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Un cuento para contar: ¿En qué se parecen Laura Galindo y Claude Debussy? | RTVC Noticias

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Obra inspirada en Mahler y Strauss (1902-1903)

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Obra inspirada en Mahler y Strauss (1902-1903)

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Arnold Schönberg: Pélleas und Melisande op.5 (1903)

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En música, como en pintura, surgió el impresionismo, la libertad absoluta armónica y rítmicamente (respetando unos parámetros previamente fijados, pero manipula

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Siglo XIX - Nacionalismo
Edad Contemporánea

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"Dime, por qué senda" Una de las primeras obras Tonales (1908)

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"Dime, por qué senda" Una de las primeras obras Tonales (1908)

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The Book of the Hanging Gardens, Op. 15: Saget mir auf welchem Pfade

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"El libro de los jardines colgantes" (1908 - 1909)

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"El libro de los jardines colgantes" (1908 - 1909)

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Arnold Schoenberg - Das Buch der hängenden Gärten (Op. 15) [Score Video]

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Debussy tuvo que huir a Paris cuando estallo la Guerra Franco Prussiana

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Debussy tuvo que huir a Paris cuando estallo la Guerra Franco Prussiana

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El rincón de los niños. Composición de 6 danzas dedicas a su hija e inspirada en sus juguetes

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El rincón de los niños. Composición de 6 danzas dedicas a su hija e inspirada en sus juguetes

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Debussy: Children's Corner (Crossley, Bavouzet)

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1902: Obra en contraposicion a la opera wagneriana

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Debussy   Pelleas et Melisande Pierre Boulez

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El término "Atonal" describe la música que no se ajusta al sistema de jerarquías tonales que caracterizaba al sonido de la música europea entre el siglo XVII y los primeros años del XX.

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El término "Atonal" describe la música que no se ajusta al sistema de jerarquías tonales que caracterizaba al sonido de la música europea entre el siglo XVII y los primeros años del XX.

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Uno de los compositores mas importante del impresionismo del siglo XX

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Uno de los compositores mas importante del impresionismo del siglo XX

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Colaboradores de los proyectos Wikimedia

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Franz Liszt - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Franz Liszt en marzo de 1886, meses antes de su muerte. Fotografía de Nadar.

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Colaboradores de los proyectos Wikimedia

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Johannes Brahms - Wikipedia, la enciclopedia libre

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(La Côte-Saint-André, Francia, 1803 - París, 1869) Compositor francés. El Romanticismo tiene en Hector Berlioz una de sus figuras paradigmáticas: su vida novelesca y apasionada y su ansia de independencia se reflejan en una música osada que no admite reglas ni convenciones y que destaca, sobre todo, por la importancia concedida al timbre orquestal y a la inspiración extramusical, literaria. No en balde, junto al húngaro Franz Liszt, Berlioz fue uno de los principales impulsores de la llamada música programática.

Hector Berlioz

Hijo de un reputado médico de Grenoble, fue precisamente su padre quien le transmitió su amor a la música. Por su consejo, el joven Hector aprendió a tocar la flauta y la guitarra y a componer pequeñas piezas para diferentes conjuntos. Sin embargo, no era la música la carrera a la que le destinaba su progenitor; y así, en 1821 Berlioz se trasladó a París para seguir los estudios de medicina en la universidad. No los concluyó: fascinado por las óperas y los conciertos que podían escucharse en la capital gala, el futuro músico abandonó pronto la carrera médica para seguir la musical, en contra de la voluntad familiar. Gluck, primero, y Carl Maria von Weber y Beethoven, después, se convirtieron en sus modelos musicales más admirados, mientras Shakespeare y Goethe lo eran en el campo literario.

Admitido en el Conservatorio en 1825, fue discípulo de Jean François Lesneur y Anton Reicha y consiguió, tras varias tentativas fracasadas, el prestigioso Premio de Roma que anualmente concedía esa institución. Ello fue en 1830, el año que vio nacer la obra que lo consagró como uno de los compositores más originales de su tiempo: la Sinfonía fantástica, subtitulada Episodios de la vida de un artista. Página de inspiración autobiográfica, fruto de su pasión no correspondida por la actriz británica Harriet Smithson, en ella se encuentran todos los rasgos del estilo de Berlioz, desde su magistral conocimiento de la orquesta a su predilección por los extremos -que en ocasiones deriva en el uso de determinados efectismos-, la superación de la forma sinfónica tradicional y la subordinación a una idea extramusical.

La orquesta, sobre todo, se convierte en la gran protagonista de la obra: una orquesta de una riqueza extrema, llena tanto de sorprendentes hallazgos tímbricos como de combinaciones sonoras novedosas, que en posteriores trabajos el músico amplió y refinó más aún, y que hallaron en su Tratado de instrumentación y orquestación su más lograda plasmación teórica. Fue tal el éxito conseguido por la Sinfonía fantástica que inmediatamente se consideró a su autor a la misma altura que Beethoven, comparación exagerada pero que ilustra a la perfección la originalidad de la propuesta de Berlioz, en una época en que muchas de las innovaciones del músico de Bonn aún no habían sido asimiladas por público y crítica.

Tras el estreno de esta partitura, la carrera del músico francés se desarrolló con rapidez, aunque no por ello estuvo libre de dificultades. En 1833 consiguió la mano de Harriet Smithson, con lo cual se cumplía uno de los sueños del compositor, aunque la relación entre ambos distara luego de ser idílica. Durante la década de 1830, a pesar del fracaso de su ópera Benvenuto Cellini, otras sinfonías programáticas incrementaron la fama de Berlioz: Harold en Italia, basada en un texto de lord Byron, un monumental Réquiem y la sinfonía coral Romeo y Julieta, basada en el Romeo y Julieta de Shakespeare.

Un nuevo trabajo lírico, la ambiciosa epopeya Los troyanos, le iba a ocupar durante cuatro años, de 1856 a 1860, sin que llegara a verla nunca representada íntegra en el escenario. Los infructuosos esfuerzos por estrenarla, junto a la indiferencia y aun hostilidad con que era recibida cada una de sus nuevas obras en Francia, son algunas de las razones que explican que los últimos años de vida de Berlioz estuvieron marcados por el sentimiento de que había fracasado en su propio país.

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(La Côte-Saint-André, Francia, 1803 - París, 1869) Compositor francés. El Romanticismo tiene en Hector Berlioz una de sus figuras paradigmáticas: su vida novelesca y apasionada y su ansia de independencia se reflejan en una música osada que no admite reglas ni convenciones y que destaca, sobre todo, por la importancia concedida al timbre orquestal y a la inspiración extramusical, literaria.

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La Sonata para piano en si menor, S.178 es una composición musical para piano solo escrita por Franz Liszt. Está considerada como una de las más grandes piezas para piano y también como una de las más difíciles. Es una de las obras clave del piano en el Romanticismo.

La Sonata fue compuesta entre 1852 y 1853 y su primera publicación fue en 1854 por Breitkopf & Härtel, pero no fue tocada en público por primera vez hasta el 27 de enero de 1857 en Berlín, por el alumno de Liszt Hans von Bülow, que era también su yerno. En un principio fue atacada por críticos conservadores como Eduard Hanslick, Brahms (que según se dice se quedó dormido durante la interpretación del mismo Liszt de la obra en su primer encuentro) y el compositor y pianista Antón Rubinstein. Sin embargo, Richard Wagner expresó un entusiasta cumplido hacia la sonata.​ El periódico alemán Nationalzeitung se refirió a la pieza como "una invitación a silbar (abuchear) y pisotear".​ Fue dedicada a Robert Schumann, como respuesta a la dedicación del alemán de su Fantasía en Do, Op. 17 (1836) para Liszt.​

La Sonata es notable por estar escrita a partir un pequeño número de motivos que se entrelazan en una enorme arquitectura musical. Cada motivo es continuamente transformado a lo largo de la pieza, de acuerdo con las tendencias musicales del momento. Un tema que pueda sonar amenazante y violento se transforma y pasa a ser una bella melodía.​ Esta técnica ayuda a unir la estructura extensa de la obra con una unidad sencilla de cohesión, aunque el poder de arquitectura del músico necesita estar altamente desarrollado para conseguir esto durante una interpretación.

A grandes rasgos, la Sonata presenta cuatro movimientos, aunque no hay pausa alguna entre ellos. Por encima de los cuatro movimientos se encuentra la estructura de una gran sonata, aunque los precisos inicios y finales del desarrollo tradicional y la sección de recapitulación ha sido desde hace tiempo causa de debate. Muchos analistas están de acuerdo en que el desarrollo comienza con la sección lenta y la recapitulación con la fuga scherzo. En cuanto al uso de esta estructura, Liszt fue influenciado por la Wanderer-Fantasie de Franz Schubert, una obra que admiraba, que se tocaba a menudo y que estaba arreglada para piano y orquesta. Schubert también usó muy pocos elementos musicales para crear una extensa obra en cuatro movimientos, cuyo cuarto movimiento es como una fuga. Ya en 1851, Liszt experimentó con una forma "cuatro movimientos en uno" no programática en una obra para piano solo extendida, llamada Concerto pathétique, que fue publicada en 1865 como una versión para dos pianos y muestra una relación temática con la Sonata en Si menor y con la posterior Sinfonía Fausto.

El final tranquilo de la Sonata pudo haber sido una ocurrencia tardía de Liszt; pues el manuscrito original disponible en la Biblioteca y Museo Morgan en Nueva York contiene un final que hubiera terminado la obra mucho más sonoramente.​​

También puede dividirse la obra en tres partes:

Un especie de introducción y exposición en la que se presentan los temas y se desarrollan. (Lento assai - Allegro energico - Grandioso)

Una sección central más lenta. (Compases del 331 al 460) (Andante sostenuto)

Un reprise de la parte inicial, que finalmente desemboca en un Coda (Allegro energico).

Lento assai - Allegro energico - Grandioso

La sonata comienza con un , el más grave del teclado, desde donde se continúa la larga exposición del tema H, primero en modo frigio y después en modo zíngaro. Este Lento assai de doce compases supone una especie de "subida del telón" (Guy Sacre).

A esta apertura, que dura desde el compás doce hasta el 32, le sucede la exposición simple quizá austera de los temas A y B. Sin acompañamientos ni florituras, la mano izquierda sigue a la derecha en el tema A y enuncia sola el tema B. De esta manera se fijan los dos elementos principales. Uno, arrebatado y abrupto, se extiende por un espacio de cuatro octavas. El otro, "mefistofélico", expresa el sarcasmo mediante las notas repetidas.

Al final de la exposición se ve venir una "lucha a muerte" que dura hasta el Grandioso entre los dos temas. Primero se encuentra una subida jadeante que lleva hasta una disputa confusa y tempestuosa en la que se entrechocan (con una tonalidad desesperadamente trágica). A continuación, después de haber alcanzado su punto culminante, la subida finaliza y se vuelve a descender para formar una especie de magma sonoro compuesto de partes tanto del tema A como del B. Sigue con una nueva escalada hacia el sonido agudo que ve la victoria del tema A, en el compás 82. Aquí se enuncian y se modulan en un canon que va acelerándose por momentos. Una vez alcanzado el cenit, el tema AS se desmorona en arpegios y cae sobre un La repetido de manera insistente, mientras que se perciben desde el fondo del teclado ecos del tema H. Todo esto no es sino el preludio de la entrada de un nuevo tema, el Grandioso (G), radiante de majestuosidad y fuerza y en el que una breve frase permite aclarar la oscura atmósfera anterior.

Después de un punto de órgano en el compás 119 se emprende un nuevo desarrollo con un estilo de nocturno. El tema A va entonces Dolce con grazia en lánguidos arpegios. Tras un breve momento de rebelión en el compás 153, sigue el tema B para formar lo que algunos consideran como un tema aparte (tema C) y que se desarrolla dulcemente con tresillos.

Este breve momento de calma precede a una nueva sección que algunos califican como el inicio de la segunda parte de la Sonata. El antagonismo primitivo entre los temas A y B se expresa con violencia. A pesar de ser un episodio más calmado, el desorden persiste y dirige al oyente hacia una nueva interpretación del tema G, que cede el paso al B. Este último va apaciguándose poco a poco bajo el nuevo impulso del A, antes de llegar a un momento pianissimo ( ppp).

La agitación de la primera parte lleva a la intervención del tema An (compás 331), cuya atmósfera tiene parecido con la de obras como Bendición de Dios en la soledad o Spozalosio . Este tema se enuncia con una pureza cristalina que recuerda a Margarita a aquellos que la relacionan con la Sinfonía Fausto. Este tema es bastante corto y sólo ocupa las partes exteriores de la sección. El tema C, dolcissimo con intimo sentimento (compás 349) y el tema D, más potente y atormentado que otros, se insertan entre las dos exposiciones del tema An. Hay que señalar delante de la repetición de ese tema una escala casi por tonos que se interpreta con una simplicidad y una voluptuosidad extremas. Todo este breve episodio concluye con unos Fa sostenido repetidos y que suenen amenazantes, con fuerza muy pianissimo ( ppp).

La tercera parte comienza con una fuga "maquiavélica" en el compás 460 que no augura nada bueno. Se basa al mismo tiempo en los temas A y B, aunque parece que B es el que domina. Toda la saña de éste es expresada mediante cromatismos sarcásticos en un grave sotto voce. La exposición a tres voces acentúa la burla al tema A. Un crescendo se forma mientras va a una reexposición.

Esa reexposición resume de alguna manera todo el camino precedente y retoma todos los temas: A y B en su lucha tormentosa del inicio; el tema H con notas repetidas (compás 555); A y B mezclados de nuevo; el G más amplio y más grandioso que nunca (compás 600); y el tema C, la supuesta variante del B, con su forma de nocturno, en el compás 616. Después de un tema B bajo la forma de un cierre tiene lugar un tema H fortissimo que se despliega en octavas, después un A juguetón pero no menos fuerte, para concluir con un G más poderoso.

Liszt dudó mucho sobre el fin que debía darle a la pieza. En un principio mantenía una con el modelo de Mazeppa ("Cae para levantarse rey"). Sin embargo, la seriedad de una obra como la Sonata en Si menor no se prestaba a ello. Finalmente, Liszt eligió un fin lleno de pudor y de recogimiento. Hace una reexposición del tema An, justo después vuelve a un tema B desactivado por un A de gran quietud que concluye en acordes seráficos y finaliza en un Si situado en lo más grave del teclado.

Junto con los Douze Études d'exécution transcendante y la serie de los Années de pèlerinage, la Sonata en Si menor forma parte de las mayores piezas para piano solo del compositor y también contribuye a renovar el género de las sonatas.

Al contrario que obras más coloristas y asequibles, como las Rapsodias húngaras; o que otras piezas más pequeñas, como los Liebesträume, esta imponente sonata, que dura alrededor de media hora es al mismo tiempo "oscura" y de una gran dificultad interpretativa.

El número de los temas varían, dependiendo de los analistas, de tres a seis:

1. El tema H es la escala zíngara y frigia descendente (sol fa# mi re# do si la# sol) y aparece en toda la pieza.

2. El tema A, lleno de fuerza y fogosidad, es el tema de Faust (sol sol la# si ré do# si sol# mi).

3. El tema B responde inmediatamente al anterior de manera sarcástica (sol sol sol sol fa# mi do si).

4. El tema G del Grandioso podría ser una variante del tema B o un motivo original (la la la si si ).

5. El tema C, del Cantando expressivo, es con toda verosimilitud una variación suavizada del tema B, convertido en nocturno (fa# fa# fa# fa# mi ré sol fa# fa# si).

6. El tema An del Andante sostenuto es original y se corresponde con el tema de (do fa# ré do si la sol la sol fa# sol re do do ).

Para los partidarios de una Sinfonía Fausto para piano, cada una de las partes representarían Fausto, Gretchen y Mefistófeles, respectivamente. Otros analistas se refieren al Paraíso, en el cual las partes serían Adán, Eva y la Serpiente; mientas que la sección Grandioso representaría la Cruz redentora.

Clara Schumann, pianista y esposa de Robert Schumann, a quien está dedicada esta sonata, la encontraba siniestra y se sentía "muy infeliz" cuando la escuchaba, interpretada por Johannes Brahms. Ella anotó en su diario: "Qué de ruido sin razón. Ningún pensamiento sano, todo está enredado; ya ni siquiera se encuentra un encadenamiento armónico claro."

En una carta a Franz Liszt fechada el 5 de abril de 1855, Richard Wagner no escatimó en elogios sobre la Sonata: "Mi muy querido Franz! Estuviste cerca de mí - la sonata es indescriptiblemente bella, grandiosa, amable, profunda y noble - sublime, como tú. La sonata me ha llegado a lo más hondo de una sola vez, toda la miseria de Londres queda olvidada." La objetividad de este comentario está obviamente condicionada por la profunda amistad que unía a ambos compositores.

Richard Strauss, dirigiéndose al gran pianista Wilhelm Kempff en 1948, le rinde homenaje a la Sonata en Si menor: "Si Liszt sólo hubiera escrito esta Sonata en Si menor, gigantesca obra salida de una sola célula, ella habría bastado para demostrar la fuerza de su espíritu."

Entre las más célebres grabaciones de la Sonata en Si menor de Liszt, hay que nombrar las de Claudio Arrau ( 1970, 1985); Sviatoslav Richter ( 1965), Martha Argerich ( 1971) y Krystian Zimerman ( 1991). La obra, una de las más tocadas del compositor húngaro, ha sido grabada una gran cantidad de veces tanto en estudio como en concierto, por artistas como Alfred Cortot ( 1929), Emil Gilels, Vladimir Horowitz (1932 y 1976), Alfred Brendel (1963, 1981, 1991), Maurizio Pollini (1989), Marc-André Hamelin (2010) y Valentina Lisitsa (2015)

Claude Rostand, Liszt Editions du Seuil coll. "Solfèges", 1960 (en francés)

Alan Walker, Franz Liszt Editions Fayard (en francés)

Rémy Striker, Franz Liszt, les ténèbres de la gloire. Editions Gallimard (en francés)

Michael Heinemann: Liszt Klaviersonate h-Moll, Wilhelm Fink Verlag, München 1993 (en alemán)

Kenneth Hamilton (Hrsg.): The Cambridge Companion to Liszt, Cambridge University Press, 2005 (en inglés)

Alan Walker: Reflections on Liszt, Cornell University Press, Ithaca(NY) 2005 (en inglés)

1. Sonate h-moll, Franz Liszt. Humphrey Searle; Daniel Barenboim. Deutsche Grammophon, 2531-271.

2. Esta es la versión modificada de Liszt de la idea de idée fixe (idea fija) de Berlioz, a la que Liszt se refería como el sistema cíclico. Esta es la base no sólo de la Sonata, sino también de las mayores obras orquestales de Liszt.

3. The Online Catalogue of Piermont Morgan Library

4. Alan Walker, Franz Liszt: The Weimar Years, 1848-1861, Ithaca: Cornell University Press, 1989, page 156. This is in the middle of an extensive analysis of the sonata, pp. 149-157.)

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Sonata en si menor (Liszt) - Wikipedia, la enciclopedia libre

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La Sonata para piano en si menor, S.178 es una composición musical para piano solo escrita por Franz Liszt. Está considerada como una de las más grandes piezas para piano y también como una de las más difíciles. Es una de las obras clave del piano en el Romanticismo.

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Compositor frances que cuya obra se concibe desde el impresionismo con un perspicaz sonido neoclasimo y con pinceladas de expresionismo.

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Anton Bruckner - Symphony No. 4 "Romantic"

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Anton Bruckner fue uno de los mejores compositores alemanes del siglo XIX e influyó en gran medida en el desarrollo de la música en la Edad Moderna. Los artistas Arnold Schoenberg, Gustav Mahler, Wilhelm Furtwängler, Paul Hindemith y Herbert von Karajan, entre otros, encontraron inspiración en sus g…

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Richard Strauss - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Colaboradores de los proyectos Wikimedia

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Richard Wagner - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Verdi Giuseppe

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Richard Wagner