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Petit moment d'appréciation critique du spectacle

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Cette impression de découvrir une fourmilière qui avait son réseau de connexions infimes et intimes

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MAIS QUELLE INCROYABLE QUALITÉ LUMINEUSE

Je rêve du jour où je vais pouvoir expérimenter avec ce genre de lumière!!

Cette ampoule permet d'aténuer toutes teintes de couleur laissant seulement l'émanation jaunâtre de la lampe remplir l'espace

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Ce spectacle était une merveilleuse manière de présenter les enjeux d'autrui à un public d'ici ou occidental. Je serais en désaccord complet avec quelqu'un.e qui dirait le contraire. Et j'opposerais à celui-celle qui parlerait trop de sa réalité occidentale sans prendre en compte l'ouverture au monde que ce spectacle a permis.

En sortant du spectacle, déjà très ému devant l'exploit spectaculaire et scénaristique de l'oeuvre, encore à la recherche de mon appréciation de ce que je venais de recevoir, je suis allé fumer avec Antonin comme à notre habitude! Cependant, une de ses collègues en danse est venue nous parler, désemparée et à la suite d'une séance de larmes. Elle nous a rapidement fait savoir comment elle avait perçu ce spectacle. Qu'elle avait revu ces quatre années à l'EDCM. À la charge de travail qu'elle avait subit. Au burn-out qu'elle avait eu à surmonter lors de sa formation. Que ce spectacle l'avait touché parce qu'elle se voyait en ces personnages qui donnaient de leur personne, de leur corps et de leur âme à leur travail.

À cette appréciation, qui à elle seule se tient, mais qu'en relation à une réalité mondialisée et colonisée, j'ai vécu un malaise. Si, comme de fait, la première d'atelier vivait de la détresse professionnelle, le seul risque qu'elle vivait était celle de perdre sa réputation. Je dis seul risque, mais je considère complètement et absolument la santé psychologique. Je ne la rabats pas à un petit problème sociétal. Plusieurs de nos collègues , ici au Québec, ont vécu de la détresse psychologique dans les dernières années et depuis toujours face à la précarité de notre écosystème.

Cependant, de ne nommer que cette partie du spectacle, je ne suis pas d'accord. Le responsable de l'atelier en Inde, par exemple, risquait de perdre son financement. Et de ce fait, risquait de ne pas pouvoir payer ses employés. Ici, c'est une responsabilité communautaire, collective. C'est une question de survie.

C'est donc avec une certaine frustation que j'ai mis cette réflexion de côté pour la soirée. Et à mon habitude, le lendemain m'est venue la vraie manière avec laquelle je voulais aborder et apprécier ce spectacle. Et si ce spectacle était simplement une entrée pour le public pour comprendre un aspect d'enjeux socio-politques, culturels d'autrui? Et si pour un public occidental, il était nécessaire de pouvoir se retrouver sur scène d'une manière plus proche de soi pour ainsi pouvoir faire des parallèles avec la réalité d'autrui.

C'est ainsi que je décide de féliciter l'équipe de Lacrima de permettre de présenter les enjeux socio-économiques, politiques et culturels de pays d'ailleurs à un public d'ici.

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En date d'aujourd'hui, ce spectacle fait certainement parti de mon top 3 de notre voyage festivalier.

Pour cette entrée Padlet, je ne parlerais pas du spectacle, mais bien de cette invitation à reconsidérer le concept même de spectacle.

Comme je l'ai dit en classe, Dorcy me fait requestionner ma propre pratique où je sens que je dois performer mon art, toujours être le meilleur dans ce que je fais. Remettre en question mes capacités conceptuelles et dramaturgiques fait parti de ma réalité d'artiste. Comment proposer le meilleur spectacle.

Mais...

Le rituel comme une invitation à vivre l'extraordinaire d'une histoire, d'une parole, d'un vécu.

Au lieu de...

La production du spectaculaire du spectacle.

C'est rafraîchissant de pouvoir se dire que ce que nous proposer en tant qu'artiste est bien plus qu'un spectacle. Que l'oeuvre que nous créons commencer tout simplement avec cette invitation que l'ont fait à celui-celle qui ne nous connaît pas.

Et que ça peut aussi finir de cette manière-là!

Que l'artifice du spectacle n'émerveillera jamais autant que la sincèrité de l'humain. De l'artiste. De cette présence qui se donne à nous.

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Wayqeycuna m’a laissé dans un état d'apaisement et de trouble — non pas face à ce que je ne comprenais pas, mais devant ce que j’ai trop souvent l’habitude de laisser de côté dans ma vie sociale et politique. Tiziano Cruz ne performe pas : il résiste, il nomme, il expose. Le dispositif scénique est d’une austérité bouleversante, comme si l'espace lui-même avait refusé de détourner l’attention de la parole. J’ai été touché, l’écoute que demande cette œuvre est longue, lente, inhabituelle. Elle met en échec nos attentes spectaculaires. Le fil entre les spectacles est puissant; repenser le spectaculaire pour laisser place au rituel de l'extraordinaire.

Dans l’entretien autant que dans la pièce et la conférence donnée quelques jours plus tôt, Cruz affirme : « Je ne veux pas être exotisé, je veux exister. » Cette phrase m’est restée. Elle m’interroge sur ma place de spectateur et aussi d'artiste immigrant de deuxième génération: suis-je venu pour m’émouvoir d’une histoire que je peux ensuite oublier, ou suis-je prêt à laisser cette voix modifier mon regard, mon écoute, ma pratique artistique ?

L’artiste nous tend un miroir inconfortable : celui de nos privilèges, de nos silences. Et il le fait avec une dignité radicale. Avec tendresse, il nous montre la violence politique qu'il a pu vivre. C’est là la force et la beauté du geste. Mais c’est aussi ce qui fait mal : ce que nous voyons n’est pas du théâtre, c’est une vie exposée, une violence structurante rendue visible.

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J'ai écris quelques fragments sur ce que le spectacle m'a fait ressenti.

Ce n’est pas un costume.
C’est un poids.
Fleurs cousues d’exil,
pompons d’un deuil coloré.
La beauté ici ne soulage pas,
elle expose.

Tu dis : il performe.
Mais non.
Il appelle.
Il répond.

C’est un théâtre de l’intérieur.
Un pays cousu au fil de ta voix.
Un appel qui n’attend plus de réponse,
mais persiste.

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Dans son entretien pour le Festival TransAmériques, Chiara Bersani partage une vision artistique profondément ancrée dans l'expérience vécue des corps marginalisés, en particulier des personnes en situation de handicap. Elle évoque la nécessité de créer des espaces où ces corps peuvent exister pleinement, sans être réduits à des symboles ou des métaphores. Cette approche résonne avec son travail chorégraphique, qui cherche à déconstruire les normes esthétiques et à redéfinir la présence scénique.

Bersani souligne également l'importance de la lenteur et de l'attention dans ses performances, invitant le public à une forme d'écoute et de regard plus profonde. Cette démarche remet en question les rythmes imposés par le système de production et même celle de notre société.

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C'est bien mon spectacle préféré de toute cette traversée festivalière.

C'est tout ce que j'ambitionne dans ma propre pratique.

C'est doux, d'une sincérité effayante et troublante et c'est sans artifice.

C'est drôle dans une autodérision simple.

Les regards sont pénétrants et les sourires réchauffent le corps.

J'y ai ouvert mon coeur et j'ai laissé la proposition scénique remplir les vides de ma vie.

C'est ce à quoi j'aspire proposer au public.

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Critique sur la posture multidisciplinaire

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Critique sur la posture multidisciplinaire

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Leur volonté de créer des œuvres qui échappent aux classifications rigides et qui embrassent l’imperfection est rafraîchissante dans un paysage artistique souvent dominé par la recherche de la perfection et de la virtuosité. En se positionnant en marge des circuits institutionnels, le Bureau de l’APA ouvre des espaces de liberté et d’expérimentation qui permettent de repenser les modes de production et de diffusion artistiques.

C'est rafraichissant de pouvoir voir des spectacles multidisciplinaires de la sorte prennent toute l'amplitude nécessaire à l'élaboration de leur processus de création qui semble bel et bien le fruit d'exploration intensive.

Cependant, il me semble que la complexité de la représentation scénique les a obligé à prendre un discours plutôt dialectique. Comme si parce que la scénographie élargie prenait beaucoup de place, ils se devaient de s'assurer que le texte soit bien compréhensible.

Je suis sorti de ce spectacle sans questionnement, sans réflexion plus poussées. Simplement, parce que je ressens qu'on m'a dit de quoi le spectacle parlait, quelles étaients les interrogrations sociétales qu'il soulevait. C'était très lisible et dialectique bref.

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Stéphane Martelly

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Petite pensée autour de la discussion sur le génocide des Tutsi du Rwanda

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Petite pensée autour de la discussion sur le génocide des Tutsi du Rwanda

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Cette rencontre a été un moment où plusieurs paroles et mots ont résonnés en moi. Les trois panelistes nous ont offert une belle traversée sensible entre mémoire, corps et poésie.

À travers les voix de Dorcy Rugamba, Lisa Ndejuru et Justice Rutkama, on a ressenti combien l’histoire ne s’arrête pas avec les dates, mais se prolonge dans les corps, les silences, les chants. Les mots notés – « se battre avec la beauté et la bonté de l’existentiel » – témoignent d’une volonté de créer malgré la perte. Ce moment a renforcé ma conviction que l’art peut devenir un rituel de réparation, un lieu d’hospitalité pour les mémoires blessées. J'ai noté une belle phrase que Dorcy Rugamba a dit, il faut « faire confiance aux existences en nous ».

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Pensée post-rencontre - Rwanda, hymne à la vie

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Pensée post-rencontre - Rwanda, hymne à la vie

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Lors de cette présentation bouleversante, une notion m’est restée en tête: Le génocide frappe deux fois : au corps puis à l’existence.

Cette idée m’a profondément interpellé. L’art proposé ici n’est pas seulement représentation, il est transformation.

C’est une manière de rendre visible les cicatrices, mais aussi les danses, les chants, les résistances.

Ce que j’en retiens, c’est une exigence de lucidité et de tendresse, une manière de reprendre possession de son histoire malgré les silences. Malgré la violence promue par les médias et les autres oeuvres d'art.

Le langage, le corps, la scène deviennent des lieux de survie, mais aussi d’une nouvelle narration.

Un hommage vibrant à la résilience rwandaise.

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Ce que propose le Bureau de l’APA, c’est moins un récit qu’un terrain d’essai. On y glisse (littéralement!) du haut d’un toboggan vers un jardin en construction, fait de plantes en pots, d’objets du quotidien et de sons bricolés en direct. On cherche ensemble comment vivre, créer, réparer – dans le doute et la joie. Ce théâtre lent, fragmenté, habité, m’a rappelé que penser l’utopie, c’est déjà la commencer. J’en retiens un appel à la vulnérabilité active : faire avec les autres, avec ce qu’on a, et refuser les injonctions à l'efficacité.

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Sur la peau rouge d’une terre inventée,
les corps s’élèvent et vibrent.

Toujours plus fatigués.

Ils dansent l’écho de ceux qui sont partis,
et l’espoir de ceux qui restent.

Toujours avec plus de beauté.

Le tambour bat comme une mémoire,
la voix s’ouvre comme une plaie douce.

Ici, rien n’est à prouver
tout est à ressentir.

C’est la vie
brute, rituelle,
pleine de cris qu’on transforme en lien.

Toujours à partager

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Le mot Ejo, qui signifie à la fois hier et demain en kinyarwanda, m’a profondément touché.

Cette fusion du passé et du futur en un seul mot m’a bouleversé·e : comme si le temps n’était pas linéaire, mais un tissu vivant qu’on recoud par l’art, la mémoire, les gestes de tous les jours.

Sur scène durant ce festival, j’ai vu des artistes qui racontaient, dansaient, rêvaient pour transformer les blessures de leur peuple, de notre société.

Cette idée que nos récits d’hier portent déjà en eux les germes de demain me fait considérer la puissance du collectif.

J’ai senti le théâtre comme un lieu de futur partagé.

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Hier m’a chuchoté dans l’oreille
avec la voix de demain.

Des pas anciens dansent encore
sous la peau des collines.

Le futur pousse, timide,
dans les cendres du souvenir.

Et moi, au milieu,
je tends la main aux deux bouts du temps.

Je la tends à mon ami,

pour créer ensemble.

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J’ai vu la rage devenir danse,
la mémoire devenir battement,
le futur se dessiner à même la peau.
Et dans ce tumulte précis,
j’ai reconnu mon propre besoin de créer ensemble

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Ils dansaient pour les absents,
parlaient pour les invisibles,
respiraient pour les empêchés.
Et moi, dans la salle,
je me sentais moins seul·e.
Comme si le monde,
pendant une heure,
tenait debout.

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Je dépose un souffle,
un fruit,
un mot.

Pour remercier.

L'autre qui m'accompagne,

et celui qui m'apaise.

La terre ne demande rien,
mais elle entend tout.

Nous pouvons lui donner
ce que l'on a de plus vrai,
notre écoute.