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Der Expressionismus, die Brücke und der Blaue Reiter

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Der Expressionismus möchte vor allem das künstlerische Erlebnis für den Betrachter begreifbar machen, erst dann kommen Ästhetik, künstlerische Appelle und

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Liebe am Werk - Gabriele Münter & Wassily Kandinsky

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Deutschland heute

Der Berliner Street-Art-Künstler El Bocho will anonym bleiben und tritt öffentlich nur vermummt auf. Seine Werke zwischen Pop-Art und Comic klebt er in der Nacht an Häuserfassaden und Mauern. El Bocho ist nicht nur Street-Art-Künstler. Seine Werke werden auch in renommierten Galerien ausgestellt.

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Der Berliner Street-Art-Künstler El Bocho will anonym bleiben und tritt öffentlich nur vermummt auf. Seine Werke zwischen Pop-Art und Comic klebt er in der Nacht an Häuserfassaden und Mauern. El Bocho ist nicht nur Street-Art-Künstler. Seine Werke werden auch in renommierten Galerien ausgestellt.

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Berühmte Personen

Albrecht Dürer: Ein Meister im Detail

Albrecht Dürer gilt als einer der bedeutendsten deutschen Maler der gesamten Kunstgeschichte. Seine detailgenauen Gemälde, Zeichnungen und Kupferstiche werden noch heute in den großen Museen der Welt bewundert. Der gelernte Goldschmied war auch einer der ersten, der nicht einfach drauf los malte, sondern sich auch theoretisch mit der Kunst auseinander setzte.
Abbildung: Dürer im Selbstporträt Die Renaissance
Der Mensch im Mittelpunkt
Dürer der am 21. Mai 1471 in Nürnberg zur Welt kam - lebte und wirkte zur Zeit der Renaissance (= Wiedergeburt). Diese Epoche wurde im Nachhinein so bezeichnet, weil die Menschen die Ideale der Antike wiederentdeckten und sich daran orientierten. Das galt auch für die Kunst. Zum anderen markierte das 15. Jahrhundert eine wichtige Schnittstelle in der Geschichtsschreibung. Das Mittelalter ging zu Ende, die Neuzeit brach an.
Abbildung: Albrecht Dürers Meisterwerk "Der Hase" Umfassend gebildet
Der Mensch war im Begriff die Welt zu erobern und aus den Angeln zu heben: Columbus und Magellan brachen zu ihren großen Seereisen auf, Gutenberg erfand den Buchdruck und Universalgenies wie Leonardo da Vinci betraten die Szene. Für die Kunst bedeutete die Renaissance, dass der Mensch ins Zentrum des Interesses rückte. Das drückte sich auch in den vielen Porträts und Selbstbildnissen aus, die den Menschen nun nicht mehr idealisiert, sondern mit all seinen Schönheitsfehlern zeigten. Auch Dürer war auf diesem Gebiet ein Meister und wohl der erste deutsche Künstler, der sein eigenes Gesicht auf Leinwand verewigte.
Studienreisen nach Italien
Dürer war umfassend gebildet - typisch für den Renaissancemenschen - und für die damaligen Verhältnisse weit gereist. Obwohl er 17(!) Geschwister hatte, schickte ihn sein Vater in die Lateinschule und machte ihn schon als kleinen Jungen zum Lehrling in seiner Goldschmiedewerkstatt. Doch da Albrecht im Zeichnen derart begabt zu sein schien, gab ihn der Vater zum bekannten Nürnberger Maler Michael Wohlgemut in die Ausbildung. Schon mit 13 schuf er geniale Werke, wie sein bekanntes Selbstbildnis.
Dürers bekannter Kupferstich: "Ritter, Tod und Teufel" Wie fertigt man einen Holzschnitt?
Doch der junge Lehrling wollte schon bald über den eigenen Tellerrand hinausblicken, unternahm Reisen an den Oberrhein und nach Italien. Jenseits der Alpen machte er sich vor allem mit den antiken Schönheitsidealen vertraut, lernte die Grundlage von Perspektive und Anatomie sowie die leuchtenden Farben der venezianischen Malerei kennen. An den altniederländischen Meistern wiederum schulte Dürer den Realismus, für den er noch heute so bekannt ist. Kein Maler vor und keiner nach ihm hat jemals so genau gezeichnet. Das zeigt sich zum Beispiel in seinen naturgetreuen Tier- und Pflanzenstudien, wie z.B. Der Hase.

Trotz der vielfältigen Einflüsse aus dem Ausland blieb Albrecht Dürer auch der Kunsttradition seiner Heimat treu. Er griff zahlreiche mittelalterliche Themen auf und setzte religiöse und mythologische Stoffe bildlich um. Unter anderem entwarf er Altäre und Andachtsbilder für Kirchen. Typisch für Dürer ist auch die Technik des Kupferstichs und des Holzschnitts. Für einen Holzschnitt zeichnete er direkt auf ein weiches, dickes Brett. Anschließend wurden die Flächen, die nicht mehr gebraucht wurden weggeschnitten. Die erhabenen Teile bemalte der Künstler mit Farben und presste das Blatt schließlich auf Papier.

Mehr Handwerker als Künstler
Abbildung: Dürers Wohnshaus, am nach ihm benannten Albrecht-Dürer-Platz in Nürnberg, beherbergt heute ein Museum. Dürer - der Theoretiker
Albrecht Dürer war kein Künstler nach unserem heutigen Verständnis. Im 15. Jahrhundert wurden die Maler zur Zunft der Handwerker gerechnet, lediglich in Italien besaßen sie einen höheren Stellenwert. Dennoch gelang es Dürer schon zu Lebzeiten mit seinen Arbeiten Erfolg zu haben. Um 1495 wurde er mit seinen Werken bekannt, 1509 konnte er für sich und seine Frau in Nürnberg ein großes Haus mit eigener Werkstatt kaufen.
Umfangreiches Werk
Die finanzielle Unabhängigkeit erlaubte es ihm außerdem sich mit den theoretischen Grundlagen der Kunst auseinander zu setzen. Er veröffentlichte Bücher über Geometrie, Befestigungskunst und die menschlichen Proportionen. Besonders mit der darstellenden Geometrie ist er an die Grenzen der damaligen Mathematik vorgestoßen und lieferte wichtige Impulse für die Arbeiten Galileis und Keplers.

Am 6. April 1528 starb Dürer in Nürnberg. Sein letztes großes Werk, Die vier Apostel, schenkte er noch kurz vor seinem Tod seiner Heimatstadt. Dürer hat rund 900 Handzeichnungen, 70 Gemälde, 100 Kupferstiche und über 350 Holzschnitte hinterlassen.
Hinweis: Im Archiv wurden alle Bilder und Links entfernt
Nic 17.5.2006 / Bilder: Wikipedia, public domain

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Berühmte Personen Abbildung: Dürer im Selbstporträt Die Renaissance Der Mensch im Mittelpunkt Dürer der am 21. Mai 1471 in Nürnberg zur Welt kam - lebte und wirkte zur Zeit der Renaissance (= Wiedergeburt). Diese Epoche wurde im Nachhinein so bezeichnet, weil die Menschen die Ideale der Antike wiederentdeckten und sich daran orientierten.

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Die Gemäldegalerie verdankt ihren Weltrang dem kontinuierlichen Überblick über die europäische Malerei vom 13. bis zum 18. Jahrhundert.

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Blue Rider Group: 5 Minute Art History Video

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Looted art in the Third Reich | DW Documentary

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SCHEKKER :: das jugendmagazin der bundesregierung

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What is Expressionism? Art Movements & Styles

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Maler, Architekturdoktor, ökologischer Aktivist, Philosoph

Das Werk und Wirken von Friedensreich Hundertwasser (geb. als Friedrich Stowasser in Wien) zählt zu den bedeutendsten Beiträgen innerhalb der Kunstgeschichte der Nachkriegsmoderne. Als wichtiges Mitglied der internationalen Avantgarde in den 1950er-Jahren in Paris entwickelte er seine einzigartige Bildsprache. Eines der zentralen Motive seiner farbstarken Bildwelt ist die Spirale.

Wenn Hundertwasser heute als einer der populärsten europäischen Künstler unserer Zeit gilt, so hat sein graphisches Werk einen großen Beitrag dazu geleistet. Sein Ziel in der Kunst der Graphik war es, innerhalb einer Auflage nicht nur Farb-, sondern auch Formvariationen zu schaffen mit dem Ergebnis, dass jedes Blatt einer Auflage farbig und gestalterisch verschieden ist von allen anderen, ein Unikat.

Hundertwassers Einsatz für eine natur- und menschengerechtere Architektur und sein bahnbrechendes ökologisches Engagement entfaltete sich aus seinem Glauben an die Kraft der Natur und die individuelle Kreativität. Seit den 1980er-Jahren realisierte er Architekturprojekte, in denen es das Fensterrecht und die Baummieter gibt, den unebenen Boden, Wälder auf dem Dach und Spontanvegetation. Seine Bauten zeugen von seinem Einsatz für Vielfalt anstelle von Monotonie, für Romantik, für das Organische und für unreglementierte Unregelmäßigkeiten, für die Spontanvegetation und für ein Leben in Harmonie mit der Natur.

Im Zentrum seines ökologischen Handelns standen Baumpflanz- und Begrünungsaktionen, die Wiederherstellung natürlicher Kreisläufe, der Schutz des Wassers und der Kampf für eine abfallfreie Gesellschaft.

Seine gesellschaftskritischen und ökologischen Positionen verbreitete er mit Manifesten, Briefen, Reden und öffentlichen Demonstrationen, in denen er die reine Funktionalität aller Lebensbereiche, die ungehemmte Wachstumsdoktrin sowie die Anpassung an einen gesellschaftlichen Konformismus kritisierte.

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Friedensreich Hundertwasser (1928-2000) In Hundertwasser finden wir den verantwortungsbewussten und visionären Künstler, der die aufklärerische Kraft seiner Kunst dafür einsetzt, die Botschaft eines Lebens in Harmonie mit der Natur und der individuellen Kreativität zu verbreiten. Er ist Symbolfigur einer non-konformistischen Lebensweise, ein Vorläufer der Umweltbewegung und Botschafter einer selbstbestimmten alternativen Existenz.

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46 Natur- und Kulturerbestätten in Deutschland sind in die UNESCO-Welterbeliste eingeschrieben. Unter ihnen finden sich architektonische und künstlerische Meisterwerke, vielfältige Kulturlandschaften und Parks, einzigartige Naturgebiete und Zeugnisse gesellschaftlicher und technologischer Entwicklungen. In ihrer Gesamtheit zeugen sie von der Vielfalt des Natur- und Kulturerbes in Deutschland.

Erklärvideo: UNESCO-Welterbe in Deutschland

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Welterbestätten in Deutschland und weltweit bieten einzigartige Einblicke in die Menschheitsgeschichte und Lehren für die Zukunft. Sie verdeutlichen die wechselseitigen Austauschbeziehungen zwischen Menschen und ihrer Umwelt und beleuchten die vielfältigen Ökosysteme unseres Planeten.

Als interkulturelle Lernorte machen sie außergewöhnliches Kultur- und Naturerbe der Menschheit erfahrbar und tragen durch ihr Wissen zu einer nachhaltigen Entwicklung der Gesellschaft bei.

Das Übereinkommen zum Schutz des Kultur- und Naturerbes der Welt - die Welterbekonvention - basiert auf dem Prinzip, dass

„ Teile des Kultur- und Naturerbes von außergewöhnlicher Bedeutung sind und daher als Bestandteil des Welterbes der ganzen Menschheit erhalten werden müssen."
(Präambel der Welterbekonvention, 1972)

Dies ist die gemeinsame Aufgabe der gesamten Menschheit. Der Bundesrepublik Deutschland kommt als Vertragsstaat der Konvention eine herausgehobene Rolle beim Schutz, Erhalt und der Vermittlung der in Deutschland liegenden Welterbestätten zu.

Zwei neue Welterbestätten in Deutschland

Glück auf! Die Montanregion Erzgebirge ist Welterbe

Glück auf! Die Montanregion Erzgebirge ist Welterbe

Im Juli 2019 ernennt das UNESCO-Welterbekomitee die Montanregion Erzgebirge/Krušnohoří zum Welterbe. Im Porträt stellen Insider die sächsisch-böhmische Bergbauregion vor.

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Wasser marsch! Das Augsburger Wassermanagement-System ist Welterbe

Wasser marsch! Das Augsburger Wassermanagement-System ist Welterbe

Im Juli 2019 wurde das weltweit einzigartige Wassermanagement-System von Augsburg zum UNESCO-Welterbe ernannt. Was am Augsburger System so besonders ist, verraten Expertinnen und Experten aus der Stadt.

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Vom Aachener Dom zu den Höhlen und Eiszeitkunst der Schwäbischen Alb - die in Deutschland liegenden Welterbestätten sind ebenso vielfältig in ihrer Art wie in ihrer geographischen Verteilung. Einzelne Bauwerke gehören ebenso dazu wie Gebäudeensemble, archäologische Stätten, Stadtbereiche, Kulturlandschaften und Naturgebiete.

Welterbe-Akteurinnen und Akteure in Deutschland

In Deutschland sind diverse Akteurinnen und Akteure für Erfassung, Schutz und Erhalt, Vermittlung und Präsentation der Welterbestätten zuständig. So sind beispielsweise Bundesministerien und Länderbehörden, kommunale Verwaltungen, Bildungseinrichtungen und zivilgesellschaftliche Akteurinnen und Akteure sowie die Deutsche UNESCO-Kommission mit dem UNESCO-Welterbe befasst. weiterlesen

UNESCO-Welterbestätten in Deutschland

Interaktive Karte mit den UNESCO-Welterbestätten in Deutschland

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46 Natur- und Kulturerbestätten in Deutschland sind in die UNESCO-Welterbeliste eingeschrieben. Unter ihnen finden sich architektonische und künstlerische Meisterwerke, vielfältige Kulturlandschaften und Parks, einzigartige Naturgebiete und Zeugnisse gesellschaftlicher und technologischer Entwicklungen. In ihrer Gesamtheit zeugen sie von der Vielfalt des Natur- und Kulturerbes in Deutschland.

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Mit Klimt auf Augenhöhe

Am 6. Februar 2018 jährt sich der Todestag von Gustav Klimt (1862-1918) zum 100. Mal. Aus diesem Anlass ermöglichen wir unseren Besucherinnen und Besuchern, die einzigartigen Gemälde des Meisters im Kunsthistorischen Museum, die über der Eingangshalle in die Säulen- und Arkadenarchitektur des Stiegenhauses eingebettet sind, aus nächster Nähe zu bewundern. Dazu wird - wie bereits im Jahr 2012 - in über 10 Metern Höhe eine Brücke über das Stiegenhaus gespannt, die den Aufstieg zu dem prächtigen Bilderzyklus ermöglicht. Der von Gustav Klimt gemeinsam mit seinem Bruder Ernst und Franz Matsch geschaffene Zyklus entstand im Auftrag Kaiser Franz Josephs I. und stellt die bedeutenden Stilepochen der Kunst dar.

Generaldirektorin Sabine Haag zur Klimtbrücke

Information

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Stairway to Klimt Mit Klimt auf Augenhöhe

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Am 6. Februar 2018 jährt sich der Todestag von Gustav Klimt (1862-1918) zum 100. Mal. Aus diesem Anlass ermöglichen wir unseren Besucherinnen und Besuchern, die einzigartigen Gemälde des Meisters im Kunsthistorischen Museum, die über der Eingangshalle in die Säulen- und Arkadenarchitektur des Stiegenhauses eingebettet sind, aus nächster Nähe zu bewundern.

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Die Kunst von Friedensreich Hundertwasser | Euromaxx

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Besuch in einer Wohung im Hundertwasserhaus

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Besuch in einer Wohung im Hundertwasserhaus

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Ich war dabei! Zu Besuch im Hundertwasserhaus

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german architecture overview and bauhaus

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Vom Aachener Dom zu den Höhlen und Eiszeitkunst der Schwäbischen Alb – die in Deutschland liegenden Welterbestätten sind ebenso vielfältig in ihrer Art wie in ihrer geographischen Verteilung. Einzelne Bauwerke gehören ebenso dazu wie Gebäudeensemble, archäologische Stätten, Stadtbereiche, Kulturland…

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BBC 4

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Die Linde war der Liebesgöttin Freya geweiht, die Eiche dem Donnergott Donar, auch Thor genannt - die Germanen verehrten die Bäume und widmeten diese ihren Göttern. In heiligen Hainen, kleinen Wäldern, brachten sie den Göttern Opfergaben.

Dem nordgermanischen Raum entspringt auch der Glaube an einen Weltenbaum, die Esche Yggdrasil. Als Weltachse verbindet sie Himmel, Erde und Unterwelt. Ihre Baumkrone stützt den Himmel.

Überliefert ist dieser Mythos aus den Liedern der Edda, einer Dichtungssammlung unbekannter Autoren aus dem 13. Jahrhundert. Das Pendant zu Yggdrasil ist im westgermanischen sächsischen Raum der heilige Baumstamm Irminsul.

Als sich der christliche Glauben langsam verbreitete, war der Baumkult damit nicht mehr vereinbar und so setzten christliche Missionare von der Spätantike bis zum Frühmittelalter alles daran, diesen zu beenden. Denn für die Christen stellten diese Bäume Götzenbilder dar, die laut Altem Testament verboten sind.

So beauftragte Papst Gregor II. den bekannten Missionar Bonifatius im Jahr 723, die Donar-Eiche bei Geismar im heutigen Hessen zu fällen. Auch weitere Baumheiligtümer sollten zerstört werden. Dies dokumentierte der Priester Willibald von Mainz in der Vita Sancti Bonifatii, der Biografie des Bonifatius.

Es heißt auch, dass der überzeugte Christ Karl der Große im Jahr 772 bei seinem Feldzug gegen die Sachsen den heiligen Irminsul fällen ließ. Niedergeschrieben ist dies in den Annalen des Fränkischen Reiches, in denen die Ereignisse des 8. und 9. Jahrhunderts festgehalten wurden.

Während der Christianisierung widmeten die Missionare teilweise auch heidnische Heiligtümer in christliche um. Die Freya-Linden etwa waren fortan Marien-Linden - zu Ehren der Mutter Jesu Christi. Doch das änderte nichts daran, dass der Wald fortan mit Bösem in Verbindung gebracht wurde: dunkel, sündhaft, heidnisch.

Die germanischen Wälder seien schauerlich und die Sümpfe widerwärtig - so beschrieb es der altrömische Historiker Cornelius Tacitus bereits um 100 nach Christus. Und er hatte Recht: In den dunklen Wäldern lauerten tatsächlich wilde Tiere und Räuber.

Dieses Bild eines finsteren Waldes setzte sich in den Köpfen der Menschen fest. Besonders im Mittelalter sahen die Menschen den Wald als Zuhause von Dämonen und Fabelwesen. Es entstanden Sagen und Märchen.

Im mittelalterlichen Heldenepos Nibelungenlied etwa schickt der Schmied Meister Mimer den jungen Siegfried in den dunklen Wald, wo ein gefährlicher Lindwurm lebt. Dieses drachen- und schlangenartiges Fabelwesen versucht ihn zu töten, aber Siegfried kann ihn bezwingen.

Doch die Deutschen, als Erben der germanischen Baumverehrer, sollten die Wälder noch lieben lernen: in der Romantik.

Anfang des 19. Jahrhunderts, mit Beginn der Epoche der Romantik, änderte sich die Haltung der Deutschen zum Wald radikal. Dichter und Maler machten ihn zum Symbol einer ersehnten heilen und träumerischen Welt.

Das romantische Waldgefühl entstand aus der städtischen Intellektuellenkultur heraus. Mit dem Ausbau der Städte und der beginnenden Industrialisierung hatten viele das Gefühl, einen Teil der Natur und einen natürlichen Erholungsraum verloren zu haben. Der Wald wurde zu einer Erinnerungslandschaft - ein Ort, den die Städter bereits verloren hatten.

Unter anderem der Maler Caspar David Friedrich und der Dichter Joseph von Eichendorff schenkten dem Wald große Beachtung. So schrieb von Eichendorff 1810 in seinem Gedicht "Abschied":
O Täler weit, o Höhen,
O schöner, grüner Wald,
Du meiner Lust und Wehen
Andächtger Aufenthalt!
Da draußen, stets betrogen,
Saust die geschäftge Welt,
Schlag noch einmal die Bogen
Um mich, du grünes Zelt!
Auch viele Märchen der Gebrüder Grimm, ebenfalls Vertreter der Romantik, spielen im Wald: Hänsel und Gretel etwa, Rotkäppchen und Schneewittchen.

Die einfache Bevölkerung, insbesondere jene, die nah am Wald lebte, konnte die romantische Waldsehnsucht zunächst nicht nachempfinden. Der Wald war für sie schlicht der Ort verschiedener Rohstoffe und Nahrungsmittel: Holz, Beeren oder Honig.

Erst mit Ende des 19. Jahrhunderts und dem weiteren Fortschreiten der Industrialisierung wurde die romantische Sehnsucht nach Beständigkeit, die die Intellektuellen im Wald fanden, zum Lebensgefühl aller Schichten. Viele Menschen zog es von nun an in die Wälder.

Der Wald wurde zum beliebten Ausflugsziel vieler Stadtbewohner. Im Zuge der Industrialisierung veränderte sich jedoch auch die Nutzung des Waldes - die Wirtschaft brauchte immer mehr Holz.

Eine geregelte Forstwirtschaft entstand: Schnell wachsende Monokulturen sollten die gefällten Bäume ersetzen - zum Ärger von Naturschützern, die häufig mit Förstern aneinandergerieten. Doch bald schon wurde die Entwicklung des Waldes in eine strenge Hand genommen.

Die germanische Rasse entspringe dem deutschen Boden, der deutschen Erde - mit dieser Argumentation nutzten die Nationalsozialisten die Naturschutzbewegung für ihre Blut-und-Boden-Ideologie. Die Deutschen seien die Nachkommen des Waldvolkes der Germanen - die Juden seien dagegen ein Nomaden- und Wüstenvolk.

Der Naturschutz wurde zur Aufgabe des Staates und der Wald als "deutsche" Landschaft zur wichtigen Staatsangelegenheit. Gleich mehrere neu erlassene Gesetze sollten den Tier- und Pflanzenschutz regeln.

Auch der Bau der Autobahn, den Hitler fälschlicherweise als seine Idee propagierte, musste in Einklang mit dem Deutschen Wald gebracht werden.

Fritz Todt, betraut mit dem Bau der Autobahnen, wollte die Straßen in das Bild der umliegenden Landschaft einfügen und ließ nur einheimische Bäume an den Straßenrand pflanzen.

Auch die Eiche nutzten die Nationalsozialisten für ihre Zwecke: An manchen Orten pflanzten Menschen Deutsche Eichen als die langlebigsten aller Bäume zu Ehren Hitlers. Und Förster ordneten die Bäume so an, dass sie von der Luft aus gesehen Hakenkreuze bildeten.

Den deutschen Wald zu schützen, sollte auch dem Zweck dienen, ihn als demonstratives Symbol des nationalsozialistischen "Tausendjährigen Reiches" zu nutzen - der langlebige Wald als Spiegelbild einer kontinuierlichen Herrschaft der Nazis. Mit dem Ende des Nationalsozialismus verlor der Wald als politisches Symbol dann seine Kraft.

Der Wald als zentrale Metapher für die Schönheit der Natur, überliefert von den Romantikern, hat bis heute Bestand. So schrie in den 1980ern und 90ern die Bevölkerung wegen des vermuteten Waldsterbens auf und es entstanden grüne Parteien zum Naturschutz.

Auch heute besuchen viele Spaziergänger und Sportler täglich den Wald, um etwa zu joggen oder Rad zu fahren. Die Zuneigung zum Wald stirbt nicht aus.
(Erstveröffentlichung: 2016. Letzte Aktualisierung: 07.07.2020)

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Deutscher Wald: Die Deutschen und ihr Wald

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Jahrtausendelang galt der deutsche Wald als dunkel und gefährlich, als Wohnort von Dämonen und Fabelwesen. Die Germanen verehrten Bäume als Sitz von Göttern - welche die frühen Christen deshalb fällten. Bis heute ist der Wald für viele Deutsche ein Sehnsuchtsort.

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90 AQA 78 Hodder Research Lesson - Kunst_IL

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#kurzerklärt: Was ist das Bauhaus? - 100 Jahre Bauhaus

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segu | Lernplattform für offenen Geschichtsunterricht

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Baustile | Architektur | segu Geschichte

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segu | Lernplattform für Offenen Geschichtsunterricht | Modul: Architektur: Steine zum Sprechen bringen: Historische Gebäude

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In den 1920er Jahren erlebte Berlin einen Bauboom. Wie Pilze schossen Siedlungen und Villenviertel aus dem Boden. Berühmt wurde die "Hufeisensiedlung" im Berliner Stadtteil Britz, deren Bau 1925 begann. Sie ist eines der ersten Projekte sozialen Wohnungsbaus und steht unter Denkmalschutz.

Wie heute zog es damals Menschen aus allen sozialen Schichten in die deutsche Hauptstadt. Und wie heute gaben wohlsituierte Aufsteiger den Ton an. Sie träumten von der Superstadt, die alle ihre Bedürfnisse befriedigen sollte. Sie wollten in der Stadt den Puls der Zeit fühlen, sich unterhalten lassen und schick einkaufen.

Das taten sie schon damals im KaDeWe und im 1929 eröffneten Karstadt-Warenhaus am Hermannplatz. "Karstadt Hermannplatz", dieses Warenhaus im amerikanischen Stil, hatte viel von einem Shoppingcenter unserer Tage. So gab es beispielsweise einen großen Dachgarten - Natur in der Stadt.

Als die größte Not beseitigt war, haben Stadtplanung und Stadtarchitektur in der Zeit nach dem Zweiten Weltkrieg an die Tradition der Großsiedlungen angeschlossen. Sowohl in der als auch in der Bundesrepublik entstanden Trabantensiedlungen.

Um einer neuen Wohnungsnot zu begegnen, mussten in den Ballungszentren in möglichst kurzer Zeit möglichst viele Wohnungen gebaut werden. Das funktionierte nur mit einer standardisierten Fertigbauweise, wie sie schon führende Architekten und Stadtplaner der 1920er Jahre erprobt hatten.

Ergebnis war Jahrzehnte später im geteilten Deutschland die Plattenbausiedlung - und das nicht nur, wie gerne unterstellt, im Osten Deutschlands, sondern auch im Westen.

Die größte Plattenbausiedlung der DDR sollte Marzahn mit mehr als 58.000 Wohneinheiten werden. In Schwerin entstand Dreesch I bis III mit fast 21.000 Wohnungen und rund 55.000 Einwohnern. Ähnlich groß die Münchner Trabantenstadt Neuperlach: 24.000 Wohneinheiten für 55.000 Bewohner. Oder Köln-Chorweiler, ebenfalls für 20.000 Wohnungen geplant und auf der grünen Wiese aus dem Boden gestampft.

"Satellitenstädte" wie Chorweiler oder Perlach galten damals als Vorzeigebeispiele moderner Architektur - Zeitgeistarchitektur. Allerdings betrug zum Zeitpunkt der Wiedervereinigung der Anteil der Wohnungen in Großsiedlungen, auf alle Wohnungen bezogen, 22 Prozent in Ostdeutschland und drei Prozent in Westdeutschland, wo es Großsiedlungen nur in Großstädten gab, während "die Platte" in Ostdeutschland flächendeckend zu finden war.

Nun verbindet sich die Vorstellung von Plattenbauten aus Westsicht vor allem mit leidlich komfortablen Einheitswohnungen, die nach der Wende zu sozialen Brennpunkten geworden seien. Diese Einschätzung verkennt, dass Plattenbau in der alten Bundesrepublik eine Wohnform war, die auch gehobene Ansprüche befriedigen konnte.

Beispiel: der Stuttgarter Stadtteil Asemwald. Fertiggestellt 1972. Er besteht aus drei scheibenförmigen Hochhäusern mit 23 Stockwerken. Ursprünglich sollten dort mehr als 1100 Wohnungen Platz für 3000 Bewohner bieten.

Nicht zuletzt aufgrund gehobener Ansprüche an das Wohnen und entsprechender Umbauten hat sich die Einwohnerzahl verringert. Die Wohnungen im Stuttgarter Asemwald sind nichts für kleine Geldbeutel. Entsprechend ambitioniert sollte von Anfang an das Ambiente sein: Tennisplatz, Restaurant mit Fernsicht und ein Panorama-Schwimmbad im 20. Stock. Platte geht also auch anders.

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In den 1920er Jahren erlebte Berlin einen Bauboom. Wie Pilze schossen Siedlungen und Villenviertel aus dem Boden. Berühmt wurde die "Hufeisensiedlung" im Berliner Stadtteil Britz, deren Bau 1925 begann. Sie ist eines der ersten Projekte sozialen Wohnungsbaus und steht unter Denkmalschutz. Wie heute zog es damals Menschen aus allen sozialen Schichten in die deutsche Hauptstadt.

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Dresden ist auch heute noch geprägt von den Zerstörungen des Zweiten Weltkriegs, den Bauten des Sozialismus und vom Wiederaufbau nach 1989. Die sächsische Metropole spiegelt in ihren Widersprüchen, in all ihrer Zerrissenheit die deutsche Geschichte - mit ihren Triumphen und Tragödien.

Wohl kaum eine deutsche Großstadt hat die Wechselfälle der Geschichte so sehr erdulden müssen. 2006 feierten die Dresdener den 800. Geburtstag ihrer Stadt: Als Dresden 1206 zum ersten Mal urkundlich erwähnt wurde, war es noch eine kleine Kaufmannssiedlung an der Kreuzung zweier alter Handelsstraßen, abseits der großen Politik.

Kunstsinnige Regenten machten im 17. und 18. Jahrhundert daraus eine prachtvolle Metropole von europäischem Rang. Die kulturelle Blüte währte bis 1933. Und noch immer sind nicht alle Wunden vernarbt, die Zweiter Weltkrieg und SED-Diktatur der leidgeprüften Stadt geschlagen haben.

Der amerikanische Schriftsteller Kurt Vonnegut war Anfang 1945 als Kriegsgefangener in Dresden interniert. Es war für ihn die "bezauberndste Stadt, die die meisten Amerikaner jemals gesehen hatten. Die sich am Himmel abhebende Silhouette mit ihren Kuppeln und Spitztürmen war üppig, zauberisch und absurd."

Wenige Wochen später war davon nichts mehr übrig. Nazi-Deutschland lag Anfang 1945 bereits am Boden, Dresden war die einzige noch weitgehend unzerstörte deutsche Großstadt - bis zur Nacht vom 13. auf den 14. Februar 1945. Da erlebte Dresden seine schlimmste Stunde. Amerikaner und Briten richteten - militärisch sinnlos - die gesamte Altstadt zugrunde.

In vier Angriffswellen wurden bis zum 15. Februar 1945 insgesamt mehr als 9000 Sprengbomben abgeworfen. Das weltberühmte barocke Zentrum versank in der Feuerhölle. Zehntausende Tote lagen auf Dresdens Straßen. Historiker sprechen heute von 25.000 bis 40.000 Toten.

Eine Stadtwanderung durch das heutige Dresden ist ein Wechselbad der Gefühle, zum Beispiel an der Prager Straße, der bedeutenden Ausfallstraße in Richtung Süden, rund 700 Meter lang vom Altmarkt zum Hauptbahnhof.

Wie unter dem Brennglas wird hier Stadtgeschichte erkennbar: Vor 100 Jahren war die Prager Straße ein prachtvoller, repräsentativer Flanier-Boulevard, gesäumt von edelsten Geschäften.

In DDR-Zeiten wurde sie zu einer seelenlosen, öden Einkaufsmeile umfunktioniert. Heute ist sie eine normale Fußgängerzone mit Blumenkübeln und Imbissbuden. Auf der einen Straßenseite Großbaustellen, dahinter noch die letzten Reste trister DDR-Plattenbau-Supermärkte, und gegenüber locken bereits postmoderne Einkaufspaläste mit edlen Sandstein- und Glasfassaden wie in Berlin, Chicago oder Mailand.

Das barocke Zentrum rund um die Frauenkirche wurde auf wundervolle Weise restauriert und lockt mit vielen Sehenswürdigkeiten wie der Semperoper, dem Zwinger oder dem Residenzschloss.

Abgesehen davon hat die moderne Neugestaltung nach der Wende 1989 der Stadt Dresden nicht immer nur gut getan. Vor allem am Rande der Innenstadt und in den Vororten entstand vorwiegend konforme "Dutzendware", gefördert von Steuerabschreibungs-Modellen.

Aber hier und dort erreichte die Architekten-Gilde seit 1990 dennoch den einstmals so hohen städtebaulichen Anspruch - oder übertraf ihn sogar: etwa mit der mehrfach preisgekrönten neuen Synagoge am Elbufer. Sie entstand exakt auf dem Gelände der alten Synagoge, die in der Reichspogromnacht am 9. November 1938 ein Opfer der Flammen geworden war.

Nur auf den ersten Blick wirkt der Neubau wie ein schmuckloser Sandsteinwürfel. Aufmerksamkeit verdient der fein ausgestaltete Innenraum, dessen Decke mit Gold verkleidet ist. Interessante Akzente setzen auch der neue Sächsische Landtag oder der UFA-Kristallpalast aus Stahl und Glas.

Bunt, lebendig, alternativ, multikulturell, charmant, jung und voller Lebensenergie: So präsentiert sich die sogenannte "Dresdener Neustadt", das größte komplett erhaltene Gründerzeitviertel in ganz Deutschland. Es erhielt seinen schmucken Charakter in den Gründerjahren nach dem Deutsch-Französischen Krieg 1870/71, als Reparationszahlungen in Milliardenhöhe auch in Dresden für einen ungeahnten Boom sorgten.

Als im Februar 1945 südlich der Elbe die Bomben auf die Altstadt herabprasselten, kam die Neustadt nördlich des Stromes vergleichsweise ungeschoren davon.

Auch die DDR-Stadtplaner konzentrierten ihren Abriss-Wahn zunächst auf andere Stadtbereiche. Nach der Wende war die Stadtverwaltung klug genug, das harmonische Ensemble von Hausfassaden, Straßen und Plätzen bestehen zu lassen.

Seither wird eifrig renoviert, restauriert, verputzt, gestrichen. Selbst wenn Verfall und Verwahrlosung hier und dort noch erkennbar sind, lockt die Neustadt immer mehr Gäste, Besucher und Investoren an.

"What a wonderful city!" Chinesen lassen ihre Digitalkameras aufblitzen, Japaner und Amerikaner bevölkern die Cafés auf der Brühlschen Terrasse oberhalb der Elbe - und kommen aus dem Staunen nicht heraus. Volle "Sightseeing"-Busse verkehren von morgens bis zum späten Abend.

Die Dresdener Altstadt gehört zu den festen Programmpunkten auf der Deutschland-Route ausländischer Reisender.

Tatsächlich konzentriert sich das Interesse der Fremden meist auf die legendären Prachtbauten nahe dem Elbufer, rund um den Theaterplatz. Der Zwinger, ein weltweit einzigartiges Meisterwerk barocker Baukunst, 1945 schwer beschädigt, war bereits 1963 wieder hergestellt.

1985 folgte die benachbarte Semperoper. Der Wiederaufbau des Ehrfurcht gebietenden Renaissance-Schlosses begann 1962, und seit 2006 ist es mit all seinen Ecktürmchen und Giebeln rein äußerlich perfekt restauriert.

Gekrönt wird das barocke Altstadt-Panorama von der Frauenkirche, die seit Oktober 2005 wieder im alten Glanz erstrahlt - schöner als zuvor, wie gelegentlich alte Dresdener bekennen, manche mit Tränen in den Augen.

In der Tat können sich auch weniger kunstsinnige Besucher dem Zauber der zarten Pastellfarben kaum entziehen. Bemalungen in Hellblau, Hellgrün, Rosé, Vanillefarben und Golden zieren den gesamten vierstöckigen Innenraum mit seinen vielen Emporen und Balkonen, der 1800 Menschen Platz bietet.

Der Neuaufbau kostete seit 1990 nicht weniger als 180 Millionen Euro. Zwei Drittel davon wurden aus Spendengeldern finanziert. Fraglos ist die Frauenkirche das architektonisch bedeutendste protestantische Bauwerk in Deutschland. Sie symbolisiert den Stolz und den ungebrochenen, unerschütterlichen Lebenswillen der Stadt Dresden - trotz aller Katastrophen, Hindernisse und Rückschläge.

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Dresden ist auch heute noch geprägt von den Zerstörungen des Zweiten Weltkriegs, den Bauten des Sozialismus und vom Wiederaufbau nach 1989. Die sächsische Metropole spiegelt in ihren Widersprüchen, in all ihrer Zerrissenheit die deutsche Geschichte - mit ihren Triumphen und Tragödien. Wohl kaum eine deutsche Großstadt hat die Wechselfälle der Geschichte so sehr erdulden müssen.

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Selbstexperiment: 3 Tage in einer Berliner Plattenbausiedlung leben | Galileo | ProSieben

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19. Juli 1937 - Ausstellung "Entartete Kunst" in München

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Raubkunst: die Kunst-Beutezüge der Nazis durch Europa

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Abreißen, Umbauen oder doch denkmalgerecht sanieren? Über den schwierigen Umgang mit dem Baukultur-Erbe der 1960er-Jahre.

Die deutsche Nachkriegsmoderne, bisher eher ein Steckenpferd von Architekturenthusiasten, steht im Fokus der öffentlichen Wahrnehmung. Vor allem über den Umgang mit den gewaltigen Wohnsiedlungen, betonlastigen Kulturbauten und autogerechten Innenstädten der 1960er-Jahre wird heftig diskutiert, und das nicht nur unter Denkmalschützern und Stadtplanern, sondern auch in der Lokalpresse oder in Bürgervertretungen: Ist die radikale Form, der Wille zur Verdichtung der Innenstädte, die Nutzung von Stahl, Glas und Beton etwas Visionäres? Das Abbild einer zukunftszugewandten Zeit, und somit unbedingt erhaltenswert? Oder muss und darf rigoros umgestaltet und sogar abgerissen werden, um die in der deutschen Öffentlichkeit oft aufgrund ihrer Dimensionen und ihrer rasterhaften, monotonen Fassaden als „menschenfeindlich" postulierten Bauten kleinteiliger und somit menschenfreundlicher zu machen?

Freie Flächen, viel Platz

Nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs gab es in Deutschland viele freie Flächen, die die Möglichkeit zu umfassenden Neugestaltungen der Städte boten. Der Fokus in der Baupolitik wurde dabei auf Verdichtung der Innenstädte gelegt. Im Zuge des wirtschaftlichen Aufschwungs wurden außerdem ab dem Ende der 1950er-Jahre im Westen große Bürohäuser und neue Universitätskomplexe gebaut. Der Architekt Helmut Hentrich beispielsweise errichtete in Düsseldorf das Dreischeibenhaus (1960) und in Bochum die Ruhruniversität (1964-74). Zuvor waren in Berlin bereits Kulturbauten wie die Akademie der Künste von Werner Düttmann (1958-60) oder die Deutsche Oper von Fritz Bornemann (1961) entstanden.

Zudem benötigte die damalige neue westdeutsche Hauptstadt Bonn diverse Regierungsbauten, wie etwa den Kanzlerbungalow von Sep Ruf (1966). Im geteilten Berlin sind jeweils neue Zentren gestaltet worden, eines als sozialistische, eines als kapitalistische Variante. In ganz Deutschland wurde so viel gebaut wie nie zuvor und mit Betonfassaden, Glasbausteinen, vorfabrizierten Elementen und Rasterarchitekturen experimentiert.

In dieser Zeit visionär-radikaler Entwürfe in Ost und West entstanden Gebäude, die heute als Ikonen der modernen Baukultur gelten, wie in Ostberlin Hermann Henselmanns Haus des Lehrers (1964) oder Josef Kaisers Kino International (1963). In West-Berlin stechen Egon Eiermanns Neue Gedächtniskirche (1961), Hans Scharouns Philharmonie (1963) und Mies van der Rohes Neue Nationalgalerie (1968) hervor.

Die Abrissbirne droht

Viele der nicht so prominenten Bauten stehen heute auf dem Prüfstand oder wurden bereits abgerissen. Geschuldet ist das aber nicht nur Größe, Form oder „Unwirtlichkeit", sondern auch oft schlechter Bauqualität. Selbst auf die Erhaltung der Gebäude als Kulturgut plädierende Fachleute haben „mangelhafte Materialtechnik" (Wolfgang Pehnt) und „hohe Instandsetzungskosten nach oftmals jahrzehntelang unterlassener Bauunterhaltung" (Adrian von Buttlar) als Problem benannt.

Allerdings trifft die Entscheidung zum Abriss nicht nur Großsiedlungen mit mangelhafter Bauqualität. In Berlin wurde zum Beispiel die Großgaststätte Ahornblatt mit der legendären Schalenkonstruktion von Ulrich Müther (1971-73) trotz Denkmalschutz im Jahr 2000 abgerissen. Ähnlich erging es dem Schimmelpfenghaus von Sobotka/Müller (1960) am Zoo. Beide fielen Neubauprojekten zum Opfer. Andere Gebäude dieser Zeit werden mal mehr, mal weniger gelungen überformt. Ein Beispiel ist die Neugestaltung der Kaufhoffassade am Berliner Alexanderplatz durch Jan Kleihues, der die charakteristische Aluminium-Wabenfassade von 1967 im Jahr 2006 durch Naturstein ersetzte und dafür ebenso viel Beifall wie Ablehnung erntete.

Beispiele für Sanierung und Umgestaltung

Als ein gelungenes Beispiel gilt dagegen die denkmalgerechte Sanierung des Staatsratsgebäudes der DDR (1962-64) durch HG Merz (2003-05) und die Sanierung der Deutschen Oper (2011-14) in Berlin. Eine derart umfangreiche Instandsetzung nach neuesten energetischen Standards hätte diese komplexen Gebäude auch ruinieren können. Die Kosten waren allerdings so hoch, dass nicht viele Bauten auf diese Weise denkmalgerecht instand gesetzt werden können.

Auf eine Lösung warten momentan zwei weitere prominente Berliner Bauten aus den früheren 1970er-Jahren: Das futuristische ICC Kongresszentrum und der „Steglitzer Bierpinsel" im Stil der Pop Art, beide von Ralf Schüler und Ursulina Schüler-Witte entworfen. Bei diesen Gebäuden macht sich die jahrelange Vernachlässigung ihrer anspruchsvollen Architektur bemerkbar. Zwar zeigt die Politik den Willen, sie zu erhalten, bietet aber noch keine tragfähigen Konzepte. Der Bund Deutscher Architekten sieht gerade im ICC ein wichtiges Zeugnis seiner Zeit und will unbedingt einen Abriss wie bei der Gaststätte Ahornblatt verhindern. Aber auch ein Sanierungskonzept kann denkmalgeschützte Gebäude nicht immer retten, wie gerade die Hamburger City-Hochhäuser (1956-58) zeigen. Den Zuschlag für das Ensemble bekam ein Abriss-Investor. Der bekannte deutsche Architekt Volkwin Marg, der zuvor ein Sanierungskonzept vorlegte, sprach daraufhin von einem „Skandal". Die Diskussion um die Erhaltung der Nachkriegsmoderne könnte in Deutschland gerade erst richtig begonnen haben.

Radikal Modern

Die Bilder in diesem Artikel waren Teil der Ausstellung mit Katalog „Radikal Modern - Planen und Bauen im Berlin der 1960-er Jahre", die vom 29. Mai bis 26. Oktober 2015 in der Berlinischen Galerie stattfand.

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Das architektonische Erbe der 1960er-Jahre

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Abreißen, Umbauen oder doch denkmalgerecht sanieren? Über den schwierigen Umgang mit dem Baukultur-Erbe der 1960er-Jahre. Die deutsche Nachkriegsmoderne, bisher eher ein Steckenpferd von Architekturenthusiasten, steht im Fokus der öffentlichen Wahrnehmung.

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Die autofreie Wohnsiedlung Piesteritz mit ihren großzügigen Grünflächen und Gärten ist bis heute ein städtebauliches Vorbild. | Foto (Zuschnitt): © Julius Lukas

Die Gartenstadt Piesteritz war bei ihrem Bau vor 100 Jahren revolutionär. Als größte autofreie Siedlung Deutschlands könnte sie auch heute wieder Vorreiter sein. Doch das Quartier ist bedroht.
Von Julius Lukas
Bei den Wippers nimmt die Badewanne fast die Hälfte des Badezimmers ein. Durch das Fenster des kleinen Raums strahlt die Sonne, alles ist in helles Weiß getaucht. „Heute ist so eine Wanne ja etwas ganz Normales", sagt Rosemarie Wipper, die gerade durch ihr Reihenhaus führt. Seit 1997 wohnt sie hier mit ihrem Mann Klaus. „Doch damals, da war so eine Badewanne eine Sensation."

Damals: Damit meint die 75-Jährige das Jahr 1919. Der Erste Weltkrieg war gerade vorbei und am Rande des Ortes Piesteritz nahe der Lutherstadt Wittenberg war eine Siedlung entstanden, die es so zuvor nicht gab - die Gartenstadt Piesteritz. Sie wurde ab 1916 für die Arbeiter des nahegelegenen Stickstoffwerks gebaut. Der Architekt Otto Rudolf Salvisberg wollte damit eine Siedlung schaffen, die soziales Wohnen mit Naturnähe und funktionalen Häusern verband. Arbeit, Freizeit und Wohnen sollten so in Einklang gebracht werden. Diese Maxime erinnert an die Ideen des Bauhaus, doch Salvisberg verwirklichte sie in der Gartenstadt schon bevor Walter Gropius die berühmte Designschule gegründet hatte.
Das Ehepaar Wipper lebt schon seit über 20 Jahren in der Gartenstadt.

Die Zukunft ist ungewiss

Diese Fortschrittlichkeit hat sich das Viertel, in dem auch die Wippers wohnen, bewahrt. Auch 100 Jahre nach ihrer Fertigstellung ist die Gartenstadt, die auch Werkssiedlung Piesteritz genannt wird, noch Vorreiter. Der denkmalgeschützte Ort ist das größte autofreie Wohnquartier Deutschlands, die vielen Gärten und Grünflächen machen es zu einer Oase in der Stadt. Wer hier wohnen will, muss sich auf eine Warteliste setzen lassen. Doch die Gartenstadt ist nicht nur begehrt, sondern ebenso bedroht. Das betagte Viertel mit seinen 363 Häusern ist zum Spekulationsobjekt großer Immobilienunternehmen geworden. Gerade wechselte der Besitzer wieder. Was der neue Eigentümer mit dem Viertel vorhat, ist ungewiss.

Wie es weitergeht, wird auch am Kaffeetisch bei Ehepaar Wipper diskutiert. Das Wohnzimmer im untersten Stock des Reihenhauses ist eng geschnitten, aber wohnlich eingerichtet. Mit Platz genommen hat auch Reinhardt Mörbt, ein Nachbar und Kenner des Quartiers. „Vor hundert Jahren war so ein Haus purer Luxus", sagt Mörbt. „Die Arbeiter, die hierher gekommen sind, kannten nur Plumpsklos, zu denen man über den Hof laufen musste." Ein innenliegendes Bad mit Wanne, Strom und noch dazu ein Garten, „das war modern und extrem begehrt."
Auch Reinhardt Mörbt lebt schon lange in der ehemaligen Werkssiedlung. Warum solch eine revolutionäre Siedlung gerade in dem kleinen Ort Piesteritz gebaut wurde, lässt sich mit der Geschichte des Stickstoffwerks erklären, dessen Ursprung im Ersten Weltkrieg liegt. Weil die Briten eine Seeblockade errichtet hatten, konnten die Deutschen keinen stickstoffhaltigen Salpeter mehr aus Chile importieren, sondern mussten den für die Waffenproduktion wichtigen Grundstoff selbst herstellen. In neun Monaten wurden 1915 in Piesteritz die Reichsstickstoffwerke aus dem Boden gestampft. Und diese neue Fabrik brauchte Arbeiter. „Die kamen aus dem gesamten Kaiserreich", erzählt Klaus Wipper. Anfangs wohnten sie in Baracken. „Man wollte die Arbeiter jedoch hier halten, auch mit ihren Familien." Deswegen wurde die Gartenstadt gebaut.

Rückzugsort von der modernen Welt

Der Kaffee ist ausgetrunken, Reinhardt Mörbt bittet zu einer Führung durch die Werksiedlung. Schon die ersten paar Schritte zeigen, was das Quartier noch heute so besonders macht: Die autofreien Straßenzüge lassen die architektonischen Raffinessen des Ortes zur Geltung kommen. Das Farbenspiel an den Fassaden und Fensterläden, die feinen Schnitzereien an den Türen. „Salvisberg hat jedes Detail genau geplant", sagt Mörbt. Er streift an einer Fassade ein paar Rosenblätter zur Seite. Zum Vorschein kommt die Halterung eines Fensterladens, deren Spitze ein Frauenkopf ziert. „Selbst auf solche Kleinigkeiten hat der Architekt Wert gelegt."
Auch auf kleinste Details wurde bei der Konzeption der Gartenstadt Wert gelegt, wie hier bei der Halterung eines Fensterladens. Geht man durch die Straßen, fühlt man sich ins Jahr 1919 zurückversetzt, als der motorisierte Verkehr noch in der Minderheit war. Die einzigen Geräusche kommen von einer Frau, die schnaubend den Weg entlang joggt, und von zwitschernden Vögeln. Wenn Ruhe Glück bedeutet, ist die Gartenstadt ein Glücksort.

Auf einem breiten Platz bleibt Mörbt stehen. Vor ihm baut sich ein stattliches Haus auf. „Hier wohnten die Direktoren des Werks", sagt der 76-Jährige. Wer welches Haus bekam, war in der Siedlung genau festgelegt. Einfachen Arbeitern wurden die kleinsten Einheiten zugeteilt, Meister lebten auf 100 Quadratmetern und die Direktoren hatten herrschaftliche Residenzen mit 160 Quadratmetern. „Die Unterschiede waren groß", sagt Mörbt. „Dass allerdings alle zusammen in der gleichen Siedlung lebten, war eine Seltenheit."

Die Gartenstadt ist ein eigener Mikrokosmos - noch heute. An einer Stelle zwischen den Häusern, wo mehrere Kleingärten angelegt sind, öffnet sich der Blick auf das, was jenseits der Siedlung liegt. Und das könnte gegensätzlicher nicht sein: Während in der Gartenparzelle gerade ein Mann reife Tomaten von den Sträuchern pflückt, ragen am Horizont Schlote in die Höhe, die weißen Rauch in die Luft pusten. Silberne Rohrleitungen funkeln in der Sonne: das Stickstoffwerk. Schlendert man durch die Siedlung, vergisst man es schnell, dabei ist es so nah.

Heute arbeiten nur noch wenige Gartenstadt-Bewohner in dem Großbetrieb. Etwa 1.500 Mitarbeiter hat der Agrochemiepark, zu dem die Stickstoffproduktion gehört. Zu Hochzeiten passierten täglich knapp 9.000 Angestellte die Werkstore, Schichtwechsel glichen einer Völkerwanderung. Damals, in den 1970er- und 1980er-Jahren, war nicht mehr Sprengstoff, sondern Dünger die gefragte Ware. Piesteritz versorgte damit die Landwirtschaft der DDR. Die Produktion lief auf Hochtouren, mit fatalen Folgen für die Gartenstadt.

„Am Abend, wenn es dunkel war, wurde der gesammelte Staub des Tages in die Luft gepustet", erzählt Wipper. „Wenn man da seine Wäsche noch draußen hatte, konnte man sie gleich noch einmal waschen", ergänzt seine Frau. Die speienden Schlote setzten der Gartenstadt zu. „Die Häuser waren grau in grau", erinnert sich Rosemarie Wipper. Das Farbenspiel verschwand hinter einer dunklen Patina. „Wir haben trotzdem gerne hier gelebt", sagt Wipper. „Auch wenn man das Obst und Gemüse aus dem Garten immer abspülen musste."

Architektonisches Kleinod

1986 wurde die Gartenstadt unter Denkmalschutz gestellt. Mit der Wiedervereinigung der beiden deutschen Staaten begann jedoch eine bange Zeit. Wie das Werk, das fast die komplette Produktion einstellte, brauchte auch die Siedlung einen Investor. Vier Jahre dauerte es, bis schließlich die Bayernwerk AG, ein bayerischer Energiekonzern, das historische Ensemble kaufte. Der neue Eigentümer investierte 80 Millionen D-Mark in die Instandsetzung der 363 Häuser. Zu Gute kam der Werksiedlung dabei, dass sie zum Referenzprojekt für die Weltausstellung Expo 2000 in Hannover gemacht wurde. „Das brachte viel Aufmerksamkeit und auch den Druck, die Häuser originalgetreu zu sanieren", sagt Mörbt.

Die Bewohner der Siedlung erzählen fast schwärmerisch von der Zeit, als sich die Gartenstadt wieder herausputzte. Damals packten sie auch selbst mit an. Auf Mieterversammlungen wurde diskutiert, wie die Häuser umgebaut werden sollten, um sie an aktuelle Bedürfnisse anzupassen, der Mieterbeirat begleitete den gesamten Prozess. In einer solchen Versammlung wurde auch beschlossen, die Gartenstadt autofrei zu halten, berichtet der Architekt Fritz Hubert. Ihre Autos können die Mieter heute auf einem Sammelstellplatz am Rand der Siedlung abstellen, die wenigen Minuten Fußweg bis dorthin nehmen sie freiwillig in Kauf. Wichtig sei zudem gewesen, die Mieten erschwinglich zu halten, denn Wittenberg verzeichnet heute eine hohe Arbeitslosigkeit. All dies macht die Gartenstadt auch heute noch für junge Familien attraktiv: Das eigene Haus mit Garten zu erschwinglichen Preisen, die sicheren, kinderfreundlichen Straßen und Wege, das viele Grün.

... andere sind bis in die oberen Etagen mit Efeu bedeckt. Foto (Zuschnitt): © Julius Lukas

Das eigene Haus mit Garten zu erschwinglichen Preisen, die sicheren, kinderfreundlichen Straßen, das viele Grün - das macht die Gartenstadt bis heute so attraktiv, dass die Wartelisten lang sind.

1997 bauten die Bewohner selbst einen Spielplatz. „Das war eine Gemeinschaftsaktion, bei der alle zusammengetrommelt wurden", erinnert sich Klaus Wipper. Innerhalb eines Wochenendes seien sie fertig gewesen. Heute allerdings ist das Areal verwildert. Aus dem Sandkasten wächst Gras. „Jeder macht jetzt seins, die Gemeinschaft ist verloren gegangen", sagt Wipper.

Trotzdem: Es lebt sich noch immer gut in dem architektonischen Kleinod, da sind sich die Wippers und Mörbt einig. Doch nicht nur am Spielplatz sieht man, dass die Substanz bröckelt. „Der letzte Eigentümer hat sich wenig um die Häuser gekümmert", beschwert sich Mörbt, da gebe es viel Nachholbedarf. Doch es besteht Hoffnung: „Der neue Besitzer soll schon Handwerker geschickt haben", sagt Rosemarie Wipper. Sie sei zuversichtlich, dass das Viertel bleibt, wie es ist, und dass aus der 100-jährigen eine 200-jährige Geschichte wird - mindestens.

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Die autofreie Wohnsiedlung Piesteritz mit ihren großzügigen Grünflächen und Gärten ist bis heute ein städtebauliches Vorbild. | Foto (Zuschnitt): © Julius Lukas Die Gartenstadt Piesteritz war bei ihrem Bau vor 100 Jahren revolutionär. Als größte autofreie Siedlung Deutschlands könnte sie auch heute wieder Vorreiter sein. Doch das Quartier ist bedroht.

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Wohl kaum eine andere Kunstschule hat es zu einem derartig umfassenden Weltruhm in Kunst, Architektur und Design des 20. Jahrhunderts gebracht, wie das 1919 von Walter Gropius gegründete Bauhaus. 1925 zog das Bauhaus von Weimar nach Dessau und erhielt ein eigenes Gebäude mit Werkstätten, Lehr- und studentischen Wohnräumen sowie Wohnhäusern für die Professoren, die „Meister" hießen. Heute ist das Bauhaus mit diesen Meisterhäusern in Dessau-Roßlau Unesco Welterbe.

Mensch und Technik, die Verbindung von Industrie und Wissenschaft und die Modernisierung der Stadt Dessau, das waren die neuen Leitbilder der 1920er-Jahre, die Politiker, wie den liberalen Oberbürgermeister Fritz Hesse, dazu brachten, die aus Weimar vertriebene Kunstschule in Dessau willkommen zu heißen. 1924 wurden die ersten Vorgespräche für den Umzug mit Bauhausdirektor Walter Gropius und dem Meisterrat geführt. Ein Jahr später begann bereits der Lehrbetrieb in Dessau, und im Dezember 1926 erfolgte mit über 1.000 Gästen die Einweihung des neuen Schulgebäudes.

Kühnheit und Transparenz

Die Stadt Dessau hatte als Bauherrin das Geld zur Verfügung gestellt, sowohl für das Grundstück, das sich auf einem freien Gelände im Nordwesten der alten Residenzstadt in der Nähe des Bahnhofs befand, als auch für den Neubau des Schulgebäudes und den Bau der Meisterhäuser. Bis heute ist die Stadt Eigentümerin der gesamten Bauhausgebäude. Die Planung für den Neubau lag in den Händen des Büros von Walter Gropius, als leitende Mitarbeiter waren die Architekten Carl Fieger und Ernst Neufert am Entwurf beteiligt.

Bauhausgebäude Dessau | Walter Gropius | 1925-26 Endlich hatte Gropius die Chance erhalten, einen Schulbau nach seinen Vorstellungen zu errichten. Die Kühnheit und technisch-elegante Transparenz des Erstlingswerks, dem Fagus Werk in Alfeld, das Walter Gropius und Adolf Meyer mit einer sogenannten curtain wall, einer vorgehängten gläsernen Fassade versehen hatten, zeichnet auch das Bauhausgebäude in Dessau aus. Geometrisch klar und ruhig gliedert sich die gesamte Anlage zu einem fließenden Übergang aus vertikalen und horizontalen Verbindungen, aus verputzten Flächen, Fensterbändern, Lochfassaden und großflächigen Glaswänden.

Bauhausgebäude Dessau | Walter Gropius | 1925-26 Dabei gibt es keine zentrale Hauptansicht. Um den Bau vollständig zu begreifen, muss man ihn durchschreiten und umkreisen. Prägnant wirkt besonders der verglaste, dreigeschossige Werkstattflügel. Dieser ist über eine zweigeschossige Brücke, in der Büro- und Verwaltungsräume untergebracht waren, mit einem gleich hohen Gebäudetrakt für die Kunstgewerbe- und Handwerkerschule verbunden. Ein eingeschossiger Bautrakt mit Mensa, Aula und Bühne vermittelt zwischen Werkstattflügel und fünfgeschossigem Ateliergebäude, dem sogenannten Prellerhaus, mit seinen prägnanten und herauskragenden Balkonen. Hier waren ursprünglich 28 Wohnateliers für Studierende und Jungmeister untergebracht. Für die Innengestaltung aller Gebäude wurden die Werkstätten des Bauhauses einbezogen.

Kunst und Industrie

Einige ehemalige Schüler aus Weimar übernahmen in Dessau als Jungmeister die Werkstätten: Herbert Bayer leitete zum Beispiel die Werkstatt für Druck und Reklame, Marcel Breuer die Tischlerei. Daneben gab es die Metallwerkstatt, Weberei, Wandmalerei, Plastische Werkstatt und die Bühne. Das Bauhaus verfolgte in Dessau ein verändertes Programm, bei dem Industrie und Wissenschaft für die Gestaltung an Bedeutung gewannen. Die Schule bemühte sich, die neu entwickelten Produkte in Serie fertigen zu lassen.

Meisterhaus Muche/Schlemmer | Dessau | Walter Gropius | 1925-26 Der politische Wandel mit der Machtübernahme der Nationalsozialisten in Sachsen-Anhalt führte aber erneut zum abrupten Ende des Hochschulbetriebs. Bereits 1931 sollte das Bauhaus als „Brandfackel Moskaus" (Alexander von Senger) geschlossen und abgerissen werden. 1932 lagerte man den Schulbetrieb nach Berlin aus und vollzog 1933 nach einer Aktion der Geheimen Staatspolizei die Auflösung.

Das Bauhaus lebt

Das Bauhaus in Dessau blieb stehen, wurde aber durch die Luftangriffe im Zweiten Weltkrieg stark beschädigt. Erste Pläne für eine Rekonstruktion durch den Bauhäusler Konrad Püschel in den 1960er- Jahren kamen über das Papierstadium nicht hinaus. 1974 wurde das Bauhausgebäude als historisches Monument von nationaler und internationaler Bedeutung in die Denkmalliste der DDR eingetragen und zwei Jahre später eine umfassende Rekonstruktion eingeleitet. Mit dem Aufbau eines wissenschaftlich-kulturellen Zentrums begann die Wiederbelebung des Bauhausgedankens, daran konnte die Stiftung Bauhaus bei ihrer Gründung 1994 anknüpfen. 1996 erfolgte die Eintragung des Bauhausgebäudes in Dessau zusammen mit den Meisterhäusern sowie den Bauten in Weimar in die Welterbeliste der UNESCO.

Die Stiftung Bauhaus verfolgt einen künstlerisch-wissenschaftlichen Auftrag und widmet sich der Erforschung, Sammlung und Vermittlung der Bauhausidee und dem Dialog von Architektur, Design und Kunst im 21. Jahrhundert. Über 100.000 Besucher aus allen Teilen der Welt sind jährlich zu Gast in Dessau.

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Wohl kaum eine andere Kunstschule hat es zu einem derartig umfassenden Weltruhm in Kunst, Architektur und Design des 20. Jahrhunderts gebracht, wie das 1919 von Walter Gropius gegründete Bauhaus. 1925 zog das Bauhaus von Weimar nach Dessau und erhielt ein eigenes Gebäude mit Werkstätten, Lehr- und studentischen Wohnräumen sowie Wohnhäusern für die Professoren, die „Meister" hießen.

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Mehr Grün, mehr Wohnkomfort, weniger Kohlendioxid-Ausstoß: Die Plattenbausiedlung Drewitz wird zur Gartenstadt - und bis 2050 vielleicht zum ersten emissionsfreien Stadtteil in Potsdam.

Ein entscheidender erster Schritt war die Umwandlung der überdimensionierten Hauptverkehrsstraße in einen Park. Noch vor wenigen Jahren durchzog die Konrad-Wolf-Allee als lärmende Verkehrsschneise das Viertel, gesäumt von Parkplätzen und Plattenbau-Monotonie. Heute ist die stillgelegte Straße der Konrad-Wolf-Park und zugleich die lebendige, grüne Mitte von Drewitz. Zierkirschen und Rosen, Wasserspiele, Sitzgelegenheiten und Wege, die die Anwohner gerne nutzen: Der Park schafft Verbindungen zwischen den Menschen, die unterwegs zur Arbeit oder zum Einkaufen sind - oder einfach ihre freie Zeit im Grünen vor der Haustür genießen.

Der Stadtteil Drewitz im Südosten von Potsdam entstand Ende der 1980er-Jahre als eines der letzten Neubaugebiete der DDR. Auf einer Fläche von 38 Hektar leben hier rund 5.500 Menschen in 3.000 Wohnungen. 2009 beauftragte die kommunale Immobiliengesellschaft Pro Potsdam verschiedene Planer, ein Konzept für die energetische Sanierung der Großsiedlung zu erarbeiten. Heraus kam ein Vorschlag, der noch viel weiter ging: der Umbau der Plattenbausiedlung zur Gartenstadt.

Das Potsdamer Stadtparlament stimmte zu, und so wurde die Verkehrsschneise des Viertels zwischen 2011 und 2013 in einen Park umgewandelt. Carsten Hagenau, Geschäftsführer der Projektkommunikation Hagenau, hat die Idee von Anfang an mit entwickelt: „Mit dem Umbau der Konrad-Wolf-Allee zum Park haben wir den Durchgangsverkehr aus der Siedlung genommen und damit nicht nur den Ausstoß von Kohlendioxid, sondern auch die Belastung durch Lärm und Feinstaub reduziert."

Preise für die „grüne Platte"

Der Park wird derzeit um eine Querachse zum „Grünen Kreuz" erweitert. Erklärtes Ziel ist, Drewitz bis zum Jahr 2050 zum emissionsfreien Stadtteil zu entwickeln. Ein wichtiger Baustein dafür ist der geringere Wärmeverbrauch in energetisch sanierten Wohnungen. Außerdem braucht man in Drewitz nicht unbedingt ein Auto, denn das Quartier ist sehr gut an den öffentlichen Nahverkehr angebunden. Neumieter von Einzimmerwohnungen erhalten vom Vermieter Pro Potsdam sogar ein kostenloses Jahresticket der städtischen Verkehrsbetriebe. Carsten Hagenau: „Bis heute können wir durch die Errichtung des Parks, durch sanierte Wohnungen und die sinkende Anzahl der Fahrzeuge pro Haushalt 952 Tonnen Kohlendioxid pro Jahr einsparen." Die Bilanz wird sich weiter verbessern, denn die Gebäudesanierungen gehen weiter, außerdem wird Drewitz ab Januar 2017 mit „grüner", also Kohlendioxid-freier Fernwärme versorgt.

2014 wurde die Gartenstadt Drewitz beim Bundeswettbewerb „Kommunaler Klimaschutz" ausgezeichnet. Im selben Jahr prämierte auch die Jury des Deutschen Städtebaupreises das Projekt. „Die Preise zeigen, dass sich effektiver Klimaschutz und städtebauliche Qualität nicht ausschließen", sagt Carsten Hagenau und freut sich über den internationalen Vorbildcharakter der Potsdamer „grünen Platte".
Regelmäßig informieren sich Stadtplaner vor Ort über das Projekt, darunter Fachleute aus China, Finnland, Litauen, Kirgisistan oder Frankreich. Carsten Hagenau ist überzeugt: „Unser Konzept lässt sich auch in anderen Quartieren umsetzen."

Partizipation der Bewohner

Die Mieten in Drewitz müssen nach der Sanierung bezahlbar bleiben, auch das gehört zum Gartenstadtkonzept. Ebenso wie das 2013 eröffnete Begegnungszentrum „Oskar" in der Stadtteilschule Am Priesterweg, das Raum für Freizeit, Unterhaltung und sozialen Austausch bietet.
Carsten Hagenau betont, wie wichtig die Beteiligung der Drewitzer und Drewitzerinnen am Umbau ihres Viertels ist. „Allein zum Konrad-Wolf-Park gab es 64 öffentliche Veranstaltungen." Von Kindern bis zu den Senioren im Wohnheim: Alle Zielgruppen konnten ihre Vorstellungen einbringen, und es scheint sich gelohnt zu haben. Carsten Hagenau: „Früher waren auf der Straße kaum Kinder unterwegs. Heute sieht man ganz viele, einfach weil sie die entstandenen Frei- und Grünflächen nutzen."

Die Bürgervertreterin Kati Anton resümiert: „Die Atmosphäre hat sich verändert. Drewitz ist grüner, offener, lebenswerter geworden." Zu tun gebe es aber immer noch genug. So setzt sich Frau Anton beispielsweise dafür ein, dass die Straßenbahn nur noch in Schrittgeschwindigkeit durch die grüne Mitte von Drewitz fährt. Denn schließlich ist das jetzt ein Ort, an dem sich Menschen statt Autos begegnen.

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Mehr Grün, mehr Wohnkomfort, weniger Kohlendioxid-Ausstoß: Die Plattenbausiedlung Drewitz wird zur Gartenstadt - und bis 2050 vielleicht zum ersten emissionsfreien Stadtteil in Potsdam. Ein entscheidender erster Schritt war die Umwandlung der überdimensionierten Hauptverkehrsstraße in einen Park. Noch vor wenigen Jahren durchzog die Konrad-Wolf-Allee als lärmende Verkehrsschneise das Viertel, gesäumt von Parkplätzen und Plattenbau-Monotonie.

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Abreißen, Umbauen oder doch denkmalgerecht sanieren? Über den schwierigen Umgang mit dem Baukultur-Erbe der 1960er-Jahre.

Die deutsche Nachkriegsmoderne, bisher eher ein Steckenpferd von Architekturenthusiasten, steht im Fokus der öffentlichen Wahrnehmung. Vor allem über den Umgang mit den gewaltigen Wohnsiedlungen, betonlastigen Kulturbauten und autogerechten Innenstädten der 1960er-Jahre wird heftig diskutiert, und das nicht nur unter Denkmalschützern und Stadtplanern, sondern auch in der Lokalpresse oder in Bürgervertretungen: Ist die radikale Form, der Wille zur Verdichtung der Innenstädte, die Nutzung von Stahl, Glas und Beton etwas Visionäres? Das Abbild einer zukunftszugewandten Zeit, und somit unbedingt erhaltenswert? Oder muss und darf rigoros umgestaltet und sogar abgerissen werden, um die in der deutschen Öffentlichkeit oft aufgrund ihrer Dimensionen und ihrer rasterhaften, monotonen Fassaden als „menschenfeindlich" postulierten Bauten kleinteiliger und somit menschenfreundlicher zu machen?

Freie Flächen, viel Platz

Nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs gab es in Deutschland viele freie Flächen, die die Möglichkeit zu umfassenden Neugestaltungen der Städte boten. Der Fokus in der Baupolitik wurde dabei auf Verdichtung der Innenstädte gelegt. Im Zuge des wirtschaftlichen Aufschwungs wurden außerdem ab dem Ende der 1950er-Jahre im Westen große Bürohäuser und neue Universitätskomplexe gebaut. Der Architekt Helmut Hentrich beispielsweise errichtete in Düsseldorf das Dreischeibenhaus (1960) und in Bochum die Ruhruniversität (1964-74). Zuvor waren in Berlin bereits Kulturbauten wie die Akademie der Künste von Werner Düttmann (1958-60) oder die Deutsche Oper von Fritz Bornemann (1961) entstanden.

Zudem benötigte die damalige neue westdeutsche Hauptstadt Bonn diverse Regierungsbauten, wie etwa den Kanzlerbungalow von Sep Ruf (1966). Im geteilten Berlin sind jeweils neue Zentren gestaltet worden, eines als sozialistische, eines als kapitalistische Variante. In ganz Deutschland wurde so viel gebaut wie nie zuvor und mit Betonfassaden, Glasbausteinen, vorfabrizierten Elementen und Rasterarchitekturen experimentiert.

In dieser Zeit visionär-radikaler Entwürfe in Ost und West entstanden Gebäude, die heute als Ikonen der modernen Baukultur gelten, wie in Ostberlin Hermann Henselmanns Haus des Lehrers (1964) oder Josef Kaisers Kino International (1963). In West-Berlin stechen Egon Eiermanns Neue Gedächtniskirche (1961), Hans Scharouns Philharmonie (1963) und Mies van der Rohes Neue Nationalgalerie (1968) hervor.

Die Abrissbirne droht

Viele der nicht so prominenten Bauten stehen heute auf dem Prüfstand oder wurden bereits abgerissen. Geschuldet ist das aber nicht nur Größe, Form oder „Unwirtlichkeit", sondern auch oft schlechter Bauqualität. Selbst auf die Erhaltung der Gebäude als Kulturgut plädierende Fachleute haben „mangelhafte Materialtechnik" (Wolfgang Pehnt) und „hohe Instandsetzungskosten nach oftmals jahrzehntelang unterlassener Bauunterhaltung" (Adrian von Buttlar) als Problem benannt.

Allerdings trifft die Entscheidung zum Abriss nicht nur Großsiedlungen mit mangelhafter Bauqualität. In Berlin wurde zum Beispiel die Großgaststätte Ahornblatt mit der legendären Schalenkonstruktion von Ulrich Müther (1971-73) trotz Denkmalschutz im Jahr 2000 abgerissen. Ähnlich erging es dem Schimmelpfenghaus von Sobotka/Müller (1960) am Zoo. Beide fielen Neubauprojekten zum Opfer. Andere Gebäude dieser Zeit werden mal mehr, mal weniger gelungen überformt. Ein Beispiel ist die Neugestaltung der Kaufhoffassade am Berliner Alexanderplatz durch Jan Kleihues, der die charakteristische Aluminium-Wabenfassade von 1967 im Jahr 2006 durch Naturstein ersetzte und dafür ebenso viel Beifall wie Ablehnung erntete.

Beispiele für Sanierung und Umgestaltung

Als ein gelungenes Beispiel gilt dagegen die denkmalgerechte Sanierung des Staatsratsgebäudes der DDR (1962-64) durch HG Merz (2003-05) und die Sanierung der Deutschen Oper (2011-14) in Berlin. Eine derart umfangreiche Instandsetzung nach neuesten energetischen Standards hätte diese komplexen Gebäude auch ruinieren können. Die Kosten waren allerdings so hoch, dass nicht viele Bauten auf diese Weise denkmalgerecht instand gesetzt werden können.

Auf eine Lösung warten momentan zwei weitere prominente Berliner Bauten aus den früheren 1970er-Jahren: Das futuristische ICC Kongresszentrum und der „Steglitzer Bierpinsel" im Stil der Pop Art, beide von Ralf Schüler und Ursulina Schüler-Witte entworfen. Bei diesen Gebäuden macht sich die jahrelange Vernachlässigung ihrer anspruchsvollen Architektur bemerkbar. Zwar zeigt die Politik den Willen, sie zu erhalten, bietet aber noch keine tragfähigen Konzepte. Der Bund Deutscher Architekten sieht gerade im ICC ein wichtiges Zeugnis seiner Zeit und will unbedingt einen Abriss wie bei der Gaststätte Ahornblatt verhindern. Aber auch ein Sanierungskonzept kann denkmalgeschützte Gebäude nicht immer retten, wie gerade die Hamburger City-Hochhäuser (1956-58) zeigen. Den Zuschlag für das Ensemble bekam ein Abriss-Investor. Der bekannte deutsche Architekt Volkwin Marg, der zuvor ein Sanierungskonzept vorlegte, sprach daraufhin von einem „Skandal". Die Diskussion um die Erhaltung der Nachkriegsmoderne könnte in Deutschland gerade erst richtig begonnen haben.

Radikal Modern

Die Bilder in diesem Artikel waren Teil der Ausstellung mit Katalog „Radikal Modern - Planen und Bauen im Berlin der 1960-er Jahre", die vom 29. Mai bis 26. Oktober 2015 in der Berlinischen Galerie stattfand.

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Das architektonische Erbe der 1960er-Jahre

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Abreißen, Umbauen oder doch denkmalgerecht sanieren? Über den schwierigen Umgang mit dem Baukultur-Erbe der 1960er-Jahre. Die deutsche Nachkriegsmoderne, bisher eher ein Steckenpferd von Architekturenthusiasten, steht im Fokus der öffentlichen Wahrnehmung.

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"Form follows Function" - die Form folgt der Funktion. Das war das wichtigste Credo der Moderne. Die Architekturepoche entwickelte sich im beginnenden 20. Jahrhundert, nach dem Ersten Weltkrieg. Gebäude aus Stahl, Glas, Beton und Backstein, die sich durch schnörkellose Schlichtheit auszeichneten, waren ihr Markenzeichen. Gleichwohl ist die Moderne in ihrer Gesamtheit kaum zu fassen, so vielfältig und verschieden sind ihre Entwicklungen und Entwürfe. Expressionismus, Bauhaus, Neues Bauen, Neue Sachlichkeit, Funktionalismus, Minimalismus und andere Strömungen werden der Moderne zugeordnet. Fest steht, dass sie einen Wendepunkt in der Gestaltung darstellt, der Architekten bis heute beeinflusst und inspiriert.

2019 feiert Deutschland das 100-jährige Gründungsjubiläum des Bauhauses, der weltberühmten Hochschule für Gestaltung. Zu diesem Anlass hat der Bauhaus Verbund die "Grand Tour der Moderne" entwickelt. Die touristische Route, die sich quer durch Deutschland zieht, ermöglicht einen Streifzug durch 100 Jahre Architekturgeschichte zwischen 1900 und 2000. Auf der Webseite des Bauhaus Verbundes gibt es Tourenvorschläge und Informationen zu den einzelnen Orten.

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Reise zur Architektur der Moderne | DW | 02.01.2019

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"Form follows Function" - die Form folgt der Funktion. Das war das wichtigste Credo der Moderne. Die Architekturepoche entwickelte sich im beginnenden 20. Jahrhundert, nach dem Ersten Weltkrieg. Gebäude aus Stahl, Glas, Beton und Backstein, die sich durch schnörkellose Schlichtheit auszeichneten, waren ihr Markenzeichen.

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Das eine Haus steht Kopf, das andere hat keine geraden Linien. Was Ihnen das sagt? Ganz klar: Moderne Architektur gibt es auch in Deutschland! Wir zeigen Ihnen 7 außergewöhnliche Gebäude, bei denen die Architekten ihrer Kreativität freien Lauf ließen.
1. Das umgedrehte Haus

Ein Haus steht Kopf und das ganz ohne Fotomontage: In Bispingen bei Hamburg steht das erste umgedrehte Haus der Welt mit einer ganz besonderen Bauweise: Die heutige Touristenattraktion wurde wie ein normales Haus gebaut und anschließend von zwei Kränen auf den Kopf gestellt.

Der Kopfstand sowie die zusätzliche Neigung von circa 7 Grad bringen die Besucher des Hauses mächtig aus dem Gleichgewicht. Selbst die komplette Einrichtung steht in dem „verrückten Haus" Kopf: Ob Mixer in der Küche oder die Toilette im Badezimmer, alles ist verkehrt herum.

2. Gehry-Bauten in Düsseldorf

Mitten im Düsseldorfer Medienhafen prägen die asymmetrischen und verschachtelten Türme des Star-Architekten Frank O. Gehry die Skyline. Die besondere Architektur war auch im Bau eine große Herausforderung: Es mussten beispielsweise sagenhafte 1531 individuelle Fensterkästen entworfen werden, um die rundherum unterschiedlichen Außenwände auszugleichen.

Ein weiteres besonderes Detail ist der kleine Turm in der Mitte: Dieser ist mit silberglänzenden Edelstahlblech verkleidet. Darin spiegeln sich der nördliche und südliche Turm, was die drei Bauten zu einem einzigartigen Konstrukt verbinden soll. Seit ihrer Fertigstellung im Jahr 1999 gelten die Gehry-Bauten als eines der Wahrzeichen von Düsseldorf.

3. Universitätsbibliothek in Cottbus

In Cottbus haben die Schweizer Architekten Jacques Herzog und Pierre de Meuron eine etwas andere Bibliothek gestaltet. Das 32 Meter hohe Gebäude ist von seiner gekurvten Form geprägt und dient heute als Informations-, Kommunikations- und Medienzentrum der Brandenburgischen Technischen Universität Cottbus.

4. Phaeno in Wolfsburg

Kantige Elemente treffen auf fließende Partien: Das Phaneo in Wolfsburg hat an allen Ecken und Kanten extreme Schrägen und Neigungswinkel. Große Deckenüberstände und riesige Spannweiten sind charakteristisch für das Wolfsburger Forschungszentrum.

Für die Umsetzung der außergewöhnlichen Pläne der Architektin Zaha Hadid wurden die „Grenzen der Technik" überschritten, indem spezielle Baustoffe wie selbstverdichtender Beton eingesetzt wurden.

„Das vielfältig geformte Gebäude steckt voller Kraft, Dynamik und Dramatik und im Innern, in sieben Metern Höhe entfaltet sich ein bauliches Abenteuerland, geformt aus Kratern, Höhlen, Terrassen und Plateaus", heißt es auf der phaeno-Webseite.

5. Marco-Polo-Tower in Hamburg

Dank seiner dynamischen Formen fällt der Marco-Polo-Tower den Besuchern der Hamburger Hafencity schon aus weiter Ferne auf. Der 58 Meter hohe Wohnturm wurde 2010 fertiggestellt. Das Besondere: Jedes der 17 Stockwerke hat einen anderen Grundriss, weshalb die einzelnen Partien zueinander gedreht sind.

„Kaum errichtet, wurde der Wohnturm bereits mit Architekturpreisen überhäuft. Fast alle Wohneinheiten sind verkauft und bewohnt - wenngleich sich das Wohnen am Wasser im neuen Quartier nicht jeder leisten kann", formuliert es das Stadtportal „hamburg.de" bescheiden.

Von den oberen Stockwerken aus bietet der Marco-Polo-Tower seinen Bewohnern einen Blick über die Innenstadt und den Hafen der Hansestadt.

6. Jahrhunderthalle in Frankfurt am Main

Zwar ist die Jahrhunderthalle in Frankfurt nicht besonders hoch, aufgrund der riesigen weißen Kuppel mit einem Durchmesser von über 100 Meter fällt das Gebäude dennoch schon von Weitem auf. Die Kuppel soll für eine einzigartige Akustik des darunterliegenden Konzertsaals sorgen.

7. Waldspirale in Darmstadt

Kunst trifft auf Architektur und so bewundern Besucher der Waldspirale in Darmstadt heute ein buntes und verspieltes Bauwerk des im Jahr 2000 verstorbenen österreichischen Künstlers Friedensreich Hundertwasser.

Das besondere Gebäude mit Bäumen auf den Fensterbänken ist ein Wohnkomplex, der auf seinen 12 Stockwerken Raum für ganze 105 Wohnungen bietet. Die einzigartige Architektur weist keinerlei gerade Linien oder rechte Winkel auf - bunte Spiralen und Säulen prägen das Erscheinungsbild.

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Architektur in Deutschland: 7 ungewöhnliche Gebäude

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Das eine Haus steht Kopf, das andere hat keine geraden Linien. Was Ihnen das sagt? Ganz klar: Moderne Architektur gibt es auch in Deutschland! Wir zeigen Ihnen 7 außergewöhnliche Gebäude, bei denen die Architekten ihrer Kreativität freien Lauf ließen.1.

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Er war Hitlers "Kunstfeind Nummer 1": Der berühmte Maler Oskar Kokoschka galt in der NS-Zeit als "Entartetster unter den Entarteten". Seine Werke wurden von den Nationalsozialisten beschlagnahmt und sind noch längst nicht alle wiedergefunden. Als eine seiner Zeichnungen bei Christie's auftauchte, war die Freude in der Berliner Forschungsstelle "Entartete Kunst" groß.

Das 2003 an der Freien Universität gegründete Institut sammelt Informationen über den Verbleib der rund 20.000 konfiszierten Kunstwerke und stellt sie in der weltweit einzigen wissenschaftlichen Datenbank zusammen. Die Forschungsstelle ist eine bekannte Anlaufstelle für Herkunftsforscher. Daher meldete sich das Auktionshaus sofort nach dem Auftauchen der Kokoschka-Zeichnung bei Projektkoordinatorin Meike Hoffmann, um mehr über das Kunstwerk zu erfahren. Die Wissenschaftlerin konnte Christie's mitteilen, wann und wo Kokoschkas "Tochter des Gauklers" konfisziert wurde.

Mühevolle Detektivarbeit

Meike Hoffmann betreut die Datenbank

In der Auktion fand die Zeichnung eines mageren, nur mit einem Rock bekleideten Mädchens für über 300.000 Euro einen neuen Besitzer. Dieser kennt nun die Geschichte der Zeichnung, und die Forschungsstelle erhielt für ihre Datenbank von Christie's eine Abbildung sowie Informationen über Material und Technik der Zeichnung.

Für ihre Arbeit nutzen die Mitarbeiter das von den Nationalsozialisten 1937/38 angelegte Beschlagnahme-Inventar, in dem 16.585 konfiszierte Werke verzeichnet sind. "Es gibt darin zahlreiche Lücken und Irrtümer. Wir ergänzen und korrigieren die Einträge", erläutert die Kunsthistorikerin. Zudem gibt die Forschungsstelle eine Schriftenreihe heraus und bietet für die Studierenden der Freien Universität Seminare an.

Entartete Kunst als Prüfungsthema

Das Interesse der Studierenden an politisch geprägten Aspekten der Kunstgeschichte sei groß, sagt Hoffmann. Bei manch einem gab es sogar einen konkreten Auslöser für die Beschäftigung mit "entarteter" Kunst. So machte die Studentin Johanna Klapproth vor einigen Jahren ein Praktikum beim Auktionshaus Sotheby's und erlebte mit, wie die Restitutionsbeauftragte immer wieder Informationen von der Forschungsstelle Entartete Kunst einholte.

Studentin Johanna Klapproth schreibt ihre Masterarbeit über "Tauschbilder im Dritten Reich"

"Ich fand das sehr spannend und habe mich daraufhin für mein Masterstudium an der Freien Universität beworben", sagt Klapproth. Derzeit arbeitet sie an ihrer Abschlussarbeit über die Entschädigungsleistungen, die manche Museen erhielten. Über 30 Masterarbeiten und Dissertationen sind bereits an der Forschungsstelle entstanden, weitere sind in Arbeit.

Mitarbeit von Studierenden aus aller Welt

Auch viele internationale Studierende und Doktoranden kommen an das Institut - wie die Britin Lucy Watling, die ihre Dissertation über die Ausstellung "Twentieth Century German Art" schreibt. Diese wurde 1938 in London als Antwort auf die von den Nazis organisierte Münchner Schmähausstellung "Entartete Kunst" eröffnet.

"Ich habe gemerkt, dass es ein wichtiger erster Schritt sein würde, die Spuren der Werke nachzuvollziehen, die in London gezeigt wurden - Arbeit, die ich am besten in Deutschland erledigen konnte", erläutert Watling. Der Deutsche Akademische Austauschdienst ermöglichte ihre Recherchen mit einem Jahresstipendium, seit dem Herbst ist Watling zurück in London und promoviert dort am Courtauld Institute of Art.

10.000 Werke zum zehnjährigen Bestehen

Für die Forschungsstelle spielen Arbeiten von Studierenden und Doktoranden eine wichtige Rolle, denn mit vier Mitarbeitern und zwei studentischen Hilfskräften ist die Flut an Dokumenten kaum zu bewältigen. Gerade aus Osteuropa, wo eine neue Generation von Mitarbeitern in die Museen strömt, kommen laufend neue Materialien.

NS-Propagandaminister Josef Goebbels beim Besuch der Ausstellung "Entartete Kunst" 1938

Bis zum Herbst dieses Jahres, wenn die Forschungsstelle Entartete Kunst ihr zehnjähriges Bestehen feiert, sollen 10.000 Werke in der Datenbank erfasst sein. Ein vernachlässigter Aspekt der Geschichte des Dritten Reiches wird somit allmählich aufgearbeitet - auch dank der Ferdinand-Möller-Stiftung, die die Forschungsstelle nicht nur initiiert hat, sondern ihr auch ihre langfristige Förderung zugesichert hat.

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Das Schicksal der "entarteten Kunst" | DW | 17.04.2013

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Er war Hitlers "Kunstfeind Nummer 1": Der berühmte Maler Oskar Kokoschka galt in der NS-Zeit als "Entartetster unter den Entarteten". Seine Werke wurden von den Nationalsozialisten beschlagnahmt und sind noch längst nicht alle wiedergefunden. Als eine seiner Zeichnungen bei Christie's auftauchte, war die Freude in der Berliner Forschungsstelle "Entartete Kunst" groß.

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1. Einleitung (00:00 min)

2. Griechische Antike (02:59 min)

3. Römische Antike (08:36 min)

4. Romanik (10:44 min)

5. Gotik (13:11 min)

6. Renaissance (16:03 min)

7. Barock (18:59 min)

8. Klassizismus (21:49 min)

9. Historismus (23:09 min)

10. Moderne (25:52 min)

Video herunterladen (782,1 MB | MP4)

Enie van de Meiklokjes reist zusammen mit Professor Raimund Wünsche und Architekt Andreas Hild zu zehn Bauwerken, an denen die Charakteristika der wesentlichen Stilepochen besonders gut zu sehen sind: Sie besuchen Stonehenge, den Parthenon in Athen, die Hagia Sophia in Istanbul, das Kloster Maria Laach, die Kathedrale von Chartres, den Palazzo Medici in Florenz, mehrere Barockschlösser, den Königplatz in München, den Kristallpalast in London und das Chrysler Building in New York.

Filmskript

In der ersten Folge geht es um die Geschichte der Architektur. Einige der Bauten kenne ich schon, aber wann und warum wurden sie errichtet? Und wann begannen die Menschen überhaupt damit, Gebäude zu erbauen?

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Die ganze Architekturgeschichte in zehn Gebäuden

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Enie van de Meiklokjes reist zusammen mit Professor Raimund Wünsche und Architekt Andreas Hild zu zehn Bauwerken, an denen die Charakteristika der wesentlichen Stilepochen besonders gut zu sehen sind: Sie besuchen Stonehenge, den Parthenon in Athen, die Hagia Sophia in Istanbul, das Kloster Maria Laach, die Kathedrale von Chartres, den Palazzo Medici in Florenz, mehrere Barockschlösser, den Königplatz in München, den Kristallpalast in London und das Chrysler Building in New York.

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Doku  Vom Jugendstil zur Moderne   Die Architektur des 20  Jahrhunderts HD

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Das Bauhaus - 100 Jahre Designrevolution | Karambolage | ARTE

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Deutschland hat eine viele Jahrhunderte lange Tradition in der bildenden Kunst. Deshalb gibt es einige Künstler, die einen Platz auf dieser Liste der 10 bekanntesten deutschen Maler verdient hätten.

Sieht man sich nur einmal die Entwicklung der Kunstgeschichte an, stellt man fest, wie umfangreich diese Liste eigentlich sein müsste.

Reduziert man die Liste der deutschen Maler auf 10 Stück, kommen uns diese bekannten Figuren der deutschen Kunst in den Sinn:

Emil Nolde
7. August 1867 - 13. April 1956
Meisterwerk: Stürmische See (1930)

Der Expressionismus war eine Bewegung in der Kunst, die ihren Ursprung in Deutschland hatte und als eine der einflussreichsten Strömungen des 20. Jahrhunderts gilt.

Expressionistische Künstler verzerrten die Form und benutzten kräftige Farben, um ihre emotionalen Erfahrungen und eben nicht mehr nur die physische Realität auszudrücken. Die Brücke war eine Gruppe deutscher Künstler, die den Expressionismus und die Entwicklung der modernen Kunst maßgeblich prägten. Emil Nolde ist der bekannteste Künstler dieser einflussreichen Gruppe.

So führte Nolde unter anderem religiöse Themen wieder ein, belebte das schrumpfende Medium der Druckgrafik und war einer der ersten Maler des 20. Jahrhunderts, der Farbe mit höchster Genauigkeit erforschte. Emil Nolde gilt als einer der wichtigsten Mitwirkenden des Expressionismus, insbesondere aufgrund seiner Darstellung religiöser Bilder in einem neuen, farbenfrohen Stil.

Hans Holbein der Jüngere
1497 - 1543
Meisterwerk: Die Gesandten (1533)

Die Renaissance des Nordens war die Renaissance, die in Europa nördlich der Alpen stattfand. Die deutsche Renaissance war deshalb Teil der nördlichen Renaissance und Hans Holbein war einer der führenden Künstler in dieser Zeit.

Sein Interesse an der Kunst stammt aber nicht von irgendwoher. Seine Familie brachte mehrere bedeutende Künstler hervor. Sein Vater Hans Holbein der Ältere war ein versierter Maler der spätgotischen Schule. Hans Holbein der Jüngere begann mit der Herstellung von Wandmalereien und religiösen Werken. Seine Kunst wurde schon früh in seiner Karriere wertgeschätzt, sicherlich auch aufgrund des hervorragenden Rufs des Vaters. Er schuf viele Porträts nordeuropäischer Königshäuser und Adlige und war königlicher Maler für Heinrich VIII. von England.

Hans Holbein gilt als einer der größten Porträtmaler des 16. Jahrhunderts und mehrere seiner Porträts sind zu kulturellen Wahrzeichen geworden. Seine Werke, darunter seine Porträts und religiösen Gemälde, zeichnen sich durch ihren überzeugenden Naturalismus aus und sind mit höchster Präzision gemalt worden. Hans Holbein gilt als der herausragende deutsche Maler seiner Generation und ist nach wie vor einer der bekanntesten deutschen Maler.

Anselm Kiefer
Geboren: 8. März 1945
Meisterwerk: Laßt tausend Blumen blühen!

Anselm Kiefer ist vor allem für seine monumentalen Arbeiten bekannt, die die deutsche Geschichte, insbesondere die Schrecken des Nationalsozialismus, erforschen. Diese Werke zwangen seine Zeitgenossen, sich mit dem Thema in einer Zeit zu beschäftigen, in der die Thematisierung des Nationalsozialismus beinahe tabu war. Kiefer verwendet schweres Impasto, eine Technik in der Malerei, bei der die Farbe in breiten Strichen aufgetragen wird, sodass die Pinselführung deutlich sichtbar wird.

Kiefer verwendet in seinen Stücken ungewöhnliche Materialien wie Stroh, Asche, Ton, Blei und Schellack. Viele von ihnen beziehen sich auf verschiedene Aspekte der Geschichte und des Mystik. In seine Gemälde integriert er häufig auch Schriftzüge, darunter Auszüge aus Gedichten, Romanen und Slogans.

Die gesamte Karriere von Kiefer ist geprägt von einer ungebrochenen Auseinandersetzung mit Tabus und kontroversen Themen der jüngeren Geschichte. 2005 wurde Anselm Kiefer mit dem Bundesverdienstkreuz der Bundesrepublik Deutschland ausgezeichnet. Kiefer gehört zweifelsfrei zu den einflussreichsten und berühmtesten deutschen Maler der zeitgenössischen Kunst.
8. Februar 1880 - 4. März 1916
Meisterwerk: Pferde in Landschaft, 1911

"Der Blaue Reiter" war neben "Der Brücke" eine von zwei für den Expressionismus grundlegend wichtigen Gruppen deutscher Maler. Die Gruppe widmete sich der gegenstandslosen, abstrakten Malerei und war um die Idee herum strukturiert, dass Farbe und Form bestimmte spirituelle Werte tragen. Franz Marc war neben dem russischen Maler Wassily Kandinsky die zentrale Figur des Blauen Reiters. Am bekanntesten ist er für seine Bilder von farbenfrohen Tieren, insbesondere von Pferden, mit denen er tiefgründige Botschaften über die Menschheit, die Natur und das Schicksal der Menschheit vermittelte.

Die Natur und Tiere waren ihm beinahe heilig, sodass er sie mit besinnlicher Ehrfurcht abbildete. Charakteristisch für seine Werke sind die kräftige und satte Grundfarbe, die strenge Einfachheit und die tiefen Emotionen. Obwohl der deutsche Maler Franz Marc bereits im Alter von 36 Jahren starb, hatte er einen enormen Einfluss auf den Expressionismus und ist einer der berühmtesten Künstler der Bewegung, sowie einer der bekanntesten deutschen Malern überhaupt.

Otto Dix
2. Dezember 1891 - 25. Juli 1969
Meisterwerk: Der Krieg

Geht es um bekannte deutsche Maler, darf Otto Dix nicht fehlen. Die Neue Sachlichkeit war eine deutsche Bewegung, die als Reaktion auf den Expressionismus entstand, der damals die westliche Kunstwelt dominierte. Die neue Sachlichkeit lehnte den introvertierten Emotionalismus und die romantischen Sehnsüchte der Expressionisten ab und suchte stattdessen Klarheit und Definition durch "sachliche" Beobachtung der materiellen Realität.

Wilhelm Heinrich Otto Dix gilt neben George Grosz als der bedeutendste Künstler der Neuen Sachlichkeit. Seine Gemälde und Zeichnungen zeigen und kritisieren lebhaft die Korruption, die hektische Lustgier und die allgemeine Demoralisierung Deutschlands nach der Niederlage im Ersten Weltkrieg sowie die Ineffektivität der Weimarer Republik, die bis 1933 regierte.

Der deutsche Maler ist bekannt für seine schonungslosen und streng realistischen Darstellungen, die als Satire auf die menschliche Verfassung angesehen werden können. Er ist einer der berühmtesten deutschen Künstler des 20. Jahrhunderts.

Gerhard Richter
Geboren: 9. Februar 1932
Meisterwerk: Abstraktes Bild [599], (Auktionsrekord für ein Werk von Richter)

Gerhard Richter hat eine Vielzahl von Arbeiten geschaffen. Er hat sowohl abstrakte als auch fotorealistische Gemälde, Skulpturen, Zeichnungen, Fotografien und Glasarbeiten geschaffen. Wie bei Picasso lässt sich auch bei Richter kein einziger zusammenhängender Stil beobachten und obwohl er mit mehreren Kunstrichtungen in Verbindung gebracht wird, kann sein Werk nicht in lediglich eines dieser Genres fallen.

In seinen Fotomalereien beginnt Richter mit einer Fotografie und projiziert sie auf seine Leinwand. Er malt, um den Look des Originalbildes zu replizieren und macht dann viele seiner Motive mithilfe seines bekannten Verwischungs- oder Unschärfeeffekts unkenntlich. In seinen abstrakten Bildern baut Richter mehrere Farbschichten übereinander auf, die von der gegenständlichen Malerei losgelöst sind.

Am bekanntesten ist wohl seine Rakeltechnik, die er mit einem riesigen Rakel auf seinem Malgrund anwendet. Die Bilder entwickeln sich in Etappen, basierend auf seinen Reaktionen auf das Fortschreiten des Bildes.

Gerhard Richter hat für seine Werke viel Anerkennung bei den Kritikern gefunden. Viele halten ihn nicht nur für den bedeutendsten deutschen Maler der zeitgenössischen Kunst, sondern auch für den größten Maler unserer Zeit.

Max Ernst
2. April 1891 - 1. April 1976
Der Surrealismus war eine einflussreiche Kunstbewegung des 20. Jahrhunderts, deren Künstler den Rationalismus und Realismus ablehnten und sich stattdessen darauf konzentrierten, das Unterbewusstsein zu kanalisieren, um die Vorstellungskraft freizulegen.

Max Ernst war ein Pionier des Surrealismus und des Dada, aus der sich der Surrealismus entwickelte. Zu den bedeutendsten Beiträgen von Ernst gehört seine Erfindung der surrealistischen Techniken der Frottage und Grattage. In der Frottage nimmt der Künstler ein Pastell, Bleistift oder ein anderes Zeichenwerkzeug und reibt es über eine unebene Oberfläche. Die Zeichnung kann unverändert gelassen oder als Grundlage für die weitere Verfeinerung verwendet werden. Die Grattage besteht darin, eine mit einer Ölfarbe vorbereitete Leinwand auf ein strukturiertes Objekt zu legen und dann die Farbe abzuschaben, um eine interessante und unerwartete Oberfläche zu schaffen. Neben Joan Miro, René Magritte und Salvador Dali gilt Max Ernst als Hauptfigur im goldenen Zeitalter des Surrealismus. Er ist einer der berühmtesten deutschen Künstler der Moderne.
21. Mai 1471 - 6. April 1528
Meisterwerk: Melencolia I

Albrecht Dürer war ein brillanter Maler und Zeichner, aber sein größter künstlerischer Einfluss lag in der Druckgrafik. Er begann seine Karriere als Lehrling bei Michael Wolgemut, der eine große Werkstatt leitete und gemeinsam mit einigen anderen Künstlern den Holzschnitt wieder aufleben ließ. Schon im jungen Alter von 20 Jahren hatte Dürer mit seinen hochwertigen Holzschnitten seinen Ruf und Einfluss in ganz Europa etabliert.

Er revolutionierte die Druckgrafik und erhob sie auf die Ebene einer eigenständigen Kunstform, während er selbst als eine der führenden Persönlichkeiten in der Geschichte der Druckgrafik gilt. Dürer stand in Kontakt mit den wichtigsten italienischen Künstlern seiner Zeit, darunter Raphael und Da Vinci.

Seine Einführung klassischer Motive in die nördliche Kunst war ein wichtiger Beitrag in der deutschen Renaissance. Albrecht Dürer gilt als der größte deutsche Künstler der Renaissance. Er übte einen tiefgreifenden Einfluss auf die Künstler der nachfolgenden Generationen aus, insbesondere in der Druckgrafik.
5. September 1774 - 7. Mai 1840
Meisterwerk: Wanderer über dem Nebelmeer

Caspar David Friedrich hat sich in seiner frühen Karriere einen bedeutenden Ruf erworben. Sein Ruf nahm jedoch in seinen späteren Jahren ab, als Kritiker, die sein Werk nicht verstanden, es heftig attackierten.

Er starb arm und in Vergessenheit; und erst in der Mitte des 20. Jahrhunderts fand er bei der neuen Generation von Kritikern und Kunsthistorikern Gefallen. Heute ist Friedrich eine Ikone nicht nur in Deutschland, sondern er ist auch international bekannt und gilt als der bedeutendste deutsche Künstler der Romantik.

Friedrich gilt als eine Figur großer psychologischer Komplexität, der das Schöne feiert, aber von der Dunkelheit verfolgt wird. Der deutsche Maler ist vor allem bekannt für seine Werke, die den Menschen im Nachthimmel oder im Morgennebel darstellen und so die geringe Kraft des Menschen im größeren Maßstab des irdischen Daseins veranschaulichen. Friedrich nahm die Landschaftsmalerei und verlieh ihr eine tiefe spirituelle Bedeutung. Er gilt als einer der bedeutendsten Künstler dieses Genres.
18. Dezember 1879 - 29. Juni 1940
Meisterwerk: Ad Parnassum, 1932

Paul Klee war ein unglaublich produktiver Maler, der über 9000 Kunstwerke schuf. Im Jahr 1933 allein schuf er fast 500 Werke und 1939 schließlich über 1200. Seine Kunstwerke wurden mit vielen Kunstrichtungen in Verbindung gebracht, darunter der Expressionismus, Kubismus, Surrealismus und die Abstraktion, aber es ist schwierig, ihn eindeutig zuzuordnen.

Klee hatte einen sehr individuellen Stil und ist vielleicht der erfinderischste Künstler des 20. Jahrhunderts. Er interpretierte Kunstströmungen auf seine Weise und nutzte innovative Methoden und Techniken. Er arbeitete in mehreren Medien und kombinierte sie manchmal im Stile eines Mixed-Media-Artworks zu einer einzigen Arbeit.

Der Einfluss seines Interesses an der Musik zeigt sich in seinen Werken, die auch seine unterschiedlichen Stimmungen und seinen trockenen Humor zeigen. Klee studierte die Farbtheorie und schrieb ausführlich darüber. Heute ist er als der "Newton der Farbe" bekannt. Paul Klee war eine der einflussreichsten Persönlichkeiten der modernen Kunst und ist einer der bekanntesten deutschen Künstler.

Deutsche Maler im Laufe der Kunstgeschichte

Die Renaissance, geprägt von einem wiedererwachten Interesse an der antiken griechisch-römischen Kultur, keimte im 14. Jahrhundert in Italien auf und hatte sich im folgenden Jahrhundert auch nach Deutschland ausgebreitet. Albrecht Dürer gilt als der größte Künstler der deutschen Renaissance.

Die Romantik entstand Ende des 18. Jahrhunderts als Reaktion auf den Klassizismus und Caspar David Friedrich gilt als die bedeutendste Figur dieser Bewegung.

Der Expressionismus, der zu Beginn des 20. Jahrhunderts in Deutschland seinen Ursprung hatte, hat die moderne Kunstwelt entscheidend mitgestaltet. Deutsche Expressionisten wie Franz Marc und Emil Nolde waren maßgeblich an der Gestaltung der Bewegung beteiligt.

Deutschland prägt weiterhin die zeitgenössische Kunstszene, wobei Künstler wie Anselm Kiefer und Gerhard Richter zu den bedeutendsten zeitgenössischen Künstlern der Welt zählen.

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Top 10: Einflussreichste Maler Deutschlands

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Deutschland hat eine viele Jahrhunderte lange Tradition in der bildenden Kunst. Deshalb gibt es einige Künstler, die einen Platz auf dieser Liste der 10 bekanntesten deutschen Maler verdient hätten. Sieht man sich nur einmal die Entwicklung der Kunstgeschichte an, stellt man fest, wie umfangreich diese Liste eigentlich sein müsste.

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Biografie, Fakten und Wissenswertes zu Albrecht Dürer (21. Mai 1471 - 6. April 1528) - Einer der berühmtesten Künstler aller Zeiten.

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Die Epoche der Renaissance und die Rolle Albrecht Dürers

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Gustav Klimt: Ein Maler, der die Frauen künstlerisch verewigte

Gustav Klimt wird 1862 in Wien geboren. Im Alter von fünfzehn Jahren tritt er in die Wiener Kunstgewerbeschule ein. Eigentlich soll er Zeichenlehrer werden, doch einer seiner Lehrer erkennt sein Talent.

Klimts künstlerische Entwicklung

In seiner Anfangsphase als Maler arbeitet Gustav Klimt mit seinem Bruder Ernst sowie Franz Matsch eng in einer Ateliergemeinschaft zusammen. Sie kreieren Bühnenvorhänge, dekorative Wände und Deckengemälde. Vor allem die Theaterarchitekten Fellner und Helmer erteilen ihnen Aufträge. Sie arbeiten für das Burgtheater und im Kunsthistorischen Museum in Wien.
Bild: Adele Bloch Bauer

1893 beginnt Gustav Klimt, alleine zu arbeiten. Noch vor der Jahrhundertwende entwickelt er seinen unnachahmlichen Stil.

Klimt und die Frauen

Um 1900 erschafft er mit seinen ornamentalen Frauenportraits einen neuen Bildtypus. Byzantinische Muster werden die Grundlage der formelhaften Klimt Ornamente, die er mit Gold, Silber und leuchtenden Farben aufwendig gestaltet.

Die Frauen besetzen nun das Zentrum seiner Kunst. Seine Portraits reichen von historistischen über allegorische und mythologische zu erotischen und klassischen Frauenbildnissen. Wie Judith I (siehe das Foto) zeigt, erhebt Klimt Frauen zu Ikonen.

Klimt und seine Eigenarten

Neben den Frauen liebt Gustav Klimt vor allem Katzen und Blumen. Er besitzt bis zu acht Stubentiger auf einmal und pflegt einen kleinen Blumengarten, den er direkt neben seinem Atelier angelegt hat.

Außerdem mag Klimt gutes Essen und Geselligkeit. Er verspeist bis zu drei Portionen auf einmal. Seine Abende verbringt er gerne in Künstlerkneipen und beim Kegeln.

Klimt zieht sich zurück

Anfang des 20. Jahrhunderts zieht sich der Maler weitgehend vom öffentlichen Leben zurück und arbeitet nun fast nur noch für private Kunden. Der Staat kauft allerdings weiterhin Werke von ihm.

Klimt fördert den Nachwuchs

Im Jahr 1907 kommt der junge Egon Schiele erstmals in Klimts Atelier. Ein Jahr später unterstützt er Oskar Kokoschka und die Expressionisten, die erstmals ihre Werke in Wien ausstellen. Klimts Spätwerk sind Gemälde mit abstrakten und expressionistischen Elementen. Er stirbt am 6. Februar 1918, im Alter von nur 56 Jahren.

-sw- 12.7.02 Abbildungen: Ausstellungskatalog

Hinweis: Im Archiv wurden alle Bilder und Links entfernt

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Gustav Klimt: Ein Maler, der die Frauen künstlerisch verewigte

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Klimts künstlerische Entwicklung In seiner Anfangsphase als Maler arbeitet Gustav Klimt mit seinem Bruder Ernst sowie Franz Matsch eng in einer Ateliergemeinschaft zusammen. Sie kreieren Bühnenvorhänge, dekorative Wände und Deckengemälde. Vor allem die Theaterarchitekten Fellner und Helmer erteilen ihnen Aufträge. Sie arbeiten für das Burgtheater und im Kunsthistorischen Museum in Wien.

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Geschichten schreiben ist eine spannende Sache, auch in der Fremdsprache. Sie werden staunen, wie viel Ihre SchülerInnen sprachlich bewältigen können!

Das Österreich Institut hat - basierend auf Bildern aus österreichischen Filmen - Arbeitsblätter entworfen, die im Unterricht zum Kreativen Schreiben verwendet werden können.

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Geschichten schreiben ist eine spannende Sache, auch in der Fremdsprache. Sie werden staunen, wie viel Ihre SchülerInnen sprachlich bewältigen können! Das Österreich Institut hat - basierend auf Bildern aus österreichischen Filmen - Arbeitsblätter entworfen, die im Unterricht zum Kreativen Schreiben verwendet werden können.

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Bauhaus exiled by the Nazis

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Established in 1919, in the wake of World War One, Germany's Bauhaus art school brought a radical new approach to design and aesthetics which would eventually go on to help inform modernist architecture around the world. Now in its centenary year, we look at a selection of some of the buildings shaped by the influential art school.
The Bauhaus was founded in Weimar by Prussian architect Walter Gropius (1883-1969). While Bauhaus translates as "building house", Gropius didn't want to build only houses; instead, he wanted to create artists who could turn their hands to anything. Students were taught pottery, printmaking, bookbinding, carpentry, typography and advertising. They were encouraged to look at the world around them in a new way, studying in hands-on workshops that were the opposite of the stuffy and elitist lectures of many contemporary design schools.

In 1925, the Bauhaus relocated to the city of Dessau, where Gropius designed a new base for the school. With a steel frame structure and large walls of glass, the building featured many characteristics of modernist architecture.

The Bauhaus aesthetic combined form, function and efficiency and soon became evident in buildings around Germany.

Gropius left the Bauhaus in 1928 and was replaced as director by Hannes Meyer.

With German politics polarising, Meyer soon stood down and was replaced by architect Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969), who began placing greater emphasis on architectural design.

As support for the Nazis grew, the school began to be seen as being at odds with National Socialism and students and teachers fled to a new base in Berlin. When Adolf Hitler became chancellor in 1933, the school was closed down.

Driven into exile, many key figures of the Bauhaus emigrated to countries such as the US and Israel, where their philosophies inspired generations of architects and designers.

One hundred years later, the austere, modernist influence of Gropius and his cohort can continue to be seen in buildings around the world.

The 100 Years of Bauhaus festival runs from 16 to 24 January 2019 at the Berlin Academy of the Arts in Germany.

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Established in 1919, in the wake of World War One, Germany's Bauhaus art school brought a radical new approach to design and aesthetics which would eventually go on to help inform modernist architecture around the world. Now in its centenary year, we look at a selection of some of the buildings shaped by the influential art school.

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Innovative Architektur mit Holz | DW | 08.02.2018

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Schwindende Ressourcen und das wachsende Nachhaltigkeitsempfinden haben dazu geführt, dass Häuser aus Holz wieder gefragt sind. Holz erlebt in der modernen Architektur eine Wiedergeburt als zeitgemäßes Baumaterial.

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Gotische Kathedralen scheinen dem Himmel zuzustreben. Somit symbolisieren sie Gottesnähe. Durch neuartige Bauweise gelang es, die Mittelschiffe enorm hoch zu bauen. Sie wurden mit wuchtigen Kreuzrippen überwölbt. Ein aufwendig gestaltetes Strebewerk leitete das Gewicht der Gewölbe in das Erdreich. Die Marienkirche in Lübeck z.B. besitzt mit ihrem 40 m hohen Mittelschiff das höchste gemauerte Backstein-Kirchenschiff der Welt.

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Gotische Kathedralen scheinen dem Himmel zuzustreben. Somit symbolisieren sie Gottesnähe. Durch neuartige Bauweise gelang es, die Mittelschiffe enorm hoch zu bauen. Sie wurden mit wuchtigen Kreuzrippen überwölbt. Ein aufwendig gestaltetes Strebewerk leitete das Gewicht der Gewölbe in das Erdreich. Die Marienkirche in Lübeck z.B.

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Bodo Wartke - Architektur in Deutschland

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Kultur.21 | Die Baumeister -- Deutsche Architekten weltweit 1

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Kunst des Expressionismus. Wassily Kandinsky.

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Im Max-Ernst-Museum | 18 Kunst | DW Deutsch Lernen

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Spiel das Video noch einmal ab (02:00 - 03:30). Was ist richtig? Wähl aus.

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Max Ernst was born in Bruhl, a place near Cologne, in Germany. He was raised in a strict Catholic family, and both of his parents were disciplinarians who were dedicated to training their children into God-fearing and talented individuals. Although his father was deaf, Ernst learned so much from him, particularly when it comes to painting. In fact, much of his early years were lived under the inspiration of his father who was also a teacher. He was the one who introduced painting to Ernst at an early age.

In 1914, Ernst attended the University of Bonn where he studied philosophy. However, he eventually dropped out of school because he was more interested in the arts. He claimed that his primary sources of interest included anything that had something to do with painting. Moreover, he became fascinated with psychology, among other subjects in school.

Primarily, Ernst's love for painting was the main reason why he became deeply interested with this craft and decided to pursue it later on in his life. During his early years, he became familiar with the works of some of the greatest artists of all time including Claude Monet, Paul Cezanne and Vincent van Gogh. He was also drawn to themes such as fantasy and dream imagery, which were among the common subjects of the works of Giorgio de Chirico.

During World War I, Ernst was forced to join the German Army, and he became a part of the artillery division that exposed him greatly to the drama of warfare. A soldier in the War, Ernst emerged deeply traumatized and highly critical of western culture. These charged sentiments directly fed into his vision of the modern world as irrational, an idea that became the basis of his artwork. Ernst's artistic vision, along with his humor and verve come through strongly in his Dada and Surrealists works; Ernst was a pioneer of both movements.

It was Ernst's memories of the war and his childhood that helps him create absurd, yet interesting scenes in his artworks. Soon, he took his passion for the arts seriously when he returned to Germany after the war. With Jean Arp, a poet and artist, Ernst formed a group for artists in Cologne. He also developed a close relationship with fellow artists in Paris who propagated Avant-Garde artworks.

In 1919, Ernst started creating some of his first collages, where he made use of various materials including illustrated catalogs and some manuals that produced a somewhat futuristic image. His unique masterpieces allowed Ernst to create his very own world of dreams and fantasy, which eventually helped heal his personal issues and trauma. In addition to painting and creating collages, Ernst also edited some journals. He also made a few sculptures that were rather queer in appearance.

In 1920s, influenced by the writings of psychologist Sigmund Freud, the literary, intellectual, and artistic movement called Surrealism sought a revolution against the constraints of the rational mind; and by extension, they saw the rules of a society as oppressive. Surrealism also embraces a Marxist ideology that demands an orthodox approach to history as a product of the material interaction of collective interests, and many renown Surrealism artists later on became 20th century Counterculture symbols such as Marxist Che Guevara. In 1922 Ernst moved to Paris, where the surrealists were gathering around Andre Breton. In 1923 Ernst finished Men Shall Know Nothing of This, known as the first Surrealist painting. Ernst was one of the first artists who apply The Interpretation of Dreams by Freud to investigate his deep psyche in order to explore the source of his own creativity. While turning inwards unto himself, Ernst was also tapping into the universal unconscious with its common dream imagery.

Despite his strange styles, Ernst gained quite a reputation that earned him some followers throughout his life. He even helped shape the trend of American art during the mid-century, thanks to his brilliant and extraordinary ideas that were unlike those of other artists during his time. Ernst also became friends with Peggy Guggenheim, which inspired him to develop close ties with the abstract expressionists.

When Ernst lived in Sedona, he became deeply fascinated with the Southwest Native American navajo art. In fact, the technique used in this artwork inspired him and paved the way for him to create paintings that depicted this style. Thus, Ernst became a main figure of this art technique, including the rituals and spiritual traditions included in this form of art. Pollock, aside from the other younger generations of abstract expressionists, was also inspired by sand painting of the Southwest Native Americans.

Meanwhile, Germany was completely under control by the Nazi Party during the year 1933. In 1937, Hitler was able to gather as much as 16,000 avant-garde artworks that were originally in display in the national museums of Germany. He also ordered to ship about 650 artworks to Munich in preparation for his art exhibition called the Degenerate Art or Degenerate Kunst. Works of many contemporary artist such as Wassily Kandinsky, Marc Chagall, Paul Klee, and Piet Mondrian are included in the exhibition. In the said art exhibition, Ernst had about 2 paintings that were on display. However, these 2 artworks were reported to have disappeared, with the possibility of have been destroyed.

Soon, Ernst decided to leave France and headed to New York to start a new life after becoming interned as a German national thrice. In New York, he joined Piet Mondrian and Marcel Duchamp, who were his fellow avant-garde artists from Europe. With these two artists, Ernst inspired a number of aspiring and professional American artists during that period.

Furthermore, it was in the United States where he met the gallery owner and socialite named Peggy Guggenheim, who eventually became Ernst's third wife. It was Guggenheim who paved the way for Ernst to enter the bustling art scene in New York.

What captivated American artists about Ernst's works was his evident rejection of conventional styles and imageries in painting. These techniques were largely gained from his father's own styles, which he refused to follow in his later works. As young American artists were more interested in fresh and novel approaches to painting, this Ernst's unique style captured the attention of painters who became exposed to his artworks.

In particular, Jackson Pollock was enthralled upon seeing the extraordinary works of Ernst. Hence, the young artist became one of Ernst's followers, among a few others. Specifically, it was Ernst's collage aspects in his paintings that fascinated those who viewed his masterpieces. Additionally, the German artist was able to encapsulate the unconscious with his experimentation with automatic writing and autonomism.

In his later years, he divorced Guggenheim and married Dorothea Tanning, who was a surrealist painter based in Sedona, in Arizona. The couple soon moved to France, in 1953 and settled there. A year after, Ernst receive an award at the Venice Biennale, which was a prestigious awards contest.

Ernst, alongside his wife Tanning, became very active as an artist. They toured to various places throughout the world to learn more about the different art techniques and inspired several artists who witnessed their unique pieces. Over the years there have been many artists associated with Surrealism which continues to exert its influence on art to this day. However, those major figures who were responsible for creating the golden age of Surrealism were Max Ernst, Joan Miro, Salvador Dali and Rene Magritte. In 1976, Ernst passed away, yet his legacy lived on as he continued to become a source of inspiration for artists throughout the world. Along with Persistence of Memory by Salvador Dali, The Son of Man by Rene Magritte, and The Tilled Field by Joan Miro, Ernst's works The Elephant Celebes and The Barbarians have become the iconic images of Surrealism Movement.

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Max Ernst: 50 Famous Paintings Analysis and Biography

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Max Ernst was born in Bruhl, a place near Cologne, in Germany. He was raised in a strict Catholic family, and both of his parents were disciplinarians who were dedicated to training their children into God-fearing and talented individuals. Although his father was deaf, Ernst learned so much from him, particularly when it comes to painting.

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Wann ist ein einzelner Pinselstrich Kunst? Wieso darf ein vermeintlich schlichtes schwarzes Quadrat als Werk im Museum hängen? Ein Erklärungsversuch.

Bei Da Vincis "Mona Lisa" oder Monets "Seerosen" sind sich die meisten einig: Das ist Kunst. Andere Werke, etwa Marcel Duchamps "Fountain", sorgen für mehr Kontroversen. So manches Kunstwerk wurde sogar schon von Reinigungskräften weggeräumt oder "sauber gewischt", weil es als Kunst nicht erkannt wurde.

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Wann ist ein einzelner Pinselstrich Kunst? Wieso darf ein vermeintlich schlichtes schwarzes Quadrat als Werk im Museum hängen? Ein Erklärungsversuch. Bei Da Vincis "Mona Lisa" oder Monets "Seerosen" sind sich die meisten einig: Das ist Kunst. Andere Werke, etwa Marcel Duchamps "Fountain", sorgen für mehr Kontroversen.

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Euromaxx

Mitmachen statt zuschauen: Das ist die Devise in der Ausstellung "Sinnesrausch" im österreichischen Linz. Internationale Künstler haben hier begehbare Installationen erschaffen, die vom Besucher Körpereinsatz fordern.

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Spielplatz für Erwachsene: Begehbare Kunst | DW | 02.06.2019

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Euromaxx Mitmachen statt zuschauen: Das ist die Devise in der Ausstellung "Sinnesrausch" im österreichischen Linz. Internationale Künstler haben hier begehbare Installationen erschaffen, die vom Besucher Körpereinsatz fordern.

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Germany is Europe's Greatest Artistic Nation

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Im März 1909 gründete sich die "Neue Künstlervereinigung München" mit dem vorrangigen Ziel, Kunstausstellungen zu organisieren. Erster Vorsitzender war der Russe Wassily Kandinsky (1866-1944) und zweiter Vorsitzender sein Landsmann Alexej von Jawlensky (1864-1941). Im Jahre 1911 kam es jedoch zu Meinungsverschiedenheiten über künstlerische Auffassungen - für manche waren die Bilder Kandinskys zu abstrakt. Daraufhin erklärten Kandinsky und Marc ihren Austritt. Sie schlossen sich zu einer neuen Künstlergruppe zusammen, die sie „Der Blaue Reiter" nannten.

„Den Namen 'Der Blaue Reiter' erfanden wir am Kaffeetisch in der Gartenlaube in Sindelsdorf. Beide liebten wir Blau, Marc - Pferde, ich - Reiter. So kam der Name von selbst." (W. Kandinsky, in: H. Richter 1977, S. 27)

Nur kurze Zeit später präsentierten sie in der Münchener Galerie Thannhauser eine eigene Ausstellung, auf der Bilder von Wassily Kandinsky, Franz Marc (1880-1916), August Macke (1887-1914), Gabriele Münter (1877-1962) und Henri Rousseau (1844-1910) zu sehen waren. Eine zweite Ausstellung fand im März 1912 in der Münchener Kunsthandlung Goltz statt, an der auch Paul Klee (1879-1940) teilnahm. Im Mai des gleichen Jahres erschien der Almanach Der Blaue Reiter als Programmschrift, in dem aktuelle Beiträge zur Kunst, Musik und Literatur erschienen.

Franz Marc: Träumendes Pferd

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Entstehung 1913, Aquarell, 40 × 47 cm, Solomon R. Guggenheim Museum/New York

Während die Maler der „Brücke" noch am „Stofflichen" und den dinglichen Gegenständen festhielten, wandten sich die Maler des „Blauen Reiters" dem Geistigen zu. Sie sprachen das innere Gefühlsleben an und versuchten beim Betrachter geistige Prozesse in Gang zu bringen. Sie wählten nicht Farbdissonanzen, sondern liebten eher Farbharmonien. Franz Marc versuchte, mit seinen blauen Pferden eine Beziehung zu den Träumen und den Sehnsüchten herzustellen und assoziierte damit beim Betrachter eine geistige Beziehung zu den inneren Prozessen der Natur.

Einen wesentlichen Einfluss auf die Kunsttheorien des Blauen Reiters hatte das 1910 erschienene Buch Kandinskys Über das Geistige in der Kunst. Der Maler hatte eine große geistige Nähe und später auch eine Freundschaft zu dem Komponisten Arnold Schönberg. Er versuchte, eine enge Beziehung zwischen der Malerei und der Musik herzustellen. So wurde er immer wieder durch Konzerte des Komponisten zum Malen seiner drei Gruppen von Bildern angeregt: Die „Impressionen" als äußerer Eindruck von der Natur, die „Improvisationen" als Ausdruck spontaner, innerer Regungen und die „Kompositionen", die nach einem langen inneren Prozess des Schauens entstehen. In dem Kapitel „Wirkung der Farbe" begründete er die Notwendigkeit des geistigen Elementes in der Kunst:

„Wenn man die Augen über eine mit Farben besetzte Palette gleiten lässt, so entstehen zwei Hauptresultate: 1. Es kommt eine rein physische Wirkung zustande, d.h. das Auge selbst wird durch Schönheit und andere Eigenschaften der Farbe bezaubert. Der Schauende empfindet ein Gefühl von Befriedigung, Freude, wie ein Gastronom, wenn er einen Leckerbissen im Munde hat. Oder es wird das Auge gereizt, wie der Gaumen von einer pikanten Speise (...)

Nur die gewohnten Gegenstände wirken bei einem mittelmäßig empfindlichen Menschen ganz oberflächlich. Die aber, die uns zum ersten Mal begegnen, üben sofort einen seelischen Eindruck auf uns aus. So empfindet die Welt das Kind, welchem jeder Gegenstand neu ist. Es sieht das Licht, wird dadurch angezogen, will es fassen, verbrennt sich den Finger und bekommt Angst und Respekt vor der Flamme. Dann lernt es, dass das Licht außer feindlichen Seiten auch freundliche hat, dass es die Dunkelheit verscheucht, den Tag verlängert, dass es wärmen, kochen und lustiges Schauspiel bieten kann. Nach der Sammlung dieser Erfahrungen ist die Bekanntschaft mit dem Lichte gemacht, und die Kenntnisse über dasselbe werden im Gehirn aufgespeichert. Das stark intensive Interesse verschwindet, und die Eigenschaft der Flamme, ein Und nur bei einer höheren Entwicklung des Menschen erweitert sich immer der Kreis derjenigen Eigenschaften, welche verschiedene Gegenstände und Wesen in sich einschließen. Bei hoher Entwicklung bekommen diese Gegenstände und Wesen inneren Wert und schließlich inneren Klang. Ebenso ist es mit der Farbe, die bei niedrigem Stand der seelischen Empfindsamkeit nur eine oberflächliche Wirkung verursachen kann, eine Wirkung, die bald nach beendigtem Reiz verschwindet. Aber auch in diesem Zustand ist diese einfachste Wirkung verschiedener Art. Das Auge wird mehr und stärker von den helleren Farben angezogen und noch mehr und noch stärker von den helleren, wärmeren: Zinnoberrot zieht an und reizt, wie die Flamme, welche vom Menschen immer begierig angesehen wird. Das grelle Zitronengelb tut dem Auge nach längerer Zeit weh, wie dem Ohr eine hochklingende Trompete. Das Auge wird unruhig, hält den Anblick nicht lange aus und sucht Vertiefung und Ruhe in Blau oder Grün. Bei höherer Entwicklung aber entspringt dieser elementaren Wirkung eine tiefergehende, die eine Gemütserschütterung verursacht. In diesem Falle ist
Schauspiel zu bieten, kämpft mit voller Gleichgültigkeit gegen sie. Allmählich wird auf diesem Wege die Welt entzaubert. Man weiß, dass Bäume Schatten geben, dass Pferde schnell laufen können und Automobile noch schneller, dass Hunde beißen, dass der Mond weit ist, dass der Mensch im Spiegel kein echter ist.

2. das zweite Hauptresultat des Beobachtens der Farbe vorhanden, d. h. die psychische Wirkung derselben. Hier kommt die psychische Kraft der Farbe zutage, welche eine seelische Vibration hervorruft. Und die erste, elementare physische Kraft wird nun zur Bahn, auf welcher die Farbe die Seele erreicht." (W. Kandinsky, 1952, S. 59-61)

Die Formen und Farben der Gemälde sind nach Kandinsky Ausdruck der inneren, geistigen Welt des Künstlers, genau wie die Kompositionen eines Musikers. Beim Betrachter (und beim Hörer) lösen die Farben und Formen emotionale und letztendlich geistige Prozesse aus. Die Kunst soll innere Schau und Reflexion bewirken.

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Expressionismus - Geschichte und Merkmale

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Im März 1909 gründete sich die "Neue Künstlervereinigung München" mit dem vorrangigen Ziel, Kunstausstellungen zu organisieren. Erster Vorsitzender war der Russe Wassily Kandinsky (1866-1944) und zweiter Vorsitzender sein Landsmann Alexej von Jawlensky (1864-1941). Im Jahre 1911 kam es jedoch zu Meinungsverschiedenheiten über künstlerische Auffassungen - für manche waren die Bilder Kandinskys zu abstrakt.

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Fokus:-elementare Erlebnisse ins Bild umsetzen-Betrachter emotional bewegen & innerlich ansprechen-Gefühle wahren: Enttäuschung, Trauer, Freude, Müdigkeit, Schmerz und Angst _ Diese Gefühle sollten sich im Bild widerspiegeln.rBildprägung- spontane Pinselführung- kräftige Farben - vorwiegend grobe Formen - dominierende Farben stehen im direkten Kontrast zu den Formen- Reales wird nicht naturgetreu wiedergegeben-  eigene abstrakte Interpretation des Erlebten / des WirklichemIm Mittelpunkt:Landschaftsbilder, Menschen, Städte und TiereArt und Weise:- Hauptsächlich mit Öl - Tuschzeichnungen, Plakative Malerei, Aquarell, Linoleum- und Holzschei

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Fokus:-elementare Erlebnisse ins Bild umsetzen-Betrachter emotional bewegen & innerlich ansprechen-Gefühle wahren: Enttäuschung, Trauer, Freude, Müdigkeit, Schmerz und Angst _ Diese Gefühle sollten sich im Bild widerspiegeln.rBildprägung- spontane Pinselführung- kräftige Farben - vorwiegend grobe Formen - dominierende Farben stehen im direkten Kontrast zu den Formen- Reales wird nicht naturgetreu wiedergegeben-  eigene abstrakte Interpretation des Erlebten / des WirklichemIm Mittelpunkt:Landschaftsbilder, Menschen, Städte und TiereArt und Weise:- Hauptsächlich mit Öl - Tuschzeichnungen, Plakative Malerei, Aquarell, Linoleum- und Holzschei

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Auf den Spuren des Blauen Reiters | Video des Tages

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Gabriele Münters letzte Jahre: Retterin des "Blauen Reiter" | Zwischen Spessart und Karwendel

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KANDINSKY! Der offizielle Film zur weltweiten Ausstellung

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Video zur Hamburger Ausstellung

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CASPAR DAVID FRIEDRICH | der offizielle Film zur Ausstellung in Hamburg

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In English

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Masterpieces Revisited: C.D. Friedrich | Euromaxx

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Cinema and other Art forms

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Video Essay: German Expressionism, Explained

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Skip the first minutes-start at 2.40 to avoid the intro

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Friday Morning Lecture & Tour Series | German Expressionist Art 1905-1937

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The Guardian

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One of the most extensive collections of prints by Otto Dix is to be offered at auction this month in which the German artist's unique perspective of fighting in the first world war and coping with its aftermath is given expression in some of the most poignant images of 20th-century Europe.

The works - which include Dix's early prints and rare, complete portfolios from drypoint etchings to to wood cuts and aquatints - are considered valuable rarities, having been produced only in limited runs.

Because many of his paintings were confiscated and destroyed by the Nazi propaganda ministry, which labelled them "degenerate", the prints, which have survived in far greater number, form the bulk of his work.

"As they were more affordable than his paintings, the prints were more likely to be hanging in private homes rather than galleries and were therefore less likely to be confiscated," Séverine Nackers, the head of prints for Sotheby's Europe, said.

The works, which will be sold by Sotheby's London in a 10-day online auction from 9 March, are with a private European collector who acquired them in the 1960s from Galerie Nierendorf. Its owner, the Berlin ex-banker Karl Nierendorf, was one of Dix's greatest champions and supporters and published about 20 of his prints as well as three portfolios, including Der Krieg, (the war), which is the highlight of the London sale.

Widely considered the most important German portfolio of prints of the 20th century, Der Krieg, which is estimated at £200,000 to £300,000, comprises 50 etchings with drypoint and aquatint. Executed in 1923-24, it chronicles the artist's life on the western front, where he served as a machine gunner for three years, including at the battle of the Somme, offering him an angle of vision he would adopt as his own for life.

"He lived mainly underground, in dugouts, and you see he is always looking at everything from this perspective, looking down rather than up - even after the war this is the perspective from which he viewed the world," Nackers said.

"His mantra was that artists should not look away and he never did, because he did not want the horrors of war and its after-effects to be repeated."

No artist, wrote a critic in the Süddeutsche Zeitung newspaper at the time, was able to approximate Dix's ability to convey "the apocalyptic face and the naked grimace of war".

One series in the portfolio offers a documentary study of what his military unit might have seen as they waded through the carnage of mud and corpses, weighed down by their equipment. He also depicts the squalor of life in the dark, dank dugouts and the effects of poison gas. Images that convey the absurdities of war - such as soldiers firing at the moon after being ordered to keep up the attack come what may - are something of a Dix trademark.

Ian Jeffrey from the Archive of Modern Conflict, which has advised Sotheby's on the collection, has said although Dix sketched and drew at the front, he mainly worked from memory. He was likely inspired by Goya, whose series of early 19th century prints, The Disasters of War, have an equally powerful ethical dimension.

The Tamer by Otto Dix. Photograph: Lost Art Koordinierungsstelle Ma

Jeffrey points out that Dix's preoccupation with using "murky aquatint" was based on his first-hand experience of "the theatre of war [being] poorly and oddly lit by carbide lamps, by moonlight and by Verey flames". They in turn illuminated the horrors such as the exploded corpses of men and horses.

Significantly, Der Krieg also goes beyond the scene of the battlefield to show the collateral damage, depicting a woman driven mad by the grief of losing a child. Dix's view extends to post-war Dresden, where he witnessed first-hand after being demobilised the shattered lives of veterans, such as the amputee forced to sell matchsticks who was ignored by passersby except for a dog, which urinates on his stump.

He depicted prostitutes and sex killers, the excess, ecstasy and garishness of Weimar Germany, abandoning a brief foray into romantic fantasy in favour of harsh reality. Relief of sorts, comes in Zirkus, his drypoint set of circus prints in which the relative glamour of the famous Sarrasani Circus, based in Dresden, is a welcome contrast to the grimness of city life. But even here death is not far away, in the Death Defiers and the Lion Tamer, and in the aloof and steely expressions on the faces of the performers.

Dix's rare woodcuts, described as among the most optimistic of his works, capture the dynamism of city life, in the crackle and fizz of the electric tram, whose passengers shout to be heard above the din. In Noise of the Street, he even manages to evoke a note of romance, albeit referring to life's brevity in a caption from the composer Franz Liszt's lied O Love as Long as You Can Love.

Dix only began his formal training as an artist after the end of the war. Often considered too honest and shocking, he was adopted by the anti-war movement but his exhibited works frequently had to be taken down in response to protests long before the rise of the Nazis.

Martin Dammann, a painter and member of the Archive of Modern Conflict, describes Dix as "a unique figure in the art of the 20th century" as the only visual artist who survived the first world war and then transformed his trauma into his works.

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Otto Dix's 'apocalyptic' depictions of life on western front up for auction

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One of the most extensive collections of prints by Otto Dix is to be offered at auction this month in which the German artist's unique perspective of fighting in the first world war and coping with its aftermath is given expression in some of the most poignant images of 20th-century Europe.

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Deutsche Welle

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Seine Karriere begann er mit einer Irritation. Im Jahr 1969 reiste der 24-jährige Kunststudent durch Europa und machte Fotos. Darauf zu sehen: Anselm Kiefer, der den Arm zum Hitlergruß erhob. So posierte er in einer Badewanne in seinem Atelier, vor dem Kolosseum in Rom, vor einer Meeresbrandung in Spanien, vor einem Reiterdenkmal in Montpellier, auf dem Vesuv in Italien oder vor den Ruinen Pompejis. Über diese legendäre Fotoserie "Besetzungen", die er später in dem Kunstmagazin "Interfunktionen" veröffentlichte, schrieb er: "Zwischen Sommer und Herbst 1969 habe ich die Schweiz, Frankreich und Italien besetzt."
Anselm Kiefer besetzte Europa mit seiner Kunst
In diesen Aufnahmen inszeniert sich der junge Mann mit schütterem Haar und Nickelbrille in einer Fantasieuniform mit Reiterstiefeln. Hitlers Geste der Eroberung lächerlich zu machen, war 1969 noch ein Novum. Anselm Kiefer handelte sich prompt den Vorwurf ein, "Post-Faschist" zu sein.

Kiefers Kunstinszenierung kam nicht überall gut an

Anselm Kiefer ist Friedenspreisträger des Deutschen Buchhandels und einer der gefragtesten Künstler der Welt. Er stellt in den bedeutendsten Museen zwischen Deutschland und Japan aus. Und er ist der Repräsentant einer Generation, die sich schon früh kritisch mit Nazi-Deutschland und der eigenen Herkunft auseinandersetzte. Er ist unbequem als Künstler. Einer, der tief bohrt - so tief, bis es wehtut.
Kiefer und die Nazi-Zeit
Kiefer, der am 8. März 1945, zwei Monate vor der offiziellen Kapitulation Deutschlands, im schwäbischen Donaueschingen zur Welt kam, trug immer schwer an der Last des Krieges. Als er nach seinem Studium an der Kunsthochschule in Karlsruhe und an der Kunstakademie Düsseldorf bei Joseph Beuys damit anfing, Kunstwerke der Öffentlichkeit zu präsentieren, ging es ihm auch darum, eine persönliche Schuldfrage zu klären: seine eigenen Verstrickungen in den Nationalsozialismus. Kiefer wollte für sich selbst herausfinden, welche Spuren die Nazi-Zeit bei ihm hinterlassen hatte. Vergangenheitsbewältigung, die germanische sowie antike Mythologie und später auch die jüdische Mystik sind bis heute seine Leitthemen. Seine Gemälde - meist große Formate - verwandelt er mit Feuer und Stroh in Landschaften der Verwüstung - Anspielungen auf die deutsche Geschichte.

Anselm Kiefer bei der Arbeit
Vergangenheitsbewältigung
Der Künstler ist vielleicht der erste seiner Generation, der die Nazivergangenheit in der Kunst so explizit zum Thema machte. Es ist sein persönliches Anliegen herauszufinden, was passiert ist. In den Schulen handele man das Thema in einem Halbjahr ab - das reiche nicht, hat Kiefer einmal in einem Interview gesagt. Er will wissen, wie er sich selbst verhalten hätte. In den 1970er Jahren schuf er eine Serie heroischer Sinnbilder: Landschaftsbilder aus verbrannter Erde oder verkohlten Büchern, die an die Schrecken und Verwüstungen des Zweiten Weltkriegs erinnern sollten. In seinen Zeichnungen beruft er sich auf Mythen oder die jüdische Kabbala.
Destruktive Energie und heilende Kraft
Mit seiner Kunst stemmt sich Kiefer den Einflüssen des Abstrakten Expressionismus genauso entgegen wie denen der Pop Art oder des Minimalismus. Stattdessen entwickelte er früh eine eigene Bildsprache, die stark von seinem Lehrer Joseph Beuys beeinflusst war. Anders als Beuys, der auf die Kraft von Fett und Filz setzte, verwendet Anselm Kiefer Blei, Erde und archaische Materialien. Die Schwere dieser Materialien verleiht seinen Werken eine Aura von Melancholie und Destruktivität. Andererseits glaubt Kiefer an die heilende Kraft der Kunst.

Kiefers Skulptur "Book with Wings" ist ein Symbol der Hoffnung

Wie ein Alchemist bringt er in seinen Vitrinen - die er auch immer in seinen zahlreichen Ausstellungen präsentiert - Steine, Metalle oder Pflanzen zusammen. Gesellschaftliches Engagement, wie es sein Lehrer Joseph Beuys für die Partei der Grünen zeigte, lehnt Kiefer allerdings ab.
Erfolg zunächst in den USA
Anselm Kiefers Erfolg ließ nicht lange auf sich warten. Doch gefeiert wurde der Künstler zunächst in den USA. Im Deutschland der 1970er Jahre war die Zeit für eine Konfrontation mit der Vergangenheit offensichtlich noch nicht reif. Lieber die Augen verschließen, anstatt das Verdrängte aufzuarbeiten, lautete das Diktum auch in der Kunst. 1980 vertrat Kiefer die Bundesrepublik dann aber im Deutschen Pavillon der Biennale von Venedig. Dreimal wurde er ab 1982 auf die Weltkunstschau Documenta in Kassel eingeladen.

Der Kölner Galerist Michael Werner entdeckte ihn schon in den 1970er Jahren für sich und unterstützte seine Karriere auf dem Kunstmarkt. Anselm Kiefer lebte in dieser Zeit lieber weitab vom Trubel des Betriebs. Er zog sich 1971 zum Arbeiten und Leben in den Odenwald zurück, seit 1993 lebt er in Südfrankreich. Das Herrenhaus in Barjac in Languedoc-Roussillon ist umgeben von einem 35 Hektar großen Anwesen, auf dem 51 Häuser stehen - dort bringt Kiefer seine Bilder und Skulpturen unter.

Für seien Werke braucht Anselm Kiefer viel Platz
Franzosen verehrten Kiefer
Die Franzosen verehren den Deutschen, auch weil er sich in ihrem Land niedergelassen hat. Immer wieder schaffen sie Platz in ihren Museen, um seine großformatigen Installationen und Gemälde zu präsentieren. 2015 richtete ihm das Centre Pompidou eine derart umfangreiche Retrospektive seines Werks aus, wie es sie seit 30 Jahren nicht mehr gegeben hatte. In einer Ansprache anlässlich der Vorstellung seiner Werkserie "Europa" sagte er, er sei im Ausland besser angesehen als im Inland. Aber auch wenn ihm Kritiker vorwerfen, er sei zu monumental und mythologisch zu überfrachtet, so ist Kiefer ein Künstler, der mitgeholfen hat, Deutschland in der Nachkriegszeit wieder auf der internationalen Landkarte zu verorten.

Das sieht auch Bundespräsident Walter Steinmeier so, der Anselm Kiefer zum 75. Geburtstag einen Brief schrieb: Seine Werke nähmen "ohne Übertreibung einen singulären Platz" in der Kunst der Gegenwart ein, lobte Steinmeier den Künstler.

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Künstler des großen Formats: Anselm Kiefer zum 75. | DW | 07.03.2020

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Seine Karriere begann er mit einer Irritation. Im Jahr 1969 reiste der 24-jährige Kunststudent durch Europa und machte Fotos. Darauf zu sehen: Anselm Kiefer, der den Arm zum Hitlergruß erhob. So posierte er in einer Badewanne in seinem Atelier, vor dem Kolosseum in Rom, vor einer Meeresbrandung in Spanien, vor einem Reiterdenkmal in Montpellier, auf dem Vesuv in Italien oder vor den Ruinen Pompejis.

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Vandalismus oder Message? Sprayer greifen zur Dose, wenn sie einem breiten Publikum eine politische Botschaft an gut sichtbaren und öffentlichen Orten vermitteln wollen. Jüngst ist der Band „Politisches Graffiti" in der Reihe „Kunst und Politik" der Guernica-Gesellschaft erschienen. René Kästner und Sven Niemann diskutieren über Graffiti als Werkzeug der politischen Agency.

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URBAN NATION MUSEUM FOR URBAN CONTEMPORARY ART

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Willkommen bei URBAN NATION - dem Museum für Street Art, Graffiti und Urban Contemporary Art in Berlin. Entdecke jetzt URBAN NATION!