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Adolphs Garzon, Laura Camila. - 201911233

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Adolphs Garzon, Laura Camila. - 201911233

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En el texto de Fry se hace una diferenciación entre la vida activa y la vida imaginativa con el fin de explicar que el arte es el órgano que permite que lo imaginativo exista, y por consecuente, esto es lo que le de valor al arte.

Fry explica que la vida imaginativa se deshace de las respuestas instintivas a una situación y permite la apreciación directa de las emociones que esta suscitaría, concluyendo que la pintura es el medio que permite dicha contemplación de las sensaciones. No hay necesidad de correr para alejarse de un toro cuando esté está pintando en un lienzo, pero el miedo que esté produce se siente aunque sea en menor medida. Es aquí donde hace el valor de la pintura, no en el contexto o significado, sino más bien en que su forma logre, de manera exitosa, recordar a sensaciones y sentimientos.

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A lo largo del texto “Un Ensayo en estética” Roger Fry busca construir un concepto de pintura que vaya más allá de la concepción de esta como una mera imitación de la naturaleza. Para el autor la definición de la pintura como el “arte de imitar objetos sólidos en una superficie plana por medio de pigmentos” es una que reduce y limita el valor mismo de la pintura.

Fry argumenta que el valor de la pintura es que esta se presenta como una expresión de la vida imaginativa del ser humano, es decir, esa vida que se basa en la contemplación sin un interés instintivo, pues no implica las necesidades físicas de la vida activa. Así lo que Fry implica es que el arte es el medio que permite explicitar esta vida imaginativa en donde las emociones se muestran con mayor pureza, y hay mayor claridad en la percepción.

Así, el arte, y en específico la pintura, es valiosa porque nos permite ver los objetos como son verdaderamente, sin estar contaminados por su utilidad o necesidad en la vida activa. Con esto en mente el autor propone cinco elementos de diseño; la línea, el ritmo, la masa, el espacio, la luz, la sombra, y el color. Estos se conciben como las herramientas que utiliza el artista para trasmitir sus sentimientos y simultáneamente evocar objetos del mundo real, es mediante el uso de estos que se logra una respuesta instintiva y emocional a la contemplación de la obra.

Lo que me gustó de esta lectura es que en ella se hace evidente el espíritu formalista del autor, que ve el valor de la pintura en las expresiones técnicas que solo esta permite. Me gustaría imaginar qué pensaría Fry de las piezas que no hacen referencia a los objetos del mundo real ¿Qué tipo de pureza contemplativa pueden evocar dichas piezas?

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En "An Essay in Aesthetics", Roger Fry introduce la idea de la "vida imaginaria", que difiere significativamente de la vida diaria que llevamos. Esta vida imaginaria surge de nuestras experiencias sensoriales y emocionales, permitiéndonos revivirlas en nuestra imaginación. Fry argumenta que el arte no solo copia la realidad; también actúa como una expresión y un estímulo de esta vida imaginaria, ofreciendo una comprensión más clara y una experiencia emocional más pura que la vida diaria, lo que resulta más liberador. El escrito enfatiza el valor de la habilidad de apreciar las emociones por sí mismas, independientemente de cómo afecten a las acciones, lo cual va en contra de la moralidad. Como resultado, para Fry, el arte se convirtió en un medio para transmitir emociones y permitir que el público en general comparta las emociones que el artista experimentó, influenciadas por las creencias de León Tolstoi. En pocas palabras, Fry examina la relación entre el arte y la vida imaginaria, resaltando cómo el arte enriquece la experiencia emocional y ofrece una perspectiva única que contrasta con la vida real.

El propósito del arte, que puede ser tanto práctico como estético, es el primer tema que Roger Fry discute. Toma el punto de vista de Tolstoi, quien sostiene que las emociones provocadas por el arte deben evaluarse según su impacto en la vida real, incluso si eso significa criticar la calidad de obras de arte famosas.
"An Essay in Aesthetics” destaca la importancia de la contemplación desinteresada en la apreciación del arte, junto con la conexión emocional y el propósito previsto de una obra de arte. También se destacan la coherencia y la diversidad del diseño artístico, así como cómo estos aspectos influyen en la experiencia estética.

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El artista Roger Fry en su ensayo sobre estética publicado en 1909, busca reivindicar el valor intrínseco del arte apartándole de su concepción platónica como una imitación de la naturaleza. Fry plantea que el arte es una expresión y estímulo de la vida imaginativa del ser humano, en contraste a una copia de la naturaleza. Más  aún, encuentra la vida imaginativa la posibilidad de ser "espectador" lo que permite presentar a la conciencia las emociones de una forma más plena y clara. Esta posibilidad de contemplación en la vida imaginativa, le da al ser humano la libertad expresiva que encuentra en el arte. Esto último lo compara con el proceso creativo de las mentes infantiles y cómo el "arte" que ellas realizan es puramente producto de la expresión creativa y no una imitación de la naturaleza.

Por otro lado, Fry se preocupa por buscar una justificación del arte y en ello se encuentra que en la vida imaginativa, con respecto a las emociones, es posible ocupar tanto el papel de actor (sentirlas) cómo de espectador (contemplarlas). Para el autor, la capacidad expresiva y apreciativa del arte por las emociones, es lo que la a las artes de la moralidad, pues las libera de un resultado.

Esto último lleva a concluir al autor que el juicio de una obra de arte debe estar despegado de cualquier noción de "resultado" sobre el mundo y más bien considerarlas como una expresión en sí mismas. Cuestiono el despegar el arte de su función en el mundo "real" puesto que, aún cuando una obra se hace con un fin puramente expresivo, consecuentemente tiene un resultado sobre los espectadores y, por tanto, produce un resultado sobre quien la contempla, lo cual inevitablemente influye sobre el juicio estético de la obra.
En cuanto al formalismo en el texto de Fry, el británico recuerda la contemplación desinteresada kantiana como una de las cualidades de cualquier objeto artístico. Así mismo, identifica el orden y la variedad como cualidades que satisfacen todo el aparato biológico y psicológico de la visión. Para describir el orden, la unidad es fundamental en la apreciación de una obra y para describir la variedad, enumera los métodos de los cuales se puede valer el artista para incitar toda una respuesta emocional en el espectador de la obra. Además de esta conjunción y juego de elementos, Fry identifica la belleza de una obra como un reconocimiento de propósito expresivo en las obras de arte.

En conclusión, Fry hace eco de la contemplación desinteresada como elemento fundamental de la apreciación estética del arte y añade a su teoría formalista otros elementos que están diseñados, no para imitar a la naturaleza, sino para expresar toda una realidad imaginativa que, a su modo de ver, es la esencia del arte en si mismo.

En conclusión

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En el texto “An essay in aesthetics” Fry aborda el arte desde su relación con el mundo imaginativo para probar que este va más allá que la imitación del mundo real. El autor explica que los humanos ven el mundo a partir de dos experiencias, lo real y lo imaginativo. El primero parte de nuestra relación a partir de los instintos donde nuestro cuerpo reacciona de manera intuitiva a los sucesos, mientras que el segundo parte de un plano que se acerca a las emociones y a cómo son verdaderamente las cosas. Siendo así, el valor de las artes gráficas  se encuentra en que es capaz de representar el mundo imaginativo, de hacernos ver cosas que al ser parte de nuestro cotidiano no seríamos capaces de ver como realmente son, y solo al presentarse en un formato que no contiene una utilidad lo podemos contemplar.
De este modo, Fry propone unos elementos de diseño que permiten que la pieza tenga un nivel de unidad y armonía que despiertan nuestro sentido estético. El primer elemento es la línea y el ritmo, por medio del gesto se transmiten los sentimientos que el artista quiere comunicar. Después están elementos como la masa, el espacio, la luz y la sombra, que evocan al mundo real y comienza a despertar nuestra reacción de los instintos desde el lado emocional. Por último y uno de los más importantes es el color, que dirige el efecto emocional que tiene el espectador. En estos elementos hay una clara relación con las propuestas formalistas donde la forma es aquello que destaca de las artes gráficas y determina su valor. A partir de lo que propone Fry, específicamente respecto a los elementos que tienen una asociación más directa con el mundo real como la masa y el espacio ¿Una pieza que no contenga uno de estos elementos no podría ser estéticamente deseable?

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El texto de Roger Fry explica una teoría formalista que toma elementos de la teoría kantiana pero se refiere a conceptos mucho más cercanos al arte en concreto. En ella se menciona la existencia de dos "mundos": el real y el imaginativo. Aquello que los diferencia es la repuesta instintiva de supervivencia y la existencia de la moral en el mundo real y la concentración de la experiencia sensible y emocional que se puede tener en el mundo imaginativo. Es decir que, mientras que en el mundo real las personas tienen que preocuparse por diversos aspectos, en el mundo imaginativo pueden disfrutar de las experiencias por lo que son sin necesidad de tener en cuenta otros elementos más allá de las sensaciones. De esta manera, en el mundo imaginativo se encapsulan las experiencias sensibles que se verán representadas en el arte. Para Fry, el arte no es una copia de la naturaleza sino la expresión de la vida imaginativa (es decir, de las experiencias sensibles "puras"). El autor menciona también conceptos como la contemplación, el orden y la variedad y la conciencia del propósito. Estos elementos se refieren a las cualidades de las experiencias sensibles dadas por el arte, pues Fry explica que se trata de una vivencia única y propia de lo artístico.

Personalmente, es una teoría que me gustó mucho porque busca describir y desentrañar aquello que re refiere a la experiencia sensible llevada a una representación artística sin necesidad de hacer un juicio de valor o de impartir una única e inamovible tarea al arte. Esto porque determina los parámetros para poder representar la experiencia desinteresada del mundo imaginativo pero no la restringe en la imitación (mímesis) ni la pone al servicio de otra disciplina.

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En el texto de Roger Fry, este discute sobre el propósito del arte. Inicialmente el autor cuestiona la concepción común de que el arte debe ser una representación fiel de la naturaleza. Fry argumenta que el papel del arte es despertar emociones y para su explicación hace una distinción entre la “actual life” y la “imaginative life”. A pesar de que en ambas la persona experimenta emociones en la “imaginative life” , éstas no están condicionadas por la acción o las necesidades de nuestra existencia y “toda la conciencia puede centrarse en los aspectos perceptivos y emocionales de la experiencia.” Según Roger Fry, esto nos permite dos cosas, por un lado, percibir los eventos con mayor claridad y, por otro lado, experimentar las emociones libremente y con mayor pureza. En consecuencia, el autor destaca que el valor del arte radica en que éste aprecia las emociones por sí mismas y en sí mismas, y no en función de la acción resultante.

Adicionalmente, el autor habla de las cualidades de orden y variedad. La primera sin la cual “nuestras sensaciones se verán turbadas y perplejas” y la segunda sin la cual “no se verán plenamente estimuladas.” También habla de la necesidad de unidad y para ello menciona algunas elementos como el ritmo de la linea, el color, la masa, el espacio, la luz y sombra. No me quedo clara la descripción del ritmo de la línea y la masa.

En mi opinión, la idea central del ensayo se resumen en la cita: “La gran tarea de las artes gráficas consiste en ofrecernos, en primer lugar, orden y variedad en el plano sensual y, a continuación, organizar de tal modo la presentación sensual de los objetos que los elementos emocionales se susciten con un orden y una adecuación que superen con creces lo que la propia naturaleza proporciona.”

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En el texto de Roger Fry An Essay in Aesthetics, el autor habla de las emociones que suscita el arte en el ser humano, dividiéndolas entre el ámbito de la vida real en contraposición a la vida imaginaria. Comienza analizando un elemento psicológico del hombre, acerca de la naturaleza de los instintos, gran parte de la vida humana está compuesta por estas reacciones instintivas a los objetos sensibles y sus emociones acompañantes. Se habla de la capacidad imaginativa del hombre y se determina que este vive dos realidades distintas, la real y la imaginada. En la real debe huir de las emociones suscitadas que apelan a una situación de peligro, mientras que en la imaginada puede contemplar, percibir los aspectos emocionales de esta experiencia. Por lo que, en estas dos realidades, existen diferentes tipos de valores y percepciones. Nuestra capacidad de reacción viendo una producción imaginada nos permite una apreciación del momento, que si fuera real no tendríamos el tiempo de procesar.

De igual manera, se habla de las artes gráficas como una expresión de la vida imaginativa, en vez de una copia de la vida actual. El arte es entonces la expresión y el estímulo de esta vida imaginativa, el autor dice que el arte nos separa de la vida real por la ausencia de acción responsiva, en el arte no hay responsabilidad moral, es un estado en el que estamos liberados de las necesidades de nuestra existencia real. El arte es entonces como una visión pura abstraída de la necesidad.

Las emociones de la vida imaginativa no requieren una respuesta de acción por lo que podemos darles una nueva valuación. En la vida real debemos cultivar esas emociones hacia un acción útil, y le damos importancia de acuerdo con la acción resultante. El arte aprecia la emoción en y por si misma,  y si algún objeto cualquiera es creado por el hombre como un objeto artístico, sus cualidades deberían ser: Que esté adaptado al desinterés de la intensidad de la contemplación, ya que este es el efecto que corta la acción de responsabilidad. Así mismo, se le pide a las sensaciones, orden ya que sin esto,  estarían turbias y perplejas. Se puede decir entonces que, la  contemplación desinteresada en carácter de una actitud estética, y el reconocimiento del propósito del artista al momento de suscitar emociones, es esencial como parte del juicio de estética apropiado.

En mi opinión, a pesar de que en la vida imaginaria las emociones puedan ser contempladas y experimentadas con más detenimiento, no se si se puedan describir las emociones sentidas a partir de lo imaginario como más reales que lo que produce la realidad, la pureza de las emociones a mi parecer está en la inmediatez del sentir.

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Según An Essay in Aesthetics, Roger Fry propone la idea de que el fin de la pintura no puede ser imitar la naturaleza. Este expone como el artista debe utilizar la naturaleza que tiene una belleza inherente de tal forma que intencionalmente comunique una emoción a través de la mera forma, así afirmando que el rol del arte no debe ser meramente representativo.

Para establecer esta tesis, comienza proponiendo una perspectiva dual de la vida, una vida real una vida imaginaria. En la vida real, cómo somos actores y partícipes activxs e interesadxs, no podemos contemplar la belleza del mundo, una perspectiva bastante Kantiana. Pero, Fry explica, en una obra de arte, o a través de un espejo, podemos contemplar la realidad y así extraer detalles y belleza que antes eran imposibles de observar. Fry argumenta que esto se debe también a nuestra reducida reacción emocional en el mundo real, puesto que de nuevo, necesitamos ser personas funcionales, no le ponemos tanta atención a las emociones negativas porque no sirven de nada. Al contrario, en el arte parece haber una contemplación mas directa y consciente de estas emociones, porque no hay interés ni desperdicio en ellas.

Ahora, entendiendo que para extraer la belleza del arte se debe tener una perspectiva específica, Fry propone cinco categorías de análisis formal que determinan las características emocionales de una obra. El ritmo de la línea, la masa, el espacio, la luz y sombra, y el color. Estas cinco categorías son esenciales para el modelo teórico de Fry, pues solo a través de esta podemos extraer la intención emocional de una obra.

Mi crítica yace en la idea que es planteada al final del ensayo, que el color es la categoría estética menos relevante para el humano. Una afirmación que no solo me parece directamente errónea para la vida real del humano, sino también en la vida imaginaria y por ende en el arte. Es reductivo afirmar que cualquier propiedad formal tiene más o menos importancia a la hora de contemplar una pintura.

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De manera similar a Greenberg, en este texto Fry se pregunta: ¿Qué es la pintura?, ¿Qué es lo propio de la pintura? ¿Cuál es el campo de la pintura? ¿Cuál es el valor de la pintura?¿Cuál es la relación de la pintura con la naturaleza? Para responder a estas preguntas, Fry establece una dualidad entre una vida actual y una vida imaginativa. El objetivo de la vida actual es la acción, es decir, en ella el ser humano se preocupa por conseguir el mejor de los resultados dadas determinadas circunstancias. Esta modalidad de vida, dice Fry, está determinada evolutivamente, es decir, solo le preocupa por conseguir el mejor resultado práctico con el menor gasto de energía posible. Por lo tanto, en la vida actual, uno no se concentra en las percepciones mismas ni en las emociones resultado de esas percepciones, sino siempre en la mejor reacción práctica que se debe tener. En cambio, en la vida imaginativa: “the whole consciousness may be focussed upon the perceptive and the emotional aspects of the experience” (p.1). El ser humano puede tomar distancia de la vida actual, y concentrarse, no en consideraciones prácticas, sino en la contemplación de sus percepciones y sus emociones. El arte se sitúa en esta última modalidad de vida, y es por eso que Fry arremete en contra de aquellos que consideran el arte subordinado a la moralidad (un campo práctico). Siendo la contemplación misma de las percepciones y las emociones el objetivo de la vida imaginativa, entonces la obra de arte (que se sitúa en esta esfera) se debe valorar en términos de su capacidad de producir sensaciones que son contempladas por sí mismas, pero, más aún, por las emociones que son producidas en nosotros. Fry argumenta en la última parte de su ensayo, cómo estas emociones pueden ser producidas por elementos formales de la pintura gracias a su analogía con elementos fisiológicos y psíquicos de nuestro cuerpo.

Fry dice que, de los elementos formales que nombró, el color es el menos importante para generar emociones. Sin embargo, ¿no es el color el elemento más importante en algunos estilos como el impresionismo? ¿No depende la importancia de cada elemento formal del estilo?

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En el texto An essay in aesthetics del artista y critico británico Roger Fry, se expone la idea de la vida imaginativa y cómo el arte es su principal exponente. Según Fry la vida imaginativa es un conjunto de valores y una forma de percibir diferente. Asimismo, se presenta que la vida imaginativa no hay necesidad de acción y por lo tanto permite que la conciencia se enfoque completamente en la experiencia y en percibir todas las emociones. A través de esto se evidencia cómo Fry busca comprender el arte y su belleza desde la idea de la vida imaginativa y las emociones que genera el arte. Por otro lado, es pertinente pensar en la manera que la vida imaginativa no siempre se relaciona con la moralidad y cómo este tipo de perspectiva está privada de condiciones externas; asimismo, me llama la atención la idea del arte como una forma de expresar sensaciones y placeres. Fry expone cómo el arte es el principal exponente de la vida imaginativa, en primera instancia, porque el arte está dictado y controlado por nuestro interior. Con esto, se percibe cómo el arte se caracteriza por una percepción más clara y mayor libertad de las emociones.

Ahora bien, es interesante que la teoría de Fry pone a los sentimientos, emociones y experiencias en un primer plano. Con esto, es posible notar cómo lo que sentimos hacia un objeto y hacia el arte permite entender la belleza de este objeto. También es llamativo pensar en una teoría que considera la belleza cómo algo “super sensual” y que se relaciona con la manera en la que percibimos un objeto y los sentimientos que provoca percibir el objeto y cómo esto afecta la vida imaginativa. Fry también habla de la importancia de la unidad y el orden en el arte, así como los diferentes elementos que son necesarios en una obra de arte y que son capaces de afectar los sentimientos y emociones que evoca la obra en un individuo. Estos son: el ritmo de la línea, la masa del objeto representado, el espacio, la luz y la sombra, y el color. A partir de esto, se percibe el carácter formal en la teoría de Fry y que se relaciona directamente con la parte física de la obra.

Esta es una teoría que nos hace pensar en el carácter físico de la obra y cómo esto genera una serie de sentimientos en el individuo. Considero que esta es una teoría llamativa y que piensa en los componentes de la obra de arte y la interacción del individuo con la obra.

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En el ensayo de Roger Fry “An Essay in Aesthetics” él analiza los juicios de la estética y como estos pueden variar dependiendo de diferentes aspectos como las experiencias personales. Básica, esté en su texto nos lleva por un camino en el cual justifica por que los artistas no solamente deberían imitar la naturaleza sino usar sus emociones para hacer estas representaciones y honestamente esto es lo que mas me gusta de su posición frente al arte.

Uno de sus puntos, claramente es acudir a las emociones e imaginación junto con lo que el artista percibe, para que estos dos se mezclen y pueda hacer una obra que transmita todas estas emociones. Al mismo tiempo esto hace que la obra se base en el mundo real. Esto lo explica en el planteamiento de un ejemplo de como la imaginación en los niños nos ayudan a entender este concepto de imaginación a la hora de pintar, ya que cuando se le dice a un niño que pinte lo que ve, va a dejar que la imaginación lo llene de visiones imaginativas dentro de ese mismo espacio que esta viendo.

Por otro lado, él trae a colación cinco elementos los cuales no justifica muy a fondo. El primero es la línea, este es el registro del gesto que puede ser cambiado por los sentimientos del artista. El segundo elemento es la masa, este se trata literalmente del peso del cuerpo en la imagen ya que como en la vida real vivimos ese concepto, al ver una obra lo podemos asociar y entender la masa de su propio movimiento a otros cuerpos. El tercero es el espacio. El cuarto es la luz y sombra, dependiendo de cuanta luz le este dando a un objeto, nuestra perspectiva o emociones cambian frente a ese mismo objeto. El quinto y ultimo elemento es el color.

Para finalizar, una critica que le hago a Fry es que él dice que las emociones deben ir ligadas con estos elementos pero da por sentado que todas las personas puedes asociar cierta emoción con uno de esos. O como cuando menciona lo del color, yo si creo que el color influye mucho en lo que cada persona esta sintiendo ya que para alguien un paisaje opaco puede transmitir tranqulidad mientras para otra persona puede transmitir miedo.

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En el texto de Roger Fry titulado “An essay in Aesthetics” escrito en 1909 podemos encontrar una manera critica de pensar el arte por el arte y en consecuencia a esta duda el planteamiento de un análisis formal entorno a las cualidades del arte pictórico. Roger Fry inicia el texto planteando una duda al lector y para darle forma primero nos brinda las palabras descriptivas sobre el arte provistas por un cierto pintor el cual nos describe el acto de la pintura como: un ejercicio que consta en imitar objetos solidos sobre un soporte mediante el uso de pigmentos. A esta escueta referencia Fry nos cuestiona ¿es realmente solo esto?  Porque de ser así, es seguramente el arte un ejercicio pretencioso que ha derivado en muchas discusiones y movimientos intelectuales. Por este motivo el autor inicia un discurso donde busca explicar como para él el arte es mas que un ejercicio imitativo, es una dinámica mucho mas compleja entre las relaciones que tiene el ser humano con su entorno. Debido a esto inicia presentándonos la diferencia entre las percepciones que tenemos como humanos frente a lo que observamos de frente y aquello que imaginamos o podemos contemplar. Para esto nos dirige a las relaciones nerviosas y emocionales que tenemos con lo que acaece en el entorno pues, aunque parece obvio, la diferencia racional entre aquello que sucede en la realidad y aquello que parece suceder en los medios pictóricos radica un punto de partida para el desarrollo formalista. Mientras que en los sucesos experimentados en carne propia las emociones y reacciones invaden nuestro cuerpo y el ser se hace víctima de las reacciones en consecuencia, el observar una escena sin tener el impacto de las consecuencias evoca una contemplación entorno a lo emotivo, lo sensible y lo formal. Es por esto que Fry separa estas dos experiencias haciendo hincapié en que: la primera, entendida como la vida actual, es donde nos regimos bajo la consciencia del entorno experimentando las emociones y sensaciones de modos más impactantes y por consecuencia fugaces; mientras en la segunda, entendida como la vida imaginaria, experimentamos las sensaciones y emociones de manera mucho mas ligera pero en cambio obtenemos tras ella un estado de reflexión en torno a lo acontecido y se puede procesar lo visto de manera mas prolongada y detallada. Y es en esta segunda vida, denominada imaginaria, que se encuentra lo formal del arte.

Y los aspectos formarles de la percepción imaginaria se desentrañan a partir de: las cualidades visuales, la falta de variación en el suceso o aquello avistado, las apariencias y la relación entre las apariencias, y para concluir, el proceso inconsciente generado por la experimentación de todas estos ítems. Gracias a estos motivos es que se puede separa el arte de aquello que solo satisface el placer sensual siendo algo completamente ceñido a lo imitativo, pues el arte al ser estimulante de lo imaginativo tiene responsabilidades y compromisos que van más allá de lo meramente sugestivo y le conectan con la realidad, lo natural y lo imaginario. Es por esto que para Fry deben surgir unos elementos claves entorno al diseño que transporten el arte a un nuevo paradigma en el cual invite a lo imaginario, estos son: El ritmo de la línea, la masa, el espacio, la luz y la sombra y por ultimo el color. Bajo estos elementos se rigen las condiciones esenciales de nuestra existencia y por consecuente son aquellos mas aptos para suscitar estados de consciencia a través de lo imaginario viéndose representados en formas naturales.

Pero si bien estoy de acuerdo con que estos son cualidades formales, el análisis de Fry nos limita a lo encontrado en la naturaleza y al cuerpo como medio para contemplar de manera consciente estos elementos anteriormente mencionados. Lo cual deja de lado en nuestra modernidad al conjunto de elementos artificiales que nos rodean y que han trasladado al arte a nuevos paradigmas conceptuales como lo pueden ser las maquinarias modernas hablando quizá del futurismo que para su época ya era presente en el arte o el rayonismo ruso que parte de la concepción del movimiento lumínico y el color como agente característico. Por ello me pregunto ¿Es posible traducir estos aspectos formales a la actualidad juntando la naturaleza, comprendida como lo biológicamente existente y los entornos artificiales, comprendidos como los espacios habitables creados por el ser humano?

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Fry en Essay in the aesthetics presenta como elemento esencial para el entendimiento del arte la vida imaginativa o imaginaria que permite ver la realidad o la naturaleza con una perspectiva más amplia. La vida real requiere de una acción ante lo que se percibe con los sentidos de tal manera que no se puede apreciar o realmente ver la totalidad de lo que está ocurriendo alrededor ya que hay una prioridad por la reacción. Además de que esta acción debe tener implicaciones morales que se ajusten o respondan a la problemática o necesidades del momento. La vida imaginativa por otro lado es pasiva por lo cual le deja a la persona ser un espectador verdadero que puede observar los detalles como el plano general.

El arte entonces se convierte en la expresión de esta vida imaginativa que está separada de una respuesta inmediata y de sus consecuencias como la moralidad. Con lo anterior se puede agregar que entonces el arte no es una mera imitación de la naturaleza sino que es una presentación de lo que la naturaleza trae consigo misma y se puede ver de ella

La manera en la cual se puede llegar a esta vida imaginativa es por medio de los cinco elementos emocionales del diseño: Línea, masa, espacio, luz, color.

Aunque creo que Fry tiene unas ideas interesantes creo que su teoría no tiene en cuenta que el arte y el artista mismo  también son agentes activos y que la acción no es limitada a una reacción. Lo que se pinta o incluso como se aleja de la percepción a emoción tiene implícito una consciencia que no puede ser alejada de la obra. De la misma manera las obras no son válidas intrínsecamente por ser objetos de apreciación o de alguna connotación moral, estas también tienen influencia sobre el espectador y por lo tanto los sentimientos que causan no son reducciones de emociones de lo que se está retratando en la obra.

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Este ensayo se enfoca en explorar como el arte logra asimilarse a la naturaleza de manera subjetiva; como el arte no busca ser una copia de la vida actual sino una expresión de la imaginativa y como las emociones del artista ante la naturaleza tienen la capacidad de conmover las emociones del espectador también. Para Fry, la vida imaginativa es un estado del ser humano en el cual uno se convierte en espectador ante una situación (que si la estuviésemos viviendo en carne propia) crearía una emoción y reacción basada en la moral, cosa cual no nos permite ver la emoción y sentirla tal como es.

El aspecto de la expresión subjetiva de la naturaleza para Fry se ve más a fondo cuando se toma en cuenta al arte que fue creada con el propósito de ser arte; de ser vista. Al ver una flor, podemos apreciar la belleza y los placeres que percibimos de esta, pero la naturaleza de la vida actual no fomenta una conciencia de propósito dentro del espectador. La conciencia de propósito nace cuando estamos frente a un objeto que fue creado para ser visto; cuando tomamos en cuenta al propósito del artista y las emociones que trató de generar. Para Fry, el artista tiene la capacidad de crear emociones dentro de su arte gracias a la naturaleza: la naturaleza genera sensaciones puras, cuales llevan a la creación de emociones, el artista después usa las emociones creadas para generar formas naturales que expresen dichas emociones. Asimismo, la actitud del artista frente a la naturaleza varía dependiendo de las sensaciones que este quiere generar.

No obstante, me encuentro en desacuerdo con Fry cuando empieza a asimilar los cinco elementos formales que componen la unidad de una obra de arte (el ritmo de la línea, la masa, el espacio, las luces y sombras y al color) con las experiencias físicas de la existencia del ser humano. Fry argumenta que el color es el concepto más inútil, pero en ningún momento justifica el por qué (salvo decir que no es lo suficientemente impactante emocionalmente). Personalmente, me parece que el color (y la falta de color) si es un elemento clave dentro de nuestro entendimiento personal de la vida imaginativa y de la conciencia de propósito; las decisiones cromáticas de un artista pueden enfatizar las emociones que este busca recrear y transmitir al espectador. Me gustaría tener un argumento más concreto de porque Fry subestima tanto al color.

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La teoría formalista de Fry en Essay in the aesthetics se basa en un seguimiento a la teoría de Platón: ¿es el arte una imitación de la realidad? Sin embargo, Fry parece estar en desacuerdo con esta teoría pues insiste que nuestra realidad se divide en dos partes, la realidad objetiva que está reinada por morales y éticas, y un plano imaginativo en el que estas morales son distorsionadas e incluso a veces pasan a un segundo plano. Procede a explicarnos que este plano imaginativo está lleno de esos sueños y deseos, que pueden salirse de lo moral al influir en nuestras sensaciones pero que sin embargo son temporales y no deberían de interferir con nuestra cotidianidad. Fry decide entender el arte como una imitación del plano imaginativo pues este permite generar esas sensaciones puras entre el público sin la necesidad de reaccionar y de tener la posibilidad de “vivir” lo que deseamos, incluso si no siempre se desea algo moralmente bien entendido.

De esta manera, Fry justifica las diferentes formas en las que el arte representa ese plano de la realidad, pues es subjetivo. Lo que indica que en realidad estamos viendo ese plano imaginativo del artista, estamos viendo su interpretación y eso es lo que permite que haya muchas maneras de representar esas cosas que son cotidianas. Pone de ejemplo a Monet, haciéndonos entender que estamos viendo las cosas que el veía de la manera en las que él las veía, estamos entrando en su plano imaginativo a través de los colores, la distribución del espacio que él utiliza y su manera de captar un momento preciso de esa imaginación.

A su vez, Fry nos habla de que el arte es relevante para la humanidad, a pesar de que Platón lo negara, porque este permite tener un acercamiento distintos a las emociones humanas. Es debido a que el arte permite experimentarlas sin tener que reaccionar ante lo que las ocasiona, mientras que en el plano real las emociones son tan fuerte que suscitan una reacción corporal que finalmente no permite a la persona de terminar de entender esa emoción enteramente. Este debido a esta experiencia, que sólo permite el arte visual, que Fry justifica la relevancia que se le da al arte en la sociedad. Estos elementos se vuelven claves para entender lo que Fry valora en el arte, precisamente en el formalismo de esta. El color, la variedad, variedad de diseño, espacios y tiempos influyen la variedad del arte que permiten generar estas emociones puras son finalmente lo que permiten ese acceso a lo imaginativo y las emociones puras, según Fry.

Creo que puede ser un poco contradictorio pensar que las emociones que no suscitan una respuesta o una reacción son más puras que las emociones que si lo hacen. ¿No es precisamente esa reacción que nace de una emoción lo que vuelve a esta más pura? Basándose en la idea de Fry de que lo que permite decir que las emociones dentro del plano imaginativo son más puras que las de la realidad es esa carencia de respuesta, ¿no está negándose esa humanidad dentro de las reacciones? Fry explica que es normal tener reacciones del cuerpo ante emociones que sacuden nuestra mente, por lo que no entiendo por qué entonces busca decir que estas emociones son más puras a la hora de estar en el plano imaginativo. Justificarlo diciendo que es precisamente porque estas emociones se sienten en su totalidad desde el arte parece entonces contradictorio si son relacionadas a ese plano imaginativo que niega las reacciones naturales humanas que vienen de la mano con las emociones.

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En su texto, An Essay in Aesthetics (1909), Roger Fry explora el concepto de la “vida imaginativa” para dar su propia perspectiva sobre el arte y la belleza. El autor afirma que la esencia del arte no puede estar limitada a sus características formales, sino que debe ser la expresión de la “vida imaginativa”, donde también se toman en cuenta las emociones y pretende representar exclusivamente la realidad. Aquí, Fry da un ejemplo ilustrativo con el que se comprende más fácilmente esta propuesta: los niños dibujan el mundo a partir de sus vidas imaginativas, de una forma sincera y libre, sin tener la necesidad de hacer una copia de la naturaleza. Así, el autor argumenta que las artes gráficas deben servir para las expresiones de la vida imaginativa y que no deben estar limitadas a la imitación de la naturaleza. De la misma manera, el autor destaca el lado positivo de su propuesta, al decir que con la vida imaginativa se pueden lograr reflexiones más profundas.

Fry argumenta que para que el arte pueda servir para mejorar la vida imaginativa se le debe dar importancia a la unidad, el orden y la variedad artística, teniendo en cuenta otros elementos del diseño como el ritmo, el espacio, el color, la luz, la sombra, la línea. Más aún, el autor dice que cuando estos aspectos se integran a las formas naturales se pueden representar las expresiones humanas. Fry argumenta que la vida imaginativa nos da una mejor percepción del mundo, pues se va mucho más allá de la visión tradicional y superficial de la vida real.

Creo que hay una conexión interesante con otras teorías formalistas que hemos visto, pues Fry está encontrando que la vida imaginativa permite que haya una percepción más profunda del mundo, lo cual se podría relacionar con la pureza mencionada por otros autores. El autor encuentra que las emociones vienen de los elementos formales más básicos y que el impacto emocional se da por las características formales y no por el contenido.

Por último, una crítica que le haría al texto es que habla bastante de las emociones, pero las toma como algo universal, sin explicar muy profundamente cómo las está comprendiendo. No toma en cuenta que los individuos, desde su subjetividad, pueden tener diferentes reacciones a un mismo producto artístico y que pueden evocar en ellos distintas emociones.

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En An Essay in Aesthetics Fry plantea que el arte no es una representación de la vida real (actual life), sino que es la expresión de la vida imaginativa (imaginative life) y está a su servicio. Para dar a entender esto Fry relaciona la vida real con el instinto, la reacción inmediata a los estímulos y la supervivencia automatizada, mientras que ve la vida imaginativa como aquella que aborda el mundo de lo emocional y lo perceptivo.

Una de las cosas de las que habla Fry en su ensayo es de que la vida imaginativa permite una mayor claridad en su percepción, pues él considera que los objetos de la vida real normalmente cumplen con una función y los miramos superficialmente solo fijándonos en su utilidad, mientras que las obras de arte, al no responder a una utilidad (para Fry el arte no puede ser útil) y estando hechas para ser vistas, son realmente observadas, activamente miradas, percibidas. Por otro lado, también menciona que la vida de la imaginación aporta mayor pureza y libertad en su emoción dado que los estímulos experimentados en la vida real están demasiado cercanos a nosotros y eso nos impide sentirlos con claridad, mientras que en la vida imaginativa podemos sentir la emoción y mirarla a la vez, como si sucediera a través de una ventana (cuadro, marco, pintura).

Continuando con el tema de la emoción, Fry también habla de los métodos para obtener elementos emocionales de los dibujos, elementos formales como el ritmo de la línea, la masa, el espacio, la luz, la sombra, el color y la inclinación de un plano en relación al ojo, que utiliza el artista explotando su potencial expresivo desde la plena materialidad.

Creo que la teoría formalista de Fry tiene una falla que se evidencia cuando afirma que el arte expresa los deseos y las cosas del mundo imaginativo excluyendo las necesidades de la vida real, pues al decir esto estaría excluyendo al arte con gran contenido político cuyas intenciones radican en una crítica a la vida real, o incluso en una demanda a la misma.

Además, con su teoría Fry estaría reforzando la exclusión de expresiones artísticas como el textil y la cerámica por su cualidad útil al decir que el arte no puede ser útil, no puede tener una función y debe partir de emociones imaginarias y desinteresadas. Yo por el contrario considero que en ocasiones un objeto con utilidad puede igualmente ser observado estéticamente, transmitir emociones y finalmente ser arte.

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El texto "An Essay in Aesthetics" de Roger Fry argumenta que las artes tienen como elemento fundamental la evocación del mundo y las formas imaginadas. Fry comienza haciendo una criticar en cuanto a la idea de que el debe imitar al mundo real perfectamente, ya que argumenta reduce el arte a un estado de curiosidad no digno de mayor reflexión. Adicionalmente, también critica que el valor del arte también se vea justificado en la persecución de la moralidad y lo bueno. En este momento trae a colación lo que llamaría mundo de imaginación, en donde la moralidad en el arte se ve puesta en un segundo plano debido al carácter libre propio de la imaginación, en donde se puede interpretar a la moralidad como un obstáculo para esta libertad. El autor también explica que los mundos de la imaginación suelen tener un impacto mas ligero que el mundo observado. El autor también pone énfasis en la emoción que inspiran estas formas, en la que la moralidad y la imitación de la naturaleza es menos relevante que el encontrar formas que inspiren emociones en nosotros. Me parece que la manera en la que el autor argumenta las cualidades de obras de arte es adecuada, puesto que no busca en el buen arte simplemente ser una reproducción mecánica o una herramienta de moralidad, sino que se enfoca en lo que diferencia una admirada e impactante obra, que apela a provocar emociones en nosotros, de una simple fotografía o imagen pedagógica o moralizante.

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El texto de Fry se desarrolla en torno al concepto de “vida imaginativa” según la cual podemos evocar situaciones sin que la necesidad de una reacción inmediata limite nuestra percepción.

Siendo ahora las situaciones producto de la imaginación, una nueva libertad permite que el conjunto de las apariencias se revele con claridad. Esto desencadena ciertas emociones que no sería posible aprehender y valorar sin esta nueva especie de distancia contemplativa.

Para Fry el arte es la expresión y el estímulo de esta ¨vida imaginativa¨. La importancia de este ejercicio reside en que tales emociones representadas en el arte tienen la potencialidad de reflejar las mayores aspiraciones y las más profundas aversiones que el humano es capaz de sentir. Un efecto tan intenso solo puede lograrse en la imaginación pues esta no demanda ni reacción ni moralidad del sujeto hacia lo percibido. Por consiguiente, bien sabiendo que todas las emociones tienen un objetivo instintivo, para el arte esto no resulta relevante: el arte aprecia la emoción por sí misma. Sin embargo, hay unas exigencias para que así funcione: la expresión artística debe tener orden y variedad; se debe poder percibir la voluntad del artista por perseguir estos valores. Debe haber una unidad en la composición que permita una contemplación sosegada. La obra se debe abordar desinteresadamente. etc. Además es importante especificar que la intención del autor de desencadenar estas emociones es capital:  sus formas deberán corresponder a las necesidades fundamentales tanto físicas como fisiológicas de la naturaleza humana. Dependiendo de qué emociones pretende suscitar, abordará la naturaleza de una manera u otra, es decir, tan imitativa o tan indistinta como sea menester. La conclusión final es entonces que la imitación fidedigna de la naturaleza no debe necesariamente imponerse a la representación.

Aunque Fry presente ciertos valores formales como indispensables en la obra, aun queda cierta duda de cuán autónomo es el arte si la argumentación sugiere que su importancia está ligada a un aspecto emocional. Aunque postule la técnica como elemento esencial para el desencadenamiento de las emociones, todo sigue girando entorno a estas, estableciendo una relación de subordinación.

Es también muy limitante que se afirme que la producción del arte tiene como origen únicamente un estímulo emocional.  Clive Bell afirma algo similar, pero refiere directamente esas emociones al sentimiento estético. Tal vez esta simple relación entre emoción y estética hace que toda la hipótesis de las emociones tenga una perspectiva más intrínseca all arte. Además, el foco del texto de Fry son las emociones y menciona las exigencias de la forma en una parte más periférica del texto.

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La teoría que Fry defiende en ‘An Essay in Aesthetics’ es que las artes gráficas tienen que imitar el mundo real. Esto se debe a que el mundo real tiene formas que contiene elementos que traen emoción, por consiguiente, el arte solo debería imitar estas mismas figuras de la naturaleza. Sin embargo, no hay garantía que en la naturaleza este la narrativa para crear el orden y variedad para organizar las emociones que el arte si puede hacer. De esta manera Fry presenta cinco elementos formales, que logran crear unidad en la forma para poder ser representados en secuencia. Así, el sentido imaginario logra que el plano sensorial tenga orden y variedad, cosa que en la vida real no se puede hacer. Estos cinco elementos formales es la línea, la cual puede modificar el gesto y por consiguiente el sentimiento. La masa la cual demuestra la experiencia de la realidad, por medio del estado del objeto. El espacio donde un objeto tridimensional, se plasma en una superficie plana alterando sus dimensiones haciendo efectos distintos a los generados en la realidad. La luz y la sombra, que logran por medio del contraste crean sentimientos, por como son organizadas. Por último, el color, cada color está asociado a emociones particulares sujetas al sujeto.

Fry en su ensayo sobre la estética defiende la idea de que el hombre tiene que imitar la naturaleza, dándole una narrativa formal. Esto me hace dudar si las emociones que contienen las formas de la naturaleza son dependientes del contacto del hombre y no son innatas de la naturaleza. Al apoyar la idea de Fiedler de que la belleza de la naturaleza es dependiente del hombre (autor).

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Roger Fry, en An Essay in Aesthetics, afirma que el fin de las artes figurativas no se debe limitar a una mera imitación formal de objetos perceptibles. Más bien, Fry cree que el fin de las artes figurativas está atravesado por la expresión de la vida imaginativa de los seres humanos y su fin no es exclusivamente ser una copia de la vida real. Entonces, para poder distinguir las dos formas de vida que co-existen en las personas, el autor hace un recorrido por la psicología humana en el que se explica cuidadosamente que, por un lado, la vida real es aquella que se experimenta a través de lo inmediatamente perceptible y que estimula una reacción instintiva. Por otro lado, la vida imaginativa es aquella que se activa a través del recuerdo de sensaciones producidas por experiencias pasadas.

Teniendo en cuenta lo anterior, Fry argumenta, por ejemplo, que los niños cuando pintan la naturaleza no lo hacen de manera “literal” sino que, cuando lo hacen, dejan que su imaginación construya lo que dibujan. Además, otro argumento que presenta Fry es que las artes figurativas valoran la expresión de emociones y, por lo tanto, los elementos formales de una obra de arte (ritmo de la línea, masa, espacio, luz y sombra y color) deben ser capaces de transmitir la emocionalidad del artista independientemente de que tan mimético sea su uso. El objeto artístico, entonces, debe despertar algo latente en nosotros que no se percibe en la vida real sino en la vida imaginativa.

Para finalizar, siento que la propuesta de Roger Fry propone un acercamiento indudable entre artista y espectador. En ese sentido, me gusta bastante el vínculo que se nace entre el creador y el receptor de la obra por medio de la emocionalidad. Sin embargo, reconozco que puede ser complejo establecer que dos sujetos tengan la capacidad, al tiempo, de sentir la misma emoción y percibir el arte de la misma manera.

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El texto de Roger Fry, “An Essay in Aesthetics” (1909), tiene la intención de definir el arte y la belleza desde una perspectiva formalista. Fry sostiene que el arte no pretende representar la realidad, sino las emociones del artista a través de las formas, los colores y las líneas. Para Fry, el arte es un lenguaje universal que puede transmitir sentimientos sin necesidad de palabras o conceptos. El valor de una obra de arte está en su capacidad de producir una respuesta emocional en el espectador, independientemente de su significado o contexto histórico.
Fry ejemplifica su teoría con muestras de diferentes épocas y culturas, desde el arte egipcio hasta el impresionismo. Desea demostrar que el arte es una actividad esencial del ser humano que trasciende las barreras del tiempo y el espacio. Fry defiende el arte por el arte, sin preocuparse por las cuestiones morales, sociales o políticas que puedan influir en la creación o interpretación de las obras.
La reflexión del autor me parece interesante y provocadora, pero también limitada y discutible. Por un lado, reconozco que el arte tiene una dimensión formal que puede generar emociones estéticas, y que no se puede reducir a una mera imitación de la naturaleza. Por otro lado, creo que el arte no se puede separar completamente del contexto en el que se produce y se interpreta, y que también tiene una función comunicativa, crítica y transformadora. El arte no solo expresa las emociones del artista, sino también sus ideas, valores y visiones del mundo. El arte no solo afecta al espectador individualmente, sino también a la sociedad colectivamente, y no solo es un lenguaje universal, sino también un lenguaje específico que requiere de un conocimiento previo para ser comprendido plenamente.