et l'ocre des bananes avec celui du mur. Les formes géométrisées résonnent avec les ombres et les lumières de l'espace. Braque rappelle que "Le peintre pense en formes et en couleurs, l'objet c'est la poétique" ; il dit aussi qu' "on ne doit pas seulement reproduire les choses. On doit pénétrer en elles, devenir nous-mêmes la chose".
Le Guéridon, 1911 Huile sur toile
130 x 89 cm
Le motif de la table ronde sera une constante de la peinture de Braque. De la table il ne reste plus qu'une allusion : le segment de cercle indiquant le plan tandis que les objets nous échappent dès qu'on croit les reconnaître. La fragmentation des objets en une multitude de facettes lumineuses crée, avec la lumière recréée mentalement, la sensation d'un espace tactile en mouvement. La couleur est réduite aux gris et ocres bruns, procédé typique de cette première période du Cubisme dit analytique. L'austérité de la couleur vient du souci de rendre l'espace et avant tout l'espace sans qu'aucune interférence puisse en troubler la perception, affirme l'artiste.

Si la "réalité de la vision" avait été l'obsession du Naturalisme du XIXe siècle, le Cubisme ne cherche pas la vision réelle mais l'expérience mentale que l'artiste a du monde. Ainsi s'élabore une nouvelle "écriture du réel" (Kahnweiler) que Braque et Picasso mettent en pratique d'abord dans la phase dite analytique où domine une "réalité de conception", à laquelle se plie la représentation du monde.

A partir de l'expérience des papiers collés, inventés par Braque à l'automne 1912 et continuée par Picasso, commence l'autre phase dite synthétique du Cubisme qui se caractérise par un retour à la réalité et une autre façon de dire le réel. L'armature dessinée dialogue avec des coupures de journal choisies pour leur dimension plastique, ou sémantique. L'objet s'y dit par effraction de fragments prélevés au réel qui jouent avec des lettres et des dessins. Picasso invente alors un langage de signes qui résument l'objet, d'où l'appellation de synthétique. De plus en plus il insistera sur l'ambiguïté de la représentation, l'effet de trompe-l'œil, en usant alternativement de trois techniques : peinture, sculpture et papier collé.

Verre d'absinthe, 1914Bronze peint et sablé et cuillère à absinthe
21,5 x 16,5 x 6,5 cm
© Succession Picasso

appartient au Cubisme synthétique par cette Verre d'absinthe est le seul exemplaire monochrome d'une série de six, premier cycle de variations chez Picasso. La forme est ici ouverte vers son intérieur qui doit lui aussi être représenté. Entre la version monochrome brune et les autres, de couleur, la différence semble affecter la forme aussi. Mais ce n'est qu'un effet d'illusion induit par la couleur appliquée à certains endroits. Par la couleur c'est tantôt un élément, tantôt un autre, qui passe au premier plan. Verre d'absinthe intervention de la couleur dans la synthèse des plans.

Le verre, avec la bouteille, est un des objets de prédilection du Cubisme. Il induit la transparence, la diffraction optique, permettant un élargissement de la forme. Contrairement à l'objet insolite des surréalistes, il s'agit d'un objet d'atelier, d'un objet familier.

Comme le souligne Werner Spies, l'originalité de cette œuvre réside dans le curieux assemblage entre le verre modelé par la main de l'artiste, un verre représenté donc, une cuillère réelle en argent, et l'imitation en d'un morceau de sucre. On retrouve donc ici fac-similé trois niveaux de référence. "Je m'intéressais à la relation entre la vraie cuillère et le verre sculpté. A leur confrontation", affirme Picasso.

Il s'agit de donner à l'objet, note encore Spies, "le maximum d'expérience de l'objet". L'objet ne se présente pas dans sa statique, ni dans une perception cinétique (futuristes) qui brouillerait la forme. Picasso concilie la forme et la richesse perceptive d'une forme qui s'ouvre à l'espace où "s'additionnent" les divers plans de l'objet. Le côté sablé de l'extérieur du verre rappelle la rugosité du sucre qui contraste avec l'aspect lisse de la cuillère perforée. L'objet réel et l'objet de l'art coexistent dans une tension qui dynamise l'œuvre et son efficace. Comme l'écrit encore Spies, la cuillère en argent accentue l'illusion à savoir l'effet de réel de la représentation. On est ici au cœur du verre d'absinthe et de sa fonction liée à la boisson de l'alcool mythique. Tout est prêt à recueillir l'eau qui, mêlée à la liqueur et tombant sur le sucre, commence le rituel magique.

DÉtourner l'objet rÉel

Marcel Duchamp (1887-1968)
Les ready-mades

De Duchamp aux surrÉalistes

Dès sa Nature morte à la chaise cannée (1912), Picasso avait été très loin dans le processus de désacralisation de l'œuvre d'art en incluant des éléments bruts prélevés au réel dans la peinture. L'expérience des papiers collés accentue cette mise en cause de la représentation canonique. Le réel surgit par des matériaux bruts dans la représentation mais ces intrusions dialoguent avec les parties peintes ou dessinées et les cubistes s'en servent à des fins plastiques. Un pas ultérieur vers la désacralisation de l'œuvre d'art est franchi par Marcel Duchamp. Cette désacralisation et la nouvelle relation à l'objet qu'elle implique vont se redéployer dans une nouvelle aventure de l'objet, l'objet surréaliste, à la recherche de l'irruption du rêve dans la réalité.

En 1913, Marcel Duchamp expose une "sculpture" appelée Roue de bicyclette. Deux objets quotidiens sont assemblés et collés l'un sur l'autre par l'artiste : une roue de bicyclette et un tabouret. Ici rien ne sort de la main de l'artiste, qui réalise un collage tridimensionnel en assemblant deux objet usuels.

Peintre à l'origine, Duchamp s'était déjà insurgé contre les peintres qu'il appellera "les intoxiqués de la térébenthine" et contre "la bêtise rétinienne" qui serait liée à cet art. Il se réclame plus proche de l'expression de Léonard définissant la peinture comme une " chose mentale". Son Nu descendant l'escalier fait scandale à New York et le rend célèbre. Au-delà du nu, il y recherche une méthode de démultiplication du mouvement dans l'espace.

Porte-bouteilles, 1914 (1964) (Séchoir à bouteilles ou Hérisson)
Porte-bouteilles en fer galvanisé
64,2 x 42 cm (diam.)

En 1914, avec le fameux , acheté au Bazar de l'Hôtel de ville, Duchamp élabore le concept de Porte-bouteilles ready-made : "objet usuel promu à la dignité d'œuvre d'art par le simple choix de l'artiste" ( Dictionnaire abrégé du Surréalisme, André Breton, 1938).

La main de l'artiste n'intervient plus dans l'œuvre. Tout savoir faire ainsi que tout plaisir esthétique lié à la perception de l'œuvre s'annulent. La trace du créateur a disparu et se réduit au seul choix et à la nomination de l'objet. Le titre qui, d'abord, nomme le plus platement l'objet, Porte-bouteilles, prendra de plus en plus d'importance : l'objet sera rebaptisé, plus tard, Séchoir à bouteilles ou Hérisson.

Le choix de cet objet n'était pourtant pas anodin, les verres et les bouteilles avaient envahi la peinture cubiste de laquelle Duchamp voulait sortir comme d'une "camisole de force", disait-il. Aux bouteilles et aux verres se démultipliant en mille facettes transparentes du Cubisme analytique succède l'objet réel, opaque et en fer, qui les accueille, piquant comme un hérisson.

En 1915 Duchamp part pour les Etats-Unis. Poursuivant ses ready-made il y ajoute des inscriptions comme, sur une pelle à neige, . La logique verbale seule transforme, par l'humour et les jeux de mots, l'objet usuel en autre chose : une précipitation du futur probable. Duchamp insistera de plus en plus sur cette En prévision du bras cassé dimension verbale impliquant par des sous-entendus l'esprit du spectateur dans la perception de l'œuvre. A la délectation de l'œil succède celle de l'esprit.

De 1917 date son ready-made le plus connu, le célèbre urinoir retourné et rebaptisé Fontaine. Présenté au salon des indépendants, à New York, sous un pseudonyme (R Mutt), le jury dont il fait lui-même partie le refuse, scandale par lequel commencent l'épopée et le succès des ready-made.
L'objet insolite des surréalistes
Les ready-made originaux ont disparu, restent des répliques qui, comme le dit Duchamp, "transmettent le même message que l'original". Selon lui, le seul critère esthétique ne suffit pas à définir ce qui est de l'art et ce qui ne l'est pas, et l'artiste sera celui qui remettra en question les limites de l'art en les poussant de plus en plus loin. La disparition de la fonction d'usage de l'objet proclamée par son installation dans un milieu muséal et la nouvelle signification que son titre lui confère suffisent, désormais, à qualifier d'œuvre d'art ce qui à priori ne le serait pas.

Le geste radical et inaugural de Duchamp sera à l'origine d'un grand nombre de remises en cause du statut de l'art au XXe siècle et d'une percée de l'objet dans le champ des arts plastiques.

"Les ready-made et ready-made aidés, objets choisis ou composés par Marcel Duchamp à partir de 1914, constituent les premiers objets surréalistes" selon Breton. Si l'esprit de contestation et de provocation de Dada avait vu en Duchamp un de ses noms les plus représentatifs, les surréalistes aussi lui reconnaissent une certaine paternité en ce qui concerne leur relation à l'objet.

Fidèle au principe de leur esthétique, illustrée par la phrase de Lautréamont : "Beau comme la rencontre fortuite d'un parapluie et d'une machine à coudre sur une table de dissection", l'objet surréaliste est le fruit du collage d'objets les plus inattendus, issus de la rencontre de deux réalités différentes sur un plan qui ne leur convient pas. L'effet cherché est toujours la surprise, l'étonnement, le dépaysement comme celui provoqué par l'irruption du rêve dans la réalité. L'association d'objets se faisant au nom de la libre association de mots ou d'idées qui, selon Freud, domine l'activité inconsciente et en particulier l'activité onirique.

Les surréalistes s'étant particulièrement intéressés à l'objet, le propose une panoplie d'objets artistiques : Dictionnaire abrégé du Surréalisme objets réels et virtuels, objet mobile et muet, objet onirique, objet fantôme, etc. Ce qui réunit ces différentes déclinaisons de l'objet est leur charge inconsciente et symbolique, l'appel à une surréalité que les surréalistes trouvaient plus réelle que le réel lui-même.

Man Ray (1890-1976)
Alberto Giacometti (1901-1966)
Peintre et photographe, Man Ray illustre littéralement la phrase phare de Lautréamont dans les Chants de Maldoror, "Beau comme la rencontre fortuite d'un parapluie et d'une machine à coudre sur une table de dissection",en photographiant la réunion de ces objets. Acteur du mouvement Dada, Man Ray marque, avec ses objets étranges, le glissement de l'esthétique de révolte contre la belle peinture chère à Dada, vers la poétique de l'étrange, du fantastique et du rêve propre au Surréalisme, que Breton rendra officielle en 1924 avec son Manifeste du Surréalisme.

Métronome et collage Objet à détruire,1923
23,5 x 11,5 cm
Surréaliste ante litteram, le métronome qui ne scande plus le temps est un des " objets empêchés" de Man Ray. Comme il l'avait fait en 1921 avec Cadeau, un fer à repasser sur la base duquel il avait ajouté 14 clous qui en rendaient impossible la fonction, le métronome, rendu silencieux et immobile, se pare du collage incongru d'un œil et d'une étiquette qui détournent l'objet originaire et introduisent vers d'autres espaces évoquant les images surdéterminées de sens du rêve.

Table, 1933
Plâtre
148,5 x 103 x 43 cm

Conçue pour être un meuble, cette sculpture, dont le principe repose sur l'association étrange d'objets, exerce sur le spectateur un sentiment subtil d'inquiétante étrangeté. La tête de femme en partie voilée et son voile qui se poursuit dans le vide évoquent par métonymie un corps absent de la scène de la représentation mais qui pourrait faire partie de la table. Le curieux polyèdre, en équilibre instable sur le bord de la table, contrastant avec les éléments figuratifs de la sculpture, ajoute du mystère à la composition. La dimension de l'attente et de l'angoisse se lisent ici.
Joan Miró (1893-1983)

Victor Brauner (1902-1966)
L'objet du couchant, 1935-36Tronc de caroubier peint et éléments métalliques
64 x 44 x 26

Sur un tronc de caroubier peint en rouge, Miró accroche des ferrailles trouvées au hasard de ses promenades, qui le fascinent par une force magnétique plus forte que lui. Un ressort, une chaîne, un brûleur à gaz sont supposés représenter un couple de mariés ! A sa création on prit cet objet pour une farce, sauf Breton qui fut saisi par son côté magique et auquel l'objet fut cédé.
Max Ernst (1891-1976)
Loup-table, 1939-1947Bois et éléments de renard naturalisé
54 x 57 x 28,50 cm

La table, objet on ne peut plus familier et réconfortant car lié aux repas, à l'élément nourricier source de vie, se retourne en son contraire se métamorphosant en animal agressif et dévorant. Le mot loup, contenu dans le titre, évoque les contes d'enfants et les fantasmes d'engloutissement par dévoration. Néanmoins, avec un ultérieur désarçonnement de tous nos repères, c'est un renard que ce curieux assemblage nous présente.

Loplop présente une jeune fille, 1930, 1936, 1966 Huile sur bois, plâtre et collage d'objets
194,5 x 89 x 10 cm

Les objets surréalistes ne se présentent pas seulement en tant que tels associés à d'autres objets. Ils peuvent aussi envahir l'espace bidimensionnel de la peinture comme dans ce tableau synthèse de son œuvre, sur lequel Ernst est venu à trois reprises après de longs intervalles.

L'artiste qui s'identifie à Loplop, l'oiseau supérieur, présente sa peinture, dans une mise à distance qui trouble le regard et l'esprit. Max Ernst avait déjà réalisé des tableaux reliefs, mais ici c'est la peinture elle-même qui est remise en question par la citation dérisoire du tableau dans le tableau.

La peinture que Loplop présente n'est qu'un simulacre de peinture que le cadre peint accentue. A l'intérieur, une surface rugueuse, comme le reste du panneau, dans laquelle des objets réels remplacent les objets peints. Remise en cause loufoque de la mimesis picturale, de tout illusionnisme et du travail du peintre, qui se place résolument au-delà de la peinture. Les objets, une roue en métal, une pierre dans un filet, ainsi qu'une crinière de cheval, imposent leur réalité d'objets sans ambiguïté décorative. Ils appartiennent au répertoire thématique de l'artiste qui proclame ainsi sa création à l'enseigne de la distanciation.

Une sociÉtÉ d'objets

Le Pop Art américain

Pop art amÉricain et Nouveau rÉalisme

Les années soixante s'ouvrent, aux Etats-Unis comme en Europe, à l'enseigne de l'objet. C'est un retour au réel que proposent les artistes pop, réel qu'ils identifient à la société de consommation, s'emparant le plus souvent de ses images médiatiques pour la décrier et la proclamer en même temps. Pour les Nouveaux réalistes, qui définissent leur art comme une "nouvelle approche perceptive du réel", l'objet devient un protagoniste à part entière de leur moyen d'expression.

L'objet en tant que marchandise promu par la société de consommation se met en place, dans les années soixante, avec son langage publicitaire et ses mass-media. Déjà vers la fin des années cinquante, des artistes comme Robert Rauschenberg et Jaspers Johns avaient réagi contre les derniers sursauts de l' Expressionnisme abstrait, trouvant dans l'esprit antiacadémique de Dada et dans la figure de Duchamp leurs inspirateurs. Ces artistes prônent un retour au réel et si Rauschenberg intègre dans ses immenses tableaux, les Combine-paintings, des objets usagés de toutes sortes (journaux tabourets, lits, bouteilles de Coca, etc.), Johns réalise des peintures du drapeau américain ou des cibles de tir qui sont des peintures littérales de l'objet en question.

Dans la voie ouverte par ces deux pionniers, des artistes comme Claes Oldenburg et Jim Dine pour la sculpture, Andy Warhol et Roy Lichtenstein pour la peinture, se tournent résolument vers le monde décrié de la marchandise (hamburger, boîtes de lessive, canettes de Coca Cola) et vers les nouvelles formes de culture populaire : publicité, bande dessinée, stars de cinéma et de la politique, dans un élan à la fois enthousiaste et critique.
Claes Oldenburg (1929)
Malgré la promotion au rang d'œuvre d'art de tels objets ou de telles images, ce sont, le plus souvent, les rouages pervers d'une société de consommation que ces artistes révèlent avec humour, ironie et inquiétude. Les caisses d'emballage de Warhol pour le jus de tomates Campbell's sont des faux ready-made, car réalisés par l'artiste qui fait graver sur les caisses le graphisme publicitaire. Ces objets trompent l'œil et l'esprit à l'image de la logique marchande.

Chez les pop artistes américains l'objet n'est que rarement introduit tel quel. Il est reproduit en trompe-l'œil ou sous une forme grotesque par des agrandissements qui en altèrent le sens, en soulignent la trame, paraissant parfois plus réel que le réel lui-même jusqu'à toucher l'irréel et l'inquiétant.

Sa version du Pop Art, art populaire qui se veut à la portée donc de tout public, consiste à imiter des objets quotidiens, liés à l'univers de la marchandise alimentaire ou vestimentaire, qu'on achète dans des échoppes ou des boutiques "bas de gamme". Les répliques qu'Oldenburg propose de ces objets sont agrandies, avec une mise à nu de la matière et une exacerbation de la couleur. Sucettes géantes, hamburger, casquettes, vestes, façonnés en plâtre et peints grossièrement avec des coulures, envahissent l'espace et s'imposent à l'enseigne du mauvais goût.
Andy Warhol (1930-1987)
, ouvert par l'artiste dans son atelier pour imiter ironiquement l'endroit où ces marchandises se vendent. Le spectateur-acheteur pourra ainsi, sans mystère, pénétrer dans l'espace de fabrication de l'œuvre, réalisée par Pink cap, casquette rose, fut présentée avec d'autres objets ayant trait à l'habillement, à New York en 1961, dans une exposition de groupe. Elle fera ensuite partie des objets de son magasin, The Store un artiste-artisan qui travaille dans le lieu même de vente.

Le circuit de la galerie d'art et la valorisation muséale sont ici visés. Ces objets qu'on ne peut plus saisir avec la main, car ils se déploient dans l'espace, ont quelque chose d'inquiétant. C'est le familier qui se révèle étrange, prend des proportions immenses et nous entoure.

Dessinateur publicitaire avant de devenir artiste, Warhol est la figure la plus représentative du Pop Art. Son personnage ainsi que son œuvre ont fasciné. Bien qu'il apparaisse comme le plus impersonnel et le plus distant des artistes pop, son œuvre joue sur l'ambiguïté. C'est à l'image de l'objet que s'attaque Warhol.

Reproduisant à l'infini, par le procédé de la sérigraphie, l'image publicitaire ou des mass-media, Warhol lui enlève sa substance, l'inscrivant dans le vertige du multiple, du banal, promu néanmoins au rang d'œuvre d'art. "Je veux être une machine", proclame t-il, en légitimant son procédé mécanique de reproduction de l'image, écho d'une société sans âme que son œuvre représente et par là-même critique. Il se fait le représentant d'une société capitaliste à son apogée mais qui est néanmoins troublée par l'image de la mort. Accidents routiers, chaises électriques sont l'autre face de son art.

Electric chair, 1967Acrylique et laque appliquée en sérigraphie sur toile
137 x 185 cm

Warhol fait subir aux sujets les plus différents le même traitement emprunt d'une grande distance. Puisant toujours dans le répertoire des mass-media, il montre, par le procédé de l'image médiatisée qui s'est glissée entre le spectateur et le réel, l'impossibilité d'atteindre à la chose elle-même. D'où l'absence de tout affect dans ses œuvres qui dénoncent la déréalisation de l'homme moderne produite par la société du spectacle et le devenir marchandise du monde.
Les Nouveaux réalistes
Ainsi, la chaise électrique qui, avec la bouteille de Coca-Cola, est un des symboles de l'Amérique, se présente dans son statut d'image, froide et déshumanisée. Cette œuvre appartient aux Disaster Series (1963). Le même sujet violent est présenté sous des couleurs différentes et témoigne, avec cet aspect de la mort, de l'autre polarité de son art qui s'oppose aux visages riants.

A l'objet se substitue ici l'image sérielle, froide et déréalisante dans sa répétition.

Le 27 octobre 1960, chez Yves Klein, rue Campagne Première à Paris, advient la naissance officielle du Nouveau Réalisme qui réunit une dizaine d'artistes : Arman, François Dufrêne, Raymond Hains, Yves Klein, Martial Raysse, Daniel Spoerri, Jacques Mahé de la Villéglé, Jean Tinguely. Leur signature sera suivie de celle du critique qui sera leur porte-parole, Pierre Restany. La déclaration, qui tient en deux phrases, annonce le programme : "Le jeudi 27 octobre les Nouveaux Réalistes ont pris conscience de leur singularité collective. Nouveau Réalisme = nouvelle approche perceptive du réel ".

A ces premiers noms s'ajouteront ensuite ceux de César, Gérard Deschamps, Mimmo Rotella et Niki de Saint Phalle. L'année suivante Restany, dans un texte intitulé 40° au dessus de Dada, situait ce mouvement dans la filiation de Dada et de Duchamp.
Arman (1928)
Tout en présentant des démarches très différentes, ces artistes ont en commun le même intérêt porté à l'imagerie de la culture de masse dont ils s'approprient les objets. "Les Prisunics sont les musées d'art moderne" osera affirmer Raysse. Mais l'expression "nouvelle approche perceptive du réel" les différencie du Pop Art et laisse à chaque artiste une très grande liberté. L'objet tel quel devient le protagoniste à part entière de cet art qui consiste à se l'approprier.

Si Arman "accumule" ses objets selon une logique quantitative qui en efface la singularité, César, qui fait des tôles de voiture son objet fétiche, les "compresse", pour aboutir à des immenses parallélépipèdes qui tiennent au sol comme des sculptures polychromes. Spoerri, avec ses "tableaux-pièges", capte des instants du réel en s'appropriant les restes de repas qu'il place avec leur plateau à la verticale. Raysse élabore des assemblages où l'image photographique de femmes, anonymes et stéréotypées, joue avec l'objet réel dans une véritable "poésie objective", tandis que Tinguely, avec ses machineries absurdes et complexes, agrégats d'objets mécaniques bruyants, enclenche des mécanismes incohérents et infernaux à l'image de notre monde contemporain.

D'abord peintre abstrait, bien qu'il ait toujours revendiqué son art comme une évolution de la peinture, Arman quitte cette pratique avec l'introduction de l'objet quotidien dans son œuvre. Ses réalisations se déclinent dans un rapport toujours différent à l'objet. Accumulé tel quel, ou en tant que détritus (série des Poubelles commencée en 1959), brisé dans la série des Colères, brûlé dans les Combustions, se détachant d'une surface qui serait celle de la peinture qu'il remet en question, ou assemblés en immenses sculptures, les objets scandent son œuvre.
Martial Raysse (1936)
Dans cette œuvre, Arman accumule de vieux objets identiques, les fixe sur un support bidimensionnel et les dispose dans une boîte fermée par une vitrine, avec la même méticulosité qu'un entomologiste qui collectionne des papillons. Mais ici il ne s'agit pas d'insectes. Ces objets ne sont pas anodins. Ce sont des masques à gaz, disposés différemment selon chacune des trois versions que l'artiste donnera de l'œuvre.

Le principe est celui de la profusion infinie du même, de la répétition qui tend à déborder le cadre et fait appel à la dimension du all-over. Le titre, qui suggère la dimension de douceur et d'intimité domestique du collectionneur s'adonnant à sa passion dans son chez-soi, contraste, par une ironie tragique, avec l'objet fortement connoté, ces masques à gaz désormais liés dans la conscience de chacun à l'horreur des camps d'extermination nazis. Cet objet symptôme du XXe siècle est rendu à tout son côté macabre, par l'accumulation et l'enfermement dans un cadre strict, la boîte-maison, où s'inscrit l'horreur.

Martial Raysse apparaît souvent comme le représentant le plus prestigieux du Nouveau Réalisme dont il a fait partie dans les années 1960. A partir de 1970 l'artiste remettra en cause l'idéologie de la rupture des années 60 par une reprise subtile, sous la forme du pastiche, de la peinture ancienne et par l'évocation d'un univers énigmatique aux connotations mythologiques, résolument singulier.

Soudain l'été dernier, 19633 panneaux assemblage : photographie peinte à l'acrylique et objets
100 x 225 cm

De ce "tableau à géométrie variable", car se déployant sur des plans décalés, jouant finement entre les trois registres de la photographie, de la peinture et de la sculpture, "soudain" l'objet réel fait irruption dans l'espace même du spectateur. Un chapeau de paille et une serviette s'avancent au-delà de la surface peinte, dans une temporalité d'effraction qui rappelle celle du titre emprunté à Tennessee Williams. " Soudain" comme l'a été aussi le déclic photographique qui a pris la pose de la jeune femme à la plage, figure anonyme et stéréotypée d'une imagerie de consommation pour des produits solaires ou pour des vacances au bord de l'eau. Mais sur cette image photographique, agrandie, la retouche à la peinture révèle des parties qui semblent appartenir à la peinture ancienne : trompe-l'œil du bras, modelé des verts sur les jambes de la jeune femme, blanc du drap peint.

Tout en célébrant une imagerie de masse, Martial Raysse la transcende par l'irruption abrupte de la poésie dans l'ici et maintenant de la perception de l'œuvre qui ne tient pas en place. Le modèle photographique sort du cadre de la peinture, et l'objet réel sort du cadre de la représentation pour troubler la perception. Le temps aussi semble sortir de ses gonds et en appeler à plusieurs temporalités à la fois : à l'actualité de la photographie comme technique moderne de représentation s'ajoute le passé de la pose, "l'été dernier", aux rappels à la peinture ancienne répond le hors temps de l'irruption de quelque chose, le "soudain", ici surdéterminé de sens, du déclic photographique, de l'impression de l'image et de la perception de l'œuvre.

Mises en scÈne de l'objet

DES MYTHOLOGIES PERSONNELLES

Masqué, peint, chargé de singulières résonances psychiques, l'objet sera aussi isolé et mis en scène. Dans ces cas, porté au devant de l'espace, l'objet participe du milieu qui le reçoit et qui l'expose : le musée ou la galerie d'art. De plus en plus l'œuvre d'art est l'expression de démarches contemporaines isolées à l'enseigne d'une mythologie personnelle dont seul l'artiste possède la clef d'interprétation.
Joseph Beuys (1921-1986)
Jean Michel Sanejouand réalise ses premiers Charges-objets en 1963, qui dérivent de ses anti-peintures. L'objet s'oppose à la peinture et s'impose, seul, dans l'espace. Composés d'objets réels assemblés incongrûment avec d'autres fragments d'objets, ces charges-objets sont assemblés de telle façon que le sens ainsi que l'usage ancien disparaissent. Ils aspirent à une banalité sans signification autre que leur être là, leur présence problématique, leur non-sens. La dimension ironique affleure néanmoins dans ces objets chargés de rien.

Pour Joseph Beuys, proche du mouvement Fluxus, les objets qu'il expose, Chaise de graisse, 1964, ou Infiltration homogène pour piano à queue, 1966, sont des pièces sorties des performances qu'il réalise, où l'objet dissimulé occupe la totalité de la scène. Fin des années 60, Jean-Pierre Raynaud invente les Psycho-objets tandis que, dans les années 80, Bertrand Lavier présente ses "frigidaires" et ses meubles de bureau peints.

Beuys élargit à la totalité du réel la notion d'art. Ses actions rituelles veulent libérer la pluralité des sens. L'art aurait une vertu thérapeutique et l'artiste serait proche du chaman. Objets et matériaux liés à une symbolique toute personnelle ancrée dans sa biographie participent d'un art à visée sociale dans une société malade.

Infiltration homogène pour piano à queue, 1966Piano à queue recouvert de feutre et tissus
100 x 152 x 240 cm
Bertrand Lavier (1949)
En associant un piano, instrument de musique et porteur d'ondes sonores, au feutre, matériau symbole de vie et de survie pour l'artiste, Beuys veut faire de cet objet un vecteur d'énergie. A travers le feutre se filtre le potentiel sonore du piano. L'objet se déguise, et se devine derrière le tissu qui l'ouvre à d'autres expériences sensibles. "Les deux croix, dit Beuys, signifient l'urgence du danger qui menace si nous restons silencieux [...] Un tel objet est conçu pour encourager le débat et en aucun cas comme produit esthétique."

Ainsi l'objet se pare de plus en plus de résonances symboliques que l'artiste se doit d'expliquer car elles lui sont propres, comme c'est le cas aussi pour les Psycho-objets de Raynaud. Le pot de fleur et le carreau de faïence blanche récurrents dans son œuvre renvoient l'un à la vie et l'autre à la mort dans un monde froid et de plus en plus aseptisé.

L'œuvre de Bertrand Lavier s'inscrit dans le sillage ouvert par Duchamp questionnant avec ses ready-made la limite entre art et non art. Cette limite, devenue de plus en plus mince, il la remet en question avec ses objets anodins de la vie de tous les jours : "frigidaires" ou armoires aux lignes rigides, pièces froides tirées de leur contexte et installées dans le musée. Avec ses objets peints des années 80, Lavier résout le dilemme entre art et non art. La peinture acrylique appliquée en couche épaisse parodiant la touche de Van Gogh fait sortir ces objets du simple statut de ready-made. La peinture recouvre exactement, comme le souligne Jean-Hubert Martin, ce dont elle parle. L'objet qui repose au sol nous interpelle donc de son ambiguïté même : objet et peinture à la fois, donc ni totalement l'un ni totalement l'autre.

Par le recours à la superposition d'un objet sur un autre, comme par exemple un réfrigérateur sur un coffre-fort, Brandt\Haffner, 1984, Lavier renoue avec la thématique de la sculpture et de son socle. Contrairement aux apparences, Lavier se réclame plus de Brancusi que de Duchamp, et ses dispositifs subtils de mise en scène montrent, à travers l'objet, une remise en cause de la sculpture elle-même.

Le titre humoristique évoque une figure féminine qui contraste avec l'objet et sa forme rigoureusement géométrique. Il l'entoure d'un mystère que redouble le recouvrement pictural de sa surface. Ce placard métallique de bureau est un meuble banal, entièrement recouvert de peinture acrylique verte, une peinture qui colle à l'objet comme une peau élastique et épaisse et lui confère une consistance de cire. Si l'objet est insignifiant, quotidien et préexiste à son appropriation par l'artiste, c'est un acte de peintre qui lui donne le statut d'œuvre d'art.

Cette pièce hybride est présentée dans l'exposition Cinq pièces faciles, galerie Eric Fabre, avec deux autres meubles de bureau, un réfrigérateur Westinghouse et un piano à queue Gabriel Gaveau. Mise en scène et en relation avec les autres objets de la série ainsi qu'avec l'espace qui l'accueille, elle renoue, par son imposante statique, avec la sculpture que l'artiste revendique.

Margherita LEONI-FIGINI

Ouvrages
Liens
Bibliographie sÉlective

* , Ed. du Centre Georges Pompidou, 1986., Ed. du Centre Georges Pompidou, 1997, Ouvrage collectif, Carré d'art contemporain, Nîmes, 1993. Folio, Gallimard, 2000., Flammarion, 1989., Editions du Centre Pompidou, 2000 La Collection du Musée national d'art moderne
* La Collection du Musée national d'art moderne, Acquisitions, 1986-1996
*
* Denys Riout , L'ivresse du Réel
* Catherine Millet, Qu'est-ce que l'art moderne ?
* Werner Spies, L'art contemporain en France
* Art moderne. La Collection du Centre Pompidou, Musée national d'art moderne, sous la direction de Brigitte Léal, 2007
Picasso sculpteur* Art contemporain. La Collection du Centre Pompidou, Musée national d'art moderne, sous la direction de Sophie Duplaix, 2007

Dossiers pédagogiques sur les collections du Musée national d'art moderne
* Pablo Picasso
* L'art surréaliste
* Le Pop Art
* Le Nouveau Réalisme

Parcours expositions
* La Révolution surréaliste

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Contacts
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© Centre Pompidou, Direction de l'action éducative et des publics, décembre 2004
Texte: Margherita LEONI-FIGINI, professeur relais de l'Education nationale à la DAEP
Maquette: Michel Fernandez
Dossier en ligne sur www.centrepompidou.fr/education/ rubrique 'Dossiers pédagogiques'
Coordination: Marie-José Rodriguez

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Centre Pompidou, parcours pédagogique : L'OBJET DANS L'ART DU XXe

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Dossiers pédagogiques - Collections du Musée > English text Martial Raysse, Soudain l'été dernier, 1963 INTRODUCTION REPRÉSENTER L'OBJET L'EXPÉRIENCE CUBISTE * Georges Braque (1882-1963) * Pablo Picasso (1881-1973) DÉTOURNER L'OBJET RÉEL DE DUCHAMP AUX SURRÉALISTES * Marcel Duchamp (1887-1968) Les ready-made * L'objet insolite des surréalistes UNE SOCIÉTÉ D'OBJETS POP ART AMÉRICAIN ET NOUVEAU RÉALISME * Le Pop Art américain * Les Nouveaux réalistes MISES EN SCÈNE DE L'OBJET DES MYTHOLOGIES PERSONNELLES * Joseph Beuys (1921-1986) * Bertrand Lavier (1949) BIBLIOGRAPHIE SÉLECTIVE INTRODUCTION L'objet traverse la tradition picturale occidentale dès l'antiquité.

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Petite histoire des lunettes dans l'art, le design et l'optique

Qu'elles soient pour corriger la vue, protéger, être un accessoire de mode ou un objet d'art, les lunettes sont le fruit d'idées les plus pratiques aux plus étonnantes. Ce panorama vous propose un angle de vue plutôt artistique d'"un objet encore en train d'évoluer par les tendances mais aussi de nouvelles fonctionnalités.

Dès le Ier siècle, le philosophe Sénèque constate qu'un objet observé à travers un ballon de verre rempli d'eau apparaît plus gros.

À la même époque, Pline l'Ancien décrit l'utilisation d'une émeraude par l'empereur Néron pour suivre les combats de gladiateurs ; il est possible que ce soit là une lentille optique pour corriger la myopie.

Au Moyen Âge apparaît l'usage de la " pierre de lecture ", dans les monastères en particulier, dont la qualité grossissante permet de combattre les effets de la presbytie, une fois posée sur un texte écrit. Cette pierre pouvait être un cristal de roche taillé.

Pierre de lecture (" Beryllus "). Musée de l'optique à Oberkochen.

La technique du verre donnait un rendu moins transparent que de nos jours, et les bulles et les impuretés ne permettaient pas de penser à ce matériau pour un usage optique.

Par la suite un traitement du verre permit de l'employer pour corriger la vue.

C'est au XIIIe siècle à Florence que le physicien Salvino degli Armati met au point une paire de verres enchâssée dans un cercle de bois, dont l'épaisseur et la courbure permettent de grossir les objets et les textes. Dès lors, l'objet prend un essor certain.

Les premières besicles (lunettes sans branches qui se fixent sur le nez), apparaissent à Venise à la fin du XIIIe siècle. Elles se composent de verres de Murano enchâssés dans des cercles en bois, en corne ou en cuir, et attachés individuellement à des manchons rivetés par un clou. Ces lourdes " besicles clouantes ", sont illustrées ci-dessous.

" Besicles clouantes " au Moyen Âge (1466), retable des 12 apôtres (Rothenburg, Allemagne)

Symbole d'érudition, ces " clouants " sont représentés dans de nombreuses œuvres, portées par des moines, des médecins ou encore des philosophes.

Dignitaire dominicain ( Hugues de Saint-Cher) portant des lunettes pour la lecture, par Tommaso da Modena(1352), Trévise

Au xve siècle, le clou est remplacé par un pont, et les matériaux évoluent : bois, métal, corne, cuir, écaille de tortue ou encore fanon de baleine. Plus tard on ajouta un ruban noué derrière le crâne ou d'une ficelle autour de l'oreille pour plus de confort.

Après le moyen-Âge les formes progressent ainsi que leur qualité jusqu'à la forme que nous connaissons.

· le lorgnon monocle ;

· le lorgnon binocle, appelé pince-nez lorsqu'il est maintenu sur le nez par un ressort ;

· le face-à-main et la lorgnette de théâtre qui sont pourvus d'un manche.

En 1752, l'opticien anglais James Ayscough crée les premières lunettes à verres teintés. Ce sont pour lui des lunettes correctrices et non des lunettes de soleil car il pensait que les teintes bleues ou vertes corrigeaient la vision.

Au milieu des années 1950, le design fait son apparition dans le domaine de la lunetterie, qui fait alors appel aux plastiques dont le moulage et les propriétés se prêtent à l'inventivité des créateurs : la lunette n'est désormais plus simplement une prothèse médicale. Ce mouvement s'accentue dans les années 1980-1990, de nombreux designers lançant leur collection, et les lunettes deviennent un accessoire de mode, mêlant ergonomie et esthétique. Chaque année, les nouvelles collections de montures sont présentées lors de salons internationaux de l'optique

Comment défendre que myopie, hypermétropie, astigmatisme, presbytie n'auraient aucun effet sur l'imaginaire de celle ou de celui qui en souffre ?

Anachronisme de l'apôtre " aux lunettes " de Conrad von Soest (1404).
Vierge du Chanoine van der Paele , 1436, Jan van Eyck, (Bruges, Groeninge Museum). La " Vierge au chanoine van der Paele ", étonnamment proche du type iconographique italien de la " sacra conversazione ", est le plus grand tableau de la main de Van Eyck qui soit conservé, après l' "Agneau Mystique ".
Détail du tableau ci-dessus

Friedrich Herlin, St Pierre 1466

"Le chirurgien" peint par Jan Sanders Van Hemessen en 1555 (peintre flamand de la Renaissance nordique)

Bartolomeo Esteban Murillo, Quatre personnages sur une marche d'escalier 1655. C'est un peintre baroque espagnol du XVIIe siècle. Il est avec Diego Vélasquez, Francisco de Zurbaran et José de Ribera, un des principaux représentants du Siècle d'or en peinture et le chef de file de l'école de Séville, second centre artistique de l'Espagne au XVIIe siècle après Madrid.

Jean-Baptiste Siméon Chardin, pastel, Autoportrait aux bésicles, vers 1775

Jean-Baptiste Siméon Chardin, Autoportrait à l'abat-jour vert ou L'Homme à la visière, (pastel, 46 × 38 cm), Musée du Louvre, Paris. 1775

F. Goya, Autoportrait aux lunettes, Chronologie vers 1800, Technique : Huile sur toile, Dimensions : H. 0,615 ; L. 0,478 m., Legs Pierre Briguiboul, 1894, © Musée Goya, Castres, cliché P. Bru

Modigliani

Jusque dans les années 1900 les Inuits et d'autres peuples de l'arctique utilisaient des lunettes en bois avec de fines fentes percées pour les yeux de façon à se protéger du soleil et de son intense réflexion sur la neige.

Lunettes inuit

Plaza, magazine des tendances de mode a fait appel au photographe Philip Karlberg pour réaliser une série exclusive de visuels mettant en scène les paires de lunettes de soleil stars de ce printemps été 2013...

Food Art et Lunettes de Soleil par Philip Karlberg, été 2013
© Images : Philip Karlberg / Plaza Magazine © Images : Philip Karlberg / Plaza Magazine
Food Art et Lunettes de Soleil par Philip Karlberg, été 2013 © Images : Philip Karlberg / Plaza Magazine

Dzmitry Samal, " 6 dpi eyewear "

Même si René Descartes confie dans " Le discours sur la méthode " son penchant pour certaine coquetterie dans le regard des femmes atteinte de myopie. Notre époque intègre les lunettes comme un accessoire indispensable.

Les lunettes sans branches du passé sont peu portées de nos jours, sauf en cas d'excentricité. Les designers peuvent investir largement le domaine, alliant l'art de la forme à la fonction.

La marque française, Hype Means Nothing s'impose avec les motifs de ses tee shirt où les stars posent avec des lunettes " hype ", représentées par des mains.

hype-means-nothing-L-1

HYPE MEANS NOTHING On Kate Moss

Le président Barak Obama porte des lunettes hype pour la marque Hype Means Nothing

Linda Farrow x Jeremy Scott Flesh Hands Sunglasses

· Il existe des lunettes prismatiques constituées de 2 prismes réversibles. Ces lunettes ont la particularité de renvoyer l'image à 90° soit vers le haut soit vers le bas.

Elles sont utilisées principalement dans deux cas :

- dans les écoles d'escalade pour surveiller les parois sans avoir à lever la tête ;

- pour pouvoir lire au lit en restant couché à plat sur le matelas.
Des lunettes kaléidoscopiques
Pas très artistiques mais très fonctionnelles, fini les douleurs cervicales et les torticolis, voici les lunettes prismatiques.

Lunettes pour lire couché
Pamelia Tietze
La créatrice new-yorkaise Pamelia Tietze a mis au point HOLES, une ligne de lunettes de soleil aux verres kaléidoscopiques pour ressentir les sensations de l'enivrement lorsqu'on a trop bu, sans subir la gueule de bois !

" Mon but est de vous donner l'impression d'être un touriste dans votre propre réalité ", explique Pamelia Tietze.

· La Google Glass : cette paire de lunettes est équipée d'une caméra intégrée, d'un micro, d'un pavé tactile sur l'une des branches, de mini-écrans, d'un accès à internet par Wi-Fi ou Bluetooth et d'un écouteur branché sur la branche droite des lunettes en mini-usb.
Les lunettes pour vision de nuit :
Elle permet d'accéder à la plupart des fonctionnalités de Google : Google Agenda, reconnaissance vocale, Google+, horloge/alarme, météo, messages (SMS, MMS, courrier électronique), appareil photo, GPS.

Google glass Source : ici

On peut voir jusqu'à 15 mètres avec ces lunettes. Certaines sont même munies de caméra HD et permettent de filmer.

Cette rubrique mériterait d'être complétée...

Parfois il suffit de peu pour reconnaître une personne. Entre la coiffure et les lunettes, le clin d'œil à Andy Warhol est assuré !

Andy Warhol, artiste du Pop Art
Mêlant un peu d'humour et de dérision voici une lunette pour cyclope. Marcel Mariën - L'introuvable - 1937 - Lunette pour cyclope
André KERTESZ, Portrait en nature morte de Mondrian. Les attributs du peintre suffisent à l'évoquer totalement.

Federico Mauro nous montre à quel point une paire de lunette peut être liée dans l'inconscient collectif à une personne :

The blues brothers
Hyungkoo Lee
Vous aimerez aussi l'expérience réalisées avec mes élèves de 6e de " lunettes pour être vu ", histoire d'ajouter au style et de se faire remarquer... C'est

Que fait-on quand on regarde une œuvre ? De quelle manière le spectateur agit-il pour appréhender l'œuvre d'art ? Cette interrogation, les artistes l'ont portée et intégrée à leurs créations au moins depuis la Renaissance. Van Eyck, Holbein et après eux Velasquez ont intégré à leurs tableaux le regard du spectateur. Plus près de nous, les artistes contemporains aussi travaillent sur cette relation particulière de l'œuvre au spectateur qui, a priori, leur échappe.

En 1976, Lygia Clark (1920 - 1998) commence à étudier les possibilités thérapeutiques de l'art sensoriel, en utilisant les " objets relationnels", qui est le nom générique donné par l'artiste pour ses travaux effectués de 1976 à 1988. Elle y travaille des " fichiers souvenirs " des patients, stipulant leurs craintes et leurs faiblesses relevées dans leurs expériences sensorielles.

Lygia Clark, " oculos "

Lygia Clark, "Diálogo: Óculos", 1968, © Lygia Clark

Lygia Clark recherche des processus interactifs avec le spectateur. Ceci l'a conduit à concevoir des objets utilisés comme moyen de communication. Les "lunettes" - (voir aussi "Máscaras sensoriais") - permettent d'affiner la vision et proposent une nouvelle façon de voir. Ce dispositif portable, place Lygia Clark en compagnie " des chercheurs de perception ". Cela n'est pas sans compter sur l'aspect sensuel dû à la proximité avec le spectateur. Ces lunettes font partie du projet "Oculos."

Dans victoire sur l'instant quelconque, Jean-Marc Andrieu tente d'embrasser le phénomène du regard en mettant au point une étrange prothèse. La grande paire de lunettes qu'il nous propose est censée améliorer la vue de l'art. Le dispositif : dans un même mouvement le regard et l'objet regardé, ainsi que les références artistiques nécessaires (notamment Marcel Duchamp) pour la compréhension des œuvres. Le gros cordon qui pend au sol est le lien qui rassemble tous ces éléments, et aussi le lacet, le piège qui attend le spectateur, car pour que le dispositif du regard puisse se mettre en place, il faut qu'un regard ait été capté, capturé, qu'un regardeur se soit arrêté et ait porté son attention sur l'objet. On peut d'ailleurs rapporter la dimension esthétique des œuvres à cette notion de piège.
Une installation interactive de Michal Kohút :
Victoire sur l'instant quelconque, Jean-Marc Andrieu

L'homme utilise souvent l'art pour questionner sa singularité. Grâce à ces étranges lunettes, l'artiste coréen Hyungkoo Lee adopte un regard d'insecte. Cette création fait partie de son travail intitulé The Objectuals

Les étonnants casques méta-perceptuels, qui vous proposent de voir le monde à travers les yeux des animaux, imaginés par les artistes Anne Cleary et Denis Connolly et leur Meta-perception Club. Ces casques ont en effet été créés pour retranscrire ce que l'on peut voir à travers les yeux d'une giraffe, d'un requin-marteau, d'un cheval ou d'un caméléon. Une expérience sensorielle intéressante

© Image: Hammerhead Helmet in Paris 2014

© Image: Cheshire Cat Helmet National Museum of Ireland 2014

Delphine Decamp, centre culturel Colombier Phakt, source : ici

DR, source : ici

Pavel Puhov, street art

Les muscles qui contrôlent le clignement des yeux est le plus rapide dans le corps, mais Michal Kohút a réussi à égaler sa vitesse avec son installation nommée 0,1. Composée d'une paire de lunettes équipées d'un détecteur, les lumières de la salle s'éteignent et à chaque fois que l'utilisateur cligne des yeux. Kohút explique que les mouvements sont si rapides que la personne portant les lunettes ne le remarque même pas.

Michal Kohút, 0.1, 2010

La vidéo est explicite :

Michal Kohut - 0,1 (2010) from Michal Kohút on Vimeo.

Zhan Xiaogang, portrait de famille, père et fille avec lunettes

Des passionnés de cinéma se sont pourtant lancés dans ce défi et ont réalisé un montage des lunettes de soleil inoubliables du cinéma de 1962 à aujourd'hui. C'est sur le titre Shades de Dean Martin que cette vidéo très réussie nous propose de toutes les retrouver. Toutes sauf celles de Men in Black qui ont été délibérément omises par les créateurs du projet. Trop simple, certainement... Saurez-vous les retrouver ? Si vous séchez, la liste complète des films présents dans cette vidéo est disponible en cliquant ici.

Mayura Torii, Lunettes des amoureux

Détail de la photo ci-dessous

Philippe Ramette, Objet à voir le chemin parcouru (utilisation), 1991-2003, Photographie couleur, 150 x 120 cm, Edition de 5 + 3 EA. - © Marc Domage, Courtesy Galerie Xippas, Paris

" Rationaliser l'irrationnel ", tel est l'incroyable quête de Philippe Ramette, Magritte français utilisant la photographie pour remettre en cause la validité des images.

Des passionnés de cinéma se sont lancé le défi de réaliser un montage des lunettes de soleil mémorables du cinéma, de 1962 à aujourd'hui. C'est sur le titre Shades de Dean Martin que cette vidéo très réussie nous propose de toutes les retrouver. Toutes sauf celles de Men in Black qui ont été délibérément omises par les créateurs du projet. Trop simple, certainement... Saurez-vous les retrouver ? Si vous séchez, la liste complète des films présents dans cette vidéo est disponible en cliquant ici.

Lunettes de Morpheus dans Matrix

Film : Charly et la chocolaterie Willy Wonka joué par Johnny Depp

Film : Sleepy Hollow, Ichabod Crane, un scientifique innovateur joué par Johnny Depp

Terminons par ces amusantes lunettes télévision.

Lunettes Télévision - 1964

Conclusion

Qu'elles soient fonctionnelles et esthétiques et donc fruit de l'intérêt des designers ou objet de questionnement pour les artistes et les scientifiques, les lunettes sont un objet interactif donc lié à celui qui les porte. Elles permettent de s'intéresser au spectateur et sa façon de percevoir, à l'objet perçu et à l'objet de perception. Un trio très créatif qui s'ancre volontiers au programme de 6 e en arts plastiques.

© Sylvia Ladic 2015

Sources

Quizz : http://www.quizz.biz/quizz-816789.html

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Copyright S. Lepied

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A l'occasion de la quatrième édition des Journées des Métiers d'Art, les Arts Décoratifs présentent le résultat d'un projet réalisé en dix huit mois, par des élèves de Brevet des Métiers d'Art (BMA) ébénisterie du lycée Adrienne Bolland de Poissy.
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Les élèves de 1ère AMATAP ont participé à la 13e édition du concours, " je filme le métiers qui me plait ".
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Antonia Neyrins - L'art du carnet de voyage

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Antonia Neyrins est carnettiste, elle voyage pour réaliser des carnets de voyage. Ce documentaire est une présentation de sa passion, son métier.

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Les œuvres d'Antonia Neyrins invitent à penser le voyage comme un outil de rencontre mais aussi de réflexion sur sa propre identité.
Antonia Neyrins métisse écriture et images dans ses carnets de voyage et ses valises de curiosités. La diversité des cultures dans lesquelles elle a grandi et vit a façonné son ouverture aux autres. La pratique du carnet de voyage est son art de vivre au quotidien et le voyage un alibi car c'est la rencontre avec l'autre qui prime.
L'éclectisme des techniques et des matériaux utilisés mais aussi des approches (un regard d'enfant, un cœur d'ethnologue et la plume parfois acide d'une journaliste) témoignent de sa curiosité envers le monde.

En Chine, elle détourne de très grands carnets de calligraphie pour créer des carnets accordéons surdimensionnés. Au Liban, avec des réfugiées syriennes dans un atelier de création textile, elle incorpore des broderies sur papier et tissu à son carnet.
A la fois journal intime, cahier de tendance, journal d'explorateur, carnet d'écrivain et d'artiste, les carnets de voyage d'Antonia Neyrins sont des œuvres à part entière. Accompagnés d'objets authentiques, anciens ou artisanaux mais aussi de matières minérales, animales et végétales, récupérées sur place, ils s'inscrivent dans la tradition du cabinet de curiosités mêlant dessins, croquis, aquarelles, textes, et collectes in situ.

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Les œuvres d'Antonia Neyrins invitent à penser le voyage comme un outil de rencontre mais aussi de réflexion sur sa propre identité. Antonia Neyrins métisse écriture et images dans ses carnets de voyage et ses valises de curiosités. La diversité des cultures dans lesquelles elle a grandi et vit a façonné son ouverture aux autres.

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Un campus dédié aux métiers d'art à Versailles 

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Un campus dédié aux métiers d'art à Versailles 

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CAMPUS VERSAILLES, PATRIMOINE ET ARTISANAT D’EXCELLENCE

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La Grande Écurie du château de Versailles accueillera, à l'horizon 2024, un campus d'excellence dédié aux métiers d'art et du patrimoine. Autour de la galerie des Carrosses et de l' Académie équestre de Bartabas, 7000 m² d'espaces disponibles (suite au rapprochement de l'ensemble des services administratifs de l'Établissement public au Grand Commun) vont être aménagés pour constituer la première " Très grande infrastructure de formation " aux savoir-faire "à la française", regroupant cinq filières :

Métier du patrimoine bâti

Métiers d'art et du design

Métiers de l'horticulture et des espaces paysagers

Métiers de la gastronomie

Métiers de l'accueil, des services et du tourisme

Le " Campus Versailles, patrimoine et artisanat " vise ainsi à pourvoir aux besoins en compétences de ces filières renommées dans le monde entier, à accompagner leurs mutation et adaptation aux transitions numériques et écologiques, et à stimuler leur vitalité et leur rayonnement international.

UN LIEU DE FORMATION, D'INNOVATION ET DE RECHERCHE

Formation initiale, formation continue, apprentissage, enseignement scolaire, enseignement supérieur, croisement des filières, le Campus Versailles se veut puissamment intégrateur et entend déployer un dispositif pédagogique inventif -entre perpétuation de tradition et innovation- pour les 200 à 300 apprenants attendus chaque semaine (environ 8000 par an). Avec l'ambition de créer un écosystème de formation et un écosystème scientifique, tout en croisant directement les intérêts des entreprises pour connecter au mieux formation et emploi.

Seront ainsi mis à disposition : près de 2000 m² de labs adaptés à chacune des filières permettant la conception, la modélisation et la fabrication ; autant de surface dédiée aux espaces partagés par toutes les filières favorisant les rencontres entre élèves, étudiants, apprentis, professionnels, scientifiques et artistes. Ces espaces intégreront aussi des ressources multimédias et permettront l'accès à une production en autonomie de supports (graphiques, vidéos, etc.) ; 1000 m² seront voués aux espaces d'accueil, conférences et de coworking ; 1000 m² seront ouverts au public, tournés vers la démonstration, la découverte et l'orientation, donnant notamment à voir les œuvres des élèves et artisans. Enfin, ce campus pensé également comme un lieu de vie, où pourront s'organiser "nocturnes" et hackathons, disposera sur 1000 m² d'équipements de loisirs (bibliothèque, salle de détente et de sport, etc.), d'une offre de restauration et de logements.

Plus largement, le domaine du château de Versailles leur sera ouvert et les ateliers de restauration du C2RMF leur apporteront une complémentarité en matière de plateaux techniques innovants. " La présence exceptionnelle des métiers d'art sur le site permet de bâtir un pont entre patrimoine et création dans des parcours uniques, appuie Catherine Pégard, Présidente du Château. Versailles a toujours été, dans tous les domaines, le lieu de l'innovation : on y a vu s'envoler la première montgolfière, s'allumer les premières lampes à huile, s'enrichir la gastronomie, s'imposer la mode, naître le design... Aujourd'hui, ce campus d'excellence ouvre le château de Versailles comme un inépuisable lieu de "travaux pratiques" et d'inspiration à ceux qui en sont parfois les plus éloignés. "

Une infrastructure d'excellence pour rayonner en France et à l'international

Le Campus Versailles a également vocation à être un projet " vitrine " en France et à l'international. Il donnera à voir l'excellence créative des formations, les métiers du Château et du patrimoine, les modes de transmission digitaux, et bien sûr, les réalisations des jeunes. Il permettra aux étudiants entrepreneurs, aux start-ups, aux PME de ces filières, de développer leurs innovations et de les prototyper avec les élèves et stagiaires, dans des espaces dédiés, dans le cadre de projets encadrés et sélectionnés. Des partenariats déploieront de nombreuses actions d'ouverture à l'international telles que l'obtention de doubles diplômes, l'accueil de délégations, le partage des bonnes pratiques ou encore l'incubation de projets européens et internationaux.

UNE APPROCHE PARTENARIALE POUR UN PROJET D'AVENIR

La mise en œuvre d'un tel projet d'innovation pédagogique, culturelle, scientifique et sociale rassemble plus d'une centaine d'acteurs et partenaires, intervenant chacun dans leur champ d'action et avec des moyens différenciés. Des partenaires publics et institutionnels : les ministères de l'Éducation nationale et de la jeunesse, de l'Enseignement supérieur et de la Recherche, de la Culture, de l'Agriculture et de l'Alimentation, du Travail. Des opérateurs de formations publics et privés multiples -55 établissements de formation de l' Académie de Versailles et plus de 100 en Île-de-France- pour des parcours tout au long de la vie, parmi lesquels l'École hôtelière de Versailles, l'École nationale supérieure du paysage de Versailles (ENSP), l'École nationale supérieure d'architecture de Versailles (ENSA-V), les universités de Cergy-Pontoise ( CY Cergy Paris Université) et de Paris Saclay dont l'université de Versailles Saint-Quentin-en-Yvelines. En outre, le campus mobilise des institutions prestigieuses, qui permettront aux élèves et étudiants de mettre en application de manière très concrète l'ensemble des savoirs acquis, au premier rang desquelles se trouve le château de Versailles, partie prenante dès l'origine du projet.
S'imposant comme une infrastructure d'importance ancrée sur son territoire, répondant aux enjeux de valorisation du patrimoine et de transmission des compétences, le projet est porté par la Région Île-de-France et bénéficie du soutien des départements des Yvelines et des Hauts-de-Seine.

À noter que, le Campus Versailles s'inscrit dans le cadre du lancement de l'opération " chantiers de France " destinée à promouvoir les métiers nécessaires à la reconstruction de Notre-Dame de Paris et à la rénovation du patrimoine à l'échelle nationale. Le 6 février 2020, il s'est vu décerner le label de campus d'excellence. Ce dernier est attribué aux Campus des métiers et des qualifications participant au développement des métiers d'avenir et des filières d'excellence françaises.

La Grande Écurie, haut-lieu de transmission des savoirs

Œuvres de l'architecte Jules Hardouin-Mansart, les Écuries royales, édifiées entre 1679 et 1682, ont participé du rayonnement de Versailles et de la Cour des Rois de France sous l'Ancien Régime. Après la Révolution française, ces dépendances du Château ont été choisies par les régimes politiques successifs pour accueillir, tour à tour, institutions équestres, militaires et culturelles. La fonction d'enseignement et de transmission était alors récurrente dans ces différentes affectations.

Dès 1798, la Grande Écurie abrite l'École d'instruction des troupes à cheval, à laquelle est intégrée, l'année suivante, l'École nationale de musique militaire (ou École des trompettes). Elle est affectée, en 1848, à l'Institut national agronomique, pour lequel sont aménagés : amphithéâtres, salles d'études, ateliers et laboratoires... Mais aussi une station météorologique, installée dans l'aile nord. Les activités de l'établissement vont s'étendre à différentes parties du domaine de Versailles, puisque les fermes de la Ménagerie, de Satory et de Gally, tout comme le Potager du Roi, sont destinés aux cas pratiques et à l'expérimentation. L'école est finalement supprimée en 1852.

Napoléon III réserve ensuite l'édifice à sa Maison militaire, pour le commandement ainsi que l'École d'artillerie de la Garde impériale qui l'occuperont jusqu'à la chute de l'Empire.

Près d'un siècle plus tard, la Grande Écurie est un temps envisagée pour héberger l'École nationale d'administration (ENA). Dans les projets architecturaux élaborés, les futurs hauts fonctionnaires devaient bénéficier de plusieurs amphithéâtres, salles de conférences et de travail, de chambres aménagées dans les combles et même d'une salle de sport et d'une piscine. Néanmoins ni les aménagements ni l'installation ne se feront. Aux termes des travaux de restauration, ce sont différents services à caractère culturels qui s'implantent entre la fin des années 1950 et le début des années 1970.

Les galeries des écuries sont assignées à la direction des musées de France et au musée de Versailles pour devenir des réserves de sculptures et de moulages. L'établissement public du château de Versailles installe lui-même dans l'aile nord certains de ses services à la fin des années 1990, avant qu'ils ne rejoignent le Grand Commun en 2015.

Bien que pleinement tourné vers l'avenir, le projet " Campus Versailles, patrimoine et artisanat " est donc un véritable clin d'œil à l'histoire des lieux. " L'implantation d'un campus d'excellence dans la Grande Écurie, qui renouvelle le destin d'un ensemble architectural unique, conjugue pour l'Établissement public, le respect de son histoire, de sa mission première d'ouverture à tous les publics et de ses obligations en faveur de la transmission des savoirs. En soutenant un projet qui fait le lien entre patrimoine et création, nous engageons notre responsabilité pour l'avenir : inscrire le château de Versailles dans son époque avec tous ceux qui précisément, chaque jour, font vivre le passé dans le présent ", conclut Catherine Pégard.

Par ailleurs, le Campus est un prolongement des nombreux projets pédagogiques des établissements implantés à proximité du Château de Versailles tels que l'installée sur son site historique, le Potager du Roi, ou l' École nationale supérieure de paysage (ENSP) École nationale supérieure d'architecture de Versailles (ENSA-V) et son centre d'art contemporain, la Maréchalerie, aménagés dans la Petite Écurie.

Label

Ce projet bénéficie de la labellisation des Campus des Métiers et des qualifications d'excellence du Ministère de l'Education Nationale de la Jeunesse et des Sports.

Cette opération est soutenue par l'État dans le cadre du volet Territoires d'Innovation Pédagogique du Programme d'investissements d'avenir, opéré par la Caisse des Dépôts

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Le château de Versailles poursuit son engagement en faveur de la transmission des savoir-faire et l'excellence française dans les domaines du patrimoine et de l'artisanat, avec l'accueil d'un campus dernière génération au sein de la Grande Écurie.

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Le BAC STD2A / Lycée Le Corbusier - Poissy

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Le BAC STD2A / Lycée Le Corbusier - Poissy

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Seconde CCD (Culture et création design)

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" Va prendre tes leçons dans la nature, c'est là qu'est notre futur. " Léonard De Vinci La classe de Terminale STD2A a exposé son travail de Conception et Création Design au CDI de la cité scolaire de Corbusier du 3 décembre 2020 au 7 janvier 2021. Les collections textile présentées s'inspiraient des (...)

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" Va prendre tes leçons dans la nature, c'est là qu'est notre futur. " Léonard De Vinci La classe de Terminale STD2A a exposé son travail de Conception et Création Design au CDI de la cité scolaire de Corbusier du 3 décembre 2020 au 7 janvier 2021.

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Le BAC STD2A / Lycée Le Corbusier - Poissy

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Le BAC STD2A / Lycée Le Corbusier - Poissy

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1ère et Terminale (sciences et technologies du design et des arts appliqués)

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Une procédure de recrutement propre à l'établissement est mise en place cette année pour les quelques places qui seront disponibles à la rentrée prochaine en 1re STD2A.
Les places sont réservées uniquement aux élèves qui sont actuellement en 2nde GT.
Pour postuler, vous devez faire parvenir votre (...)

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Une procédure de recrutement propre à l'établissement est mise en place cette année pour les quelques places qui seront disponibles à la rentrée prochaine en 1re STD2A. Les places sont réservées uniquement aux élèves qui sont actuellement en 2nde GT. Pour postuler, vous devez faire parvenir votre (...)

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Genius at work

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VIDEO. Envoyé spécial le samedi. Le renouveau des métiers d'art

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VIDEO. Envoyé spécial le samedi. Le renouveau des métiers d'art

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franceinfo France Télévisions

Longtemps considéré comme une filière sans avenir, l'artisanat d'excellence connaît une véritable renaissance. Son savoir-faire est reconnu dans le monde entier. Les écoles spécialisées séduisent de plus en plus d'étudiants, qui souhaitent faire de leur passion leur métier. Mais les jeunes générations ne sont pas les seules à être attirées par ces professions. Des trentenaires et des quadras sont prêts à tout quitter pour se lancer dans le monde de la belle ouvrage.

L'artisanat, première entreprise de France ?

De nombreux Français renoncent à l'argent et à la sécurité pour vivre de leur passion. Certains renoncent à une carrière toute tracée pour tout reprendre à zéro. " Je ne me voyais pas revenir dans un bureau et refaire quelque chose qui ne soit pas en lien avec la création", témoigne l'un d'eux. L'artisanat français connaît un second souffle, notamment au-delà des frontières de l'Hexagone.

Les créateurs n'hésitent pas à partir à la conquête de nouveaux marchés, où la French Touch est très appréciée. " A New-York, d'une certaine manière, ils nous connaissent mieux qu'à Paris", confie un artisan. Aux Emirats, un entrepreneur soutient que les Français "sont les premiers" sur ce marché. Cette bonne image à l'international se traduit par un poids économique croissant. A l'heure de la mondialisation, les affaires vont bon train pour une filière que l'on croyait dans l'impasse. Un savoir-faire et un prestige qui s'arrachent et des métiers minutieux qui font rêver.

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VIDEO. Envoyé spécial le samedi. Le renouveau des métiers d'art

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franceinfo France Télévisions Longtemps considéré comme une filière sans avenir, l'artisanat d'excellence connaît une véritable renaissance. Son savoir-faire est reconnu dans le monde entier. Les écoles spécialisées séduisent de plus en plus d'étudiants, qui souhaitent faire de leur passion leur métier. Mais les jeunes générations ne sont pas les seules à être attirées par ces professions.

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Access Google Sites with a personal Google account or Google Workspace account (for business use).

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La technique de la perspective ayant été le sujet de nombreuses études, d'autres existent mais sont principalement employées à d'autres usages qu'artistique. Par exemple: La perspective cavalière.

Nous verrons plus tard que cette technique a ses limites et c'est ce que nous démontrent les images dites "impossibles"
d'Artistes tels que ESCHER ou J OS DE MEY (voir les images impossibles).

Histoire de la perspective
Dans sa recherche de représentation du réel, l'Artiste s'est retrouvé confronté à une difficulté. Représenter de façon réaliste le monde par une image, nécessite d'aplatir ses trois dimensions sur une surface plane. La perspective est donc une méthode qui consiste à donner un effet de profondeur à l'image.

Quelques astuces pour la plupart issues de la simple observation ont été employées. Ces procédés sont les plus simples et les plus anciens dispositifs perspectifs connus:

La technique du proche et le lointain consiste à représenter les objets les plus proches de l'observateur au premier plan afin qu'ils semblent plus grands que les objets éloignés situés à l'arrière plan.

le visible et le caché: le fait de cacher une partie des objets les plus éloignés derrière ceux du premier plan pour les faire passer derrière renforce aussi l'effet de profondeur.

La répétition: les objets les plus éloignés semblent "monter' dans la feuille alors que ceux qui sont proches de nous sont situés en bas de l'image.

Bien que les méthodes et techniques ne cessent d'évoluer jusqu'au 15ème siècle, l'apparition dans la peinture et le dessin de la perspective linéaire, s'impose et fera définitivement l'unanimité. Elle sera retenue en Art, parce qu'elle permet au mieux, selon un point de vue, de donner une impression de profondeur proche de la réalité à une image.
Trois éléments clés:
La ligne d'horizon: elle se situe face à vous dans votre champs de vision. C'est la ligne horizontale qui sépare en générale la terre ou la mer du ciel. Elle se situe donc à hauteur des yeux mais elle varie en fonction de la position du point de vue. Elle peut être haute, moyenne ou basse dans le champs de vision.

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Si la vue est de face, la perspective est dite centrale, c'est à dire à un point de fuite. Le point de fuite se situe (en général) au centre sur la ligne d'horizon.

Si la vue est de biais, la perspective est de trois quart profil, c'est à dire à deux points de fuites. Les points de fuite se situent (en général) à gauche et à droite sur la ligne d'horizon.

Les fuyantes: Ce sont toutes les lignes de construction qui, pour l'effet réaliste de profondeur passent par le(s) point(s) de fuite.

La perspectives centrale des volumes varie selon leur position dans l'espace.

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La technique de la perspective ayant été le sujet de nombreuses études, d'autres existent mais sont principalement employées à d'autres usages qu'artistique. Par exemple: La perspective cavalière. Nous verrons plus tard que cette technique a ses limites et c'est ce que nous démontrent les images dites "impossibles" d'Artistes tels que ESCHER ou J OS DE MEY (voir les images impossibles).

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Michal Batory. Graphic designer, posters, publications. Graphisme, affiche, éditions.

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En réaction à l'attaque terroriste de Charlie Hebdo, 1jour1question explique aux enfants un droit fondamental : la liberté d'expression.

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Cartooning for Peace - Dessins pour la paix

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À travers le regard de dessinatrices et de dessinateurs internationaux, l'exposition pédagogique itinérante " Dessins pour la paix ", composée de 11 panneaux (de format 100 x 200 cm), aborde des thématiques fondamentales de société : la liberté d'expression, la censure, les droits des femmes et des enfants, les discriminations ou encore l'avenir de notre planète.

L'objectif : proposer aux enseignants et leurs élèves un kit "clé en main" (composé d'une exposition et de livrets pédagogiques à destination des enseignants et des élèves), permettant d'une part d'analyser en classe le rôle fondamental du dessin de presse et de la liberté d'expression et de travailler et dialoguer autour des thématiques fondamentales.

L'exposition est mise gratuitement à disposition des établissements scolaires (niveaux collège et lycée). Pour recevoir l'exposition " Dessins pour la paix ", merci de contacter directement le référent CLEMI ou MGEN de votre académie :

Consultez la liste des référents CLEMI.

Consultez la liste des référents MGEN.
- Découvrir l'exposition " Dessins pour la paix " :

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" Dessins pour la paix " - Exposition pédagogique - Cartooning for Peace

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Exposition itinérante - collèges et lycées À travers le regard de dessinatrices et de dessinateurs internationaux, l'exposition pédagogique itinérante "Dessins pour la paix", composée de 11 panneaux (de format 100 x 200 cm), aborde des thématiques fondamentales de société : la liberté d'expression, la censure, les droits des femmes et des enfants, les discriminations ou encore

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La libertéd'expressionen France

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Lalibertéd'expression

Rappel des événements : Vendredi 16 octobre 2020, un professeur d'histoire-géographie a été assassiné dans la rue, près du collège où il travaillait, à Conflans-Sainte-Honorine (nord-ouest de Paris) .

L'enseignant assassiné s'appelait Samuel Paty. Il avait 47 ans. Début octobre, il avait fait un cours à ses élèves de 4e sur la liberté d'expression et avait montré des caricatures de Mahomet publiées dans le journal Charlie Hebdo, pour faire réfléchir ses élèves sur les thèmes de la liberté de la presse, de la laïcité...

Mécontent,le père d'une élève avait alors diffusé sur Facebook une vidéo dans laquelle il traitait le professeur de "voyou". Le collège avait ensuite reçu des menaces par téléphone. Vendredi 16 octobre, avant de mourir, le jeune homme qui a tué Samuel Paty a écrit sur Twitter qu'il avait voulu venger Mahomet.

Après l'assassinat, des chefs de l'islam en France ont déclaré que cet acte était "barbare", qu'il n'avait rien à voir avec leur religion. Vendredi, le président Macron a appelé tous les Français à être unis dans les valeurs de la République : la liberté (y compris la liberté d'expression), l'égalité, la fraternité, la laïcité...

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Rappel des valeursde la République :

Les valeurs de la République Française sont les suivantes : Liberté, Egalité, Fraternité, Laïcité.Elles proviennent des idées des Lumières et de la Révolution française et sont inscrites dans plusieurs grands textes de lois comme la Déclaration des Droits de l'Homme et du Citoyen (DDHC) ou la Constitution de 1958.

Les valeurs de la République servent à nous respecter les uns les autres.

L'école participe à la transmission de ces valeurs:

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"Outre la transmission des connaissances, la Nation fixe comme mission première à l'école de faire partager aux élèves les valeurs de la République. Le service public de l'éducation fait acquérir à tous les élèves le respect de l'égale dignité des êtres humains, de la liberté de conscience et de la laïcité. Par son organisation comme par ses méthodes, il favorise la coopération entre les élèves. Dans l'exercice de leurs fonctions, les personnels mettent en œuvre ces valeurs." Extrait de l'article L 111-1 du code de l'Education (8 juillet 2013)

"Respecter autrui c'est respecter sa liberté, le considérer comme égal à soi en dignité, développer avec lui des relations de fraternité. C'est aussi respecter ses convictions philosophiques et religieuses, ce que permet la laïcité." Préambule des programmes d'EM.

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La laïcité

La laïcité est un principe inscrit à l'article premier de la Constitution française.

La laïcité garantit la liberté de conscience et protège la liberté de croire, de ne pas croire et de changer de conviction Elle permet à chacun de choisir ses convictions religieuses ou philosophiques.

En France, l'Etat est laïque, la République est laïque et l'Ecole publique est laïque

La laïcité est liée aux autres grandes valeurs de la République:

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" La France est une République indivisible, laïque, démocratique et sociale "

On peut, par exemple, être catholique, protestant, juif, musulman, bouddhiste, agnostique ou athée, mais chacun doit respecter les principes et valeurs qui sous -tendent une République laïque.

Ce qui signifie1. Qu'il n'y a pas de religion d'Etat2. Que l'on garantit pour tous les citoyens la liberté de croire ou de ne pas croire et de changer d'opinion3. Que l'Ecole prépare tous les élèves à choisir librement leurs opinions religieuses et politiques

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La liberté d'expression

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Dans une République laïque comme la République française, la liberté d'expression est fondamentale et concerne aussi la religion.

La liberté d'expression permet à chaque personne d'exprimer librement ses idées par tous les moyens qu'il juge appropriés (ex : livre, film, article, dessin, la presse, l'art, l'écriture, la parole, la manifestation, la réunion, l'association...)

La liberté d'expression a également des limites...

Le droit de critiquer une religion ou une philosophie s'inscrit dans la liberté d'expression.

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Elle implique donc la liberté de la presse, la liberté de la communication audiovisuelle et la liberté d'expression sur le réseau internet. On peut parler en faveur d'une religion, on peut parler contre une religion. Car respecter la liberté d'opinion et la liberté d'expression, c'est accepter d'entendre des choses avec lesquelles on n'est pas d'accord, parce qu'on a le droit de dire que l'on est pas d'accord, parce qu'on a le droit de dire des choses avec lesquelles d'autres gens ne sont pas d'accord.Article 11 de la Déclaration des droits de l'homme et du citoyen : " La libre communication des pensées et des opinions est un des droits les plus précieux de l'Homme : tout Citoyen peut donc parler, écrire, imprimer librement, sauf à répondre de l'abus de cette liberté dans les cas déterminés par la Loi "

Début octobre 2020, Samuel Paty a montré des caricatures du prophète Mahomet à certains de ses élèves de 4e. Or, Mahomet est un homme sacré pour les musulmans. De telles caricatures ont déjà été à l'origine d'attentats en France et dans le monde. Pourtant, se moquer des religions (toutes sans exception) est un droit en France, un droit protégé par la liberté d'expression.

Article 4 de la Déclaration des droits de l'homme et du citoyen (1789) "La liberté consiste à pouvoir faire tout ce qui ne nuit pas à autrui :ainsi, l'exercice des droits naturels de chaque homme n'a de bornes que celles qui assurent aux autres Membres de la Société la jouissance de ces mêmes droits Ces bornes ne peuvent être déterminées que par la Loi. "C'est grâce aux limites définies par la loi que la liberté d'expression peut être assurée dans le respect de toutes et tous. Il est, par exemple,interdit de tenir des propos racistes, antisémites, sexistes ou homophobes, considérés comme des délits portant atteinte à la dignité des personnes. La diffamation est aussi punie par la loi. La liberté d'expression comporte aussi des limites pour protéger les droits des tiers (respect de la vie privée, du droit à l'image, des droits d'auteur).

LA CARICATURE

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Un peu de vocabulaire : Fanatiques:Animés d'une passion aveugle pour la religion. Ils font preuve d'une intolérance parfois agressive.Intégriste: Ils refusent absolument de voir leur religion évoluer.Extrémistes: Ce sont ceux qui pratiquent la religion avec exagération. Islamistes: Ce sont les extrémistes de la religion musulmaneTerroristes: Ils utilisent la violence pour imposer leurs idées politiques ou religieuses.

Rappels sur le terrorisme :

Un fanatique est quelqu'un d'aveuglé par ses croyances. Il existe des fanatiques dans toutes les religions. La plus grande partie de l'humanité pratique une religion. Ces fanatiques ne représentent qu'une infime minorité. Tous les fanatiques ne sont pas terroristes. Certains ne sont pas violents.

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En 2011 par exemple un terroriste fasciste et raciste a tué 77 personnes en Norvège par haine de l'islam et des immigrés " ennemis de la chrétienté " selon lui. Au sud de l'inde, des chrétiens sont victimes d'agressions de la part de fanatiques hindouistes.

Un fanatiquene supporte pas qu'on pense autrement que lui. A ses yeux, tous ceux qui ne partagent pas ses idées (extrêmes) se trompent.Un fanatique religieux est un " fou de Dieu ". Il pense avoir une " mission " au service de Dieu ou d'une idéologie et il est prêt à tout pour la servir, comme recourir à la violence.

Les chrétiens et les musulmans représentent 3,5 milliards de fidèles à eux seuls. Ces religions incitent à méditer, réfléchir au sens de la vie. Pour les religions, il est interdit de tuer. Il faut donc être " fanatique " pour assassiner quelqu'un au nom de sa foi, en se fondant sur des idées toutes faites bien loin des messages d'amour et de paix diffusés par les religions.

Il s'agit souvent de personnes fragiles, perdues, facilement influençables. Leur mission imaginaire au service de Dieu leur permet d'oublier leurs frustrations et leur tristesse.

- Le rôle des religions.- La loi française.- L'éducation.- Eviter les pièges et les amalgames.

Comment lutter contre le fanatisme ?

"Si nous n'apprenons pas à vivre ensemble comme des frères, nous mourrons ensemble comme des imbéciles."

Martin Luther King

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Les religions doivent combattre les excès. De nombreux imams condamnent les extrémistes musulmans en rappelant que l'islam est une religion de paix.

La loi française prévoit elle aussi de lutter contre le fanatisme. Elle condamne les appels à la haine ou au racisme.

La solution est aussi dans l'éducation : c'est en famille et à l'école que l'on doit enseigner à tous le respect des opinions, des convictions et des croyances.

En invoquant Allah, le dieu des musulmans, lors des assauts, les terroristes veulent semer la discorde et la méfiance entre les Français. Ne tombe pas dans ce piège. Au contraire, va à la rencontre de celui qui ne défend pas les mêmes opinions que toi ou ne partage pas la même croyance. Il n'y a pas lieu d'en vouloir à des gens qui vivent leur religion dans la paix.

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Liberté d'expression by contact on Genially

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La libertéd'expressionen France 1 2 3 4 5 6 7 Lalibertéd'expression Rappel des événements : Vendredi 16 octobre 2020, un professeur d'histoire-géographie a été assassiné dans la rue, près du collège où il travaillait, à Conflans-Sainte-Honorine (nord-ouest de Paris) . L'enseignant assassiné s'appelait Samuel Paty. Il avait 47 ans.

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Les Essentiels replacent les collections de la Bibliothèque nationale de France dans leur contexte pour mieux appréhender le monde d'hier et d'aujourd'hui.

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C'est quoi une caricature ? - 1 jour, 1 question

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C'est quoi une caricature ? - 1 jour, 1 question

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C'est quoi une caricature ? - 1 jour, 1 question

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VOCABULAIRE ET NOTIONS : DESSIN, GESTE, MOUVEMENT

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VOCABULAIRE ET NOTIONS : DESSIN, GESTE, MOUVEMENT

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FICHE VOCABULAIRE 6e dessin geste ombres

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Abordez les grands domaines artistiques avec nos fiches repères

Des repères chronologiques pour une vingtaine de domaines artistiques rédigés par des experts.

Voir les fiches

Réalisez vos cartes mentales

Des cartes mentales construites à partir de vos recherches dans les ressources du site et plus largement d'internet.

Créer ma carte mentale

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Portail histoire des arts Ministère de la Culture

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Des repères chronologiques pour une vingtaine de domaines artistiques rédigés par des experts. Voir les fiches Des cartes mentales construites à partir de vos recherches dans les ressources du site et plus largement d'internet. Créer ma carte mentale

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http://www.histoiredesarts.culture.fr/

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Histoire de l'art langage de la forme, de la matière et des couleurs...

De ses origines modestes, il gardera toute sa vie le goût pour la représentation
des gens de petite condition. Son succès auprès de la bourgeoisie
ne le détournera pas d'une peinture de genre à laquelle
il donne des accents satiriques
...

Même s'ils recherchent l'inspiration dans l'image médiévale et
dans l apremière renaissance, ces artistes contestataires ont
donné naissance à un mouvement avant-gardiste qui annonce
le design moderne du début du XXeme siècle
...

L'art est avant tout un langage

Parole de la forme, de la matière et de la couleur. Pour en raconter l'histoire il est impossible et même inutile de rechercher la première oeuvre. Cela reviendrait à enfermer l'Art dans le carcan trop étroit de la définition.

Langage, il l'est à part entière : décoratif, narratif, politique, expression d'un sentiment, que cela soit volontaire ou non, il a depuis toujours été le reflet des moeurs et des sentiments d'une époque ou d'une civilisation. Le changement social s'est traduit essentielement par l'évolution technique et idéologique du système de représentation. Devenu, avec le temps, une science au niveau théorique aussi bien que pratique, l'image s'est dirigée dans de multiples directions, celles que l'artiste a décidé d'explorer.

La notion d'art englobe un vaste ensemble de points de vue : que l'on cherche à idéaliser pour rendre beau ou au contraire à déranger pour exprimer des sentiments liés à la peur ou à l'angoisse, la représentation picturale a su s'adapter à la pensée humaine dans toute sa diversité et sa complexité.

Depuis la Préhistoire jusqu'au début du XXeme siècle, l'art a toujours été figuratif, c'est à dire que l'image créée cherche à imiter ce que l'on voit que ce soit d'une manière réaliste ou pas, selon le propos que l'artiste cherche à faire passer. Les sentiments de révolte et d'insatisfaction nés des grands bouleversements sociaux ont modifié cette figuration qui finalement s'écroulera sous les coups de la science.

La découverte des notions d'infiniment grand et d'infiniment petit imposera au peintre le problème de représenter une réalité que l'on sait mais que l'on ne voit pas.

Après des siècles de recherches sur la figuration, s'est imposée la nécessité de mettre en image l'idée subjective, invisible.

Si l'on considère que l'art est né avec l'homme il y a plus d'un million d'années, l'abstraction, elle, n'a que 100 ans. Les deux systèmes de représentation, figuration et abstraction, sont divisés en styles que l'on n'utilisera pas pour emprisoner l'oeuvre dans une classification mais simplement pour aider à mieux comprendre l'évolution de ce langage qu'est l'image fabriquée, fragment de l'histoire des civilisations : l'histoire de l'art.

L'art est anarchiste car il s'est toujours créé des règles afin de mieux pouvoir s'en libérer. C'est d'ailleurs la raison de sa perpétuelle évolution, de son changement, en douceur ou avec violence.

La société contemporaine, devenue société de consommation, à fait naître de l'Art, l'art appliqué. De l'artiste est né le graphiste, du dessinateur l'illustrateur. Leur travail est parallèle mais l'influence est réciproque et va quelquefois jusqu'à la fusion des genres. Les moyens modernes liés au numérique n'ont fait que rebondir sur un débat artistique dont l'expression n'est pas prêt de trouver un terme.

nos coups de coeur

[ Web TV ]

The Museum Channel

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Histoire de l'art - De la renaissance au XXe siècle - Histoire de la peinture

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Histoire de l'art et de la peinture, description des courants picturaux, histoire de la vie des peintres et artistes de l'histoire de l'art, présentation des oeuvres, peintures et sculptures, analyse et description d'oeuvres...

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LES SCULPTURES MOBILES D'ALEXANDER CALDER

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LES SCULPTURES MOBILES D'ALEXANDER CALDER

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#ArtNews 399 - LES MOBILES DE CALDER : LA CONQUETE DU VIDE ET DU MOUVEMENT.

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Art cinétique | Voulez-vous un dessin ? | Centre Pompidou

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VOCABULAIRE ET NOTIONS : DESSIN, GESTE, MOUVEMENT

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VOCABULAIRE ET NOTIONS : DESSIN, GESTE, MOUVEMENT

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FICHE VOCABULAIRE 6e dessin geste ombres

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La décomposition de l’action chez Boltanski

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La captation du mouvement chez JH Lartigue

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L'artiste-plasticien Christo est mort à l’âge de 84 ans

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L'artiste-plasticien Christo est mort à l’âge de 84 ans

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L'artiste Christo, devant son oeuvre " The London Mastaba ", le 18 juin 2018 à Londres. SIMON DAWSON / REUTERS

L'artiste-plasticien Christo, célèbre pour ses réalisations monumentales avec Jeanne-Claude consistant notamment à emballer des monuments, est mort dimanche 31 mai à l'âge de 84 ans, ont annoncé ses collaborateurs sur son compte Facebook officiel.

L'artiste, né Christo Vladimirov Javacheff en Bulgarie et naturalisé Américain, " est décédé de causes naturelles le 31 mai à son domicile à New York ", selon le message posté sur le réseau social.

Cet homme à la silhouette élancée, aux cheveux mi-longs devenus blancs, avait formé avec sa femme Jeanne-Claude l'un des couples les plus médiatisés de l'art contemporain qu'ils ont marqué par leurs œuvres in situ destinées à ne durer que quelques jours, mais nécessitant des années de conception et des millions de dollars.

Depuis leur rencontre à Paris en 1958, Christo et Jeanne-Claude, nés le même jour, le 13 juin 1935 ont toujours précisé être coauteurs de leurs œuvres. Epouse et collaboratrice de Christo, Jeanne-Claude Denat de Guillebon est morte le 18 novembre 2009 à New York.

L'empaquetage du Reichstag en 1995

Le duo était, depuis le début des années 1960, passé maître dans l'art de métamorphoser l'espace en enveloppant nature ou monuments, ou en empilant des barils de pétrole. Il s'est fait connaître mondialement avec l'empaquetage du Pont-Neuf à Paris en 1985. Un tour de force qui a mis dix ans à voir le jour.

Les tractations pour installer près de 7 500 portiques tendus de tissu couleur safran dans Central Park (The Gates), à New York en 2005, furent encore plus longues : vingt-six ans.

Un homme se tient sur un vestige du mur de Berlin, devant l'oeuvre de Christo " L'empaquetage du Reichstag ", le 22 juin 1995. JAN BAUER / AP

Mais l'empaquetage du Reichstag, dont on célèbre cette année le quart de siècle, restait leur grand œuvre. Celui qui eut l'écho le plus important avec quelque cinq millions de visiteurs. Celui que le public s'est d'emblée approprié, en organisant pique-niques et concerts sur les pelouses voisines.

Cette réalisation, colossale par son échelle - avec 100 000 mètres carrés de tissu contre 40 000 pour l'emballage du Pont-Neuf -, et par son budget, l'est plus encore par sa symbolique : elle croise l'histoire personnelle de Christo, qui avait fui la Bulgarie communiste en 1957, et la mémoire collective d'une Allemagne ressoudée après quarante-quatre années de division.

Lire le récit : En 1995, Christo et Jeanne-Claude emballaient le Reichstag et l'Allemagne

" Christo a vécu sa vie pleinement, non seulement en imaginant ce qui semblait impossible mais en le réalisant. L'œuvre de Christo et Jeanne-Claude a réuni des gens dans des expériences partagées à travers le monde, et leur travail se perpétue dans nos cœurs et nos souvenirs ", ont écrit dimanche ses collaborateurs dans leur message.

Son dernier projet en préparation, l'emballage de l'Arc de triomphe à Paris qui s'annonçait comme l'un des évènements les plus spectaculaires de la rentrée de septembre, avait été reporté d'un an en raison des incertitudes liées à la pandémie de Covid-19. Cette réalisation reste " sur les rails " pour la période du 18 septembre au 3 octobre 2021, précise l'entourage de Christo sur Facebook.

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Emballeur du Pont-Neuf et du Reichstag, l'artiste-plasticien Christo est mort à l'âge de 84 ans

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L'artiste-plasticien Christo, célèbre pour ses réalisations monumentales avec Jeanne-Claude consistant notamment à emballer des monuments, est mort dimanche 31 mai à l'âge de 84 ans, ont annoncé ses collaborateurs sur son compte Facebook officiel.

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PRISME 7 : JEU VIDÉO LUDIQUE ET PÉDAGOGIQUE POUR DÉCOUVRIR LES ŒUVRES MAJEURES DU CENTRE POMPIDOU
ET LES PRINCIPES DE LA CRÉATION ARTISTIQUE : OBSERVER, COMPRENDRE, DÉCONSTRUIRE, CRÉER

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Afin d'utiliser l'application " La Joconde en VR " dans les meilleures conditions, nous vous recommandons d'utiliser un smartphone de génération récente.

L'expérience est disponible en version à 360° ou en VR si possédez une visionneuse cardboard.

Téléchargez l'application sur :

Disponible sur Google Play Store et Apple Store, l'expérience est également téléchargeable sur les plateformes de réalités virtuelles, pour les personnes équipées d'un casque, et visible dans le réseau des Microfolies. Elle est proposée dans de nombreux pays à travers le catalogue de l'Institut français.

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La Joconde en VR En tête-à-tête avec La Joconde

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Afin d'utiliser l'application " La Joconde en VR " dans les meilleures conditions, nous vous recommandons d'utiliser un smartphone de génération récente. L'expérience est disponible en version à 360° ou en VR si possédez une visionneuse cardboard.

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https://kiosquepal.amisdulouvre.fr/fr/profiles/f02a8e960f6f/editions/7a8ef67f0af708a0da80/preview_pages

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Petit Louvre, belles histoires du Louvre

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L'application Petit Louvre est destinée aux enfants. Elle propose de belles histoires autour des oeuvres parmi les plus fascinantes du musée du Louvre.

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Qui ne connaît pas les Shadocks?? Pour découvrir ou redécouvrir ce classique du dessin-animé !

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Et voilà les Shadoks, la saison 2 | Archive INA

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Révisez vos classiques en histoire de l’art : Le portrait dans l’art 

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Révisez vos classiques en histoire de l’art : Le portrait dans l’art 

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Révisez vos classiques en histoire de l'art : Le Portrait

HISTOIRE D'UN GENRE
Selon l'étymologie, le " por-trait " est une peinture mimétique, une représentation " trait pour trait ". Mais le portrait individuel n'apparaît qu'à la fin du XIVe siècle, lorsque la figure humaine devient digne d'être représentée. Cet article publié dans L'OEil en 2016 brosse l'histoire du genre, de sa naissance au XXe siècle.
À lire :" Qu'est-ce qu'un portrait ? "

SELFIE
Autoportrait contemporain par exemple, le " selfie ", mot entré dans le Petit Robert en 2015, est sans doute le phénomène le plus emblématique du Web 2.0. Ce phénomène populaire très apprécié des " people " n'échappe pas au champ de l'art, comme en témoigne cette chronique parue en 2018 dans " L'art en 2050 ", rubrique prospective du magazine L'Œil.
À lire : " Le nouveau visage du selfie "

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Révisez vos classiques en histoire de l'art : Le portrait dans l'art - 30 mars 2020 - lejournaldesarts.fr

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Pour vous accompagner durant le confinement, le magazine d'art L'Œil et Le Journal des Arts s'associent pour vous offrir gratuitement une sélection de leurs meilleurs articles sur un.e artiste, une période clé de l'histoire de l'art ou une aventure esthétique.

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Mort d'Albert Uderzo, co-créateur d'Astérix, l'hommage des dessinateurs de bande dessinée

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Mort d'Albert Uderzo, co-créateur d'Astérix, l'hommage des dessinateurs de bande dessinée

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Albert Uderzo, le célèbre dessinateur des aventures d'Astérix et Obélix, est décédé ce mardi à l'âge de 92 ans. De nombreux illustrateurs ont tenu à lui rendre hommage à travers des dessins émouvants.
Dans sa vie, Albert Uderzo aura dessiné 38 albums des aventures des gaulois les plus connus au monde. Avec René Goscinny aux commandes des scénarios, le duo a vendu plus de 370 millions d'albums à travers le globe. Quand son compère est décédé en 1977, Albert Uderzo a repris seul la réalisation des aventures d' Astérix, en dessinant 10 albums supplémentaires.

La bande dessinée a eu un succès immense, puisqu'elle est la plus traduite à travers le monde. Suite au décès du dessinateur ce mardi 24 mars, de nombreux illustrateurs ont décidé de lui rendre hommage à travers des dessins émouvants. Voici 24 illustrations où l'on peut retrouver les personnages emblématiques de la bande dessinée, comme Astérix, Obélix et Idéfix, disant adieu à leur deuxième papa.

Crédit : Zep

Crédit : Wouter Goudswaard

Crédit : Calum Alexander Watt

Crédit : Riad Sattouf

Crédit : Sebastian Nohl

Crédit : Marko Renko

Crédit : N o b

Crédit : Maliki

Crédit : Manu Gorobeï

Crédit : La_banAnne

Crédit : LIROY

Crédit : Clément Herrmann

Crédit : Gus Almeida

Crédit : Jul

Crédit : Philippe Geluck

Crédit : Garrigues-19

Crédit : Felix Meynet

Crédit : Xavier Delucq

Crédit : David Gilson

Crédit : Bruno Pencil

Crédit : Philippe Cardona

Crédit : Lise Bouyjou

Crédit : Benjamin Lacombe

Crédit : Zep

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Les illustrateurs rendent hommage à Albert Uderzo, le deuxième papa d'Astérix et Obélix

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Albert Uderzo, le célèbre dessinateur des aventures d'Astérix et Obélix, est décédé ce mardi à l'âge de 92 ans. De nombreux illustrateurs ont tenu à lui rendre hommage à travers des dessins émouvants. Dans sa vie, Albert Uderzo aura dessiné 38 albums des aventures des gaulois les plus connus au monde.

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La Fabrique à BD

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UN OUTIL DE CRÉATION POUR TOUS

Jeunes publics, scolaires, amateurs et passionnés.

L'application est destinée en premier lieu au public scolaire, enseignants et élèves du primaire et secondaire. Cofinancé par le ministère de l'Éducation nationale et de la Jeunesse et la BnF, le projet BDnF est né dans le cadre d'un appel à projets innovants lancé par le ministère de l'Éducation nationale. L'application BDnF est le fruit d'une collaboration étroite des équipes de la BnF avec les enseignants, afin de répondre au mieux à leurs attentes. Le projet a été construit et testé, tout au long de son élaboration, par un panel d'instituteurs et de professeurs, qui ont mis l'application à l'épreuve de la réalité. C'est ce qui fait l'originalité et la qualité de l'application.

Au-delà du cadre scolaire, BDnF peut s'adresser à tous, petits et grands, public familial et amateurs de BD pour un usage récréatif. Les passionnés (illustrateurs et scénaristes en herbe) y trouveront également leur compte puisque l'outil permet également de faciliter la mise en page autour de formats innovants.

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Découvrez les codes de la bande dessinée et créez vos propres histoires !

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Plateforme de streaming de l’Institut national de l’audiovisuel (INA)

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Plateforme de streaming de l’Institut national de l’audiovisuel (INA)

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madelen est la plateforme de streaming de l'INA qui fait découvrir à tous les curieux d'aujourd'hui les meilleurs programmes créés pour la télé depuis qu'elle existe : séries culte, films rares, émissions, documentaires, théâtre...

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madelen est la plateforme de streaming de l'INA qui fait découvrir à tous les curieux d'aujourd'hui les meilleurs programmes cré

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8 ateliers et activités...

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La plateforme des Rencontres d’Arles d’éducation au regard et d’initiation à l’univers de la photographie

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Une web-série du Centre Pompidou pour les enfants

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Le mercredi à 18h
Une visite d’une exposition avec les commentaires des commissaires

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Si vous ne parvenez pas à lire cet e-mail, cliquez ici

Au diapason du monde

Commissaire général : Suzanne Pagé
Commissaires : Angéline Scherf, Ludovic Delalande et Claire Staebler

Retrouvez mercredi à 18h sur notre chaîne Youtube le film de l'exposition " Au diapason du monde "

Lang Lang

Après des débuts fulgurants à Carnegie Hall en 2001, concert qui le révéla, le prodige s'est élevé au rang des plus grandes stars et son aura a dépassé désormais le cercle du répertoire classique.
Lang Lang est devenu le phénomène pianistique du 21ème siècle. Ses concerts à travers le monde soulèvent l'enthousiasme, notamment dans les interprétations de Liszt - un de ses compositeurs favoris.

Retrouvez vendredi à 20h30 sur notre chaîne Youtube le replay du concert de Lang Lang

Classe d'Excellence de Violoncelle " Violoncelles, vibrez "

Ce documentaire retrace le travail de Gautier Capuçon avec les 6 lauréats de la première promotion de la Classe d'Excellence de Violoncelle. Gautier Capuçon a sélectionné sur audition les 6 élèves de la première saison puis les a accompagnés entre décembre 2014 et juin 2015. Une immersion musicale en plein cœur du bâtiment de Frank Gehry.

Retrouvez dimanche à 17h30 sur notre chaîne Youtube le documentaire " Violoncelles, vibrez "

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Fondation Louis Vuitton

T. +33 1 40 69 96 00 / www.fondationlouisvuitton.fr

Vous recevez ce message car vous nous avez indiqué que vous souhaitiez recevoir des informations sur la programmation de la Fondation. Conformément au règlement relatif à la protection des données personnelles et à la loi " informatique et libertés ", vous pouvez mettre à jour vos informations personnelles, vos préférences ou choisir ne plus recevoir de telles informations en vous rendant sur cette page.

Copyrights

© Gehry Partners, LLP and Frank O. Gehry - Photo Iwan Baan, 2014

"Au diapason du monde" - Nouvelle sélection de notre Collection (Wilhelm Sasnal, Bathers at Asnières,
2010 © Wilhelm Sasnal 2010-2018.
Crédit photo : Courtesy Foksal Gallery Foundation, Varsovie)

Concert de Lang Lang dans l'Auditorium la Fondation Louis Vuitton le 28 octobre 2014.
Lang Lang au piano avec le Grotto en arrière plan.
© Fondation Louis Vuitton / Renaud Cambuzat

Projection du film documentaire Violoncelles vibrez ! La classe d'excellence de Gautier Capuçon,
2014-2015 à la Fondation Louis Vuitton.
© Fondation Louis Vuitton / David Mignérat

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Si vous ne parvenez pas à lire cet e-mail, cliquez ici Au diapason du monde Commissaire général : Suzanne Pagé Commissaires : Angéline Scherf, Ludovic Delalande et Claire Staebler Retrouvez mercredi à 18h sur notre chaîne Youtube le film de l'exposition " Au diapason du monde " Lang Lang Après des débuts fulgurants à Carnegie Hall en 2001, concert qui le révéla, le prodige s'est élevé au rang des plus grandes stars et son aura a dépassé désormais le cercle du répertoire classique.

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UPOPI /Initiation au vocabulaire de l’analyse filmique

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UPOPI /Initiation au vocabulaire de l’analyse filmique

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https://upopi.ciclic.fr/vocabulaire/

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http://www.bemberg-educatif.org/#Portrait1

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http://www.monmuseedudesign.cnap.fr/

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Le Centre national des arts plastiques (Cnap), est l'un des opérateurs de la politique du ministère de la Culture. Il a pour missions de soutenir et de promouvoir la création contemporaine dans sa plus grande diversité, tant du point de vue des disciplines que des parcours professionnels.

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En partenariat avec Canopé, le Cnap participe au projet du MuMo - le Musée Mobile en proposant une série de films à vocation pédagogique.

Depuis 2011, et sous l'impulsion de sa directrice Ingrid Brochard, ce musée d'art contemporain mobile va à la rencontre des enfants sur tout le territoire national et international.

En 2017, MuMo revient pour une seconde tournée dans un camion designé par matali crasset. La programmation est imaginée en collaboration avec les Fonds régionaux d'art contemporain.
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Les quatre films réalisés dans le cadre de ce partenariat permettront de faire découvrir la création contemporaine à un public familial à partir des œuvres de la collection du Cnap. Ils serviront aussi de support aux propos des médiateurs du MuMo.

Ce partenariat permet de sensibiliser le public du MuMo, visiteurs souvent éloignés de l'offre culturelle, à la création en abordant des notions telles que l'installation, l'œuvre in situ ou encore la performance et ce, en complément des interventions des médiateurs du MuMo.

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Films réalisés par Whoozart et disponibles sur les chaînes Youtube et Dailymotion de Canopé et du Cnap.

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Centre national des arts plastiques - Cnap

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Processus de création et expérience de l'oeuvre

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En partenariat avec Canopé, le Cnap participe au projet du MuMo - le Musée Mobile en proposant une série de films à vocation pédagogique.Depuis 2011, et sous l'impulsion de sa directrice Ingrid Brochard, ce musée d'art contemporain mobile va à la rencontre des enfants sur tout le territoire national et international.En 2017, MuMo revient pour une seconde tournée dans un camion designé par matali crasset.

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MOOC - Apprendre l’art moderne avec le Centre Pompidou

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21962 inscrits

3h00 / séquence
Proposé avec : Centre Pompidou

L'art moderne et contemporain en 8 gestes

Comment se font les œuvres d'art ? Quels gestes et quelles actions les artistes effectuent-ils pour créer ? C'est ce que vous allez (re)découvrir au travers de huit verbes familiers, huit clés pour comprendre l'art de notre temps.

Des experts vous accompagnent au long de ce parcours : conservateurs au musée, spécialistes, ils vous ouvrent les portes de la collection d'art moderne et contemporain du Centre Pompidou. Le MOOC convie aussi des invités surprises, propose des activités, des événements et des occasions d'échanger, avec les autres participants et avec les experts.

Ces 8 séquences sont désormais accessibles en parcours libre (sans activité, ni forum), sans limite de temps et toujours gratuitement.

Avec au programme : des vidéos d'experts, des interviews, de nombreuses ressources, des quiz... et des œuvres en grand nombre !

Qui peut suivre ce MOOC ?
Tout le monde peut suivre ce MOOC, gratuitement.
Il vous suffit d'être ouvert et de rester curieux.

Le MOOC est accessible via votre navigateur sur un ordinateur, une tablette ou un smartphone.
Plus vous êtes nombreux, meilleure est l'expérience ! Les discussions enrichissent vos apprentissages et en contribuant, vous abondez celles des autres.

Mon matériel est-il adapté ?

Vous pouvez suivre le MOOC sur un ordinateur, une tablette, un smartphone. Il vous suffira pour cela d'utiliser votre navigateur Internet. Pour une navigation optimale, utilisez Chrome, Firefox, Edge, Safari ou leurs versions mobiles. Utilisateurs d'Internet Explorer, il vous faudra une version supérieure à IE 10.

Puis-je évaluer mes connaissances ?

Oui ! À la fin de chaque séquence, vous pouvez tester vos connaissances avec un quiz. Un quiz réussi (vous avez droit à a un seul essai et devez obtenir une note de 12/20 au minimum) vous donne droit à un badge.

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l’art moderne et contemporain en 8 gestes

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L'art moderne et contemporain en 8 gestes

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21962 inscrits 3h00 / séquence Proposé avec : Centre Pompidou Comment se font les œuvres d'art ? Quels gestes et quelles actions les artistes effectuent-ils pour créer ? C'est ce que vous allez (re)découvrir au travers de huit verbes familiers, huit clés pour comprendre l'art de notre temps.

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Pistes de visite pour exploiter la Petite Galerie "Figure d'artiste"

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Parcours | Petite Galerie - musée du Louvre

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Visite virtuelle de la Petite Galerie, pour la découvrir ou la parcourir de nouveau

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DES VIDÉOS POUR DÉCOUVRIR DIFFÉRENTES TECHNIQUES D'ANIMATIONS...

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DES VIDÉOS POUR DÉCOUVRIR DIFFÉRENTES TECHNIQUES D'ANIMATIONS...

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https://www.lumni.fr/programme/en-sortant-de-l-ecole-les-coulisseshttps://www.lumni.fr/programme/en-sortant-de-l-ecole-les-coulisses

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Décod’art est une série d’animation qui prend 3 minutes pour raconter la vie et une œuvre d’un peintre.

https://www.lumni.fr/serie/decod-art