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The Big Lebowski: La historia está en los detalles

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The Big Lebowski: La historia está en los detalles

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Una película en donde el plot es lo de menos, y los detalles y personaje son los elementos más importantes. Una película en donde la búsqueda de una alformbra desata una serie de eventos que no tienen nada que ver con la importancia de dicha alfombra. Una película en donde la historia no es guiada por una secuencia de eventos, sino por los comportamientos de los peculiares personajes que se presentan en este mundo.

The Big Lebowski consiste en un mundo contemporáneo y los múltiples estilos de personajes que se encuentran dentro de él, pero simultáneamente siendo manifestado a través de un punto de viste épico, con una poderosa fuerza de identidad que imita a las que eran contadas junto a las fogatas en la época anglo-saxon como Beowulf. Un mundo en donde este personaje, the dude, es tratado como una entidad neutral de respeto y simultáneamente es obligado a lidiar con las impulsivas personalidades y necesidades de todos los personajes secundarios que lo llegan a conocer.  Mundo que, a pesar de ver personajes extras y saber que toma lugar en las ciudades más pobladas de california, se siente solitaria y aislada a el mundo externo.

Por definición de tiempo, una película requiere por lo menos 40 años para ser considerada de culto, sin embargo, considero que esa métrica no es absoluta para las películas del siglo XXI. Actualmente, la transmisión de comunicación entre personas es mucho más eficiente y accesible a como era anteriormente, por lo que el impacto que ciertas películas tienen sobre las audiencias se puede ver en menos de 20 años. Películas como Pulp Fiction, Shrek, y en este caso, The Big Lebowski.

El poner en palabras qué es lo que hace a The Big Lebowski tan especial no es tan fácil como lo creí. Pero Desde los detalles de los personajes siendo tratados como si la audiencia ya supiera todo respecto a ellos, las situaciones sociales en las que la trama intercepta, la alta prioridad que un juego de boliche tiene sobre una historia de secuestro y extorsión, la serenidad y soledad que las escenografías e iluminación emiten, hasta las inmemorables frases de los personajes que ruedan por mi mente en los momentos más inesperados. Estos elementos y muchos más son los que hacen a The Big Lebowski, y a the dude, tan inmemorables a lo largo de las décadas. Sometimes there's a man, well, he's the man for his time and place. He fits right in there.

Coen, E. Coen, J. (Directores). (1994).  The Big Lebowski [film]. Working Title Films.

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Paddington 2: Esta película me hace llorar desde los primeros 10 minutos

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Paddington 2: Esta película me hace llorar desde los primeros 10 minutos

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No es común que la secuela de una película termine siendo más favorable a la primera, pero en el caso de Paddignton, a pesar de ambas ser excelentes películas, la segunda contiene un mundo de personajes que no solo se complementan entre sí, sino que como comunidad se apoyan para ser mejores personas.

Existe una clara diferencia entre películas infatiles y películas familiares. Paddington, a pesar de ser basada en una serie de cuentos infantiles, expresa una serie de lecciones y morales de las que cualquier persona de cualquiera edad se puede beneficiar. Al desarrollar un mundo colorido y amigable a sus entornos, nos muestra a las audiencias de todas las edades de una bondad a la cual los humanos son capaces, a pesar de no ser tan accesible en el mundo real. Los personajes vistos, a pesar de cada uno tener sus fallas morales en diferentes aspectos, son capaces de descubrir cualidades redimibles a causa de la bondad y amabilidad que nuestros personajes principales les demuestran. Especialmente Paddignton, nuestro personaje principal que marca el compás moral del mundo en el que toma lugar.

Paddington 2 demuestra todo tipo de personajes: desde exéntricos vecinos, secundarios con intensiones cuestionables, hasta criminales. Sin embargo, ninguno de estos personajes es representado como un absoluto villano o fuerza negativa. Ni si quiera el principal antagonista de la película, el cual logra demostrar su pasión y amabilidad al crear un musical dentro de la prisión al final de la película. Con este tipo de interacciones, los directores de la película pretenden demostrar a todas las audiencias que no existen personas absolutamente malas, y que todos tienen algo que ofrecer a la comunidad si uno los trata con amabilidad; lección que incluso adultos necesitan ser recordados.

El mundo de Paddington es claramente un mundo idealista para cautivar a audiencias menores, pero su manera de transmitir lecciones y morales a través de este mundo, diseño de set y colores es lo que eleva esta película a ser más que contenido para niños. Es una representación de lo que podría ser, si tan solo nos tratamos entre sí con amabilidad. En la película, este contraste es representado casi inmediatamente en cuanto Paddington se va de un lugar a otro; causando que su comunidad de vecinos regrese a la hostilidad, y que la comunidad de la prisión reviva con bondad y aprecio entre sí. En nuestro mundo no existe un pequeño oso inadvertido a los contextos sociales de hostilidad entre personas y que solo ofrece amabilidad y gentileza, pero si tan solo cada uno intenta imitar algunas de sus cualidades, podríamos acercarnos a este mundo idealista color rosa.

King, P. (director). (2017). Paddington 2 [Film]. StudioCanal.

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Beetlejuice: Personas reales en un mundo surreal

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Beetlejuice: Personas reales en un mundo surreal

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Todos los mundos de Tim Burton son instantáneamente reconocidos por su estética visual, emociones, premisas, tonalidades, e inquietante sensación de inestabilidad.

En el caso de Beetlejuice, este mundo es uno que a primera vista asimila los suburbios americanos de los 80s, sin embargo, a como uno va notando detalle tras detalle, se da cuenta que la fantasía comienza desde el establecimiento del mundo normal. Las casas son enormes y espaciadas, los pastos tan verdes que parecen falsos, los vestuarios y personalidades son más elevados a los arquetipos a los que estamos acostumbrados. Este es un mundo ajeno al nuestra realidad, por más que lo aparente.

Sin embargo, la premisa de fantasía principal de la película se demuestra en cuanto nuestros personajes principales, Adam y Barbara, mueren y son introducidos a el mundo de los muertos en el limbo. A partir de este momento se le presenta a la audiencia una visión sobre la muerte completamente única, ya que proviene de la imaginación y ficción de los directores y escritores. En lo personal, la fantasía del mundo de la muerte en Beetlejuice es una de mis favoritas en el cine, ya que por más ficticio que este mundo sea, incluye fuertemente comportamientos rutinariamente humanos, tales como la burocracia para poder ser recibido en el Centro de ayuda para los recientemente difuntos, el tiempo de espera para ver a tu abogado tratando el caso de tu muerte, la obligación de leer un manual incoherente, y finalmente, un con-artist intentando beneficiarse ofreciendo un servicio tercero a la burocracia gubernamental del mundo de los muertos.

Todo lo mencionado anteriormente es lo que hace Beetlejuice, y en general las películas de Tim Burton, tan icónicas por más fantasiosas que sean. Visual y estéticamente puede ser un mundo completamente ficticio, pero los personajes y sus sentimientos siguen siendo humanos. Sienten lo mismo que nosotros, emplean comportamientos iguales a nosotros, y tienen las mismas frustraciones que nosotros. De esta forma, por más surrealista que sus mundos sean, uno puede seguir empatizando con ellos.

Burton, T. (Director). (1988). Beetlejuice. [Film]. Warner Bros.

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Crazy Ex-Girlfriend: When worlds collide

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Crazy Ex-Girlfriend: When worlds collide

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Crazy Ex-Girlfriend es un ejemplo muy particular del empleo de musicales en televisión. Los números musicales no solo funcionan para representar una secuencia del monólogo interno de los personajes de una manera intrigante y divertida, sin embargo, ese mismo rompimiento del mundo “realista” al mundo formalista se convierte en un significante plot-point que desarrolla al personaje principal a lo largo de la serie.

Los musicales vistos son de estilo satírico y parodia, mimicando arreglos, estilos e incluso clichés musicales de cada género para burlarse de los mismos personajes y sus situaciones. La cantidad de detalles estilísticos que el compositor, Adam Schlesinger, lograba detectar al componer y producir cada canción era más que impresionante. Ahora, agregado a esto, las coreografías, iluminación, vestuario y edición que se les empleaba a cada segmento musical logra que, en mi opinión, pusieran a estos números a un nivel de inmersión y empleo estilístico impresionante. De la misma manera en la que la película Chicago (2002) logra traducir el musical a la pantalla grande sin perder sus encantos y estilo teatral, Crazy Ex-Girlfriend logra unir estos elementos teatrales junto con los cinematográficos televisivos, y en el proceso introduciendo a actores y músicos de teatro a nuevas audiencias en el proceso.

Como fue mencionado anteriormente, el uso de números musicales en un medio serial no es tan común, sin embargo, en Crazy Ex-Girlfriend, estos números emplean una parte importante del plot. Durante las primeras 2 temporadas, uno como audiencia está bajo la impresión de que estos números son solo por entretenimiento y para darle un valor agregado a la serie, no obstante, las 3 y 4 temporadas revelan que este constante rompimiento del mundo real en números musicales es el resultado de el trastorno límite de personalidad (BPD) del personaje principal, y que estos números son la forma en la que ella procesa sus emociones y situaciones que se le presentan.

Los números musicales vistos en la serie funcionan para comunicar de una manera híper-formalista los siguientes escenarios que se le presenten al personaje principal: su propio diálogo interno, su perspectiva sobre el diálogo interno de otros personajes, y finalmente su interpretación sobre interacciones que se le presenten. De esta forma, nuestro personaje principal, siendo un narrador no fiable, nos muestra visualmente y sonoramente las referencias a las que relaciona cada instante de su vida.

Crazy Ex -Girlfriend es una serie como ninguna otra. No solo cuenta una historia completa compleja sobre aceptación personal y salud mental, pero lo hace de una manera única, dedicada y entretenida desde inicio a fin.

Bloom, R. (creator). (2015-2019). Crazy Ex-Girlfriend [Tv Series]. Warner Bros. Television Distribution.

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Cape Fear: hit you where it hurts the most

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Cape Fear: hit you where it hurts the most

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La sexualidad y el erotismo son aspectos naturales de la vida humana que, como todo aspecto de humanidad, refleja aspectos íntimos del comportamiento y psicología de una persona. Aspectos de naturalidad humana en el cine generalmente son representados en una luz positiva y saludable, sin embargo, Cape Fear utiliza estos mismos elementos en contra de los personajes para justificar sus desdichas. Hasta cierto punto, generando una relación traumática entre los personajes y su misma naturalidad.

Desde la introducción de los dos personajes principales, Sam Bowden y Max Cady, introducidos como el claro protagonista y antagonista, la sexualidad forma parte de sus personajes y sus defectos como personas. Sam Bowden, teniendo historial y activo impulso de ser infiel a su esposa, mientras que Max Cady fue convicto por violar y abusar de una menor de edad. Incluso el mismo conflicto entre los dos personajes gira alrededor de la sexualidad de la víctima de Cady, ya que en el contexto del juicio en la épica, la actividad sexual de la víctima pudo haber sido considerada evidencia para devaluar el abuso y trauma de ella. La distinción entre estos dos personajes, a pesar de ambos ser imperfectos, es que Sam posee un compás moral para reconocer sus propias infidelidades y tomar acción para que la víctima de Cady reciba justicia, en contraste a Cady que nunca admite culpa sobre su sentencia.

De esta forma, Cape Fear toma momentos, situaciones y estéticas que en un contexto ajeno pueden considerarse eróticas, pero las situaciones inquietantes y características de los personajes crean esta sensación de repugnación hacia el simple acto. Escenas como Max Cady y Danielle en el auditorio, que en sentido de actuación y dirección son altamente íntimas y eróticas, sin embargo el mismo contexto eleva la tensión y cambia completamente la perspectiva de la audiencia.

Por lo general, Cape Fear no es considerada parte del género erótico ya que su propósito no es general erotismo hacia el público ni pintarlo en una luz estimulante, pero considero que su propósito es tomar las mismas acciones sexuales de los personajes para contribuir a su thriller y character resolution. Entendemos el origen de las acciones de cada personajes, pero como sociedad tenemos un entendimiento de juicio moral que nos permite calibrar cada acción de los personajes.

Scorsese, M. (Director). (1991). Cape Fear [Film]. Universal Pictures.

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El Camino Hacia el Dorado: El camino es la aventura. 

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El Camino Hacia el Dorado: El camino es la aventura. 

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Las películas de Road Trip cumplen el propósito de demostrar un viaje no solo físico de los personajes, sino simultáneamente demostrar un arco del personaje y las dinámicas entre ellos.  El Camino hacia el Dorado emplea estos elementos en camino a una aventura. A pesar de no ser un literal road trip , Miguel y Tulio emplean un viaje que no solo cambia su dinámica ya establecida, sino que plantea una nueva base para emplear nuevas aventuras.

A como comienza la aventura, el público presencia la dinámica entre los personajes a la que están ya tan acostumbrados. Sin embargo, desde un inicio presenciamos las grietas en dicha amistad: Miguel anhelando por algo más que simples grifts, y Tulio envidiando la facilidad de carisma que Miguel posee. Al enfrentarse con el llamado a la aventura (hasta cierto punto involuntariamente), los personajes se enfrentan con la realidad de sus problemas, al igual como sus deseos por algo nuevo.

El Camino Hacia el Dorado sigue perfectamente el viaje del héroe, sin embargo, el enfoque sobre el mismo camino y arco personal de los personajes obtiene una mayor prioridad en la historia, ya que el mismo viaje no termina cuando los personajes llegan a su destino. Al tener que fingir ser dioses sin ser descubiertos, los obstáculos del camino permanecen y su misma amenaza no termina hasta que los personajes se sienten seguros saliendo de la ciudad.

La temática de Road Trip cumple su propósito cuando los personajes enfrentan sus diferencias y necesidades, hacen las paces, obtienen nuevos integrantes para acompañarlos en su dinámica, y siguen hacia la siguiente aventura. En dicha situación los personajes no obtienen exactamente lo que querían, pero sí lo que necesitaban; colocándolos en un punto ideal para seguir buscando nuevas experiencias.

Bergeron, B. Zatzenberg, J. Paul, D. (directores). (2000). The Road to El Dorado [film]. Dreamworks, Universal Studios.

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Spirited Away: Madurar sin la necesidad de hostilidad

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Spirited Away: Madurar sin la necesidad de hostilidad

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El término "coming of age" representa el momento en el que una persona joven se enfrenta con las realidades del mundo que tendrá que navegar a lo largo de su vida, alejándose de la seguridad y protección de casa. Culturalmente hemos visto este momento como el cusp en el que un joven adolescente cumple 18 años, convirtiéndose legalmente un adulto y teniendo que enfrentar dichas responsabilidades. Sin embargo, esta etapa transitoria no siempre tiene que ser hacia la adultez y no siempre tiene que abruptamente alejarte del confort.

Spirited Away toma a una protagonista de alrededor de 12 años siendo separada de su casa, familia, y su mundo a como lo conocía, obligándola a hacer lo necesario para recuperar a sus padres y volver a su mundo. La introducción de Chihiro demuestra a la audiencia que es una niña algo terca, dependiente, y aterrada a lo desconocido como cualquier niño de su edad lo sería; sin embargo no se demuestra mucho de su personalidad en el primer acto. No es hasta que la vemos interactuar con más de las personas del mundo espiritual que como audiencia vemos su gentil, amable y eventualmente, tenaz personalidad.

Forzada en un mundo desconocido, Chihiro hace todo lo posible para rescatar a sus padres, proteger a todos los amigos que hace en el camino, y salvar a Haku sin la necesidad de recurrir a la agresión, enojo o animosidad hacia las personas que se enfrentan en su camino. En ocasiones, esta perspectiva a tratar al mundo llega a afectar al personaje, pero en ningún punto antagoniza a su amabilidad o a las personas que la llegan a afectar. Claro, la mayoría de los personajes con los que Chihiro llega a lidiar no son en sí completamente hostiles hacia ella, pero si algo reservados en su afecto y amabilidad. No obstante, es este mismo cariño y respecto que Chihiro demuestra que logra que todo el staff de la casa de baño demuestre su afecto hacia ella y la apoyen e la búsqueda de sus padres. Misma determinación por ayudar que la lleva a salvar al dios del río que le da el antídoto para salvar a Haku, y misma amabilidad que la ayuda a encontrar un nuevo hogar para Sapo donde sea aceptado.

El viaje de Chihiro refleja cómo alguien tan joven puede confrontar la madurez sin la necesidad de abandonar su juventud y amabilidad. El mundo no tiene que ser hostil, y si uno lo enfrenta con amabilidad y respecto, esa misma energía resonará en uno. Uno está acostumbrado a que, a como uno madura y enfrenta al mundo, tiene que desarrollar piel más gruesa y cerrada hacia otras personas, pero Spirited Away demuestra que no es malo apoyarse entre otras personas y comunidades, ya que todos estamos pasando por viajes similares.

Miyazaki, H. (Director). (2003). Spirited Away [Film]. Studio Ghibli.

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Suciedad, impureza, oscuridad y soledad.

Taxi Driver es una película generalmente opacada por elementos externos a la encapsulación de su misma historia. Sea el crecimiento de la filmografía de Scorsese, la controversia alrededor de la edad de Jodie Foster y su papel, el intento de asesinato de un presidente en la realidad a causa de un fanático de Foster, entre otras cosas. Sin embargo, esta película logra contar más con sus elementos cinematográficos audiovisuales que con su misma narrativa.

Taxi Driver fue publicada en 1976, década ahora conocida como la que marcó los inicios del Neo-Noir, sin embargo para ese entonces, los elementos estilísticos del Neo-Noir no habían sido completamente definidos. Empleando una estética y narrativa encapsulada entre la transición del clásico Film-Noir hacia el vanguardista Neo-Noir. Elementos notorios vistos son la vida dentro de la oscuridad, la intervención con el crimen, morales comprometidas, una activa vida nocturna,  largas tomas inestables, agresivas iluminaciones selectivas y una particular musicalización de Jazz que emplea la misma melodía en todas sus composiciones con ligeras variaciones entre sí. Todos estos elementos transmiten a la audiencia la inestabilidad mental de nuestro protagonista mientras intenta encajar en la vida de claridad y la vida en la oscuridad.

Travis es un personaje no particularmente agradable. Uno como audiencia no sabe mucho de su pasado mas que el hecho de que estuvo en la guerra de Vietmán y que no es del todo honesto con el estado de su vida hacia otras personas como sus padres. Lo que podemos observar es que no es una persona del todo estable mentalmente, desensibilizado hacia el mundo del crimen, y completamente desconectado con el funcionamiento de una sociedad normal, por más que intente cambiar esto. Sabemos que es una persona solitaria, y que quiere dejar de serlo. El rechazo de Betsy (una representación del mundo puro, del mundo de claridad) tras haberla llevado a un cine-porno, junto con los comentarios como "somos diferentes", lo hacen enfrentar su realidad: él es una persona de la oscuridad. En sus propias palabras, él es igual una de esas personas que él mismo considera "scum on the streets"; ensuciando las calles de Nueva York y esperando una buena lluvia para purificar las mismas calles.

Como audiencia omnipresente podemos ver que Travis no es una mala persona, simplemente es complejo. Para el mundo de Taxi Driver, Travis es la persona que, en colapso mental, intentó asesinar al electo presidente, y simultáneamente la persona que salvó a una niña de 12 años de una red de prostitución. Irónicamente, uno de sus momentos más oscuros fue el motivo que lo impulsó a ser aceptado por el mundo de la claridad, y por Betsy.

En paralelo al personaje, la película Taxi Driver de igual manera se encuentra en esta dualidad de los dos géneros; intentando balancear lo clásico con lo desconocido. Riesgo que los llevó a ser nominada a múltiples premios y ser reconocida como una de las mejores películas de Martín Scorsese.

Scorsese, M. (Director). (1976). Taxi Driver. [Film]. Columbia Pictures.

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Predestination: Ciencia ficción como medio de identidad

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Predestination: Ciencia ficción como medio de identidad

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Generalmente unos asocia el género de ciencia ficción con la creación de un mundo completamente nuevo que emplea tecnologías futurísticas para nuestro presente. Predestination emplea una realidad similar a la nuestra, sin embargo incluye un elemento popular en la ciencia ficción: el viaje en el tiempo.

La historia toma lugar entre las décadas de los 40s y los 90s, imitando completamente el estilo a las décadas de nuestra historia. Desde la tecnología de uso contidiano, la ropa que se utiliza, los comportamientos sociales particularmente hacia las mujeres, entre otras cosas. Esta familiaridad logra que para la audiencia, el mundo de la película no es tan distinto al nuestro y por ende logra aterrizar los paralelos y críticas sociales que se hacen a nuestra realidad.

El viaje en el tiempo es un elemento muy visto en películas de ciencia ficción, sin embargo, Predestination implementa este trope como un medio para contar la historia de un solo personaje y llevar a cabo los temas de self-love, identidad, y propósito personal. Es común que se utilice el género para demostrar paralelos en la sociedad actual, sin embargo se tiende a utilizar para reflejar comportamientos sociales más que para reflejar conflictos personales de individuos.

En contraste a comunes películas de viaje del tiempo, Predestination toma todas las paradojas que se pueden crean con el viaje de tiempo y las eleva a un nivel intencional para crear un personaje que, a pesar de solo poder existir en este mundo de ciencia ficción, audiencias se pueden identificar y empatizar con sus conflictos internos.

En lo personal, al no ser una gran entusiasta del género sci-fi, aprecio el enfoque que Predestination le da al desarrollo de personajes más que el desarrollo de un mundo de tecnología avanzada. No por tener un mundo similar al nuestro significa que los personajes de dicho mundo sean menos interesantes. Como menciona la misma película, "cada John/Jane que vive el ciclo tiene experiencias ligeramente diferentes", por lo que cada elemento de nuestra vida nos hace únicos.

Spierig, M., Spierig, P. (Directores).(2014). Predestination  [Film]. Sony Pictures Worldwide Acquisitions.

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"Unfriended", una inmersiva cápsula del tiempo

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"Unfriended", una inmersiva cápsula del tiempo

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Trigger Warning: Suicidio.

Cuando The Blair Witch Project salió a cines en 1999, el estilo cinematográfico convenció a audiencias que la película verdaderamente era un documental y que habrían presenciando la muerte de las personas involucradas. Ahora conocemos ese estilo perfectamente como found footage, estilo utilizado particularmente en películas de terror y que audiencias identifican fácilmente.

El estilo cinematográfico es generalmente implementado con cámaras portátiles (sean cámaras digitales o cámara de celular) siendo controladas por los personajes de la película. Sin embargo, para el año 2014, la película Unfriended implementa un nuevo formato para llevar a cabo dicho estilo. Utilizando el desktop de la protagonista como la perspectiva de la cámara, este captura no solo la conversación principal por Skype entre los personajes, sino que de igual manera refleja el fluir de conciencia de la protagonista, conversaciones simultáneas, y videos/redes que contextualizan la historia sin la necesidad de contarla narrativamente.

A pesar de ser una historia relativamente común en el género de terror, involucrando una "posesión" y actividad paranormal, el formato y la natural actuación de los personajes eleva la tensión y suspenso de la historia, utilizando sus limitaciones de traslado y perspectiva a su beneficio para contar la historia. A pesar de ser una historia sobre el cyberbullying lanzada en una época cuando era mucho más normalizado la anonimidad y toxicidad que se llevaba a cabo en el internet, esta película no se siente como un sermón hacia la audiencia; sino que intenta contar una historia interesante con una premisa a la que cualquier persona que haya crecido con acceso no supervisado al internet entendería.

Por lo general no soy fanática de películas que implementan contextos actuales a la fecha en la que se lanzan porque considero que añejan a la película rápidamente, sin embargo, esta contextualización de internet está tan grabada dentro de la premisa e historia de la película que se convierte en una especie de charm dentro de ella. Quizá son los lentes de nostalgia hablando, pero detalles que elevaron la experiencia para mi fueron:
- la infame terrible conexión de Skype
- El uso de foros como Live Leaks siendo el motivo causante del suicidio de Laura
- El UI de la macbook de la protagonista
- Las miles de tabs que Blaire tenía abiertas en su Chrome, siendo páginas populares en la época
- El uso de páginas como Chatroulette para contactar a ayuda y los comunes tropes de personas que uno se llegaba a encontrar ahí.
- El uso de términos nacidos de internet como "trolls" y "lolcows"
- La música de Spotify de la protagonista siendo hackeada y sonorizando cómicamente la situación en la que los personajes se presentan
- El natural movimiento del mouse y tecleo por la protagonista
- y finalmente, la presencia que el cyberbullying tiene en el plot.

Unfriended nunca fue tomada en serio por las críticas como película de terror, sin embargo considero que en unos cuantos años será considerada como un cult classic no solo por su narrativa y formato, sino también por su encapsulamiento en el tiempo del internet y la etiqueta que se seguía en ese entonces. No solo utiliza su formato y contexto en la época para su beneficio, sino que de igual manera está consciente de las ridiculeces de su audiencia y de sí misma.

Unfriended logra su propósito como película de terror de una manera altamente inmersiva, logra informar sobre los peligros de la anonimidad y toxicidad en el internet, y brinda momentos cómicos que se burla de su misma audiencia.

Gabriazde. L. (director). (2014). Unfriended [Film]. Universal Pictures.

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No confío en cualquier persona que no disfrute Mamma Mia!

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No confío en cualquier persona que no disfrute Mamma Mia!

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Colores vibrantes, texturas naturales, tomas dinámicas, y una enorme sensación de que todas las personas involucradas verdaderamente disfrutan el proyecto. En sí la idea de basar un musical en la discografía de una de las bandas con mayor rango de los 70s y 80s es una idea muy difícil de echar a perder; ahora agrega una isla en Grecia, actores de clase A, y ridículas cantidades de Ouzo, y obtienes en mi opinión una de las películas más memorables y divertidas del milenio.

Mamma Mia! es una película que no se toma a sí misma muy enserio, auto-conciencia que permite disfrutar la absurdidad de la historia pero simultáneamente apreciar el rendimiento de las canciones y visión artística.  El constante rubor natural en todos los actores, el mínimo retoque de maquillaje aplicado a el cast, y los seguidos tropiezo de los diálogos siendo perdonado por la genuina química entre Meryl Streep, Christine Baranski y Julie Waters; al igual como el verdadero cariño que se ve entre Meryl Streep y Amanda Seyfried, e incluso es uso de la población de la isla para cantar los coros de la misma manera en la que obras antiguas tragedias griegas utilizaban al pueblo para cantar los coros contextualizando cada escena, crean este perfectamente encapsulado mundo vibrante y natural al que el público anhela poder entrar a lo largo de la película. De la misma manera en la que múltiples mujeres se incluyen a la secuencia de Dancing Queen al ver a las protagonistas bailar, el mundo creado por la directora Phyllida Lloyd logra que cualquier persona con pulso sienta la misma fuerza y FOMO por ser incluido al ver la película.

Denominada una Chick-Flick por tener protagonistas femeninos, ser un musical, y rodear su historia en el amor romántico, familiar, y sororidad. Mamma Mia! cuenta una historia de amor desde una perspectiva joven, ingenua y optimista; al igual como desde la perspectiva con experiencia, sabiduría y nostalgia. Siguiendo la historia de Sophie y Donna simultáneamente, la película provee dos puntos de vista al que el público se puede relacionar y empatizar, con una basta sombrilla de sub-posiciones a lo largo de todos los personajes (para mencionar algunos: Madre, hija, hopeless romantic, Lone wolf, dificultad económica, daddy issues, amor no correspondido, decepción con el amor, identidad sexual, entre muchos otros), logrando una historia a la que audiencias de múltiples generaciones podrán disfrutar.

Como se puede notar, Mamma Mia! es una de mis películas favoritas. En general el género entero de Chick-Flicks contiene una gran porción de mis películas por miles y miles de motivos, sin embargo el más notorio que debo mencionar es este: Chick-flicks logran contar una buena historia con drama, climax y character development sin la necesidad de excesiva violencia, drama incomodo y visceral para la audiencia, tonalidades demasiado obscuras, gritos, y general agresividad que se ve más prominente en cualquier otro género dirigido por hombres. En pocas palabras, logran contar una buena historia, demostrar personajes interesantes, excelente visión artística, y todo sin olvidar que audiencias ven películas por entretenimiento y para sentirse bien.  La secuencia entera en la que cantan y bailan Dancing Queen me hizo llorar y verdaderamente aún no sé por qué; eso es algo que solo el género de Chick-flicks (y Paddington 2) logran en mi.

Considero que todos deberían ver Mamma Mia! al menos una vez en su vida, y verdaderamente opino que cualquier persona que no disfrute esta película no es de confiar.

Fin de mi rant.

Lloyd, P. (director). (2008). Mamma Mia! [Film]. Universal Studios.

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Mike Myers puede ser molesto pero me definió como persona para bien y para mal

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Mike Myers puede ser molesto pero me definió como persona para bien y para mal

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Durante los principios del milenio, surgió un subgénero de películas con visual y trama dirigido hacia niños, pero con subplots, contextos y comportamientos de personajes dirigidos hacia un público mayor que pueda disfrutar la película dentro de cualquier demográfica. The Cat in the Hat (2003) es una adaptación a la historia de Dr. Seuss con el mismo nombre, sin embargo, el contexto de la época en la que salió, los actores involucrados, el guión, y el particular diseño visual que encapsula a los personajes dentro de un punto medio entre el mundo caricaturesco y el mundo real, logra que esta película resalte como una entidad completamente independiente a la historia en la que se basa.

The Cat in the Hat califica dentro de géneros como infantil, comedia fársica, parodia y sorprendentemente comedia negra. Su comedia consiste primoridalmente en el flujo de la convesación entre los personajes, situaciones/acciones de exagerada fisicalidad, y peculiaridades visuales. Una de las principales críticas dirigidas hacia esta película es que mucha de su comedia depende excesivamente de la personalidad y conocimiento del comediante Mike Myers, ya que muchos de los manierismos cómicos y referencias que El Gato (Mike Myers) hace aluden directamente a otros personajes de Mike Myers, tales como Austin Powers, Wayne Campbell, Fat Bastard, Goldmember, entre otros. Sin embargo, mi contra-argumento es que esto no es diferente a las películas de Adam Sandler, Eddy Murphy y Jim Carey, en las que el personaje es completamente idéntico al comediante que lo interpreta. Incluso podría argumentar que al menos Mike Myers en su época de mayor fama se esforzaba en crear personajes completamente únicos que se diferencian entre sí.

A pesar de aparantemente ser una película sin mayor profundidad al propósito de entretener, The Cat in the Hat cuenta una historia sobre responsabilidad y la complejidad de dinámicas familiares, utilizando al personaje de alivio cómico como la misma fuerza impulsando a los niños a aprender de la responsabilidad e importancia de la familia. De esta forma, no solo logra enganchar a la audiencia infantil con su historia y visuales, sino que de igual manera transmiten un mensaje del que ambos padres de familia y los hijos se pueden beneficiar.

En lo personal, no estoy completamente segura si mi apego a esta película es por la familiaridad de verla múltiples veces desde que tengo memoria o si verdaderamente es por su interesante caracter y forma de contar una historia. Lo que sí puedo decir es que puedo acreditar múltiples elementos de mi personalidad y humor a ella, por lo cual la considero una excelente película de comedia que todos deberían ver al menos una vez.

Welch. B. (Director). (2003). The Cat in the Hat [Film]. Universal Pictures.

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Dog Day Afternoon es una película de género de crimen dramático biográfico, dirigida por Sidney Lumet en 1975. Basada en la historia real de John Wojtowicz y Robert Westenberg, la película los representa como los personajes Sonny Wortzik y Sal Naturile, interpretados por Al Pacino y John Cazale respectivamente.

En contraste a comunes películas de crimen dramático, Dog Day Afternoon sigue la protagonización del personaje cometiendo el crimen y no de las personas intentando detenerlo, lo cual provee mayores capas y complejidad a la historia, haciendo que no todo sea blanco y negro ante los ojos de la justicia, sino múltiples capas de gris. Al involucrarse la policía, los medios, y el público protestante, la película refleja sutil pero eficientemente el conflicto interno que Sonny y Sal sienten al estar en una posición responsables del bienestar de los rehenes involucrados y su propia libertad. Esta creciente ansiedad y estrés que Sonny transmite a lo largo de la película, al igual como sus interacciones con los rehenes, comunican a la audiencia la complejidad del personaje y su necesidad económica, logrando que no solo el público fuera del banco empatice con él, sino también la audiencia viendo la película.

Parte del drama que genera esta película consiste en que, al ser una adaptación de un crimen real, uno como audiencia ya sabe que la historia terminará con el protagonista siendo atrapado, sin embargo, los mismos arcos y niveles que genera la historia desde la negociación con la policía, los contextos sociales sobre las huelgas en la prisión de Attica, el tabú de la homosexualidad en la época, y la identidad sexual de la pareja de Sonny, logran que el mismo viaje a través de la historia sostenga tanto peso emocional como el final.

Ya como un detalle personal, parte del drama e involucración emocional que para mi logró Dog Day Afternoon continua en la vida real después de que la película se volvió exitosa. La persona real que llevó a cabo el robo del banco, John Wojtowicz, recibió alrededor de $100,000 dólares por los derechos de su historia; dinero que utilizó para finalmente pagar la cirugía de reasignación de sexo de su pareja como inicialmente quería hacer al robar el banco. Sin embargo, Wojtowicz vivió el resto de su vida peleando por las regalías que le fueron prometidas y nunca recibió; mientras que los involucrados en la producción de la película recibían premio tras premio por su adaptación.

Referencia:
Lumet, S. (Director). (1975). Dog Day Afternoon [Film]. Warner Bros.