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3ème mouvement du 3rintemps' avec la sicilienne

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Vivaldi - Les quatre saisons « Le printemps » III

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Ce même mouvement du Printemps réécrit par Max Richter Max Richter Official Website (maxrichtermusic.com)

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Vivaldi - Spring III - Recomposed by Max Richter

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BBC Radio 3 to broadcast overnight on Easter Saturday/Sunday in the UK, five years after it premiered the work live from London.
Simulcast with the European Broadcasting Union in over 19 countries worldwide.

Five years ago I wrote SLEEP as an invitation to pause our busy lives for a moment. Now we are all facing an unexpected and unwelcome pause. It is far from easy to adjust to this new normal, which daily brings fresh anxiety and suffering to our communities, to those we love, and to ourselves. At this time the magical ability of creativity to elevate our days and to connect us with one another is more valuable than ever, and I'm really happy that BBC Radio 3 and the EBU will allow us to listen all together across the world. Please stay home, stay safe, and enjoy this 8-hour place to rest with those you love. -Max

(FURTHER Broadcast information & links to be updated throughout the week..stay tuned)

11 APRIL 2020

12 APRIL 2020

Bulgaria - Radio Shumen & Radio Varna
01:00 - TBC

Estonia - Klassika Raadio
0:00 - 8:00

Italy - RAI Radio 3
22:00 - 6:00

USA - Minnesota Public Radio / American Public Media
23:00 - 7:00

13 APRIL 2020

Greece - Trito programma, ERT
23:00 - 7:00

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BBC Radio 3 to broadcast overnight on Easter Saturday/Sunday in the UK, five years after it premiered the work live from London. Simulcast with the European Broadcasting Union in over 19 countries worldwide. Five years ago I wrote SLEEP as an invitation to pause our busy lives for a moment.

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Pour écouter toute l'œuvre

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Voir la colonne de gauche FM adultes D1 pour les explications et exemples musicaux à écouter.

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Trouver une tonalité en partant de l'armure

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Trouver une tonalité en partant de l'armure

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Trouver une tonalité en partant de l'armure

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Le terme sicilienne désigne un rythme particulier, composé d'une croche pointée suivie d'une double croche puis d'une croche.

Voici le rythme nommé la sicilienne :

Ce rythme n'est présent uniquement que dans les mesures composées, c'est à dire avec les chiffrages de mesure et

Exemple de siciliennes :

Décomposition de la sicilienne

Pour bien comprendre ce rythme, il est possible de le décomposer en utilisant la plus petite figure de note qui compose la sicilienne, c'est à dire la double croche : Dans une mesure à , un temps vaut une noire pointée, soit l'équivalent de 3 croches ou de 6 doubles croches. Voici la décomposition de la sicilienne :

par exemple

est l'équivalent de

Origines de la sicilienne

Il est communément admis que le nom de la sicilienne provienne d'une danse folklorique de Sicile en Italie. Cette danse populaire utiliserait ce rythme particulier de façon récurrente. Il me semble que le lien entre ce rythme et le folklore sicilien ne soit pas prouvé formellement.

Exemples célèbres de siciliennes

Musique du film Harry Potter de John Williams

On retrouve l'utilisation du rythme la sicilienne dans la musique du film Harry Potter ( Hedwig's theme), composée par John Williams :

Sicilienne Opus 78 de Gabriel Fauré

L'œuvre pour violoncelle et piano intitulée Sicilienne Opus 78 de Gabriel Fauré comporte également de nombreuses sicilienne

Je vous conseille d'écouter cette œuvre dans son intégralité, c'est un petit chef d'œuvre.

L'arlésienne de Bizet, Carillon, Andantino

Dans le passage Andantino du mouvement Carillon de l'Arlésienne de Georges Bizet, le thème joué par les deux flûtes de l'orchestre comporte des siciliennes :

Nocturne opus 9 n°3, Chopin

Le Nocturne opus 9 n°3 de Frédéric Chopin en SI majeur comporte des siciliennes :

(Extrait libre de droits interprété par le pianiste Samson François en 1964, licence Creative Commons Zero 1.0, source)

Dans cet extrait musical ayant pour chiffrage de mesure 6/8, vous remarquerez l'utilisation de doubles dièses, juste après l'anacrouse.

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Le terme sicilienne désigne un rythme particulier, composé d'une croche pointée suivie d'une double croche puis d'une croche.

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L'orchestre symphonique : une formation pas si ancienne 

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L'orchestre symphonique : une formation pas si ancienne 

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L’orchestre symphonique, qui habite nos grandes salles de concert, apparaît sous sa forme actuelle dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, pour jouer notamment les œuvres de Haydn, Mozart et Beethoven.

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L'orchestre symphonique : une formation pas si ancienne !

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Le choeur des Pélerins de "Tanhauser" de Wagner
Quittant à grand-peine les bras de Vénus, la déesse de l'amour, le poète et chanteur Tannhaüser se retrouve dans la vallée de la Wartburg, où il rejoint le groupe de chevaliers qu'il avait quitté sans raison justifiée. ... Mais le pèlerin Tannhaüser se verra refuser le pardon du Saint-Père.

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Richard Wagner - Chœur des pèlerins – extrait de Tannhäuser Playing for Philharmonie

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Triolets de croches, noires blanches ... et des écoutes

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Les triolets : utilisation, notation et exemples sonores. Apprenez à lire et à reconnaitre les triolets de blanches, de noires, de croches, de doubles-croches. Découvrez un exemple extrait d’une œuvre célèbre du grand répertoire.

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Exemple dans "Greensleeves" avec suivi de partition

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Nous avons appris le triolet qui est un rythme ternaire dans une carrure binaire. Les 3 croches en ternaire se font exactement pareil que le triolet. Voir FM adultes D1 pour les explications du triolet et les écoutes.

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Subdivision de la pulsation

La pulsation (clic du métronome) peut être divisée de façon binaire ou bien ternaire, c'est-à-dire divisée par un multiple de 2 (2, 4, 8, etc...) ou par un multiple de 3 (3, 6, 9, etc...)

Pour caricaturer une pulsation binaire : il s'agit d'une pulsation très stable, très carrée.
Pour caricaturer une pulsation ternaire : il s'agit d'une pulsation qui tourne, un peu comme une valse.

La pulsation binaire

Avec une pulsation binaire, chaque pulsation peut être divisée par 2 (ou par des multiples de deux). Le meilleur exemple d'une pulsation binaire est la mesure à 4/4. Comme nous l'avons vu dans l'article "La mesure", une mesure à 4/4 est composée de 4 noires et la pulsation est égale à une noire.

Exemple de mesure à 4/4 (au piano avec un métronome) :

Étant donné que dans une mesure à 4/4 la pulsation vaut une noire, alors il s'agit d'une pulsation binaire car une noire ne peut être divisée que par 2 (ou multiples de 2) et ne peut pas être divisée par 3 (nous verrons plus tard les triolets qui sont en quelques sortes des exceptions à nos propos)

La pulsation ternaire

Avec une pulsation ternaire, chaque pulsation peut être divisée par 3 (ou par des multiples de 3). Le meilleur exemple d'une pulsation ternaire est la mesure à 12/8. Comme nous l'avons vu dans l'article "La mesure", une mesure à 12/8 est composée de 4 noires pointées et la pulsation est égale à une noire pointée.

Exemple de mesure à 12/8 (au piano avec un métronome) :

Étant donné que dans une mesure à 12/8 la pulsation vaut une noire pointée, alors il s'agit d'une pulsation ternaire car une noire pointée ne peut être divisée que par 3 (ou multiples de 3) et ne peut pas être divisée par 2 (excepté avec des duolets, nous y reviendrons)

Les principaux chiffrages de mesure à pulsation binaire

Voici les principaux chiffrages de mesure à pulsation binaire, il s'agit de mesures dites simples :

Les principaux chiffrages de mesure à pulsation ternaire

Voici les principaux chiffrages de mesure à pulsation ternaire, il s'agit de mesures dites composées :

Exemple de pulsation binaire

Le Canon de Pachelbel, compositeur allemand de l'époque baroque (1653 - 1706), est un très joli exemple de mesures à pulsations binaires :

Exemple de pulsation ternaire

Prélude de L'Or du Rhin de Richard Wagner est composées avec des mesures à pulsations ternaires :

Cet extrait du prélude de Das Rheingold de Richard Wagner, a été enregistré en 1959 par l'orchestre Vienna Philharmonic sous la direction de Sir Georg Solti ( source, licence Attribution-Noncommercial-No Derivative Works 3.0 United States).

Le mouvent intitulé Courante de la Partita N°6 en MI mineur BWV 830 de J.S. BACH est écrit en , mesure à 1 seul temps et à pulsation ternaire.

Vous remarquerez l'utilisation de l' anacrouse dans cet extrait musical.

Mettre des ronds dans des carrés

Diviser une pulsation binaire en 3 parties égales, c'est un peu comme mettre des ronds dans des carrés, car par nature, une pulsation binaire n'est divisible que par 2 et par des multiples de 2 (2, 4, 6, 8, etc...). Mais il malgré tout possible de diviser une pulsation binaire en 3 parties égales en utilisant les triolets. Les triolets permettent ce tour de passe-passe.

Exemple avec des triolets de croches :

Mettre des carrés dans des ronds

Et inversement, diviser une pulsation ternaire en 2 parties égales, c'est un peu comme mettre des carrés dans des ronds, car une pulsation ternaire n'est divisible que par 3 et par des multiples de 3. Mais l'utilisation des duolets permet de diviser une pulsation ternaire en 2 parties égales.

Exemple avec des duolets de croches :

Le jazz et le swing (shuffle)

En musique jazz, la notation des rythmes est un peu particulière, je vous invite à lire l'article Le swing (jazz), car vous y apprendrez que lorsque vous verrez deux croches dans une mesure , il ne faudra pas les jouer binaires, mais plutôt ternaires, c'est le swing !

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Binaire et ternaire (pulsation) - Apprendre le solfège

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La pulsation (clic du métronome) peut être divisée de façon binaire ou bien ternaire, c'est-à-dire divisée par un multiple de 2 (2, 4, 8, etc...) ou par un multiple de 3 (3, 6, 9, etc...) Pour caricaturer une pulsation binaire : il s'agit d'une pulsation très stable, très carrée.Pour caricaturer une pulsation ternaire : il s'agit d'une pulsation qui tourne, un peu comme une valse.

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La sérénade "Petite Musique de Nuit" de Mozart 

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La sérénade "Petite Musique de Nuit" de Mozart 

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Avec suivi de partition

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Non elles ne doivent pas vous faire peur !

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Aperçu seulement

Présentation

Le sujet ne comporte aucune difficulté théorique. Comme vous le savez probablement déjà, la triple est la division par deux de la double croche. Ce rythme se retrouve particulièrement dans les musiques au tempo lent. Il s'agit donc d'un rythme rapide utilisé dans les musiques lentes.

Il vous faut vous familiariser avec sa lecture c'est pourquoi je vais vous proposer différents exemples et différents exercices autour de la triple croche.

Exemples

Exemple1

Voici la variation N°11 de Ah vous dirai-je maman de Mozart ainsi que son enregistrement. Notez la présence du Adagio au dessus de la partition. On peut remarquer que les triples croches ne sont pas aussi rapides que l'on aurait pu le craindre. Le tempo très lent compense la rapidité en fait toute relative de la triple croche.

Exemple2

Dans l' Invention à deux voix N°14 de Jean-Sébastien Bach, la triple croche est utilisée avec d'autres rythmes. Notez, qu'encore une fois, sa vitesse d'exécution n'a rien d'insurmontable.

FORUM

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Posté le 08 mai 2019 à 00h11

Bonjour, je n'arrive pas áà télécharger cette ...

Posté le 18 mars 2019 à 15h35

Bonjour,
Impossible de télécharger cette leçon...

Posté le 20 décembre 2018 à 21h39

Bonjour,
Je n'arrive pas à télécharger la leçon 4 Les triples croches. On y indique une erreur 404. Merci de corriger ce problème.

Posté le 06 décembre 2017 à 07h54

Bonjour, je confirme que la leçon est introuvable.
Je trouve les cours très enrichissant.

Posté le 10 octobre 2017 à 19h16

La leçon en PDF est toujours introuvable "page non trouvée".

Posté le 13 septembre 2017 à 10h42

la leçon en pdf est introuvable....

Posté le 12 août 2017 à 11h20

Une histoire de mauvaises redirections, c'est réglé.

Posté le 11 août 2017 à 22h22

Bonjour,

Les trois partitions à télécharger pointent vers des pages non trouvées!

Posté le 16 mai 2016 à 21h16

Problème réglé.

Posté le 16 mai 2016 à 11h06

"Page non trouvée" me dit-on pour les 3 partitions à télécharger !

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solfège musique théorie musicale cours leçons lexique vocabulaire

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Aperçu seulement Le sujet ne comporte aucune difficulté théorique. Comme vous le savez probablement déjà, la triple est la division par deux de la double croche. Ce rythme se retrouve particulièrement dans les musiques au tempo lent. Il s'agit donc d'un rythme rapide utilisé dans les musiques lentes.

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Un site où on peut s'entraîner ( pour les pianistes il faut cliquer sur systhèmes , si vous voulez lire avec les 2 clés.

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"Les époques musicales" - capsule vidéo éducation musicale - classe inversée

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Le Solfège est une méthode d'apprentissage de la musique utilisée pour en donner les clés de compréhension théorique et esthétique. Son histoire remonte à des siècles. Toutefois, le Solfège est encore au programme dans les conservatoires. Au fil du temps, le Solfège à fini par être vu comme une méthode d'apprentissage rébarbatif et très complexe. Cependant, plusieurs questions se posent à son sujet : Finalement, qu'est-ce que le Solfège ? Quelle est son origine ? Son évolution ? Cet article tente de vous en donner tous les détails. Découvrez les origines du Solfège.
Le Solfège : qu'est-ce que c'est ?

Le nom Solfège provient du mot italien Solfeggio, un dérivé des noms de deux notes de musique : sol et fa. Le Solfège est un ensemble de symboles et de signes permettant la lecture et l'écriture de la musique. C'est un système de notation employé pour la musique dite " écrite ", à savoir la musique Classique, Moderne et Contemporaine.

L'apprentissage du Solfège comporte plusieurs exercices : La lecture et l'écriture des notes, la compréhension des rythmes et des nuances, la reproduction des hauteurs et des séances d'auditions musicales ainsi qu'un apprentissage de la théorie musicale.

Le but de l'apprentissage du Solfège est entre-autre de vous donner les clés pour déchiffrer une partition rapidement et de manière autonome. Grâce à cet apprentissage, vous pourrez comprendre chaque symbole et ainsi analyser et interpréter une partition de musique correctement.

Ses débuts

La musique en elle-même est bien plus âgée que le Solfège qui est une création relativement récente. Cependant, de nombreux systèmes d'écriture musicale font leurs apparitions bien avant le Moyen-Âge (période d'évolution du Solfège). En Syrie, on retrouve des traces d'écriture musicale datant du 14ème siècle avant J-C comme en témoignent les tablettes des Chants Hourrites se trouvant au Musée du Louvre.
Mais c'est dans la Grèce antique du 3ème siècle avant J.-C, que le Solfège fit sa réelle apparition. Les musiciens de l'époque associaient les lettres de l'alphabet à des sons. Les premières notations musicales consistaient à placer les lettres de l'alphabet au-dessus d'un chant en suivant la hauteur des sons.

Cette méthode de notation alphabétique est encore utilisée aujourd'hui par de nombreux pays anglo-saxons et dans certains styles musicaux tels que le Jazz. Les Grecs se sont également munis de traités rythmiques sophistiqués et d'un système de gammes.

L'évolution du Solfège au Moyen-Âge

C'est un moine bénédictin italien du 11ème siècle du nom de Guido d'Arrezo (992-1050), qui posa les bases du Solfège et qui met au point le système de notation musical que nous employons en France et dans les pays Latins. Il trouva une méthode de notation en choisissant le poème grégorien " L'Hymne à Saint Jean-Baptiste " mis en musique, afin de donner à ses élèves un moyen mnémotechniques pour situer et nommer les notes. Guido d'Arezzo établit le nom des notes en fonction de la première syllabe des vers chantés :

Le Si a été ajouté au 16ème siècle par le compositeur Anselme de Flandres. Ainsi, le vers devient "Sancte Iohannes". En revanche, l'origine du DO reste un peu floue, des écrits datants de 1536 confirment son existence chez l'écrivain Pierre l'Arétin. On dit du Do qu'il vient probablement du mot Dominus qui signifie Le Seigneur.

Guido d'Arrezo imagina également une portée à 4 lignes servant de support pour écrire les notes suivant leur hauteur. Deux siècles plus tard la portée passera à 5 lignes et resta ainsi depuis.

Le système de Guido d'Arrezo s'est répandu tout au long du Moyen et a évolué jusqu'à devenir celui que l'on emploie actuellement dans les pays tels que la France, l'Italie, l'Espagne, le Portugal et même la Thaïlande. On l'utilise également dans les pays d'Amérique Latine mais tout en trouvant aussi le système anglophone qui est utilisé selon l'instrument et la méthode d'enseignement.

Le Solfège en France

Depuis 1669, le Solfège est enseigné dans les conservatoires de France. Tout a débuté avec l'Académie Royale de Musique créé par Louis XIV. A l'époque, l'académie était la seule qui était destinée à l'apprentissage de la musique. Avec l'ouverture d'autres conservatoires du même type, le Solfège a été popularisé et ce bien au-delà des frontières françaises.

Mais en 1977, le ministère de la Culture a mis en place une réforme profonde du Solfège. Il a constaté que l'approche mise au point par Guido d'Arrezo était trop complexe et imprécise pour permettre un apprentissage simple et efficient de la musique.

Aujourd'hui, dans les conservatoires français, le terme Solfège a été remplacé par Formation Musicale (FM). Le but de ce changement est de proposer une méthode d'apprentissage simple et efficace de la musique. D'ailleurs, des systèmes d'apprentissage de la musique qui ne tiennent pas compte du Solfège ce sont eux aussi popularisés. Actuellement, beaucoup de formateurs proposent aux apprentis musiciens des cours de musique innovants qui ne passent pas par l'apprentissage du Solfège. Certaines de ces approches étant sujet à débats au sein du corps enseignant.

Le Solfège dans les autres continents

Les intervalles utilisés dans le Solfège D'Arezzo sont composés par le ton et le demi-ton. Cela le rend incompatible à certains styles musicaux basés sur la notion du quart de ton, notamment la musique persane, indienne, arabe ou turque. C'est pourquoi, au fil du temps, d'autres systèmes d'apprentissage de la musique ont vu le jour.
Dans les pays Anglophones on emploie les premières lettres de l'alphabet. Voici les équivalences avec le système Latin :

Dans les pays Germanophones, ils emploient aussi les premières lettres de l'alphabet, cependant le B est remplacé par le H.

En Chine, le système Jianpu, qui signifie "Notation simplifiée" est majoritaire et s'est répandu dès 1900. Il s'agit d'un système numéroté de 1 à 7 -du DO jusqu'au SI-, inspiré du système français Galin-Paris-Chevé. Le système Jianpu est aussi utilisé en Indonésie. La raison de son succès est dû à sa simplicité.

La musique sans le Solfège ?

Depuis l'Antiquité, de nombreux peuples s'initient, apprennent et exportent leur musique sans l'usage du solfège qui est typiquement occidental. C'est le cas de la musique hindie, carnatique, turque et africaine.
L'apprentissage d'un instrument de musique sans passer par le Solfège n'est pas impossible. Les guitaristes Jimi Hendrix et Stevie Ray Vaughan sont des exemples à citer. Cependant maîtriser le solfège permet de :

Progresser et composer beaucoup plus rapidement et efficacement

Comprendre précisément les techniques utilisées par les autres artistes afin de pouvoir les reproduire

Comprendre la théorie pour exceller dans la pratique d'un instrument

Mieux communiquer la musique entre occidentaux

Gagner en précision et clarté

Le Solfège à traversé les époques et a pris différentes formes. Selon les pays, les notes, les symboles et la méthode d'apprentissage changent, mais les règles restent approximativement les mêmes. Ses codes et ses lois sont des points de référence universels. Le Solfège reste de l'avis de tous les musiciens, la meilleure façon de s'initier à la musique. Il existe toutefois, plusieurs façons de l'apprendre : dans un conservatoire, via un livre, avec des vidéos ou un site internet dédié à son apprentissage.
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Le Solfège est une méthode d'apprentissage de la musique utilisée pour en donner les clés de compréhension théorique et esthétique. Son histoire remonte à des siècles. Toutefois, le Solfège est encore au programme dans les conservatoires. Au fil du temps, le Solfège à fini par être vu comme une méthode d'apprentissage rébarbatif et très complexe.

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Histoire de la musique - La Quinte Juste

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Un aide mémoire des rythmes fondamentaux binaires et ternaires

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Un padlet très complet pour  travailler les rythmes corporellement

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Un padlet très complet pour  travailler les rythmes corporellement

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Du plus facile avec des noires et des soupirs au rythme plus complexes. A vous de trouver votre bonheur !

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Trouver la tonalité

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Q1-Q2

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Origine des notes

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Avant et pendant une grande partie du Moyen-Âge, la musique se transmettait principalement à l'oral de génération en génération. L'émergence de "codes" musicaux a été fortement favorisée par les difficultés de diffusion des mélodies, des chants et de la mémorisation. La sophistication croissante des oeuvres a également été déterminante. Ces codes musicaux vont permettre de conserver une trace : c'est le début des premières partitions. La musique, au cours du Moyen-Âge, évoluera, en passant par des formes simples puis beaucoup plus complexes.
Introduction de la musique au Moyen-Âge

L'appellation "Médiévale" qui a pour signification "âge intermédiaire", vient des auteurs italiens des XIVe et XVe siècles, qui étaient convaincus que leur époque n'était autre qu'une nouvelle Antiquité. Le Moyen-Âge ou période Médiévale illustrent une période qui les séparait donc, de l'Antiquité.

L'étude de la musique médiévale est difficile avant 400 à 500 après JC, car il n'en existe aucun témoignage exploitable. Avec le grand écart périodique qui sépare le début du christianisme de la fin du XIVème siècle, il est difficile, voire impossible de recenser tous les événements majeurs qui ont orienté le cours de l'histoire de la musique.

Le berceau de la musique occidentale se situe dans le Moyen-Age chrétien, puisqu'il commença par l'avènement du christianisme. Dès l'an 313, l'édit de Milan donna à la Chrétienté un statut de religion officielle à la Réforme protestante. Les pères de l'Église accordaient la pensée médiévale à dominante religieuse car ils considéraient que le chant se prêtait à la louange de Dieu.

La musique du Moyen-Âge comprend la musique religieuse et profane et se développe sur plus de 800 ans, dépassant même le Moyen-Âge pour aller jusqu'à la Renaissance. C'est pendant cette période de l'histoire que les notations musicales apparaissent pour la première fois.

Les premiers livres écrits manuellement comportant une écriture musicale, datent du VIIIème et IXème siècles. Les moines, qui seuls à l'époque, disposaient du savoir de la notation musicale, dessinaient au-dessus des textes pour chants, des silhouettes de mélodies nommées neumes. Les neumes ont petit à petit pris la forme de carrés ou de losanges.

De là, pour être de plus en plus précis au niveau de la hauteur du son, ils ont progressivement ajouté des lignes, allant d'une ligne jusqu'à quatre.

La musique religieuse Chrétienne : Le chant Grégorien

Le chant grégorien se définit comme un chant monodique (à une seule voix), chanté sans accompagnement ni soutien harmonique. Il est avant tout un chant de prière. À ce temps, les notation musicales n'existent pas encore, les mélodies doivent donc être apprises par cœur.

L'arrivée des neumes changea cela et ces dernières servaient à indiquer les inflexions vocales et pouvaient être différentes selon les régions. La notation diastématique (l'utilisation de lignes pour positionner les notes) s'imposa peu à peu, puisqu'il fallut indiquer la hauteur et la valeur des neumes. De là, s'ajoutèrent peu à peu différentes clés selon l'ambitus de l'instrument utilisé.

Contrairement à l'utilisation des modes majeurs et mineurs d'aujourd'hui, il existait à l'époque huit modes caractérisés par :

l'ambitus : dans lequel se développe la musique

La teneur : autour de laquelle s'organise la mélodie

La finale : La note conclusive

Il existe deux styles parmi les caractéristiques du chant grégorien : le récitatif qui est le chant qui se rapproche des inflexions ascendantes ou descendantes et les compositions libres qui possèdent chacune sa propre mélodie.

Le récitatif et les compositions libres peuvent être de style syllabique (une note pour une syllabe), neumatique (une syllabe correspondant à un neume) ou m élismatique (passages chantés sur une seule syllabe).

Citons les psaumes, les répons et les antiennes (les formules de récitation diffèrent à chaque fois). Il existe également la psalmodie directe (versets chantés successivement sans ajout), psalmodie antiphonale (versets chantés alternativement par le chœur qui est divisé) et la psalmodie responsoriale (psaumes chantés par un soliste suivi du chœur)

Les instruments du Moyen-Âge

Au Moyen-Âge, les instruments étaient très populaires dans la musique profane mais quelques-uns étaient plus utilisés que d'autres par les . A contrario, la musique religieuse était principalement vocale.

La Viole

La Viole est un instrument à cordes frottées qui se joue avec un archet. Comparé au Violon, la Viole à quelques différences qui se jouent au niveau du nombre de cordes mais aussi à la façon dont le joueur la tient : La Viole possède 6 cordes et se tient entre ou sur les genoux.
Il existe différents modèles de Violes nommés en fonction de leur taille : la Viole de Gambe alto, la Viole de Gambe ténor, la Contrebasse de Viole de Gambe etc...

La Chalemie

La Chalemie est un instrument à vent et à anche double, appartenant à la famille des Hautbois. Cet instrument était très utilisé à cette époque. Sa popularité était due à son timbre puissant qui accompagnait idéalement la Cornemuse. La combinaison de ces deux instruments produisait un son riche en harmoniques, c'est pourquoi ils étaient souvent combinés.

La Chalemie émet un son fort et est jouée selon la technique de la respiration circulaire. Les Troubadours et les autres musiciens en jouaient les plus fréquemment à l'extérieur, car leur son puissant accompagnait les festivals et les fêtes organisées en plein air.

La Guiterne

La Guiterne, un instrument à cordes pincées, avait un corps très peu profond et était fait de la même pièce que le manche. Il avait la forme d'une demi-poire sur laquelle trois ou quatre cordes généralement faites de boyaux étaient attachées. Les Guiternes avaient une richesse harmonique élevée et pouvaient généralement offrir des frappes directes et précises.

Au Moyen-Âge, elle était utilisée et considérée comme instrument de sérénade mais possédait tout de même un côté noblesse. En effet, des personnes de haut rang telles que les princes, avaient à leurs dispositions, leurs propres joueurs de Guiterne qu'ils jouaient lorsque les princes recevaient de la visite.

Le Bendir est un instrument à percussion qui est toujours d'actualité. Il s'agit d'un tambour sur cadre mesurant environ 400 mm de diamètre. Le cadre fait de bois et recouvert de peau de chèvre, était frappé par la force des doigts et des paumes des Troubadours.

Le Bendir possède aussi un timbre de cordes en boyau fixé tout le long de la peau qui diffuse un son bourdonnant. Le joueur doit placer l'instrument à l'horizontale et peut ainsi le jouer debout ou assis.

Guiddo d'Arezzo : l'inventeur de la notation musicale moderne

Guiddo d'Arezzo est un moine bénédictin italien né en 992. Il est l'inventeur du système de notation musicale sur portée que nous utilisons aujourd'hui.

Nous connaissons peu de choses à son sujet, mais nous savons qu'il était moine et professeur de musique à l'école de la Cathédrale d'Arezzo en Italie.

Guido d'Arezzo est une légende du monde musical de l'époque. Un grand nombre de manuscrits conservés ont tendance à affirmer l'importance qu'on lui portait. Pédagogue reconnu et axé sur la pratique, il a essayé d'étendre l'usage des lignes, notamment par l'adjonction de couleurs. De plus, il critiquait l'habitude de placer plusieurs neumes par interligne.

À cette distinction des hauteurs du son, dont il n'est pas l'auteur mais qui le préoccupe, il ajouta un nouveau procédé technique. Il donna un nom à chacune des notes de l'hexacorde inspiré par l'hymne à Jean-Baptiste (ut, ré, mi, fa, sol, la). Aujourd'hui DO remplace UT.

Le Moyen-âge, considéré comme " l'origine " de notre musique occidentale est une période très vaste, allant du Vème au XVème siècle. Cette période a conduit à la mise en place d'idées, de structures et d'institutions qui dureront des siècles. Ici se sont créées et développées de nouvelles formes de la musique. Au cours des derniers siècles, l'ensemble du système musical est mis en place avec la phonologie, les symboles et le rythme.
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Avant et pendant une grande partie du Moyen-Âge, la musique se transmettait principalement à l'oral de génération en génération. L'émergence de "codes" musicaux a été fortement favorisée par les difficultés de diffusion des mélodies, des chants et de la mémorisation. La sophistication croissante des oeuvres a également été déterminante.

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amaDeuS #02 | Les intervalles (part.1 : Introduction)

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Un bon exemple pour le comprendre ,

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Vous connaissez tous la série Kaamelott, diffusée sur M6. La musique y est très présente, Alexandre Astier, son créateur étant très musicien lui-même. L'auteur assume, au delà du langage choisi, un anachronisme permanent. Il y a hésitation constante entre 5 ème siècle, époque de l'origine de la légende arthurienne et le 12 ème siècle, celui dans le lequel Chrétien de Troyes replace les héros de la table ronde. L'empire romain est en pleine décadence mais les chevaliers sont en armure, possèdent des armes offensives sophistiquées et vivent dans des châteaux en pierre de plusieurs étages. Cela fait le charme de la série. La musique ne fait pas exception. En dehors des tubes Belle qui tiens ma vie et À la volette qui sont postérieures au Moyen Âge, l'épisode suivant, La quinte juste unique en son genre développe un point très important de la musique en utilisant la caricature et qui, là encore, hésite entre le début et le milieu du Moyen Âge. Il n'est pas forcément si facile d'accès au non musicien et je vous propose une explication et vulgarisation :

Vidéo

La vidéo complète de l'épisode n'est pas disponible sur internet, ce qui est tout à fait normal. Je vous conseille l'achat des DVD. En attendant, en voici un très court extrait, un simple citation :

Transcription des dialogues

(Arthur) - Est-ce que c'est bien l'heure pour taper la chansonnette, là ?
(Bohort) - Il n'y a pas d'heure pour chanter, c'est une excellente idée, père Blaise.
(Père Blaise) - Ne vous inquiétez pas, ça ne sera pas long. Bohort, une basse s'il vous plaît.
(Bohort) - Oh...
(Père Blaise) - Parfait. Donc, sire, vous allez chanter la même note que Bohort.
(Ensemble) - Oh...
(Père Blaise) - Très bien, c'est ce qu'on appelle un... ?
(Bohort) - Unisson.
(Père Blaise) - Bravo. Maintenant sire, vous allez passer de l'unisson à la quarte inférieure.
(Ensemble) - Oh...
(Père Blaise) - Très bien, maintenant même chose avec la quinte.
(Ensemble) - Oh...
(Père Blaise) - Voilà, c'est tout c'qu'il y a : unisson, quarte, quinte et c'est marre. Tous les autres intervalles, c'est de la merde ! Le prochain que je chope en train de siffler un intervalle païen, je fais un rapport au pape ! Et tous les gratte-caisse, là, sur le marché aux bêtes avec leur crin-crin pourri. Et j'te mets d'la tierce, de la sixte. Mais oh, là ! Ils se prennent pour qui ? Moi ça me bousille les esgourdes les sixtes. Je suis déjà à moitié sourd.
(Arthur) - Et si vous arrêtiez de gueuler un peu ?
(Bohort) - Mais enfin père Blaise, je ne comprends pas. Qu'est-ce que vous avez contre les tierces ?
(Père Blaise) - Ça me fait gerber !
(Bohort) - Sire, faites une tierce.
(Père Blaise) - Ah non, non, non. Vous faites une tierce, je m'tire !
(Arthur) - Majeure ou mineure ?
(Père Blaise) - Mais qu'est-ce que c'est ces conneries, là, majeur, mineur ? Mais c'est pour les dégénérés. Y a un seul truc de valable : c'est juste, juste, juste, juste, juste et ju-juste !
(Bohort) - Mineure.
(Ensemble) - Oh...
(Père Blaise) - Ah mais arrêtez, je vais me mettre à dégobiller sur la table ronde. Bohort, vous faites une pédale sur Dies Irae.
(Bohort) - Di-es I-rae.
(Père Blaise) - Et là vous sire, vous reprenez à la quinte juste.
(Ensemble) - Di-es I-rae.
(Père Blaise) - Voilà... Là c'est propre, c'est harmonieux.
(Bohort) - Oui mais avec quelques fioritures, on passe très rapidement sur une petit sixte et c'est joli.
(Père Blaise) - Et c'est de la merde !
(Bohort) - Sire, une petite variation.
(Ensemble) - Di-es I-rae.
(Père Blaise) - Mais vous êtes des malades ! Je vous préviens. Si on n'mets pas le holà tout de suite, dans dix ans tout le répertoire musical est pollué.
(Bohort) - Il faut plutôt voir ça comme une évolution.
(Père Blaise) - Il faut interdire les intervalles non justes, c'est tout !
(Bohort) - Sire, qu'est-ce que vous en pensez ?
(Arthur) - Ben... moi, pour commencer, j'en ai pas grand chose à carrer. Sinon, moi, toujours des quartes, des quintes, des octaves, ça a un peu tendance à me glonfler d'autant que je supporte très bien les tierces et renversements de tierces et j'vais même dire, un petit intervalle diminué de temps en temps...
(Père Blaise) - Diminué, mais qu'est-ce que c'est que cette horreur ?
(Arthur) - Bohort, une pédale ? Enfin, j'veux dire...
(Bohort) - Y a pas d'mal.
(Ensemble) - Oh...
(Père Blaise) - DIABOLUS !

Analyse

Un bref rappel sur la notion d'intervalle : L'intervalle est l'écart entre deux notes de musique. Ce qui nous intéressera ici c'est l'intervalle entre deux notes chantées simultanément. Certains intervalles sonnent très bien à nos oreilles, en eux-mêmes. On les appelle consonants. D'autres sont plus rèches à l'oreille et d'autres encore sont dissonants. Pour les oreilles des hommes du 16 ème au 21 ème siècles, les seuls intervalles consonants sont l'unisson, la tierce, la sixte et l'octave (même note plus aiguë ou plus grave, équivalent de l'unisson).

Mais il en va tout autrement des oreilles du Moyen Âge qui entendaient les intervalles de quartes et de quintes comme consonants. Tout le sketch est basé là-dessus.

Rentrons maintenant un peu dans l'histoire de la musique. Que sait-on ? Pas grand chose de la musique profane de l'époque. On connaît beaucoup mieux (avec toutefois de grosses zones d'incertitudes) la musique religieuse. La musique que l'on nomme Chant Grégorien (ou Plain-Chant) est à une voix (monodique). Celle la seule qui soit pratiquée à l'église et au monastère. La notion d'intervalles superposés n'a donc pas encore d'importance. Plus tard, appelés par le besoin instinctif de créer, des compositeurs se sont mis à inventer une deuxième voix, proche de la principale mais à la quarte. Puis celle-ci s'est mise à broder sur la mélodie, créant inévitablement des intervalles de passage de tierces et de sixtes, dissonants aux oreilles de nos ancêtres médiévaux mais sur lesquels on ne s'attardaient pas. Les choses évolueront encore avec une troisième voix, puis une quatrième et une cinquième mais là n'est pas le propos. Le problème sera soulevée de nombreuses fois par la papauté qui s'inquiétait, non pas de la présence d'intervalles dissonants mais de la polyphonie, outrage à la pureté originelle du plain-chant et obstacle à la compréhension du texte. Ces débats dureront jusqu'à la Renaissance.

L'intervalle diminué dont il est question dans l'épisode est celui de quinte diminuée (ou quarte augmentée ou encore triton). Cet intervalle a été fui pendant tout le Moyen Âge, représentant l'archétype du mauvais goût. Il était tout simplement interdit. L'église le nommait Diabolus in musica, d'où la réaction du père Blaise.

Merci à Alexandre Astier pour son travail de qualité. Big fan !

Kaamelott en DVD

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Vous connaissez tous la série Kaamelott, diffusée sur M6. La musique y est très présente, Alexandre Astier, son créateur étant très musicien lui-même. L'auteur assume, au delà du langage choisi, un anachronisme permanent.

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amaDeuS #03 | Les intervalles (part.2 : Le nom des intervalles)

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Les tons et les 1/2 tons dans les intervalles

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Les tons et les 1/2 tons dans les intervalles

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amaDeuS #04 | Les intervalles (part.3 : Qualification)

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Malheureusement la vidéo a été retirée du net, mais heureusement il reste l'audio.

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F4-Q1-Q2

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Suite accords de 3 sons exemples sonores

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Suite accords de 3 sons exemples sonores

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Suite des accords de 4 sons et exemples sonores                             -L'accord de 7ème de dominante.

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Suite des accords de 4 sons et exemples sonores                             -L'accord de 7ème de dominante.

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amaDeuS #09 | L'accord de septième de dominante

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Ses débuts

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L'Opéra, parfois perçu comme une pièce de théâtre mise en musique, est un art particulièrement riche qui regroupe plusieurs disciplines artistiques, telles que la musique, la danse, le chant, la poésie et les arts picturaux et vestimentaires. Opéra, qui signifie "Œuvre" en italien, suggère la quintessence de ce que représente le genre pour ses créateurs : la perfection et la réunion de tous les arts dans une même création. Très souvent, les sujets prennent part dans la tragédie ou le drame. Tout comme le théâtre, l'Opéra est divisé en plusieurs actes et les textes y sont chantés et non récités. Découvrez les débuts de l'Opéra.
La naissance de l'Opéra

Pour retrouver les débuts de l'Opéra, nous devons remonter jusqu'à l'Antiquité. En effet, à cette époque, en Grèce antique, chanter faisait partie des habitudes des Grecs. Pendant les représentations théâtrales, un chœur, que l'on nommait Coryphée, intervenait lors des discussions des sentiments. Par la suite, au Moyen- Âge durant les messes, certains versets de la Bible étaient mis en scène et en musique. Et c'est enfin en Italie que nous retrouvons un des premiers éléments de l'Opéra : Le récitatif.

À la Renaissance, des pièces polyphoniques d'inspiration profane, du nom de madrigal italien, étaient très appréciées de la population. Toutefois, la compréhension des paroles des chanteurs était difficile puisqu'ils interprétaient à la fois un texte conséquent et une mélodie riche. La solution apportée, qui fut trouvée par un groupe de musiciens du nom de "La Camerata Florentina ", était de réciter le texte avec très peu d'accompagnement musical. De là est né le récitatif. Claudio Monteverdi est celui qui a composé en 1607 l'un des tout premiers Opéras de l'histoire en s'inspirant des idées de "La Camera Florentina" : l'
Orféo. Avant lui, Jacopo Peri composa Dafne à Mantoue en 1598. À l'époque de Monteverdi, la musique était au service du texte, qui était une priorité. L'Opéra fut un grand succès national : Il arrivait aux chanteurs d'être suspendu par des harnais, des machines faisaient apparaitre de larges décors et des fumigènes étaient utilisés.

Peu à peu, Monteverdi ainsi que ses élèves et ses successeurs, vont donner de l'importance à la musique. Elle devient l'interprète des sentiments. Les mots étaient donc répétés et les syllabes allongées.

C'est en 1700 que cette façon de chanter devient un des éléments les plus importants de l'Opéra. On l'appela Aria, aujourd'hui appelée Air.

L'Opéra en France :

L'histoire, les transformations et les évolutions de l'Opéra diffèrent selon les pays, suivant les goûts et traditions locales. Grâce au cardinal Mazarin, c'est en 1645 que l'Opéra fait son entrée en France. La troupe originaire de Venise, emmené par Mazarin, joua La Finta Pazza à la cour de Louis XIV. La représentation a eu un franc succès. Le premier Opéra Français vit le jour seize ans plus tard : Pomone, de Robert Cambert et Pierre Perrin.

Grâce à Jean-Baptiste Lully, musicien de Louis XIV, la première école d'Opéra ouvra ses portes en France au début du XVIIème siècle. Les compositions de Jean-Baptiste Lully constituaient une réelle source d'inspiration pour des compositeurs de renom tels que Piccinni, Gluck et Jean-Chrétien Bach.

Au XIXe siècle, l'Opéra était au cœur des grands succès musicaux en France et conquis les autres pays comme la Russie et l'Allemagne.

Les décors et les costumes de l'Opéra

Au début du XVIIIème siècle, les éléments du décor n'étaient perçus que comme des éléments pour situer l'action des Opéras, mais c'est à la fin du XVIIIème que l'on commença à considérer celui-ci comme un élément fondamental du spectacle.

À la fin du XVIIIème siècle, la représentation scénique avait une place dominante dans les opéras de la période révolutionnaire. Les décors devaient être imposants, plus spectaculaires visuellement et plus prosaïques pour supporter les nombreux figurants sur scène. Avant cela, dans les dernières décennies de l'Ancien Régime, les costumes et les décors étaient des mises en scène des facteurs de nouveautés théâtrales.

Albert Alfred-Marie-Vincent était dessinateur de costumes. Il réalisa de nombreuses estampes d'artistes en costume de scène entre 1820 et 1840 pour les Opéras tels que Les Huguenots et Cendrillon. Ayant surtout une activité liée au théâtre à l'Opéra, il illustra les Bals de l'Opéra et de la Renaissance et a également dessiné des costumes pour l'Opéra-Comique et le Théâtre-Français.

Le décor, le costume et la performance scénique sont liés à la même cause : le désir d'éblouir le public et de les émouvoir. Cette exigence a conduit au développement de l'Opéra et surtout l'Opéra-Comique, comme un art complet.

Pomone : Le premier Opéra français

Premièrement, l'un des premiers musiciens à composer des opéras en français est Robert Cambert, compositeur né à Paris en 1627, considéré aujourd'hui comme le "père" de l'Opéra français. Il collabore avec le poète Pierre Perrin qui obtient le privilège de l'académie royale de Musique créée en 1669. Pour l'inauguration du premier théâtre lyrique parisien en 1671, ils composèrent ensemble l'opéra
Pomone. Le jour de la première représentation, les billets se vendirent jusqu'à 15 livres. L'année qui suivi, Cambert, évincé de la scène lyrique, poursuivi sa carrière en Angleterre pour y recréer certaines œuvres qu'ils avaient composées avec Perrin.

L'œuvre connu un réel succès et resta à l'affiche durant plusieurs mois. Elle ne connut pas moins de 146 représentations, sur treize mois. Les rôles principaux étaient tenus par Mlle Cartilly (Pomone) et François Beaumavielle (Vertumne).

Pomone est divisé en 5 actes et un prologue :

Prologue : La Nymphe de la Seine et Vertumne, Dieu champêtre, admirent la puissance de Louis XIV et rendent hommage à la beauté de Paris et de la Seine

Acte I : Les vergers de Pomone

Acte II : Un parc de chênes

l'Acte III : Rochers et verdure

Acte IV : Jardin et berceau de Pomone

l'Acte V : Palais de Vertumne

Les différents types d'Opéra

L'Opéra ne cesse d'évoluer et se présente sous différentes formes. Tout dépend du caractère de l'histoire racontée. Il peut s'agir d'une comédie ou d'un drame.

L'Opéra-seria qui est un genre italien était très "tendance" au cours du XVIIIème siècle. L'Opéra-seria est une œuvre codifiée, composée d'une ouverture et de 3 actes. Les compositeurs s'inspirent souvent de la mythologie gréco-romaine comme thème. Tamerlano de G.F. Haendel compte parmi les œuvres les plus populaires.

La Tragédie Lyrique

La Tragédie Lyrique fut le genre le plus joué en France. Elle à connu son succès entre le XVIIème et XVIIIème siècles et ce grâce à Jean-Baptiste Lully qui voulait se différencier de l'Opéra italien. Toutes les disciplines telles que la musique, le texte, et la danse ont une place importante dans la Tragédie Lyrique.
Tout d'abord, les Tragédies Lyriques sont généralement composé d'une ouverture, d'un prologue et de 5 actes, les solistes, les récits, les chœurs et les danses ont chacun un rôle à jouer. L'Opéra-Ballet détrônera la Tragédie Lyrique à la suite du décès de Louis XIV.

Ce genre d'opéra est apparu au XVIIème siècle. Il comprend 4 ou 5 actes tous indépendants des uns des autres mais basé sur le même thème. C'est une œuvre conçue pour divertir le public, la danse a un rôle très important et l'histoire a un aspect plus simple. Parmi les œuvres les plus célèbres du genre opéra-ballet, il y a les Indes Galantes de Rameau.

Tout d'abord, le Grand Opéra est un genre français qui a vu le jour à Paris au XIXème siècle et qui a rencontré son succès entre les années 1830 et 1870. Il est composé de 4 ou 5 actes ainsi que d'un grand Ballet. Cette œuvre réunit des chœurs, plusieurs solistes et un grand orchestre c'est ce qui fait sa particularité. Les thèmes de ce genre sont souvent dramatiques. L'histoire met en œuvre des scènes macabres et horrifiantes. Parmi les œuvres du grand opéra il y a
Les Huguenots de Giacomo Meyerbeer.

L'Opéra-Bouffe est apparu en 1855 et ce grâce à Jacques Offenbach qui a réalisé des œuvres comiques et légères. Le genre Opéra-Bouffe met en avant plusieurs protagonistes. Les Brigands, de J. Offenbach figure sur la liste des Opéra-Bouffe les plus connus.

Le compositeur Allemand Richard Wagner est l'un des plus emblématiques compositeurs d'Opéra. Son style est basé sur le , la mélodie continue et le chromatisme, le tout exécuté par un orchestre aux dimensions impressionnantes. Pour jouer pleinement son rôle, l'orchestre utilise des instruments parfois peu répandus comme le Tuba wagnérien. Le style Wagnérien nous rapproche d'un monde légendaire, peuplés de dieux, d'êtres fantastiques, de chevaliers, de princesses mais aussi de la sagesse qui reflète la condition humaine, sur la passion émotionnelle et sur le sacré.

Parmi les œuvres les plus célèbres de Wagner, L'Or du Rhin, composée en 1854 et Le Vaisseau fantôme, composée en 1843.

Conclusion

L'Opéra est né de la volonté de fusionner plusieurs arts : la musique, le théâtre, les arts visuels et la danse. Il connut une riche et lente évolution, mais ne fût jamais totalement abandonné. Grâce à l'apport de Wagner, l'Opéra a également inspiré la naissance du cinéma, qui lui a pris le "relais". C'est avant tout une œuvre qui invite le spectateur à rêver, rire, prendre peur, pleurer mais aussi réfléchir sur sa propre condition.
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L'Opéra, parfois perçu comme une pièce de théâtre mise en musique, est un art particulièrement riche qui regroupe plusieurs disciplines artistiques, telles que la musique, la danse, le chant, la poésie et les arts picturaux et vestimentaires.

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La mesure et les chiffres indicateurs de mesure

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La mesure et les chiffres indicateurs de mesure

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Les gammes Majeures basées sur la gamme de do Majeur 

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Les gammes Majeures basées sur la gamme de do Majeur 

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Les compositeurs à travers les siècles  jusqu'au 21ème siècle et écoutes 

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INTRODUCTION A LA MUSIQUE CLASSIQUE Fiches compositeurs - Les compositeurs du moyen-âge, de la renaissance, baroques, classiques, romantiques, postromantiques, modernes et contemporains

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Le Moyen-âge La Renaissance L'époque baroque Le classicisme Le 19e siècle Le 20e siècle Les compositeurs contemporains

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L'Histoire en Musique ⭐ N.Jounis / OCI Music 

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Musique moderne et contemporaine - capsule pédagogique - histoire de la musique en 5 mn - OCI Music

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Joué par l'Orchestre National de France

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Le Boléro de Ravel par l'Orchestre national de France

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Encore un autre Boléro,  mais cette fois, c'est  4 instrumentistes sur 1 seul  violoncelle !

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Arriverez-vous à retrouver les compositeurs et les titres de ces 71 œuvres musicales célèbres ?

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Les petites enquêtes

Apprendre en résolvant des mystères

Eva RIOT

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Exercices de rythmiques corporelles tous niveaux.

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Exercices de rythmiques corporelles tous niveaux.

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Pour les C1-1 aller au niveau 1 en entier et niveau 4 jusqu'à 4 .6
Pour les C1-2 : aller au niveau 2 , les 3 et 4
Pour les adultes débutants 1 ,aller à niveau 1 , les 2 et 4
Débutants 2 : niveau 2,3 4 et 6 ( jusqu' à 6.3.
Pour les intermédiaires :niveaux 3,4,6, 7,8 ,9 et 10 (jusqu'à 10.6)
Pour les avancés à partir du niveau 4 ( et si difficultés alors reculer  en s'exeçant avec les niveaux 2 et 3 d'abord.

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Arriverez-vous à retrouver les compositeurs et les titres de ces 71 œuvres musicales célèbres ?

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Arriverez-vous à retrouver les compositeurs et les titres de ces 71 œuvres musicales célèbres ?

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Les sérénades , les pièces de circonstances ... de Mozart

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, Trois siècles de musique instrumentale : un parcours découverte : La musique instrumentale de Wolfgang Amadeus Mozart

Mozart : Introduction ; musique pour clavier ; musique de chambre ; musique symphonique ; musique concertante.

D ivertimenti, sérénades, cassations, sonates d'église, menuets, marches, danses allemandes et autres contredanses : nombreux sont les genres " secondaires " auxquels Mozart s'est consacré pendant sa courte existence, et notamment au cours de ses années salzbourgeoises. Que, pour la plupart, ces œuvres soient des compositions de circonstance, et destinées le plus souvent au simple divertissement (de salon ou de plein air), ne doit surtout pas conduire à snober cette part de son catalogue. On l'a déjà dit ci-dessus à propos des deux grandes sérénades " Haffner " et " Posthorn " : Mozart n'a pas son pareil pour transcender les limites et contraintes des genres auxquels il est amené à se frotter, fûssent-ils les plus communs. On ne s'étonnera donc pas de trouver, ici encore, de beaux témoignages de son génie, et la découverte de ce catalogue est d'autant plus passionnante que ces œuvres s'adressent à des formations d'une grande variété, du petit ensemble uniquement constitué de cordes ou de vents (à la frontière de la musique de chambre) à des formations mixtes sensiblement plus étoffées, allant jusqu'à mettre en oeuvre deux ou quatre petits orchestres jouant en opposition.

Eine kleine Nachtmusik

Cette Petite musique de nuit (sérénade en sol majeur K 525) " est un chef-d'œuvre d'équilibre et d'élégance très connu, trop connu, très joué et souvent mal, car on la gonfle en l'interprétant avec de grandes formations, alors que la version originale, conçue pour un quintette à cordes, avec une contrebasse à l'unisson du violoncelle, est nettement plus raffinée dans son dépouillement. " ¹⁵⁹ C'est ainsi qu'il faut entendre ce pur joyau, tout de joie et de sérénité, qui vit le jour pendant l'été 1787, sans que l'on sache ni pourquoi ni comment, mais peut-être en réponse aux angoisses des immenses quintettes à cordes K 515 et 516 écrits trois mois plus tôt.

Wolfgang Amadeus Mozart, sérénade en sol majeur K 525, " Eine kleine Nachtmusik ", IV. Rondo (Allegro) ,par le Gewandhausquartett

Serenata notturna - Notturno

Sérénade relativement brève (trois mouvements seulement), la Serenata notturna en ré majeur K 239 est une œuvre des plus charmantes, pleine de spontanéité et de fraîcheur, qui tire l'essentiel de son originalité de l'opposition de deux petits orchestres à cordes et de la présence des timbales dans l'un d'entre eux, celles-ci se signalant notamment, dans la Marcia maestosa initiale, par leurs roulements répétés face aux cordes jouant en pizzicatos.

On peut en rapprocher (bien qu'il ne s'agisse pas littéralement d'une sérénade) une autre composition en trois mouvements de la même époque (1776) , le Notturno en ré majeur K 286. Dans cette œuvre un brin convenue, Mozart semble se contenter de tirer des effets d'écho entre quatre ensembles différents composés cette fois de cordes et de cors.

" Gran Partita " pour treize instruments à vent

Œuvre à marquer d'une pierre blanche, cette sérénade en si♭majeur K 361, que Mozart composa apparemment au début de ses années viennoises est un monument de la musique d'harmonie (Harmoniemusik). Ecrite pour deux hautbois, deux clarinettes, deux cors de basset, deux bassons, quatre cors et contrebasse, elle ne justifie son appellation de " Gran Partita pour treize instruments à vent " que lorsqu'un contrebasson vient remplacer la contrebasse, mais qu'importe : avec cette œuvre, Mozart " donne ses lettres de noblesse au genre jusque-là mineur de la sérénade pour instruments à vent ; par ses dimensions, mais surtout par son invention, l'équilibre de ses proportions majestueuses, la richesse de son inspiration mélodique, la variété de ses alliages de timbres, cette page compte parmi les grandes réussites mozartiennes. " ¹⁶⁰ On a pu parler de mini-opéra à propos de cette composition où, avec une éloquence étonnante dans la mise en scène d'ensembles à géométrie variable, se succèdent des séquences allant de la franche rusticité à la plus profonde intériorité (on pense ici surtout au poignant Adagio, avec ses couleurs sombres, dont le caractère est bien éloigné de celui de la sérénade). Avec ses sept mouvements, dont deux menuets, l'œuvre " adopte le cadre de la sérénade nocturne et, par son usage des instruments à vent, semble relever de la musique de plein air. Mais sa facture est telle qu'elle rejoint la pure musique de chambre. Le genre de la sérénade éclate. Tout en faisant sonner la masse comme un plein jeu d'orgue, Mozart réalise de la façon la plus libre la conduite concertante des instruments et sait conserver à chacun son caractère propre. " ¹⁶¹ On comprend l'enthousiasme d'A. Einstein lorsqu'il écrivait que " cette œuvre extraordinaire est supérieure à toute contingence et atteint à l'immatériel "...

Wolfgang Amadeus Mozart, sérénade en si♭majeur K 361, III. Adagio, par le Zefiro Ensemble, enregistrement public, Amsterdam 2011.

Sérénades pour huit instruments à vent

Contemporaines de la précédente, les sérénades en mi♭majeur K 375 (1781) et en ut mineur K 388 (1782) forment avec elle un ensemble d'importance majeure dans cette spécialité de l'Harmoniemusik qui, à Vienne, au début des années 1780, semble étre sortie des tavernes et des cercles militaires pour intéresser les milieux aristocratiques, et même l'empereur en personne. C'est dans ce contexte que Mozart composa ces deux magnifiques sérénades qui se limitent respectivement à cinq et quatre mouvements et convoquent un ensemble formé de deux hautbois, deux clarinettes, deux cors et deux bassons. Bien que de proportions plus modestes que la Gran Partita, elles sont d'un intérêt musical tout aussi évident, en particulier celle en ut mineur K 388,que le compositeur allait d'ailleurs reprendre plus tard pour en faire son quintette K 406. " Lorsque Mozart, au début de 1787, décide d'écrire un arrangement pour quintette à cordes de la Sérénade en ut mineur K 388, il ressent certainement le climat presque tragique qui caractérise la plus grande partie de ce K 388 comme plus proche de son humeur que la chaleur contemplative du K 375, moins hors genre avec son échange continuel entre le ton des Nachtmusiken qu'on affectionnait en Autriche et une manière individuelle, déjà romantique. Car la sérénade en ut mineur est, elle, austère, tendue, subjective, aux antipodes des conventions musicales, expressives et sociales du genre, tant par sa tonalité que par la rigueur de son écriture contrapuntique. " ¹⁶²

Wolfgang Amadeus Mozart, sérénade ut mineur K 388.

Autres sérénades

Retour aux années de jeunesse salzbourgeoises (entre 1769 et 1774) avec quatre sérénades associant cordes et vents que Mozart écrivit pour des circonstances diverses, en particulier comme Finalmusik pour les étudiants de l'université. Toutes en ré majeur, ces sérénades K 100, K 185, K 203 et K 204 respectent les conventions du genre avec leur coupe en sept ou huit mouvements, dont deux ou trois menuets. Il serait malvenu de leur demander beaucoup plus que ce à quoi elles étaient destinées, à savoir distraire agréablement leur auditoire, ou d'en attendre la luxuriance orchestrale des sérénades " Haffner " et " Posthorn ". Reconnaissons cependant qu'on éprouve souvent un réel plaisir à l'écoute de ces musiques enlevées et insouciantes, en particulier des K 185 et K 203, deux œuvres où le jeune musicien semble vouloir faire feu de tout bois, allant par exemple jusqu'à y inclure de mini-concertos pour violon. On pourrait même parler de chef-d'œuvre à propos du K 203 qui non seulement offre un mini-concerto très séduisant, mais comporte une pure merveille avec son Andante dont la mélodie annonce le " Porgi amor " des Noces de Figaro.

Wolfgang Amadeus Mozart, sérénade K 203, en ré majeur, VI. Andante.

Notes

159. Szersnovicz Patrick, dans " Le Monde de la musique " (245), juillet-août 2000.

160. Hulot Jean-Claude, dans " Diapason " (393), mai 1993.

161. Szersnovicz Patrick, dans " Le Monde de la musique " (269), octobre 2002.

162. Szersnovicz Patrick, dans " Le Monde de la musique " (247), octobre 2000.

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Mercredi 4 Juillet, 2018 3:26

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Trois siècles de musique instrumentale : un parcours découverte : La musique instrumentale de Wolfgang Amadeus Mozart Mozart : Introduction ; musique pour clavier ; musique de chambre ; musique symphonique ; musique concertante.

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Le rythme croche pointée double (croche)

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Le rythme croche pointée double (croche)

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A partir de C1-2 et pour les adultes intermédiaires et avancés

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A partir de C1-2 et pour les adultes intermédiaires et avancés

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Binaire ou ternaire ?

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Binaire ou ternaire ? Oeuvres de Mozart 

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Ecoutez les œuvres de Mozart (2 ou 3 minutes chaque extrait), trouvez la pulsation puis classez-les dans la bonne colonne.

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Relier chaque audio entendu au rythme correspondant.
ATTENTION: il y a une mélange de binaire et ternaire (dur, dur, je sais héhéhé). Donc, demandeez -vous d'abord si le rythme entendu est binaire ou ternaire
COURAAAAAAGE!!!!!

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Relie chaque audio entendu au rythme correspondant.
ATTENTION: il y a une mélange de binaire et ternaire (dur, dur, je sais héhéhé). Donc, demande toi d'abord si le rythme entendu est binaire ou ternaire
COURAAAAAAGE!!!!!

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Binaire ou ternaire

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Binaire ou ternaire ? Oeuvres de Mozart 

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Ecoutez les œuvres de Mozart (2 ou 3 minutes chaque extrait), trouvez la pulsation puis classez-les dans la bonne colonne.

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Le rythme croche pointée double (croche)

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Le rythme croche pointée double (croche)

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Pourquoi avec ma clarinette ou avec ma trompette ou mon saxophone , je ne peux pas jouer la même partition que les autres instruments ?

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Portail de la philharmonie de Paris

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Wagner s'inspire de deux légendes germaniques pour son opéra Tannhäuser : celle des tournois de chant au château de la Wartburg, et celle de la Ballade de Tannhäuser, chevalier, poète et Minnesänge.

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Mister Bean dirige l'Armée du Salut qui joue pour Noël

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Salvation Army Carols | Mr. Bean Official

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De

Thoinot Arbeau (Jehan Tabourot): Belle qui tiens ma vie composée en 1530 et publiée en 1589

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Thoinot Arbeau (Jehan Tabourot): Belle qui tiens ma vie (c.1530, publ. 1589)

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Extraits des partitions

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Extraits sonores des partitions ci-dessus "Sonate au clair de lune" pour commencer

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Extrait d'un Choral de Bach traduction : "Que ma joie demeure"

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Les instruments transpositeurs ou pourquoi la clarinette est en sib , le saxophone en mib etc...

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Les instruments transpositeurs ou pourquoi la clarinette est en sib , le saxophone en mib etc...

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Aperçu seulement

Présentation

Je sais que cette question anime bon nombre d'entre vous. Je devrais dire CES questions, d'ailleurs. Il y a la question technique : comment écrire pour un instrument transpositeur ? mais surtout la question organologique : pourquoi diable a-t-on inventé des instruments transpositeurs ? Nous allons essayer de répondre à ces deux questions.

Pourquoi existe-t-il des instruments transpositeurs ?

Les instruments transpositeurs sont tous ces instruments de la famille des vents qui ne peuvent pas jouer dans la même tonalité que les instruments non transpositeurs (comme la flûte, le piano, l'orgue...). On dit qu'ils sont en ... (en Si♭, en La, en Mi♭...)

En voici une liste non exhaustive :
- toutes les clarinettes (sauf la très rare clarinette en ut)
- tous les saxophones
- la trompette en si♭
- la petite trompette en ré
- le cornet en si♭
- le cor d'harmonie en fa
- les cors naturels et cors de chasse (sauf le très rare cor naturel en ut)
- le tuba en si♭
- le tuba en fa
- le hautbois d'amour en la
- le cor anglais en fa
- La flûte alto en sol

Historique

Au Moyen Âge, pour commencer, chaque région d'Europe (pour ne parler que de ce que je connais), chaque village même parfois, fabriquait sa propre version d'un instrument donné. Le seul impératif était de pouvoir jouer avec les autres musiciens du village. À la fin de Moyen Âge, avec les désirs princiers (au sens large) de s'octroyer un orchestre princier, parfois même deux, la chasse et la chambre, et plus tard un troisième, la chapelle, quand les instruments seront invités à entrer dans les églises, les instrumentistes ont alors été amenés à se déplacer parfois sur de très longues distances pour répondre aux invitations qui leur étaient faites. Il a donc bien fallu s'entendre même si les instruments ne jouent pas tous dans la même tonalité : la notion d'instrument transpositeur était née. Que la musique soit écrite ou non, chacun avait sa tonalité et faisait avec. Au fil des ans, les facteurs d'instruments ont fini par normaliser la fabrication de leurs instruments mais ils n'ont pas spécialement choisi la tonalité d'ut car, à l'époque, elle ne signifiait pas forcément grand chose et la notion de tonalité était bien plus relative qu'aujourd'hui. Ainsi le nombre de tonalités s'est-il réduit mais la notion d'instrument transpositeur existait toujours.

Pour aller plus loin, prenons l'exemple de la clarinette.

Au milieu des multiples clarinettes, il existe trois instruments très proches qui sont la clarinette en la, la clarinette en si♭ et la clarinette en ut. À l'époque de Mozart existait la clarinette en la (celui-ci nous a d'ailleurs laissé un merveilleux concerto pour clarinette écrit pour cet instrument). Cette clarinette a évolué en clarinette en si♭ pour des raisons pratiques, pour pouvoir jouer avec les autres instruments de la famille des vents qui évoluaient aussi de leur côté. Puis on a décidé de fabriquer une clarinette en ut, pour des raisons pratiques. Au niveau technique, cela ne pose aucune difficulté ; il suffit de la faire un petit peu plus grande et un poil plus grosse. Eh bien pourquoi la clarinette en ut ne s'est-elle pas imposée ? Deux raisons : beaucoup d'instruments de la famille des vents restaient en si♭ et c'est alors la clarinette qui aurait été exclue de ce qu'on appelle l'harmonie (c'est à dire les vents, qui ont donné leur nom à l'orchestre d'harmonie). La deuxième raison est la meilleure : les clarinettistes n'ont pas voulu de la clarinette en ut. Trop habitués au timbre de leur instrument en si♭, ils ont déclaré et déclarent encore trouver moins d'intérêt à celui de sa petite soeur en ut.

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solfège musique théorie musicale cours leçons lexique vocabulaire

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Niveau confirmé - Les instruments transpositeurs

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Aperçu seulement Je sais que cette question anime bon nombre d'entre vous. Je devrais dire CES questions, d'ailleurs. Il y a la question technique : comment écrire pour un instrument transpositeur ? mais surtout la question organologique : pourquoi diable a-t-on inventé des instruments transpositeurs ?

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Certaines partitions ne sont pas bien écrite pour l'instrument , trop aigue , trop grave ou parce que l'instrument est transpositeur

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Aperçu seulement

Définition

La transposition est le passage d'une musique, d'une mélodie ou d'un extrait musical d'une tonalité à une autre. On utilise la tranposition dans plusieurs cas :

À l'intérieur d'une mélodie

Nous n'avons pas changé de tonalité mais nous pouvons tout de même dire sans hésiter : la mesure 2 est l'exacte transposition de la mesure 1.

Quand une mélodie est trop aiguë ou trop grave.

Vous avez la partition d'une chanson entre les mains ; vous voulez la faire chanter à un groupe d'enfants mais elle monte jusqu'au mi aigu et vous savez que votre public aura du mal à dépasser le ré aigu. Il vous faudra transposer cette partition un ton au dessous.

devient

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Posté le 08 décembre 2017 à 19h37

Je suis sûr que vous vous êtes très bien débrouillée. Les exercices, ici, sont plus à voir comme un entrainement.

Posté le 08 décembre 2017 à 18h24

Bonjour, est-il possible d'avoir les corrigés ? Je débute et je ne suis pas sûre d'avoir juste !

Posté le 26 août 2016 à 10h55

Non, il n'y a pas de problème avec ce fichier.

Posté le 24 août 2016 à 10h53

Bonjour je ne peux pas télécharger sur ma tablette les exercices de transpositions merci de bien vouloir vérifier.

Posté le 17 mai 2016 à 12h32

Je ne comprends pas la question.

Posté le 17 mai 2016 à 11h08

Encore moi ! Votre cours dans son ensemble est intéressant. Pédagogiquement il comporte bon nombre d'illustrations musicales et des exercices. Mais il est quand même gênant de ne pas pouvoir rapprocher son travail personnel avec les solutions (et ceci depuis le début). Qu'en pensez-vous ?
Cordialement;

Posté le 29 décembre 2015 à 08h57

Posté le 28 décembre 2015 à 17h07

Bonjour,
Lorsque je veux télécharger les exercices de transposition, j'obtiens un message m'indiquant que la page n'existe pas.
merci de regarder ça
Cordialement

Jean-François MONDON

Posté le 04 juillet 2015 à 15h41

bonjour,
il n'ya pas de correction pour cete exercice ?

Posté le 12 juillet 2015 à 20h49

Absolument, l'alto + 2 ton et demi (une quarte juste) passera de ré à sol.

Posté le 12 juillet 2015 à 19h11

la voix soprane est écrite en sol maj ( fa# à la clé) et la voix alto comporte deux dièses ( fa# et do#). votre réponse est-elle tjrs valable ?

Posté le 12 juillet 2015 à 15h15

Bien-sûr qu'il faut transposer.
La partition soprano est écrite en SIb, il faudra donc la transposer un ton en dessous. Puis octavier, au besoin. La partition d'alto est écrite en MIb, il faudra donc la transposer un ton et demi au dessus.

Si vous ne voulez en transposer qu'un, vous pouvez ne pas toucher à la partition de soprano et transposer l'alto de deux tons et demi au dessus.

Posté le 12 juillet 2015 à 15h15

bonjour,

j'ai une partition écrite pour deux saxophones : soprane et alto que je veux interpréter à la flûte avec une autre flûtiste. faut-il transposer le morceau de saxophone alto (la partition est écrite en clé de sol) et comment ? réécrire les notes une sixte au-dessus ? un essai à deux voix avec cette autre flûtiste semblait donner des dissonnances...

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solfège musique théorie musicale cours leçons lexique vocabulaire

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Aperçu seulement La transposition est le passage d'une musique, d'une mélodie ou d'un extrait musical d'une tonalité à une autre. On utilise la tranposition dans plusieurs cas : À l'intérieur d'une mélodie Nous n'avons pas changé de tonalité mais nous pouvons tout de même dire sans hésiter : la mesure 2 est l'exacte transposition de la mesure 1.

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Web série "Les petits secrets des instruments par les musiciens de l'Orchestre National de Lyon ONL

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Web série "Les petits secrets des instruments par les musiciens de l'Orchestre National de Lyon ONL

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L'Auditorium et l'Orchestre national de Lyon : la musique au cœur de la cité. 160 concerts par saison : concerts symphoniques, récitals, ciné-concerts, jeune public, jazz, musiques actuelles et musiques du monde, mais aussi ateliers, conférences, afterworks...

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Mr Bean : Jeux olympique de Londres 2012 

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Mr Bean : Jeux olympique de Londres 2012 

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Mr Bean joue dans la musique des du film "Les chariots de feu"

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Mr. Bean Live Performance at the London 2012 Olympic Games

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De

Thoinot Arbeau (Jehan Tabourot): Belle qui tiens ma vie composée en 1530 et publiée en 1589

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Thoinot Arbeau (Jehan Tabourot): Belle qui tiens ma vie (c.1530, publ. 1589)