# data[].attributes.body
Su formación artística comenzó en el taller de su padre, el pintor toscano Orazio Gentileschi (1563-1639), uno de los grandes exponentes de la escuela romana de Caravaggio. Aprendió de su padre la técnica del dibujo y el fuerte naturalismo de las obras de Caravaggio, con quien se la ha comparado por su dinamismo y por las escenas violentas que a menudo representan sus pinturas.[3]​[4]​ En sus cuadros desarrolló temas históricos y religiosos. Fueron célebres sus pinturas de personajes femeninos como Lucrecia, Betsabé, Judit o Cleopatra, en los que se han leído rasgos feministas. Fuente: Wikipedia

# data[].attributes.headline
Santiago Cáceres (Finis Gloriae Mundi(WIKIPEDIA)

# data[].attributes.subject
Santiago Cáceres (Finis Gloriae Mundi(WIKIPEDIA)

# data[].attributes.body
Finis Gloriae Mundi es una pintura acompañante de otra obra realizada por Juan de Valdés Leal, In Ictu Oculi, ambas fueron pedidas por Miguel Mañara para colocarse debajo del coro de la iglesia del Hospital de la Caridad en Sevilla, sus dimensiones son 220 x 216 cm[1]​ terminando en arco de medio punto en la parte superior, en conjunto toman el nombre de Los Jeroglíficos de las postrimerías o Las Postrimerías de la Vida.[2]​ La obra está hecha en óleo sobre tela y su realización data de entre 1670 y 1672.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Las obras en la iglesia de la Caridad son tres, la primera es el lienzo que se encuentra en la parte alta del templo, en el coro La exaltación de la cruz, esta obra se enfrenta al retablo de la iglesia manteniendo un mismo discurso iconográfico, luego le siguen las dos Postrimerías encargadas por Mañara para poner en claro la fugacidad de los bienes materiales retomando las vanitas populares en este periodo.​

Juan de Valdés con su estilo de claroscuros y fuerza en el estilo tenebrista mantiene la fuerza del mensaje que Mañara quería transmitir.​

El tiempo en el que se desarrolla es en la contrarreforma, donde los católicos defienden la salvación de los hombres por sus propios medios y buscan endulzar los sentidos de su público para fortalecer el cada vez más golpeado catolicismo debido a la reforma protestante, las iglesias se empiezan a cubrir de complicadas y bellas figuras, de dorados retablos y de pinturas que expresen el mensaje de su fe.

También el autor se desenvuelve en este momento en Sevilla, la gran metrópolis de España donde la población pasó de 150.000 habitantes en 1588 a 85.000 un siglo más tarde, esto debido a la epidemia de peste que afecto fuertemente a esta ciudad.

Se puede separar la obra en tres planos principales, en el primero se observan dos cuerpos dispuestos cada uno en su ataúd, el primero es un esqueleto ataviado con atuendo religioso, rodeado por insectos que caminan sobre él, el segundo, un cuerpo de un hombre cubierto por una capa. Delante de ellos hay una cintilla con la frase que da título al cuadro " Finis Gloriae Mundi " (El fin de la gloria del mundo), en segundo plano se ve cómo surge de la parte superior una mano iluminada entre nubes que sostiene una balanza con varios objetos en ambos platillos, de entre los cuales se distinguen a primera vista en el platillo izquierdo un puerquito, una cabra y lo que pareciera ser un perro, los acompaña la frase "ni más", mientras que del lado derecho se observa un libro, un corazón con las letras JHS y la frase "ni menos".

Por último, en la parte del fondo se observan de izquierda a derecha, una lechuza que apenas logra escapar de la luz reflejada en la pared, hay también cráneos apilados con varios huesos esparcidos en el piso y un tercer cadáver recostado.

Comenzando con el primer plano antes mencionado se observa el primer cuerpo, un obispo, lo sabemos por las ropas litúrgicas que lleva.

El segundo cuerpo se trata de un caballero de la Orden de Calatrava envuelto en su capa. "Los caballeros de la Orden de Calatrava probablemente estaban llenos de connotaciones positivas para el artista, como el valor y el coraje que demostraron en su origen histórico, expulsando a los musulmanes de tierras cristianas.​

En el fondo se encuentra la lechuza, animal relacionado con las tinieblas además de tener huesos acompañándola en este tercer plano. En el segundo plano y compartiendo el protagonismo con los dos cuerpos se observa una alusión al juicio de las almas que normalmente sería representado por San Miguel Arcángel sosteniendo una balanza, en este caso es la mano de Cristo, por las marcas de los clavos en ella, rodeada por nubes y un halo dorado que la ilumina, esta mano sujeta la balanza en la que los platillos contienen las leyendas "ni más", "ni menos", en el primer platillo, el de la izquierda sobre el cuerpo del obispo aparecen los símbolos de los pecados capitales, destaca también por su color rojo un objeto que parece un corazón podrido, en realidad es una manzana, reconocible por su tallo, los animales reconocibles a simple vista son el puerco con la gula, el pavorreal que rodea la manzana con la soberbia, el perro que gruñe puede quizá identificarse con la ira y hay un pequeño murciélago sobre la manzana que es apenas visible que se puede relacionar con la envidia pues se decía que por no ser ni pájaro ni ratón terminó envidiando a ambos seres.​

# data[].attributes.attachment_link.title
Finis Gloriae Mundi - Wikipedia, la enciclopedia libre

# data[].attributes.attachment_link.description
Las obras en la iglesia de la Caridad son tres, la primera es el lienzo que se encuentra en la parte alta del templo, en el coro La exaltación de la cruz, esta obra se enfrenta al retablo de la iglesia manteniendo un mismo discurso iconográfico, luego le siguen las

# data[].attributes.body
Annibale Carracci (Bolonia, 3 de noviembre de 1560-Roma, 15 de julio de 1609) fue un pintor y grabador italiano del barroco, perteneciente a la corriente del clasicismo romano-boloñés. Es el miembro más famoso de la dinastía de pintores Carracci. Considerado el rival de Caravaggio, encarnó una opción artística opuesta a la de aquel. Fuente: Wikipedia

# data[].attributes.body
Jacob Jordaens fue un pintor barroco flamenco. Es el último gran maestro de la época en los Países Bajos. A diferencia de sus contemporáneos, nunca realizó un viaje formativo a Italia para conocer el arte clásico, y su carrera destaca por cierta indiferencia hacia las ambiciones cortesanas o intelectuales.

Fue un pintor de éxito, grabador ocasional y notable diseñador de tapices. Al igual que Rubens, Jordaens fue un maestro de los tapices, las escenas mitológicas y las alegorías, y a partir de 1640 fue el más notable pintor de Amberes, y como tal recibió numerosos encargos de cortesanos, familias adineradas y otros mecenas. Hoy, sin embargo, es más conocida su pintura de género, obras basadas en escenas costumbristas al modo de su contemporáneo. Entre sus influencias se cuentan no solo pintores flamencos como Brueghel o el mencionado Rubens, sino también artistas del norte de Italia como Jacopo Bassano o Caravaggio.

Información recogida de Wikipedia.

# data[].attributes.body
El tipo iconográfico del Cristo yacente está tan unido a la producción del escultor Gregorio Fernández que prácticamente no existe un Cristo de este tipo en la mitad septentrional de España, datado en la primera mitad del siglo XVll, que no se le haya atribuido en algún momento. Lo cierto es que se puede considerar de su mano alrededor de una docena, y sabemos que hubo al menos otro que no se ha conservado, hecho para los franciscanos de Arántzazu en Guipúzcoa.

# data[].attributes.headline
 OBRA RELEVANTE:EL MILAGRO DEL POZO (Marta Carmona Escobar) 

# data[].attributes.subject
 OBRA RELEVANTE:EL MILAGRO DEL POZO (Marta Carmona Escobar) 

# data[].attributes.body
San Isidro Labrador (Madrid, c. 1082-ibídem, 30 de noviembre de 1172)nacido en el Mayritmusulmán fue un labrador mozárabe que estuvo posiblemente al servicio de la familia Vargas y de otros tantos señores terratenientes como Francisco Vera. Su trabajo como jornalero más mencionado por los biógrafos es a cargo de Juan de Vargas, y se realizó principalmente en el área de Madrid y alrededores. Se conocen algunos detalles de su vida por las alabanzas que indica un códice encontrado en la Iglesia de San Andrésen 1504 (denominado como Códice de San Isidroy escrito a finales del siglo xii) y donde se denomina Ysidorus Agricola. En este documento se menciona que está casado, con un hijo y proporciona referencia de solo cinco milagros,siendo los demás añadidos posteriormente procedentes de la tradición oral durante su proceso de beatificación por varios hagiógrafos. Pese a que aún no estuviese canonizado, los madrileños le rendían un culto desde el siglo xiique iba incrementándose rápidamente en siglos posteriores. Por ello, las autoridades eclesiásticas, municipales, la aristocracia madrileña y la corona real española encabezaron su proceso de canonización en el siglo xvi.

# data[].attributes.headline
OBRA RELEVANTE: LOS BORRACHOS (Marta Carmona Escobar) 

# data[].attributes.subject
OBRA RELEVANTE: LOS BORRACHOS (Marta Carmona Escobar) 

# data[].attributes.body
El triunfo de Baco es una pintura del español Velázquez, creada en 1629 y conservada en el Museo del Prado. Es conocida popularmente como Los borrachos

El cuadro lo pintó unos cinco años después de su llegada a Madrid procedente de Sevilla, y poco antes de su primer viaje a Italia. En los Sitios Reales Velázquez pudo contemplar la colección de pintura italiana del rey y hubo de quedar impresionado por los cuadros mitológicos con desnudos que tenía la colección, sumamente raros en su Sevilla natal; por lo cual se animó a tratar el mismo género, si bien con un enfoque muy personal.

# data[].attributes.body
A Claudio Coello (1642-1693) se le considera el último gran maestro de la escuela barroca madrileña; era hijo de un broncista portugués que se estableció en Madrid y fue uno de los pintores más relevantes entre los inmediatamente posteriores a Velázquez, pese a la brevedad de su vida (apenas medio siglo). Entró al servicio del rey Carlos II poco antes de morir Carreño de Miranda, a quien sucedió en el cargo como pintor de cámara, y hace tiempo se decía que esa muerte prematura habría tenido que ver con los éxitos de Lucas Jordán en la corte.

Su formación en Madrid se inició con Francisco Rizi, creador de grandes composiciones con el fuego decorativo propio del barroco y poseedor de un estilo colorista y dinámico, pero al abrirle Carreño las colecciones reales, la pintura de Coello se transformó: asimiló el manejo del color flamenco y veneciano y, sobre todo, estudió a Velázquez, de quien supo tomar, sobre todo en los últimos años de su carrera, la utilización de la perspectiva aérea.https://masdearte.com/especiales/claudio-coello-la-meticulosidad-barroca/

# data[].attributes.body
Clara Peeters fue una destacada pintora flamenca del siglo XVII, especializada en bodegones. Nacida alrededor de 1594 en Amberes, Bélgica, Peeters es reconocida como una de las primeras mujeres en hacer carrera profesional en la pintura, un campo dominado por hombres en su época.

Vida y Carrera

• Fecha de nacimiento y muerte: Se estima que nació alrededor de 1594, aunque la fecha exacta es incierta. Se tiene poca información sobre su vida personal y la fecha de su muerte también es desconocida, pero se cree que ocurrió después de 1657.

• Lugar de nacimiento: Amberes, Bélgica.

• Formación: No hay registros claros sobre su formación, pero es posible que haya estudiado con un pintor en Amberes, ya que la ciudad era un centro artístico importante en ese tiempo.

Obra

Clara Peeters se especializó en bodegones, un género que consiste en la representación artística de objetos inanimados como alimentos, flores, utensilios de cocina y otros elementos.

Wikipedia.

# data[].attributes.headline
Iván gallardo Quirós , columnas salomónica y estipite

# data[].attributes.subject
Iván gallardo Quirós , columnas salomónica y estipite

# data[].attributes.body
la columna salomónica y el estípite, desempeñaron un papel de primer orden. La columna salomónica, soporte de marcado carácter barroco, se usó preferentemente en retablos aunque también aparece abundantemente en portadas, alcanzando una importante difusión a partir del último cuarto del siglo XVII. En 1649 aparece en el alterado retablo de los Reyes de la catedral de Puebla, obra relacionada con otras sevillanas y que acredita el empleo de este elemento al tiempo que en los principales talleres andaluces de Sevilla y Granada (Bonet), y poco después en el retablo mayor de Santo Domingo de Puebla (1688-90), obra de Pedro Maldonado. En portadas la columna aparece algo después en la de San Francisco de Guadalajara.

Wikipedia.

# data[].attributes.headline
𝐏𝐚𝐨𝐥𝐚 𝐆𝐮𝐞𝐫𝐫𝐞𝐫𝐨

# data[].attributes.subject
𝐏𝐚𝐨𝐥𝐚 𝐆𝐮𝐞𝐫𝐫𝐞𝐫𝐨

# data[].attributes.body
(ꜰʀᴀɴᴄɪꜱᴄᴏ ꜱᴀʟᴢɪʟʟᴏ )

𝙴𝚕 𝚊𝚛𝚝𝚒𝚜𝚝𝚊 𝚖𝚞𝚛𝚌𝚒𝚊𝚗𝚘 𝚎𝚜 𝚞𝚗𝚘 𝚍𝚎 𝚕𝚘𝚜 𝚐𝚛𝚊𝚗𝚍𝚎𝚜 𝚎𝚜𝚌𝚞𝚕𝚝𝚘𝚛𝚎𝚜 𝚍𝚎𝚕 𝚋𝚊𝚛𝚛𝚘𝚌𝚘 𝚎𝚜𝚙𝚊ñ𝚘𝚕 𝚚𝚞𝚎 𝚢𝚊 𝚏𝚞𝚎 𝚛𝚎𝚌𝚘𝚗𝚘𝚌𝚒𝚍𝚘 𝚙𝚘𝚛 𝚜𝚞𝚜 𝚌𝚘𝚗𝚝𝚎𝚖𝚙𝚘𝚛á𝚗𝚎𝚘𝚜. 𝚂𝚞 𝚘𝚋𝚛𝚊 𝚜𝚎 𝚋𝚊𝚜ó 𝚎𝚗 𝚎𝚕 𝚎𝚜𝚝𝚞𝚍𝚒𝚘 𝚍𝚎𝚕 𝚗𝚊𝚝𝚞𝚛𝚊𝚕 𝚎 𝚒𝚗𝚌𝚕𝚞𝚜𝚘 𝚕𝚘 𝚝𝚛𝚊𝚗𝚜𝚌𝚎𝚗𝚍𝚒ó 𝚙𝚊𝚛𝚊 𝚕𝚕𝚎𝚐𝚊𝚛 𝚊 𝚛𝚎𝚙𝚛𝚎𝚜𝚎𝚗𝚝𝚊𝚛 𝚎𝚕 𝚋𝚎𝚕𝚕𝚘 𝚒𝚍𝚎𝚊𝚕 , 𝚜𝚎 𝚍𝚎𝚍𝚒𝚌ó 𝚎𝚗 𝚎𝚡𝚌𝚕𝚞𝚜𝚒𝚟𝚊 𝚊 𝚕𝚊 𝚝𝚎𝚖á𝚝𝚒𝚌𝚊 𝚛𝚎𝚕𝚒𝚐𝚒𝚘𝚜𝚊 𝚢 𝚜𝚞𝚙𝚘 𝚝𝚛𝚊𝚗𝚜𝚖𝚒𝚝𝚒𝚛 𝚊 𝚜𝚞 𝚎𝚜𝚝𝚒𝚕𝚘 𝚕𝚘𝚜 𝚌𝚊𝚖𝚋𝚒𝚘𝚜 𝚚𝚞𝚎 𝚜𝚎 𝚏𝚞𝚎𝚛𝚘𝚗 𝚙𝚛𝚘𝚍𝚞𝚌𝚒𝚎𝚗𝚍𝚘 𝚍𝚞𝚛𝚊𝚗𝚝𝚎 𝚎𝚕 𝚜𝚒𝚐𝚕𝚘 𝚡𝚟𝚒𝚒𝚒, 𝚕𝚘 𝚚𝚞𝚎 𝚜𝚎 𝚟𝚒𝚘 𝚙𝚕𝚊𝚜𝚖𝚊𝚍𝚘 𝚎𝚗 𝚞𝚗𝚊 𝚎𝚜𝚌𝚞𝚕𝚝𝚞𝚛𝚊 𝚍𝚎 𝚝𝚛𝚊𝚗𝚜𝚒𝚌𝚒ó𝚗 , 𝚊𝚜í 𝚌𝚘𝚖𝚘 𝚎𝚗 𝚍𝚒𝚟𝚎𝚛𝚜𝚘𝚜 𝚌𝚊𝚖𝚋𝚒𝚘𝚜 𝚚𝚞𝚎 𝚜𝚎 𝚏𝚞𝚎𝚛𝚘𝚗 𝚙𝚛𝚘𝚍𝚞𝚌𝚒𝚎𝚗𝚍𝚘 𝚎𝚗 𝚎𝚕 𝚝𝚊𝚕𝚕𝚎𝚛 𝚚𝚞𝚎 𝚑𝚎𝚛𝚎𝚍ó 𝚍𝚎 𝚜𝚞 𝚙𝚊𝚍𝚛𝚎, 𝚎𝚕 𝚝𝚊𝚖𝚋𝚒é𝚗 𝚎𝚜𝚌𝚞𝚕𝚝𝚘𝚛 𝚎 𝚒𝚖𝚊𝚐𝚒𝚗𝚎𝚛𝚘 𝙽𝚒𝚌𝚘𝚕á𝚜 𝚂𝚊𝚕𝚣𝚒𝚕𝚕𝚘.

(Información recogida de Wikipedia y Museo Salzillo de Murcia)

# data[].attributes.attachment_link.title
Archivo:Juan Albacete - Retrato de Francisco Salzillo.jpg - Wikipedia, la enciclopedia libre

# data[].attributes.attachment_link.description
Haz clic sobre una fecha y hora para ver el archivo tal como apareció en ese momento. Fecha y hora Miniatura Dimensiones Usuario Comentario actual 23:51 6 ago 2022 699 × 943 (197 kB) Zumalabe Uploaded a work by Juan Albacete y Long (ca.1830-1883) from https://www.facebook.com/CofradiadeJesusMurcia/photos/a.110126267507366/473457347840921/?type=3&eid=ARBhkpOVQhKyp1ybTkXAplg6Y1cXuMWaU1xcrAaAvF-6Zxf0Y8xc5cP6KvDem6LzZzRZJ5nSpy_PsxcU&locale=ne_NP&_rdr with UploadWizard Las siguientes páginas usan este archivo: Las wikis siguientes utilizan este archivo: Este archivo contiene información adicional, probablemente añadida por la cámara digital o el escáner usado para crearlo o digitalizarlo.

# data[].attributes.body
Fue un pintor barroco de la escuela flamenca. Su estilo exuberante enfatiza el dinamismo, el color y la sensualidad. Sus principales influencias procedieron del arte de la Antigua Grecia, de la Antigua Roma y de la pintura renacentista, en especial de Leonardo da Vinci, de Miguel Ángel, del que admiraba su representación de la anatomía,²​ y sobre todo de Tiziano, al que siempre consideró su maestro y del que afirmó «con él, la pintura ha encontrado su esencia».³​

Trató una amplia variedad de temas pictóricos: religiosos, históricos, de mitología clásica, escenas de caza, paisajes, retratos; así como dibujos, ilustraciones para libros y diseños para tapices (series de La Historia de Decio Mus, La Historia de Constantino, El Triunfo de la Eucaristía y La Historia de Aquiles).⁴​ Se conservan aproximadamente mil quinientos cuadros suyos.⁵​ Una producción tan elevada fue posible a la extensión de su taller, tanto de integrantes como de proporción, donde al parecer trabajaban en cadena.⁶​ Fueron discípulos o ayudantes suyos: Jacob Jordaens, Gaspar de Crayer, Theodor van Thulden, Erasmus Quellinus el Joven, Cornelis de Vos y Anton van Dyck, cuyo trabajo fue completar varios encargos para la Corte española en Madrid.⁷​ Se conocen hasta hoy casi nueve mil dibujos de mano suya.⁸​

Fue el pintor favorito del rey Felipe IV de España

# data[].attributes.headline
Izan Robles Manzano (La Adoración de la Sagradada Forma)

# data[].attributes.subject
Izan Robles Manzano (La Adoración de la Sagradada Forma)

# data[].attributes.body
El lienzo, que se halla en la sacristía del monasterio de San Lorenzode El Escorial, representa la adoración de la Sagrada Forma, que se halla en el interior de la custodia que sostiene el prelado, por el rey Carlos ll de España, que aparece arodillado ante ella.

# data[].attributes.headline
Izan Robles Manzano (El Bufón de Calabacillas)

# data[].attributes.subject
Izan Robles Manzano (El Bufón de Calabacillas)

# data[].attributes.body
Estamos ante uno de los retratos de bufones de Velázquez que basan su eficacia comunicativa en la presencia imponente del personaje en un primerísimo plano, su ubicación en un espacio indeterminado, su extraña y casi descoyuntada postura (inadecuada en cualquier otro tipo de retrato) y el juego entre la deformidad física y la expresión insólita. Además, en este llama poderosamente la atención el tratamiento técnico, sobre todo en lo que se refiere a la cabeza.

# data[].attributes.headline
𝐏𝐚𝐨𝐥𝐚 𝐆𝐮𝐞𝐫𝐫𝐞𝐫𝐨                                                                                                      

# data[].attributes.subject
𝐏𝐚𝐨𝐥𝐚 𝐆𝐮𝐞𝐫𝐫𝐞𝐫𝐨                                                                                                      

# data[].attributes.body
~Una de las características más destacadas de la arquitectura barroca es la utilización de elementos decorativos en exceso. Los edificios barrocos están llenos de detalles ornamentales, como esculturas, relieves, columnas salomónicas, frontones, cúpulas y volutas.

~ Estos elementos se utilizan para crear una sensación de movimiento y dinamismo en la fachada, y para resaltar la grandiosidad y el poder de la iglesia o del estado.

~La fachada de los edificios barrocos es uno de los aspectos más importantes de la arquitectura de este período. Las fachadas suelen ser simétricas y están divididas en varias secciones, cada una de las cuales está decorada con diferentes elementos ornamentales.

~Los frontones, por ejemplo, son una característica común en las fachadas barrocas, y se utilizan para enmarcar esculturas o relieves que representan escenas religiosas o mitológicas.

(Información recogida de MAGAZINE)

# data[].attributes.headline
Iván gallardo Quirós ( obras relevantes : iglesia de San Bartolomé, (jerez de los caballeros)

# data[].attributes.subject
Iván gallardo Quirós ( obras relevantes : iglesia de San Bartolomé, (jerez de los caballeros)

# data[].attributes.body
De las cuatro iglesias parroquiales de Jerez de los Caballeros, la de San Bartolomé se destaca por su decoración y colorido.[1]​ No es hasta finales del siglo xv cuando existen documentos fehacientes sobre la existencia de la actual iglesia de San Bartolomé.[1]​ Respecto a su datación

Durante los siglos XVII y XVIII el templo sufriría numerosas reformas. Así, en el siglo xvii, se amplía la cabecera del templo, sustituyéndose la bóveda de crucería por una cúpula sobre pechinas.[1]​ Y junto a ella se construye en este mismo siglo una nueva sacristía. En 1689 se amplía la capilla mayor y se cubre mediante bóveda de medio cañón. Finalmente, la torre campanario se construyó en 1759 al haberse derrumbado la anterior con motivo del terremoto de Lisboa.

Wikipedia.

# data[].attributes.body
La lechera (en neerlandés: Het melkmeisje o también De keukenmeid o De melkmeid) es uno de los cuadros más famosos del artista holandés Johannes Vermeer, cuya datación, como casi toda la obra de Vermeer, solo puede ser aproximada, en este caso se supone pintado entre 1658 y 1660,​ .

# data[].attributes.body
Artistas de todas las épocas han soñado con pintar imágenes que no puedan distinguirse de la realidad. Las leyes de la óptica y la perspectiva han sido algunas de las herramientas con las que los artistas jugaron con la percepción humana.

El trampantojo, cuya etimología (trampa ante el ojo) ya nos da una pista de por dónde van los tiros, aparece por primera vez en textos de la antigua Grecia. El más conocido es el episodio narrado por Plinio en el que los pintores Zeuxis y Parrasio compiten para ver quién es capaz de realizar la pintura más real. Las uvas pintadas por el primero están tan logradas, que hasta los pájaros se acercan a comerlas.

Por su parte, Parrasio presenta una cortina; Zeuxis le pide que la retire para poder admirar su obra, pero se da cuenta de que la cortina está pintada y reconoce la maestría de su oponente.

Durante el Renacimiento y el Barroco, el trampantojo tuvo su momento estelar y se crearon numerosas obras en las que se buscaba el efecto de falsa realidad a través de diferentes recursos como el uso de la perspectiva, el escorzo o los efectos lumínicos, los juegos visuales y la recreación de texturas y materiales.

# data[].attributes.body
Gregorio Fernández fue un escultor español del Barroco, máximo exponente de la escuela castellana de escultura. Heredero de la expresividad de Alonso Berruguete y Juan de Juni, supo reunir a estas influencias el clasicismo de manera que su arte se liberó progresivamente del Manierismo imperante en su época hasta convertirse en uno de los paradigmas del Barroco español.

La colección más importante de su obra se encuentra en el Museo Nacional de Escultura, en Valladolid. Fernández trabajó para las cofradías vallisoletanas, y el museo cede, como un hecho museístico singular, importantes piezas de sus fondos a las cofradías durante la celebración de la Semana Santa.

Información recogida de Wikipedia

# data[].attributes.body
Quizás la figura más importante del barroco flamenco, Pieter Paul Rubens fue uno de los mejores pintores de Europa en su época y por ello fue reconocido en vida.
Además fue uno de los primeros artistas en entender el mercado del arte, y creó una especie de factoría en su taller que fabricaba pinturas en cadena.
También ejerció de diplomático en diversas cortes europeas, incluida España, que encargó muchos de sus mejores cuadros.
Rubens (o su taller) pintó más de 3000 obras.

Nacido en Amberes, en esa época la ciudad era un hervidero económico, y por lo tanto artístico. Se invertía en cultura, y particularmente en arte, sobre todo en pintura flamenca, que todavía gozaba de muy buena salud.
Pero también eran tiempos de convulsiones políticas y religiosas, pues no todos aceptaban ser súbditos de la católica España.

# data[].attributes.attachment_caption
 Iglesia de San Bartolomé (Jerez de los Caballeros)

# data[].attributes.body
La iglesia fue construida en la segunda mitad del siglo XV y principios del XVI en estilo gótico, fue ampliada en los dos siglos siguientes de ser construida. Es muy popular por su decorada torre barroca.

• Planta de cruz latina con tres naves y varias capillas adosadas.

La capilla mayor fue ampliada al final del siglo XVI tiene un retablo barroco (1691) de José de la Berrera.

En la iglesia destaca la torre y la portada de al entrar en ella (portada del Evangelio).

La portada es una fachada con 4 ceramicas de vidrio con representación de santos.

La torre esta formada por 3 partes

1 De sillares de granito.

2 Y 3 De decoraciones con yeso, cerámica,ladrillo y barro vidriado. Y en lo más alto termina con una linterna con cupullín, igual que un cono.

(Spain.info)

# data[].attributes.body
Murillo tuvo que nacer a ultimos del año 1617.

Era el mas pequeño de 14 hermanos que eran, procedia de una familia con parientes pintores.

En 1633 cuando solamente tenía unos 15 años solicitó una licencia a América.

Según las costumbres de esa época a partir de esos años o antes debió de empezar su formación artística.

Fue un pintor barroco español.

Formado en el naturalismo tardío, evolucionó, el hacia sus propias formulas del barroco pleno con sensibilidad que hay veces que se adelanta el rococó en alguna de sus creaciones iconográficas.

(Wikipedia)

# data[].attributes.headline
EL BARROCO, UN ARTE DINÁMICO.      IVÁN SORIANO APARICIO

# data[].attributes.subject
EL BARROCO, UN ARTE DINÁMICO.      IVÁN SORIANO APARICIO

# data[].attributes.body
El arte barroco se caracteriza por composiciones ornamentadas, movimiento dinámico, diagonales fuertes, escala grandiosa, figuras humanas hábilmente representadas, contraste intenso y efectos ilusionistas.

El artista barroco desea crear sensación constante de movimiento. Frente al predominio de las líneas rectas del renacentismo, el Barroco se vale de la línea curva. A estas definiciones nos referimos cuando hablamos del dinamismo barroco.

En general hay un gran movimiento y actividad.

Información obtenida de: Jose Art Gallery, wordpress.com y wiktionary.org.

# data[].attributes.body
Palacio de Versalles:

Es una antigua residencia construida por el rey Luis XIV en Versalles, a unos 19 km al oeste de París, Francia. Lo visitan alrededor de 15 millones de personas al año.

Al principio, Luis XIII construyó un único pabellón de caza, pero, tras su muerte, Luis XIV lo amplió hasta llegar a ser un palacio.

Napoleón lo utilizó como residencia de verano desde 1810 a 1814. Pero solo restauró una parte, llamada el Gran Trianón.

No se volvió a restaurar una parte importante del palacio hasta 1830.

Su ala sur se usó como museo de historia de Francia.

El palacio y el parque fueron designados Patrimonio de la humanidad por la UNESCO en 1979 por su importancia como centro de poder, el arte y la ciencia en Francia durante los siglos XVII y XVIII.

El Ministerio de Cultura francés ha incluido el palacio, sus jardines y algunas estructuras subsidiarias en su lista de monumentos de importancia cultural.

Fuente: Wikipedia

# data[].attributes.body
ALONSO CANO(Pintor)

Alonso Cano Almansa (Granada, bautizado el 19 de marzo de 1601[1]​-Granada, 3 de septiembre de 1667) fue un pintor, escultor y arquitecto español del Barroco. Es considerado el fundador de la escuela granadina de pintura. Ejerció una gran influencia artística en Andalucía y Madrid. Tuvo como discípulo al pintor, escultor y arquitecto Sebastián Herrera Barnuevo. Pueden considerarse discípulos suyos los pintores Juan de Sevilla, Pedro Atanasio Bocanegra y Juan Niño de Guevara y los escultores Pedro de Mena y José de Mora.

FUENTE:WIKIPEDIA

# data[].attributes.body
El triunfo de Baco es una pintura del español Velázquez, creada en 1629 y conservada en el Museo del Prado.¹​ Es conocida popularmente como Los borrachos.

El cuadro lo pintó unos cinco años después de su llegada a Madrid procedente de Sevilla, y poco antes de su primer viaje a Italia. En los Sitios Reales Velázquez pudo contemplar la colección de pintura italiana del rey y hubo de quedar impresionado por los cuadros mitológicos con desnudos que tenía la colección, sumamente raros en su Sevilla natal; por lo cual se animó a tratar el mismo género, si bien con un enfoque muy personal.

La obra aparece mencionada por primera vez, con el título de «pintura de Baco», en una cédula de Felipe IV fechada el 22 de julio de 1629 ordenando a su tesorero general el pago de 100 ducados por la pintura «que [Velázquez] ha hecho para mi servicio».² https://es.wikipedia.org/wiki/El_triunfo_de_Baco_(Vel%C3%A1zquez)​

# data[].attributes.body
Pedro de Mena y Medrano (Granada, agosto de 1628 - Málaga, 13 de octubre de 1688) fue un escultor del barroco español.

Pedro de Mena se dedicó principalmente a la realización de imaginería religiosa, oficio al que también se había dedicado su padre, Alonso de Mena, y de quien heredó un taller en Granada. Además, tuvo otro taller instalado durante treinta años en Málaga, a donde se había dirigido para participar en una de sus obras más reconocidas, la sillería del coro de la Catedral de Málaga. En esta ciudad ejecutó gran cantidad de encargos, especialmente para órdenes religiosas.¹​

En sus obras destacan: los rostros y rasgos alargados de sus figuras, las ropas trabajadas con unos perfiles extremadamente finos y la policromía empleada (colores en fuerte contraste) y el realismo en las encarnaduras, que se muestra claramente y, sobre todo, en su Magdalena Penitente, «Dolorosas» y «Ecce Homo». Debido al gran impacto que produjo la imagen de San Francisco de Asís realizada para la Catedral Primada de Toledo y gracias a la intervención del cardenal Moscoso y Sandoval, antiguo conocido de su padre, fue nombrado maestro mayor de la misma.² https://es.wikipedia.org/wiki/Pedro_de_Mena​

# data[].attributes.body
BIOGRAFIA:

Nicolas Poussin (Les Andelys, Normandía, 15 de junio de 1594)fue un pintor francés, uno de los más destacados de la escuela clasicista. Fue el fundador y gran practicante de la pintura clásica francesa del siglo XVII

Pintura:

El primer biógrafo de Nicolas Poussin fue su amigo Giovanni Pietro Bellori.

Después de dos intentos fallidos de ir a Roma, se juntó con Giambattista Marino, el poeta de la corte de María de Médicis

Poussin tenía treinta años cuando llegó a Roma en 1624. Al principio residió con Simon Vouet.

Las dificultades financieras comenzaron con la marcha a España de Barberini, acompañado por Cassiano dal Pozzo.

Luis XIII le otorgó el título de Primer pintor de corte. Durante dos años en París realizó varias pinturas para las capillas reales.En 1642, disgustado por las intrigas de Simon Vouet, Fouquières y el arquitecto Jacques Lemercier, Poussin retornó a Roma.

ESTAS SON ALGUNAS DE LAS OBRAS DE NICOLAS POUSSIN:

Los hebreos recogiendo el maná en el desierto

El éxtasis de san Pablo

El funeral de Foción

La Sagrada Familia en las escaleras

(Fuente:wikipedia)

# data[].attributes.attachment_caption
El teatro del Barroco supuso un periodo de esplendor del Teatro como género literario y como espectáculo de la época, que se extendió desde Italia al resto de Europa y de Europa a América en el siglo XVII. Se produjo un espectacular desarrollo de la escenografía, con la inclusión de música y pintura como elementos del espectáculo dramático que condujeron a una consolidación de la ópera, el ballet y la zarzuela. Los géneros dramáticos alcanzaron una formalización definitiva y la evolución de los antiguos corrales de comedias hasta las salas a la italiana propició la aparición de los edificios y salas teatrales contemporáneos. En el siglo XVII el teatro se desarrolla en dos tipos de espacios. Por un lado, el espacio público, calles y plazas donde se celebran representaciones religiosas. En los siglos XVI y XVII abundaba la parte de la «escena múltiple», sea en horizontal o en vertical, que obligaba al espectador a seguir la acción en los distintos cuadros. El lugar escénico se hizo fijo después de 1580, con la proliferación en las grandes ciudades de Inglaterra y España de los primeros teatros y corrales de comedias.                                                   Información obtenida de: Wikipedia

# data[].attributes.headline
EL BARROCO, UN ARTE TEATRAL.    IVÁN SORIANO APARICIO

# data[].attributes.subject
EL BARROCO, UN ARTE TEATRAL.    IVÁN SORIANO APARICIO

# data[].attributes.headline
EL BARROCO, UN ARTE NATURALISTA.    IVÁN SORIANO APARICIO

# data[].attributes.subject
EL BARROCO, UN ARTE NATURALISTA.    IVÁN SORIANO APARICIO

# data[].attributes.body
La pintura barroca es fundamentalmente naturalista y gusta de los contrastes de todo tipo. Intenta captar la inmediatez del momento y destaca el dramatismo mediante el contraste de luces y sombras.

La pintura con tendencia naturalista pone al movimiento como protagonista para acentuar el drama y la emoción, (uso de la línea abierta). En cuanto al uso del color, este predomina sobre el dibujo y sobre la línea siendo un elemento fundamental.

Muestra sus escenas y sus personajes de forma más efectista y aparatosa. Es normal encontrar retratos de personas riendo, llorando o expresando de forma exagerada las emociones.

La información ha sido obtenida de: Hispanoteca, historiadelarteen.com y en Escuela de Turismo y Gastronomía de los Pirineos

# data[].attributes.headline
ERIC (EL PALACIO DE VERSALLES) WIKIPEDIA

# data[].attributes.subject
ERIC (EL PALACIO DE VERSALLES) WIKIPEDIA

# data[].attributes.body
El Palacio de Versalles es una antigua residencia real construida por el rey Luis XIV situada en Versalles, a unos 19 kilómetros al oeste de París. Es uno de los monumentos más emblemáticos de Francia .Alrededor de 15 millones de personas visitan cada año el palacio, el parque o los jardines de Versalles. Tras su muerte llegó Luis XIV, que amplió el castillo hasta convertirlo en los inicios de un palacio

# data[].attributes.headline
Eric Díaz Borrallo(La religiosidad del Barroco católico)

# data[].attributes.subject
Eric Díaz Borrallo(La religiosidad del Barroco católico)

# data[].attributes.body
El Barroco católico fue un período artístico y cultural en el que la Iglesia Católica desempeñó un papel muy importante. Durante esta época, se buscaba transmitir la grandeza y la majestuosidad de la fe a través de obras de arte, arquitectura y música. La religiosidad del Barroco católico se caracterizaba por su emotividad y su enfoque en la devoción y la espiritualidad.

# data[].attributes.body
Las meninas o La familia de Felipe IV se considera la obra maestra del pintor del Siglo de Oro español Diego Velázquez.

Es una pintura realizada al óleo sobre un lienzo de grandes dimensiones, donde las figuras situadas en primer plano se representan a tamaño natural. Es una de las obras pictóricas más analizadas y comentadas en el mundo del arte.

Las meninas eran las jovencitas hijas de importantes personalidades, que estaban al servicio de la infanta Margarita.

La obra incluye a estos 11 personajes pertenecientes a la familia real del rey español Felipe IV:

1.    Infanta Margarita.

2.    Isabel de Velasco.

3.    María Agustina Sarmiento de Sotomayor

4.    Mari Bárbola

5.    Nicolasito Pertusato.

6.    Marcela de Ulloa

7.    guardadamas

8.    José Nieto Velázquez

9.    Diego Velázquez.

10.  Felipe IV

11.  Mariana de Austria

Fuente: Wikipedia.

# data[].attributes.headline
Pedro de Ribera Sergio fernandez wikipedia

# data[].attributes.subject
Pedro de Ribera Sergio fernandez wikipedia

# data[].attributes.body
nació el 4 de agosto de 1681 su actividad se desarrollo casi exclusivamente en Madrid durante la primera mitad del siglo 18 fue muy destacable su labor urbanística en la capital Fue nombrado, entre los años 1718 y 1719, teniente del citado Ardemans, que era entonces maestro mayor de las obras y fuentes de Madrid, sucediéndolo en el cargo a su muerte ocupo un puesto relevante en la corte Murió el 19 de octubre de 1742 en Madrid, a los sesenta y un años algunas de sus obras son

Paseo Nuevo. Primera Puerta de San Vicente (1726-1727)

Ermita de la Virgen del Puerto (1716-1718).

Puente de Toledo (1718-1732).

# data[].attributes.body
El arcángel San Miguel venciendo al demonio

San Miguel, el poderoso guerrero, triunfa sobre el diablo, simbolizando el triunfo del bien sobre las tinieblas. San Miguel, el guerrero intrépido, lucha contra las fuerzas del mal, vestido con una armadura y empuñando una poderosa espada. Esta imagen está inspirada en historias de la Biblia, como cuando San Miguel luchó contra el dragón (Satanás) en Apocalipsis 12:7-9. Es un recordatorio de que el bien siempre triunfa y que prevalece la justicia.

# data[].attributes.body
Dedicado también Girardon al retrato, dejó buenas obras en este campo, aunque por lo general fue superado por su rival Coysevox, que supo captar mejor el carácter psicológico de los retratados y por lo común darles más vida. Fue también este último artista quien paulatinamente le suplantó en la aceptación por parte de la aristocracia francesa, pues cuando el gusto comenzó a cambiar, éste supo dar respuesta al lenguaje barroco que se imponía como paso previo al rococó, mientras que Girardon se mantuvo fiel al clasicismo, lo que hizo que desde aproximadamente 1690 permaneciese en una especie de letargo en su producción hasta su fallecimiento en el año 1715.Nació Coysevox en Lyon y estudió en París, en la escuela de la Academia, desde 1657, y posteriormente con Louis Lérambert durante seis años, adivinándose en sus primeras obras una influencia de Anguier y especialmente de Sarrazin que posteriormente hizo evolucionar.Hacia 1679 comenzó a trabajar en Versalles donde pronto causó sensación. Allí realizó piezas para los jardines en las que unas muestran cómo trata de adaptarse al estilo de Girardon, mientras que otras intentan adecuarse al gusto clásico de la antigüedad, de las que puede ser un ejemplo especialmente significativo la Ninfa de la concha de 1683-1685. Pero tanto en unas como en otras, se aprecia que se trata de un arte forzado en el que el artista realmente no se mostraba a gusto.

# data[].attributes.body
Francisco Ribalta (Solsona, Lérida, 1565-Valencia, 1628) fue un pintor barroco español, formado en la órbita de la pintura escurialense y establecido desde 1599 en Valencia, donde en fechas muy tempranas cultivó un naturalismo de cuño personal e intenso claroscuro que llegaría a ser la seña de identidad de la escuela valenciana del siglo XVII.

Situado cronológicamente en los orígenes de la pintura barroca española, la obra de Ribalta constituye el vínculo entre el último manierismo y las nuevas corrientes barrocas. Inmerso en el espíritu religioso de la Contrarreforma, que él plenamente compartía, enfocó los motivos visionarios de su pintura con técnica naturalista, de tal modo que lo sobrenatural pareciese tener lugar del modo más creíble y cercano al espectador, al que trató de poner en contacto directo con el suceso milagroso merced a la sencillez de sus composiciones, sin embellecimientos superfluos.

# data[].attributes.body
Una de las características más distintivas del Barroco es su exuberancia y opulencia. Los artistas barrocos buscaban crear obras que fueran llamativas y impresionantes, utilizando elementos decorativos elaborados y detalles ornamentados. Estos detalles incluían elementos como hojas, flores, frutas y figuras humanas en movimiento.

La arquitectura barroca también reflejaba esta exuberancia, con fachadas ricamente decoradas, columnas retorcidas y cúpulas ornamentadas. Los interiores de las iglesias y palacios barrocos estaban llenos de detalles elaborados, como frescos, esculturas y estucos.

# data[].attributes.body
Escultura barroca es la denominación historiográfica de las producciones escultóricas de la época barroca (de comienzos del siglo xvii a mediados del siglo xviii).Sus características generales son:

Naturalismo, es decir, representación de la naturaleza tal y como es, sin idealizarla.

Integración en la arquitectura, que proporciona intensidad dramática.

Esquemas compositivos libres del geometrismo y la proporción equilibrada propia de la escultura del Renacimiento pleno. La escultura barroca busca el movimiento; se proyecta dinámicamente hacia afuera con líneas de tensión complejas, especialmente la helicoidal o serpentinata, y multiplicidad de planos y puntos de vista. Esta inestabilidad se manifiesta en la inquietud de personajes y escenas, en la amplitud y ampulosidad de los ropajes, en el contraste de texturas y superficies, a veces en la inclusión de distintos materiales, todo lo cual que produce fuertes efectos lumínicos y visuales.

Y mas informacion en (wikipedia)

# data[].attributes.body
Johannes Vermeer van Delft /joˈɦɑnəs vərˈmeːr vɑn dɛlft/ (bautizado en Delft el 31 de octubre de 1632- Delft, 15 de diciembre de 1675), llamado por sus contemporáneos Joannis ver Meer o Joannis van der Meer e incluso Jan ver Meer, es uno de los pintores neerlandeses más reconocidos del arte Barroco. Vivió durante la llamada Edad de Oro neerlandesa, en la cual las Provincias Unidas de los Países Bajosexperimentaron un extraordinario florecimiento político, económico y cultural.

Fuente:Wikipedia

# data[].attributes.body
Éxtasis de Santa Teres:
Es un grupo escultórico en mármol obra del escultor y pintor Gian Lorenzo Bernini, de estilo barroco.1​ Fue realizada entre 1647 y 1652, por encargo del cardenal Cornaro, para ser colocada donde iría su tumba.El Éxtasis de Santa Teresa. Se trata de una de las obras más destacadas de la eEl Éxtasis de Santa Teresa está considerada una de las obras maestras de la escultura del alto barroco romano. Retrata la imagen de Santa Teresa de Ávila durante el don místico de la transverberación que describe en su Libro de la Vida.scultura barroca.
(Fuente: Wikipedia)

# data[].attributes.attachment_link.title
Archivo:Éxtasis de Santa Teresa, Gian Lorenzo Bernini, Roma, Italia, 2019 07.jpg - Wikipedia, la enciclopedia libre

# data[].attributes.attachment_link.description
Haz clic sobre una fecha y hora para ver el archivo tal como apareció en ese momento. Fecha y hora Miniatura Dimensiones Usuario Comentario actual 13:21 24 ago 2019 3000 × 4000 (4,78 MB) Benjamín Núñez González User created page with UploadWizard La siguiente página usa este archivo: Este archivo contiene información adicional, probablemente añadida por la cámara digital o el escáner usado para crearlo o digitalizarlo.

# data[].attributes.body
Frans Hals

La escasez de documentos y la ausencia total de escritos personales de Frans Hals hacen que su personalidad y su vida permanezcan un poco en la oscuridad. Hay varias fechas hipotéticas sobre su nacimiento, que pudo ser hacia 1582-1583.Después de la caída de Amberes su familia se instaló en Haarlem

Entró el joven artista en el taller del pintor flamenco Karel van Mander (1548–1606).Pero a finales del siglo xvi, debido a la influencia de la pintura italiana, surge un arte de cierta inspiración clasicista que se dejará traslucir en las obras del primer Hals.Es en 1610 también cuando contrae matrimonio

Frans Hals murió en Haarlem en 1666

(Fuente:WIKIPEDIA)

# data[].attributes.attachment_link.authors[].name
Colaboradores de los proyectos Wikimedia

# data[].attributes.attachment_link.title
Frans Hals - Wikipedia, la enciclopedia libre

# data[].attributes.body
Zurbarán, Juan de, Llerena (Badajoz), VII.1620 – Sevilla, VI.1649. Pintor.

Fue hijo del pintor Francisco de Zurbarán, y a lo largo de su corta carrera logró convertirse en uno de los especialistas más importantes en pintura de naturaleza muerta en Sevilla, gracias a la calidad de sus obras y a su originalidad. Su educación artística, como es lógico, debió de tener como escenario el taller de su padre, cuyo estilo es el punto de referencia del suyo propio. A finales de las décadas de 1630 ya actúa como pintor independiente, y firma sus primeras obras, como un Plato de uvas (Burdeos, colección particular) que lleva la fecha de 1639. A partir de entonces, y hasta su muerte diez años después, se suceden las noticias que nos hablan de un artista especializado en un género concreto y bien integrado en el tejido social y profesional de la ciudad. También testimonian sus inquietudes intelectuales. Así, en agosto de 1641 se casó con Mariana de Quadros, la hija de un procurador de la Real Audiencia, que aportó al matrimonio una dote considerable. Un años más tarde su nombre figuró por partida doble en los Discursos sobre el arte del danzado de Juan de Esquivel. En los preliminares de la obra aparece un soneto del pintor dedicado al autor, quien, por su parte, lo cita en su texto como alumno del maestro de danza José Rodríguez Tirado. A través de otros documentos conocemos los avatares de su vida familiar, como el nacimiento de su hijo Francisco Máximo en 1642 y de su hija Antonia en 1644. Su vida y su carrera se vieron truncadas por la epidemia de peste

Fuente:Museo Del Prado

# data[].attributes.body
Luisa Ignacia Roldán Villavicencio (Sevilla, 8 de septiembre de 1652 [fecha de bautizo][1]​ - Madrid, 10 de enero de 1706),[2]​ conocida popularmente como La Roldana, fue la primera escultora española registrada. Es una de las principales figuras de la escultura del Barroco en la Andalucía de finales del siglo XVII y principios del XVIII.[3]​ Su fama alcanza mayor relieve desde que Antonio Palomino la reconoció como una escultora tan importante como su padre Pedro Roldán.

Fuente:Wikipedia

# data[].attributes.body
Frans Hals (Amberes, 1582 o 1583-Haarlem, 26 de agosto de 1666) fue un pintor neerlandés perteneciente a la escuela barroca holandesa. Es uno de los grandes maestros en el arte del retrato. Despierta gran admiración por la brillantez en la representación de la luz y la libertad en el manejo de los pinceles, con una pincelada rápida y suelta precedente del impresionismo.

Fuente:Wikipedia

# data[].attributes.body
Francisco Salzillo y Alcaraz (Murcia, 12 de mayo de 1707-ibídem, 2 de marzo de 1783) fue un escultor barroco español, considerado como el más representativo imaginero del siglo xviii español y uno de los más grandes del Barroco. Salzillo se dedicó en exclusiva a la temática religiosa y supo transmitir a su estilo los cambios que se fueron produciendo durante el siglo xviii, lo que se vio plasmado en una escultura de transición hacia el rococó y el neoclasicismo,[1]​ así como en diversos cambios que se fueron produciendo en el taller que heredó de su padre, el también escultor e imaginero Nicolás Salzillo.

Fuente:Wikipedia

# data[].attributes.body
El jardín de estilo francés, también llamado jardín à la française (literalmente, en francés, 'jardín a la [manera] francesa'), es un estilo de jardín basado en la simetría y el principio de imponer el orden a la naturaleza. En Francia se conoce como jardín regular o jardín clásico y es expresión del clasicismo en el arte de los jardines, es decir, de la búsqueda de la perfección formal, de una majestad teatral y de un gusto por el espectáculo. Su epítome es generalmente considerado como los jardines de Versalles diseñados durante el siglo xvii por el arquitecto paisajista André Le Nôtre para Luis XIV y ampliamente copiado por otras cortes europeas.
Fuente:blogger.com

# data[].attributes.body
Alonso Cano Almansa (Granada, bautizado el 19 de marzo de 1601[1]​-Granada, 3 de septiembre de 1667) fue un pintor, escultor y arquitecto español del Barroco. Es considerado el fundador de la escuela granadina de pintura. Ejerció una gran influencia artística en Andalucía y Madrid. Tuvo como discípulo al pintor, escultor y arquitecto Sebastián Herrera Barnuevo. Pueden considerarse discípulos suyos los pintores Juan de Sevilla, Pedro Atanasio Bocanegra y Juan Niño de Guevara y los escultores Pedro de Mena y José de Mora

Fuente:Wikipedia

# data[].attributes.body
Juan de Valdés Leal (Sevilla, 1622-1690) fue un pintor barroco español activo en Córdoba y Sevilla. Artista fecundo y de poderosa inventiva, pero desigual en el acabado de sus obras, es conocido fundamentalmente por los dos «jeroglíficos de las postrimerías» pintados hacia 1672 para la iglesia del Hospital de la Caridad de Sevilla, donde aún se conservan. Relacionadas con el muy barroco tema de la vanitas, extendido por la mayor parte de Europa, las alegorías Finis gloriae mundi (El fin de las glorias mundanas) e In ictu oculi (En un abrir y cerrar de ojos) ilustran el pensamiento de Miguel Mañara, renovador de la Hermandad de la Santa Caridad, según lo dejó escrito en su Libro de la Verdad, además de completar el programa iconográfico de la capilla, integrado por el Santo Entierro del retablo mayor y la serie de las «obras de misericordia» pintadas por Murillo, con las que forman un conjunto coherente. No obstante, lo macabro de su asunto —y la fuerte personalidad del pintor— resultaron perjudiciales para su fama póstuma y facilitaron que se le acabase atribuyendo cualquier pintura en la que apareciese un cadáver en descomposición o la cabeza cortada de un santo, incluso si se trataba de pinturas de calidad ínfima. Convertido en «pintor de los muertos»

Fuente:Wikipedia

# data[].attributes.body
Vieja friendo huevos es un cuadro de juventud de Velázquez, pintado en Sevilla en 1618, solo un año después de su examen como pintor. Se encuentra en la Galería Nacional de Escocia, en Edimburgo, desde 1955, adquirido a los herederos de sir Francis Cook por 57 000 libras.

Fuente:Wikipedia

# data[].attributes.body
Niños comiendo uvas y melón es una pintura al óleo de estilo barroco realizada por el pintor Bartolomé Esteban Murillo entre 1645 y 1650. Se encuentra en la Alte Pinakothek de Múnich, donde se exhibe en la sala XIII con el nombre de Trauben- und Melonenesser, inventariada con el núm. 605.[1]​ Una de las tipologías más recurrentes en la obra de Murillo, aparte de la pintura religiosa, fue la de la pintura de génerorealizada con realismo y gran naturalismo. Estas pinturas presentan en su mayoría escenas picarescas con niños mendigos en diversas actitudes, como son los Niños jugando a los dados o el Joven mendigo, y a pesar de la miseria que muestran, el pintor consigue crear una imagen de humanidad y simpatía.

Fuente:Wikipedia

# data[].attributes.attachment_caption
con casi 50 metros de frente, es una de las mayores fuentes monumentales del Barroco en Roma , está situada en el rione de Trevi.                                   La fuente toma el nombre del distrito Trevi, del cual no se conoce con certeza su origen, podría provenir del latín trivium, en referencia a la confluencia de tres calles en Piazza dei Crociferi, al lado de la Plaza de Trevi. El topónimo Regio Trivii designó a la zona desde el siglo xii, en referencia a la confluencia de tres calles o quizás a la triple salida del agua de la fuente original.                                                                            ​La fuente está situada en el cruce de tres calles, marcando el punto del Aqua Virgo. Esta Aqua Virgo corría por el acueducto más corto de Roma directamente hasta las Termas de Agripa y fue usada durante más de cuatrocientos años                                                                                        La costumbre romana de construir una fuente conmemorativa al final de los acueductos fue resucitada en el siglo xv, con el Renacimiento. En 1453, el papa Nicolás V encargó el trabajo al arquitecto Leon Battista Alberti, quien se limitó a unir los tres estanques entonces presentes.                  fuente: wikipedia        

# data[].attributes.headline
Carla García De Paredes González                                                                                 Fontana di Trevi                           

# data[].attributes.subject
Carla García De Paredes González                                                                                 Fontana di Trevi                           

# data[].attributes.body
Nace en Madrid en el seno de una familia de origen portugués Claudio Coello fue un pintor español, destacado representante del pleno barroco Madrid, durante este periodo estudia a fondo los dibujos de su maestro y es posible incluso que le ayudara en algunos encargos para escenarios teatrales. A primera obra firmada y fechada que se conoce, Jesús niño a la puerta del Templo (1660, Museo del Prado), La pintura de Coello presenta un espléndido colorismo, aprendido durante su estancia en Italia y a través del estudio de los venecianos. Recibió, además, la influencia de Rubens y de Velázquez, a quien debe su especial habilidad para captar la atmósfera y la perspectiva espacial.(wikipedia y google)

# data[].attributes.body
Las meninas se considera la obra maestra del pintor del Siglo de Oro español Diego Velázquez. Acabado en 1656, según Antonio Palomino, fecha unánimemente aceptada por la crítica, corresponde al último periodo estilístico del artista, el de plena madurez. Es una pintura realizada al óleo sobre un lienzo de grandes dimensiones, donde las figuras situadas en primer plano se representan a tamaño natural. Es una de las obras pictóricas más analizadas y comentadas en el mundo del arte.

No alcanzó auténtica reputación internacional hasta 1819, cuando, tras la apertura del Museo del Prado pudo ser copiado y contemplado por un público más amplio. Desde entonces se han ofrecido de él diversas interpretaciones, sintetizadas por Jonathan Brown en tres grandes corrientes.

El tema central es el retrato de la infanta Margarita Teresa de Austria, colocada en primer plano, rodeada por sus sirvientes, «las meninas», aunque la pintura representa también otros personajes. En el lado izquierdo se observa parte de un gran lienzo, y detrás de este el propio Velázquez se autorretrata trabajando en él. El artista resolvió con gran habilidad todos los problemas de composición del espacio, gracias al dominio que tenía del color y a la gran facilidad para caracterizar a los personajes. El punto de fuga de la composición se encuentra cerca del personaje que aparece al fondo abriendo una puerta, donde la colocación de un foco de luz demuestra, de nuevo, la maestría del pintor, que consigue hacer recorrer la vista de los espectadores por toda su representación. Un espejo colocado al fondo refleja las imágenes del rey Felipe IV y su esposa Mariana de Austria, medio del que se valió el pintor para dar a conocer ingeniosamente lo que estaba pintando, según Palomino, aunque algunos historiadores han interpretado que se trataría del reflejo de los propios reyes entrando a la sesión de pintura o, según otros, posando para ser retratados por Velázquez: en este caso, la infanta Margarita y sus acompañantes estarían visitando al pintor en su taller.

(wikipedia)

# data[].attributes.body
Biografía:

(Nápoles, 7 de diciembre de 1598-Roma, 28 de noviembre de 1680) fue un escultor, arquitecto y pintor italiano. Trabajó principalmente en Roma y es considerado el más destacado escultor de su generación, creador del estilo escultórico barroco.​

Bernini poseía la habilidad de crear en sus esculturas escenas narrativas muy dramáticas, de captar unos intensos estados psicológicos y también de componer conjuntos escultóricos que transmiten una magnífica grandeza.

Arquitectura:

Sus características como arquitecto barroco fueron: Dar mucha importancia a lo decorativo, tanto en el interior como en el exterior. Los elementos constructivos (columnas, pilastras...) se multiplican, pero con función decorativa, siendo su único fin dar ritmo arquitectónico.

Obras:

Éxtasis de Santa Teresa

Apolo y Dafne

Baldaquino de San Pedro

Santa Bibiana

Alma maldita

Medusa

Neptuno y Tritón

Y muchas más (wikipedia)

# data[].attributes.body
Juan Sánchez Cotán (Orgaz, Toledo, 1560-Granada, 1627) fue un pintor español, discípulo de Blas de Prado e influido por algunos artistas que trabajaron en El Escorial, como Luca Cambiaso o Juan Fernández Navarrete. Sánchez Cotán trabajó en Toledo, donde contó con una importante clientela, hasta que en 1603 decidió ingresar como hermano lego en la Cartuja, una de las órdenes religiosas de más estricta observancia, estableciéndose en Granada hasta su fallecimiento el 8 de septiembre de 1627, fiesta de la Natividad de la Virgen, el mismo día que, según subrayaba Antonio Palomino, había profesado como cartujo en 1604.

El grueso de su obra lo constituyen las pinturas de asunto religioso, destacando las muy numerosas que realizó para su cartuja de Granada. Cultivó también el retrato y el paisaje, pero es célebre por sus bodegones, especialmente desde la celebración en Madrid, en 1935, de la exposición Floreros y bodegones en la pintura española, que resultó clave para la revalorización crítica del bodegón español.1​ Entre las obras expuestas en aquella ocasión figuraban dos pinturas de Sánchez Cotán que llamaron la atención: el Bodegón de caza, hortalizas y frutas (ahora en el Museo del Prado) y el Bodegón del cardo (Museo de Bellas Artes de Granada), que se iban a convertir en una de las piedras angulares de la historia de la naturaleza muerta en España.2​

Por el sentido austero de su composición y la sobriedad de sus manjares, sus bodegones, como los posteriores de Zurbarán, se interpretaron en clave mística por críticos como Emilio Orozco o Cavestany, al tiempo que se insistía en distanciarlos de los «opulentos» bodegones flamencos, recalcando su carácter «singular» dentro del contexto europeo y lo que se estimaban paralelismos con la literatura ascética española del Siglo de Oro.3​ Por el contrario, Julián Gállego,4​ años más tarde, al tiempo que recuperaba el lenguaje alegórico de las flores y los frutos, opuso a la supuesta sobriedad de estos bodegones el valor que tales viandas tenían en su época, donde podían ser consideradas como auténticas golosinas y recordaba cómo a Guzmán de Alfarache se le hacía la boca agua ante el arcón de Monseñor Ilustrísimo Cardenal, su amo romano:

Allí estaba la pera bergamota de Aranjuez, la ciruela ginovisca, melón de Granada, cidra sevillana, naranja y toronja de Plasencia, limón de Murcia, pepino de Valencia, tallos de las Islas, berenjena de Toledo, orejones de Aragón, patata de Málaga. Tenía camuesa, zanahoria, calabaza, confituras de mil maneras y otro infinito número de diferencias que me traían el espíritu inquieto y el alma desasosegada.(Buscado en W​ikipedia)

# data[].attributes.headline
Nacho Hurtado Sosa                          (Juan Martínez Montañés)      

# data[].attributes.subject
Nacho Hurtado Sosa                          (Juan Martínez Montañés)      

# data[].attributes.body
Juan Martínez Montañés (Alcalá la Real, Jaén, 16 de marzo de 1568 - Sevilla, 18 de junio de 1649) fue un escultor español. Su obra conserva la sobriedad clásica propia del Renacimiento, aunque aportando la profundidad de la escultura del Barroco.¹​ Se formó en Granada con Pablo de Rojas y completó su educación en Sevilla, donde se estableció para el resto de su vida, convirtiéndose en el máximo exponente de la escuela sevillana de imaginería. Prácticamente toda su obra fue de tema religioso, menos dos estatuas orantes y el retrato de Felipe IV. Recibió y realizó encargos para diversas ciudades del continente americano. En su tiempo fue conocido como el «Lisipo andaluz» y también como el «dios de la madera» por la gran facilidad y maestría que tenía al trabajar con dicho material.

(Buscado desde Wikipedia)

# data[].attributes.body
José de Ribera nació Játiva, España; bautizado el 17 de febrero de 1591-Nápoles, Italia; 3 de septiembre de 1652)​ fue un pintor, dibujantey grabador español del siglo xvii, que desarrolló toda su carrera en Italia, inicialmente en Roma y posteriormente en Nápoles. Fue también conocido por su nombre italianizado Jusepe Ribera y por el apodo Lo Spagnoletto («El Españolito») debido a su baja estatura y a que reivindicaba sus orígenes, siendo común que firmara sus obras como español, valenciano y setabense,[3]​ o bien simplemente como español. En ocasiones lo hacía empleando la terminología latina «Josephus Ribera. Hispanus. Valentinus. Setaben. (o Civitatis Setabis)», a lo que en ocasiones añadía «accademicus Romanus» y sobre todo «Partenope», en alusión a su lugar de residencia.

Cultivó un estilo naturalista que evolucionó del tenebrismo de Caravaggio hacia una estética más colorista y luminosa, influida por Van Dyck y otros maestros. Contribuyó a forjar la gran escuela napolitana.

Fuente:Wikipedia

# data[].attributes.headline
𝐏𝐚𝐨𝐥𝐚 𝐆𝐮𝐞𝐫𝐫𝐞𝐫𝐨                                                                     LA IMAGINERÍA

# data[].attributes.subject
𝐏𝐚𝐨𝐥𝐚 𝐆𝐮𝐞𝐫𝐫𝐞𝐫𝐨                                                                     LA IMAGINERÍA

# data[].attributes.body
~𝘓𝘢 𝘪𝘮𝘢𝘨𝘪𝘯𝘦𝘳í𝘢 𝘣𝘢𝘳𝘳𝘰𝘤𝘢 𝘦𝘴 𝘶𝘯𝘢 𝘦𝘴𝘱𝘦𝘤𝘪𝘢𝘭𝘪𝘥𝘢𝘥 𝘥𝘦𝘭 𝘢𝘳𝘵𝘦 𝘥𝘦 𝘭𝘢 𝘦𝘴𝘤𝘶𝘭𝘵𝘶𝘳𝘢 𝘲𝘶𝘦 𝘴𝘦 𝘥𝘦𝘥𝘪𝘤𝘢 𝘢 𝘭𝘢 𝘳𝘦𝘱𝘳𝘦𝘴𝘦𝘯𝘵𝘢𝘤𝘪ó𝘯 𝘱𝘭á𝘴𝘵𝘪𝘤𝘢 𝘥𝘦 𝘵𝘦𝘮𝘢𝘴 𝘳𝘦𝘭𝘪𝘨𝘪𝘰𝘴𝘰𝘴. 𝘌𝘴𝘵𝘢 𝘧𝘰𝘳𝘮𝘢 𝘥𝘦 𝘦𝘴𝘤𝘶𝘭𝘵𝘶𝘳𝘢 𝘦𝘴 𝘤𝘰𝘮ú𝘯𝘮𝘦𝘯𝘵𝘦 𝘳𝘦𝘢𝘭𝘪𝘴𝘵𝘢 𝘺 𝘵𝘪𝘦𝘯𝘦 𝘧𝘪𝘯𝘢𝘭𝘪𝘥𝘢𝘥 𝘥𝘦𝘷𝘰𝘤𝘪𝘰𝘯𝘢𝘭, 𝘭𝘪𝘵ú𝘳𝘨𝘪𝘤𝘢 𝘺 𝘱𝘳𝘰𝘤𝘦𝘴𝘪𝘰𝘯𝘢𝘭.

·𝙻𝚊 𝚒𝚖𝚊𝚐𝚒𝚗𝚎𝚛í𝚊 𝚋𝚊𝚛𝚛𝚘𝚌𝚊 𝚜𝚎 𝚌𝚊𝚛𝚊𝚌𝚝𝚎𝚛𝚒𝚣𝚊 𝚙𝚘𝚛 𝚜𝚞 𝚊𝚌𝚎𝚗𝚝𝚞𝚊𝚍𝚘 𝚛𝚎𝚊𝚕𝚒𝚜𝚖𝚘 𝚎𝚗 𝚌𝚘𝚗𝚝𝚛𝚊𝚜𝚝𝚎 𝚌𝚘𝚗 𝚕𝚘𝚜 𝚖𝚘𝚍𝚎𝚕𝚘𝚜 𝚒𝚍𝚎𝚊𝚕𝚒𝚣𝚊𝚍𝚘𝚜 𝚍𝚎𝚕 𝚁𝚎𝚗𝚊𝚌𝚒𝚖𝚒𝚎𝚗𝚝𝚘.

·E𝚗 𝙴𝚜𝚙𝚊ñ𝚊 𝚊𝚋𝚞𝚗𝚍𝚊𝚛𝚘𝚗 𝚕𝚊𝚜 𝚝𝚊𝚕𝚕𝚊𝚜 𝚍𝚎 𝚖𝚊𝚍𝚎𝚛𝚊 𝚙𝚘𝚕𝚒𝚌𝚛𝚘𝚖𝚊𝚍𝚊 𝚚𝚞𝚎 𝚙𝚎𝚛𝚖𝚒𝚝𝚎 𝚛𝚎𝚏𝚘𝚛𝚣𝚊𝚛 𝚎𝚕 𝚛𝚎𝚊𝚕𝚒𝚜𝚖𝚘 𝚍𝚎 𝚕𝚊𝚜 𝚙𝚒𝚎𝚣𝚊𝚜, 𝚊 𝚟𝚎𝚌𝚎𝚜 𝚖𝚎𝚍𝚒𝚊𝚗𝚝𝚎 𝚟𝚎𝚜𝚝𝚒𝚍𝚘𝚜 𝚢 𝚛𝚘𝚙𝚊𝚓𝚎𝚜 𝚊𝚞𝚝é𝚗𝚝𝚒𝚌𝚘𝚜, 𝚌𝚊𝚋𝚎𝚕𝚕𝚘𝚜 𝚙𝚘𝚜𝚝𝚒𝚣𝚘𝚜.

·𝚂𝚎 𝚟𝚒𝚗𝚌𝚞𝚕𝚊 𝚊 𝚕𝚊 𝚛𝚎𝚕𝚒𝚐𝚒ó𝚗 𝚌𝚊𝚝ó𝚕𝚒𝚌𝚊 𝚍𝚎𝚋𝚒𝚍𝚘 𝚊 𝚜𝚞 𝚌𝚊𝚛á𝚌𝚝𝚎𝚛 𝚒𝚌ó𝚗𝚒𝚌𝚘, 𝚙𝚘𝚛 𝚕𝚘 𝚚𝚞𝚎 𝚕𝚊 𝚎𝚗𝚌𝚘𝚗𝚝𝚛𝚊𝚖𝚘𝚜 𝚎𝚜𝚙𝚎𝚌𝚒𝚊𝚕𝚖𝚎𝚗𝚝𝚎 𝚎𝚗 𝚙𝚊í𝚜𝚎𝚜 𝚍𝚎 𝚌𝚞𝚕𝚝𝚞𝚛𝚊 𝚌𝚊𝚝ó𝚕𝚒𝚌𝚊

(𝐈𝐧𝐟𝐨𝐫𝐦𝐚𝐜𝐢ó𝐧 𝐫𝐞𝐜𝐨𝐠𝐢𝐝𝐚 𝐝𝐞 𝐖𝐈𝐊𝐈𝐏𝐄𝐃𝐈𝐀 𝐲 𝐂𝐨𝐩𝐢𝐥𝐨𝐭)

# data[].attributes.body
Biografía:

Rembrandt fue un pintor neerlandés que nació en Leiden en 1606 y murió en Ámsterdam en 1669. Fue un pintor y grabador neerlandés. La historia del arte lo considera uno de los mayores maestros barrocos de la pintura. Alcanzando el éxito en la juventud, sus últimos años estuvieron marcados por la tragedia y la ruina. Sus dibujos y pinturas siempre fueron muy populares.

Pinturas:

Entre los mayores logros creativos de Rembrandt están los magistrales retratos que realizó para sus contemporáneos, sus autorretratos y sus ilustraciones de escenas bíblicas. En sus autorretratos se observa la mirada humilde y sincera de un artista que trazó en ellos su biografía. En la representación de una escena bíblica, solía combinar su conocimiento del texto con su particular concepto de la composición clásica.

Obras:

Banquete de la guardia cívica de Jan Tengnagel

Autorretrato con capa y ojos muy abiertos

Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp

Filósofo en meditación

La tormenta en el mar de Galilea

Fuente:Wikipedia

# data[].attributes.body
Biografía:

Francisco de Zurbarán nació en Fuente de Cantos (Badajoz) en 1598 y murió en Madrid en 1664.Fue un pintor del Siglo de Oro español que destacó en la pintura religiosa, siguiendo las disposiciones de la contrarreforma sobre el Arte.

Pintura:

Sus obras muestran una aguda observación y reproducción del natural, especialmente en la captación de los valores táctiles. Asimismo, un gran talento para resaltar las figuras, sobre fondo oscuro en su primera etapa y sobre bellos paisajes después. Su colorido es muy personal y bien armonizado: rosas, malvas, verdes, y unos espléndidos blancos. Zurbarán siempre resalta la humanidad de los personajes santos, y representa los elementos naturales y las escenas cotidianas con un aire real y espiritualizado al mismo tiempo, en un ambiente de mágico silencio.

Obras:

El lienzo de la Verónica

El reposo durante la huida a Egipto

San Francisco arrodillado con una calavera

La Virgen con el Niño y San Juanito

Fuente:Wikipedia

# data[].attributes.attachment_link.authors[].name
Colaboradores de los proyectos Wikimedia

# data[].attributes.attachment_link.title
Francisco de Zurbarán - Wikipedia, la enciclopedia libre

# data[].attributes.attachment_link.description
Véase también: Anexo:Cuadros de Francisco de Zurbarán

# data[].attributes.body
Biografía:

Pedro de Mena nació en Granada en 1628 y murió en Málaga en 1688. Se dedicó principalmente a la realización de imaginería religiosa, oficio al que también se había dedicado su padre, Alonso de Mena, y de quien heredó un taller en Granada. Además, tuvo otro taller instalado durante treinta años en Málaga.

Arquitectura:

En sus primeros tiempos la policromía empleada era con estofado de ricos motivos y bordes con cenefas y carnaciones tostadas. A partir de su colaboración con Cano, fue dejando las estofas y prefiriendo los tonos lisos con colores contrastados y el realismo en las austeras estameñas del hábito de los santos franciscanos. Las carnaciones se hicieron más claras, añadiéndose los postizos frecuentes de la época: pelo natural, pestañas, dientes de marfil y ojos de cristal.

Fuente:Wikipedia

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Pedro de Mena y Medrano ( Granada, agosto de 1628 - Málaga, 13 de octubre de 1688) fue un escultor del barroco español.

Pedro de Mena se dedicó principalmente a la realización de imaginería religiosa, oficio al que también se había dedicado su padre, Alonso de Mena, y de quien heredó un taller en Granada. Además, tuvo otro taller instalado durante treinta años en Málaga, a donde se había dirigido para participar en una de sus obras más reconocidas, la sillería del coro de la Catedral de Málaga. En esta ciudad ejecutó gran cantidad de encargos, especialmente para órdenes religiosas.​

En sus obras destacan: los rostros y rasgos alargados de sus figuras, las ropas trabajadas con unos perfiles extremadamente finos y la policromía empleada (colores en fuerte contraste) y el realismo en las encarnaduras, que se muestra claramente y, sobre todo, en su Magdalena Penitente, "Dolorosas" y "Ecce Homo". Debido al gran impacto que produjo la imagen de San Francisco de Asís realizada para la Catedral Primada de Toledo y gracias a la intervención del cardenal Moscoso y Sandoval, antiguo conocido de su padre, fue nombrado maestro mayor de la misma.​

Fue bautizado el 29 de agosto de 1628 en Granada en la parroquia de San Andrés. Sus padres fueron Alonso de Mena, famoso escultor, y su segunda esposa Juana de Medrano. Sus primeros años de aprendizaje los pasó con su padre junto con otros aprendices de taller entre los que se encontraba Pedro Roldán. Al fallecimiento de su padre en 1646, Pedro, con dieciocho años, se hizo cargo del taller, que compartió a partir de 1652 con Alonso Cano -cuando este regresó a Granada desde Madrid, para actuar de racionero en la catedral-,​ con quien trabajó y colaboró estrechamente, poniendo a su disposición su propio taller. Gracias a esta colaboración, Mena pudo asimilar unos procedimientos de trabajo más elaborados y un nuevo concepto estético que desarrolló por la vía de la perfección técnica y el realismo.

Mater Dolorosa, talla de madera policromada conservada en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid).

San Juan Bautista Niño (1674), Museo de Bellas Artes de Sevilla.

El 5 de junio de 1647 contrajo matrimonio con Catalina de Vitoria y Urquízar, natural de Granada y de 13 años de edad, con la que tuvo seis hijos antes de su marcha a Málaga, de los que sobrevivieron tres que se hicieron religiosos. Durante su estancia en Málaga tuvieron otros ocho hijos, quedando en vida sólo dos, José, capellán real en la Capilla Real de Granada y Juana Teresa en el Císter, donde ya estaban sus hermanas Andrea y Claudia Juana.​ Redactó su primer testamento en 1666; pero es en el realizado en 1675 cuando habla de su hija Juana que aún no tenía seis años:

... y desea vivir y permanecer en estado de religión, guardando pureza y castidad, por lo que deseamos que sea religiosa por ser de los estados más perfectos y seguros para la salvación.​

Por sus firmes creencias religiosas, pidió ser enterrado entre las dos puertas de la iglesia del Císter para que su lápida fuera pisada por todos los fieles que entraran en la iglesia.

Pedro de Mena mantuvo una gran vinculación religiosa con distintas cofradías y fue hermano mayor de la del gremio de artistas del Santísimo Corpus Christi, Ánimas y Misericordia.

Luchó y consiguió ser aceptado como familiar de la Inquisición en 1678. Este hecho significaba un ascenso social, ya que suponía un reconocimiento público de limpieza de sangre y llevaba además aparejados ciertos privilegios como el verse libre de pagar impuestos. Sus grandes amistades fueron sobre todo eclesiásticas, según Palomino:

...fue un hombre de la primera estimación, y así nunca se acompañó sino con la primera nobleza, llevándolo el señor D. Fray Alonso​ a su lado en los paseos públicos y recreos de la caza.​

Permaneció en Granada hasta que en 1658 fue llamado por el obispo de Málaga, Diego Martínez de Zarzosa, para realizar la sillería del coro de la Catedral de la Encarnación de Málaga. En esta ciudad, excepto una estancia en Madrid entre los años 1662 y 1663, montó su taller definitivo con gran éxito de encargos, hasta su fallecimiento en el mes de octubre de 1688.​

Fue nombrado maestro mayor de escultura de la catedral de Toledo en mayo de 1663 por iniciativa del cardenal Baltasar Moscoso y Sandoval, donde se encuentra San Francisco de Asís, una de sus mejores obras. Regresó a Málaga y, demostrando grandes dotes empresariales, dejó en Madrid un representante encargado de recoger posibles encargos y de suministrarle material necesario para su trabajo.

Sus trabajos se fueron extendiendo por toda la península; se cree que con la colaboración de su hijo Alonso, jesuita, ya que se encuentran numerosas obras de Mena en templos de esta orden en Alcalá de Henares, Madrid, Marchena, Sevilla e incluso en Ciudad de México o Lima.

Destacó por su gran capacidad de trabajo así como por sus dotes administrativas y su visión comercial.​ le proporcionaron un patrimonio que le permitió una vida holgada y una respetable posición que consiguió al ser nombrado teniente de alcalde de la fortaleza de Gibralfaro en 1679. En este mismo año, meses más tarde, afectado por la enfermedad de la peste, volvió a redactar el que sería su tercer y último testamento, donde detalló la propiedad de seis viviendas y regaló al convento de Santa Ana del Císter, a cambio de su sepultura, la pareja de bustos de una Dolorosa y un Ecce Homo.​ No sucumbió a la peste, pero debieron quedarle secuelas, ya que, a partir de entonces, puso al frente del taller a su discípulo Miguel Félix de Zayas. Este, después de la muerte de su maestro, firmó su escasa obra conocida como "discípulo de Pedro de Mena".​ Durante estos últimos años de vida, se cree que la participación de Mena en los trabajos del taller se limitó a dibujar y hacer bocetos, ya siempre con modelos repetidos, pero que cumplían los encargos solicitados al taller. Recibió sepultura, como había deseado, en el convento del Císter el 14 de octubre de 1688.

En 1876, la abadía cisterciense de Santa Ana de Málaga fue derribada y se localizaron sus restos en una caja de pino, entonces fueron trasladados a la iglesia del Santo Cristo de la Salud, hasta su nuevo traslado en 1996 a la actual iglesia del Císter, muy cerca de la casa donde vivió y murió, donde sigue enterrado en una pequeña capilla con los bustos de la Dolorosa y el Ecce Homo, que había realizado y donado para tal fin.

Ecce Homo del Museo Diocesano y Catedralicio de Valladolid, se ve cómo la policromía da carácter a la talla.

En sus primeras obras se aprecia perfectamente el estilo de su padre que va transformando poco a poco, según autores como Antonio Palomino​ o Ceán Bermúdez. La gran influencia que tuvo Alonso Cano sobre su obra artística, se aprecia en que los rostros femeninos los va haciendo más ovalados, los cuellos más largos, la nariz la perfilaba estrechándola y reducía la boca.​ A partir de su estancia en Málaga fue proyectándose hacia un estilo mucho más realista y naturalista además de ir adquiriendo un gran dominio técnico en la talla y policromía. El conocimiento de las obras y artistas castellanos le lleva a simplificar las formas y los volúmenes de sus figuras, sobrecargando en cambio su contenido espiritual; es cuando consiguió sus mejores obras. Sólo en su última etapa los modelos se volvieron más simples, y es donde se aprecia su maestría y su habilidad técnica, ya que sin gran esfuerzo, realizaba obras muy dignas.

Los modelos iconográficos que empleaba en su gran mayoría no eran creaciones personales, sino que estaban inspirados en los realizados por sus allegados: su padre, Alonso de Mena -su gran maestro-, Alonso Cano, Gregorio Fernández, Pablo de Rojas. Otro punto de inspiración fueron pinturas o estampas; aunque en Mena, la calidad de la técnica es lo que imperaba, dando como resultado orillas de las túnicas y mantos que parecen telas finísimas y rostros que expresan una gran espiritualidad. Toda su producción fue de tema religioso excepto las imágenes de los Reyes Católicos de las catedrales de Granada y Málaga.

A pesar de ser una época de gran auge de las hermandades penitenciales de Semana Santa, sólo se tiene noticia de la realización de una escultura, concretamente de un Nazareno en 1679 para la ciudad de Lucena, que por no tener el mecanismo de articulación en el brazo que debía bendecir, no fue del agrado de la cofradía.​ Mena se dedicó sobre todo a tallas generalmente pequeñas, con temas como el Niño Jesús, Santos, Inmaculadas, Dolorosas y Ecce Homo, con sólo un Crucificado, desaparecido. De tamaño mayor que el natural es el Cristo de la Buena Muerte del convento de Santo Domingo, las restantes obras de Cristos son también de tamaño menor.

En su primera etapa de trabajo se ocupaba él mismo del acabado de sus imágenes y de la aplicación de la policromía. Con el tiempo dejó esta labor en manos de un pintor especialista que lo realizaba siempre bajo su supervisión. También aquí se advierte la influencia de Alonso Cano. En sus primeros tiempos la policromía empleada era con estofado de ricos motivos y bordes con cenefas y carnaciones tostadas. A partir de su colaboración con Cano, fue dejando las estofas y prefiriendo los tonos lisos con colores contrastados y el realismo en las austeras estameñas del hábito de los santos franciscanos. Las carnaciones se hicieron más claras, añadiéndose los postizos frecuentes de la época: pelo natural, pestañas, dientes de marfil y ojos de cristal.

Período de Granada

San Pedro de Alcántara. Museo Nacional de Escultura. Valladolid.

Entre sus primeras obras realizadas en el taller de su padre en Granada, se encuentra un San Francisco Solano, encargado por los marqueses de Priego en el año 1647 para el convento franciscano de Montilla. Se trata de una talla de tamaño natural con los atributos propios del santo: una concha para bautizar y un crucifijo en la otra mano, que se conserva en la parroquia de Santiago, de dicha ciudad.​ Las mejores obras catalogadas de este primer periodo son: San Pedro y San Pablo del convento de San Antón, de tamaño mediano (123 cm); tienen las vestiduras talladas con pliegues finos de gran naturalidad, una policromía muy rica en estofados y tostada la pintura de los rostros.

La llegada de Cano al taller y sus mutuas colaboraciones hacen difícil precisar las autorías concretas. En la iglesia de los santos Justo y Pastor se pueden apreciar los cuatro evangelistas, recolocados en un tabernáculo de finales del siglo XVII, que presentan una gran policromía de la misma calidad que el San Juan Bautista del convento de San Antón de Granada.​ Palomino afirma que Mena ejecutó las imágenes de San José y San Antonio con el Niño, San Diego de Alcalá y San Pedro de Alcántara, hoy en el museo de Bellas Artes de Granada:

... con asistencia y modelos de su maestro, quien le dio las últimas carnaciones... con las cuales acabó de asentar su crédito en toda Andalucía, y aún en toda España.​

De estas mismas imágenes, Sánchez-Mesa en 1967, recalcaba que, aunque talladas por Mena a partir de modelos de Cano y bajo su dirección, este debió de introducir correcciones. Estas esculturas resaltan por su elegancia, por su capacidad para captar las figuras en total aislamiento, con el realismo que le caracteriza; en el gesto de San Diego de Alcalá, mientras levanta el hábito dónde se ha producido el milagro de la conversión del pan en rosas, alza su rostro ligeramente ladeado hacia las alturas; en San Pedro de Alcántara se aprecia su actitud totalmente natural durante la redacción de su libro que se encuentra abierto y apoyado sobre su pierna izquierda. Este tema fue representado varias veces por Mena a lo largo de su vida laboral.​

En la capilla de Nuestra Señora del Carmen en la catedral se encuentra la imagen de San Elías, una escultura muy expresiva, con gran movimiento, que presenta al profeta blandiendo la espada flamígera con la mano derecha, mientras sostiene en la contraria el libro de las profecías; el rostro es el de un anciano con arrugas, enjuto y enérgico con barba y una larga cabellera.​

Periodo de Málaga

Pedro de Mena fue un hombre con inquietudes y ambición. Aceptó con diligencia la invitación de asumir el proyecto de la ejecución de la sillería alta del coro de la Catedral de Málaga propuesta por el obispo Martínez Zarzosa, coincidiendo con la estancia de Cano otra vez en Madrid, con la intención de volver a su ciudad natal una vez realizado el encargo. Pero la gran popularidad y prestigio que consiguió con esta obra y la poca competencia que había en la ciudad de Málaga, así como con el aumento ininterrumpido de encargos, le hicieron montar taller y permanecer en ella hasta su muerte.​

El obispo Martínez Zarzosa le encargó en 1658 la terminación de la sillería del coro de la Catedral de Málaga, comenzada en 1630 por el escultor jiennense Luis Ortiz de Vargas, continuada tras la marcha de este en 1638 por José Micael y Alfaro y, tras la muerte del mismo en 1650, se paralizó la obra, reanudándose en 1658 con el encargo, tras concurso cerrado, a Mena.

Se realizó el contrato el 25 de julio de 1630 para la realización de cuarenta paneles con imágenes de santos, propuestos por el cabildo catedralicio, en los que se incluyen mártires de la iglesia universal y española, padres y doctores de la Iglesia, fundadores y miembros de órdenes religiosas, en fin, un amplio repertorio iconográfico, todos colocados en la sillería alta. En este trabajo se aprecia la gran influencia de Alonso Cano; por un parte, imágenes de una gran serenidad totalmente clásica, como la imagen de San Lucas que sirvió como modelo de presentación al obispo, junto con el San José con el Niño inspirado en un dibujo de Cano con el mismo tema del Museo del Prado; y, por otra, las realizadas posteriormente, donde se ve el realismo y los detalles naturalistas como en San Ignacio de Loyola, San Agustín, o los patronos de Málaga, San Ciriaco y Santa Paula. Tienen gran calidad las anatomías de San Sebastián y San Jerónimo, que al estar todo el trabajo sin policromar, podrían resaltar más los fallos. Es evidente que ésta es una de sus obras más importantes y mejor logradas.​ Como "la octava maravilla del mundo" consideró el coro de la catedral de Málaga el pintor y escritor Antonio Palomino.​

Se trasladó a Madrid y Toledo durante los años 1662-1663 para conocer la obra de la etapa madrileña de Cano, además de la de otros artistas y, aconsejado por este, para darse a conocer en la corte. Poco después, regresó a Málaga, donde había dejado la familia, con encargos nuevos y dejando representante en Madrid para futuras obras.

En la sacristía de la Catedral Primada de Toledo se encuentra la imagen de San Francisco de Asís de 83 cm, una obra de imaginería magnífica, que a pesar de que ya Palomino hablaba de ella, dando como autor a Pedro de Mena, estuvo mucho tiempo durante el siglo XIX atribuida al propio Alonso Cano. La iconografía que representó fue la momia del santo, tal como se describe cuando fue contemplada hacia 1449 por el papa Nicolás V en la basílica inferior de San Francisco de Asís, en su sepultura, puesto de pie, cubierto con capucha, mirando al cielo con las manos ocultas en las mangas y mostrando el pie descalzo con la llaga. Este hallazgo fue ampliamente difundido y llegó a España dónde diversos artistas lo representaron, como Zurbarán a través de la pintura y Gregorio Fernández y Alonso Cano en escultura, incluso Mena ya lo había tratado en la sillería de la catedral de Málaga.​ Muy complacidos quedaron con su obra, por lo que le nombraron maestro mayor de escultura de la catedral de Toledo a instancias del cardenal Moscoso y Sandoval. El tema de San Francisco de Asís fue uno de los más frecuentes dentro de su producción, con ligeras variantes como el del Museo de la Ciudad de Antequera ( Antequera) y el de la iglesia de San Martín de Segovia.

Magdalena penitente en el Museo Nacional de Escultura, Valladolid.

Pedro de Mena es especialmente reconocido por sus esculturas de María Magdalena en situación suplicante, que ha sido denominada como Magdalena Penitente.

La Magdalena de Mena es una mujer joven, aunque demacrada por la penitencia, con la cara ovalada y que muestra un gran sentimiento con una espiritualidad que refuerza la nariz afilada, la boca pequeña entreabierta y la mirada triste; una gran cabellera, más escueta que la de Fernández, le cae sobre los hombros. El dramatismo se aprecia en la mano derecha abierta sobre su pecho y siguiendo la mirada de la imagen hacia el crucifijo que sostiene en la mano izquierda; cubre su cuerpo con un tejido de estera de palma hasta los tobillos, atado con una soga formando un gran nudo a la cintura. Se encuentra de pie; asomando por debajo del sayo los pies descalzos y tiene el izquierdo adelantado como en acción de echar un paso.​ Es una pieza de gran realismo que trasmite profundo valor místico-espiritual que muestra la influencia de la escultura castellana de Gregorio Fernández.​

Tras la expulsión de los jesuitas por la Pragmática Sanción de 1767, pasó al oratorio de San Felipe Neri hasta la desamortización de 1835. La imagen la guardaron las Salesas Reales hasta su exclaustración en 1870, cuando fue trasladada al Museo de la Trinidad. Más tarde, en 1921, estuvo en el Museo del Prado que la depositó en 1933, por orden del gobierno de la II República, en el Museo Nacional de Escultura, en Valladolid.​ Esta obra excepcional, restaurada en el Museo del Prado, retornó al Museo de Valladolid en 2008.

Ecce Homo y Dolorosas

El es la representación del momento en que después de ser azotado Jesús, con corona de espinas, manto y soga al cuello, es mostrado por Poncio Pilato al pueblo según el evangelio de Juan (19, 5) y dice: Ecce Homo, ("este es el hombre"), que es lo que dará nombre a esta iconografía. Aunque hay realizaciones anteriores tanto en pintura como en escultura, es durante el Barroco cuando se encuentran más muestras ejecutadas por artistas en la pintura ( Tiziano) como en la escultura ( Alonso Berruguete, Juan de Juni, Diego de Siloé y sobre todo, Gregorio Fernández).​ No obstante, Mena optó por la realización bustos de Ecce Homo. Estas esculturas responden a la necesidad de devociones familiares o conventuales; todas son de dimensiones relativamente pequeñas. Además del Ecce Homo que custodia el Museo catedralicio de Valladolid, hay otros dos en el Museo Nacional Colegio de San Gregorio: el que se expone habitualmente, y otro más, adquirido en 2008.

El Cristo puede representarse de medio cuerpo con una altura de unos 95 cm y se corta la imagen por debajo de las caderas, con las manos cruzadas y con los atributos de corona de espinas, soga y caña, como los ejemplares de Budia en Guadalajara y el de las Descalzas Reales en Madrid. Otro modelo tiene el busto hasta los pectorales, con los brazos y las manos atadas y los atributos pertinentes, como el de las Madres Mercedarias de Madrid. Por último, el tipo más numeroso es el del busto corto representado hasta el arranque de los brazos, con la soga colgada del cuello y la corona de espinas, logrando el impacto principal con la policromía del rostro. Entre ellos están el del convento de la Concepción de Zamora y el de la casa Profesa de Ciudad de México.

Ecce Homo y Mater Dolorosa. Museo Metropolitano de Nueva York.

Como los Ecce Homo, las Dolorosas están realizadas con los mismos tipos y mismas medidas, siendo el más corriente el de medio busto, donde aparece la Virgen con los brazos completos, como la guardada en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid, la del Museo de Bella Artes de Granada, o la de las Descalzas Reales también de Madrid, de medio cuerpo con túnica roja, velo blanco y manto azul, con una mano sobre el pecho y la otra extendida, en el rostro los ojos entornados con la boca entreabierta y lágrimas sobre las mejillas, con dolor contenido; el modelado es sobrio y la talla de los paños finísima.​

Una de las creaciones singulares de la escultura granadina atribuida a Mena, es la de emparejar ambos bustos. Entre estos destacan el grupo del monasterio de las Descalzas Reales, fechados en 1673, los procedentes de la iglesia parroquial de Valdestillas que se guardan en el Museo Diocesano y Catedralicio de Valladolid, de la iglesia de San Luis de los Franceses de Sevilla o los de la iglesia de San Pedro de Lima.​

De toda la obra de Mena, las esculturas de los Reyes Católicos para las catedrales de Granada y Málaga son las únicas que no son de tema religioso.

El contrato para las efigies orantes de los reyes, que debían colocarse en la capilla mayor de la catedral de Granada, se firmó el 26 de agosto de 1675 entre los cabildos catedralicios, el municipal de la ciudad y por Pedro de Urrea en representación de Pedro de Mena:

... en atención y consideración a los muy esclarecidos e invencibles Señores Reyes Católicos de Castilla, Don Fernando y Doña Isabel, de feliz Memoria, con su poder y cristiano celo, ganaron y conquistaron esta ciudad y su reino, fabricando y edificando en ella muchos templos, a honra y gloria de Dios, Nuestro Señor, y su Bendita Madre, en especial mandaron edificar esta dicha Santa Iglesia Metropolitana, [...] que de presente se esta acabando con tanta grandeza que será uno de los mayores templos de España y para ilustrarlo, con mayor perfección, han determinado que [...]se coloquen las efigies de los Sres. Reyes Católicos[...] con la decencia y majestad que se debe.​

El escultor fijó la cantidad de 3000 ducados por la realización de la obra incluida la policromía, habiendo mandado para su aceptación las condiciones junto con dibujos preparatorios a pluma y tinta con aguadas. El dibujo de Isabel se encuentra en el The Getty Center de Los Ángeles​ y el de Fernando en la Universidad de Leiden.​ El trabajo se concluyó con la colocación de las esculturas el 29 de diciembre de 1676, Mena cobró el último pago de 1.000 ducados el 11 de enero de 1677. Las imágenes realizadas en madera de cedro tienen unas medidas de 146x126x157 cm y están colocadas a unos ocho metros del suelo, en actitud orante ante el tabernáculo central de la capilla, arrodillados ambos sobre un cojín y con las manos unidas por las yemas de los dedos. Para el rostro de Isabel parece que tomó como modelo el de la Virgen de Belén realizada por él mismo, mientras que el de Fernando parece remitir al del cenotafio real de Domenico Fancelli. La calidad de las vestiduras talladas con los más mínimos detalles queda resaltada por la magnífica policromía. La reina luce el brial y el manto con un rico estofado con adornos de tipo vegetal, predominando los colores rojos y dorados; el rey se encuentra vestido con un manto rojo forrado de armiño y adornado con símbolos y emblemas de los monarcas. La pintura la llevó a cabo el pintor Luis de Zayas como aparece en las condiciones que remitió Mena al cabildo, previas al contrato.​

En 1676, seguramente al ver las anteriores imágenes, se le encargó a Mena la realización de otra pareja real, también orantes, para la capilla de la Virgen de los Reyes de la catedral de Málaga, perteneciente a la Hermandad de los Racioneros. Las esculturas son de tamaño más reducido que sus homónimas de la catedral de Granada, se muestran más humildes en sus vestiduras y las cabezas de los monarcas están ladeadas hacia arriba para orar en dirección de la imagen de la Virgen con el Niño que se encuentra en un plano superior.

Inmaculada Concepción de Alhendín (Granada)

San Antonio, Convento de San Antonio Montefrío (Granada)

Virgen de la Sangre (1672), Hermandad de la Vera Cruz. Rute (Córdoba) (atribución).

Soledad y Quinta Angustia. Cabra (Córdoba) (atribución).

Bustos en pareja de Ecce Homo y Dolorosa. Museo Diocesano y Catedralicio de Valladolid.

Bustos en pareja de Ecce Homo y Dolorosa. Museo de Bellas Artes de Málaga.

Bustos en pareja de "Ecce Homo y Dolorosa". Iglesia de San Pedro Apóstol. Budia (Guadalajara)

Sillería alta del coro de la Catedral de la Encarnación de Málaga.

San Francisco de Asís en la Catedral de Toledo.

Los Reyes Católicos. Catedral de Granada.

Los Reyes Católicos. Catedral de Málaga.

San Pascual Baylón. Museo catedralicio de Málaga.

Inmaculada. Seminario de Málaga, (recientemente descubierta).

San Juan Bautista Niño, (1674), Museo de Bellas Artes de Sevilla.

Grupo escultórico del Sagrado Lavatorio. Ermita de Dios Padre de Lucena.

Ecce homo y Dolorosa. Parroquia del Carmen (destruido en la quema de conventos de 1931)

La Soledad. Parroquia de San Pablo (destruido en 1931)

San Pedro de Alcántara. Iglesia de los Santos Mártires (destruido en la quema de conventos de 1931)

San Juan de Dios. Parroquia de Santiago Apóstol (destruido en la quema de conventos de 1931)

Santa Ana. Parroquia de San Felipe Neri (destruido en la quema de conventos de 1931)

San José. Parroquia de San Felipe Neri (destruido en la quema de conventos de 1931)

San Joaquín. Parroquia de San Felipe Neri (destruido en la quema de conventos de 1931)

Dolorosa. Basílica y Real Santuario de Santa María de la Victoria (Málaga).

Dolorosa de la Catedral de la Encarnación de Málaga.

Aparición de la Virgen a San Antonio de Padua. Museo de Bellas Artes de Málaga.

Busto de Dolorosa. Convento de San José de Málaga, similar a la Dolorosa de Cuenca. (destruido en la quema de conventos de 1931)

Busto de Dolorosa. Sacristía de la Catedral de Cuenca.

San Elías. Iglesia de la Encarnación. Alcaudete (Jaén)

Bustos en pareja de Ecce Homo y Dolorosa. Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.

Dolorosa. Museo Fitzwilliam, Cambridge (Reino Unido).

San Diego. Museo de Arte de San Diego, San Diego (California).

Inmaculada Concepción. Museo de Arte Sacro San Antolín, Tordesillas, (Valladolid).

Bustos de un Ecce Homo y una Dolorosa, que se encuentran en el convento de las puras de Almería.

1. Fray Alonso de Santo Tomás o Alonso Enríquez de Guzmán, hijo de los marqueses de Quintana y condes de Castronuevo, pero con fundadas sospechas de ser uno de los muchos hijos naturales de Felipe IV de España; fue obispo de Málaga de 1664 a 1692.

2. Se dedicó también al negocio de la seda, vendiéndola en rama o en bruto para que la tejieran. Este negocio no le era ajeno, ya que su abuela materna pertenecía a una familia de sederos del Albaizín granadino.

3. San Pedro de Alcántara fue beatificado en 1622 y canonizado en 1669, despertó un gran fervor popular que hizo que aumentaran los encargos de imágenes para su devoción.

4. Esta escultura de san Elías se mostró en la exposición Iconografía y arte carmelitanos de 1991 en Granada.

1. Nicolau Castro, Juan, (1997) Pedro de Mena y la Catedral de Toledo, Universidad de Málaga, pp.467-468

2. Gadoww, Marion Reder, La mentalidad religiosa de Pedro de Mena a través de sus testamentos en Actas del Simposio Nacional "Pedro de Mena y su época", 1990, pp. 179-194

3. AA.VV. Historia Universal del Arte, Tomo XI, (1982), Madrid, Sarpe, ISBN 84-7291-599-9

4. AA.VV. (2002) Montilla en Catálogo artístico y monumental de la Provincia de Córdoba, Tomo VII, Córdoba, p. 154, ISBN 978-84-8154-470-1

5. "Legado andalusí.Magdalena penitente". Archivado desde el original el 21 de mayo de 2009.

Bibliografía

Lázaro Gila Medina (2007). Pedro de Mena, escultor 1628 - 1688. Madrid, Arco. ISBN 978-84-7635-686-9.

Manuel Gómez-Moreno (1964). La Gran Época de la Escultura Española. Barcelona, Noguer. Número registro: B-44-1964.

Andrés Llordén (1960). Escultores y entalladores malagueños. Ensayo histórico documental (Siglos XVI -XIX). Ávila, Real Monasterio de El Escorial.

Ortueta y Duarte (1914), Facsímil: Sánchez-Mesa, Martín (1988). Pedro de Mena. Málaga, Universidad-Colegio de Arquitectos.

Antonio Palomino (edición de Nina Ayala Mallory) (1986). Vidas. Madrid, Alianza. ISBN 84-206-7056-1.

# data[].attributes.attachment_link.title
Pedro de Mena - Wikipedia, la enciclopedia libre

# data[].attributes.attachment_link.description
Pedro de Mena y Medrano ( Granada, agosto de 1628 - Málaga, 13 de octubre de 1688) fue un escultor del barroco español. Pedro de Mena se dedicó principalmente a la realización de imaginería religiosa, oficio al que también se había dedicado su padre, Alonso de Mena, y de quien heredó un taller en Granada.

# data[].attributes.body
El retablo es la estructura arquitectónica, pictórica y escultórica que se sitúa detrás del altar en las iglesias católicas de rito latino; en las iglesias orientales en comunión con Roma o no, anglicana o luterana no hay una función semejante, dada la presencia del iconostasio, y en las protestantes suele optarse por una gran reducción de la decoración.

Los retablos se han realizado con todo tipo de materiales (toda clase de maderas, toda clase de piedras, toda clase de metales, esmalte, terracota, estuco, etc.) y pueden ser escultóricos (en distintos grados de relieves o con figuras de bulto redondo), o bien pictóricos; es también muy frecuente que sean mixtos, combinando pinturas y tallas.

(Fuente: wikipedia)

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Retablos húngaros de los siglos XV y XVI en el Museo de Bellas Artes de Budapest.

Retablos españoles de la misma época en el Museo de Bellas Artes de Valencia.

Retablo mayor y laterales en la iglesia de Santa Rosa de Lima ("Las Rosas") en Morelia.​

El retablo es la estructura arquitectónica, pictórica y escultórica que se sitúa detrás del altar en las iglesias católicas de rito latino; en las iglesias orientales en comunión con Roma o no, anglicana o luterana no hay una función semejante, dada la presencia del iconostasio, y en las protestantes suele optarse por una gran reducción de la decoración.

La palabra deriva de la expresión latina retaulus, que viene de retro (lit., 'detrás') tabula (tabla).​ que significa "figuras que se ponen sobre una tabla para contar una historia".

También significa tabla detrás de un altar. Para designar el mismo término se emplea también la expresión " pieza de altar" (más propia de la lengua inglesa -altarpiece-, donde se distingue retable de reredos)​ o la italiana pala d'altare (o ancóna).​.

Con el nombre de retablo mayor se designa particularmente al que preside el altar mayor de una iglesia; dado que las iglesias pueden tener otros retablos situados tras los altares de cada una de las capillas. El término " tabla" hace referencia al soporte de las pinturas (que también puede ser el lienzo), y su estructura se indica con los términos díptico, tríptico o políptico (disposición que también pueden tener obras devocionales de menor formato no destinadas a un altar, como El jardín de las delicias).

Los retablos se han realizado con todo tipo de materiales (toda clase de maderas, toda clase de piedras, toda clase de metales, esmalte, terracota, estuco, etc.) y pueden ser escultóricos (en distintos grados de relieves o con figuras de bulto redondo), o bien pictóricos; es también muy frecuente que sean mixtos, combinando pinturas y tallas.

Desde finales del siglo XIII fueron los elementos más relevantes en la decoración interior de las iglesias, tanto en la Europa septentrional ( Alemania y Flandes; una tipología específica recibe el nombre de " retablos de Amberes"​) como en la meridional ( Italia, y especialmente en los reinos cristianos de la península ibérica, donde la retablística alcanzó un desarrollo extraordinario, difundiéndose más tarde por las colonias hispano-portuguesas en América y Asia).​ La preferencia por esta forma artística hizo que en muchos casos quedaran ocultos tras los retablos frescos románicos anteriores.​

En los de gran complejidad colaboraban arquitectos, escultores, estofadores, doradores, carpinteros y entalladores, por lo que su elaboración era un proceso costoso y lento, sobre todo en los ejemplares de mayor envergadura. Su estado de conservación ha dependido de múltiples factores, entre los que se encuentran las agresiones bienintencionadas a las que se han visto sometidos durante siglos (limpiezas y "embellecimientos" inadecuados), los saqueos o destrucciones en contextos bélicos o conflictivos de muy distinto tipo, y el deterioro debido a condiciones físicas adversas. Consiguientemente, su restauración es igualmente problemática y especializada.​

Los retablos suelen adoptar una disposición geométrica, dividiéndose en " cuerpos" (secciones horizontales, separadas por molduras) y " calles" (secciones verticales, separadas por pilastras o columnas). Las unidades formadas por esta cuadrícula de cuerpos y calles se denominan " encasamentos",​ y suelen albergar representaciones escultóricas o pinturas. El conjunto de elementos arquitectónicos que enmarcan y dividen el retablo se denomina " mazonería ".​ También hay ejemplares que se organizan de forma más sencilla, con una escena única centrando la atención.​

El retablo suele elevarse sobre un zócalo para evitar la humedad del suelo. La parte inferior que apoya sobre el zócalo se llama banco o predela, y se dispone como una sección horizontal a modo de friso que a su vez puede estar dividida en compartimentos y decorada. El elemento que remata toda la estructura puede ser una luneta semicircular o una "espina" o ático; como corresponde a su posición dominante, suele reservarse a la representación del Padre Eterno o a un Calvario. Todo el conjunto se protege a veces con una moldura llamada guardapolvo, muy habitual en los retablos góticos. Los retablos articulados (característica común en los notables retablos flamencos que alcanzaron gran influencia en Italia - tríptico Portinari- y en España - estilo hispano-flamenco-)​ permitían presentar dos disposiciones: abierto y cerrado, aunque a veces la complejidad es mayor ( altar de Isenheim). La posición "cerrado" de los retablos flamencos solía contener grisallas (una representación pictórica que simula esculturas de piedra mediante un trampantojo). La articulación de los retablos originó la denominación alemana flügelaltar (literalmente "altar de alas").

A partir del siglo XV, tomó relevancia el tabernáculo o sagrario (lugar donde se guardan las formas sagradas), que paulatinamente centralizó el espacio del retablo hasta convertirse, en ocasiones, en su elemento principal, adoptando incluso formas exentas e independientes.​

La Reforma Protestante del siglo XVI, caracterizada por un marcado aniconismo, que en algunos casos llevó a la iconoclasia (con mayor intensidad en el anabaptismo y el calvinismo, menor en el luteranismo, mínima en el anglicanismo, donde explícitamente se autoriza el uso de retablos​), prácticamente eliminó el uso de retablos e imágenes sagradas en los territorios que protagonizaron el movimiento (Alemania del norte, Suiza, Holanda, Inglaterra, Escandinavia). En algunos casos desaparecieron ejemplos magníficos de épocas precedentes; mientras que la tradición imaginera y la retablística se limitó sustancialmente a los países católicos, donde incluso se intensificó como consecuencia de la Contrarreforma.​

En las artes escénicas, "retablo" es el pequeño escenario en el que se representa el teatro de títeres. Significativamente, el DRAE hace derivar ese uso ("pequeño escenario en que se representaba una acción valiéndose de figurillas o títeres", acepción 3) de su peculiar forma de definir los retablos pictórico-escultóricos, donde pone el acento en su capacidad de representación narrativa serializada ("conjunto o colección de figuras pintadas o de talla, que representan en serie una historia o suceso", acepción 1) antes que en su capacidad decorativa ("obra de arquitectura, hecha de piedra, madera u otra materia, que compone la decoración de un altar", acepción 2).​ También las llamadas " aleluyas" eran una forma literaria similar, asociada a representaciones populares (como, por ejemplo, su recitación por ciegos u otra clase de mendigos, al tiempo que se señalan los dibujos que ilustran lo recitado en forma de viñetas, un precedente del cómic).

Cervantes se refiere a esta forma teatral en dos ocasiones: en El retablo de las maravillas (entremés de 1615) y en los capítulos XXV y XXVI de la segunda parte de Don Quijote de la Mancha (publicada el mismo año).

Manuel de Falla compuso El retablo de Maese Pedro (1923) sobre el episodio quijotesco.

Con la denominación " retablo teatral español" se hace referencia no tanto a un género dramático sino a la forma de concebir el teatro mismo por los autores del teatro clásico español del Siglo de Oro (particularmente Calderón, La vida es sueño, El gran teatro del mundo).​

El componente de "fingimiento de la realidad" que tienen los retablos teatrales en las obras cervantinas o calderonianas ("engañar con la verdad" y "enseñar con el engaño") está también presente en el papel que se esperaba de los retablos eclesiásticos (definidos como "máquinas ilusorias") en el "control sobre la sensibilidad del fiel", configurando "el escenario teatral de la liturgia, el dogma, la piedad y la devoción católicas".​ Tal condición les hace ser particularmente útiles no solo para los estudios iconográficos e iconológicos, sino para la historia de las mentalidades y la antropología.​

Precedentes

El altar fue, desde los primeros momentos del cristianismo, el elemento central de la liturgia. Al principio su disposición en el templo era exenta y central, con los fieles situados alrededor, recordando de esta manera el banquete de la Última Cena. Sin embargo, con el fortalecimiento de la autoridad del clero, los altares se fueron desplazando al presbiterio, un lugar elevado e inaccesible a los fieles, próximo al muro de la cabecera de la iglesia ( ábside), y que en determinadas tipologías de iglesia quedaba incluso oculto con cortinajes, rejas, o con el iconostasio. El oficiante realizaba de espaldas a los fieles la mayor parte del ritual.

Los templos paleocristianos decoraban sus interiores con pinturas murales (capilla de Dura Europos) y ciertos objetos de uso litúrgico, como relicarios, arquetas, dípticos de marfil o pequeñas estatuas. Su primitiva austeridad se compensaba con las lujosas donaciones ofrendadas por los potentados ( tesoro de Guarrazar). En el Prerrománico comenzaron a difundirse las imágenes de Cristo crucificado, que se colocaban pendiendo de los muros o el techo, y que podían ser pictóricas o escultóricas (Crucificado de Gero, Catedral de Colonia), o prescindiendo en ocasiones de la figuración para tomar forma de joya (crux gemmata, como la Cruz de la Victoria de la Cámara Santa de Oviedo). Tomó también mucha relevancia la decoración del antependium ( pallium altaris, frontal o frente de altar), derivado de las cortinas que cubrían las urnas con reliquias dispuestas bajo la mesa del altar (cuyo color debía variar para corresponderse con el color litúrgico de la fiesta u oficio del día) y que se enriquecían con todo tipo de ornamentos en materiales preciosos.​ Se ha propuesto la hipótesis de que, evolutivamente, el retablo derivó del antependium.​

También parecen prefigurar las formas del retablo posterior algunas estructuras derivadas de los clásicos aedicula ( edículos -"templetes" o "pequeños edificios"-), especialmente el ciborium o ciborio (un dosel o palio fijo sostenido por cuatro columnas, posteriormente denominado baldaquín o baldaquino), elemento usual en las iglesias paleocristianas, que protegía y daba relevancia visual a los altares, relicarios y sepulturas de santos y mártires, que habitualmente coincidían en el mismo lugar.​

Ciborio de San Ambrosio de Milán (las columnas, del siglo IV, el dosel, posterior (entre el IX y el XII); el altar, firmado por Vuolvino, entre el año 824 y el 860.​

Ciborio romano del siglo VIII.

Posición actual del frontal de altar de San Miguel de Aralar, reutilizado como retablo.

La decoración interna de las iglesias estaba adaptada a sus modestas dimensiones en la mayoría de los casos, y se ponía el acento en la decoración parietal, bien por medio de frescos de colores vivos, o con mosaicos enriquecidos con teselas de oro (muy usuales en el arte bizantino), de forma que las imágenes resaltaran en unos interiores generalmente oscuros y reducidos. Los elementos que se situaban en el altar tenían carácter mueble casi siempre ( arquetas, dípticos, iconos) y su suntuosidad en cuanto a materiales suponía también un pequeño tamaño. El Románico no supuso un gran cambio en este sencillo sistema de decoración interior de los templos, con predominio de los frescos en los ábsides ( iglesias románicas del Valle de Bohí, abadía de Saint-Savin-sur-Gartempe), las figuras de Cristo en Majestad y Virgen en Majestad y los frontales de altar, que pasaron a ser soportes de decoración pintados, tallados o repujados, a menudo enriquecidos con esmaltes u orfebrería.​ Aunque las formas y materiales eran ya muy similares a los de los retablos posteriores, la disposición de la pieza era exactamente la contraria (delante del altar y bajo él, en vez de detrás y en posición elevada). De hecho, algunos han sido reutilizados como retablos, como el del santuario de San Miguel de Aralar.​

Vida de San Francisco, de Bonaventura Berlinghieri, 1235.

El denominado "retablo de Bernabé" (Barnabas altarpiece), de ubicación y fecha debatida (Francia o España, siglo XIII o XIV). No debe confundirse con el retablo de San Bernabé o pala de San Bernabé, de Botticelli (1487).

Retablo y antependium (frente de altar)​ del priorato de Saint-Thibault​ (ca. 1330).

Retablo de San Cristóbal, procedente de un monasterio riojano (siglo XIV).

El esplendor del monacato, la pujanza de las ciudades y el crecimiento poblacional y económico que se dio en Europa a partir del siglo XI hicieron que los templos tuvieran que adaptarse a fin de dar cabida a un mayor número de fieles, satisfacer los deseos de patrocinio de la élite y mostrar la riqueza de una sociedad en la que la religión regía todos los aspectos de la vida. A partir del siglo XII surge el arte gótico; la arquitectura adquiere dimensiones colosales y una gran complejidad constructiva, y tanto pintura como escultura, a demanda de una sociedad amante del lujo y la ostentación, cobran un gran desarrollo. Otro factor de cambio fue la aparición de las órdenes mendicantes, que propugnaban una religiosidad más emotiva y cercana al fiel, a la vez que se preocupaban por la enseñanza y la doctrina.

Como en el románico, grandes ciclos narrativos se seguían esculpiendo en las portadas de iglesias y catedrales; pero la decoración interior va a sufrir una mayor transformación: los vitrales, que ocupan los grandes vanos abiertos en los muros gracias a las nuevas técnicas constructivas, se ilustran con representaciones sagradas; y la nueva amplitud y luminosidad de los templos permite la mejor contemplación de las imágenes repartidas por las numerosas naves y capillas, que cumplían la función de espacios corporativos para las instituciones que las encargaban ( gremios, cofradías y familias aristocráticas), convertidas en mecenas artísticos.

Las nuevas prácticas piadosas requerían un número cada vez mayor de objetos sagrados cada vez más suntuosos y visibles. Se intensificó el culto a las reliquias y a las imágenes de santos, consideradas un instrumento valioso para la evangelización.

Es en ese contexto donde surgieron los primeros retablos, primero como tablas rectangulares con imágenes de modesto tamaño (como el retablo de Westminster, de 1x3 metros, o el retablo de Bernabé, de 1x1,5 metros), a veces a juego con el frontal de altar (como sucede en uno de los ejemplos más antiguos conservados: el de la iglesia del monasterio de Santa María de Mave, Palencia), luego articuladas y abatibles, de forma cada vez más compleja (dípticos, trípticos, polípticos como el llamado Políptico de Gante), o bien realizados con materiales preciosos (los de la catedral de Gerona, el altare argenteo di San Jacopo​ de la catedral de Pistoia​ o la de la basílica de San Marcos de Venecia).​​

En un primer momento, los retablos no abandonaron del todo su carácter mueble o plegable, y es posible que muchos fueran utilizados en procesiones y otro tipo de actos públicos que exigían su trasladado fuera del ámbito del templo, como sucedía con los dípticos devocionales o los iconos de carácter doméstico y privado. Sin embargo, poco a poco los retablos fueron haciéndose más grandes y estables, toda vez que debían destacar casi siempre en las dimensiones colosales de abadías o catedrales. La retablística se consolidó en toda la cristiandad latina de la Baja Edad Media (un vasto espacio -de Islandia a Chipre- recorrido por múltiples conexiones e influencias mutuas y variantes locales, de la pala italiana al flügelaltar centroeuropeo)​ como un género artístico pujante y creativo, que contaba con importantes artistas especializados en las distintas especialidades necesarias para su diseño y ejecución.

El material más empleado fue la madera, casi siempre dorada y policromada, aunque no faltan ejemplos en madera vista u otros materiales (plata o todo tipo de piedras). Las variantes regionales hacen difícil una clasificación uniforme; por ejemplo, en Aragón, desde el siglo XIV tomaron una peculiar forma de expositor eucarístico, realizados casi siempre en alabastro. El retablo gótico suele presentar una apariencia marcadamente geométrica, con los encasamentos linealmente dispuestos y ocupados por pinturas o esculturas. Muchos de ellos toman la forma del ábside en el que se sitúan (como el mayor de la catedral Vieja de Salamanca), aunque es más común el esquema cuadrangular con un saliente en la parte superior a modo de remate (la espina o ático), que inicialmente tomaba la forma de uno o varios gabletes. El contorno del retablo solía estar recorrido por una moldura muy resaltada (el guardapolvo). Se utilizaban abundantemente los elementos decorativos de la arquitectura gótica, enmarcando las figuras (fueran pinturas, relieves o imágenes de bulto) mediante doseletes o chambranas,​ y pináculos, cresterías, florones y otros elementos ocupando el resto del espacio, como resultado del horror vacui. Fue habitual también la introducción de elementos heráldicos o incluso de retratos de los comitentes (habitualmente, en posición orante). Con el tiempo se fue estableciendo la separación entre el cuerpo del retablo propiamente dicho y el banco o predela sobre el que se apoya; y dentro de aquel, la configuración en cuerpos y calles. Los retablos ganaron en dimensiones, complejidad y lujo, hasta convertirse en enormes estructuras profusamente decoradas. Resultaron idóneos para la narración de los ciclos de la vida de Cristo, la Virgen o el santo a quien el altar se dedicaba. La presencia de numerosas imágenes, advocaciones o reliquias dentro de un mismo templo justificó la multiplicación de capillas, altares y retablos. El de la capilla mayor o presbiterio, foco de atracción principal, se denomina "retablo mayor", mientras que los situados a lo largo de muros laterales, trasepto y girola reciben la denominación de "retablos laterales" o "retablos menores".

Fachada del Real Hospicio de San Fernando, siglo XVIII. Madrid; Pedro de Ribera.

La retablística de los siglos XV y XVI alcanzó un desarrollo extraordinario en los reinos cristianos de la península ibérica, donde a las características generales del estilo gótico se le sumaron las específicas tanto del gótico flamenco (las relaciones comerciales y políticas con Flandes eran especialmente intensas) como del gótico italiano​ por otro, y las influencias locales del arte mudéjar. La propia arquitectura refleja la importancia que habían alcanzado los retablos, al proyectar las convenciones de su diseño en las fachadas principales de los templos (e incluso de otro tipo de edificios), con la tipología denominada "fachada-retablo" (no debe confundirse con un concepto confluyente, el de fachada-telón),​ que se prolongó en la arquitectura española del Renacimiento y el Barroco y la arquitectura colonial de América. Para la nueva concepción de las portadas, el momento clave fue la superación de la concepción románica y gótica clásica de las portadas abocinadas de arquivoltas y tímpanos con decoración escultórica, que se altera sustancialmente en la arquitectura hispano-flamenca de la segunda mitad del siglo XV.​​

Retablos góticos en la península ibérica

Retablo de Cervera de Ramón de Mur (1415-1419).

Entre los ejemplos supervivientes, pocos se conservan en su ubicación original. Gran parte han sido trasladados a los museos diocesanos y provinciales, y algunos de los más importantes han pasado a formar parte de las colecciones del Museo Nacional de Escultura (Valladolid), el Museo Nacional de Arte de Cataluña (Barcelona) o el Museo del Prado (Madrid). Muy notables han sido las exposiciones temporales del ciclo Las Edades del Hombre. Como resultado del expolio del patrimonio artístico español (muy intenso entre 1808 y mediados del siglo XX) muchos retablos góticos han terminado en colecciones particulares y en museos extranjeros. Ya con anterioridad lo habitual es que hubieran sufrido todo tipo de alteraciones al ser desmontados por diferentes motivos, frecuentemente como consecuencia de su sustitución por retablos de época renacentista o barroca, y para su reutilización en entornos distintos a aquellos para los que fueron inicialmente diseñados. Todo ello ha producido que la mayor parte se encuentren dispersos o se hayan perdido total o parcialmente. Las fuentes documentales escritas para estas épocas (relativamente abundantes en los archivos españoles por comparación a otros casos) hace posible reconstruir la historia de un buen número de retablos, pero lo más probable es que para la gran mayoría no se llegue a tener ni siquiera noticia de su existencia. Destacan, por orden cronológico:​

El retablo mayor de la catedral de Gerona, realizado en plata, formando veintiséis compartimentos con figuras de relieve, del siglo XIV.​

El antiguo retablo mayor de la catedral de Barcelona, de estructura fundamentalmente arquitectónica (1356-1367, modificado en los siglos XV y XVI -su imagen central, un apóstol Santiago, se añadió al trasladarse el retablo a la iglesia de San Jaume de la misma ciudad, en 1971-).​

El retablo de San Cristóbal (siglo XIV), procedente de un monasterio riojano.​

El retablo de Santo Domingo de Tamarite de Litera (segundo tercio del siglo XIV).​

Los debidos al Maestro de Estimariu o de Estopiñán (activo en la Corona de Aragón entre 1360 y 1380, cuya identidad y procedencia es objeto de debate), como el retablo de San Vicente y las tablas de Santa Lucía.​

Los debidos a Andrés Marzal de Sax (Marçal de Sas, probablemente originario de Sajonia), introductor del gótico internacional centroeuropeo en España (activo en Valencia entre 1393 y 1410). Se le atribuye tradicionalmente el Gran retablo de San Jorge pintado para la Hermandad del Centenar de la Ploma, aunque actualmente se discute la atribución, debiendo asignarse a un Maestro del Centenar.​

Los debidos a Pere Serra, como el retablo del Espíritu Santo de la Seu de Manresa (ca. 1394) y el retablo de Todos los Santos del Monasterio de Sant Cugat (1375).​

El retablo de Quejana (1397).​

Los debidos a Gherardo Starnina (retablo de la capilla del Salvador de la catedral de Toledo de 1395, y el retablo de fray Bonifacio Ferrer, Valencia, de 1398-1401).

Retablo de San Jerónimo, de Jorge Inglés (mediados del siglo XV).​ Ejemplifica los retablos góticos de pequeño tamaño, con pinturas cobijadas por doseletes y chambranas. Es llamativa y característica la rígida disposición geométrica, recuerdo de los dípticos y polípticos devocionales.

El retablo del arzobispo don Sancho de Rojas (1415-1420),​ procedente del Monasterio de san Benito de Valladolid, atribuido a Juan Rodríguez de Toledo (que probablemente recibió la influencia de pintores italianos como Starnina).​

El retablo mayor de la catedral Vieja de Salamanca, de Nicolás Florentino y Dello Delli (1430-1450).

El antiguo retablo mayor de la catedral de León, hoy desmantelado, de Nicolás Francés (ca. 1434).​

El retablo mayor de la Seo (Zaragoza, 1434-1480), de Pere Johan y Hans de Suabia, tallado en alabastro.

Los debidos a Bernat Martorell, que desarrolló una extensa labor retablística a mediados del siglo XV (Retablo de la Transfiguración de la catedral de Barcelona, Retablo de los santos Juanes de Vinaixa, Retablo de San Miguel de la Pobla de Cervoles, Retablo de San Pedro de Púbol, Retablo de santa María Magdalena de Perella, Retablo de San Vicente de Menàrguens, etc.)

El retablo de la capilla de la Casa de la Ciudad de Barcelona, del pintor Lluis Dalmau y el carpintero Francesc Gomar (1443-1445). Sólo se conserva el panel principal, denominado Virgen dels Consellers.

El retablo de Peralta de la Sal (1450-1456), de Jaume Ferrer II y Pedro García de Benavarre, interpretado como de transición entre el gótico internacional y la influencia de los primitivos flamencos (concretamente de Robert Campin).​

Los debidos a Nuno Gonçalves ("paneles de Avis" o "de San Vicente de Fora", ca. 1470)​ y a los llamados "primitivos portugueses" (véase también Gótico portugués#Pintura).

El retablo de la iglesia de Santo Domingo de Silos de Daroca, con tabla central de Bartolomé Bermejo y el resto de Martín Bernat (1474-1477). Actualmente desmontado, la tabla de Bermejo es una de las obras más destacadas del Museo del Prado.

Los debidos a Fernando Gallego, que desarrolló una extensa labor retablística a finales del siglo XV (retablos de la catedral de Zamora -el retablo de San Ildefonso y el retablo mayor, hoy disgregado en las "tablas de Arcenillas"-,​ retablo de la catedral de Ciudad Rodrigo, retablo de Santa María la Mayor de Trujillo, retablo de la iglesia de la Asunción de El Campo de Peñaranda, etc.)

El retablo mayor de la catedral de Sevilla, considerado uno de los más grandes de la cristiandad, realizado en un dilatado periodo (entre 1482 y 1564) por Pedro Dancart, el Maestro Marco, Pedro Millán, Jorge Fernández, Roque Balduque, Juan Bautista Vázquez el Viejo y Pedro de Heredia.

El retablo, oratorio o políptico de Isabel la Católica (ca. 1496-1504), de Juan de Flandes y Michael Sittow (Melchior Alemán), un retablo devocional portátil, hoy desmontado, del que se conservan veintiocho tablas de las cuarenta y siete originales, donde se desarrollaba el ciclo de las vidas de la Virgen y Cristo.

El retablo mayor de la Cartuja de Miraflores (Burgos), de Gil de Siloé (1496-1499).

Retablo mayor de la catedral de Sevilla (1482-1564).

El retablo mayor de la catedral de Toledo, donde intervinieron Felipe Bigarny, Sebastián de Almonacid, Petit Juan o Juan de Borgoña (1497-1504). La novedosa incorporación del transparente o camarín, fórmula de gran éxito posterior.* El retablo mayor de la catedral de Ávila (1499-1508), donde intervinieron Pedro Berruguete, Juan de Borgoña o el entonces joven Vasco de Zarza. Curiosamente, años después, en 1525, Zarza realizó junto con el joven Alonso Berruguete (hijo de Pedro) el retablo mayor del monasterio de la Mejorada de Olmedo, ya con criterios renacentistas.​

El retablo mayor de la catedral de Oviedo, realizado por un equipo de artistas comandado por Giralte de Bruselas (1512-1517).

El retablo mayor de la Basílica de Lequeitio, de escultor desconocido (probablemente del círculo hispano-flamenco de Gil de Siloé y Alejo de Vahía), dorado y policromía de Juan García Crisal (1514).

El retablo mayor de la catedral de Orense, por Cornelis de Holanda (comienzos del siglo XVI).​

Retablos góticos en Europa centro-occidental

El llamado "altar de Verdún" o "de Klosterneuburg",​ de Nicolás de Verdún, orfebre y escultor de finales del siglo XII y comienzos del siglo XIII (probablemente lorenés), que trabajó en ciudades de una gran zona de Europa central (Viena, Colonia, Tournai, etc.) Las cincuenta y una placas de esmalte se realizaron para decorar la tribuna en torno a 1181, y su composición como retablo es resultado de una reubicación,​ para la que se realizó una parte posterior en forma de políptico pictórico (Maestro del reverso del altar de Verdún, 1324-1331).​ En el monasterio de Klosterneuburg​ se conservan otros notables retablos, como el llamado "altar del rey Alberto" (Albrechtaltar, ca. 1438), del llamado Maestro del altar del rey Alberto,​ o el llamado "altar de Leopoldo" (Leopoldaltar, ca. 1505), de Rueland Frueauf el Joven.​

El reverso del "altar de Verdún".

Las zonas divididas políticamente entre el reino de Francia, el Estado borgoñón y los principados del Sacro Imperio Germánico desarrollaron una importante producción de retablos góticos en los últimos siglos de la Edad Media, etiquetados estilísticamente con las distintas denominaciones del Gótico tardío; destacadamente el Gótico internacional, caracterizado por el refinamiento, la elegancia y el sentimentalismo, las proporciones esbeltas, las líneas sinuosas y el matizado colorido que permite dar sombreado y volumen a las figuras (pintores como Conrad Soest, el Maestro Francke, Stefan Lochner, Henri Bellechose, Jean Malouel, Jean de Beaumetz, etc.), con influencia también en zonas más alejadas de Centroeuropa, como Italia o España.​

Dentro de ese estilo, en la Bohemia del siglo XIV destacó el trabajo de dos maestros anónimos, autores respectivamente del Retablo de Vyšší Brod o de Hohenfurth,​ que representa la infancia de Cristo (convento cisterciense de Vyšší Brod o Hohenfurth, del llamado Maestro de Vyšší Brod o de Hohenfurth, ca. 1350 -hoy desmantelado-) y del Retablo de Třeboň o de Wittingau (convento de los agustinos de Praga, del llamado Maestro de Třeboň o de Wittingau, ca. 1380-1390). En la misma zona, en el siglo XV destacó el llamado Maestro del Jardín del Paraíso de Frankfurt o Maestro del Alto Rin.

Desde mediados del siglo XV, la evolución de las formas artísticas quedó marcada por el desarrollo de la pintura flamenca e italiana en el nuevo contexto del Renacimiento, pero el Gótico pervivió hasta bien entrado el siglo XVI.

Retablo de San Luis, de Simone Martini, el primero conservado con una predela historiada.​

La coronación de la Virgen,​ de Lorenzo Monaco (1414).

Desde principios del siglo XV, una nueva corriente estética que toma como fuente de inspiración la Antigüedad grecolatina triunfa en Europa: el Renacimiento. Tras imponerse en un primer momento en la península italiana, el nuevo estilo artístico se difunde rápidamente, alcanzando su máximo esplendor a mediados del siglo XVI. El Renacimiento traía consigo una revisión de las formas góticas, que serán sustituidas por elementos de carácter clasicista.

En Italia, el retablo (llamado allí pala) nunca había adquirido grandes proporciones, pues se mantenía la tradición de las pinturas al fresco en las iglesias; aunque Giotto o Simone Martini, fresquistas de renombre, también realizaron destacados polípticos destinados a altares. Casi toda la obra de Duccio está realizada en pale. También es destacable L'altare di argento,​ el retablo de plata del baptisterio de Florencia (compartimientos centrales, de Betto di Geri y Leonardo di Giovanni, 1366 -los cuatro relieves laterales son de escultores del Quattrocento: Pollaiuolo, Verrocchio y otros dos orfebres-).​

Con la irrupción del nuevo estilo, la estructura arquitectónica del retablo se vuelve más nítida y simple (puede verse cómo algunos retablos de Fra Angelico ejemplifican la evolución de una a otra estructura).

El llamado "políptico de San Vicente Ferrer""​ en la Basílica de los Santos Juan y Pablo (Venecia), de Giovanni Bellini (1464-1468). Hay otro retablo con el mismo asunto, de Domenico Ghirlandaio.​

El retablo tras el altar mayor de Santa Maria Gloriosa dei Frari (Venecia) incluye el lienzo La Asunción de la Virgen de Tiziano (1516-1518).

Surgen nuevas técnicas, como la terracota esmaltada (hermanos Della Robbia), a la vez se generaliza el empleo de mármol, bronce o granito en contraposición a la madera policromada. Los elementos decorativos típicamente renacentistas, como el grutesco, candelieri, los roleos vegetales, los , el tondo o clípeo, o los flameros, pasan a ornamentar las nuevas estructuras, formadas por pilastras, columnas o semicolumnas, frisos y cornisas, todo ello con una clara inspiración en la antigüedad clásica. Algunos retablos se integran en el espacio arquitectónico para el que se han diseñado, con efectos de trampantojo. La influencia pagana o profana acaba trasladándose también a las imágenes religiosas. Todos estos elementos traspasarán pronto el ámbito de la península italiana exportándose al resto de territorios europeos.​

Ídem (cerrado).

Retablo mayor de la catedral de Košice, del llamado Maestro de la Leyenda de Santa Isabel (1474-1477).​

El llamado retablo Paumgartner, de Alberto Durero (1502-1504). Durero realizó algunos otros grandes retablos,​ como el llamado altar de Heller​ aunque el más famoso de sus polípticos no es una "pieza de altar", ni siquiera propiamente devocional, a pesar de su tema religioso, dado su tratamiento "moderno" de los desnudos: Adán y Eva.

Retablo de Santa Margarita, de un maestro anónimo del norte de Alemania (ca. 1520). Probablemente procede de la Johanniskirche de Lüneburg.​ A pesar de lo tardío de la fecha, sigue manteniendo las convenciones estéticas del gótico internacional.

Pequeño retablo devocional privado de la tipología denominada en flamenco Besloten Hofje​ ("jardín cerrado", en referencia al tema del Hortus conclusus) procedente de Brabante (ca. 1594).

En la zona ambiguamente denominada Flandes por la historiografía, el Estado Borgoñón protagonizó un esplendor cultural que Johan Huizinga calificó de Otoño de la Edad Media; y que continuó en la Edad Moderna bajo los Habsburgo. Como los apreciadísimos tapices flamencos, los retablos flamencos se exportaban a toda Europa, tanto los polípticos pictóricos (los Van Eyck, Van der Weyden, Van der Goes) como los escultóricos, de compleja composición arquitectónica y motivos derivados del gótico internacional.​ Algunos de ellos recibieron denominaciones encomiásticas (como " la perla de Brabante" o " el milagro de Dortmund ").​

En el reino de Francia cobró gran fama la obra de escultores como Antoine Le Moiturier (retablo del juicio final de la colegiata de San Pedro de Aviñón,​ del que sólo subsisten dos ángeles),​ y pintores como Jean Fouquet (el atrevido díptico para la capilla funeraria de Agnès Sorel en la catedral de Melun).

En las ciudades centroeuropeas de cultura germánica, en torno al Rin y el Danubio, que asistieron al nacimiento de la imprenta, de espectacular repercusión en la difusión del humanismo y la transformación de la cultura en las décadas finales del siglo XV y las primeras del siglo XVI, destacó la obra de pintores como Pacher, Durero, Grünewald, Altdorfer, Ratgeb, Baldung, los Cranach o los Holbein, que también se desarrolló en la retablística. Alternativamente, o integrándose en los mismos retablos, se desarrolló la obra de escultores como Veit Stoss, Nikolaus Gerhaert, Tilman Riemenschneider o Nicolas de Haguenau. Las formas evolucionaron desde los paneles fijos de modestas dimensiones hasta las grandes y complejas estructuras articuladas con compleja ornamentación arquitectónica. Las alas se solían dedicar a representaciones pictóricas de los santos, mientras que el panel central se reservaba a escenas evengélicas en tallas de bulto.​

A partir de 1517, el impacto de la Reforma Protestante fue notabilísimo, y en lo que toca a los retablos, provocó la destrucción de muchas imágenes religiosas; aunque también hubo destacados artistas luteranos que continuaron realizando piezas de altar, como los Cranach.​

Los llamados "retablos de Amberes"

En los siglos XV y XVI, la fama de los llamados " retablos de Amberes"​ se extendía por toda Europa. El auge comercial de la ciudad de Amberes se había producido especialmente a partir de la decadencia de la ciudad de Brujas, y sufrió un terrible golpe con el saco de Amberes de 1576.

Retablo de San Juan Bautista de la iglesia del Salvador de Valladolid, ca. 1500 (el banco se realizó por artistas locales).​

Retablo de la Marienkirche de Lübeck, del llamado Maestro de 1518 ​

Retablo mayor de San Pelayo de Olivares de Duero (ca. 1520-1530). Ensamblador Pedro de Guadalupe (traza y decoración), pinturas de Juan de Soreda (51 tablas), esculturas de Alonso Berruguete (el Calvario del ático) y del círculo de Felipe Vigarny (el resto).​

Retablo lateral de la capilla de Santa Ana en la catedral de Burgos, de Diego de Siloé (principios del siglo XVI). Es comparable el retablo central de la capilla, de estilo gótico (obra de Gil de Siloé, padre de Diego -véase en su sección-), con las características platerescas de este: ornamentación de tondos, grutescos, veneras y querubines, ordenada estructura arquitectónica de pilastras planas y frisos con menuda decoración; y motivos heráldicos en el banco.

Retablo de Santa Elena​ en la catedral de Gerona, de Pedro Fernández de Murcia -o "Pere Fernández"-, Antonio Norri -o Antoni Norri- y Antonio Matteu -o Antoni Matteu- (1517-1520).

Retablo de la capilla del Santísimo de la iglesia del Miracle, atribuido a Pere Nunyes (1530).​

Suele establecerse una periodización cronológica del Renacimiento en España entre el Alto y el Bajo Renacimiento español, aunque las etiquetas estilísticas son de uso problemático: " plateresco" se aplica a las producciones del primer tercio del siglo XVI, caracterizadas por el horror vacui, que se comparaban con el trabajo de los plateros, y en el que se encuadran tanto los últimos maestros de tradición gótica o hispano-flamenca como la introducción de nuevos elementos de origen renacentista italiano; " manierista" se aplica al tercio central del siglo (aunque es un adjetivo que puede aplicarse tanto a los discípulos de las grandes figuras italianas de comienzos del siglo XVI como al periodo post-tridentino y hasta el comienzo del siglo XVII); " romanista" se aplica al tercio final del siglo, caracterizado por las formas sobrias de Gaspar Becerra y el gran proyecto escurialense.

En España, la estética renacentista tardó en imponerse, debido al arraigo de las formas góticas o hispanoflamencas. En un primer momento, las formas italianizantes aparecen tímidamente en los retablos (al igual que lo hacía en la arquitectura), en forma de detalles decorativos. Sólo avanzado el siglo XVI se conforma una estética novedosa: el estilo plateresco.

El retablo plateresco combina elementos gotizantes con otros de raigambre italiana, caracterizándose por su carácter narrativo (relieves o pinturas) y el desarrollo del tabernáculo que adopta una posición central y prominente. Los retablos platerescos son generalmente muy planos, configurándose mediante pilastras o semicolumnas, con la novedad del balaustre como soporte. La decoración suele ser estilizada y menuda, en forma de grutescos, veneras, cabezas de querubines, angelotes, roleos..., apareciendo nuevas tipologías formales, como los relieves circulares o los realizados en stiacciato.

En la Corona de Castilla son ejemplos destacados de retablo plateresco:

En la Corona de Aragón, simultáneamente a la introducción de las formas renacentistas italianas por Pedro Fernández de Murcia (retablo de Santa Elena de la catedral de Gerona), continuó la tradición gótica del retablo-expositor de alabastro, adaptándose a la nueva estética, destacando en este ámbito Damián Forment, al que se deben:

También fue notable en los retablos aragoneses de esta época el trabajo de Juan de Moreto, Juan de Salas y Gabriel Yoly (retablo de la capilla de San Miguel de la catedral de Jaca, retablo mayor de la catedral de Teruel); continuado en las décadas centrales del siglo XVI por Cosme Damián Bas (retablos de la catedral de Albarracín, algunos en madera sin policromar).​

Retablo mayor de la iglesia de Santa Eulalia (Paredes de Nava), una obra colectiva del taller de los Berruguete (Alonso Berruguete e Inocencio Berruguete -1550-, que reutilizaron las doce tablas del retablo anterior obra de Pedro Berruguete -1490-), y de un artista emparentado, Esteban Jordán (casado con una sobrina de Alonso). El calvario se atribuye al propio Alonso o a otro discípulo del taller Berruguete.​

Retablo mayor de San Antolín de Tordesillas.

A partir de la década de 1530, el manierismo, una evolución del clasicismo quinientista, invade todos los ámbitos artísticos europeos. En España, la irrupción de este estilo acaba con los últimos resquicios del Gótico e impone la vigencia del estilo italianizante a partir de dicha década hasta prácticamente el siglo XVII.

En el campo del retablo, el estilo manierista dio intérpretes geniales, con obras maestras que serían muy admiradas e imitadas. El primero de ellos fue Alonso Berruguete, uno de los escultores españoles más reconocidos de todos los tiempos. Su trabajo más ambicioso, el retablo mayor del monasterio de san Benito de Valladolid (1527-1532), se encuentra disgregado hoy en varias partes, conservadas casi todas en el Museo Nacional de Escultura de la misma ciudad. El arte temperamental e inclasificable de Berruguete exhibe en esta obra algunas de las características propias del Manierismo hispano, mezclando elementos típicos del Renacimiento más ortodoxo (veneras, balaustres, relieves en tondo) con un peculiar sentido dramático totalmente anticlásico, en el que las formas se someten al efecto general de expresividad y movimiento.​ Berruguete fue bastante prolífico en su dedicación al retablo, y creó un importante taller con discípulos como Francisco Giralte (autor del retablo de la Capilla del Obispo aneja a la parroquia de San Andrés de Madrid) o Manuel Álvarez, responsables en parte de la gran difusión y éxito del estilo berruguetesco.

El otro gran maestro manierista, perteneciente como Berruguete al foco vallisoletano, fue Juan de Juni. Al igual que el primero, cultiva el estilo italianizante desde una óptica muy personal. Muchas de las obras maestras Juni lo fueron en el campo del retablo; acertó a concebir sus creaciones retablísticas como un todo unitario y no meras arquitecturas-marco, y no dudó en alterar y deformar los principios del clasicismo en aras de la expresividad. Es muy llamativo el hecho de que las imágenes y relieves junescos parezcan desbordar el marco que los contiene, lo que otorga a estas obras gran potencia visual y mayor cercanía al espectador, prefigurando ciertas tendencias barrocas. Algunos de sus retablos más conocidos son el mayor de la catedral de Valladolid (encargado al artista para la iglesia de Santa María la Antigua), el de la capilla de los Alderete de San Antolín de Tordesillas y el de la capilla de los Benavente en Santa María de Medina de Rioseco.

Retablo mayor de la Basílica de El Escorial (1583-1586), una de las mayores empresas artísticas del siglo XVI ,​ diseñado por Juan de Herrera y dirigido por Pedro Castello, con estructura y custodia de materiales nobles de Jacometrezo, esculturas en bronce de Leon Leoni y Pompeyo Leoni y pinturas de Federico Zuccaro y Pellegrino Tibaldi (inicialmente estaba previsto colocar El martirio de san Lorenzo, de Tiziano, una Anunciación de Veronés y una Natividad de Tintoretto, que fueron relegados a otros lugares del Monasterio, al preferirse mantener una unidad de estilo). La bóveda tiene frescos de Luca Cambiaso, y los laterales acogen los cenotafios de la familia real, obra de los Leoni.

A mediados del siglo XVI, el Concilio de Trento marca una cesura en la vivencia religiosa y el arte en particular. La necesidad de una mayor claridad y contundencia en la transmisión del mensaje evangélico hace que se atemperen ciertos excesos formales manieristas. Surge así el estilo a la romana o romanismo, que será el predominante hasta el fin de siglo, conviviendo no obstante con el manierismo, que conservó cierta vigencia. Siguiendo el nuevo estilo, los retablos adquieren una concepción más arquitectónica y monumental; se acentúa la severidad en la decoración (frontones, columnas exentas, frisos, triglifos y metopas), mientras las imágenes se vuelven expresivas y gesticulantes, en un intento de resultar persuasivas.

La nueva corriente estará protagonizada por maestros como Gaspar Becerra, autor del retablo mayor de la catedral de Astorga (1558-1562), pieza paradigmática que creará toda una moda, siendo muy copiado. Otros artistas representativos de este momento son Pedro López de Gámiz (retablo mayor del convento de santa Clara, Briviesca), Rodrigo de la Haya (que con su hermano Martín realizó el retablo mayor de la catedral de Burgos) y Juan de Ancheta.

Quizás el momento culminante del estilo romanista, a la vez que su final, fue el clasicismo que se impuso durante el reinado de Felipe II y la construcción del Monasterio de El Escorial. El estilo escurialense marca en España el tránsito del Renacimiento al Barroco. Se trata de un arte que prescinde de los elementos accesorios, eliminando cualquier concesión decorativa y otorgando el protagonismo al soporte arquitectónico, que sigue los cánones clásicos de forma casi obsesiva, aunque introduciendo un gigantismo de raíz miguelangelesca. En lo referido a la retablística, el principal ejemplo de esta corriente fue el retablo mayor de la Basílica del monasterio. El ser un encargo de gran importancia simbólica (ya que había de presidir el espacio donde estaban enterrados los reyes de España) hizo de esta pieza una obra única; se emplearon en su confección los más costosos materiales (jaspes, mármoles polícromos, bronce dorado al fuego) así como una pléyade de artistas entre los más afamados de su generación: Juan de Herrera dio la traza general, Pompeyo y Leone Leoni hicieron las esculturas e incluso se pensó que un cuadro de Tiziano presidiera el conjunto, aunque finalmente se encargó la parte pictórica a Pellegrino Tibaldi y Federico Zuccaro.

Esta monumental obra puede considerarse el canto de cisne del Renacimiento en España en el campo del retablo. El impacto y novedad que supuso se impondrán hasta bien entrado el siglo XVII, recogiendo muchos ejemplos que se harán a partir de entonces algunas de estas innovaciones, como la rígida superposición de órdenes, el empleo de piedra en lugar de madera policromada, la nítida estructuración y jerarquización iconográfica, y sobre todo, el énfasis que se dará a partir de ahora al sagrario o tabernáculo, que, como sucede en El Escorial, muchas veces llega a estar exento y casi independiente del cuerpo del retablo.​

Otros ejemplos notables de retablo escurialense son el mayor de la colegiata de san Luis de Villagarcía de Campos (Valladolid), diseñado por Juan de Herrera y labrado por Juan Sáez de Torrecilla,​ o el que preside la iglesia vallisoletana de san Miguel y san Julián, obra de Adrián Álvarez.​​

Retablo barroco: siglos XVII y XVIII

Retablo Mayor de la iglesia parroquial de San Sebastián de Barrado, obra de los hermanos de la Inzera Velasco

El Barroco fue, quizá, la época dorada del retablo, tanto por el gran número de ellos que se hicieron como por su importancia artística, su variedad tipológica y formal, y sus dimensiones, que llegaron a ser del todo monumentales. En esta época, además, con la implantación de la Contrarreforma tras el Concilio de Trento, se afianza la construcción de retablos en lugares donde había decaído en siglos anteriores, como zonas de Alemania, Austria, Polonia, Países Bajos católicos o la misma Italia. En todo caso, la península ibérica siguió siendo el centro más creativo e importante, con la novedad de la exportación a las iglesias y catedrales que se construían en esa época en las colonias de América y otros lugares.

En los siglos XVII y XVIII, el retablo cobró un extraordinario protagonismo en el interior de las iglesias, de modo que muchas veces la propia arquitectura de los templos acaba supeditada a su colocación, generalizándose las cabeceras planas con testero ciego, o a lo sumo con ventanales abiertos en su parte más alta de modo que no interfieran con la estructura del retablo y se adapten a ella. En una época en la que el arte busca la cercanía con el fiel, se generalizan tipologías nuevas, como el retablo con camarín (que tenía precedentes en el Renacimiento), el retablo exento a modo de ciborio o tabernáculo, el retablo- transparente, con aberturas que dejan pasar la luz, el retablo- relicario, surgido a partir del resurgir del culto a las reliquias de los santos, etc.

Los retablos barrocos suelen concebirse como parte integrante de una decoración mayor que se extiende por toda la iglesia, y así hacen juego a veces con frescos pintados en techos o paredes, o con otros retablos, repitiendo por ejemplo los llamados "retablos colaterales" la forma y decoración del retablo mayor o de la capilla principal. En esta época se acentúa fuertemente la jerarquización de los elementos decorativos del templo, a la vez que los mismos tienden a formar un todo. Naturalmente, esto es más palpable en las iglesias construidas ex-novo en época barroca, aunque viejos templos como la catedral de León sufrieron en esta época el influjo del nuevo estilo, diseñándose decoraciones a veces un tanto chocantes con la arquitectura precedente.​

En el Barroco italiano la iconografía de las pale, siguiendo las recomendaciones teológicas de la Contrarreforma, se concentra en un único tema, como la advocación patronal de la iglesia o del altar correspondiente, habitualmente en lienzos o en grupos escultóricos de grandes dimensiones. El material usado con mayor extensión y frecuencia en los retablos del barroco italiano es el mármol en contraste con la madera dorada y policromada de épocas anteriores. En ocasiones se emplean otros materiales semipreciososos como el lapislázuli y la malaquita.

En los Países Bajos del Sur, como reacción al aniconismo protestante, la decoración de las iglesias católicas se extremó. No sólo los retablos, sino los púlpitos e incluso los pilares de las naves se convirtieron en soportes de sofisticados grupos escultóricos, mientras que a la tradición de polípticos pictóricos se añadió, en estructuras mucho más simplificadas, las creaciones de grandes dimensiones de la escuela flamenca de pintura encabezada por Rubens.

Ha sido particularmente estudiada la relación de los retablos franceses y la compleja espiritualidad barroca.​​

En Centroeuropa el Barroco fue el arte de la Contrarreforma en las zonas que se mantuvieron o recobraron por el catolicismo (Estados de los Habsburgo de Viena, Sur de Alemania, Polonia); pero también el arte en las zonas luteranas. A finales del siglo XVII y comienzos del siglo XVIII, los retablos se fusionaban con el entorno arquitectónico, que a su vez se desdibujaba en esculturas y elementos ornamentales en todo tipo de materiales (piedras, metales, y especialmente el estuco).

Retablos barrocos españoles

La retablística barroca española es muy sofisticada, compleja y variada en escuelas locales.​ En un mismo lugar, como la Cartuja de Granada, pueden verse retablos clasicistas (como el trampantojo de Sánchez Cotán) y de la mayor exuberancia (como los de la sacristía y el famoso sagrario exento, de Francisco Hurtado Izquierdo). En la Salamanca de finales del siglo XVII triunfó el estilo churrigueresco. En el Toledo del primer tercio del siglo XVIII, Narciso Tomé consiguió un punto culminante del estilo (el famoso " transparente"), que la crítica neoclásica posterior denigró como ejemplo del "mal gusto" barroco. Las filigranas de granito de la fachada del Obradoiro de la catedral de Santiago de Compostela ( Fernando de Casas Novoa, autor también de trazas de retablos, destacadamente, el de San Martín Pinario, junto a Miguel de Romay​) se suelen comparar con las formas de estos últimos retablos barrocos. A lo largo de siglo y medio, artistas polifacéticos (como Alonso Cano) o especializados en un arte (como los arquitectos Juan Gómez de Mora​ o José de Churriguera, los escultores Alonso y Pedro de Mena, Gregorio Fernández, Martínez Montañés o Francisco Salzillo, o como los pintores Murillo, Valdés Leal o Zurbarán) dejaron buena parte de su obra en retablos de la época; mientras que dentro de retablos de traza barroca también se incluían tallas o pinturas de periodos anteriores (como ocurre en el retablo mayor de la catedral de Valencia).​

Se ha propuesto una periodización en tres fases ("prolongación del clasicismo" en el primer tercio del siglo XVII, "retablo castizo" o "genuinamente hispánico" en la segunda mitad del siglo XVII -fase subdivida en una primera parte, caracterizada por las columnas salomónicas, y una segunda, por los estípites -, y "retablo rococó" en la primera mitad del siglo XVIII).​

Retablo de la capilla del Evangelio de la iglesia de Santa María del Castillo (Olivenza).​​

Se ha investigado el simbolismo del "trono eucarístico" en los retablos barrocos portugueses.​

La extraordinaria riqueza decorativa (tanto en los materiales usados como en la profusión de detalles) y algunas características sincréticas provenientes del sustrato artístico indígena (aunque básicamente responden a los criterios estéticos y religiosos europeos) caracteriza a los retablos barrocos de las ciudades coloniales de los imperios español y portugués (unificados entre 1580 y 1640). Además de los de la América española y Filipinas, son particularmente notables los de las ciudades coloniales portuguesas de Goa (en India) y de Salvador de Bahía (en Brasil); los de esta última se cuentan por centenares (se decía que podía oírse misa en uno distinto cada día del año -lo mismo se decía del valle mexicano de Cholula-).​​

No obstante, ya hubo producción de retablos en la América española en el siglo XVI; tanto en las primeras fundaciones eclesiásticas del Caribe como en los territorios continentales.​ El que se considera más antiguo del continente es el de San Juan Cuauhtinchán ( Puebla), datable en torno a 1527.​

A mediados del siglo XVIII invaden con frecuencia al retablo los adornos del estilo Luis XV (Rococó).​ La profunda crítica a la que el academicismo somete a los "excesos" que percibe en el Barroco, lleva a la mayor sobriedad del Neoclasicismo​ (incluso en obras tardobarrocas de transición, como la capilla de El Pilar de Ventura Rodríguez y José Ramírez de Arellano),​ que a comienzos del siglo XIX lleva a los retablos las formas más sencillas de portadita greco-romana. Desde mediados del XIX se producen retablos eclécticos e historicistas. Ya en el siglo XX, la renovación de la estética eclesial en el catolicismo fue radical, abriéndose a las vanguardias artísticas especialmente a partir del Concilio Vaticano II. Es destacable también el retablo de la Basílica de Aránzazu.

1. Según el DRAE: ↑ Del b. lat. retaulus, y este del lat. retro, detrás, y tabŭla, tabla. Las fuentes discrepan sobre la identificación de tal "tabla" con las del propio retablo o con la mesa del altar: The Spanish word retablo was derived from the Latin term retro tabula for "behind the altar" (retro for back and tabula for board, tablet; the Latin tabulum means table) (Art and Faith in Mexico: The Nineteenth Century Retablo Tradition). From the low Latin retaulus (retro-tabula), something "behind the table" or altar. (The Art and Architecture of the Texas Missions - Página 218). Deriva del latín vulgar, retaulus (Latín: retro tabula, literalmente, detrás de la mesa) (Los retablos del siglo XVIII en el sur de España, Portugal y México - Página 15). ...se pone este tablero atrás del altar, de ahí su nombre: retro tábula (Manual de arte cristiano... - Página 317)

2. En lengua inglesa se establece una diferencia entre dos tipologías de ↑ altarpieces, la denominada reredos y la denominada retable. Nicolas Pioch, Webmuseum, 14 Oct 2002: Altarpieces divide into two main types: the reredos, which rises from ground level behind the altar, and the retable, which stands either on the back of the altar itself or on a pedestal behind it. Many altars have both.

La etimología de "reredos" proviene del anglo-normando o del francés antiguo areredos, y este de arere (detrás -del latín ad retro-) y dos (espalda -del latín dorsum-). Dictionary of the English Language, 2000, Houghton Mifflin Company; Collins English Dictionary, HarperCollins Publishers, 1991 (The free dictionary).

The foreign "retable" is, therefore, what should in English be called a "reredos" (q.v.), though that is not in modern usage a movable feature. Encyclopedia Britannica, 1911

REREDOS (Anglo-Fr. areredos, from arere, behind, and dos, back), an ornamental screen of stone or wood built up, or forming a facing to the wall behind an altar in a church. Reredoses are frequently decorated with representations of the Passion, niches containing statues of saints, and the like. In England these were for the most part destroyed at the Reformation or by the Puritans later; a few medieval examples, however, survive, e.g. at Christchurch, Hants. In some large cathedrals e.g. Winchester, Durham, St Albans, the reredos is a mass of splendid tabernacle work, reaching nearly to the groining. In small churches the reredos is usually replaced by a hanging or parament behind the altar, known as a dossal or dorsal. (See also Altar.) For the legality of images on reredoses in the Church of England, see Image. The use of the word reredos for the iron or brick back of an open fire-place is all but obsolete. Encyclopedia Britannica, 1911

3. *Giovanni Gheradini ↑ Voci e maniere di dire italiane additate a'futuri vocabolaristi, Bianchi e comp., 1838, vol. 1, pg. 646: ANCÓNA. Sust. f. Tavola dipinta, quadro... deriva dil greco Eicon... [es decir, de εἰκών -eikon, Imagen, icono-]... Alberti, il qual dice qui per "Ancona" si intende "Tavola o Quadro grande di altare". Ma, oltreche gli artisti in tal signif. speciale usano la voce "Pala"...
Architettura, 1963, pg. 117: ... al gotico, che adotta quindi la Pala o Ancóna, sotto la partitura del trittico e più frequentemente del polittico.

4. ↑ * Barbara Welzel, Thomas Lentes, Heike Schlie (Hrsg.): Das „Goldene Wunder" in der Dortmunder Petrikirche. Bildgebrauch und Bildproduktion im Mittelalter (= Dortmunder Mittelalter-Forschungen. Bd. 2). 2. Auflage. Verlag für Regionalgeschichte, Bielefeld 2004, a ISBN 3-89534-582-2.

Godehard Hoffmann: Compound altarpieces in context. In: Koninklijk Museum voor Schone Kunsten Antwerpen. Jaarboek. 2004/05, ISSN 0770-3104, S. 75-121.

Marjan Buyle, Christine Vanthillo (Hrsg.): Retables Flamands et Brabançons dans les monuments belges (= M & L Cahier. 4). Ministerie van de Vlaamse Gemeenschap, Brüssel 2000, ISBN 90-403-0104-2.

Hans Nieuwdorp (Hrsg.): Antwerp Altarpieces. 15th-16th centuries. Museum voor Religieuze Kunst, Antwerpen 1993 (Ausstellungskatalog, Kathedrale zu Antwerpen, 26. Mai bis 3. Oktober 1993, 2 Bände).

Fuentes citadas en Antwerpener Retabel b

5. ↑

6. ↑ Los frescos de El Salvador no se han estudiado pese a descubrirse en 1989. Sant Serní de Baiasca Archivado el 6 de diciembre de 2012 en Wayback Machine..

7. ↑ Restauración de retablos, Diputación de Valladolid.

8. Real Academia Española. Real Academia Española. Real Academia Española. Real Academia Española. Real Academia Española. ↑ Adorno de fajas y molduras en una pared o bóveda y también nicho (cavidad de un muro para colocar una estatua, jarrón o cosa semejante), lo que más a menudo se entiende como hornacina -"encasamento". "hornacina". Diccionario de la lengua española (23.ª edición).-. El mismo DRAE recoge Diccionario de la lengua española (23.ª edición). encasamiento, aunque ese término tiene otro uso: "encasamiento". "mantenimiento". Diccionario de la lengua española (23.ª edición).-. No debe confundirse con "casamiento". Diccionario de la lengua española (23.ª edición).-.Diccionario de la lengua española (23.ª edición). reparo de las casas, es decir, lo que se más a menudo se entiende como mantenimiento -casamiento -

9. El DRAE la define como Real Academia Española. Real Academia Española. ↑ fábrica de cal y canto - obra de relieve - bordado de oro y plata de realce - conjunto de varias piezas de plata u oro que se hacían para el servicio de las iglesias (esta última acepción, seañalada como uso antiguo) -"mazonería". Diccionario de la lengua española (23.ª edición).-. No debe confundirse con "masonería". Diccionario de la lengua española (23.ª edición).-.masonería -

10. ↑

11. ↑ Juan José Martín González, Sagrario y manifestador en el retablo barroco español, en Imafronte, ISSN 0213-392X, N.º 12-13, 1996-1997, págs. 25-50

12. C.M. Martín Jiménez y A. Martín Ruiz, ↑ Retablos escultóricos Renacentistas y Clasicistas, Valladolid: Diputación Provincial, 2010.

13. Real Academia Española. ↑ "retablo". Diccionario de la lengua española (23.ª edición).

14. Agustín Tamayo, ↑ Cervantes, síntesis de la cultura española, en VV. AA., IV centenario de Cervantes, Universidad Nacional Mayor de San Marcos, Lima, 1948, págs. 29-35 (reproducido en CVC): La Edad de Oro en que la trilogía Lope, Tirso, Calderón, realiza el prodigio del retablo teatral español. Retablo popular, en que se ha señalado la falta de perspectiva; defecto que venciera en España, y ya anteriormente, el hebreo Fernando de Rojas, adelantándose a Shakespeare.

15. * Gaby Vovelle, ↑ Michel Vovelle, Vision de la mort et de l'au-delà en Provence: d'après les autels des âmes du purgatoire XVe-XXe siècles, Armand Colin, 1970

16. Victor M. Schmidt, Rijksuniversiteit Groningen. ↑ Le retable en Europe du XIIe au XIVe siècle: quelques lignes d'évolution. Conferencia en el ciclo L'autel chrétien: lieu d'images, Museo del Louvre.

17. Javier Ocaña, ↑ La pintura en los altares Archivado el 11 de abril de 2013 en Wayback Machine. en Amigos del Románico. Galería de imágenes de frontales románicos

18. Pierre-Yves Le Pogam, ↑ Les premiers retables (XIIe-début du XVe siècle): une mise en scène du sacré, Musée du Louvre, 2009, ISBN 88-89854-32-4

19. J. E. Justin, E. A. Kroesen, Victor Michael Schmidt (eds.) ↑ The Altar and Its Environment: 1150-1400, Brepols, 2009, ISBN 2-503-53044-3 (es publicación de las comunicaciones de un simposio que tuvo lugar en Groninga en 2006).

20. ↑ Aguilar de Campóo, web cit.

21. El DRAE recoge su etimología del francés antiguo Real Academia Española. ↑ chambrande, y dos acepciones: cada uno de los travesaños que unen entre sí las partes de una silla, de una mesa o de otro mueble, para darles mayor seguridad; y, como término arquitectónico, labor o adorno de piedra o madera, que se pone alrededor de las puertas, ventanas, chimeneas, etc. -"chambrana". Diccionario de la lengua española (23.ª edición).

22. ↑ Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 1, Bompiani, Milano 1999.

23. ↑ Fachada telón en glosario.net El concepto es muy anterior a la Edad Moderna, aunque románico y gótico optaron por otras soluciones:La reducción de la catedral doble a una sola, la desaparición del baptisterio, la presión de los fieles, la toma en consideración de las demandas de un clero que se declara observante de la reforma gregoriana... la nave, ocupada en parte por altares, fue despejada y los altares se trasladaron al este, a las capillas abiertas sobre el deambulatorio. Al principio el deambulatorio era un pasillo ideado por Gregorio Magno para circular alrededor de las reliquias de San Pedro en Roma (hacia el año 600)... La catedral se halla dividida en tres espacios siguiendo un esquema que se prolonga hasta Trento... altar... coro... fieles. Al mismo tiempo el clero tomó importancia de los accesos, por lo que se renovará la parte de la fachada occidental. Adalberón... ordenó suprimir la masa occidental de la catedral de Reims... adoptándose diversas fórmulas: fachada telón en el oeste, fachada armónica en Normandía, que es la que terminará por imponerse (Bayeux, Canterbury, Chichester). Jacques Le Goff (ed.), Diccionario razonado del Occidente medieval, pg. 132.

24. * Mariano Torreño Calatayud, ↑ Fachadas-retablo manieristas valencianas, 2009, ISBN 84-691-9269-8

25. ↑

Portada de la catedral de Amberes (1352-1521), de estilo gótico de Brabante -Cammaerts, Emile. Belgium, From the Roman Invasion to the Present Day. T. Fisher Unwin Ltd, London, 1921, fuente citada en Brabantine Gothic-, definido en Brabante desde mediados del siglo XIV y más sobrio que el flamígero.

Portada del ayuntamiento de Bruselas (muy restaurado en el siglo XIX).

Puerta de tabernáculo (ca. 1500).

26. * María del Carmen Lacarra Ducay (coord.) ↑ Retablos esculpidos en Aragón: del Gótico al Barroco, Institución Fernando el Católico.

27. Francesca Español, ↑ L'escenari litúrgic de la catedral de Girona: un patrimoni moble desmantellat? (conferencia, 19-12-2011). Fotografía antigua, en la web oficial Archivado el 28 de diciembre de 2016 en Wayback Machine.. Véase la imagen disponible en Commons: el retablo, de muy pequeño tamaño en comparación con las dimensiones del templo, está bajo un baldaquino y tras las rejas que delimitan la zona del altar.

28. ↑ Pequeño retablo dividido en tres calles y tres cuerpos dedicado a San Cristóbal, protector contra la muerte súbita, que ocupa la calle central, rematada por la Crucifixión.... En las calles laterales aparecen escenas de las vidas y martirios de otros santos: San Pedro, San Blas y San Millán, identificados con sus nombres en las molduras que los separan, y un ángel turiferario -portador de un incensario- en el remate.... Perteneciente al estilo francogótico o gótico lineal, propio de la pintura castellana del siglo XIV... De origen desconocido, se supone que este retablo pudo proceder de un monasterio benedictino riojano al incluir una escena de la vida de San Millán. El león y el castillo que se repiten en los límites de la obra simbolizan los reinos de Castilla y León, y sugieren que la obra pudo haber sido destinada a una fundación Real. Ficha en la web del Museo del Prado

29. ↑ Retablo de Santo Domingo de Guzmán (Tamarite de Litera) -fotografías-. Gemma Malé, Nuevas aportaciones sobre el retablo de Santo Domingo de Tamarite de Litera - iconografía, origen, promoción y datación, Anuario del Departamento de Historia y Teoría del Arte, ISSN 1130-5517, N.º 20, 2008, págs. 37-52

30. ↑ PINTURA GÓTICA ESPAÑOLA s. XIV: MAESTRO DE ESTIUMARIU

31. ↑ Ficha en el Victoria and Albert Museum

Retablo de San Jorge (Jérica) -no debe confundirse con el del Centenar de la Ploma-, de Marzal de Sax.

32. ↑ La lucha de siglo y medio entre la escala diminuta del retablo trecentísta italiano y las grandes proporciones del retablo gótico español, con fracasos tan manifiestos como el retablo de Dello Delli, y experiencias tan interesantes como las de San Cucufate del Vallés o de Nicolás Francés (Alejo Fernández, en Archivo español de arte, vol. 16, nos. 55-57, pg. 133)

33. ↑ Artículo en Retrotabulum. Artículo en El País. Reconstrucción en El País.

34. ↑ "Tablas de Arcenillas". Archivado desde el original el 21 de octubre de 2016.

35. ↑ Arnaud Gassies fue un pintor nacido en Perpiñán (Rosellón -norte de Cataluña, en el reino de Francia desde el siglo XVII-, ca. 1390 - ídem, 1456 o 1458). Le retable de Saint-Michel et Saint-Hippolyte commandé par Pierre de Mont Roigt est considéré " retable des verriers ". Ses peintures furent réalisées en 1454 par le peintre Arnaud Gassies qui fut vraisemblablement influencé par le peintre flamand Vaneyck (de nombreux peintres étrangers sont venus dans la région pour exercer dès cette époque là, d'où ces influences nordiques dans la touche de peintres locaux). Le retable de Saint-Jean l'évangéliste, gothique comme le précédent, fut lui aussi réalisé par l'atelier de Gassies en 1461 (son atelier a continué l'activité, lui même n'a pas pu le réaliser car il est mort en 1458. (Palau del Vidre). Marcel Durliat, Arnaud Gassies: peintre perpignanais du XVe siècle, Imprimerie du Midi, 1951. Arnaud Gassies

36. ↑ Entre las obras realizadas en este ámbito artístico hay que destacar el conjunto de cuatro tablas, procedentes del antiguo Retablo Mayor de la iglesia hispalense de san Benito de Calatrava, en las que se representan ocho santos emparejados. A mediados del siglo XVII, las tablas fueron sustituidas por otras encargadas a Valdés Leal, guardándose las originales hasta ser depositadas en el museo por las Órdenes Militares en 1908. (El Museo de Bellas Artes de Sevilla -II. La planta baja.) Véanse imágenes en Juan Sánchez de Castro

37. "Rueland Frueauf the Younger Brief Biography". Fuente citada en ↑ en:Rueland Frueauf the Younger. Karl Oettinger: Frueauf, Rueland der Jüngere. In: Neue Deutsche Biographie (NDB). Band 5. Duncker & Humblot, Berlin 1961, ISBN 3-428-00186-9, S. 667 f. Fuente citada en de:Rueland Frueauf der Jüngere

38. ↑

39. Caterina Limentani Virdis, Mari Pietrogiovanna: ↑ Flügelaltäre; Hirmer Verlag, München 2002, ISBN 3-7774-9520-4. Elisabeth Margarete Comes: "Ein Garten Eden. Die Pflanzen auf Stefan Lochners Altar der Stadtpatrone", Nicolai Verlag, Berlin 2013, ISBN 978-3-89479-714-0. Fuentes citadas en Dreikönigsaltar (Stephan Lochner)

40. ↑ André Chastel, El arte italiano, Akal, 1988, ISBN 84-7600-301-3, pg. 163. Véase imagen

41. Andrea G. De Marchi, s. v. Jacopo di Cione, in Enciclopedia dell'Arte Medievale, VII, Roma, Treccani, 1996, pp. 244-246. Fuente citada en ↑ it:Jacopo di Cione

42. ↑

La obra de Ghirlandaio

43. ↑

44. ↑ Művészeti lexikon I-IV. Főszerk. Zádor Anna, Genthon István. 3. kiad. Budapest: Akadémiai. 1981-1983. Fuente citada en .

45. ↑ Un des plus grands retables flamands à Dortmund (el llamado "milagro dorado de Dortmund").

46. Jacques Baudoin, ↑ Les grands imagiers d'occident, Creer, 1983, ISBN 2-902894-15-5, vol. 1, pg. 213. Ángel portando los símbolos de la Pasión - Ficha en Joconde, Ángel tocando la trompeta - Ficha en Joconde.

47. ↑ Monumental carved, winged altarpieces are the most ambitious artworks from the Middle Ages, incorporating the skills of painters, sculptors, and cabinetmakers. Those that are most notable for their artistic originality and masterly execution were produced in the southern German-speaking regions, including Austria and South Tirol, in the last decades of the Late Gothic period (roughly 1460 to 1525). By that time altarpieces had evolved from low, fixed panels to large wooden structures with rich architectural ornamentation. Paintings of the saints often adorned the movable wings, while carved reliefs or freestanding sculptures of scenes from the Gospels occupied the gilded, center shrine. Rainer Kahsnitz (texto), Achim Bunz (fotografías), Carved Splendor: Late Gothic Altarpieces in Southern Germany, Austria, and South Tirol, Getty Publications, 2006, ISBN 0-89236-853-5.

48. * Kathrin Wagner, ↑ Rostocker Retabelkunst im 15. Jahrhundert, Verlag-Ludwig, 2011, ISBN 3-86935-004-0

49. Es uno de los "siete retablos alemanes" seleccionados para su estudio por ↑ Arthur Burkhardt. Seven German Altars, F. Bruckmann, Munich, 1965: v. 1. The Herrenberg altar of Jörg Ratgeb. v. 2. The Freiburg altar of Hans Baldung. v. 3. The St. Florian altar of Albrecht Altdorfer. v. 4. The St. Wolfgang altar of Michael Pacher. v. 5. The Kefermarkt altar. v. 6. The Cracow altar of Veit Stoss. v. 7. The Isenheim altar of Matthias Grünewald.

50. También son conocidos con el mismo nombre muchos otros retablos con el tema de ↑ San Sebastián y su martirio (véase el amplio tratamiento del tema en la historia de la pintura): en alemán (Sebastianaltar), otros retablos de Holbein el Viejo (1516) -Alte Pinakoteke, Múnich- o de Hans Baldung (1507); -EPPH- en español (retablo de San Sebastián), el de la iglesia de la Asunción de Montesa, del círculo de Juan de Juanes (1559) -La luz de las imágenes Archivado el 16 de septiembre de 2011 en Wayback Machine.- y al de la colegiata de Santa María Mayor de Bolea, de Gil de Brabante (1503) -colegiatadebolea.es-, etc.; en italiano (pala di San Sebastiano), obras de Giovanni del Biondo, Andrea da Murano -en Trebaseleghe-, Dosso Dossi -catedral de Módena, unesco.mo.it-

51. ↑ La singular historia del retablo de Olivares de Duero. Web de la Diputación de Valladolid. La perla del Duero: El retablo mayor de la iglesia de San Pelayo de Olivares de Duero

# data[].attributes.attachment_link.title
Retablo - Wikipedia, la enciclopedia libre

# data[].attributes.attachment_link.description
El retablo es la estructura arquitectónica, pictórica y escultórica que se sitúa detrás del altar en las iglesias católicas de rito latino; en las iglesias orientales en comunión con Roma o no, anglicana o luterana no hay una función semejante, dada la presencia del iconostasio, y en las protestantes suele optarse por una gran reducción de la decoración.

# data[].attributes.body
Lᴀ Pʟᴀᴢᴀ Mᴀʏᴏʀ ᴇʀᴀ ᴇʟ sɪᴛɪᴏ ɪᴅᴏ́ɴᴇᴏ ᴘᴀʀᴀ ᴇɴᴛᴇʀᴀʀsᴇ ᴅᴇ ʟᴏs ᴀᴄᴏɴᴛᴇᴄɪᴍɪᴇɴᴛᴏs ǫᴜᴇ ᴏᴄᴜʀʀɪ́ᴀɴ ᴇɴ ᴇʟ ʀᴇsᴛᴏ ᴅᴇʟ ᴛᴇʀʀɪᴛᴏʀɪᴏ, ᴄᴏᴍᴏ ʟᴏs ʟᴇᴠᴀɴᴛᴀᴍɪᴇɴᴛᴏs ᴘᴏᴘᴜʟᴀʀᴇs ᴅᴇ 1767, ǫᴜᴇ sᴜʀɢɪᴇʀᴏɴ ᴘᴏʀ ʟᴀ ᴇxᴘᴜʟsɪᴏ́ɴ ᴅᴇ ʟᴏs ᴊᴇsᴜɪᴛᴀs ʏ ʟᴀ sᴇᴠᴇʀᴀ ʀᴇᴘʀᴇsɪᴏ́ɴ ǫᴜᴇ ᴇʟ ᴠɪsɪᴛᴀᴅᴏʀ Jᴏsᴇ́ ᴅᴇ Gᴀ́ʟᴠᴇᴢ ᴇᴊᴇʀᴄɪᴏ́ ᴄᴏɴᴛʀᴀ ʟᴏs ɪɴsᴜʀʀᴇᴄᴛᴏs.
Sergio Garrido Pérez

# data[].attributes.body
𝐸𝑙 𝑗𝑎𝑟𝑑𝑖́𝑛 𝑓𝑟𝑎𝑛𝑐𝑒́𝑠 𝑑𝑒𝑙 𝑠𝑖𝑔𝑙𝑜 𝑋𝑉𝐼 𝑝𝑜𝑠𝑒𝑒 𝑢𝑛𝑎 𝑐𝑜𝑚𝑝𝑜𝑠𝑖𝑐𝑖𝑜́𝑛 𝑑𝑒 𝑙𝑖́𝑛𝑒𝑎𝑠 𝑔𝑒𝑜𝑚𝑒́𝑡𝑟𝑖𝑐𝑎𝑠, 𝑜𝑟𝑑𝑒𝑛𝑎𝑑𝑎 𝑐𝑜𝑛 𝑟𝑒𝑐𝑢𝑟𝑠𝑜𝑠 𝑑𝑒 𝑙𝑢𝑧 𝑦 𝑠𝑜𝑚𝑏𝑟𝑎 𝑏𝑎𝑙𝑎𝑛𝑐𝑒𝑎𝑑𝑜𝑠 𝑎𝑟𝑚𝑜𝑛𝑖𝑜𝑠𝑎𝑚𝑒𝑛𝑡𝑒. 𝑁𝑜 𝑝𝑜𝑠𝑒𝑒 𝑚𝑢𝑟𝑜𝑠 𝑎𝑙𝑡𝑜𝑠, 𝑛𝑖 𝑒𝑙𝑒𝑚𝑒𝑛𝑡𝑜𝑠 𝑞𝑢𝑒 𝑜𝑏𝑠𝑡𝑟𝑢𝑦𝑎𝑛 𝑙𝑎𝑠 𝑣𝑖𝑠𝑢𝑎𝑙𝑒𝑠 𝑝𝑜𝑟 𝑒𝑠𝑜 𝑙𝑎𝑠 𝑡𝑒𝑟𝑟𝑎𝑧𝑎𝑠 𝑦 𝑙𝑜𝑠 𝑝𝑎𝑟𝑡𝑒𝑟𝑟𝑒𝑠 𝑒𝑠𝑡𝑎𝑏𝑎𝑛 𝑐𝑜𝑛𝑠𝑡𝑖𝑡𝑢𝑖𝑑𝑜𝑠 𝑝𝑜𝑟 𝑒𝑠𝑝𝑒𝑐𝑖𝑒𝑠 𝑞𝑢𝑒 𝑝𝑢𝑑𝑖𝑒𝑟𝑎𝑛 𝑠𝑒𝑟 𝑟𝑒𝑐𝑜𝑟𝑡𝑎𝑑𝑎𝑠 (𝑏𝑎𝑗𝑎𝑠).
Sergio Garrido Pérez

# data[].attributes.body
Biografía:

José Benito de Churriguera Ocaña (Madrid; 21 de marzo de 1665-2 de marzo de 1725) fue un arquitecto y retablista barroco español, miembro de una familia de artistas de la que es recordado como el más destacado.

Arquitectura:

1. Ornamentación Abundante: El rasgo más distintivo del estilo es la profusa ornamentación que adorna las estructuras. Elementos decorativos como relieves, molduras, guirnaldas, ángeles, frutas y flores se superponen y se entrelazan en un festín visual detalles.

2. Fachadas Retorcidas: Las fachadas de las edificaciones churriguerescas a menudo presentan formas retorcidas y asimétricas, creando una apariencia dinámica y llamativa.

(Información recogida de Copilot)

Aunque no se sabe con certeza qué ocurrió al final de su vida, su legado en la arquitectura y el estilo churrigueresco sigue siendo relevante hasta hoy.

# data[].attributes.body
Biografía:

Diego Rodríguez  Velázquez (Sevilla, bautizado el 6 de junio de 1599-Madrid, 6 de agosto de 1660) , fue un pintor barroco español considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y maestro de la pintura universal. Su catálogo consta de unas 120 o 130 obras .El reconocimiento como pintor universal se produjo tardíamente, hacia 1850.


 Pintura:
Una de las caracteristicas que usaba Diego Velázquez una técnica conocida como alla prima, del italiano a la primera, que consiste en aplicar directamente la pintura casi sin boceto ni dibujo preparatorio y sin dejar que sequen las sucesivas capas, sino que se superponen unas a otras en húmedo.
(Información recogida de wikipedia)

# data[].attributes.body
BIOGRAFÍA:

Pedro de Ribera Pérez (Madrid,4 de agosto de 1681-19 de octubre de 1742)fue un arquitecto español del período Barroco. Su actividad se desarrolló casi exclusivamente en Madrid durante la primera mitad del siglo XVIII.

Arquitectura:

1º Detalles ornamentales: Utilizaban elementos decorativos como columnas salomónicas, vvolutas, esculturas y relieves para embellecersus edificios.

2ºVerticalidad:Sus fachadas a menudo presentaban una verticalidad marcada, con torres y cuerpos superpuestos.

3ºJuego de luces y somras:Diseñaba espacios interiores con efectos lumínicos dramáticos, creando contraste entre luces y sombras.

(Información recogida de copilot)

Pedro de Ribera falleció el 19 de octubre de 1742 en Madrid, a los sesenta y un años.

# data[].attributes.attachment_caption
Fue un escultor, arquitecto y pintor italiano nacido en el año 1598 y fallecido en el año 1680.​ Trabajó principalmente en Roma y es considerado el más destacado escultor de su generación, creador del estilo escultórico barroco, que constituye las siguientes características:                                      1. Busca el movimiento.                                                                 2º Se proyecta dinámicamente hacia fuera con líneas de tensión complejas.                                                                        3º Busca la multiplicidad de planos y puntos de vista.                  Su obra más importante es "El Éxtasis de Santa Teresa", una escultura de mármol situada en Santa Maria della Vittoria, en Roma.                                                                               (Información recogida de Wikipedia y Virtual Uffizi Gallery)                  

# data[].attributes.headline
Trabajo realizado por: Iván Soriano Aparicio                       Gian Lorenzo Bernini                  (arquitecto)

# data[].attributes.subject
Trabajo realizado por: Iván Soriano Aparicio                       Gian Lorenzo Bernini                  (arquitecto)

# data[].attributes.body
Bernini fue aprendiz del escultor clásico Fabio Daini, con el cual realizó dos obras posteriormente destruidas, que aumentarían su fama.

# data[].attributes.body
Biografía:

Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610), conocido como Caravaggio, fue un pintor italiano, activo en Roma.

En 1584 entró a trabajar como aprendiz del pintor lombardo Simone Peterzano, quien fue descrito en el contrato como pupilo de Tiziano.

Hacia mediados de 1592 Caravaggio llegó a Roma, «desnudo y extremadamente necesitado, sin una dirección fija y sin provisiones... además corto de dinero»

Su pintura combina una observación realista de la figura humana,en lo físico como en lo emocional, con un uso dramático de la luz.

La pintura de caravaggio:

1.El renacimiento llegaba a su fin y un joven Caravaggio empezó a utilizar técnicas tenebristas, Parece ser que vio el potencial expresivo de las sombras y buscó inspiración en la vida misma,Las novedades de la obra pictórica de Caravaggio inspiraron la pintura del Barroco

1.Hoy en día, se conservan un número reducido de pinturas, de las cuales menos de 78 son genuinas.Caravaggio produjo mayoritariamente pinturas religiosas.Dos de los reproches habituales eran el realismo de sus figuras religiosas rozando el naturalismo temprano, Caravaggio prefería escoger a sus modelos de entre el pueblo: prostitutas, chicos de la calle y mendigos posaron a menudo para los personajes de sus cuadros.

4. la representación de los santos bajo rasgos vulgares de golfos salidos de los bajos fondos fue juzgado incompatible con los valores de pureza y de santidad quasiaristocráticos que transmitía la Iglesia de aquella época

5.Caravaggio fue famoso, apreciado, reconocido y además ejerció gran influencia sobre sus contemporáneos

6. «Caravaggio comenzó con su arte algo simple, la pintura moderna».

Algunas de sus obras:

1. La vocación de San Mateo

2. Judith decapitando a Holofernes

3. La Cena en Emaús

4. David con la Cabeza de Goliat

5. La Conversión de San Pablo

(Fuente:wikipedia)

# data[].attributes.body
Según algunas teorías, la palabra deriva del griego baros, que significa pesadez; para otras, procede del florentino barochio -engaño-, mientras que la opinión más extendida lo relaciona con la voz portuguesa barocco, "perla irregular con deformaciones"

ya que se asociaba a la extravagancia, la irregularidad o la confusión. En este sentido, vale la pena recordar que en el siglo XlX el arte barroco fue considerado de mal gusto.

# data[].attributes.body
El Barroco fue un período cultural de la Edad Moderna que se desarrolló entre el Renacimiento y la Ilustración en Europa occidental y en las colonias latinoamericanas. La cuna del Barroco fue Italia,en España coincidió con el Siglo de Oro, momento de esplendor del arte y la literatura

(información recogida desde diputación de sevilla)

# data[].attributes.body
BIOGRAFÍA:

(Francesco Castellí; actual Italia,1599-1667)Arquitecto italiano.

Trabajó como cantero en las obras de la catedral de Milán, antes de trasladarse a Roma em 1619,donde fue cincelador en el taller de Carlo Maderno, quien lo introdujo en el mundo de la arquitectura romana al tomarlo como colaborador para la realización de obras como el palacio Barberini.

LA ARQUITECTURA DE BORROMINI:

1. Es la gran figura contrapuesta a Bermini por sus rasgos. Su inclinación al desequilibrio y al movimiento total.

2. Ondula entablamentos, fachadas y cornisas.

3. Inventa nuevas formas para los capitales.

4. Utiliza elementos del gótico como arcos mixtilíneos y bóvedas nervadas.

5. Trata el espacio con criterios dinámicos.

OBRAS MÁS DESTACADAS:

Su primer encargo como arquitecto fue la iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane; fachada concluida en 1667.

Construyó Sant´s della Sapienzia en 1642-1660.

Otras de sus obras fueron la nueva fachada de Sant´Agnese y la remodelación de la basílica paleocristiana de San Juan de Letrán.

Su último trabajo es la fachada de San Carlos alle Quattro Fontane, dejada inacabada a su muerte y finalizada por su sobrino.

Su arquitectura fue considerada despectivamente por sus contemporáneos como gótica, de mal gusto y falta de respeto al lenguaje canónico de los órdenes.

Francesco Borromini se suicidó el 2 de agosto de 1667 en ROMA.