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피에르 조제프 르두테는 18세기 후반과 19세기 초반 프랑스에서 가장 유명한 식물 화가 및 삽화가였다. 그는 당대 저명한 식물학자들의 출판물을 위해 협력하기도 하였으며 특히 꽃과 식물을 주제로 한 그의 섬세하고 부드러운 작품들은 당대 프랑스 궁정에서 큰 총애를 받았다.

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에바 알머슨은 스페인 출신의 화가로 둥그스름한 얼굴에 파마머리를 한 여성 캐릭터를 주인공의 일상의 순간을 묘사함으로써 삶의 즐거움과 소중함을 일깨우는 작품을 그리는 예술가이다. 그녀는 회화, 판화, 조각, 설치, 디자인 용품 등으로 작품을 제작하고 많은 아트 콜라보레이션을 진행하여, 그녀의 작품은 사람들의 삶 깊숙이 자리잡고 사랑 받고 있다.

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'for you'

에바 알머슨은 스페인 출신의 화가로 둥그스름한 얼굴에 파마머리를 한 여성 캐릭터를 주인공의 일상의 순간을 묘사함으로써 삶의 즐거움과 소중함을 일깨우는 작품을 그리는 예술가이다. 그녀는 회화, 판화, 조각, 설치, 디자인 용품 등으로 작품을 제작하고 많은 아트 콜라보레이션을 진행하여, 그녀의 작품은 사람들의 삶 깊숙이 자리잡고 사랑 받고 있다.

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에바 알머슨은 스페인 출신의 화가로 둥그스름한 얼굴에 파마머리를 한 여성 캐릭터를 주인공의 일상의 순간을 묘사함으로써 삶의 즐거움과 소중함을 일깨우는 작품을 그리는 예술가이다. 그녀는 회화, 판화, 조각, 설치, 디자인 용품 등으로 작품을 제작하고 많은 아트 콜라보레이션을 진행하여, 그녀의 작품은 사람들의 삶 깊숙이 자리잡고 사랑 받고 있다.

에바 알머슨(Eva Armisen)은 1969년 스페인 사라고사(Zaragoza)에서 태어났다. 어린 시절부터 그림 그리는 것에 흥미를 느낀 알머슨은 바르셀로나 대학교(University of Barcelona)에서 미술을 전공했다. 그리고 네덜란드 암스테르담(Amsterdam)의 리트벨트 아카데미(Rietveld Akademie)에서 회화 훈련을 이어나간 뒤, 스페인의 팔마데마요르카(Palma de Mallorca)에 있는 필라르 호안 미로 재단(Joan and Pilar Miró Foundation)으로부터 지원금을 받았다.

그녀는 1994년 첫 개인전을 열었고 스페인 코카콜라 CF광고를 통해 대중들에게 이름을 알렸다. 이후 그녀는 서울, 로스엔젤레스, 홍콩, 싱가포르, 리스본, 대만, 상해, 멜버른과 같은 세계 주요 도시의 단체전, 미술 박람회, 아트 페어에 참여하거나 개인전을 열면서 국제적인 화가로 성장했다. 알머슨은 현재 바르셀로나의 상트 퀴르제(Sant Quirze)에서 남편 마크 패롯(Marc Parrot)과 함께 살며 활동하고 있다. 그녀는 작품 제작 및 전시, 도서 삽화, 세계 각국의 브랜드와 아트 콜라보레이션 등 다양한 활동을 하고 있다.

알머슨은 일상에서 찾을 수 있는 지극히 평범한 순간들을 포착하여 동화 속 한 장면처럼 그린다. 이를 통해 그녀는 삶의 작고 소박한 순간을 소중히 간직하는 즐거움을 우리에게 상기시키고, 활력 있고 낙천적인 삶을 살 것을 제안한다. 그녀는 둥근 얼굴에 파마머리를 한 여성을 주인공으로 삼아 그녀의 일상, 가족의 모습 등을 그린다. 그녀의 작품 속에 등장하는 인물은 모두 얼굴에 달콤한 미소를 띠고 있고, 화면 전체는 따뜻한 색감으로 이루어져 있다.

알머슨은 복잡한 이야기나 상징적인 도상을 활용하기보다 일상의 모습을 보여줄 수 있는 아주 간단한 도상만을 활용하여 담백한 화면을 구성한다. 이러한 그녀의 작품은 삶의 이야기를 무겁지 않게 전달하여 사랑, 애정, 신뢰, 믿음, 휴식 등 살면서 필요한 태도를 돌아보게 하는 힘을 가지고 있다. 또한 간결한 화면 속에 자신의 일상을 대입해봄으로써 상상의 나래를 펼칠 수 있는 힘을 내포하고 있다. 이러한 그녀의 작품은 남녀노소 나이를 불문하고 많은 이들에게 애호되고 있으며, 삶의 행복과 사랑, 동심을 일깨우는 회화 등의 수식어로 설명되곤 한다.

그녀는 유화와 판화를 가장 많이 사용하여 작품을 제작한다. 아트 콜라보레이션을 하는 경우 실행목적에 따라 조각, 공공 설치, 광고, 영화와 텔레비전 등의 매체를 사용하기도 하며, 그녀의 작품을 프린팅한 디자인 용품을 제작하기도 한다. 알머슨은 국내에선 롯데갤러리, 세종문화회관, 소울 아트 스페이스(Soul Art Space) 등에서 전시를 개최했고, 스킨푸드, 여성 의류브랜드 오즈세컨, 하나은행 등과 콜라보레이션을 했다.

2016년 5월에는 제주도 우도를 방문하고 해녀를 주제로 한 그림을 제작함으로써 해녀가 인류무형 문화유산에 등재되는데 기여했다. 그녀의 해녀 그림은 2016년 고희영 감독의 해녀 다큐멘터리 영화 '몰숨'에서 선보여졌고, 2017년 '엄마는 해녀입니다' 책 삽화로도 출간되었다. 그녀의 작품은 서울의 코오롱 그룹, 가나아트파크(Gana Art Park)를 비롯한 전 세계의 미술관, 박물관, 개인 컬렉터에게 소장되어있다.

에바 알머슨은 순수미술과 산업미술을 넘나들며 미술품 애호가부터 일반 대중에게까지 두루 사랑 받는 화가이다. 그녀는 수수하고 담백한 여성 캐릭터를 통해 삶의 이유와 살에 대한 즐거움을 깨닫게끔 하며, 삶에서 사람간의 관계성이 얼마나 중요한 요소인지 인식하게끔 만든다. 그녀의 작품은 사람들에게 이러한 지점들을 느끼게 강요하지 않으며, 그림을 보고 이해하면서 자연스레 떠오르도록 만든다. 이와 같은 알머슨의 작품은 삶에 지치고 힘든 현대인들에게 쉽고도 친절한 작품으로 받아들여지고 있는데, 이는 각종 아트페어에 지속적으로 알머슨의 작품이 출품되고 판매되는 현상으로 나타나고 있다.

단순하고 컬러풀한 알머슨의 작품은 다양한 매체로 제작하는데 유리함에 국내외 다양한 회사들과 아트 콜라보레이션을 통해 생활용품, 문구용품, 포스터 등으로 만들어져 대중들에게 한층 가까이 다가갈 수 있는 장점을 지니고 있다. 알머슨은 비록 우리가 흔히 말하는 예술계의 거장, 대가는 아니다. 그러나 남녀노소, 세대불문 편차 없이 사랑 받는 대중성 높고 따뜻한 작가이며, 자신의 작품을 브랜드화하고 시대의 흐름을 읽을 줄 아는 예술가로 평가할 수 있을 것이다.

* 에바 알머슨 공식 홈페이지
* 세종문화회관
* 변현진, 「에바 알머슨 작품 연구 - 보편성의 미, 미술과 디자인의 탈경계를 중심으로 -」, 한국콘텐츠학회 논문지 16, 한국콘텐츠학회, 2016, PP. 435-447.

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개요 에바 알머슨은 스페인 출신의 화가로 둥그스름한 얼굴에 파마머리를 한 여성 캐릭터를 주인공의 일상의 순간을 묘사함으로써 삶의 즐거움과 소중함을 일깨우는 작품을 그리는 예술가이다. 그녀는 회화, 판화, 조각, 설치, 디자인 용품 등으로 작품을 제작하고 많은 아트 콜라보레이션을 진행하여, 그녀의 작품은 사람들의 삶 깊숙이 자리잡고 사랑 받고 있다.

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샤를 루이야르는 19세기 후반 에펠탑을 소재로 판화 작품을 제작한 19세기 후반~20세기 초반의 판화가이다

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반 고흐는 《반 고흐의 방》이라는 이름으로 세 작품을 그렸다. 가장 오래된 버전은 1888년 10월 중순에 아를에서 그려진 것으로, 반 고흐가 ‘남프랑스 아틀리에’라는 예술가 공동체 구성을 위한 프로젝트를 준비하면서 고갱이 오기를 애타게 기다리던 시기이다. 반 고흐는 10월 17일 고갱에게 보낸 편지에서 본인의 전반적인 회화 구성에 대해 묘사하며 자신은 공간을 기묘하게 변형시켜 모티프에 적용한다고 강조했다. 하지만 안타깝게도 고갱과 반 고흐의 만남은 비극적으로 끝나고 말았으며, 그로부터 얼마 후 반 고흐는 요양원 생활을 하게 되었다. 이후 일어난 홍수로 인해 작업실에 방치해 두었던 최초의 《반 고흐의 방》 일부가 손상되었다. 이 최초의 작품은 현재 암스테르담의 반 고흐 미술관에 소장되어 있다. 이후 1889년에 생레미 요양원에서 나온 그는 같은 주제로 두 점의 작품을 더 그렸다.

이중 하나는 원본과 동일한 크기로 현재 시카고 미술관에 보존되어 있으며, 어머니와 여동생 윌을 위해 그린 나머지 하나는 현재 오르세 미술관에 소장되어 있다. 친구이자 화가인 에밀 베르나르에게 보낸 편지를 모은 서신집의 554번째 편지에서 반 고흐는 이 작품을 그릴 수 밖에 없었던 이유에 관해 설명했다. 그는 색채의 상징주의를 이용하여 고요함을 표현하고, 방의 간결하고 단순한 모습을 부각시키고 싶었다고 말하며 다음과 같이 묘사했다. “나는 흐린 남보라색 벽과 금이 가고 생기 없어 보이는 붉은색 바닥, 적색 느낌이 감도는 노랑색 의자와 침대, 매우 밝은 연두색 베개와 침대 시트, 진한 빨강의 침대 커버, 오렌지색 사이드 테이블, 푸른색 대야, 녹색 창문과 같은 다양한 색조를 통해 절대적인 휴식을 표현하고 싶었다”. 그는 이렇게 다양한 색조를 표현하기 위해 일본풍 채색 비단의 모티프와 판화 기법을 참고했지만, 실상은 본인이 의도했던 일본식 단순함과는 거리감이 있다.

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이 그림은 수십 개의 다른 형태-티셔츠와 냉장고에 붙이는 자석-로 복제되었던 근대미술에 있어 가장 친근한 이미지 중 하나이다. 이 그림이 엄청난 인기를 끄는 이유에 대해 많은 사람들은 보편적인 경험을 묘사했기 때문이라고 주장한다. 즉, 이 그림에는 일상생활의 긴장과 스트레스가 담겨있다는 것이다.

그러나 사실 이 그림은 에드바르트 뭉크(1863-1944)가 1892년에 앓았던 끔찍한 공황발작이라는 매우 개인적인 경험에서 나온 것이다. 뭉크는 자신이 크리스티아니아(현 오슬로) 교외에서 산책하고 있었을 때 이 증상이 어떻게 나타났는지를 다음과 같이 묘사하였다, "어느 날 저녁, 나는 친구 두 명과 함께 길을 따라 걷고 있었다. 한쪽에는 마을이 있고 내 아래에는 피오르드가 있었다. 나는 피곤하고 아픈 느낌이 들었다. ‧‧‧ 해가 지고 있었고 구름은 피처럼 붉은색으로 변했다. 나는 자연을 뚫고 나오는 절규를 느꼈다. 실제로 그 절규를 듣고 있는 것 같았다. 나는 진짜 피 같은 구름이 있는 이 그림을 그렸다. 색채들이 비명을 질러댔다."

뭉크는 충격파처럼 인물의 얼굴을 원초적 두려움의 모습으로 변형시키는 일련의 요동치는 선을 통해 절규를 묘사하였다. 화가는 또한 그의 뒤에 걸어오는 두 명의 인물을 아무렇지도 않게 그림으로써 이 효과를 강조하였으며, 결국 이 트라우마는 외부세계에서 온 것이 아니라 자기 자신의 마음에서 기인했음을 암시하였다.

논평가들은 이 사건의 원인이 뭉크의 허약한 정신상태나 알코올중독 아니면 단순한 광장공포증으로 인한 것이라고 추정하였다. 뭉크는 이 그림의 모사작에 연필로 "미친 사람만이 그릴 수 있는 것이었다."라고 썼다.

[네이버 지식백과] 절규 [The Scream] (죽기 전에 꼭 봐야 할 명화 1001점, 2007. 8. 20., 스티븐 파딩, 하지은, 한성경, 제프 다이어, 위키미디어 커먼즈)

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오르세 미술관 소장 샤를 루이야르의 작품들의 경우 에펠탑(Tour Eiffel)을 설계한 건축가 귀스타브 에펠(Gustave Eiffel)의 컬렉션 일부였으며, 이후 베르나르드 가넷(Bernard Granet)과 그녀의 자녀 솔란지 가넷(Mlle Solange Granet)에 의해 1981년 오르세 미술관에 기증된 것임을 알 수 있다.

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빈센트 반 고흐의 대표작 중 하나로 꼽히는 <별이 빛나는 밤>은 그가 고갱과 다툰 뒤 자신의 귀를 자른 사건 이후 생레미의 요양원에 있을 때 그린 것이다. 반 고흐에게 밤하늘은 무한함을 표현하는 대상이었고, 이보다 먼저 제작된 아를의 <밤의 카페 테라스>나 <론 강 위로 별이 빛나는 밤>에서도 별이 반짝이는 밤의 정경을 다루었다. 반 고흐는 동생 테오에게 쓴 편지에서 “오늘 아침 나는 해가 뜨기 한참 전에 창문을 통해 아무것도 없고 아주 커 보이는 샛별밖에 없는 시골을 보았다.”고 했다. 이 샛별은 그림 가운데 왼쪽에 있는 커다란 흰 별일 것이다. 그가 그린 밤하늘에서는 구름과 대기, 별빛과 달빛이 폭발하고 있다. 황량하고 짙은 파란색 하늘은 세상의 종말을 연상케 하고, 그 위로는 구름이 소용돌이치며 떠있다. 달과 별의 둘레에는 뿌옇게 무리가 져있다.비연속적이고 동적인 터치로 그려진 하늘은 굽이치는 두꺼운 붓놀림으로 불꽃같은 사이프러스와 연결되고, 그 아래의 마을은 대조적으로 평온하고 고요하다.

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주인 부부와 어미닭의 다급한 몸짓과 혼비백산한 병아리들, 그리고 나동그라진 자리들과 방건(方巾)의 소도구들이 자아내는 긴박한 정황의 묘출도 훌륭하지만, 오른편 상단의 주인마님에서 왼편 하단의 넘어진 병아리 쪽으로 그 크기를 줄여서 이어지는 대각선상에 황망히 움직이는 동세를 실어 극적인 분위기를 고조시킨 구성 또한 뛰어나다. 특히 화면의 왼쪽 방향으로 도망하는 고양이를 향하여 시선을 쏠리게 하고, 쫓기는 고양이의 시선을 따라 주인 부부의 모습을 교차시켜 양쪽의 갈등 어린 심리를 재치 있게 대비시켜 긴장감을 유발하게 한 화의는 매우 절묘하다.

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금화에서 금성을 거쳐 내금강으로 들어가려면 단발령(斷髮嶺)을 넘어야 하는데 그곳에 올라서면 비로봉을 주봉으로 하는 금강산 일만이천봉의 백색화강암 암봉들이 마치 한 떨기 하얀 연꽃송이처럼 눈앞에 떠오른다고 한다. 그 감흥을 겸재는 부감하는 시각으로 포착하여 내금강 전경을 한 화폭 안에 담아내었다. 이는 겸재가 노년기에 터득한 우주 자연의 섭리를 조선성리학에 투영시켜 진경산수화로 반사해낸 결정체라 할 수 있다.

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실제로 뭉크는 본인 스스로가 죽음과 동거했다는 말을 할 정도로 인생 전체가 불안과 죽음 그자체 였다. 그는 어렸을때 어머니, 큰 누나가 결핵으로 세상을 떠나는 걸 목격했으며 여동생은 정신병을 앓았다. 게다가 뭉크는 광신도가 된 아버지에게 엄격하고 무시무시한 교육을 받고 살아왔으며, 매질을 당하고 호되게 혼나는 일이 하루에도 여러 번이었다고 한다.

이런 불행한 유년시절의 영향과 허약한 몸으로 그는 성장하면서 결핵 등의 병을 안고 살아갔고, 그의 여러 작품에서 보이는 와류 같은 흐름이나 붉은 묘사 등은 그의 트라우마나 슬프고 암울하게 살아온 인생에서 기인한 것이라고도 한다.[4] 절규 역시 그러한 그의 인생을 표현한 작품 중 하나였으니 그의 그림에서 두려움, 슬픔, 피 같은 묘사가 보이는 것도 예외는 아니다.

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송수남(宋秀南)은 한국 현대 화가로, 그의 호는 남천(南天), 완산(完山)이다. 그는 1938년에 전라북도 전주(全州)에서 태어났다. 송수남은 전주공업고등학교를 졸업한 뒤 1956년에 홍익대학교 미술대학 회화과에 입학했다. 그는 대학에서 3년간 서양화를 배웠으나, 군복무를 마치고 복학할 즈음에 한하운(韓何雲)의 시 '전라도 길'(이칭 가도 가도 황톳길)을 읽은 뒤 한국의 것을 그려야 한다는 생각에 동양화과로 전과를 했다. 이러한 그의 결심에는 어린 시절에 조부를 통해 빈번하게 접한 수묵화의 영향도 작용했다고 한다.

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남천 송수남은 한국 현대 화가로, 한국적이고 현대적인 수묵화에 대한 고민을 바탕으로 1980년대에 수묵화 운동을 주도했다. 그의 작품과 저술은 현대 한국화가 나아가야 할 방향을 제시했다고 평가받는다. 2004년에 홍대 미대에서 퇴임한 뒤 10여년 간은 한국화 외에 유화나 아크릴화로 꽃 그림을 제작하기도 했다.

송수남(宋秀南)은 한국 현대 화가로, 그의 호는 남천(南天), 완산(完山)이다. 그는 1938년에 전라북도 전주(全州)에서 태어났다. 송수남은 전주공업고등학교를 졸업한 뒤 1956년에 홍익대학교 미술대학 회화과에 입학했다. 그는 대학에서 3년간 서양화를 배웠으나, 군복무를 마치고 복학할 즈음에 한하운(韓何雲)의 시 '전라도 길'(이칭 가도 가도 황톳길)을 읽은 뒤 한국의 것을 그려야 한다는 생각에 동양화과로 전과를 했다. 이러한 그의 결심에는 어린 시절에 조부를 통해 빈번하게 접한 수묵화의 영향도 작용했다고 한다.

송수남은 1962년 제11회 대한민국미술전람회(大韓民國美術展覽會, 국전) 동양화부에서 '달무리가 있는 달'(1962)로 입선하며 본격적인 화단 활동을 시작했다. 그는 1969년에 신문회관에서 첫 개인전을 개최했으며, 이후 일본, 인도, 미국, 스웨덴 등 해외 각지에서도 전시를 개최했다. 송수남은 해외여행을 계기로 한국적 수묵화에 대한 고민을 시작했고, 1980년대에 작품과 저술 등을 통하여 현대 수묵화 운동을 주도했다. 그는 '한국화'라는 용어를 정립하고 사용하는 데에 앞장서기도 했다.

송수남은 홍익대학교 미술대학 동양화과 교수로 재직했으며, 2004년에 정년 퇴임을 했다. 그는 작품활동을 지속했으며, 2010년에는 고향인 전주에 돌아왔다. 송수남은 2013년에 급성 폐렴으로 인해 사망했다.

송수남은 미술대학 재학 시기와 등단 초기에 국전에서 선호되었던 작품들과는 다른 경향의 작품을 제작하여 주목을 받았다. 당시 국전의 동양화부에서는 섬세한 인물화가 주류를 이뤘지만, 송수남은 추상적인 화면을 그렸다. 이는 1950년대 후반부터 유럽과 미국의 추상표현주의가 한국 화단에 들어오면서 동양화 분야에도 영향을 미친 것과 관련이 있다. 동양화 단체인 묵림회(墨林會)에서 당시에 서양 추상표현주의에 영향을 받은 동양화를 많이 제작했다. 송수남은 묵림회의 일원은 아니었으나 비슷한 경향의 작품들을 제작했다. '묵상'(1962)과 같은 송수남의 1960년대 초반 작품들은 먹이 번지면서 형성된 우연한 형태들로 화면 전체가 구성되었다. 그러나 1964년부터는 그의 작품들에 점차 구체적인 대상의 형상이 회복되는 양상이 나타난다. 산, 기와집 등의 형태가 확인되는 '한국풍경'(1964) 등이 이에 해당한다.

1970년대에 송수남은 전통적인 산수화에 현대적인 감각을 가미한 작품들을 제작했다. 이 시기 그의 작품들에는 화면 전체를 지배하는 수묵의 번짐이나 얼룩보다 섬세한 산수 표현이 두드러져 있다. '산수'(1977), '청산풍경'(1978) 등이 이에 해당하는데, '청산풍경'에서는 빨간색, 파란색 등 강렬한 채색이 사용되기도 했다.

1970년대 말부터 송수남은 수묵 위주의 작업을 시작했다. 그는 강렬한 채색보다 먹의 농담에 다채로운 변화를 주는 것에 중점을 두었다. 이 시기에 수묵화 운동을 주도했던 송수남은 전통회화 제작에 있어서 특히 선비사상, 곧은 정신 등을 중시했다. 그는 '산과 구름'(1982), '자연과 도시'(1984-1988) 연작, '붓의 놀림'(1983-2000년대 초반) 연작 등을 제작했다. 이 중 '자연과 도시' 연작은 송수남식의 현대적인 실경산수화(實景山水畵)로 평가받으며, 추상적인 화면의 '붓의 놀림' 연작은 송수남이 강조했던 지필묵의 관계에 의한 순수한 수묵의 조형성을 잘 보여주는 작품으로 평가받는다. 지필묵은 전통회화의 재료인 종이와 붓, 먹을 뜻한다.

송수남은 한국화 외에도 판화에 관심을 가져 판화개인전을 개최한 바 있다. 또한 그는 홍익대학교 정년 퇴임 이후 10여년 간 아크릴과 유화로 꽃 그림을 그리기도 했다. 그는 화사하고 밝은 색의 꽃들이 화면 전체를 가득 메운 작품을 제작했다.

송수남은 오랜 작품활동 기간 동안 전통회화의 본질을 찾는 것에 지대한 관심을 보였던 작가로 평가받는다. 그는 한국의 정체성과 현대성이 아우러진 현대 한국화를 정립하고자 했고 한국화가 나아가야 할 방향을 제시하고자 노력했다는 점에서 긍정적으로 평가받는다.

* 김현화, 「 송수남의 〈붓의 놀림〉 연작 -한국적 정체성과 모더니즘의 동시적 구현과 그 간극」, 『미술사와 시각문화』 16, 2015, pp. 174-207.
* 네이버, 「 송수남」, 『인생스토리』, 2013
* 이민수, 「1980년대 송수남의 한국화, 전통과 현실 사이의 표상」, 『미술사논단』 40, 2015, pp. 101-127.
* 이보미, 「남천 송수남의 수묵추상작품에 관한 연구」, 전북대학교 대학원 석사학위논문, 2018.

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개요 남천 송수남은 한국 현대 화가로, 한국적이고 현대적인 수묵화에 대한 고민을 바탕으로 1980년대에 수묵화 운동을 주도했다. 그의 작품과 저술은 현대 한국화가 나아가야 할 방향을 제시했다고 평가받는다. 2004년에 홍대 미대에서 퇴임한 뒤 10여년 간은 한국화 외에 유화나 아크릴화로 꽃 그림을 제작하기도 했다. * 본명: 호 남천(南天), 완산(完山).

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피에르 앙드리외는 1821년 프랑스 툴루즈의 교외 지역인 프투이예 에서 태어났다. 앙드리외는 툴루즈에서 첫 예술 교육을 받기 시작하여 이후 파리로 떠나 그의 예술적 훈련을 계속 이어갔다. 당시 기록에 따르면 앙드리외는 1843년 6월부터 외젠 들라크루아 의 제자가 되어 그로부터 많은 가르침을 받았다. 이후 들라크루아가 프랑스 정부로부터 위임된 주요 작업들을 위해 많은 조수들이 필요해짐에 따라 그의 뛰어난 제자들로 팀을 구성하게 되었는데 앙드리외 또한 1850년부터 들라크루아의 조수로서 그의 다양한 작업들에 참여하게 되었다. 이와 더불어 앙드리외는 1852년과 1853년에 들라크루아의 조언에 따라 그의 예술 교육을 완벽하게 하기 위해 리옹, 보르도, 루앙, 디종 등 프랑스의 여러 박물관들을 방문하기도 하였다. 앙드리외는 들라크루아의 밑에서 다양한 작업들을 수행했고 또한 그의 여러 작품들을 복제하거나 복원하면서 작품활동을 지속하였는데 1871년에는 자신만의 작업실을 열게 되었다. 이곳에서 앙드리외는 자신이 받은 가르침들을 제자들에게 전달했고 특히 들라크루아 작업과 관련된 문서 자료들을 배포하기도 했다. 그리고 1892년 앙드리외는 파리에서 생을 마감했다.

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개요 피에르 앙드리외는 외젠 들라크루아의 제자이자 그의 조수로서 다양한 작업에 참여하였다. 그는 또한 들라크루아 작품의 복제 및 복원 작업을 담당하기도 하였으며 그의 개별 작품에서는 동물 주제를 선호하는 경향을 보인다. • 본명 : Pierre Andrieu • 국적 : 프랑스 • 활동분야 : 회화 • 사조 : 낭만주의 • 시대 : 근대 • 주요작품   - 휴식중인 호랑이 (Tiger Resting, 1830년경)   - 용과 싸우는 성 미카엘 (Saint Michel terrassant le dragon, 19세기경)   - 성 가족 (La Sainte Famille, 19세기경) 생애 피에르 앙드리외는 1821년 프랑스 툴루즈의 교외 지역인 프투이예(Fenouillet)에서 태어났다. 앙드리외는 툴루즈에서 첫 예술 교육을 받기 시작하여 이후 파리로 떠나 그의 예술적 훈련을 계속 이어갔다. 당시 기록에 따르면 앙드리외는 1843년 6월부터 외젠 들라크루아(Eugène Delacroix)의 제자가 되어 그로부터 많은 가르침을 받았다. 이후 들라크루아가 프랑스 정부로부터 위임된 주요 작업들을 위해 많은 조수들이 필요해짐에 따라 그의 뛰어난 제자들로 팀을 구성하게 되었는데 앙드리외 또한 1850년부터 들라크루아의 조수로서 그의 다양한 작업들에 참여하게 되었다. 이와 더불어 앙드리외는 1852년과 1853년에 들라크루아의 조언에 따라 그의 예술 교육을 완벽하게 하기 위해 리옹, 보르도, 루앙, 디종 등 프랑스의 여러 박물관들을 방문하기도 하였다. 앙드리외는 들라크루아의 밑에서 다양한 작업들을 수행했고 또한 그의 여러 작품들을 복제하거나 복원하면서 작품활동을 지속하였는데 1871년에는 자신만의 작업실을 열게 되었다. 이곳에서 앙드리외는 자신이 받은 가르침들을 제자들에게 전달했고 특히 들라크루아 작업과 관련된 문서 자료들을 배포하기도 했다. 그리고 1892년 앙드리외는 파리에서 생을 마감했다. 작품 활동 피에르 앙드리외는 1850년부터 그의 스승이었던 외젠 들라크루아의 여러 작업에 협력하기 시작했다. 특히 앙드리외는 파리 시청에 위치한 평화의 방(salon de la Paix)을 위한 장식 작업과 루브르 박물관의 아폴로 갤러리(galerie d’Apollon) 천장 및 파리 생 쉴피스 교회(Église Saint-Sulpice)의 성 천사들의 예배당(chapelle des Saints-Anges) 실행 작업에 참여하였다. 생 쉴피스 교회에서의 작업의 경우에는 들라크루아가 앙드리외에게 스케치를 물려주었다고 전해진다. 이와 더불어 앙드리외는 ‘사르다나팔루스의 죽음’(La Mort de Sardanapale)과 같은 들라크루아의 작품들을 복제 또는 복원하기도 하였다. 그리고 이러한 작업들과 동시에 피에르 앙드리외는 몇몇 초상화와 정물화 작품들을 제작하였으며 종교적 건축물을 위한 여러 주문을 받기도 하였다. 대표적으로 앙드리외는 1851년에 그의 삼촌이 교구 사제로 있었던 빌뇌브 레 불록 교구(Paroisse de Villeneuve-lès-Bouloc)을 위해 ‘십자가의 예수와 성 마들렌’(Christ en croix et Sainte Madeleine)을 제작했다. 그리고 1863년에는 르망(Le Mans)의 노트르담 뒤 프레 로마 성당(Église romane Notre-Dame du Pré)의 성가대를 위한 7개의 회화를 그리기도 하였다. 들라크루아가 1863년에 사망한 이후 앙드리외는 개인적인 작업들을 계속하였다. 그는 1867년에 그린 ‘성 가족’(La Sainte famille)을 비롯한 종교적인 작품들과 몇몇 초상화, 꽃과 과일의 구성으로 이루어진 정물화 작품들을 제작했다. 앙드리외는 그의 독립적인 작업에서 특히 동물 주제들을 선호하는 경향을 보였으며 호랑이, 사자, 아랍 기병 등 오리엔탈리즘적인 주제의 작품들을 살롱에 전시하기도 하였다. 또한 1866년에는 피코 드 당피에르 백작부인(Comtesse Picot de Dampierre)의 요구에 따라 다섯 개의 주요 격자로 구성된 게르망트 성(Château de Guermantes) 갤러리 천장에 주요 작품을 고안하기도 했다. 평가 피에르 앙드리외는 자신만의 작품을 제작하기도 하였지만 무엇보다 그의 스승이었던 외젠 들라크루아의 공동작업자이자 그의 작품을 복원하거나 복제했던 작가로서 잘 알려져 있다. 앙드리외는 들라크루아의 말년 작업에 충실히 참여하면서 기술 및 색상에 관련한 들라크루아의 여러 지시들을 기록했다. 이러한 앙드리외의 기록은 작품의 장면뿐만 아니라 뉘앙스와 톤에 대해서도 매우 명확한 아이디어를 지녔던 들라크루아의 작업적 면모들을 증명하기 때문에 매우 중요한 예술적 의미를 지닌다고 할 수 있다. 그리고 피에르 앙드리외의 개별 작품들은 회화적 표현이나 주제에 있어서 그의 스승과 별반 다르지 않으며 매우 유사한 경향을 보여주었다고 평가된다. 참고문헌 • Jean-Paul Kauffmann, 『Wrestling With The Angel』, Random House, 2011 • Eugène Delacroix, 『Eugène Delacroix, further correspondence, 1817-1863』, Clarendon Press, 1991 • 투르 미술관

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모나리자는 16세기 르네상스 시대에 레오나르도 다 빈치가 그린 초상화로, 현재 프랑스 파리 루브르 박물관에 전시되어 있다. "모나"는 유부녀 이름 앞에 붙이는 이탈리아어 경칭이고, "리자"는 초상화의 모델이 된 여인의 이름이다. 즉, 한국어로 하면 "리자 여사"라는 뜻이 된다.

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팝아트’는 글자 그대로 대중문화(popular culture)와 미술(fine art)이 결합하여 탄생한 새로운 미술의 흐름으로, 1960년대 미국문화의 산물이다. 텔레비전이 광범위하게 보급되고, 대량 생산과 대량 소비를 미덕으로 하는 본격적인 소비 문화가 형성되던 시기였다. 하루가 멀다 하고 쏟아져 나오는 새로운 상품들은 소비자의 지갑을 열기 위해 격렬한 경쟁을 시작했다. 눈을 현혹하는 포장과 로고, 새로운 것에 대한 욕망을 끝없이 자극하는 상품 광고가 티브이와 신문, 잡지, 거대한 광고판과 할리우드 영화를 뒤덮었다. 물건을 구입하고 재빨리 소모하는 방식은 문화의 영역에도 그대로 적용되어, 대중문화는 표피적인 오락을 지속적으로 제공했고, 소비자들은 일순간의 만족 이후에는 또 다시 새로운 자극을 원했다.

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금강내산金剛內山을 하늘에서 내려다보며 그린 듯한 시점으로 포착하였다. 구도적으로는 관찰한 것을 되도록 많이 그려 보여주겠다는 의욕이 앞서서 주객과 강약의 안배가 안 되어 평이하고 산만한 양상을 보이기도 하며, 정선 회화 후기의 과감한 필치보다는 조심스럽고 세심하게 그려졌다. 서릿발처럼 날카로운 봉우리들 때문에 상악霜嶽이라고도 불렸던 금강산의 특징을 뾰족한 형태와 흰 채색으로 묘사하였는데, 아직 정선 특유의 힘찬 수직준垂直皴으로까지는 나아가지 않은 화법 모색기의 양상을 보인다. 산봉우리마다 명칭을 적어놓고 길을 뚜렷이 표시한 것은 조선시대 지도의 영향을 말해준다.

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빈센트 반 고흐의 대표작 중 하나로 꼽히는 <별이 빛나는 밤>은 그가 고갱과 다툰 뒤 자신의 귀를 자른 사건 이후 생레미의 요양원에 있을 때 그린 것이다. 반 고흐에게 밤하늘은 무한함을 표현하는 대상이었고, 이보다 먼저 제작된 아를의 <밤의 카페 테라스>나 <론 강 위로 별이 빛나는 밤>에서도 별이 반짝이는 밤의 정경을 다루었다. 반 고흐는 동생 테오에게 쓴 편지에서 “오늘 아침 나는 해가 뜨기 한참 전에 창문을 통해 아무것도 없고 아주 커 보이는 샛별밖에 없는 시골을 보았다.”고 했다. 이 샛별은 그림 가운데 왼쪽에 있는 커다란 흰 별일 것이다. 그가 그린 밤하늘에서는 구름과 대기, 별빛과 달빛이 폭발하고 있다. 황량하고 짙은 파란색 하늘은 세상의 종말을 연상케 하고, 그 위로는 구름이 소용돌이치며 떠있다. 달과 별의 둘레에는 뿌옇게 무리가 져있다

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생애 및 작품 활동

니콜라 라뇨(Nicolas Lagneau)는 1590년경에 출생하여 17세기 중반까지 활동한 프랑스의 초상화가이다. 대략 350점 이상의 소묘 작품을 남겼을 만큼 다작한 화가임에도 불구하고, 그가 예술을 접하게 된 경로와 그의 작품 세계와 관련해서는 알려진 바가 거의 없다. 17세기 미술사 서적에는 그의 이름이 N. 라뇨(N. Lagneau)라고만 기록되어 있어 실제 그의 이름이 니콜라(Nicolas)가 맞는지 여부를 두고도 논란이 있다. 나아가 그는 작품에 서명하는 데 있어서 라뇨(Lagneau)와 라노(Lanneau)를 함께 사용하였기에, 그의 성이 라뇨가 맞는 것인지조차 확신할 수 없다.

라뇨는 종종 아마추어 화가로 분류되지만, 그의 작품이 그가 사망한 다음 해에 프랑스 왕립 도서관(Bibliotheque royale)이 그의 작품을 대거 수집하였다는 기록으로 미루어보아 그를 단순한 아마추어로 격하할 수는 없을 듯하다. 또한 라뇨가 당시 프랑스에서 유행하였던 소위 '표현주의적'(expressionistc) 초상화라고 불리는 소묘 장르 유행의 중심에 자리하고 있었을 것이라는 미술사적인 평가는 그를 전문적 화가로 간주해야 할 근거가 된다.

그는 주로 흑필과 적필을 활용하되, 때때로 과슈 물감으로 화면에 청색과 황색을 더하여 인물 안면 묘사에 중점을 둔 초상화를 그렸다. '남자의 초상(Portrait d'homme)을 통하여 알 수 있듯이, 라뇨는 대체로 흉상과 두상 구도의 인물 초상을 제작하였으며 어떠한 이상화도 가미하지 않고 노인의 이마에 깊게 파인 주름살까지 사실주의적으로 묘사하였다. 이러한 사실적인 초상화는 렘브란트(Rembrandt van Rijn) 초기 작업의 영향을 반영하는 것으로 분석된다.

그러나 그의 작품 대부분은 사실주의적이라기보다는 표현주의적이라는 수식어와 더 잘 어우러진다. 이는 그의 인물 초상화에는 사실주의적 접근 방식 위에 예술가의 독창적인 상상력이 가미되어 있기 때문이다. 라뇨는 일반인 모델보다 병적인 특징을 지닌 모델을 바탕으로 한 '기괴한 얼굴 모습'(grotesque physiognomy) 그림을 즐겨 그렸다. 이 경우에는 모델의 생김새를 있는 그대로 재현하기보다는, 그의 얼굴의 특징을 우스꽝스러울 정도로 부각하여 마치 캐리커처 같은 인상을 유발하는 데 주력한 것으로 보인다.

예를 들어 갈색지에 분필을 사용하여 그린 '기형의 수염 없는 남자의 두상'(Tete d'homme, conformation bizarre, imberbe)에서는 살이 오른 볼과 턱이 아래로 처진 남성의 얼굴을 과장하여 더욱 이마를 좁게, 더욱 턱을 길게 그렸다는 사실을 알 수 있다. 기괴한 것을 더욱 기괴하게, 그러나 사실적으로 묘사한 라뇨의 작품은 기이한 것에 많은 흥미를 느꼈던 동시대 미술품 수집가들 사이에서 큰 인기를 얻었다. 나아가 러시아의 예카테리나 2세(Catherine II de Russe)와 같은 유럽 고위층이 그의 작품을 소장하고 있었다는 사실을 통하여 그에 대한 관심이 18세기까지 이어지고 있었음을 알 수 있다.

현재 그의 작품은 드레스덴, 암스테르담, 피렌체, 런던, 뉴욕, 파리를 비롯한 전 세계의 도시의 미술관과 개인 컬렉션에 소장되어 있으며, 동시대 화가들이 그의 작품을 모사한 전칭작도 상당수가 전해진다.

평가

니콜라 라뇨는 사실주의적 시각과 자신의 상상력을 혼합하여 특색 있는 인물 초상화를 제작하여 주목된다. 특히 기괴한 얼굴을 과장적으로 묘사한 초상화의 경우에는 17, 18세기에 선풍적인 인기를 끌었을 뿐만 아니라, 동시대 초상화가들의 작업의 영감이 되어 주목된다. 그러나 그의 작품이 지니는 의의가 상당함에도 불구하고 그의 일생과 예술적 신념에 대해서는 알려진 바가 거의 없어, 이 부분에 대한 추가적인 연구가

필요할 것으로 사료된다.

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니콜라 라뇨는 17세기에 프랑스에서 활동한 초상화가로 그의 일생에 대한 기록은 전해지는 바가 거의 없으나, 다양한 인간 군상을 포착한 소묘를 대거 제작하여 주목된다.

* 본명 : Nicolas Lagneau
* 국적 : 프랑스
* 활동분야 : 회화, 소묘
* 시대 : 서양 근대
* 주요작품
- 남자의 초상(Portrait d'homme, 17세기경)
- 앞이 파인 옷을 입은 젊은 여인의 앞모습(Jeune femme vetue d'une robe decolletee, vue en buste, 17세기경)
- 알레그르의 대법관(Le chancelier d'Alegre(1550-1635), 17세기경)
- 기형의 수염없는 남자의 두상(Tete d'homme, conformation bizarre, imberbe, 17세기경)

니콜라 라뇨(Nicolas Lagneau)는 1590년경에 출생하여 17세기 중반까지 활동한 프랑스의 초상화가이다. 대략 350점 이상의 소묘 작품을 남겼을 만큼 다작한 화가임에도 불구하고, 그가 예술을 접하게 된 경로와 그의 작품 세계와 관련해서는 알려진 바가 거의 없다. 17세기 미술사 서적에는 그의 이름이 N. 라뇨(N. Lagneau)라고만 기록되어 있어 실제 그의 이름이 니콜라(Nicolas)가 맞는지 여부를 두고도 논란이 있다. 나아가 그는 작품에 서명하는 데 있어서 라뇨(Lagneau)와 라노(Lanneau)를 함께 사용하였기에, 그의 성이 라뇨가 맞는 것인지조차 확신할 수 없다.

라뇨는 종종 아마추어 화가로 분류되지만, 그의 작품이 그가 사망한 다음 해에 프랑스 왕립 도서관(Bibliotheque royale)이 그의 작품을 대거 수집하였다는 기록으로 미루어보아 그를 단순한 아마추어로 격하할 수는 없을 듯하다. 또한 라뇨가 당시 프랑스에서 유행하였던 소위 '표현주의적'(expressionistc) 초상화라고 불리는 소묘 장르 유행의 중심에 자리하고 있었을 것이라는 미술사적인 평가는 그를 전문적 화가로 간주해야 할 근거가 된다.

그는 주로 흑필과 적필을 활용하되, 때때로 과슈 물감으로 화면에 청색과 황색을 더하여 인물 안면 묘사에 중점을 둔 초상화를 그렸다. '남자의 초상(Portrait d'homme)을 통하여 알 수 있듯이, 라뇨는 대체로 흉상과 두상 구도의 인물 초상을 제작하였으며 어떠한 이상화도 가미하지 않고 노인의 이마에 깊게 파인 주름살까지 사실주의적으로 묘사하였다. 이러한 사실적인 초상화는 렘브란트(Rembrandt van Rijn) 초기 작업의 영향을 반영하는 것으로 분석된다.

그러나 그의 작품 대부분은 사실주의적이라기보다는 표현주의적이라는 수식어와 더 잘 어우러진다. 이는 그의 인물 초상화에는 사실주의적 접근 방식 위에 예술가의 독창적인 상상력이 가미되어 있기 때문이다. 라뇨는 일반인 모델보다 병적인 특징을 지닌 모델을 바탕으로 한 '기괴한 얼굴 모습'(grotesque physiognomy) 그림을 즐겨 그렸다. 이 경우에는 모델의 생김새를 있는 그대로 재현하기보다는, 그의 얼굴의 특징을 우스꽝스러울 정도로 부각하여 마치 캐리커처 같은 인상을 유발하는 데 주력한 것으로 보인다.

예를 들어 갈색지에 분필을 사용하여 그린 '기형의 수염 없는 남자의 두상'(Tete d'homme, conformation bizarre, imberbe)에서는 살이 오른 볼과 턱이 아래로 처진 남성의 얼굴을 과장하여 더욱 이마를 좁게, 더욱 턱을 길게 그렸다는 사실을 알 수 있다. 기괴한 것을 더욱 기괴하게, 그러나 사실적으로 묘사한 라뇨의 작품은 기이한 것에 많은 흥미를 느꼈던 동시대 미술품 수집가들 사이에서 큰 인기를 얻었다. 나아가 러시아의 예카테리나 2세(Catherine II de Russe)와 같은 유럽 고위층이 그의 작품을 소장하고 있었다는 사실을 통하여 그에 대한 관심이 18세기까지 이어지고 있었음을 알 수 있다.

현재 그의 작품은 드레스덴, 암스테르담, 피렌체, 런던, 뉴욕, 파리를 비롯한 전 세계의 도시의 미술관과 개인 컬렉션에 소장되어 있으며, 동시대 화가들이 그의 작품을 모사한 전칭작도 상당수가 전해진다.

니콜라 라뇨는 사실주의적 시각과 자신의 상상력을 혼합하여 특색 있는 인물 초상화를 제작하여 주목된다. 특히 기괴한 얼굴을 과장적으로 묘사한 초상화의 경우에는 17, 18세기에 선풍적인 인기를 끌었을 뿐만 아니라, 동시대 초상화가들의 작업의 영감이 되어 주목된다. 그러나 그의 작품이 지니는 의의가 상당함에도 불구하고 그의 일생과 예술적 신념에 대해서는 알려진 바가 거의 없어, 이 부분에 대한 추가적인 연구가 필요할 것으로 사료된다.

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개요 니콜라 라뇨는 17세기에 프랑스에서 활동한 초상화가로 그의 일생에 대한 기록은 전해지는 바가 거의 없으나, 다양한 인간 군상을 포착한 소묘를 대거 제작하여 주목된다.

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본명 : François Lemoyne

• 국적 : 프랑스

• 활동분야 : 회화

• 사조 : 로코코

• 시대 : 근대

• 주요작품

- 카쿠스를 죽이는 헤라클레스(Hercule assommant Cacus, 18세기 초)

- 헤라클레스와 옴팔레(Hercule et Omphale, 18세기경)

- 목욕하는 다이아나(Diane au bain, 18세기경)

- 헤라클레스의 방 천장 : 헤라클레스 예찬(Plafond du salon d'Hercule : "L'Apothéose d'Hercule", 1731~1736)

- 진실을 구하는 시간(Le Temps emportant la Vérité, 1737)

생애 및 작품 활동

프랑수아 르무안(François Lemoyne)은 1688년 파리에서 태어났다. 그는 의붓아버지인 로베르 투르니에르(Robert Tournières, 본명 Robert Le Vrac de Tournières)에게 처음 그림을 배웠다. 1701년부터 로얄 아카데미(Académie Royale)에서 루이 갈로슈(Louis Galloche)의 제자였고, 특히 르무안의 색채에 영향을 준 피에르-자크 카제스(Pierre-Jacques Cazes)로부터 몇 번의 수업을 받기도 했다.

1706년 레모인은 3등 상을 받았고 이어서 1707년에 1등 상을 받았다. 그는 1711년 로마 상(Prix de Rome)을 받았고 이는 훗날 그가 로마를 방문하는 데 도움이 되었다. 르무안은 1716년 아카데미 로얄에 인준을 받고 1718년에 카쿠스를 죽이는 헤라클레스(Hercule assommant Cacus, 18세기 초)라는 작품을 바탕으로 아카데미의 정식 회원으로 위촉되었다. 1723년에는 파리에 있는 자코뱅 교회(Jacobin Church)의 천장 프레스코 벽화를 제작했다. 르무안은 화가이자 장식가로서 자신의 능력을 웅장한 스타일로 증명하기 위해서 저렴한 비용으로 이 거대한 그림을 제작했다. 하지만 르무안은 7개월 동안 일을 중단하고, 전년도에 만났던 프랑수아 베르거(François Berger)와 함께 볼로냐(Bologna), 로마(Rome), 나폴리(Naples), 그리고 베네치아(Venice)로 그림을 공부하기 위해 떠났다. 이 기긴에 그는 헤라클레스와 옴팔레(Hercule et Omphale, 18세기경)와 목욕하는 다이아나(Diane au bain, 18세기경)를 그렸다. 또한 미켈란젤로(Michelangelo)와 피에트로 다 코르토나(Pietro da Cortona)의 천장 회화에 감탄했다.

1727년에 파리로 돌아온 르무안은 중단했었던 자코뱅 교회의 천장 프레스코를 완성했다. 스키피오의 절제(The Continence of Scipio, 1726)라는 작품으로 그는 1727년에 특별상을 받았는데 이때 장 프랑수아 드 트로이(Jean François de Troy)와 공동으로 상을 받았다. 같은 해 르무안은 생 실퓌스 교회(St. Sulpice Church)의 대성당 돔에 성모 승천(Assunta) 프레스코화를 그려달라는 의뢰를 받았고 1731년부터 1732년까지 그림을 그렸다. 그는 이 시기에 베르사유 궁(Chateau of Versailles)을 위한 그림도 함께 의뢰받았다.

르무안은 1733년에 로얄 아카데미의 교수로 임명되었고, 그의 제자로는 프랑수아 부셰(François Boucher), 샤를

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폴 시냐크(Paul Signac)는 1863년 프랑스 파리에서 태어났으며, 미술에 관심을 가지기 전에 건축을 공부하였다. 독학으로 그림을 배운 그는 18살에 클로드 모네(Claude Oscar Monet)의 작품에 감명을 받았고, 그 당시 유행이던 인상주의 화풍에 영향을 받은 초기 작품들을 제작하였다. 하지만 곧 인상주의에 환멸을 느끼게 된 그는 1884년 조르주 쇠라(Georges Pierre Seurat)를 만나게 된다. 이들은 살롱 데 앙데팡당(Salon des Indépendants)에서 만나게 되었는데, 이는 심사가 엄격하던 살롱전에 대항하여 아카데미즘에 반대하던 작가들과 살롱전에 낙선자들의 작품들로 구성된 전시회였다. 이 전시는 신인상주의, 입체주의 등의 등장과 발전에 기여를 하였으며, 근대미술의 대중화에 큰 영향을 끼쳤다. 이 전시에서 쇠라의 작품을 보게 된 시냐크는 모자 만드는 여인들(The Milliner, 1885)을 점묘화로 수정해 완성하였다.그는 색상 스펙트럼을 분할해 붓 터치가 아닌 점을 찍는 기법인 점묘법을 구현하게 된다. 시냐크도 인상주의 화가들처럼 빛을 표현하는 것에 열중했으나, 그들과 달리 과학적 이론에 영향을 받아 체계적인 방식을 찾으려고 노력한다. 시냐크는 1886년 마지막 인상주의 그룹전에 초대되었는데, 이는 체계적이고 정돈된 그의 방식에 거부감을 가지고 있던 기존의 인상주의 화가들과 마찰을 일으키는 계기가 되었다.시냐크는 프랑스의 해변 풍경을 주로 그렸으며, 여름에는 프랑스 남부의 도시들에 머물며 작품 활동을 하였다. 지중해 마르세유 동쪽에 위치한 카시스(Cassis) 만의 풍경을 주제로 첫 번째 ‘바다’ 연작을 그렸고, 이후에는 브르타뉴 지방의 콩카르노(Concarneau) 항구를 주제로 작품을 그렸다.