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Itinéraire de la création féminine à Paris

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Itinéraire de la création féminine à Paris

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Vous voici sur le site du Matrimoine Parisien dont l'objectif est de cartographier les créations féminines de la ville de Paris.

Qu'est ce que le matrimoine ?

Du latin mater (mère), le matrimoine désigne l' héritage des mères. Le mot est créé sur le même modèle que le patrimoine. Il désigne comme lui nos souvenirs des créations du passé mais se concentre sur les réalisations de femmes.

Contrairement à la croyance commune, il ne s'agit pas d'une invention issue des mouvements féministes : le mot existe depuis le Moyen Âge ! Transformée, oubliée puis effacée, la notion de matrimoine refait surface depuis quelques dizaines d'années.

" Car le prétendu néologisme n'en est pas un et l'histoire de son existence suivie de celle de son effacement révèle tout un programme "
Ellen Hertz, " Le Matrimoine ", dans Gonseth, Hainard et Kaehr, Le musée cannibale, 2002, p 154

Pourquoi parler de matrimoine ? Question légitime puisque dans le sens commun le patrimoine comprend aussi la création féminine. Mais dans les faits, on constate une différence de traitement et de reconnaissance due au genre du créateur ou de la créatrice. Cette inégalité nécessite une valorisation particulière de la partie oubliée du patrimoine.

" Pourquoi n'y a-t-il pas eu de grands artistes femmes ? "
Linda Nochlin, Artnews, 1971

Cette question provocatrice d'une historienne de l'art américaine pointe du doigt les processus d'invisibilisation du matrimoine. On entend par là le fait de rendre " invisible ", c'est à dire de ne pas considérer, donner une légitimité, ou s'intéresser à ces femmes. Alors que l'on sait qu'il existe des artistes femmes ou des femmes qui " font " l'histoire, leurs apports sont minimisés.

On voit par exemple que l'histoire de l'art (re)connaît trop peu d'artistes femmes. Elles sont trop souvent reléguées derrière les grands noms masculins. Les Dora Maar, Lee Miller, Camille Claudel sont encore souvent oblitérées par les Picasso, Man Ray ou Rodin.

Le monde culturel dans son ensemble prend conscience depuis quelques années du manque d'égalité genrée : le cinéma, la bande-dessinée, le théâtre ou la musique sont régulièrement remis en cause sur le sujet.

" L'image des femmes dans les productions culturelles oscille la plupart du temps entre stéréotypes et invisibilité. "
Rapport du Haut Conseil à l'Égalité entre les femmes et les hommes, janvier 2018, p3.

Les chiffres confirment cette inégalité dans la reconnaissance. L'observatoire de l'égalité entre femmes et hommes dans la culture et la communication a démontré qu'en 2011 seulement 24 % des acquisitions des FRAC (Fond Régional d'Art Contemporain) ont été produites par des femmes. Le chiffre est encore plus bas en 2018, avec seulement 22 %. Le Haut Conseil à l'Égalité dénonce également ces inégalités de traitements dans son rapport de janvier 2018. Il révèle notamment la part élevée d'étudiantes en art qui contraste drastiquement avec la part d'artistes femmes récompensées.

Capture d'écran du rapport du Haut Conseil à l'Égalité entre les femmes et les hommes, janvier 2018, p3.

Comment expliquer ces inégalités ? Plusieurs facteurs s'entremêlent pour expliquer l'invisibilisation des artistes femmes. Stéréotypes et obligations sociales et familiales pèsent sur toutes les travailleuses et les empêchent de développer leur carrière.

On note aussi un moindre intérêt pour les artistes femmes au sein des instances qui font l'art et la culture, souvent en majorité composées d'hommes. Elles reçoivent moins de commandes publiques ou privées, sont moins commentées, étudiées, achetées ou exposées. Cette situation précaire décourage grand nombre de créatrices qui abandonnent leur carrière.

" Le plus souvent dans l'histoire, " anonyme " était une femme "
Virginia Woolf

De plus un manque de documentation nous fait passer à côté de créatrices qui ne sont pas assez connues ou malheureusement pas identifiées.

Le site

Une carte de la création féminine

Le Matrimoine Parisien est une initiative cherchant à participer à la valorisation et à la documentation de la création féminine. Constitué d'une carte interactive, ce projet étudiant répertorie le matrimoine présent sur le territoire parisien.

Il s'agit de visualiser dans l'espace de la ville la part des femmes, c'est à dire ce que les artistes, architectes, collectionneuses ou philanthropes femmes ont apporté au paysage artistique et culturel urbain. Excluant les œuvres conservées dans les musées, il s'intéresse uniquement aux lieux et aux créations préservées sur le territoire.

Le matrimoine que vous trouverez sur la carte est classé en cinq catégories (des architectures, des oeuvres picturales, des sculptures, des ateliers, et des lieux d'art et de culture). Certains points sont enrichis d'informations sur l'oeuvre et sa créatrice.

Mettez des noms féminins dans votre ville !

Grâce à cette carte nous voulons vous permettre d'identifier les statues ou les immeubles de vos quartiers dont vous ne soupçonniez pas les autrices. Ainsi, vous pourrez découvrir la richesse et la qualité de la création féminine dans chaque arrondissement parisien.
En bref ce site vous sensibilise au matrimoine au travers d'une balade dans Paris !
Sources :

HF Ile de France

Ellen Hertz, " Le Matrimoine ", dans Gonseth, Hainard et Kaehr, Le musée cannibale, 2002, p 153 - 168

Le Matrimoine Culturel sur Wikipedia

L'observatoire de l'égalité entre femmes et hommes dans la culture et la communication 2013 et 2018

Rapport du Haut Conseil à l'Egalité entre les femmes et les hommes, janvier 2018

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Vous voici sur le site du Matrimoine Parisien dont l'objectif est de cartographier les créations féminines de la ville de Paris. Qu'est ce que le matrimoine ? Du latin mater (mère), le matrimoine désigne l'héritage des mères. Le mot est créé sur le même modèle que le patrimoine.

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Attention les amis ! Nous nous efforçons d'être précis, mais la situation particulière nous oblige à quelques ajustements. Alors vérifiez que les lieux soient bien ouverts avant de vous y rendre.

Yves Saint Laurent ouvre son tout premier café, accolé à sa boutique rue Saint-Honoré. On reste sceptique quant à ce concept haute mouture.

Pour qui ? Pour les amoureux de Saint Laurent plus que du café, qui veulent se payer un goûter siglé.
Plat culte ? Le cookie gluten free de la boulangerie Chambelland.

Le coffee shop concept est à la mode. Et vice versa, avec le lancement mi-septembre 2019, en marge de la Fashion Week, du premier café Yves Saint Laurent. Juste à côté de la boutique Saint Laurent rive droite - qui a remplacé Colette - se dresse désormais un comptoir marbré full black pour emporter son petit noir.

Derrière le zinc, un duo de potes peroxydés, très à l'aise dans leur rôle de barista models, et opé pour faire défiler les produits à la carte sur fond de musique électronique. Sous les néons blancs et rouges se font ainsi remarquer les cookies sans gluten de la boulangerie Chambelland (3,50 €), mais un peu moins les croissants de la Maison d'Isabelle (3,50 €), vendus comme "les meilleurs de Paris 2018", promis croustillants mais en réalité plutôt mous.

On aimerait vous dire qu'on a bu la tasse en voyant le service de deux cups en marbre vendu 995 €, mais l'un des tauliers nous a déconseillé de boire dedans, sous peine de les abîmer. Alors on se contente de prendre un double espresso "70 % arabica", torréfié à la Brûlerie de Varenne, dans un gobelet en carton (5,50 €). Sur celui-ci, on retrouve en bonus un QR code à scanner, renvoyant directement vers une playlist musicale, "sélectionnée chaque semaine par le directeur artistique Anthony Vaccarello lui-même", selon nos baristas.

Alternatives possibles ? Les jus frais à l'orange, aloe vera, amande ou carotte (6,50 €), ou encore les thés, vert, noir, blanc ou rooibos, voire matcha (5 €). À boire (correctement) et à manger (moyennement), donc.
Chez Time Out, tous les établissements sont testés anonymement par nos journalistes, en payant l'addition à chaque fois, comme n'importe quel client !

Par Guillaume Blot

Publié :

Transport

Métro : Pyramides

Prix

Espresso 4,50 €. Americano 5 €. Cappuccino 5,50 €. Thé 5 €. Jus frais 6,50 €. Croissant et cookie 3,50 €. Chouquettes 4,50 €.

Heures d'ouverture

Ouvert tous les jours 8h-19h30 (11h-19h dimanche)

Vous êtes propriétaire de ce commerce ?

Yves Saint Laurent ouvre son tout premier café, accolé à sa boutique rue Saint-Honoré. On reste sceptique quant à ce concept haute mouture.

Pour qui ? Pour les amoureux de Saint Laurent plus que du café, qui veulent se payer un goûter siglé.
Plat culte ? Le cookie gluten free de la boulangerie Chambelland.

Le coffee shop concept est à la mode. Et vice versa, avec le lancement mi-septembre 2019, en marge de la Fashion Week, du premier café Yves Saint Laurent. Juste à côté de la boutique Saint Laurent rive droite - qui a remplacé Colette - se dresse désormais un comptoir marbré full black pour emporter son petit noir.

Derrière le zinc, un duo de potes peroxydés, très à l'aise dans leur rôle de barista models, et opé pour faire défiler les produits à la carte sur fond de musique électronique. Sous les néons blancs et rouges se font ainsi remarquer les cookies sans gluten de la boulangerie Chambelland (3,50 €), mais un peu moins les croissants de la Maison d'Isabelle (3,50 €), vendus comme "les meilleurs de Paris 2018", promis croustillants mais en réalité plutôt mous.

On aimerait vous dire qu'on a bu la tasse en voyant le service de deux cups en marbre vendu 995 €, mais l'un des tauliers nous a déconseillé de boire dedans, sous peine de les abîmer. Alors on se contente de prendre un double espresso "70 % arabica", torréfié à la Brûlerie de Varenne, dans un gobelet en carton (5,50 €). Sur celui-ci, on retrouve en bonus un QR code à scanner, renvoyant directement vers une playlist musicale, "sélectionnée chaque semaine par le directeur artistique Anthony Vaccarello lui-même", selon nos baristas.

Alternatives possibles ? Les jus frais à l'orange, aloe vera, amande ou carotte (6,50 €), ou encore les thés, vert, noir, blanc ou rooibos, voire matcha (5 €). À boire (correctement) et à manger (moyennement), donc.
Chez Time Out, tous les établissements sont testés anonymement par nos journalistes, en payant l'addition à chaque fois, comme n'importe quel client !

Par Guillaume Blot

Publié :

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Café Saint Laurent | Restaurants à 1er arrondissement, Paris

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Attention les amis ! Nous nous efforçons d'être précis, mais la situation particulière nous oblige à quelques ajustements. Alors vérifiez que les lieux soient bien ouverts avant de vous y rendre. Yves Saint Laurent ouvre son tout premier café, accolé à sa boutique rue Saint-Honoré. On reste sceptique quant à ce concept haute mouture.

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Du 01.10.2020 au 14.03.2021

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Palais Galliera | Musée de la mode de la Ville de Paris

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{Gauche} Robe, automne-hiver 1964-1965 ; Paris, Palais Galliera / {Droite} Robe, printemps-été 1959 ; Paris, Patrimoine de CHANEL - © Julien T. Hamon

À la faveur de sa réouverture après des travaux d'extension, le Palais Galliera, musée de la Mode de la Ville de Paris, présente la première rétrospective en France d'une couturière hors normes : Gabrielle Chanel (1883-1971).

Dans ces années où Paul Poiret domine la mode féminine, Gabrielle Chanel, va dès 1912, à Deauville, puis à Biarritz et Paris, révolutionner le monde de la couture, imprimer sur le corps de ses contemporaines un véritable manifeste de mode.

Chronologique, la première partie évoque ses débuts avec quelques pièces emblématiques dont la fameuse marinière en jersey de 1916 ; elle invite à suivre l'évolution du style de Chanel à l'allure chic : des petites robes noires et modèles sport des Années folles jusqu'aux robes sophistiquées des années 30. Une salle est consacrée au N°5 créé en 1921, quintessence de l'esprit de " Coco " Chanel.

En regard du parcours articulé en dix chapitres, dix portraits photographiques de Gabrielle Chanel ponctuent la scénographie et affirment combien la couturière a incarné sa marque. Puis vient la guerre, la fermeture de la maison de couture ; seule subsiste à Paris au 31, rue Cambon la vente des parfums et des accessoires. Viennent ensuite Christian Dior et le New Look, ce style corseté qu'elle conteste ; Gabrielle Chanel réagit avec son retour à la couture en 1954 et, à contre-courant, réaffirme son manifeste de mode.

Thématique, la seconde partie de l'exposition invite à décrypter ses codes vestimentaires : tailleur en tweed gansé, escarpin bicolore, sac matelassé 2.55, couleurs noir et beige bien sûr, mais aussi rouge, blanc et or... sans oublier les bijoux fantaisie et de haute joaillerie indispensables à la silhouette de Chanel.

Gabrielle Chanel. Manifeste de mode occupe une surface de près de 1 500 m2 - dont les nouvelles galeries ouvertes en rez-de-jardin. Sur un parcours jalonné de plus de 350 pièces issues des collections de Galliera, du Patrimoine de CHANEL, de musées internationaux - le Victoria & Albert Museum de Londres, le De Young Museum de San Francisco, le Museo de la Moda de Santiago du Chili, le MoMu d'Anvers... - et de collections particulières, cette exposition est une invitation à découvrir un univers et un style intemporels.

Informations pratiques

Tarifs:

** PENDANT VOTRE VISITE :- Présentez un justificatif datant de moins de 3 mois (moins de 6 mois pour les demandeurs d'emploi) pour bénéficier du tarif réduit ou de la gratuité} rivilégier le paiement sans contact. De 14€ (plein tarif) à 12€ (tarif réduit)

MESURES ANTI-COVID :

* AVANT VOTRE VISITE, vous devez impérativement réserver votre billet (même gratuit) sur www.billetterie-parismusees.paris.fr
Attention! Certains créneaux sont déjà complets!
*Pour toute question/réclamation au sujet de la billetterie, veuillez adresser un mail à: parismuseesquestions.billetterie@paris.fr

{ >>
Consultez ici la grille des tarifs dans les musées de la Ville de Paris- Tous les moyens de paiement sont acceptés. Toutefois, merci de de p

Accessible aux personnes handicapées:

- Personnes à Mobilité Réduite (PMR)
- Personnes sourdes et malentendantes
- Personnes non - et malvoyantes
- Personnes en situation de handicap mental

Billetterie:

Accès billetterie

Information:

Conformément aux directives gouvernementales, le Palais Galliera est fermé jusqu'à nouvel ordre. Nous espérons vous retrouver très bientôt.

Exposition temporaireDu 01.10.2020 au 14.03.2021Palais Galliera, musée de la mode de la Ville de Paris10, Avenue Pierre Ier de Serbie 75116 ParisTél : 01 56 52 86 00 : * Métro Iéna ou Alma-Marceau (ligne 9)* Bus : lignes 32, 63, 82 (arrêt Iéna) / lignes 42, 72, 80, 92 (arrêt Alma-Marceau)* Vélib' : 4 rue de Longchamp, 1 rue Bassano, 2 avenue Marceau : : Le musée est fermé le lundi.L'exposition sera également fermée le 25 décembre et le 1er janvier.Une femerture anticipée peut être appliquée les autres jours fériés. GABRIELLE CHANEL. MANIFESTE DE MODE

> COMMENT VENIR AU MUSÉE ?
Accès / Transports

> HORAIRES :
Ouvert
* Du mardi au dimanche de 10h à 18h
* La fermeture du musée et de la librairie-boutique débute à 17h15.
Nocturnes :
* 2 Noctunes le jeudi et le vendredi jusqu'à 21h (ou 20h en cas de couvre-feu)
* La fermeture du musée et de la librairie-boutique débutera donc à 20h15 (ou 19h15 en cas de couvre-feu).
Jour de fermeture / jours fériés *
*
* > SERVICES / ACCESSIBILITY :
Soucieux de votre confort, le Palais Galliera vous propose un ensemble de services afin de vous garantir une visite de qualité.

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#expoCHANEL

> PLAN VIGIPIRATE
Pour assurer votre sécurité, Ie Palais Galliera applique les mesures de sécurité mises en place par les autorités françaises à la suite des attentats de 2015:
* Les contrôles sont renforcés à l'entrée du musée. Nous vous remercions de bien vouloir vous y soumettre dans l'intérêt de tous.
* Tout bagage excédant 45x36x20 cm est interdit.
* Le service de sûreté du musée peut être amené à prendre les dispositions qu'il jugera utile, sans information préalable.

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Dans ces années où Paul Poiret domine la mode féminine, Gabrielle Chanel, va dès 1912, à Deauville, puis à Biarritz et Paris, révolutionner le monde de la couture, imprimer sur le corps de ses contemporaines un véritable manifeste de mode.

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Du 5 octobre 2020 au 2 mai 2021

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À la suite de " Dix mille ans de luxe ", conçue en partenariat avec le Louvre Abu Dhabi en 2019, le Musée des Arts Décoratifs présente " Luxes ". L'exposition propose un voyage à travers le temps et la géographie, alliant des moments de contemplation et des scansions plus monumentales, offrant à chacune des 100 œuvres présentées l'espace le plus pertinent pour la délectation et la compréhension.

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HARPER’S BAZAAR, PREMIER MAGAZINE DE MODE

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HARPER’S BAZAAR, PREMIER MAGAZINE DE MODE

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du 28 février 2020 au 3 janvier 2021

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"Harper's Bazaar, premier magazine de mode" : interview de Glenda Bailey et Olivier Gabet

Lancé en 1867 à New York par Harper & Brothers, Harper's Bazaar s'adresse aux femmes afin de les instruire en matière de mode, de société, d'art et de littérature. Inscrit dans la tradition des gazettes de mode européennes, il présente l'originalité d'un engagement pour la cause féminine. Sa première rédactrice, Mary Louise Booth est suffragiste, abolitionniste et partisane de l'Union lors de la guerre civile américaine. La francophilie de cette femme de lettre rejaillit dans toute l'histoire du magazine. Au XX e siècle, Picasso, Cocteau, Matisse font partie des nombreux artistes français dont le magazine s'entoure. Bazaar consacre également des articles aux figures de l'École Américaine telles Jackson Pollock, Franck Stella ou William Burroughs.

C'est aussi une revue littéraire de portée internationale qui accueille les écrits de Colette, Simone de Beauvoir, Françoise Sagan, Jean Genet, André Malraux tout en accordant aux écrivains de langue anglaise une attention primordiale : Charles Dickens, Virginia Woolf, Patricia Highsmith, Truman Capote ou encore Carson McCullers ont écrit dans Bazaar.

Au-delà du contenu, c'est l'aspect esthétique de la composition graphique qui constitue la richesse du magazine. L'équilibre entre les images de mode et l'acuité de sa critique font de Harper's Bazaar une référence de l'histoire du graphisme et de la mode. Les grands couturiers et couturières : Charles-Frederick Worth, Paul Poiret, Jeanne Lanvin, Madeleine Vionnet, Elsa Schiaparelli, Christian Dior, Cristobal Balenciaga doivent une part de leur mythe au rayonnement de Bazaar.

Givenchy, par Clare Waight Keller, robe courte, collection prêt-à-porter, printemps-été 2019

Crêpe de soie rebrodée de sequins argentés

Déployée sur les deux niveaux des galeries de la mode, l'exposition chronologique et thématique propose une immersion dans le magazine en plaçant des robes face à leur publication originale très agrandie. Le cheminement souligne la contribution de Harper's Bazaar à l'évolution de la silhouette depuis 150 ans et raconte comment ces images de magazine se sont construites. L'exposition intègre, en effet, croquis, photos et patrons qui ont précédé l'image de mode et nourri son inspiration.

Le parcours s'ouvre sur un bref rappel de l'histoire des périodiques de mode au XVI e siècle. Mary L. Booth, première rédactrice en chef en 1867, donne le ton du magazine et introduit les créations du couturier parisien Charles-Frederick Worth très appréciées par les clientes fortunées américaines. Le magazine prend part à l'évolution des styles en témoignant successivement du goût de l'Art nouveau, puis de l'orientalisme des Ballets russes et de Paul Poiret qui inspire les couvertures que dessine Erté dans les années folles. C'est à cette époque que les photographies du baron Adolphe de Meyer orientent le magazine vers une esthétique photographique que plus tard George Hoyningen-Huene ou George Platt-Lynes teintent de surréalisme, à l'unisson des illustrations de Cassandre paraissant en couverture. Ce style répond aux créations d'Elsa Schiaparelli ou de Madeleine Vionnet donnant à la mode une dimension métaphysique et antique.

L'accent est mis sur l'importance de la "sainte trinité" qui, dans les années 1930, fait de Bazaar un magazine de luxe avant-gardiste : Carmel Snow - rédactrice en chef s'allie le talent d'Alexey Brodovitch - directeur artistique - et de Diana Vreeland - chroniqueuse de mode. Vreeland s'impose en styliste photographique ouvrant le magazine aux grands espaces et aux corps ensoleillés que Louise Dahl-Wolfe saisit en couleur Kodachrome.

Carmel Snow introduit de grands noms de la photographies tels Man Ray puis Richard Avedon, en accord parfait avec les tendances de mode : le lyrisme d'Avedon se prête à l'envolée des robes du soir d'après-guerre. Elle baptise aussi la première collection "New Look" de Christian Dior en 1947 initiant un véritable Âge d'or. Cependant, les années 1950 remettent en question Bazaar tel que le montre le film Funny Face avec Audrey Hepburn en premier rôle. L'heure est à l'existentialisme et déjà aux premières illustrations d'Andy Warhol. L'évolution de Richard Avedon et les nouvelles ressources optiques photographiques conduisent à la révolution Pop et Op du fameux numéro futuriste d'avril 1965.

Peter Lindbergh, novembre 1992

© Peter Lindbergh (courtesy Peter Lindbergh, Paris)

À sa suite, le photographe Hiro fait de la mode un champ d'expérimentations en s'inspirant de l'art cinétique et en combinant films couleurs et flashs. Auras, distorsions, irisations des clichés des années 1970 se reflètent aussi dans la création de mode colorée et brillante des années DDD : Disco, Dallas et Dynastie donnent le ton du Bazaar des années 1980 dirigé par Mazolla marquées par la présence en couverture des portraits de célébrités du Star Système photographiées en ektachrome et en plan très rapproché. En 1992, Liz Tilberis, rédactrice en chef, et Fabien Baron, directeur artistique, renouent avec l'élégance classique du magazine grâce à une refonte de sa typographie et au choix d'une esthétique affirmée. Linda Evangelista et Kate Moss sont mises en lumières par Patrick Demarchelier ou Peter Lindbergh.

Avec l'arrivée de Glenda Bailey en 2001, en tant que rédactrice en chef, accompagnée par Stephen Gan et Elisabeth Hummer - directeurs artistiques, le magazine se fait spectacle et s'ouvre à la fantaisie. Les photographes tels Jean-Paul Goude ou Simon Procter sont meneurs de revue. L'heure est au backstage, aux coulisses, aux grandes compositions photographiques et aux ambitieuses prises de risque. La beauté et l'éclat du magazine s'accompagnent néanmoins d'un grand respect pour son histoire.

Cette exposition est la première consacrée à un magazine de mode qui ne se limite pas à la simple présentation de photographies : elle se penche autant sur la question de la direction artistique que sur l'impact du graphisme et de la photographie, sur le rôle des femmes et des hommes qui, autant que ceux qui la créent et la portent, défendent une certaine idée de la mode. Dans un musée qui a fait de la mode l'un de ses piliers, il n'est pas inutile de rappeler que le magazine de mode est très souvent le premier matériau qui permet d'en écrire l'histoire comme il est aussi le premier véhicule de la diffusion et de la connaissance de la mode, un élément de définition de son identité, un acteur fondamental du système de la mode remis ici dans sa juste perspective.

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Harper's Bazaar, premier magazine de mode

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À l'occasion de la réouverture des galeries de la mode, entièrement rénovées grâce au mécénat de Stephen et Christine Schwarzman, le Musée des Arts Décoratifs présente une grande exposition consacrée au célèbre magazine de mode américain Harper's Bazaar.

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The World of Banksy – the immersive experience

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The World of Banksy – the immersive experience

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du 12 mai 2020 au 31 décembre 2020

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Le Corps et l’ÂmeDe Donatello à Michel-Ange - LOUVRE

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Le Corps et l’ÂmeDe Donatello à Michel-Ange - LOUVRE

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du 22 Octobre 2020 au 18 Janvier 2021

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Le Corps et l'Âme - De Donatello à Michel-Ange. Sculptures italiennes de la Renaissance

22 octobre 2020 - 21 juin 2021

Le Corps et l'Âme

De Donatello à Michel-Ange. Sculptures italiennes de la Renaissance

#CorpsEtAme

1H30

Hall Napoléon

Français, Anglais

- Pour permettre au plus grand nombre de visiter "Le Corps et l'âme", le musée organise l'élargissement des horaires de l'exposition de 9h à 20h, du 19 mai au 8 juin, puis jusqu'à 21h, du 9 juin au 21 juin.
- Les porteurs de la carte des Amis du Louvre bénéficieront de créneaux réservés, en musée fermé, les mardis 25 mai, 1er, 8 et 15 juin, de 11h à 16h.

Présentation

Grâce à plus de 140 œuvres, cette exposition, organisée avec le musée du Castello Sforzesco de Milan, dégage les principales lignes de force qui cheminent dans toute l'Italie durant la seconde moitié du Quattrocento pour aboutir, au début du 16e siècle, à un moment d'apogée de la sculpture de la Renaissance.

La représentation de la figure humaine dans la diversité de ses mouvements prend alors des formes extrêmement novatrices. Ces recherches sur l'expression et les sentiments sont au cœur des démarches des plus grands sculpteurs de la période, depuis Donatello jusqu'à l'un des créateurs les plus célèbres de l'histoire, Michel-Ange.

L'exposition propose également d'aller à la découverte d'artistes moins réputés, d'admirer des œuvres difficilement accessibles de par leur lieu de conservation (églises, petites communes, situation d'exposition dans les musées), afin de les remettre en lumière, mais aussi en contexte. " Le Corps et l'Âme " fait suite à l'exposition " Le Printemps de la Renaissance " présentée en 2013 au Louvre et au Palazzo Strozzi et consacrée aux prémices de l'art de la Renaissance à Florence dans la première moitié du Quattrocento.

L'exposition est organisée par le musée du Louvre et par la Ville de Milan-Surintendance du Castello Sforzesco et sera ensuite présentée au Castello Sforzesco à Milan.

Commissaires

Marc Bormand, musée du Louvre
Beatrice Paolozzi Strozzi, Florence
Francesca Tasso, Castello Sforzesco, Milan

Cette exposition bénéficie du mécénat de

Kinoshita Group et de Generali

En partenariat média avec

Le Monde, Le Journal du Dimanche, Paris Match, Connaissance des arts, Radio Classique, France Télévision

En partenariat avec

Vidéos associées

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Informations complémentaires

Sélection d'œuvres

Andrea del Verrocchio et atelier, Deux anges volants, vers 1480 musee du Louvre

Andrea del Verrocchio et atelier, Deux anges volants

Michel-Ange, Captif dit "l'Esclave mourant" (Haut du corps, profil droit)

Michelangelo Buonarroti, dit Michel-Ange, Captif dit "l'Esclave mourant"

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Le Corps et l'Âme - De Donatello à Michel-Ange. Sculptures italiennes de la Renaissance

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Le Corps et l'Âme - De Donatello à Michel-Ange.

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Betty Catroux, Yves Saint Laurent Féminin singulier

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Betty Catroux, Yves Saint Laurent Féminin singulier

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Du jeudi 8 octobre au vendredi 18 décembre 2020

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Du 8 octobre au 18 décembre 2020, L'École des Arts Joailliers mettra en lumière l'univers de ce créateur aventureux, qui en véritable artiste s'est appliqué à créer son monde. Réfractaire aux modes, il a créé un style précurseur, très personnel, celui d'un bijou de caractère, mais visuellement équilibré car proportionné au nombre d'or. Simple et sophistiqué à la fois, puissant et délié, baroque et design, construit et déconstruit, un bijou de Jean Vendome, n'est jamais rationnel, il est émotionnel. Pour le mériter, il faut le comprendre et l'aimer car c'est lui qui choisit celui capable de l'emporter.

Les collections privées présentées mettront en exergue l'aspect visionnaire de sa création. Cent trente bijoux environ seront exposés, et tout particulièrement le merveilleux collier d'Aléna Caillois. Des oeuvres issues de collections publiques, notamment celles du Musée des Arts Décoratifs, viendront également compléter cette rétrospective, ainsi que l'épée de l'académicien Roger Caillois, exceptionnellement prêtée par le Musée des Confluences de Lyon.

Les bijoux exposés donneront à voir le large éventail de sa création. Le visiteur pourra suivre le fil de son exploration novatrice des formes, mais aussi sa démarche avant-gardiste de changement d'échelle et d'usage pour adapter la joaillerie à la femme moderne et libérée des années 70. Foisonnante, la création de Jean Vendome résonne comme un écho poétique et signifiant aux grands mouvements artistiques de la seconde moitié du XXe siècle. Du cinétisme pop au rêve spatial de la mission Apollo 13, ses parures se muent en Constellations, Aurore Boréale ou Espace dans les années 70. Les Tours, les gratte-ciel, les volumes géométriques de ses bagues trahissent sa passion de l'architecture urbaine et de la course à la verticalité. Les années 80 sont celles de " promenades irréelles ", où il joue sur l'analogie mimétique des agates, de fragments d'éternité, bijoux en or mat et brillant avec quartz fantôme et quartz à empreinte. Les années 90 sont marquées par l'emploi de minéraux aux couleurs de plus en plus fortes, ce que Jean Vendome appelle ses "couleurs vagabondes" ou "couleurs en liberté ". C'est le temps de l'évasion et du rêve.

LES COULISSES DE L'EXPOSITION
Ces cours, sur un format de 2h et incluant une visite privée de l'exposition, feront découvrir aux élèves les secrets de l'univers et des créations atypiques de Jean Vendome.

6 thématiques différentes sont proposées :

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Du 8 octobre au 18 décembre 2020, L'École des Arts Joailliers mettra en lumière l'univers de ce créateur aventureux, qui en véritable artiste s'est appliqué à créer son monde. Réfractaire aux modes, il a créé un style précurseur, très personnel, celui d'un bijou de caractère, mais visuellement équilibré car proportionné au nombre d'or.

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A closer look at the many faces of Frida Kahlo through her life, art and legacy

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Le regard d'une artiste, Frida Kahlo par Lucienne Bloch

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Le regard d'une artiste, Frida Kahlo par Lucienne Bloch

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du 4 décembre 2020 au 28 février 2021

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Tout a commencé par un regard. Celui de Frida Kahlo, intense face à l'objectif de Lucienne Bloch. L'allure fière, une cigarette à la main, l'artiste mexicaine est assise dans sa chambre d'hôtel, et pose généreusement pour l'assistante de Diego Rivera, durant leur séjour à New York en 1933. Cet Autoportrait au collier, Julia Gragnon, photographe et collectionneuse inspirée à la tête de la Galerie de l'Instant, le recroisera quelques jours plus tard, au salon AIPAD, sur le stand d'un confrère. Une signe. Elle s'offre le tirage. Un an plus tard, avec le soutien la petite fille de Lucienne Bloch, Lucienne Allen, elle tisse une exposition monomaniaque autour de cet autoportrait saisissant.

"Des portraits si simples et si puissants, de cette immense artiste, de ce personnage véritablement extraordinaire qu'était Frida Kahlo" Julia Gragnon

Sur les cimaises de la Galerie de l'Instant, des portraits en noir et blanc d'une Frida Kahlo comme on la voit rarement. Joueuse, frondeuse, amoureuse... Une intimité rare capturée dans l'objectif de cette photographe américaine assez méconnue dont l'exposition révèle (enfin) au grand jour la grande sensibilité et le talent de l'instantané. Rendez-vous est donné le 4 décembre prochain au sein de l'incontournable galerie parisienne qui vise juste à chaque exposition.

Le regard d'une artiste, Frida Kahlo par Lucienne Bloch, du 4 décembre 2020 au 28 février 2021, La Galerie de l'Instant, 46, rue de Poitou 75003 Paris, entrée libre www.lagaleriedelinstant.com
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Visite guidée de la Maison bleue à Mexico

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Des portraits rares de Frida Kahlo exposés à Paris en décembre

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Tout a commencé par un regard. Celui de Frida Kahlo , intense face à l'objectif de Lucienne Bloch. L'allure fière, une cigarette à la main, l'artiste mexicaine est assise dans sa chambre d'hôtel, et pose généreusement pour l'assistante de Diego Rivera, durant leur séjour à New York en 1933.

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Bienvenue chez

Polpo

POLPO, la brasserie branchée de Levallois, sur les quais de Seine.

Lieu atypique et dans l'air du temps, la déco est signée Laura Gonzalez.
Une adresse idéale pour siroter un Gin tonic, partager une planche, déguster un poisson, un homard grillé, une côte de bœuf ...
Rendez-vous chez POLPO pour un repas convivial en terrasse ou pour partager un verre autour du bar.

Privatisable en partie ou dans sa totalité, la brasserie s'adapte à toutes vos envies pour l'organisation de vos événements privés ou professionnels.

Offrez un dîner avec vue sur Seine à POLPO. Menu tout compris, pour 2 personnes, valable pendant un an. Plus d'informations

Nous ne pouvons malheureusement pas vous proposer notre brunch pour le moment en raison des mesures sanitaires imposées.

Découvrir notre carte

Polpo Brasserie Seafood Levallois-Perret

Cuisine

Cuisine Traditionnelle, Fruits de mer

Type de restaurant

Brasserie Seafood, Restaurant, Bar

Services

Terrasse, Voiturier

Moyens de paiement

Carte Bleue, American Express, Espèces, Eurocard/Mastercard

Accès

Métro

Levallois- Pont de Bécon

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Polpo | Brasserie | Terrasse | Bords de seine | Levallois-Perret

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POLPO, la brasserie branchée de Levallois, sur les quais de Seine. Lieu atypique et dans l'air du temps, la déco est signée Laura Gonzalez. Une adresse idéale pour siroter un Gin tonic, partager une planche, déguster un poisson, un homard grillé, une côte de bœuf ...Rendez-vous chez POLPO pour un repas convivial en terrasse ou pour partager un verre autour du bar.

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Pizzeria Popolare, c'est une pizzeria hyper chaleureuse et authentique où, comme à Naples, on déguste une somptueuse Margherita recouverte de bons produits et servie avec de gros bords généreux. Deux fours de Salvatore Acunto de 3 tonnes, des tomates San Marzano de Paolo Ruggiero, de la mozzarella de bufflonne de Salvatore Corso qui arrive en direct 3 fois par semaine.

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Il y a d'abord CoCo. Deux syllabes pour un petit nom qui en dit long. À la dire, CoCo sonne comme une bulle de champagne, mélange de chic et de rieur. La bouche pétille, l'esprit se fait plus léger. À la vivre, l'instant d'un restaurant, CoCo ne sera pas une de ces adresses où l'on se contente de croiser les couverts. On y déjeunera, on y dînera et beaucoup plus encore. Il y a ensuite l'Opéra. Cœur battant de quartier où se croisent l'énergie des Boulevards, le luxe de Vendôme, Paris qui va et le monde entier qui vient. Est-ce vraiment un monument? Plus sûrement une émotion, tour à tour, orgueil d'architecture, temple vivant où corps et voix se font lyriques, maison à mémoire, à mystère et désormais CoCo, table ouverte et intime à partager le privilège.

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Home - Coco-Paris, Restaurant à Opera, Paris 9ème arrondissement.

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Il y a d'abord CoCo. Deux syllabes pour un petit nom qui en dit long. À la dire, CoCo sonne comme une bulle de champagne, mélange de chic et de rieur. La bouche pétille, l'esprit se fait plus léger. À la vivre, l'instant d'un restaurant, CoCo ne sera pas une de ces adresses où l'on se contente de croiser les couverts.

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ACTE I
Des soldats paradent sur une place. Micaela, une jeune paysanne, leur demande où se trouve Don José. Le sergent Moralès lui répond qu'il ne viendra qu'au moment de la relève de la garde et tente de retenir la jeune fille. Effarouchée, Micaela part en disant qu'elle reviendra. La garde montante arrive, accompagnée par une bande d'enfants qui parodient les soldats. Il est midi, la cloche de la manufacture de tabac sonne, de nombreux jeunes gens viennent pour voir sortir les cigarières. Parmi elles, Carmen, une bohémienne. Tous se pressent autour d'elle mais Carmen ne s'intéresse à personne. Elle tente d'attirer l'attention de Don José qui semble ne pas la remarquer. Elle arrache la fleur de son corsage et la lui jette tandis que la cloche sonne la reprise du travail. La foule se disperse. Don José reste seul, troublé malgré lui. Micaela reparaît. Ils évoquent les souvenirs d'autrefois, au village. Don José lit la lettre que Micaela lui a remise et dans laquelle sa mère lui dit la joie qu'elle éprouverait à le voir épouser la jeune fille. Micaela, confuse, s'éclipse. Une dispute éclate à l'intérieur de la manufacture : Carmen a blessé une de ses camarades. Sur l'ordre de Zuniga, Don José arrête la bohémienne. Elle parvient à le persuader de la laisser s'échapper. Elle le bouscule, il se laisse tomber à terre et elle s'enfuit.
ACTE II
Deux mois plus tard, Carmen apprend du lieutenant Zuniga que Don José, dégradé et emprisonné pour l'avoir laissée s'échapper, a été relâché la veille. On porte un toast au torero Escamillo, auquel il répond par une chanson. Le toréador part, suivi des officiers. Deux contrebandiers, le Dancaïre et le Remendado, demandent aux femmes de partir avec eux. Carmen refuse. Elle attend Don José. Il arrive, fidèle au rendez-vous que lui avait fixé Carmen deux mois auparavant. Carmen danse pour lui mais, dehors, le clairon sonne la retraite. Don José doit rentrer au quartier pour l'appel. Il va partir quand revient Zuniga. Les deux hommes se querellent. Carmen appelle à l'aide ; ses amis contrebandiers surgissent et désarment Zuniga. Don José n'a plus le choix : il suit Carmen et les contrebandiers.

ACTE III
Plusieurs mois se sont écoulés. Carmen et Don José se disputent : elle est lasse de sa jalousie ; lui se reproche d'avoir tout abandonné pour elle. Carmen rejoint Mercédès et Frasquita qui tirent les cartes : elles lui prédisent la mort. À la recherche de Don José, Micaela s'approche du camp des contrebandiers. Elle l'aperçoit et l'appelle. Il ne l'entend pas et tire sur un inconnu qui s'approche. C'est Escamillo. Il confie à Don José qu'il est venu retrouver celle qu'il aime : Carmen. Don José provoque le torero dans un duel à la navaja. Ils se battent, Escamillo trébuche, mais Carmen et les contrebandiers arrivent et s'interposent à temps. Micaela, toujours cachée, est découverte. Elle supplie Don José de la suivre auprès de sa mère, mourante. Carmen ne cherche pas à le retenir. Il part en la menaçant.
ACTE IV
C'est le jour de la corrida. Escamillo fait son entrée, Carmen à son bras. La foule pénètre dans les arènes. Frasquita prévient Carmen que Don José est là, caché. Elle refuse de fuir et reste seule sur la place, face à Don José. Désespéré, il la supplie de le suivre, afin de recommencer une autre vie. Carmen reste inflexible : elle ne le suivra pas. Don José implore encore. Dans l'arène, on acclame Escamillo. Carmen veut entrer : c'est lui qu'elle aime, à présent, crie-t-elle à Don José. Dans un dernier geste de défi, elle jette la bague qu'il lui avait offerte. Hors de lui, Don José la tue.

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Carmen - Opéra - Programmation Saison 20/21

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Afficher le détail des actes Masquer le détail des actes ACTE I Des soldats paradent sur une place. Micaela, une jeune paysanne, leur demande où se trouve Don José. Le sergent Moralès lui répond qu'il ne viendra qu'au moment de la relève de la garde et tente de retenir la jeune fille.

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LOULOU a été pensé comme la demeure d'un esthète, la salle à manger d'un collectionneur qui aurait été décorée au fil du temps et au gré de nombreux voyages ...

Sensible à l'art de vivre et au savoir-vivre, LOULOU reçoit ses amis avec élégance, gaieté et légèreté.

Ensemble, ils aiment organiser des déjeuners d'affaires et des dîners extraordinaires.

Table à la fois délicate et frivole, on y partage le bon et le beau, de jour comme de nuit, avec sensualité et grâce infinie.

Aux beaux jours, on profite de sa terrasse et la fête se poursuit tard dans la nuit.

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Loulou - musée des Arts décoratifs - Bar Restaurant

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LOULOU a été pensé comme la demeure d'un esthète, la salle à manger d'un collectionneur qui aurait été décorée au fil du temps et au gré de nombreux voyages. Sensible à l'art de vivre et au savoir-vivre, LOULOU reçoit ses amis avec élégance, gaieté et légèreté.

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Bienvenue chez

Flora Danica

Suite aux nouvelles mesures gouvernementales, nous adaptons nos horaires.

Du lundi au vendredi, nous assurons un service pour le petit-déjeuner de 8h à 11h30 et pour le déjeuner de 11h30 jusqu'à 15h. L'après-midi, une offre de grignotage est disponible jusqu'à 20h15. Et le weekend, nous vous proposons notre brunch de 11H à 17h à 39,90€.

Nous vous accueillons de 12h à 17h pour profiter de notre brunch danois, n'oubliez pas de réserver.

Vous pouvez commander en livraison ou à emporter et déguster vos plats chez vous : notre Butik reste ouverte jusqu'à 20h30 pour que vous puissiez récupérer vos commandes. A EMPORTER DELIVEROO UBEREATS

[LE DANEMARK A PARIS]

Adresse mythique des Champs-Elysées, le Flora Danica est une véritable brasserie danoise, chaleureuse et vivante. Animée tout au long de la journée, on s'y retrouve pour déjeuner ou dîner dans la grande salle au design scandinave, ou pour siroter un cocktail autour de l'immense bar central en marbre vert. Aux beaux jours, on profite du jardin pour un repas nordique à l'abri de l'agitation de l'avenue.

Découvrez aussi le Copenhague, restaurant gastronomique de la Maison du Danemark.

Découvrir notre carte

Flora Danica Brasserie danoise / Terrasse / Bar / Butik / A Emporter Paris

Type de restaurant

Brasserie danoise / Terrasse / Bar / Butik / A Emporter, Brunch

Services

Terrasse, Privatisation, Voiturier, Accès Wifi, Cocktails dînatoires

Moyens de paiement

Carte Bleue, American Express, Visa, Espèces, Eurocard/Mastercard, Chèques, JCB, Traveler's check, Ticket Restaurant, Diner Club

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Flora Danica | Restaurant Scandinave | Sur place | A Emporter | Livraison | Paris Champs Elysées

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Suite aux nouvelles mesures gouvernementales, nous adaptons nos horaires. Du lundi au vendredi, nous assurons un service pour le petit-déjeuner de 8h à 11h30 et pour le déjeuner de 11h30 jusqu'à 15h. L'après-midi, une offre de grignotage est disponible jusqu'à 20h15. Et le weekend, nous vous proposons notre brunch de 11H à 17h à 39,90€.

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23 septembre 2020 - 17 janvier 2021

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Description

Horaires

Tarifs

Explorant pour la première fois l'œuvre de Man Ray sous l'angle de la mode, l'exposition met en lumière ses travaux réalisés pour les plus grands couturiers - Poiret, Schiaparelli, Chanel - et les plus grandes revues - Vogue, Vanity Fair et Harper's Bazaar. Alors que la photographie de mode balbutie encore, Man Ray développe dès 1921 une esthétique nouvelle et moderne, faite d'inventivité technique, de liberté et d'humour. Ses expérimentations et ses clins d'œil surréalistes brouillent les frontières entre l'art et la mode et font de lui l'un des inventeurs de la photographie de mode contemporaine.

L'exposition bénéficie du soutien de La Vallée Village.

Ouverture tous les jours de 10h30 à 19h, nocturne jusqu'à 22h le lundi

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Magazine

L'exposition "Man Ray et la mode", initialement prévue au printemps, ouvrira ses portes le 23 septembre 2020 au musée du Luxembourg. Pour vous faire patienter, plusieurs contenus sont en ligne sur le nouveau site internet du musée

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L'exposition "Man Ray et la mode", initialement prévue au printemps, ouvrira ses portes le 23 septembre 2020 au musée du Luxembourg. Pour vous faire patienter, plusieurs contenus sont en ligne sur le nouveau site internet du musée

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Explorant pour la première fois l'œuvre de Man Ray sous l'angle de la mode, l'exposition met en lumière ses travaux réalisés pour les plus grands couturiers - Poiret, Schiaparelli, Chanel - et les plus grandes revues - Vogue, Vanity Fair et Harper's Bazaar.

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Coffe shop . Restaurant . Bar à jus Des produits frais et une carte qui change chaque saison!

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Un diner aux chandelles ? Surfait. Un concert à l'opéra ? Trop classique. Décidément en ce moment vous faites un peu les difficiles. À vrai dire, vous avez vraiment envie de changement, d' insolite et de magie. Ça tombe bien, on vous a déniché un concept envoûtant à Paris qui devrait révéler votre âme de mélomane.
Les prochaines dates à Paris en 2020, lieux : Janvier 2020 :
On vous présente Candlelight by Fever, une série de concerts de musique classique à la lueur des bougies dans des lieux insolites à Paris. Chopin, Beethoven, Mozart ou encore Tchaikovsky, à chaque soirée son virtuose tandis que la magie demeure toujours au rendez-vous.

Que ce soit au sein de la Cathédrale Américaine, dans les fauteuils rouges de l'Elephant Paname ou au coeur de la Maison des Océans, ces lieux à la belle acoustique apportent une dimension nouvelle.

En famille, en couple ou entre amis, voilà une belle occasion pour un moment empreint de poésie dans un cadre unique et intimiste. Pour assister à ces concerts insolites, il faut compter entre 20 et 35€ selon les emplacements. De quoi s'offrir une soirée magique !

18 Janvier : Chopin, Piano Solo24 Janvier : 250 ans de Beethoven, Piano Solo30 Janvier : Beethoven, Trio

01 Février : Mozart & Beethoven, Quatuor13 Février : Chopin, Piano Solo
14 Février : Romantisme, Piano15 Février : Mozart & Beethoven, Quatuor
21 Février : Mozart & Beethoven, Quatuor21 Février : Chopin, Piano Solo
22 Février : Mozart & Beethoven, Quatuor22 Février : Chopin & Schubert, Duo

05 Mars : Chopin, Piano Solo06 Mars : Mozart & Beethoven, Quatuor07 Mars : Mozart & Beethoven, Quatuor20 Mars : Chopin, Piano Solo

...restez focus, d'autres dates sont à venir :)

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Candlelight : des concerts classique à la lueur des bougies

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Candlelight, série de concerts classique à la lueur des bougies, est le rendez-vous des mélomanes en quête d'une soirée magique, du 9 janvier au 20 mars 2020. Bonus : ils ont lieu dans des endroits insolites. De quoi vous ensorceler définitivement...

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Du 6 mars 2020 au 3 janvier 2021

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Suite aux nouvelles annonces gouvernementales, les Carrières de Lumières rouvriront leurs portes au public le jeudi 7 janvier 2021. Les expositions numériques immersives " Dalí, l'énigme sans fin " et " Gaudí, architecte de l'imaginaire " sont prolongées jusqu'au dimanche 24 janvier 2021.
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En 2020, les Carrières de Lumières s'illuminent des œuvres célèbres et singulières de Salvador Dalí. "Dalí, l'énigme sans fin" revient sur plus de 60 années créatrices du maître catalan qui a parcouru et inventé plusieurs styles artistiques.

À travers un parcours thématique, vous vous promenez dans des paysages surréalistes et métaphysiques et vous vous retrouvez au cœur des œuvres surprenantes de l'artiste à l'imagination débordante. Peintures, dessins, photographies, sculptures, gravures, films et images d'archives rappellent la personnalité unique du peintre à la moustache célèbre mais également ses obsessions pour l'étrange et le surnaturel ainsi que sa fascination pour sa femme Gala, sa véritable muse.

Des chefs-d'œuvre emblématiques, des Montres molles au Visage de Mae West en passant par Léda Atomique et La tentation de Saint Antoine, révèlent le talent de Dalí, créateur de nouveaux langages et de toiles uniques, inspirées des grands maîtres de la peinture tels que Vélasquez, Raphaël, Vermeer ou Millet.

La nouvelle création révèle les miroirs de la pensée du peintre dans une atmosphère presque hypnotique et revient sur les différentes facettes de l'artiste. De ses recherches initiales impressionnistes et cubistes à ses œuvres mystiques aux thématiques religieuses en passant par sa période surréaliste et ses rapports à la scène, à la photographie et au cinéma.

L'ensemble de l'exposition numérique est rythmé par les musiques de Pink Floyd. Expérimentant sans cesse et rejetant tout mécanisme rationnel, ces deux icônes de la peinture et de la musique partagent un imaginaire visuel étonnant où visions obsessionnelles et virtuosité technique se mêlent. Les couleurs profondes, les forme étirées et volumineuses des toiles de Dalí se dessinent sur les murs au son de titres issus d'albums mythiques tels que The Dark Side of the Moon et The Wall pour immerger le visiteur dans un univers planant, paisible ou troublant.

Cette rétrospective, associée à la musique du groupe légendaire des années 1960, propose un voyage hors du temps qui réveille l'inconscient où l'œuvre de Dalí reste un mystère et une énigme sans fin.

En 2020, les Carrières de Lumières s'illuminent des oeuvres célèbres et singulières de Salvador Dalí. "Dalí, l'énigme sans fin" revient sur plus de 60 années créatrices du maître catalan qui a parcouru et inventé plusieurs styles artistiques.

À travers un parcours thématique, vous vous promenez dans des paysages surréalistes et métaphysiques et se retrouve au coeur des oeuvres surprenantes de l'artiste à l'imagination débordante. Peintures, dessins, photographies, sculptures, gravures, films et images d'archives rappellent la personnalité unique du peintre à la moustache célèbre mais également ses obsessions pour l'étrange et le surnaturel ainsi que sa fascination pour sa femme Gala, sa véritable muse.

L'ensemble de l'exposition numérique est rythmé par les musiques de Pink Floyd. Expérimentant sans cesse et rejetant tout mécanisme rationnel, ces deux icônes de la peinture et de la musique partagent un imaginaire visuel étonnant où visions obsessionnelles et virtuosité technique se mêlent. Les couleurs profondes, les forme étirées et volumineuses des toiles de Dalí se dessinent sur les murs au son de titres issus d'albums mythiques tels que The Dark Side of the Moon et The Wall pour immerger le visiteur dans un univers planant, paisible ou troublant.

Cette rétrospective, associée à la musique du groupe légendaire des années 1960, propose un voyage hors du temps qui réveille l'inconscient où l'oeuvre de Dalí reste un mystère et une énigme sans fin.

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Dalí, l'énigme sans fin | Carrières de Lumières - Site officiel

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Suite aux nouvelles annonces gouvernementales, les Carrières de Lumières rouvriront leurs portes au public le jeudi 7 janvier 2021.

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CINDY SHERMAN À LA FONDATION - Fondation LV

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CINDY SHERMAN À LA FONDATION - Fondation LV

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Cindy Sherman est née en 1954 à Glen Ridge dans le New Jersey. Elle habite et travaille à New York. Considérée comme l'une des artistes les plus influente de sa génération, elle a connu la célébrité à la fin des années 1970 avec le groupe d'artistes Pictures Generation.

Sa rétrospective 2012 au MOMA de New York a ensuite voyagé au Museum of Modern Art de San Francisco, puis au Walker Art Center de Minneapolis et, enfin, au Museum of Arts de Dallas. D'autres expositions récentes ont eu lieu à la Fondation Fosun de Shanghai, pour l'inauguration du Broad Museum à Los Angeles, à la Queensland Art Gallery | Gallery of Modern Art de Brisbane en Australie et au musée Astrup Fearnley à Oslo.

Sherman a participé à quatre Biennales de Venise, co-organisant une section de la 55e édition en 2013. À signaler également que son œuvre a été retenue dans cinq éditions de la Whitney Biennial, deux Biennales à Sydney, et Documenta 1983. En 2020, elle a reçu le Wolf Prize in Arts et a été lauréate du Praemium Imperiale, prix de l'American Academy of Arts and Lettres. Elle a enfin bénéficié d'une bourse de cinq ans accordée par la Fondation MacArthur.

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Cindy Sherman est née en 1954 à Glen Ridge dans le New Jersey. Elle habite et travaille à New York. Considérée comme l'une des artistes les plus influente de sa génération, elle a connu la célébrité à la fin des années 1970 avec le groupe d'artistes Pictures Generation.

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Alaïa et Balenciaga, sculpteurs de la forme

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Alaïa et Balenciaga, sculpteurs de la forme

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du 20 janvier 2020 au 24 décembre 2020

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Exposition Alaïa & Balenciaga | Fondation Alaïa | ALAÏA

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Découvrez l'exposition Alaïa & Balenciaga sculpteurs de la forme sur Alaïa. Visitez la Fondation Azzedine Alaïa et explorez les créations iconiques du duo.

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Turner. Peintures et aquarelles. Collections de la Tate

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Turner. Peintures et aquarelles. Collections de la Tate

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du 26 mai 2020 au 11 janvier 2021

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Découvrez la visite virtuelle de l'exposition

En 2020, le musée Jacquemart-André présente une rétrospective de Joseph Mallord William Turner (1775-1851). Incontestablement le plus grand représentant de l'âge d'or de l'aquarelle anglaise, il en exploita les effets de lumière et de transparence sur les paysages anglais ou les lagunes vénitiennes.
Cette exposition révèle le rôle qu'ont joué les aquarelles dans la vie et l'art de Turner, des œuvres de jeunesse qu'il envoya à la Royal Academy aux fascinantes expérimentations lumineuses et colorées de sa maturité. Pour un public moderne, ces dernières comptent parmi ses œuvres les plus radicales et accomplies.

Grâce aux prêts exceptionnels de la Tate Britain de Londres, qui abrite la plus grande collection de Turner au monde, le musée Jacquemart-André accueille une exposition de 60 aquarelles et quelque 10 peintures à l'huile, dont certaines n'ont jamais été présentées en France.

Outre ses œuvres achevées destinées à la vente, Turner conservait pour lui-même un fonds considérable d'œuvres, laissé à sa mort dans sa maison et dans son atelier. Avec leur caractère propre, ces esquisses, plus expressives et expérimentales, sont certainement plus proches de sa vraie nature que celles peintes pour le public. Au total, après la mort de l'artiste, la nation britannique en 1856 reçoit un legs immense comprenant une centaine de peintures à l'huile, des études inachevées et des ébauches, ainsi que des milliers d'œuvres sur papier : aquarelles, dessins et carnets de croquis.

L'écrivain John Ruskin, l'un des premiers à avoir étudié l'ensemble de ce legs, observa que Turner avait réalisé la plupart de ces œuvres " pour son propre plaisir ". Aujourd'hui conservé à la Tate Britain, ce fonds révèle toute la modernité de ce grand peintre romantique. L'exposition dévoile une partie de ce fonds intime qui offre des points de vue uniques sur l'esprit, l'imagination et la pratique privée de Turner.

Cette monographie évoque le jeune Turner, issu d'un milieu modeste. D'abord autodidacte, il travaille chez un architecte, prend des cours de perspective et de topographie, puis entre à l'école de la Royal Academy à l'âge de quatorze ans. Insatiable voyageur, il s'affranchit progressivement des conventions du genre pictural et met au point sa propre technique.

Un parcours chronologique permet de suivre pas à pas son évolution artistique : de ses œuvres de jeunesse d'un certain réalisme topographique aux œuvres de sa maturité, plus radicales et accomplies, fascinantes expérimentations lumineuses et colorées. Associées ici à quelques aquarelles achevées et peintures à l'huile pour illustrer leur influence sur la production publique de Turner, ces œuvres très personnelles demeurent aussi fraîches et spontanées que lorsqu'elles sont nées sur le papier.
Exposition organisée en collaboration avec la Tate, Royaume-Uni

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Découvrez la visite virtuelle de l'exposition En 2020, le musée Jacquemart-André présente une rétrospective de Joseph Mallord William Turner (1775-1851). Incontestablement le plus grand représentant de l'âge d'or de l'aquarelle anglaise, il en exploita les effets de lumière et de transparence sur les paysages anglais ou les lagunes vénitiennes.