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Sole artificiale,

Rapporto con la natura,

Immersione,

Esplorazione di sé stessi.

"The Weather Project" è una delle installazioni più celebri di Eliasson, caratterizzata da una gigantesca rappresentazione del sole, creata usando luci e specchi disposti nella Turbine Hall della Tate Modern.

L'opera ha trasformato lo spazio in un ambiente che simulava un tramonto, influenzando direttamente la percezione del clima e dell'atmosfera da parte dei visitatori.

E' un'esplorazione potente di come l'ambiente influisce sul nostro stato d'animo e comportamento, mostrando l'abilità di Eliasson di creare esperienze immersive che riflettono su temi globali come il cambiamento climatico e la connessione umana.

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Marina Abramović, Palazzo Strozzi, Firenze, Italia, Settembre 2018 - Gennaio 2019.

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"Together" di Marina Abramović era incentrata sulla connessione umana e sull'interazione diretta tra i partecipanti. Durante l'evento, i visitatori erano invitati a partecipare a una serie di attività che richiedevano stretta collaborazione e contatto fisico, esplorando i limiti della comunicazione non verbale e della connessione emotiva.

L'opera di Abramović sfida i partecipanti a rompere le barriere personali e culturali, promuovendo un'esperienza di empatia e unità attraverso l'arte. È un potente esempio di come l'arte possa facilitare il dialogo interpersonale e rafforzare il senso di comunità.

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UN’ANIMA, TANTE MANI

L’anima di Studio Azzurro è unica seppur contenuta in corpi differenti.

È un’anima formata da molte persone che negli anni, per brevi o lunghi periodi, hanno contribuito con i propri pensieri e le proprie sensibilità a costruire un’atmosfera creativa unitaria, mantenendo una rotta e una coerenza di significati in un’attività molto articolata.

L’IDENTITÀ

Nel 1982 Fabio Cirifino, Paolo Rosa (1949-2013) e Leonardo Sangiorgi danno vita a un’esperienza che nel corso degli anni esplora le possibilità poetiche ed espressive dei nuovi linguaggi tecnologici.

A loro si aggiunge, dal 1995 al 2011, Stefano Roveda, esperto di sistemi interattivi.

Attraverso la realizzazione di videoambienti, ambienti sensibili, percorsi museali, performance teatrali e film, disegnano un percorso artistico trasversale alle tradizionali discipline e formano un gruppo di lavoro aperto a differenti contributi e importanti collaborazioni.

È così che Studio Azzurro prende la forma di un laboratorio di ricerca artistica spesso paragonato a una bottega rinascimentale.

Lista delle opere:

https://www.studioazzurro.com/category/opere/

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Questa opera interattiva inizia come un ambiente completamente bianco, che comprende una stanza domestica completamente arredata, anch'essa dipinta in bianco puro.

Ai visitatori viene dato un set di adesivi colorati a pois, e sono invitati a posizionarli dove preferiscono all'interno della stanza.

Col passare del tempo, con la partecipazione di migliaia di visitatori, la stanza si trasforma in uno spazio vibrante e multicolore, completamente trasfigurato dagli adesivi.

Ogni visitatore contribuisce alla trasformazione dell'opera, riflettendo il concetto di "insieme" non solo nell'atto collettivo di decorare lo spazio, ma anche nel senso visivo di comunità e cooperazione che emerge dall'opera finita.

L'arte può essere usata per unire le persone in un atto creativo condiviso, creando un'opera che è letteralmente maggiore della somma delle sue parti, grazie all'impegno collettivo dei partecipanti.

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Quattro elementi: fuoco, aria, acqua e luce. Ognuno è rappresentato da una colonna formata da quattro monitor. Sono come clessidre, che trasportano le immagini di video in video, trasformandole a ogni passaggio.

Il fuoco si tramuta in una sottile linea incendiata, la linea coincide con un filo rosso, il filo, a sua volta, forma una maglia che si crea e si disfa continuamente. Legati da questo rapporto, i monitor creano l’impressione di uno spazio continuo.

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Giovanni

× ⚽

× 🎵

× 💻

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"Una delle cose che l’arte può fare, e non è l’unica cosa, è che può dare una sorta di narrazione fisica di qualcosa."

Natura,

Geometria,

Ambiente (Luce/Colore),

Partecipazione attiva del visitatore.

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Eliàsson, East River, Manhattan, NY, 2007.

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4 Cascate,

Paesaggi incontaminati dell’Islanda,

Cambiamento climatico.

Per "Waterfall", Eliasson ha installato una spettacolare cascata artificiale nei giardini del Palazzo di Versailles. La struttura temporanea, alta oltre 30 metri, ha usato pompe e una gru per simulare una cascata naturale, creando un contrasto sorprendente con l'ambiente storico e formalmente curato dei giardini di Versailles.

Esplora il contrasto tra il manufatto e il naturale, sfidando le aspettative sul ruolo e la forma dell'acqua in uno spazio così storico e regolato, riflettendo sul potere e sulla bellezza della natura in un contesto umano costruito.

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Eliàsson, Mt. Grawand, Ghiacciaio Hochjochferner, Alto Adige, 2020.

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Installazione permanente,

+3000m,

Dispositivo ottico ad anelli temporali,

Osservazione astronomica,

Percorso di 9 Archi,

Tutela dei ghiacciai.

"Our Glacial Perspectives" è una passeggiata artistica sul ghiacciaio del Monte Grawand che porta i visitatori attraverso una serie di anelli colorati che segnano il ritiro del ghiacciaio nel tempo. L'installazione è progettata per sensibilizzare i visitatori sugli effetti del riscaldamento globale e sull'impatto umano sui ghiacciai.

Eliasson utilizza questa installazione per collegare direttamente le persone ai cambiamenti climatici globali, offrendo un'esperienza educativa che è sia visivamente impressionante che profondamente significativa, stimolando riflessioni personali sulla sostenibilità e sull'ambiente.

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"A cavallo tra digitale ed analogico."

Affordance -> La forma stessa di un oggetto invita all’utilizzo.

Interpretazione -> Riflessione personale costante.

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Maria Lai, 8 settembre 1982, Ulàssai (Nuoro, Sardegna).

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Quest'opera ha visto la partecipazione dell'intera comunità che, per tre giorni, ha utilizzato un nastro azzurro lungo 27 km per collegare simbolicamente le case del villaggio tra loro e alla montagna soprastante, in un gesto di unione e solidarietà collettiva.

Rappresenta un esempio straordinario di come l'arte possa fungere da catalizzatore per il coinvolgimento comunitario e per la riflessione collettiva sui legami che uniscono le persone al loro ambiente.

L'installazione di Maria Lai non solo celebra la bellezza e la forza della comunità di Ulassai, ma invita anche a considerare il potere dell'arte come mezzo di espressione e di connessione universale.

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Il suo lavoro interdisciplinare attraversa arte, architettura, scienze naturali e ingegneria, esplorando nuove, sostenibili forme di coabitare il nostro pianeta.

Sostenibilità

Innovazione

Comunità​

AEROSOLAR

Le sue opere che più ho apprezzato.

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Il continuo farsi e disfarsi delle quattro maglie colorate e l’inarrestabile vitalità degli elementi naturali generano un movimento continuo, che attraversa gli schermi e li prolunga l’uno dentro l’altro.

I televisori non appaiono più come scatole pressurizzate di immagini e suoni: come se una piccola apertura potesse metterli in comunicazione tra loro, generano un’unica macchina di gesti e di suoni. Le clessidre misurano il tempo infinito della loro metamorfosi.

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Bruce Munro, Opera itinerante, dal 2004.

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L'installazione consiste in migliaia di sfere luminose che sono collocate su steli flessibili, coprendo vaste aree di terreno.

Di notte, queste sfere si illuminano creando un paesaggio etereo che sembra estendersi all'infinito.

Ogni sfera è alimentata da energia solare, riflettendo l'impegno dell'artista per la sostenibilità e l'eco-compatibilità.

La peculiarità è che ogni configurazione dell'opera è progettata per armonizzarsi con il paesaggio specifico in cui si colloca, rendendo ogni installazione unica nel suo contesto.

Inoltre, questo favorisce ogni volta il massimo livello di connessione con la natura attraverso l'arte.

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Conosciuto per i suoi lavori basati sul tema della "in situ", che significa creare arte specificamente progettata per e nell'ambiente in cui è esposta.

Buren ha guadagnato riconoscimento internazionale per le sue installazioni che utilizzano strisce verticali bianche e colorate, spesso incorporate in spazi pubblici o architetture esistenti, trasformandoli e mettendo in discussione il contesto e la percezione dello spazio.

Linee verticali bianche/colorate

"In situ" : Site-specific

Spazio pubblico

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È noto per le sue installazioni interattive di grande scala che combinano tecnologie avanzate con esperienze pubbliche partecipative.

I suoi lavori spesso esplorano temi come la sorveglianza, la percezione sociale e l'engagement civico attraverso l'uso di robotica, proiezioni e trasmissioni radio.

Interattività

Tecnologia

Partecipazione

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Toshiko Horiuchi MacAdam, 2013, Enel Contemporanea Roma.

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Può l’arte rimanere spazio sacro e intellettuale e al tempo stesso diventare gioco, esperienza, sensazione, realtà, vita?

L’artista giapponese Toshiko Horiuchi, cresciuta in un paese devastato e traumatizzato dalla tragica esperienza atomica, pensa che la risposta sia senza alcun dubbio positiva.

Tutto lo sviluppo della sua attività artistica si muove in questa direzione.

Harmonic Motion, altrimenti chiamata Rete dei Draghi, realizzata in nylon lavorato a maglia, lo dimostra.

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T. Saraceno, Salinas Grandes, Jujuy, Argentina, 28 gennaio 2020.

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" La mongolfiera a energia solare di Tomás Saraceno batte sei record della World Air Sports Federation. "

Un velivolo solare che non fa uso di combustibili fossili, pannelli solari, elio o batterie.

E' un'opera d'arte che funge anche da piattaforma per la protesta contro l'estrazione di litio in Argentina.

Un brillante esempio di come l'arte possa fondersi con la scienza e l'attivismo ambientale per promuovere il cambiamento.

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Trattasi di un progetto comunitario che trasforma le borse di plastica in sculture volanti leggere, creando "musei volanti" come messaggio per la sostenibilità, implicando una riconsiderazione del riuso dei materiali​.

L'opera riunisce le persone in un progetto artistico globale che affronta il problema dell'inquinamento da plastica, trasformando il rifiuto in risorsa.

Il Museo Aero Solar è un esempio straordinario di come l'arte possa giocare un ruolo cruciale nell'educare e mobilitare le comunità intorno alle questioni ambientali. Saraceno usa materiali quotidiani per trasmettere un potente messaggio sulla riconversione e la resilienza.

È un'iniziativa che dimostra il potenziale della creatività collettiva nel promuovere la sostenibilità.

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T. Saraceno, Presentate ufficialmente alla Conferenza delle Nazioni Unite sui cambiamenti climatici (COP21), Grand Palais, Parigi, 2015.

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Opere fluttuanti alimentate dall'energia solare e dalla radiazione infrarossa, che rompono i record per il volo più lungo e sostenibile senza l'uso di combustibili fossili.

Le Sculture Aerosolari sono testimoni della visione innovativa di Saraceno su come l'umanità potrebbe vivere e muoversi in modi che rispettino i delicati equilibri del nostro pianeta.

Questo approccio ambizioso, ma altamente tecnico, verso la sostenibilità e la collaborazione interdisciplinare offre una fonte di ispirazione profonda.

Saraceno dà forma a ciò che i più definiscono "utopia", portando risultati sorprendenti, al netto dei vari record infranti.

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Daniel Buren, 1985-1986, Cortile del Palas Royal, Parigi

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Conosciuta anche come "Colonnes de Buren", questa installazione permanente si trova nel cortile d'onore del Palais Royal a Parigi.

Consiste in una serie di colonne a strisce bianche e nere di diverse altezze, progettate per integrarsi e contrastare allo stesso tempo con l'architettura classica del palazzo.

L'opera è un esempio brillante dell'approccio di Buren all'arte come strumento di indagine e intervento nello spazio pubblico.

La sua capacità di trasformare un cortile storico in un'esperienza visiva dinamica dimostra il potere dell'arte di alterare la nostra percezione dell'ambiente.

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Daniel Buren, Monumenta 2012, Grand Palais, Parigi

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Per la prestigiosa commissione Monumenta, Buren ha trasformato la navata del Grand Palais con un baldacchino colorato di dischi di plastica blu, verde, arancione e giallo. Quest'opera temporanea ha giocato con la luce e lo spazio, creando un'esperienza immersiva per i visitatori​.

E' un'installazione invita a riflettere sulla natura effimera dell'arte e sulla sua capacità di modificare la percezione degli spazi quotidiani.

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HeHe è un duo di artisti composto da Helen Evans e Heiko Hansen con sede a Le Havre, in Francia.

Le loro opere d'arte riguardano i paradossi sociali, industriali ed ecologici che si trovano nei paesaggi tecnologici di oggi. Attraversando diverse discipline, la loro pratica esplora il rapporto tra arte, media e ambiente.

Il loro progetto di ricerca in corso sull'inquinamento atmosferico negli ultimi 20 anni e la sua rappresentazione nella cultura visiva hanno permesso al loro ambizioso progetto di arte pubblica Nuage Vert situato su centrali elettriche a Helsinki e Parigi.

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Rafael Lozano Hemmer, Museo de Arte Contemporáneo di Monterrey, 2019.

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L'opera si concentra su una rappresentazione complessa della musica di Bach attraverso un'installazione che combina sculture sonore e tecnologie avanzate per creare un'esperienza immersiva e multisensoriale.

L'opera unisce con maestria la musica classica di Bach con la tecnologia moderna, creando un ambiente immersivo che risuona con profondità storica e innovazione contemporanea.

Attraverso l'uso di sculture sonore, l'installazione permette una nuova percezione delle composizioni classiche, rendendo l'esperienza sia visiva che auditiva, una celebrazione dell'eredità di Bach attraverso il prisma della modernità.

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HeHe, realizzata per la prima volta a Helsinki, 2008.

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L'installazione utilizza un raggio laser verde per tracciare i contorni delle nubi di vapore emesse dalla centrale termica di Salmisaari, rendendo visibili le emissioni in tempo reale. L'obiettivo è sensibilizzare il pubblico sugli impatti ambientali dell'energia prodotta e consumata in città, trasformando una centrale elettrica in un'opera d'arte pubblica interattiva che visualizza e commenta l'impatto ecologico della produzione di energia​.

"Nuage Vert" che rappresenta un esempio potente di come l'arte possa essere utilizzata per sollevare consapevolezza ambientale in modi innovativi e visivamente impressionanti. L'uso del laser verde non solo attira l'attenzione su una questione normalmente invisibile come l'inquinamento, ma lo fa in modo che sia bello e provocatorio, spingendo il pubblico a riflettere sulla propria responsabilità ambientale.

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Rafael Lozano Hemmer, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, Stati Uniti.

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Questa installazione utilizza lampadine sospese che pulsano in risposta ai battiti cardiaci dei visitatori, catturati tramite sensori.

L'opera esplora la connessione tra individualità e collettività, riflettendo su come la tecnologia possa essere usata per visualizzare aspetti intimi dell'essere umano.

E' un'opera che cattura l'essenza della connettività umana trasformando i battiti cardiaci in impulsi luminosi. L'interazione diretta dei visitatori con l'opera non solo enfatizza l'unicità di ogni individuo, ma anche la collettività dell'esperienza umana, dimostrando come l'arte possa essere un potente medium di connessione e riflessione personale.

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Christo e Jeanne-Claude, Reichstag di Berlino, 1995.

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Ha trasformato l'edificio in un'opera d'arte visivamente sorprendente e temporanea che giocava con i concetti di nascosto e rivelato, sollevando interrogativi sulla transitorietà del potere e della memoria storica.

L'opera ha richiesto la preparazione e la pianificazione per oltre vent'anni e ha coinvolto il lavoro di 90 scalatori professionali e 120 installatori per posizionare circa 100.000 metri quadrati di tessuto, fissati con 15 chilometri di corde blu, creando una curiosa analogia con "Legarsi alla Montagna".

L'installazione è diventata un evento significativo nella cultura visiva contemporanea e nella storia tedesca post-riunificazione.

Evidenzia in modo efficace come un'installazione possa trasformare la percezione di spazi storicamente carichi.

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Antony Gormley, Brooklyn Bridge Park, New York, USA, Maggio 2017 - Settembre 2017.

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Consisteva in una serie di tubi di alluminio che si intrecciavano nello spazio, creando una sorta di "nido" tridimensionale che i visitatori potevano attraversare. L'opera esplorava il confine tra l'ambiente naturale e l'intervento umano, stimolando una riflessione sulla coesistenza di natura e tecnologia.

L'opera di Gormley è un esempio intrigante di come l'arte possa trasformare uno spazio aperto in un'esperienza immersiva che invita alla riflessione sul nostro impatto e interazione con l'ambiente.

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Olafur Eliasson, Louisiana Museum of Modern Art, Danimarca, Agosto 2014 - Gennaio 2015.

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Era un'installazione che ricreava un paesaggio fluviale all'interno di un museo.

Utilizzando materiali naturali come rocce, terra e acqua, l'artista ha trasformato gli spazi espositivi in un ambiente che sfidava i confini tra interno ed esterno, naturale e artificiale.

Eliasson riesce a portare la natura all'interno di uno spazio convenzionalmente artificiale, offrendo una potente riflessione sul nostro ruolo e responsabilità nel preservare questi ambienti naturali.

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Yayoi Kusama,Naoshima, Giappone, Installazione permanente dal 1994.

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La scultura di Yayoi Kusama, situata sull'isola di Naoshima, è un esempio iconico della sua esplorazione continua dei motivi organici e della loro interazione con l'ambiente naturale.

La grande zucca gialla con pois neri è situata in riva al mare, creando un contrasto vivido tra il manufatto artistico e il paesaggio marino circostante.

"Pumpkin" di Kusama non solo attira l'attenzione per il suo design audace, ma diventa anche un simbolo di come l'arte possa armonizzarsi sorprendentemente bene con il suo ambiente, elevando sia l'opera che il paesaggio.

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Ai Weiwei, Tate Modern, Londra, Regno Unito, Ottobre 2010 - Maggio 2011.

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E' un'opera di Ai Weiwei che consisteva in milioni di semi di girasole in porcellana, ciascuno dipinto a mano da artigiani cinesi. L'installazione ha trasformato la Turbine Hall della Tate Modern in un campo di semi, esplorando temi di consumo di massa, lavoro manuale e la storia economica e culturale della Cina.

Questa opera affronta profondamente le questioni di sostenibilità legate alla produzione di massa e ai suoi effetti sui lavoratori individuali, mettendo in luce l'importanza di pratiche più sostenibili e etiche nella produzione globale.

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Janet Echelman, Phoenix Civic Space Park, Arizona, USA, Installazione permanente dal 2009.

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E' una scultura ambientale fatta di reti da pesca riciclate, che si muove con il vento e interagisce con gli elementi naturali. L'opera di Echelman non solo usa materiali riciclati, ma è anche progettata per minimizzare l'impatto ambientale, integrandosi con l'ambiente circostante.

L'arte di Echelman esemplifica come materiali di scarto possano essere trasformati in opere d'arte mozzafiato e funzionali, offrendo una nuova prospettiva sulla sostenibilità e sull'innovazione nel design.

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Elise Morin e Clémence Eliard, Halle d'Aubervilliers, Parigi, Francia, Luglio 2011.

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E' una vasta installazione composta da 65.000 CD usati, trasformati in un paesaggio ondulato che ricopre il pavimento di un'ex fabbrica. Quest'opera vuole sensibilizzare sul problema dei rifiuti elettronici e la necessità di riciclarli per ridurre l'impatto ambientale.

E' un'opera che cattura visivamente l'impatto dello spreco tecnologico e invita i visitatori a riflettere sulla loro impronta ecologica, spingendo verso pratiche più consapevoli di consumo e riciclo.

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Doris Salcedo, Tate Modern, Londra, Regno Unito, Ottobre 2007 - Aprile 2008.

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"Shibboleth" era un'installazione che consisteva in una lunga crepa nel pavimento della Turbine Hall della Tate Modern. Quest'opera simbolizzava la segregazione e i confini nascosti nella società moderna. L'installazione interagiva direttamente con lo spazio, sfidando i visitatori a riflettere sulle divisioni sociali e storiche.

'intervento di Salcedo, profondo e provocatorio, dimostra come un'opera in situ possa diventare un potente strumento di critica sociale, invitando a una partecipazione attiva e consapevole del pubblico.

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Christo e Jeanne-Claude, Central Park, New York, USA, Febbraio 2005.

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"The Gates" consisteva in 7.503 portali arancioni distribuiti lungo i sentieri di Central Park, creando un percorso artistico che interagiva con il paesaggio invernale del parco. Ogni portale era coperto da un tessuto che sventolava con il vento, creando un'esperienza dinamica e immersiva.

Questa installazione celebra il dialogo tra arte e ambiente, trasformando il quotidiano in un'esperienza straordinaria e temporanea che solleva questioni su percezione e partecipazione.

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JR, Varie località in tutto il mondo,  Iniziata nel 2011 - Continua ancora oggi.

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E' un progetto artistico globale che consiste nella creazione di enormi ritratti fotografici di persone comuni, che vengono poi esposti nei luoghi significativi per le comunità rappresentate. Questo progetto ha trasformato spazi urbani e rurali in tutto il mondo, mettendo in luce storie personali e collettive attraverso l'arte visiva.

L'opera di JR è un vivido esempio di come l'arte possa essere utilizzata per coinvolgere e dare voce alle comunità, riflettendo questioni sociali e personali direttamente nello spazio pubblico. "Inside Out" trasforma le facciate urbane in tavole narranti, facendo dell'arte uno strumento di inclusione e di espressione comunitaria.

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Ann Hamilton, Park Avenue Armory, New York, USA,  Dicembre 2012 - Gennaio 2013.

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Consisteva in un campo di altalene appese che, quando utilizzate dai visitatori, attivavano tende bianche che si muovevano lungo i binari del soffitto. Questa opera enfatizzava l'interazione e la connessione tra i partecipanti, trasformando l'esperienza individuale in un atto collettivo.

Hamilton crea un ambiente dove l'azione congiunta dei partecipanti genera una risposta visiva ed emotiva, sottolineando l'importanza delle dinamiche collettive e del movimento condiviso nello spazio condiviso.

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Design I/O, New York Hall of Science, New York, USA,  Installazione permanente dal 2015.

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E' un'installazione interattiva su larga scala che simula un ecosistema vivente nel quale i visitatori possono interagire con ambienti digitali proiettati su grandi schermi. I movimenti e le scelte dei partecipanti influenzano direttamente la salute degli habitat virtuali, collegando azioni individuali a conseguenze collettive.

Questa installazione esplora la sostenibilità e la responsabilità ecologica in un contesto giocoso e coinvolgente.

È una dimostrazione affascinante di come la tecnologia possa essere utilizzata per educare e inspirare azioni congiunte verso obiettivi comuni, mostrando visivamente l'impatto delle nostre azioni sull'ambiente.

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Random International, Museum of Modern Art, New York, USA, Maggio 2013 - Luglio 2013.

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"Rain Room" è un'ambiente interattivo dove l'acqua cade come pioggia, ma grazie a sensori di movimento, i visitatori possono camminare attraverso la pioggia senza bagnarsi. Questa installazione esplora la relazione tra umani, tecnologia e natura, offrendo un'esperienza viscerale di controllo sugli elementi naturali.

Mi affascina nel modo in cui fonde arte e tecnologia, creando un'esperienza che sfida la nostra percezione del controllo e dell'interazione con l'ambiente naturale.

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Jonpasang, Hyundai Motor Group Pavilion, Expo 2012, Yeosu, Corea del Sud, Maggio 2012 - Agosto 2012.

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Consisteva in una gigantesca parete composta da migliaia di cubi meccanici che si muovevano in sincronia, creando vari pattern e forme. L'opera combinava arte, ingegneria e programmazione per trasformare una parete statica in un dinamico display di movimento e luce.

L'installazione offre un'impressionante dimostrazione di come la tecnologia possa essere impiegata per creare esperienze immersive che coinvolgono lo spettatore in modi completamente nuovi, sfidando i confini tra spazio fisico e digitale.

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Padiglione Italia, Biennale di Venezia, Italia, Giugno 2007.

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"La Camera Astratta" è un'installazione interattiva in cui i movimenti dei visitatori influenzano una sequenza di immagini e suoni, creando una narrazione visiva e sonora che cambia continuamente. L'opera trasforma lo spazio espositivo in un ambiente sensibile, dove la partecipazione attiva del pubblico è essenziale per l'evoluzione dell'esperienza.

Questa installazione riflette la capacità di Studio Azzurro di fondere tecnologia e narrazione in un modo che coinvolge attivamente il pubblico, trasformando i visitatori da semplici osservatori a partecipanti attivi.

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Parco archeologico di Baia, Bacoli, Italia, Permanente dal 2019.

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Si tratta di un'installazione site-specific realizzata nel contesto delle rovine antiche di Baia.

Utilizzando proiezioni video e suoni ambientali, l'installazione dà "voce" alle pietre antiche, raccontando storie nascoste del sito archeologico e coinvolgendo i visitatori in un dialogo tra passato e presente.

Questa installazione dimostra l'impegno di Studio Azzurro nel connettere la storia antica con le moderne tecnologie narrative, creando un ponte multimediale che arricchisce l'esperienza culturale dei visitatori.

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Memphis Milano Galleria, Largo Treves 5, 2023.

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Gli oggetti sfuggono alla loro staticità, entrano nello specchio, si impongono nel mondo delle immagini, ne muovono i sogni. I piccoli “teatri” della videoambientazione del 1982 slittano, si sfilano dalla rivendicata relazione con la “realtà” degli oggetti, escono dall’armadio – i monitor del 1982 lo evocavano con la loro profondità fisica e misteriosa –, si specchiano sulle superfici luminose di schermi piatti, in grandi dimensioni.

Una cometa lampeggia e risveglia gli anni Ottanta. Polvere di stelle.

I lucidi inganni di allora, i sogni lucidi di oggi.

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Museo Nazionale e Parco Archeologico di Egnazia, 2022.

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Tecnologie, immagini elettroniche, materiali scenografici e preziosi reperti partecipano a mettere in scena una grande ed emozionante esperienza che coinvolge il pubblico fin dall’ingresso dello spazio espositivo.
La visita si traduce in un’esplorazione subacquea tra l’immaginario e il reale. Un’avventura in un elemento originario che diventa anche conoscenza di luoghi e civiltà alle radici della nostra cultura.

L’invito è a partecipare coralmente e “toccare con mano” questi antichi manufatti che rivelano storie e informazioni accurate.

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Magazzino del sale, Fondazione Vedova, Venezia, 2018.

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Progetti d’acqua è nato dall’osservazione dei disegni progettuali di Renzo Piano e dall’incontro con l’atmosfera straordinaria dello spazio della Fondazione Vedova, con la “macchina scenica” dell’archivio nella semioscurità e le pareti che ancora trasudano sale.

L’ambiente sonoro e la luminescenza delle immagini che galleggiano nello spazio accompagnano il visitatore nella dimensione immateriale del pensiero e dell’immaginazione.

Apprezzo come a tratti l’ambiente viene invaso per alcuni secondi da un flusso d’acqua che “lava” ogni pensiero e ogni tratto, e permette all’intuizione di ritrovare la propria origine e riprendere il ciclo della creazione.

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"Ambienti sensibili", Museo delle Culture di Milano, 2018.

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Ambiente sensibile per le tribù della Valle dell'Omo, all’interno del palinsesto “Geografie del Futuro”.

Un ambiente pensato per ospitare il prezioso lavoro fotografico Kara Women Speak della fotografa e educatrice americana Jane Baldwin. Un lavoro realizzato in dieci anni, raccogliendo le storie delle donne dei popoli indigeni della valle del fiume Omo.

(L’Omo River è da tempo minacciato da speculazioni internazionali, razzismo, furti di terra, sviluppo forzato e violenze genocida)

Come d’incanto, il lento comparire dei volti delle donne Kara, lascia emergere anche le testimonianze, che si intrecciano e sovrappongono prima di tacere e dissolversi lentamente nel gorgoglio delle acque. Infine, a parlare non resta che il fiume.

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Percorso espositivo a Vinitaly, Verona, 2018.

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È il territorio a unire l’universo del Prosecco.

È lo stesso territorio a determinare le peculiarità dei tre Consorzi di produzione.

Forse mai come nella definizione di terroir si è arrivati alla consapevolezza della sinergia virtuosa tra ambiente naturale e attenzione alla qualità dell’intervento umano.

Toccare questo argomento mette in contatto con il principio generatore di queste differenze, avviando le storie video. Brevi e numerose.

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Milano, Padiglione Trentino, EXPO Milano 2015, 2015.

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Il territorio trentino, i suoi prodotti, la sua natura, i suoi miti irrompono nello spazio Expo sia con panorami virtuali che con forti elementi fisici. Il calore del legno racchiude l’allestimento. Al centro svettano tre enormi schegge di pietra dolomia – omaggio alle cime delle tre torri del Vajolet – poggiate su un pavimento di monitor e incorniciate dall’orizzonte virtuale creato da tre grandi schermi alle loro spalle.

Il pubblico vive l’esperienza dello “spirito del luogo”: grandi e piccole ombre di figure fiabesche emergono dai monoliti, proiettate sulle superfici di pietra. Per qualche istante si ascoltano le parole di antiche leggende ambientate tra le Dolomiti.

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James Turrel, Museo Guggenheim, Bilbao, Spagna, Giugno 2019 - Settembre 2019.

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"Into the Light" è una delle installazioni di James Turrell che utilizza la luce come medium principale per esplorare la percezione visiva e la connessione umana con l'ambiente celeste e terrestre. L'opera consiste in una serie di spazi immersivi che manipolano luce naturale e artificiale per creare esperienze sensoriali uniche che sfidano la percezione del reale.

Turrell trasforma spazi architettonici in luoghi di meditazione e introspezione, dove la luce diventa un ponte tra l'umano e l'infinito. L'installazione invita a riflettere sul nostro posto nel cosmo, enfatizzando una connessione profonda con la natura e l'universo più ampio.

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Roger Hiorns, Southwark, Londra, Regno Unito, Settembre 2008 - Gennaio 2009.

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E' un'opera in cui Roger Hiorns ha trasformato l'interno di un vecchio appartamento in una grotta scintillante, ricoprendo le pareti, il soffitto e il pavimento con cristalli di solfato di rame blu cresciuti attraverso un processo chimico. Questa trasformazione ha creato un ambiente surreale e vibrante che invita il pubblico a riflettere sulle possibilità della trasformazione materiale e sulla bellezza nascosta negli spazi abbandonati.

E' una potente dimostrazione di come l'arte possa rivitalizzare e reinterpretare spazi dismessi, offrendo nuove prospettive e esperienze sensoriali attraverso l'uso innovativo dei materiali.

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Chiharu Shiota, Chiesa di San Paolo entro le Mura, Roma, Italia, Aprile 2017 - Luglio 2017.

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E' un'installazione di Chiharu Shiota che consiste in una complessa rete di fili neri che si intrecciano attraverso l'interno di una cappella storica. L'opera crea un dialogo tra il sito storico e i temi della memoria, del silenzio e dell'assenza, trasformando lo spazio in un luogo di riflessione e meditazione.

Shiota utilizza lo spazio della chiesa per esplorare temi profondi e universali, dimostrando come l'arte possa arricchire e trasformare i luoghi, creando un ambiente che invita alla contemplazione interiore e alla tranquillità.

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Phoebe Washburn, Locust Projects, Miami, USA, Ottobre 2011 - Dicembre 2011.

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"Mass Assembly" è un'installazione ambientale dinamica che coinvolge direttamente i visitatori nella creazione dell'opera. Utilizzando materiali di riciclo come legno e cartone, i partecipanti sono invitati a contribuire alla costruzione di un paesaggio urbano in miniatura all'interno dello spazio espositivo. Questa collaborazione collettiva non solo trasforma fisicamente lo spazio, ma promuove anche una riflessione sulla sostenibilità e sul ruolo attivo del pubblico nell'arte.

L'opera di Washburn è un esempio eccellente di come l'arte possa essere utilizzata per costruire comunità e stimolare il dialogo su questioni ambientali e sociali, rendendo ogni visitatore parte integrante del processo creativo.

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Pipilotti Rist, New Museum, New York, USA, Ottobre 2016 - Gennaio 2017.

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E' un'installazione immersiva che consiste in migliaia di luci a LED sospese, ognuna contenuta in un involucro plastico che ricorda una goccia di pioggia. Queste luci cambiano colore e intensità in risposta a una colonna sonora, creando un ambiente che si trasforma costantemente. I visitatori sono invitati a camminare tra le "foreste di pixel" e a immergersi completamente nell'opera, diventando parte dell'installazione stessa attraverso l'interazione e la presenza fisica.

"Pixel Forest" trasforma lo spazio espositivo in un ambiente vivente e pulsante che enfatizza l'importanza dell'esperienza collettiva nell'arte contemporanea.

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Ryoji Ikeda, Park Avenue Armory, New York, USA, Maggio 2011.

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"Transfinite" è un'installazione audiovisiva che trasforma lo spazio in un ambiente immersivo di suoni e immagini digitali. L'opera utilizza proiezioni di codici e dati che scorrono su schermi giganteschi, creando un'esperienza sinestetica che fonde arte digitale e composizione musicale.

L'opera di Ikeda è un viaggio ipnotizzante attraverso il linguaggio dei dati e della tecnologia, offrendo una riflessione sul ruolo crescente che questi elementi hanno nella nostra percezione della realtà.

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Leo Villareal, Bleecker Street Subway Station, New York, USA, Installazione permanente dal 2012.

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"Hive" è un'installazione luminosa situata nel soffitto della stazione della metropolitana e composta da migliaia di luci LED che formano un reticolo esagonale. Le luci cambiano pattern in modo dinamico e interattivo, rispondendo ai movimenti dei treni e dei passeggeri.

Questa opera connette la tecnologia con la vita quotidiana, trasformando un ambiente di transito in un'esperienza visivamente stimolante e interattiva.

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bit.fall, varie sedi, a partire dal 2011.

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Utilizza una serie di valvole controllate da computer per rilasciare gocce d'acqua che formano parole e pattern temporanei, usando come fonte il flusso di notizie in tempo reale da Internet.

Le parole appaiono per un momento prima di dissolversi al contatto con il suolo.

Popp crea un ponte tra il digitale e il fisico, riflettendo sulla natura effimera dell'informazione nell'era digitale.

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Christopher e Marc Bauder, Berlino, Germania Novembre 2014.

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Per commemorare il 25° anniversario della caduta del Muro di Berlino, "Lichtgrenze" consisteva in 8.000 palloncini luminosi disposti lungo il percorso originale del Muro. I visitatori potevano interagire con l'installazione, e i palloncini venivano rilasciati simultaneamente in una serata, simboleggiando la liberazione dalla divisione.

L'opera combina la tecnologia con un evento storico significativo, offrendo un potente messaggio di speranza e rinnovamento attraverso un'esperienza visiva coinvolgente.

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Keywords

Natura

Sostenibilità

"In situ"

Insieme

Tecnologia

Ho scelto di trattare le varie sfaccettature della questione ambientale, dalla "Natura", un punto di partenza, fino a ciò che viene comunemente considerato l'opposto: la Tecnologia.

Le Keywords non sono "mondi isolati", ma sono tutte collegate da un filo logico.

Lo stesso vale per le opere trattate all'interno di ogni sezione, interconnesse.

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Angela Haseltine Pozzi, Esposizioni itineranti in vari luoghi, tra cui giardini zoologici, giardini botanici e musei in tutto il mondo, dal 2010.

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E' un progetto artistico che utilizza rifiuti plastici raccolti dalle spiagge per creare sculture di grandi dimensioni rappresentanti animali marini. Ogni pezzo è progettato per sensibilizzare il pubblico sull'inquinamento plastico negli oceani e stimolare cambiamenti nei comportamenti di consumo.

L'arte di Haseltine Pozzi trasforma i detriti in opere d'impatto visivo che parlano direttamente dei problemi ambientali globali. Le sue sculture sono non solo esteticamente impressionanti, ma fungono anche da potenti messaggi educativi sulla necessità urgente di proteggere i nostri oceani e la vita marina.