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Seq. III - La musique dans la société ; S.9 - La M comme ode à la pluralité des cultures.

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Seq. III - La musique dans la société ; S.9 - La M comme ode à la pluralité des cultures.

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"Le piano oriental" de Zeina Abirached, une ode à l'harmonie des cultures

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Seq. III - La musique au cour de la société ; S.8 - La M comme instrument de torture.

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Seq. III - La musique au cour de la société ; S.8 - La M comme instrument de torture.

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ÉTATS-UNIS. De la musique comme instrument de torture

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Le point commun entre Britney Spears, Metallica et Bruce Springsteen ? Certains de leurs disques sont utilisés dans les centres de détention américains pour démolir psychologiquement les détenus.

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Seq. III - La musique au cour de la société ; S.8 - La M comme instrument de torture.

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Seq. III - La musique au cour de la société ; S.8 - La M comme instrument de torture.

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[Musique Documentaire] La musique comme instrument de torture

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Seq.I - La M : un langage universel ; S.1 - SY rédigée

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Seq.I - La M : un langage universel ; S.1 - SY rédigée

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Seq.I - La M, un  langage universel ; S.4 - Reflet de la diversité culturelle et générationnelle.

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Seq.I - La M, un  langage universel ; S.4 - Reflet de la diversité culturelle et générationnelle.

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Le trio illustre l'intérêt de la mixité culturelle fédérée par un seul genre : le Rock.

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Fredericks Goldman Jones   Un Deux Trois

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USA : la musique comme torture - 28 minutes - Regarder l'émission complète | ARTE

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La musique adoucit-elle les mœurs ? Rien n'est moins sûr, puisqu'elle devient même une forme de torture dans les mains des Américains... Victor Dekyvère nous en dit plus.

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doucillia, le 03/01/2017

Préambule

Charles Baudelaire évoque en poète l'idée d'un lien entre différents mondes de sensations dans son célèbre sonnet Correspondances : " ... Comme de longs échos qui de loin se confondent ... Les parfums, les couleurs et les sons se répondent. " L'existence de telles associations débouche sur l'idée séduisante mais problématique de correspondance des arts. Ce dossier vise à approfondir notre exploration de ces correspondances qui tissent un lien subtil entre la musique et la peinture : voir nos autres dossiers dans la catégorie Correspondance des arts en fin de page.

La musique est sans doute l'art qui a le plus inspiré les peintres aussi bien figuratifs qu'abstraits. Quel était le but visé par les peintres qui ont travaillé sur le thème de la musique ? Nous allons d'abord interroger le domaine de la figuration. L'observation des œuvres m'amène à distinguer cinq tendances principales :- traduire une vision hédoniste de l'existence,- traduire toutes sortes de sentiments,- glorifier une divinité, - symboliser la fuite du temps, - fournir un thème formel permettant une recherche picturale.

Détaillons ces différentes tendances.

Figuration

1. La musique comme vision hédoniste de l'existence

La première et la plus fréquente consiste à traduire les plaisirs de l'existence en s'appuyant sur le caractère hédoniste de la musique. En voici quelques exemples énumérés par ordre chronologique.

Dans l'Antiquité (image 1 ci-dessous : Musiciens, détail d'une fresque étrusque dans une tombe à Tarquinia, Italie), les bons moments du quotidien se trouvent souvent représentés par des scènes où se mêlent étroitement musique, peinture, poésie et danse.

Au Moyen Âge (image 2), les froides salles des châteaux sont réchauffées par d'éblouissantes tapisseries comme celle de La Dame à la licorne. Une des six tentures, qui illustrent les cinq sens, symbolise l'Ouie par une femme dans un jardin paradisiaque. Elle est entourée d'animaux, et joue de l'orgue portatif sur un fond semé de fleurs.

Dans La Leçon de musique (image 3), Johannes Vermeer inscrit sur le couvercle du virginal cette maxime qui dévoile en partie le sens du tableau : la musique est la compagne de la joie et un baume contre la douleur.

2. La Dame à la licorne, vers 1520, L'Ouie, tenture (détail), musée de Cluny (Paris)

À la fin du XIXe siècle, Auguste Renoir nous introduit dans l'intimité d'une scène familiale avec ses Jeunes filles au piano (image 4 ci-dessous).

Georges Seurat applique sa technique pointilliste à l'évocation d'un cabaret ; il met la contrebasse au premier plan pour souligner la direction des jambes levées des danseuses et équilibrer la composition (image 5). Henri de Toulouse-Lautrec aborde le même sujet mais de façon bien différente (image 6).

Plus près de nous, Raoul Dufy traite souvent du thème de la musique ; dans Le grand orchestre (image 7), les couleurs ont leur vie propre, débordent les objets, comme si les timbres chatoyants des instruments emplissaient tout l'espace du spectateur.

Quand on observe les reproductions 1 à 7 ci-dessus, on constate que les artistes ont privilégié les teintes chaleureuses et les formes pleines qui évoquent des musiques plaisantes et enjouées. Dans le même esprit, les peintres de la Renaissance et du Baroque ont une prédilection pour les formes rebondies du luth et de la viole de gambe (images 3 ci-dessus et 8 à 12 ci-dessous).

11. d'après Rombouts, Le concert (détail), c. 1620, Musée des Beaux-Arts, Valenciennes

Dans le genre hédoniste, on accordera une mention spéciale à l'allégorie de l'Ouïe, qui est un des cinq panneaux de l'Allégories des Cinq Sens réalisée en 1618 par Brueghel l'Ancien (dit " de velours ") en collaboration avec Rubens (image 12 ci-dessous). On remarque que, là encore, les formes arrondies des instruments à cordes sont privilégiées. En outre, la sensualité du tableau est renforcée par la représentation, au centre, d'une femme dénudée jouant du luth. Dans les images suivantes (13 à 15), le nu devient le sujet principal, la musique ne faisant que participer à l'expression de la sensualité.

2. La musique pour traduire toutes sortes de sentiments

Après l'expression des plaisirs de la vie, tout en couleurs chaleureuses et en courbes sensuelles, une deuxième tendance des plasticiens qui associent peinture et musique dans leurs toiles consiste à suggérer des sentiments plus mélangés.

Dans l'atmosphère d'hérésie et de mysticisme qui régnait à son époque, Jérôme Bosch délaisse l'iconographie traditionnelle. Le triptyque du Jardin des délices (1504) est une allégorie fantastique complexe. Dans le 3ème volet, l'Enfer, des instruments de musique géants semblent se retourner contre l'homme pour le punir de ses turpitudes (image 16 ci-dessous).

Dans un tout autre esprit, L'Inspiration du poète de Nicolas Poussin est une recherche vers un équilibre parfait qui engendre une œuvre toute de méditation et de contemplation (image 17).

Camille Corot peint Le Concert champêtre (image 18) qui représente une violoncelliste semblant répéter son morceau entre amies dans un lieu tranquille. Bien que les tons froids dominent, l'atmosphère légère et transparente transmet une impression d'intimité et d'intériorité.

Pour les ballets russes, Picasso a créé des décors et des costumes ; le rideau de scène de (image 19) met le spectateur dans l'ambiance fantasque et surréaliste de l'œuvre de Satie (1917 : écouter).

Au contraire, c'est la mélancolie d'un vieillard jouant de la musique pour se distraire que Matisse figure dans La Tristesse du roi ; il se représente par une masse noire, ressemblant à sa silhouette assise dans son fauteuil roulant, accompagné d'une silhouette blanche, sans doute son infirmière, et d'une odalisque verte qui évoque l'Orient ; les ovales jaunes qui flottent autour des personnages symbolisent les notes de musique (image 20)

17. Poussin, L'Inspiration du poète, 1630, musée du Louvre à Paris

3. La musique pour glorifier une divinité

Dans une troisième tendance, les peintres représentent des musiciens qui glorifient une divinité (images 21 et 23 ci-dessous). L'Église s'est toujours méfiée du pouvoir séducteur de la musique mais, dès le XIIe siècle, les réticences cèdent devant l'engouement pour le culte marial. Par exemple Fra Angelico, dans le Couronnement de la Vierge, organise une grande composition pyramidale (image 21) où la Vierge, couronnée par Jésus tout en haut, est entourée par des anges qui célèbrent la scène en jouant de la musique : vents et cordes (image 22). La couleur où domine l'or participe à la célébration.

4. La musique pour symboliser la fuite du temps

Dans une quatrième tendance, la musique symbolise l'instant qui passe, et par suite souligne le caractère éphémère de l'existence. Véronèse illustre cette tendance dans les Noces de Cana. (Image 23). Juste en dessous de Jésus qui occupe le centre de l'immense composition, il représente un groupe de six musiciens ; sur la table, un sablier symbolise le temps qui s'écoule (image 24). Dans ce contexte, outre qu'elle participe à la gloire du Christ, la musique, art de l'instant, évoque à la fois le plaisir des sens et la finitude de l'homme. Dans le même ordre d'idées, à partir du XVIIe siècle, le genre dit des Vanités dénonce la vacuité du genre humain soumis à la fuite du temps, à la mort (image 25).

22.détail : Anges musiciens

24. détail : le sablier sur la table

5. La musique comme thème formel

Dans une cinquième tendance, la musique fournit un thème formel propre à permettre une recherche picturale. En 1912, Georges Braque peint un Hommage à Bach dans lequel, pensant sans doute à la façon dont le maître du contrepoint construit et déconstruit un thème, il présente une vision éclatée d'un violon (image 26 ci-dessous).

La même année 1912, Picasso se sert de la guitare comme sujet d'expérimentation sur la déconstruction de la forme. En 1925, il peint Les Trois Musiciens qui terminent et synthétisent ses recherches cubistes (image 27).

Avec le Futurisme la peinture cesse enfin d'être un art silencieux dans la mesure où les artistes imaginent des manifestations mêlant tous les arts et sollicitant tous les sens. Carlo Carra déclare que la peinture devra être bruyante et transmettre toutes les couleurs de la vitesse, de la joie, " des cafés chantants et des music-halls, toutes les couleurs conçues dans le temps et non dans l'espace. " Il annonce ainsi ce qu'on appellera plus tard le " happening ". En 1911, le peintre et compositeur Luigi Russolo présente La Musica (image 28) où l'on peut voir un pianiste dont les mains ont été multipliées, des masques qui sortent des couleurs et un long ruban sinueux. Il commente ainsi son œuvre :

" J'ai voulu faire une espèce de traduction picturale des impressions mélodiques, rythmiques, harmoniques, polyphoniques, chromatiques qui forment l'ensemble de l'émotion musicale. [...] un musicien spectral en proie à la fureur de l'inspiration, tire d'un immense clavier un tourbillon de sons, rythmes et accords. Le déroulement de la ligne mélodique dans le temps est traduit picturalement par cette bande bleu foncé qui se déroule, en serpentant dans l'espace, et qui domine et enveloppe tout le tableau. "

Rappelons aussi l'image 20 (Matisse, La Tristesse du Roi) qui est une symphonie de formes et de couleurs réalisée avec des papiers gouachés, découpés et collés.

6. Conclusion

Avec ces cinq tendances, nous avons pu mesurer la diversité des idées que peut suggérer la présence de la musique dans des œuvres picturales : accompagner les bons moments de la vie quotidienne et participer à l'expression de la sensualité, traduire toutes sortes de sentiments (du grotesque à la sérénité, de la méditation à la souffrance), symboliser la fuite du temps, glorifier une divinité, fournir un thème formel permettant une recherche picturale. Elles tissent ainsi un lien subtil entre la musique et la peinture.

Toutes les œuvres citées précédemment sont figuratives mais les trois dernières nous amènent aux portes de la non figuration. C'est Franz Kupka, Wassily Kandinsky et Paul Klee qui, dans les années 1910, oseront franchir le pas en cherchant à se détacher complètement de la représentation du réel. Pour cela ils s'appuieront sur la musique, en s'efforçant notamment d'en suggérer abstraitement une des composantes : rythme, mélodie, timbre, etc. Ils représentent donc une étape capitale dans l'histoire des correspondances entre les sons et les couleurs, comme je vais essayer de le montrer dans le paragraphe suivant.

Abstraction

La musique, évoluant dans un monde subjectif et abstrait, apparaît comme un modèle pour les peintres souhaitant se libérer de la reproduction. " Pourquoi est-ce que je comprends mieux le musicien que le peintre Pourquoi vois-je mieux en lui le principe vivant d'abstraction ? " s'interroge déjà Vincent Van Gogh en 1888. Franz Kupka déclare en 1913 : " Je tâtonne toujours dans le noir, mais je crois pouvoir trouver quelque chose entre la vue et l'ouïe et je peux créer une figure en couleurs comme Bach l'a fait en musique. De toute manière, je ne me contenterai pas plus longtemps de la servile copie. "

Ces citations montrent que c'est un sentiment de promiscuité avec leur art qui a autorisé de nombreux peintres du XXe siècle à illustrer certains aspects de la musique de façon complètement abstraite. Cette promiscuité, comme le montre le dossier Des sons et des couleurs, se traduit par l'usage d'un vocabulaire commun à la musique et aux arts plastiques. Cette promiscuité, deux artistes l'ont plus précisément théorisée : Wassily Kandinsky, qui associa en permanence couleurs et sonorités (il jouait lui-même du piano et du violoncelle), et Paul Klee, lui-même excellent violoniste, qui peignit ou convoqua souvent la musique.

1. Kandinsky

Vassily Kandinsky a bien retenu la leçon de Goethe quand il écrit en 1910 Du spirituel dans l'art, et dans la peinture en particulier. À l'époque, il en est encore à ses premiers essais pour inventer une peinture non figurative, c'est-à -dire sans référence à une réalité extérieure. Pour justifier sa démarche il l'inscrit dans une recherche spirituelle. Il décrit cette recherche comme un mouvement ascendant incessant, à la pointe duquel se trouvent les artistes les plus inventifs et libérés des conventions (il cite par exemple Matisse et Picasso). Chaque art participe à cette " montée spirituelle " avec ses moyens propres. Pour le peintre, ces moyens sont la forme et la couleur, qui permettent de produire une " résonance " intérieure et des " vibrations " dans l'âme humaine : " L'artiste est la main qui, par l'usage convenable de telle ou telle touche, met l'âme humaine en vibration. Il est donc clair que l'harmonie des couleurs doit reposer uniquement sur le principe de l'entrée en contact efficace avec l'âme humaine. ".

L'utilisation par Kandinsky de mots comme " résonance " ou " vibrations ", qui font aussi partie du langage des musiciens, n'est pas le fait du hasard. Car, pour justifier l'évolution inéluctable de la peinture vers l'abstraction, il se réfère à la musique, elle-même art abstrait par essence puisqu'elle ne cherche pas à recopier la nature mais peut exprimer des impressions et des sensations sans nul recours à une référence extérieure : " La musique, échappant à la nature, est libérée de la nécessité de puiser dans le monde extérieur les formes extérieures de son langage. [...] Le problème actuel de la peinture est d'évaluer ses possibilités et ses moyens, de les analyser comme le fait la musique depuis des temps immémoriaux (une exception comme la "musique à programme" ne fait effectivement que confirmer la règle). " Selon Kandinsky, la peinture de son temps devrait donc rattraper son retard sur la musique dans le domaine de l'abstraction au lieu de continuer à prendre la nature comme référence.

Il va même jusqu'à défendre une véritable " audition colorée ". Pour décrire le pouvoir expressif des couleurs, il fait appel à toutes sortes d'images et termine par une association avec le timbre des instruments de musique. Par exemple, le jaune " ... peut être amené à une force et un niveau insoutenables pour l'œil et l'esprit humain. À ce niveau, il sonne comme une trompette, jouée dans les aigus et de plus en plus fort, ou comme le son éclatant d'une fanfare. " Quant au bleu : " musicalement, le bleu clair s'apparente à la flûte, le foncé au violoncelle, s'il fonce encore à la sonorité somptueuse de la contrebasse ; dans ses tons les plus profonds, les plus majestueux, le bleu est comparable aux sons graves d'un orgue ".

Et Kandinsky continue le jeu des concordances entre tons colorés et musicaux en présentant le vert comme " la sonorité tranquille et méditative du violon ", le blanc comme un non-son, le rouge carmin comme un rappel de " l'ampleur des sons moyens et graves du violoncelle ", l'orangé comme " une cloche de ton moyen ou une puissante voix de contralto ", le violet comme " les vibrations sourdes du cor anglais ", etc. Mais il prend la précaution d'indiquer d'emblée que toutes ces correspondances sont très relatives et dépendent de la qualité de la couleur (intensité, clarté, chaleur...) et de la modulation du son (nuance, tempo, phrasé...).

Ayant dégagé les bases théoriques et philosophiques de sa démarche, il va l'illustrer dans les années 1910 dans des œuvres qu'il nomme souvent par des termes musicaux : il titre " improvisations " ses peintures les plus spontanées et " compositions " les plus élaborées. Exemples :

Improvisation : Fugue (1914)
Fondation Beyeler, Riehen/Bâle

Composition : À une voix inconnue (1916)
Centre Georges Pompidou à Paris

2. Klee

Des idées similaires à celles de Kandinsky sont exprimées par Paul Klee, qui était son ami et sera son collègue à l'école du Bauhaus à partir de 1921. Dans son ouvrage Théorie de l'art moderne, publié en 1925, il reprend et développe la théorie des couleurs et des formes de Kandinsky, mais il attache autant d'importance à la couleur en soi qu'à la composition générale (comprise comme agencement ordonné des constituants d'une œuvre). Par exemple, il produit de nombreuses aquarelles sur les thèmes du mouvement ou rythme (impression d'agitation ou de repos) et de la polyphonie (superposition de plusieurs motifs au sein d'une même composition). En voici trois exemples :

Rythme (1930), Centre Georges Pompidou à Paris

Fugue en rouge (1921), Zentrum Paul Klee à Berne

Blanc polyphoniquement serti (1930), Zentrum Klee à Berne

Paul Klee était musicien lui-même : il aurait pu faire une carrière de violoniste mais il a finalement choisi la peinture. Son approche intime de la musique lui a permis d'analyser les méthodes, la pensée, les modes d'écriture des compositeurs. Ainsi, pour suggérer l'impression de rythme (voir reproduction 2 ci-dessus), il choisit une structure en échiquier qu'il varie subtilement en jouant sur la dimension et la disposition des rectangles colorés. Pierre Boulez, dans son ouvrage Le Pays fertile - Paul Klee (Paris, éd. Gallimard, 1989), voit dans cette composition modulaire une façon d'introduire le temps dans l'espace immobile du tableau :

" [En musique] la conception du temps est aussi fondée sur un module. (...) Ce qui importe c'est de repérer le temps : il se repère par une pulsation, c'est-à -dire par ce qu'en général on appelle le rythme. Une pulsation, qu'elle soit régulière ou irrégulière, aide à mesurer le temps comme le module de l'espace permet de concevoir la distance, mais elle est aussi ce module du temps par lequel on parvient à le rendre directif. "

Cette évocation du temps, on la retrouve dans Fugue en rouge (voir reproduction 1 ci-dessus) où Klee reprend le principe de la polyphonie. Le terme de fugue ( fuga, fuite) renvoie à la forme musicale où des mélodies horizontales (sujet et contre-sujet) évoluent par imitation et superposition verticale de façon à dialoguer entre elles. Son tableau est donc structuré comme une partition musicale. Boulez écrit dans le même ouvrage :

" Si Klee a pris la fugue pour modèle, ce n'est sûrement pas pour composer graphiquement une fugue au sens musical du terme, mais plutôt pour retrouver dans un tableau un certain type de retours, de répétitions et de variations qui sont à la base du langage fugué. [...] Le terme de fugue ne revêt pas une grande importance tant que je n'ai pas vu comment Klee en a interprété la forme, ce qu'il pense en être les éléments primordiaux : une figure principale et une figure secondaire se poursuivant elles-mêmes en diverses configurations. "

Alors que l'espace du tableau peut être englobé d'un seul regard, la musique est perçue dans l'instant qui passe et ce n'est qu'à la fin du morceau qu'on en a une " vue " globale ; mais c'est une vue globale virtuelle. La vue globale du tableau est, elle, bien réelle et c'est sa temporalité qui est virtuelle dans la mesure où elle dépend de l'attitude du spectateur : se rapprocher du tableau et l'examiner attentivement, en " brouter la surface " selon l'expression de Paul Klee. Dans Blanc serti en polyphonie (voir reproduction 3 ci-dessus), Klee enserre un rectangle blanc dans un réseau d'autres rectangles, eux colorés, fixant ainsi dans le temps l'instant éphémère de sa perception, comme s'il voulait prouver que " la peinture polyphonique est supérieure à la musique polyphonique, dans la mesure où l'élément temporel est ici remplacé par un élément spatial. La notion de simultanéité apparaît ici sous une forme encore plus riche. ".

3. Autres peintres abstraits

Refusant toute figuration, Franz Kupka, dans Nocturne, recouvre la toile de touches verticales répétées, en bandes rectangulaires, superposées, une variation de motifs bleutés, qu'il orchestre dans un tempo dynamique (voir reproduction ci-dessous). Son corps participe aux mouvements : " Le rythme respiratoire doit correspondre autant que possible au rythme de l'acte même de dessiner " écrit-il dans La Création dans les arts plastiques (Paris, éd. du Cercle d'art, 1989). Le titre Nocturne réfère à ce genre de musique qui a été si bien illustré par Frédéric Chopin. Le tableau ne constitue qu'un extrait, un motif, prélevé dans un plus vaste ensemble d'œuvres qui réfèrent à la musique.

Abordons d'autres artistes représentatifs :

En dansant autour de sa toile, Jackson Pollock impulse lui-aussi un rythme à son écriture (voir reproductions ci-dessous). Il travaille en musique, à l'écoute, jour et nuit, de disques de jazz. Dans ses drippings, il déploie son énergie, improvise dans une sorte de chorégraphie. La peinture coule, gicle, déborde et la toile s'anime de lignes rageuses qui évoquent le rythme frénétique de la musique.

Kupka, Nocturne, 1911, Musée Ludwig à Vienne, Autriche

Pollock au travail ïƒ

N° 26 A, Black and White, 1948, Centre Pompidou à Paris

Piet Mondrian présente ainsi le mouvement qu'il a créé : " Le Néo-plasticisme [...] présente le rythme, délivré de la forme : comme rythme universel. [...] Il est une ébauche de réalisation dans la vie d'un ordre nouveau, plus universel. " En 1940, fuyant l'Europe en guerre, il s'embarque pour New York. Il y trouve une ville en correspondance avec ses tableaux, ne serait-ce que par son plan orthogonal, mais aussi par son rythme. Depuis longtemps passionné par le jazz, il adopte avec enthousiasme le boogie-woogie et réalise notamment Broadway Boogie-Woogie New York City (voir reproductions ci-dessous). Mondrian reprend le rapport vertical/horizontal des danseurs sur la piste, le tableau est un mélange d'ordre et de désordre ; le noir est éliminé, tous les éléments de la composition (bandes jaunes, petits et grands carrés, rectangles...) semblent disposés de façon complètement aléatoire et suggèrent le rythme endiablé et syncopé de la musique.

Au début des années 20, les artistes vont utiliser les techniques issues du développement de l'électricité pour générer dans leur œuvre sons, couleurs ou images en y introduisant la notion de temps propre au modèle musical. Le Piano Optophonique du peintre futuriste russe Vladimir Baranov-Rossiné (1888-1944 : voir images ci-dessous) ne produit pas des sons, mais il met en mouvement des filtres transparents (peints par l'artiste) qu'un faisceau de lumière blanche traverse. Les images colorées ainsi produites sont projetées sur les murs ou au plafond. Si ce piano lumineux ne produit pas lui-même de musique, il devait permettre à son interprète, un pianiste-peintre, d'accompagner la musique d'un spectacle lumineux. Les œuvres musicales retenues étaient en général des partitions de Bach que ces peintres tous pionniers de l'abstraction appréciaient tout particulièrement pour sa rigueur.

ïƒŸ Mondrian, Brodway Boogie-Woogie, 1940, MoMA à New York

Conclusion

L'histoire est donc riche en peintures inspirées par la musique. On a vu que, dans le domaine de la figuration, les peintres avaient surtout représenté des instruments ou des musiciens en train de jouer. Ils mettaient ainsi la musique au service d'un projet plus général : traduire les bons moments de la vie, évoquer toutes sortes de sentiments, glorifier une divinité, symboliser la fuite du temps, etc. Dans le domaine de l'abstraction la musique, devient un véritable modèle à suivre. Les peintres s'efforcent d'en traduire tous les ressorts (tempo, nuances, inflexions mélodiques, sonorités, structure...) avec leurs moyens propres que sont les formes et les couleurs.

Dans tous les cas, c'est sur la mystérieuse alchimie du processus de création que reposent les œuvres résultant de ces mises en correspondance. Sans prétendre éclaircir ce mystère, on peut avancer qu'il s'appuie essentiellement sur deux facteurs : une certaine qualité de l'attitude perceptive (regard et écoute) et l'affirmation d'une volonté d'expression. D'une part en effet, c'est une attitude qu'on pourrait qualifier d' esthétique, qui permet à l'oreille qui écoute et à l'œil qui contemple de se rencontrer dans une émotion commune. D'autre part, cette volonté d'expression qui rapproche les musiciens, les peintres et les poètes repose sur le sentiment de partager les mêmes aspirations : ce sentiment explique la fécondité de leur proximité esthétique et nourrit leur inspiration.

Là est peut-être la principale leçon à retenir du jeu des correspondances entre artistes : en dépassant le cadre étroit de leur discipline, les créateurs s'apportent réciproquement, tant sur le plan sensible (celui des impressions et des émotions), que sur des points plus spécifiques de leur démarche créative (voir plus haut les propos de Boulez) : rythme, mélodie, construction formelle, couleur instrumentale, etc.

Ressources liées

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Quand la musique inspire les peintres - dossier musical proposé par Symphozik.info

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Seq.I - La M : un langage universel ; S.1 - TEP rédigé

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Seq.I - La M : un langage universel ; S.1 - TEP rédigé

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Seq.III - La musique au coeur de la société ; S.9 - Pouvoir rassembleur de la musique.

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Seq.III - La musique au coeur de la société ; S.9 - Pouvoir rassembleur de la musique.

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* Danser, c'est participer p.163.
* Danser comme un seul corps p. 168.
* Affiche du film Les choristes + bande annonce.
* Boite de nuit silencieuse : Le concept de la boîte de nuit silencieuse - Valdissole

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Seq.III - La musique au coeur de la société ; S.9 - Musique mondialisée, musique standardisée.

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Seq.III - La musique au coeur de la société ; S.9 - Musique mondialisée, musique standardisée.

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* Adorno, musique légère (Ecole Directe, en PJ de la séance du 30/04).
* Perron, mondialisation (Ecole Directe, en PJ de la séance du 30/04).
* Christine and the Queen, écouter le titre Damn, dis-moi accusé de plagiat (définir plagiat).

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Christine and the Queens - Damn, dis-moi (feat. Dâm-Funk) (Clip Officiel)

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Seq.I - La musique : un langage universel ; S.1+ - Définir, circonscrire.

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Seq.I - La musique : un langage universel ; S.1+ - Définir, circonscrire.

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Selon vous, la musique est-elle :
1 - Un simple loisir, un divertissement.
* oui parce qu'elle accompagne un certain nombre de nos activités quotidiennes, comme le sport, les transports en commun.
* oui parce qu'elle transmet essentiellement des émotionsµ. D'ailleurs historiquement, en France la musique était réservée au divertissement ou à la pratique religieuse. Cf. Les neurones enchantées de P. Boulez.
* oui parce qu'elle permet de s'évader du quotidien, de l'oublier.

2 - Une forme d'expression artistique majeure.
* oui parce qu'elle permet de s'exprimer physiquement en complément de la danse. Casse-noisette.
* oui parce qu'elle est régulièrement comparée à d'autres arts majeurs tels que la poésie ou le théâtre. P. Boulez, Les neurones enchantées.
* oui parce qu'elle dénonce des travers de société. Kery James, artistes engagés.

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Bob Dylan, Blowing in the wind.

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Penderecki : Thrène à la mémoire des victimes d'Hiroshima

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Kery James, Lettre à la République.

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Kery James - Lettre à la République (Clip officiel)

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Seq.III - La musique au coeur de la société ; S.9 - Avenir de la musique.

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Seq.III - La musique au coeur de la société ; S.9 - Avenir de la musique.

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* Le chant des robots p.122.

* Compressorhead - Heavy Metal disjoncté, musiciens branchés (tinynews.be)
* Chercher seul Benoît Carré, Skygge et écouter "Hello world".
* Sur le padlet écouter/regarder un morceau de Hatsune Miku.

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Gojira, Global warming.

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Gojira - Global Warming [Live at the Silver Cord Studio May 2018]

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Seq.III - Au coeur de la société : les enjeux collectifs de la musique ; S.8 - Corrections exam 3 SY/TEP.Examen n°3 

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Seq.III - Au coeur de la société : les enjeux collectifs de la musique ; S.8 - Corrections exam 3 SY/TEP.Examen n°3 

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David Guetta, musicien français sacré meilleur DJ au monde en 2020.  Concert à Dubaï en février 2021 sur le toit du Burj al-Arab.

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David Guetta | United at Home - Dubai Edition

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Concert de Hatsune Miku, chanteuse japonaise au longue couettes bleues. c'est un hologramme crée en 2007. Elle donne son premier concert en France à Paris en janvier 2020.

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Le Petit Q : au concert d’Hatsune Miku, l’hologramme japonais

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Aujourd’hui dans le Petit Q, on parle de la petite princesse virtuelle du Japon : l’hologramme Hatsune Miku. Devenue un véritable phénomène et une star dans son pays, elle a même été mariée à un Japonais fou d’amour.

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Concert virtuel de Jean-Michel Jarre projeté en hologramme dans la cathédrale Notre6dame de Paris, elle-même virtuellement reconstituée après son incendie. 31/12/20.

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31 décembre 2020   Concert de Jean Michel Jarre dans Notre Dame virtuelle

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Seq.II - Le pouvoir libérateur de la musique ; S.5+ - D'étonnants bienfaits.

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Résumé de la vidéo

Pourquoi nos chansons préférées nous apaisent ? La musique a t-elle vraiment un impact sur notre psychologie ? Cette semaine, François-Xavier Vrait, coordinateur pédagogique du Diplôme Universitaire de musicothérapie à la Faculté de Médecine de l'Université de Nantes nous répond.

Biographie de l'intervenant

François-Xavier Vrait est musicothérapeute, diplômé d'art en thérapie et en psychopédagogie à l'Université Paris Descartes. Il est aujourd'hui directeur de l'Institut de Musicothérapie de Nantes et coordinateur pédagogique du Diplôme Universitaire de musicothérapie à la Faculté de Médecine de l'Université de Nantes. Il est également président de la Fédération Française de Musicothérapie.

Présentation de l'émission "Une question, un chercheur"

Ira-t-on un jour sur Mars ? Pourquoi rêve t-on ? Pourquoi a-t-on les yeux bleus ou verts ?... Tous les 15 jours, un chercheur de l'Université de Nantes répond à une question que vous vous posez.

dans la même série

Une question, un chercheur

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La musique a-t-elle un effet thérapeutique ?

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Pourquoi nos chansons préférées nous apaisent ? La musique a t-elle vraiment un impact sur notre psychologie ? Cette semaine, François-Xavier Vrait, coordinateur pédagogique du Diplôme Universitaire de musicothérapie à la Faculté de Médecine de l'Université de Nantes nous répond. Biographie de l'intervenant François-Xavier Vrait est musicothérapeute, diplômé d'art en thérapie et en psychopédagogie à l'Université Paris Descartes.

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Seq.II - Le pouvoir libérateur de la musique ; S.4 - Travail, rigueur et souffrance.

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Seq.II - Le pouvoir libérateur de la musique ; S.4 - Travail, rigueur et souffrance.

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Définition d'opéra (cf. wikipedia) : œuvre musicale et théâtrale pour un orchestre et des chanteurs, bâti sur un livret qui met en scène des personnages et leur histoire où les rôles sont chantés.

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La Traviata by G. Verdi - "Libiamo ne' lieti calici" (Pretty Yende & Benjamin Bernheim)

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Seq.I - La musique : un langage universel ; S.2 - La musique : territoire et identité, le reflet de la diversité.

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Seq.I - La musique : un langage universel ; S.2 - La musique : territoire et identité, le reflet de la diversité.

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Le RAP, texte de J. Sorman p.57.
Après avoir relevé les expressions qui  caractérisent le RAP, on observe qu'elles ont en commun la violence, la provocation, le réalisme, l'authenticité, l'impact sur ceux qui le reçoivent.
Ex. Keny Arkana, "La rage" et "Viens mon frère".

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Keny Arkana Songs Keny Arkana Lyrics Keny Arkana Victoria Style Libre Keny Arkana Kenny Arkana Songs Keny Arkana Working Class Keny Arkana Marseille Keny Arkana Victoria in English Keny Arkana Vimeo Kenya Arkana Victoriak Kenny Arkana Et Flic Kenny Arkana Cinquieme Soleil Lyrics in French Kenny Arkana Madam Mark Madame

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Seq.I - La musique : un langage universel ; S.2 - La musique : territoire et identité, le reflet de la diversité.

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Seq.I - La musique : un langage universel ; S.2 - La musique : territoire et identité, le reflet de la diversité.

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Définir la World Music, analyse basée sur le texte de Nicolas Journet intitulé "Un melting port musical", p.45.
Musique folklorique. Ex : polyphonie pygmée : Les chants polyphoniques des pygmées Aka de Centrafrique - Bing video
Musique populaires. Ex : zouk antillais : Jocelyne Labylle, Cheela feat. Passi, Jacob Desvarieux - Laisse Parler Les Gens [Clip Officiel - HD] - Bing video
Ex : Daniel Melingo : Daniel Melingo - Chalamán. 28/9/2019 - Sala Ballena Azul - C.C. kirchner #UNIVERSOMELINGO - Bing video
Musiques pop défolklorisées. Ex : Tri Yann : Tri Yann - Festival Interceltique de Lorient 2017 - Bing video
Luzmila Carpio : (HD) LUZMILA CARPIO / YANAPARIWAIKU : AMPLIFICADO (BOLIVIA) - Bing video
Musiques  pop métropolisées. Ex : le reggaeton : Puerto rican Reggeaton rap music - Bing video
Musiques de reprises. Ex : Deep Forest : Cloud Chamber - Nguyên Lê Streams quartet - Bing video
Musiques du monde. Ex : Nguyen Lê : Cloud Chamber - Nguyên Lê Streams quartet - Bing video

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Seq.II - Le pouvoir libérateur de la musique ; S.3 - Un art populaire ou élitiste ?

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Seq.II - Le pouvoir libérateur de la musique ; S.3 - Un art populaire ou élitiste ?

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Découverte de la Philharmonie de Paris, dont l'architecte est Jean Nouvel (auteur de l'Onyx à Saint Herblain et de du Palais de justice de Nantes).
Visite virtuelle du musée de la musique : https://artsandculture.google.com/exhibit/TAKiqDIFw98kJg?hl=fr

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Seq.I - La musique : un langage universel ; S.1 - Un autre mode d'expression.

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Seq.I - La musique : un langage universel ; S.1 - Un autre mode d'expression.

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Playlist TC2
[Rap]

MZ : 357

PLK : Emotif

Gergio : Rose noir

Booba : Arc-en-ciel

Ninho : La vie qu’on mène

Djadja Dinaz : La vie qu’on mène

PNL : Uranus

Bosh : Djomb

Josman : Factice

Nekfeu : Humanoîde

Diams : La Boulette
[Pop]

Rihana : Only Girl
[Variété Française]

Daniel Balavoine : Le chanteur
[Électro]

DJ Antoine : Welcome to Saint-Tropez

Crazy Frog : Axel F

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Seq.II - Le pouvoir libérateur de la musique ; S.3 - Un art populaire ou élitiste ?

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Seq.II - Le pouvoir libérateur de la musique ; S.3 - Un art populaire ou élitiste ?

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Un orchestre symphonique ou orchestre philharmonique est un ensemble musical formé des trois familles d'instruments : cordes, instruments à vent (bois et cuivres) et percussions (Def. wikipédia).

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Piccolo, Saxo et compagnie (La petite histoire d'un grand orchestre)

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Seq.III - Les enjeux collectifs de la musique ; S.7 - Un pouvoir de contestation.

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Seq.III - Les enjeux collectifs de la musique ; S.7 - Un pouvoir de contestation.

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Seq.II - Le pouvoir libérateur de la musique ; S.3 - Un art populaire ou élitiste ? 

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Seq.II - Le pouvoir libérateur de la musique ; S.3 - Un art populaire ou élitiste ? 

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Musiques classiques : les folles journées de Nantes.
Passion de l'âme et du cœur, partie 1 : La Folle Journée de Nantes 2015 "Passions De L'âme Et Du Coeur" Part 1 - YouTube
Passion de l'âme et du cœur, partie 2 : https://youtu.be/HSq4HzB-sLY

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Seq.II - Le pouvoir libérateur de la musique ; S.5+ - La musique adoucit-elle le confinement ?

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Seq.II - Le pouvoir libérateur de la musique ; S.5+ - La musique adoucit-elle le confinement ?

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1 - Durant le premier confinement lié à la Covid19, la musique permet de nous rassembler et de nous divertir face aux publications anxiogènes des journalistes .

2 - La musique permet aux citoyens de s’exprimer et d’exprimer leur colère.

3 - La musique permet de démocratiser la culture par l’accès à des concerts gratuits.

4 - Les nouvelles technologies ont révélé une créativité chez les artistes et ont permis aux citoyens d'échanger et de se rassembler.

5 - La musique est propice à la solidarité, car elle permet la collecte de fonds humanitaires.

6 - La musique matérialise le soutien des populations à l’égard des soignants en cette période de coronavirus ; elle peut même en être le symbole.

7 - La musique a des fonctions différentes : sociales, politiques, économiques…

8 - La musique est un remède contre l’ennui.

9 - La musique est une solution contre l’anxiété.

10 - La musique est un moyen d’expression de la colère ou de l’insatisfaction contre le gouvernement.

11 - La musique a une fonction expressive et sert à partager une expérience commune traumatique et à provoquer un sentiment d’appartenance.

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L'orchestre national interprète le Boléro de Ravel...en confinement. capture d'écran Youtube.

En pleine crise du Covid-19 et alors que les médias rapportaient jour après jour les chiffres hallucinants des décès en Italie, ont commencé à apparaître sur les média sociaux des vidéos de personnes confinées qui chantent et jouent de la musique sur les balcons de leur appartement. Une des première vidéos postée dans la ville de Benevento, non loin de Naples, montre un homme qui entonne la chanson populaire napolitaine Vesuvio accompagné de son tambourin traditionnel, tandis que 3 jeunes femmes sur un autre balcon l'accompagnent à distance, elles aussi au tambourin.

Cette nouvelle forme d'expression et de partage a rapidement gagné de nombreuses villes et plusieurs autres pays. L'hymne de la lutte contre le virus en Espagne, chanté tous les soir sur les balcons, est un ancien tube des années quatre-vingt intitulé .

Par ailleurs, des chanteurs et des musiciens parfois très connus ont commencé à diffuser des concerts donnés depuis leur domicile. Ainsi, le chanteur canado-américain Neil Young, qui aurait dû entamer une nouvelle tournée, a diffusé dès le 20 mars le premier d'une série de concerts acoustiques intimistes qu'il a nommé les fireside sessions. Pendant près d'une demi-heure, on le voit chanter certaines de ses chansons les plus connues. Il répète depuis lors l'exercice plus ou moins toutes le semaines.

Alors que le coronavirus provoque d'énormes dysfonctionnements dans l'industrie culturelle mondiale, entraînant des retards et des annulations, la liste des des concerts virtuels en livestream s'allonge de jour en jour. La prolifération de ces web-shows est grandement favorisée par les nouvelles technologies de communication qui permettent non seulement aux artistes de se trouver dans un lieu différent, parfois très éloigné, de leur public, mais aussi aux artistes isolés de jouer ensemble, comme l'ont montré les musiciens de l'Orchestre philharmonique de Rotterdam.

Les initiatives caritatives basées sur la musique ne manquent pas. Lionel Richie, par exemple, envisagerait de relancer son titre We are the world interprété par le collectif USA for Africa en 1985, un collectif ad hoc de composé de grandes stars (de Bob Dylan à Bruce Springsteen en passant par Cindy Lauper ou encore Tina Turner) qui permit de récolter des sommes gigantesques pour lutter contre la famine en Ethiopie dans les années 80.

Les médias traditionnels ne sont pas en reste. Ainsi, la chaîne de télévision franco-allemande ARTE a décidé de mettre à la disposition de ses téléspectateurs 600 concerts de tout genre en streaming gratuit. Le 20 mars dernier, 180 radios européennes ont diffusés au même moment " You'll never walk alone ", en signe de solidarité et de soutien au personnel soignant. Dans une vidéo apparue online cette chanson, désormais connue comme l'hymne de l'équipe du Liverpool Football Club, est chanté par le personnel médical d'un hôpital à des collègues isolés dans l'unité de soins intensifs dédié au Covid-19.

Les fonctions de la musique

Que signifie cette prolifération de la musique sur le web en cette période inédite de confinement et de crise sanitaire globale ? Quelle peuvent être les fonctions de la musique et des artistes dans un tel contexte ? Les fonctions sociales et politiques de la musique ont fait l'objet de nombreuses études et réflexions qu'il ne s'agit pas ici de restituer. Il nous semble toutefois opportun de distinguer les fonctions sociales, politiques et psychologiques potentielles de la musique dans le contexte actuel.

Jouer ou consommer de la musique (en audio seule ou en vidéos) peut être un moyen de s'occuper lorsque la vie tourne au ralenti, jour après jour. Bien que le télétravail ait connu une forte augmentation - forcée - suite au confinement, de nombreuses personnes se retrouvent contraintes de rester chez elles sans pouvoir travailler. Elles doivent parfois imaginer des solutions contre l'ennui qui s'installe au quotidien. Certaines s'adonnent à la musique, soit en se lançant ou en reprenant la pratique d'un instrument, soit en écoutant plus de musique qu'à l'habitude.

La pratique et la consommation de la musique peuvent être une réponse à l'anxiété causée par la situation actuelle. La grave crise sanitaire globale que nous traversons est inédite et inattendue pour la grande majorité de la population. Elle suscite bien de l'incertitude, des inquiétudes et des peurs pour l'avenir. Dans ce contexte, écouter ou jouer de la musique peut constituer un moyen de s'évader, de s'échapper mentalement, d'oublier momentanément la situation et les difficultés de la crise et du confinement et donc de préserver un bon équilibre mental.

Expression et connexion

L'histoire nous indique que la musique est un moyen d'exprimer sa peine, ses souffrances dans des situations extrêmes. Le Blues, par exemple, est le fruit de l'expérience indescriptible de l'esclavage vécue par les centaines de milliers d'Africain·e·s arraché·e·s de force à leur environnement pour être acheminé·e·s comme du bétail aux États-Unis d'Amérique. Sans avancer une comparaison dénuée de sens, on constate aujourd'hui aussi que des personnes expriment leur expérience et leurs souffrances à travers la musique. En France, par exemple, se présentant comme un brancardier en service, Monsieur Cheb a posté un freestyle qui raconte la difficulté du travail en hôpital non sans égratigner au passage la responsabilité du gouvernement dans la crise actuelle.

Cette fonction expressive de la musique peut être individuelle et collective. La musique devient alors un moyen de rassemblent, de connexion à distance entre des personnes qui bien que ne se connaissent pas, vivent une même situation. Lorsque les gens chantent sur les balcons, lorsqu'il écoutent la même chanson à la même heure à la radio, ils se rapprochent, ils partagent une expérience commune de cette crise sanitaire, voire un sentiment d'appartenance à une communauté menacée par le virus. Au-delà, ils peuvent aussi exprimer leur solidarité les uns avec les autres mais aussi leur solidarité avec le corps médical qui travaille sans relâche pour sauver des vies. En France, par exemple, un clip de G7N est très explicite à ce propos.

Pragmatisme et politique

Ces quelques illustrations n'épuisent évidemment pas le débat sur l'importance sociale et politique de la musique. Dire que la musique peut certainement aider de nombreuses personnes à traverser la crise ne revient pas non plus à en faire un outil univoque ou omnipotent.

Par ailleurs, d'aucuns peuvent trouver trivial de se pencher sur ces questions dans des circonstances tragiques. C'est une croyance qui ne tient pas compte des nombreuses applications pragmatiques de la musique. Dans le contexte actuel, la musique peut avoir par exemple des fins pédagogiques pour sensibiliser la population au danger du Covid-19 et montrer comment s'en protéger. Le Ndlovu Youth Choir, un groupe vocal issu d'une communauté d'Afrique du Sud ayant un accès limité à l'eau courante, a posté des clips vidéo sur YouTube dans lesquels ils expliquent en chantant et en dansant toutes les précautions afin de ne pas contracter le virus.

Mais si la musique peut servir de vecteur de solidarité humaine, elle peut aussi servir des fins politiques. L'enthousiasme suscité par l'apparition des premières " chansons au balcon " en Italie s'est accompagné d'une critique de la proposition de chanter l'hymne national lors de ces pratiques.

Ces critiques dénonçaient le manque d'unité et d'égalité, dans un contexte ou le gouvernement était sous pression pour donner une première réponse à l'urgence croissante, et les gouvernements régionaux prenaient des directions différentes et souvent contradictoires.

L'idée de chanter l'hymne national, relancée par plusieurs politiciens et suivie par de nombreux citoyens, a été interprétée par d'autres comme la tentative de réaffirmer un patriotisme symbolique qui n'existe pas dans la pratique, dans un pays où les disparités internes risquent de s'accroître pendant une période critique comme celle que nous vivons actuellement.

Reste qu'à l'avenir, la bande-son collective de la crise du Covid-19 fera partie de notre patrimoine commun.

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La musique adoucit-elle le confinement ?

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En pleine crise du Covid-19 et alors que les médias rapportaient jour après jour les chiffres hallucinants des décès en Italie, ont commencé à apparaître sur les média sociaux des vidéos de personnes confinées qui chantent et jouent de la musique sur les balcons de leur appartement.

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Seq.II - Le pouvoir libérateur de la musique ; S.4+ - Un art qui demande travail et rigueur.

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Seq.II - Le pouvoir libérateur de la musique ; S.4+ - Un art qui demande travail et rigueur.

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Histoire des variations de Goldberg + texte de Nancy Huston.
Histoire de la naissance du jazz...

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Bach et ses Variations Goldberg. Nathalie Piolé nous parlera de la naissance du jazz.
Il était une fois dans le monde dingo de la musique classique l'histoire des Variations Goldberg de Jean-Sébastien Bach.

En 1933, du côté de Saint-Leu-La-Forêt, dans le Val-d'Oise, une femme, immense claveciniste du nom de Wanda Landowska, donne l'intégrale des Variations Goldberg de Jean-Sébastien Bach dans son auditorium. C'est une date marquante, car à l'époque les Variations Goldberg n'étaient pas connues, elles servaient plutôt d'exercice pour les clavecinistes et les pianistes. Personne n'avait eu l'idée de jouer ses Variations en public.

Wanda Landowska était persuadée que cette œuvre était une des plus grandes partitions jamais composées. 8 ans après ce concert de Saint Leu La Forêt, Wanda Landowska est aux Etats-Unis, à New-York.
Ses amis et agent artistique lui conseillent de jouer au public un programme avec des œuvres variées et populaires et bien non : " Je vais donner un très grand concert. Il faut que cela le soit [dit-elle]. Je jouerai seulement les Variations Goldberg et l'on s'en souviendra " fin de citation.
Le titre original de ces pièces n'est pas Variations Goldberg mais le titre original est Aria avec quelques variations pour clavecin à 2 claviers. C'est-à-dire un grand clavecin avec deux claviers l'un au-dessus de l'autre. Et pourtant, aujourd'hui on entend davantage ces Variations jouées au piano. Ce qui demande une sacrée technique aux pianistes, ils doivent ruser, croiser les mains...

Pourquoi appelle-t-on ces variations, Variations Goldberg ?
La légende dit que Bach a composé cette œuvre pour calmer les insomnies du comte von Keyserling. Le comte aurait commandé ces Variations à Bach au tout début des années 1740 et celles-ci auraient été jouées pour la première fois par un des élèves de Bach et petit protégé du comte : le claveciniste Johann Gottlieb Goldberg.
La légende toujours, dit que le comte était si heureux de ces partitions, qu'il aurait offert à Bach une magnifique coupe en or remplie de cent Louis d'or, pour le remercier pour cette œuvre qu'il appelait " mes variations ".
Mais, nous ne sommes pas si sur que cette histoire soit vraie les Variations Goldberg pourraient très bien avoir été composées, simplement comme ça, parce que Bach avait envie de les écrire.

Quand et comment est né le jazz ?Pour y répondre notre invité e Nathalie Piolet, une passionnée de jazz, productrice sur France Musique, on peut l'entendre tous les dimanches de 10h à 11h dans l'émission Banzzaï !
Qui a composé les Variations Goldberg ?
A gagner en téléphonant au 01 56 40 69 35 Disque : Le Carnaval des animaux de Camille Saint-Saëns

En répondant à la question posée en fin d'émission

Ne pas oublier de nous laisser ton nom, ton numéro de téléphone et une adresse email

Voici le Carnaval des Animaux comme vous ne l'avez jamais entendu :
Un conte inédit écrit par Taï-Marc Le Thanh, illustré par Rose Poupelain et raconté avec panache par Édouard Baer.
Une adaptation jazz tout spécialement composée et interprétée par The Amazing Keystone Big Band, d'après la célèbre musique de Camille Saint-Saëns.
Ça caquette côté trompettes, ça rugit côté trombones, ça piaffe côté saxophones...
Lion, poule, tortue, éléphant... Chaque animal a son instrument et tous forment ensemble un orchestre qui swingue !
Un conte musical joyeux et ludique pour les petits et les grands.

03/11/2015 - Théâtre l'Avant Seine - Colombes

22/11/2015 - Anthony
Ailleurs sur le web
29/11/2015 - Scène nationale - Bayonne

30/11/2015 - Scène nationale - Bayonne

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Histoire des Variations Goldberg de Bach - Quand et comment est né le jazz ?

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Bach et ses Variations Goldberg. Nathalie Piolé nous parlera de la naissance du jazz. Il était une fois dans le monde dingo de la musique classique l'histoire des Variations Goldberg de Jean-Sébastien Bach. En 1933, du côté de Saint-Leu-La-Forêt, dans le Val-d'Oise, une femme, immense claveciniste du nom de Wanda Landowska, donne l'intégrale des Variations Goldberg de Jean-Sébastien Bach dans son auditorium.

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Seq.II - Le pouvoir libérateur de la musique ; S.3 - Un art populaire ou élitiste ?

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Seq.II - Le pouvoir libérateur de la musique ; S.3 - Un art populaire ou élitiste ?

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Et pourquoi pas un mélange des deux !
Une chanson de la harpiste Joanna Newsom : https://youtu.be/tKjkxl6un3U

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Elodie Suigo franceinfo Radio France

Mika sur la scène de l'Opéra Royal de Versailles. Concert diffusé sur France 5 le 5 février 2021 (CAPTURE D'ECRAN FRANCE 5)

Le public français adopte le chanteur libano-britannique en 2007 grâce à son album Life in Cartoon Motion. Ce soir, il donne un concert depuis la scène de l'Opéra Royal de Versailles, un événement pour bien démarrer l'année 2021.
franceinfo : Un public masqué mais une émotion palpable quand on vous découvre investir ce lieu qui a fêté ses 250 ans en mai dernier. C'est un message d'espoir face à cette crise sanitaire ?
Mika : Ce que je voulais faire, c'était retrouver l'émotion sur la scène et aussi trouver une manière d'être à la hauteur de cette opportunité. Cette opportunité où pendant un moment on n'a pas le droit de faire des concerts, il ne faut pas la gaspiller. Et comment ne pas faire quelque chose de banal ? Aller en toute pureté.

Sans décors, sans danseurs, sans paillettes... Montrer que juste avec de la musique, un orchestre baroque, des musiciens autour de moi, une intention, on peut vraiment transporter des gens et provoquer beaucoup d'émotion.

Il y a aussi un chœur gospel autour de vous. C'est quelque chose qui vous tenait beaucoup à cœur, d'ailleurs vous faites un clin d'œil à votre maman avec la chanson Elle me dit. On sent que toute cette histoire familiale vous habite même sur scène.
On a toujours deux familles dans notre vie. Quand j'ai quitté l'école, quand ils m'ont expulsé à l'âge de sept, huit ans, c'est la famille à la maison qui a pris la place de tout. C'est là où j'ai été entraîné pendant huit mois. Au lieu d'aller à l'école j'ai appris la musique classique, j'ai appris à chanter. Il y avait ma mère qui m'entraînait, il y avait un professeur russe. Et sept mois plus tard, je me retrouve avec mon premier job où je suis rémunéré, c'est vraiment une responsabilité, j'ai huit ans, je suis en train de chanter à l'Opéra Royal, pas à Versailles mais à Londres et là, ça commence. J'avais vraiment l'impression que ce job était très important pour moi.

Je venais d'un contexte où à l'école, j'avais beaucoup de difficultés à lire, à écrire, beaucoup de dyslexie. Je me retirais beaucoup et tout d'un coup j'avais une autre vie, je travaillais avec des adultes, j'avais une responsabilité. Ça a commencé à huit ans et duré jusqu'à 14, 15 ans.
Je voudrais qu'on aborde tout le dispositif qu'il y a sur scène. L'orchestre baroque, des invités tels que Gautier Capuçon, le guitariste classique Thibault Garcia ou encore Jozef Orlinski. Depuis que vous êtes tout petit, finalement, vous rêvez de mélanger le classique et la pop.
Exactement. Il y avait cette double vie de musique classique et aussi la musique qu'ils appellent au conservatoire la musique "light". Moi, je voyais vraiment que les deux, la musique classique et la musique pop, pouvaient s'influencer au maximum, c'est une évidence.
C'est ça qui a changé, vous avez beaucoup grandi. On sent qu'aujourd'hui, vous vous faites beaucoup plus confiance, que vous profitez de l'instant présent et ça se ressent pendant ce concert que les auditeurs vont découvrir ce soir.
Je le dis d'une manière très sincère : c'est vrai. Parce que j'ai beaucoup grandi dans plein d'endroits différents. De la même manière que je n'étais pas assez classique pour les classiques, pas assez rock ou électro ou pop pour les gens qui faisaient cette musique, j'étais toujours entre deux. Culturellement, je me suis retrouvé dans le même contexte. Né à Beyrouth, ensuite transplanté à Paris pendant la guerre, ensuite à Londres, la famille aux Etats-Unis.

Je pensais vraiment que si je faisais de la musique, je pourrais me sentir ancré, fixé quelque part. Moi, ma maison, c'est partout !

Je voudrais que vous me parliez de votre voix. Vous l'aimez ?
Non, je me suis habitué. On n'aime jamais sa propre voix. C'est pour ça que j'écris des chansons. Je suis plus à l'aise avec mon corps, mais avec ma voix non.
Le premier titre que vous avez écrit, c'était Colère. Aujourd'hui, on est vraiment dans quelque chose de très solaire. Ça vous définit aussi cette énergie ?
Oui. Et souvent les chansons qui ont l'air les plus heureuses quand on lit les textes, et bien les textes sont les plus noirs ou les plus tristes. C'est une forme de douce résistance. On répond à la tristesse avec de la joie. On répond à la joie avec une inquiétude, une mélancolie.
Dans ce concert, vous revisitez des titres qu'on connaît toutes et tous, et par exemple sur Love Today, vous faites un clin d'œil à la météo marine qui était destinée aux pêcheurs.
En Angleterre, il y a cette météo marine qui est la chose la plus constante sur les ondes et sur la radio britannique. Et c'est très beau à écouter, même si on ne comprend pas tous les mots parce qu'il y a tous ces codes. Et moi, je l'écoutais souvent parce que je ne pouvais pas dormir, c'était sur la BBC très tard la nuit.

Et un soir, je me suis dit : " Ce serait drôle si tout d'un coup avec la même voix, il commençait à m'annoncer l'amour" et le début de Love today, la première inspiration vient de ça. Et la première maquette, c'était moi en train de copier cette voix pour toute l'intro de la chanson. Je ne l'ai pas gardée mais quand même, ça reste un point de départ et je voulais exprimer aussi et expliquer l'envers du décor des chansons. Parce qu'une chanson, c'est un petit film. Et pourquoi pas aller derrière de temps en temps ?
Concert de Mika à l'Opéra Royal de Versailles, diffusé le 5 février sur France 5 à 20h55.

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Mika : mélanger la musique classique et la musique pop, "une évidence"

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Elodie Suigo franceinfo Radio France Le public français adopte le chanteur libano-britannique en 2007 grâce à son album Life in Cartoon Motion. Ce soir, il donne un concert depuis la scène de l'Opéra Royal de Versailles, un événement pour bien démarrer l'année 2021.

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Seq.II - Le pouvoir libérateur de la musique ; S.3 - Un art populaire ou élitiste ?

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Seq.II - Le pouvoir libérateur de la musique ; S.3 - Un art populaire ou élitiste ?

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Lecture de différents textes (sur 2 semaines) pour répondre à la question suivante : selon vous, la musique est-elle un marqueur social et/ou générationnel ?
*P. Bourdieu, p. 59 de votre anthologie.
- La musique catégorise socialement les individus ; elle les range "dans des cases".
- La musique est l'art le plus spirituel ; elle donne une consistance à l'âme humaine.
- La musique est l'art le plus pur, parce qu'il ne recèle aucune parole, il s'interprète avec l'âme et le corps.
- La musique est le refus même de toute nuance sociale.

Texte 10, anthologie Hatier.
- Il existe une musique populaire et une musique élitiste dans les sociétés occidentales.
-  La musique représente une forme de cohésion sociale et culturelle qui crée à la fois des barrières et une forme de cohésion.
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Seq.I - La musique : un langage universel ; S.2+ - S'évader grâce à la musique.

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Seq.I - La musique : un langage universel ; S.2+ - S'évader grâce à la musique.

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Remédiation sur sujet de TEP : dans quelle mesure la musique permet-elle de s'évader su quotidien ? Réponse attendue en 2 parties [OUI], mais la nuance était également autorisée. Travail au format carte mentale sur 1/ la qualité et la précision des arguments proposés ; 2/ sur la distinction entre exemples et références culturelles.

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La musique permet de s'évader du quotidien 

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Seq.I - La musique : un langage universel ; S2 - Territoire et identité.

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Seq.I - La musique : un langage universel ; S2 - Territoire et identité.

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Texte de Nicolas Journet, p.45.
1 - Musiques traditionnelles/folkloriques.
2 - Musiques populaires.
21 - Musiques pop. défolklorisées.
22 - Musiques pop. métropolisées.
3 - Musiques de reprises controversées.
4 - Musiques du monde authentiques.
-> Définition de la World music...
-> Enjeux de la World music...

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Seq.I - La musique : un langage universel ; S.1+ - Définir.

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Seq.I - La musique : un langage universel ; S.1+ - Définir.

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Expression : avoir un violon d’Ingres signifie avoir un passe-temps, un hobby, une activité, notamment artistique, à laquelle on se consacre pour se divertir.
Cette expression a inspiré le photographe Man Ray, qui a utilisé Kiki de Montparnasse pour son interprétation de "violon d'Ingres" en 1924.

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Seq.I - La musique : un langage universel ; S.1+ - Définir, circonscrire.

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Seq.I - La musique : un langage universel ; S.1+ - Définir, circonscrire.

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"Art poétique", titre du poème de Verlaine qui donne le  thème.
"De la musique avant toute chose"
"De la musique encore et toujours !"
Liste des ressemblances entre musique et poésie : le texte, les mots, les rimes, les vers, les strophes , les refrains, le rythme, l'harmonie, le lyrisme, la narration (pour raconter une histoire), l'argumentation (pour dénoncer).

Liste de leurs différences : M des sons seulement, P parlée la plupart du temps, M chantée (mélodie), M plus d'émotions, M instruments nécessaires.

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Seq.I - La musique : un langage universel ; S.1 - Un autre mode d'expression.

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Seq.I - La musique : un langage universel ; S.1 - Un autre mode d'expression.

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Playlist CG2, classée par genre musical.

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Seq.I - La musique : un langage universel ; S.1 - Un autre mode d'expression.

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Seq.I - La musique : un langage universel ; S.1 - Un autre mode d'expression.

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Playlist MCO2

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Seq.I - La musique : un langage universel ; S.1 - Un autre mode d'expression.

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Seq.I - La musique : un langage universel ; S.1 - Un autre mode d'expression.

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Elaborer la playlist de la classe (sélectionnez chacun votre musique/chanson préférée) et classer ces différents sons par genre musical en suivant le classement proposé par dans votre anthologie p.179.

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Seq.I - La musique : un langage universel ; S.1+ - Définir, circonscrire.

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Seq.I - La musique : un langage universel ; S.1+ - Définir, circonscrire.

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Recueil de pratiques : combien de fois par jour écoutez-vous de la musique ? Pendant combien de temps ? Quelle activité pratiquez-vous en parallèle ? Avec quel matériel écoutez-vous de la musique ? Quels sont les effets de la musique sur votre corps ? Quels sont les effets de la musique sur votre esprit ?

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Seq.I - La musique : un langage universel ; S.1+ - Définir.

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Seq.I - La musique : un langage universel ; S.1+ - Définir.

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expression : mener à la baguette !
Film intitulé "La grande vadrouille" de Gérard Oury, sorti en 1966, avec Louis de Funès et Bourvil. Scène du "chef d'orchestre" sur une composition de Berlioz, intitulée "La marche Hongroise".