# data[].attributes.body
Analyse de l’œuvre « Monster reborn »

1.Présentation

L’œuvre étudié a été réalisé par Douglas Gordon, né en 1966 à Glasgow. Il exerce l’activité de peintre et est de nationalité Britannique.

Douglas Gordon a étudié à Glasgow de 1984 à 1988, puis à Londres, de 1988 à 1990 à la Slade School of Art.
Il présente sa première exposition personnelle en 1986, obtient le Turner Prize en 1996. C’est la première fois que ce prix est attribué à un artiste vidéo.

Il est connu comme un artiste vidéo, Douglas Gordon utilise des formes variées d'expression : projections vidéos, photographies, installations et textes muraux.

En 1998, il obtient le deuxième Prix Hugo Boss.
L’œuvre étudiée mesure : 70X113cm. Elle a été créé en 1996 puis reprise en 2002. Il s’agit d’un autoportrait-émotions. La technique employée est la photographie.

Le titre de cette œuvre est « monster reborn ».

2.Description de l’œuvre

Il s’agit d’une œuvre figurative.

Il s’agit d’une photo d’un homme d’environ 40 ans, utilisée en mode « miroir », ce qui donne l’impression de deux hommes sur la photo. La photo est prise de la tête au buste. Les deux hommes portent une chemise blanche. Le fond de la photo est également blanc. L’homme de droite n’a pas d’expression du visage, il regarde droit devant lui. L’homme de gauche a le visage scotché ce qui lui défigure le visage.

3.Analyse de l’œuvre

La photo donne l’impression d’un même homme, d’un côté défiguré, de l’autre à son état normal.

Douglas utilise la notion de double et opposé dans ses œuvres comme le bien et le mal, le positif et le négatif ou le mâle et la femelle. Ici c’est l’opposition entre le visage « normal » et le visage « déformé ».

L’artiste a voulu dire que les deux visages peuvent exister chez un même homme.

Il se dégage de l’œuvre de la tristesse.

Dorian Léon
Thomas Le Goasduff

Mathis Galliou

# data[].attributes.body
Autobiographie

1/ Présentation

-L’artiste est Paul Gauguin, il est né le 7 juin 1848 de parents très riches à Paris et est décédé le 8 mai 1903 à Atuona dans les îles Marquises, il était marié à Sophie Gad et ils ont eux des enfants. Il était peintre postimpressioniste*. Ils s’exilent au Pérou pendant 4 ans, ensuite il est engagé comme matelot dans la marine marchande française à 16 ans.

En 1867 sa mère décède, en 1876 il commence à faire les salons. Ensuite il fait un voyage en Martinique en 1887. En 1889 il rencontre Van Gogh à Arles. En 1895 il part pour tahiti pour s'installer. En 1903 il meurt.

-Le titre de l’oeuvre est une autoportrait au Christ Jaune, il a était réalisé en 1889. Le tableau est une huile sur toile.

-Le  tableau est réalisé en peinture.

-Les dimensions du tableau: 38 x 46 cm
-Le thème de l’oeuvre et l’autoportrait

2/ Description de l’oeuvre

Au premier plan au centre:

Paul Gauguin est au centre du tableau. Les couleurs sont sombres, couleur froide. Le front de Paul Gauguin est éclairé.

A l’arrière plan derrière Paul Gauguin:

A l’arrière plan à gauche  Gauguin crucifié en "Christ Jaune" dans la reproduction de sa toile peinte la même année. La couleur dominante le jaune dans ce côté.

A l’arrière plan à droite se trouve un tableau "pot de tabac", cette parti du tableau est sombre

-L’oeuvre est abstrait est un langage visuel de formes, de couleurs et de lignes créant une composition qui peut exister totalement indépendamment des références visuelles classiques.

Personnages:
Paul Gauguin se représente de face avec la tête un peu incliné vers la droite, c’est un homme qui à 41 ans. Il est habillé d’un pull bleu foncé, on ne voit pas la bas de Paul Gauguin car il est assit. Il a l’air d’être concentré, de poser, et de chaque côté de lui deux tableaux.

3/ ANALYSE DE L’OEUVRE
La composition du tableau repose littéralement sur la croix. Les bras de celle-ci plafonnent la toile alors que le tronc sert de pilier au paysage. Cette importante structuration de l’espace est cachée par le christ.

Le message c’est qu’il veut faire passer c’est que sa femme est rentrée du Danemark avec ses enfants.

*POSTIMPRESSIONNISME: Ensemble de tendances artistiques de la fin du XIXe et du début du XXe siècles, qui divergent de l’impressionnisme ou s’opposent à lui (néo-impressionnisme, synthétisme, nabis, préfigurations de l'expressionnisme ou du fauvisme).

Paul Gauguin (1889)

Clémence MAZE et Victoria GOARDON

# data[].attributes.body
1/Présentation :

Magdalena Frida Carmen Kahlo Calderón ou Frida Kahlo est née le 6 juillet 1907 à Coyoacan au Mexique, est morte le 13 juillet 1954 dans la même ville, est une artiste peintre mexicaine.

Tout au long de sa vie, elle garde une santé fragile, souffrant de poliomyélite depuis l’âge de 6 ans et, est victime d’un grave accident de bus. A cause de ce tragique accident, Frida Kahlo va subir de nombreuses interventions chirurgicales. Et c’est suite à cet accident qu’elle se forme elle-même à la peinture. Elle est influencée par différents mouvements tels le réalisme et le symbolisme.

Le tableau que nous allons analyser est “La colonne brisée”, il a été peint en 1944.La technique utilisée est l’huile sur toile,c’est donc une peinture.Cette peinture mesure 40 sur 34 cm. Ce tableau représente Frida Kahlo ,debout avec la colonne brisée.(elle a le corps fendu)

Donc le thème du tableau va tourner autour d’elle, ce qui est après tout logique car ce tableau représente son propre autoportrait.

2/Description:

La colonne brisée est une œuvre figurative faite à la peinture à l’huile, de petit format (40 x 34 cm). C’est un autoportrait puisque c’est Frida elle-même qui est représentée. Le tableau représente Frida debout(C’est une femme), avec le corps fendu et ouvert pour que l'on puisse bien voir ce qui se passe à l'intérieur.Elle semble être plutôt triste comme peuvent le confirmer ses larmes.Sur ce tableau, Frida Kahlo semble avoir 30 ans. Son buste est retenu par un corset de fer qui semble l’empêcher de se briser. La colonne que nous voyons dans la fente est une colonne ionique (colonne qui, dans l’Antiquité, soutenait les monuments) qui représente la colonne vertébrale. Elle est brisée à six endroits. Le personnage est nu sous le corset. Un voilage cache la partie basse de son corps. Il y a des clous un peu partout sur son corps : on peut en dénombrer cinquante-six. Ses longs cheveux noirs et ses sourcils épais mettent en valeur ses yeux desquels sortent des larmes qui inondent son visage.Sur cet autoportrait, Frida Kahlo s’est représenté en train de ne rien faire si c’est de se tenir bien droite. L’arrière-plan est composé d’un champ et du ciel. Les couleurs sont sombres et se confondent presque. Le champ est lui-aussi fendu à plusieurs endroits, il est désertique.Pour conclure avec la description de l’oeuvre, nous pouvons dire que cet autoportrait est une oeuvre figurative car le tableau représente une chose réelle.

3/Analyse de l’oeuvre:

Le tableau est donc équilibré et ordonné puisque la construction présente des lignes relativement droites et perpendiculaires. Frida Kahlo semble ici vouloir montrer au monde entier sa douleur : ses blessures sont insupportables et tout son corps est touché : son visage, ses bras, son dos, ses seins, sa jambe… Les larmes et les clous symbolisent cette souffrance et cette douleur. Elle se sent comme « cassée », à l’image de la colonne. Le choix d’une colonne ionique pour représenter la colonne vertébrale est symbolique : au-delà de similitude des termes, la colonne ionique servait à soutenir les monuments, si elle se cassait, les bâtiments tombaient également. Frida a donc voulu montrer que, sa colonne vertébrale étant cassée, sans son corset elle ne pourrait pas tenir et elle s’effondrait elle aussi. Nous ressentons que dans cette oeuvre Frida kahlo a voulu représenter toute les souffrances qu’elle a pu ressentir au long de sa vie.
CAER Ronan
RIOU Matthieu

# data[].attributes.body
1/ Présentation

L'artiste :

Vincent Willem van Gogh,né le 30 mars 1853 à Groot-Zundert (Pays-Bas) et mort le 29 juillet 1890 à Auvers-sur-Oise (France), est un peintre et dessinateur néerlandais. Ses œuvre sont inspirées par l’impressionnisme et le pointillisme. Il vient d'une famille bourgeoise. Il aspire au départ à devenir pasteur mais il échoue aux examens de théologie. A l'approche de 1880, il se tourne vers la peinture. Il quitte les Pays-Bas pour la Belgique puis s'établit en France.Il prend des cours de peinture.

Toute sa vie est parsemée de crises mentales.L'une d'elle provoque son suicide à l'âge de 27 ans.

L’œuvre :

L’œuvre « Autoportrait » a été peinte en 1889, c'est une huile sur toile, elle mesure 65/54,5 cm, et est exposée à Paris au musée d'Orsay. C'est un autoportrait.

2/ Description de l’œuvre

Dans cet autoportrait de 1889, Vincent se montre moins tragique que dans les précédents. Cadré en buste, l'artiste se présente en veston, tout concentre l'attention sur le visage. Van Gogh croyait à l'importance des couleurs pour traduire un état d'âme. Il a donc choisi ici des couleurs pour donner plus d'intensité à son portrait et l'artiste s'est peint avec une touche vigoureuse et nerveuse. Tout dans ce tableau est le reflet du tumulte intérieur et de l'intensité de sentiments passionnelles qui habitent Van Gogh. Son regard, qui semble n'avoir jamais cillé, révèle une force intérieure peu commune, qui allait au-delà des choses humaines et devait le conduire à la folie.

3/ Analyse de l’œuvre

Van Gogh se représente le regard sombre, l’air tourmenté. Son esprit affecte l’expression de son visage mais aussi son environnement, l’extérieur. Ainsi l’artiste se peint avec une touche vigoureuse et nerveuse. Il pose la peinture sur la toile sous forme de « virgules » qui donnent un mouvement onduleux à toute la surface. Ses cheveux, sa veste et le fond semblent pris dans une danse folle, une énergie qui s’oppose au calme apparent du personnage. D’une santé précaire, Van Gogh souffrait de maux de tête violents accompagnés de diverses crises de délires. Toute sa peinture sera marquée par ses fragilités psychologiques, conférant à sa manière de peindre une expressivité nouvelle dans l’art. Jamais on n’avait peint de cette façon, avec cette matière épaisse laissant apparaitre les traces de pinceaux, sinueuses, torturées et déchirées de couleurs parfois violentes. La singularité, la force et la puissance des tableaux de Van Gogh font de lui le précurseur du mouvement Expressionniste qui naitra au début du XXème siècle.

Yaël SARDOU-BIHAN
Noémie RIOU
Claire LE FLOCH

# data[].attributes.body
"Mask II" de Ron Mueck

1) Présentation

Cet autoportrait est l’oeuvre de Ron Mueck. Il est né en 1958 à Melbourne. En 2016, il a donc 58 ans. Il est de nationalité australienne. Il est sculpteur mais avant de faire ce métier fabriquait des marionnettes. Mueck a fait son apprentissage chez Jim Henson. On lui doit entre autres les oeuvres suivantes :

_”Big man”, en 2000

_”Man in a boat”, en 2002

Cette oeuvre est intitulée “Mask II”. C’est une sculpture constituée de divers matériaux dont le silicone. Elle mesure 77 x 118 x 85 cm et c’est un autoportrait.

2) Description

C’est une oeuvre figurative. Les couleurs principales sont le noir, le rouge et l’orange. La sculpture est plutôt sombre sur les côtés et le milieu du visage est plus éclairé. Cette oeuvre représente le visage allongé d’un homme. Il semble avoir la trentaine et est endormi. Il n’y a aucun décor autour de ce visage et aucun corps n’y est rattaché.

Cette oeuvre est réaliste, mis à part le fait que la tête ne soit pas rattachée à un corps. On a l’impression que c’est un véritable visage.

3) Analyse

Cette sculpture dégage une impression de sérénité. Elle est dérangeante, comme toutes les réalisations de Ron Mueck. L’artiste s’est représenté dans cette oeuvre, c’est un autoportrait très réaliste. Le visage n’est pas rattaché au corps, donnant un sentiment d’angoisse.

Clairo Noémie_Tignac Gabrielle_3ème B

# data[].attributes.body
1. Présentation

Salvador Dali né àFigueras le 11 Mai 1904, et mort dans la même ville, le23 Janvier 1989, est unpeintre,sculpteur,graveur,scénariste etécrivaincatalan de nationalitéespagnole.Il est considéré comme l'un des principaux représentants dusurréalisme, et comme l'un des plus célèbres peintres du XXe siècle. Il trouva son propre style à partir de 1929, année où il devint surréaliste à part entière et inventa laméthode paranoïaque-critique.Les thèmes qu'il aborda le plus fréquemment furent le rêve, la sexualité, le comestible, sa femme Gala et la religion.

Présentation du tableau

Nom : Autoportrait mou avec du lard grillé

Date de création : 1941

Dimension : 61 x 51 cm

Technique : Huile sur toile

Emplacement : Théâtre musée Dali

Type de l’oeuvre: Peinture

Sujet de l’oeuvre: Spectre plein d’ironie, dans lequel apparaît un visage amorphe, mou, appuyé sur des béquilles. Avec un piédestal qui porte l’inscription du titre de l’œuvre, et, par-dessus, un morceau de bacon frit, symbole de la matière organique et du quotidien de ses petits-déjeuners à l’hôtel Saint Regis de New York.

2) Description de l’oeuvre

On voit au milieu du tableau une sorte de masque mou tenu par des bâtons. Le masque est posé sur un socle où on distingue “soft self portrait”.Dessus il y a un morceau de lard grillé. Le portrait est plutôt sombre, il y a des touches de marron d'orange et de jaune , ce sont des couleurs chaudes. C’est une oeuvre abstraite.On voit un masque déformé sur tout le visage qui est déposé sur des béquilles qui sont elles même sur un socle. L’effet obtenu est assez flou, on ne peux pas deviner de visage.

3) Analyse de l’oeuvre

Ce portrait représente Salvador Dali, on peut le voir à sa moustache. Il dit que l’élément le plus consistant dans notre représentation n’est ni l’esprit ni la vitalité, mais notre propre peau. Le message que l'artiste a voulu faire passer est : au lieu de représenter l'intérieur, la psychologie, il s'est attaché à représenter l'extérieur, un « gant de moi-même”. L'oeuvre dégage une impression de dégoût, nous ressentons

de la pitié pour le masque de Salvador Dali.

Maël Cam
Arthur Le Menn

# data[].attributes.body
Arman : autoportrait robot

1/Présentation :

Arman, né Armand Fernandez le 17 novembre 1928 à Nice et mort à New York le 22 octobre 2005, est un artiste franco-américain, peintre, sculpteur et plasticien, connu pour ses « accumulations ».

Périodes : Nouveau réalisme, Art moderne

Titre : autoportrait robot

Nature :Collage réalisé avec des objets hétéroclites recouverts de plexiglas.

Taille de l’œuvre : 120 x 90 x 24,4 cm.

Thème ou sujet de l’œuvre : L'artiste , faisant un autoportrait moderne , le sujet de son œuvre tourne autour de lui

2/Description de l’œuvre

1 – Les pinceaux : renvoient au travail de l’artiste et la peinture.

2 – Les objets de son quotidien :Arman insère dans son tableau de nombreux objets : masque de plongée, violon, raquette de ping-pong, bouteille de vin, téléphone… Ces objets sont le reflet de la vie de l’artiste : ses goûts, ses loisirs,… Toute sa vie, Arman fut un collectionneur passionné d’objets usuels : montres, armes, stylos et d’objets d’art africain pour lequel il était un spécialiste connu.

3 – Pourquoi des objets bons pour la poubelle comme les boites de médicaments, quelle fonction ont ces objets, pourquoi les a-t-il mélangés aux autres qui paraissent plus personnels ?:

L’artiste élève l’objet du quotidien et le déchet au rang d’œuvre d’art.

Arman s’intéresse au recyclage d’objets, il assemble les ordures ménagères. Arman a également créé des « portraits-poubelles » où l’objet-déchet définit à lui seul la personne qui a jeté ces éléments. Arman dénonce ici la société de consommation, qui consomme et jette.

4 – Des livres aux 4 coins du tableau, que représentent-ils ?:

Ils révèlent son goût pour la lecture, en particulier les livres d’art et on note la présence du livre « Art et Société » montre qu’il s’intéresse au rôle de l’art dans la société.

Composition et couleurs :

La composition paraît au premier abord assez désordonnée à cause de l’excès d’objets appelée accumulation en art. Toutefois, il apparaît des lignes verticales, horizontales et diagonales. Ces lignes passent presque toutes par le violon qui est l’objet majeur et le plus grand qui attitre rapidement notre œil.

Pour la couleur, des oppositions de valeurs claires/sombres confèrent à l’œuvre un équilibre.

Conclusion : Cette œuvre présente un certain réalisme dans la mesure où les éléments qui la composent sont prélevés dans le réel et la réalité quotidienne de l’artiste.Cette œuvre est réaliste car l'on distingue des objets , des formes connues. Les objets permettent un portrait assez fidèle de la personnalité d’Arman. Il s’agit donc bien d’un autoportrait. Le fait de passer par les objets permet également un prolongement dans l’imaginaire de ce que peut être sa vie.

3/Analyse de l’œuvre

Arman nous décrit assez profondément ses passions , activités , loisirs , sa vie , et nous exprime ses opinions .

Les nouveaux réalistes et Arman tout particulièrement considérait que notre société de consommation en plein développement depuis l’après guerre sur produisait et il en résultait de nombreux déchets. Donc Arman s'est servie , par exemple de boîte de médicaments vide pour réaliser son œuvre .

Cette œuvre , fait appel à notre imagination , on cherche à connaître sa vie et ses opinions via des objets et chaque personne aura une opinion différente de celle des autres car chacun a , en quelque sorte , son imagination ..

Léna Ragueneau
Florine Touin--Folzer

# data[].attributes.body
1/ PRÉSENTATION

Norman Rockwell, né le 3 février 1894 à New York et mort le 8 novembre 1978 à Stockbridge, est un illustrateur américain. Peintre figuratif de la vie américaine du XXe siècle, il est célèbre pour avoir illustré de 1916 à 1960 les couvertures du magazine Saturday Evening Post.

L’oeuvre se nomme Triple autoportrait et a été peinte en 1960. C’est une huile sur toile.

Cette oeuvre est une peinture.

Elle fait 113.5 cm x 87.5 cm.

C’est l’autoportrait de l’auteur, une mise en abyme, qui consiste à incruster dans une image cette image elle-même, d’où son titre Triple autoportrait. Cette illustration de couverture de magazine a été peinte à l’occasion de la parution de son autobiographie afin de se représenter, ainsi que sa personnalité par l'intermédiaire d’une peinture, pour nous, une image.

2/ DESCRIPTION DE L’OEUVRE

Les éléments que l’on distingue sont sur un fond blanc montrant vraiment que c’est un peinture. C’est une oeuvre figurative. En effet, on peut voir l’artiste représenter de façon réaliste et mis en valeur. C’est un homme, âgé d’environ 60 ans aux cheveux gris. Il est représenté en triple sur le tableau mais de trois façons différentes. On le voit tout d’abord de dos au premier plan (1ère représentation) se regardant dans un miroir (2ème représentation) afin de se peindre, en effet, il est en pleine action et l’on aperçoit sa propre image sur la toile. Rockwell s’est peint en train de se peindre. Le portrait de lui, aussi très réaliste, qui est sur la toile au centre du tableau est dessiné de trois quarts par la façon de peindre son autoportrait à l’époque : il se représente en même temps de se regarder dans le miroir, donc son reflet, qu’il copie, est également de trois quarts. Tout autour de lui est sûrement représenté son atelier : le lieu dans lequel il peint. On aperçoit différents objets. En haut du miroir est sculpté un aigle doré, ainsi qu’un blason du drapeau des États-Unis, en bas, sûrement un ver de coca cola et un livret où il a peut être dessiner plusieurs de ses oeuvres. Des pinceaux et un papier chiffonné sont étalés sur le sol, il y a également un saut où on trouve plein de papier comme celui qui est sur le sol, sûrement des ratures. L’homme est chaussé d’une paire de chaussures de ville en cuir, des chaussettes noir, par dessus, son pantalon beige tenu par une ceinture marron en cuir aussi, et pour finir une chemise bleu rentrée dans son pantalon. Sur les trois représentations de lui, il est peint avec une pipe à la bouche. Dans le reflet et sur son tabouret avec un coussin rouge, il porte des lunettes ronde où les vers ont un reflet cachant donc son regard. Sur la toile représenté dans le tableau, il est sérieux et nous dévisage, cependant on a l’impression qu’il esquisse un léger sourire. A droite de la toile se trouve des autoportraits d’autres artistes qu’il admire et dont il s’inspire peut être. Pour finir, un casque de pompier placé en haut de la toile nous rappelle que son atelier d’Arlington a été dévasté par un incendie en 1943. Cette autoportrait nous plonge dans son action de concentration afin de se peindre et nous donne l’impression de le voir dans plusieurs positions alors qu’il est juste réellement représenter lorsqu’il est de dos.

3/ ANALYSE DE L’OEUVRE

Ce tableau est un Triple autoportrait car on peut voir trois représentations de lui et un autoportrait dans son autoportrait. Il cherche à se représenter de trois manières et styles différents dans le milieu dans lequel il vit.

L’artiste veut montrer sa passion pour la peinture et ce qu’on peut faire pour se représenter : pas seulement un simple autoportrait mais l’artiste en action en train de réaliser cette simple autoportrait. Il définit donc les autres artistes réalisant leur autoportrait réaliste.

On peut croire que le visage de l’artiste de se reflète partout dans l’oeuvre de manière différente pour montrer sa personnalité avec le fait également que l’on est plongé dans son atelier. On éprouve de la concentration comme lui et l’on ressent l’importance qu’il met en son travail et en sa passion.

LE GARREC Ewen,
LE BORGNE Bastien,
PROVOST Théo

# data[].attributes.body
Analyse de l’œuvre « Monster reborn »

1.Présentation

L’œuvre étudié a été réalisé par Douglas Gordon, né en 1966 à Glasgow. Il exerce l’activité de peintre et est de nationalité Britannique.

Douglas Gordon a étudié à Glasgow de 1984 à 1988, puis à Londres, de 1988 à 1990 à la Slade School of Art.
Il présente sa première exposition personnelle en 1986, obtient le Turner Prize en 1996. C’est la première fois que ce prix est attribué à un artiste vidéo.

Il est connu comme un artiste vidéo, Douglas Gordon utilise des formes variées d'expression : projections vidéos, photographies, installations et textes muraux.

En 1998, il obtient le deuxième Prix Hugo Boss.
L’œuvre étudiée mesure : 70X113cm. Elle a été créé en 1996 puis reprise en 2002. Il s’agit d’un autoportrait-émotions. La technique employée est la photographie.

Le titre de cette œuvre est « monster reborn ».

2.Description de l’œuvre

Il s’agit d’une œuvre figurative.

Il s’agit d’une photo d’un homme d’environ 40 ans, utilisée en mode « miroir », ce qui donne l’impression de deux hommes sur la photo. La photo est prise de la tête au buste. Les deux hommes portent une chemise blanche. Le fond de la photo est également blanc. L’homme de droite n’a pas d’expression du visage, il regarde droit devant lui. L’homme de gauche a le visage scotché ce qui lui défigure le visage.

3.Analyse de l’œuvre

La photo donne l’impression d’un même homme, d’un côté défiguré, de l’autre à son état normal.

Douglas utilise la notion de double et opposé dans ses œuvres comme le bien et le mal, le positif et le négatif ou le mâle et la femelle. Ici c’est l’opposition entre le visage « normal » et le visage « déformé ».

L’artiste a voulu dire que les deux visages peuvent exister chez un même homme.

Il se dégage de l’œuvre de la tristesse.

Dorian Léon
Thomas Le Goasduff

Mathis Galliou

# data[].attributes.body
Autobiographie

1/ Présentation

-L’artiste est Paul Gauguin, il est né le 7 juin 1848 de parents très riches à Paris et est décédé le 8 mai 1903 à Atuona dans les îles Marquises, il était marié à Sophie Gad et ils ont eux des enfants. Il était peintre postimpressioniste*. Ils s’exilent au Pérou pendant 4 ans, ensuite il est engagé comme matelot dans la marine marchande française à 16 ans.

En 1867 sa mère décède, en 1876 il commence à faire les salons. Ensuite il fait un voyage en Martinique en 1887. En 1889 il rencontre Van Gogh à Arles. En 1895 il part pour tahiti pour s'installer. En 1903 il meurt.

-Le titre de l’oeuvre est une autoportrait au Christ Jaune, il a était réalisé en 1889. Le tableau est une huile sur toile.

-Le  tableau est réalisé en peinture.

-Les dimensions du tableau: 38 x 46 cm
-Le thème de l’oeuvre et l’autoportrait

2/ Description de l’oeuvre

Au premier plan au centre:

Paul Gauguin est au centre du tableau. Les couleurs sont sombres, couleur froide. Le front de Paul Gauguin est éclairé.

A l’arrière plan derrière Paul Gauguin:

A l’arrière plan à gauche  Gauguin crucifié en "Christ Jaune" dans la reproduction de sa toile peinte la même année. La couleur dominante le jaune dans ce côté.

A l’arrière plan à droite se trouve un tableau "pot de tabac", cette parti du tableau est sombre

-L’oeuvre est abstrait est un langage visuel de formes, de couleurs et de lignes créant une composition qui peut exister totalement indépendamment des références visuelles classiques.

Personnages:
Paul Gauguin se représente de face avec la tête un peu incliné vers la droite, c’est un homme qui à 41 ans. Il est habillé d’un pull bleu foncé, on ne voit pas la bas de Paul Gauguin car il est assit. Il a l’air d’être concentré, de poser, et de chaque côté de lui deux tableaux.

3/ ANALYSE DE L’OEUVRE
La composition du tableau repose littéralement sur la croix. Les bras de celle-ci plafonnent la toile alors que le tronc sert de pilier au paysage. Cette importante structuration de l’espace est cachée par le christ.

Le message c’est qu’il veut faire passer c’est que sa femme est rentrée du Danemark avec ses enfants.

*POSTIMPRESSIONNISME: Ensemble de tendances artistiques de la fin du XIXe et du début du XXe siècles, qui divergent de l’impressionnisme ou s’opposent à lui (néo-impressionnisme, synthétisme, nabis, préfigurations de l'expressionnisme ou du fauvisme).

Paul Gauguin (1889)

Clémence MAZE et Victoria GOARDON

# data[].attributes.body
1. Présentation

Salvador Dali né àFigueras le 11 Mai 1904, et mort dans la même ville, le23 Janvier 1989, est unpeintre,sculpteur,graveur,scénariste etécrivaincatalan de nationalitéespagnole.Il est considéré comme l'un des principaux représentants dusurréalisme, et comme l'un des plus célèbres peintres du XXe siècle. Il trouva son propre style à partir de 1929, année où il devint surréaliste à part entière et inventa laméthode paranoïaque-critique.Les thèmes qu'il aborda le plus fréquemment furent le rêve, la sexualité, le comestible, sa femme Gala et la religion.

Présentation du tableau

Nom : Autoportrait mou avec du lard grillé

Date de création : 1941

Dimension : 61 x 51 cm

Technique : Huile sur toile

Emplacement : Théâtre musée Dali

Type de l’oeuvre: Peinture

Sujet de l’oeuvre: Spectre plein d’ironie, dans lequel apparaît un visage amorphe, mou, appuyé sur des béquilles. Avec un piédestal qui porte l’inscription du titre de l’œuvre, et, par-dessus, un morceau de bacon frit, symbole de la matière organique et du quotidien de ses petits-déjeuners à l’hôtel Saint Regis de New York.

2) Description de l’oeuvre

On voit au milieu du tableau une sorte de masque mou tenu par des bâtons. Le masque est posé sur un socle où on distingue “soft self portrait”.Dessus il y a un morceau de lard grillé. Le portrait est plutôt sombre, il y a des touches de marron d'orange et de jaune , ce sont des couleurs chaudes. C’est une oeuvre abstraite.On voit un masque déformé sur tout le visage qui est déposé sur des béquilles qui sont elles même sur un socle. L’effet obtenu est assez flou, on ne peux pas deviner de visage.

3) Analyse de l’oeuvre

Ce portrait représente Salvador Dali, on peut le voir à sa moustache. Il dit que l’élément le plus consistant dans notre représentation n’est ni l’esprit ni la vitalité, mais notre propre peau. Le message que l'artiste a voulu faire passer est : au lieu de représenter l'intérieur, la psychologie, il s'est attaché à représenter l'extérieur, un « gant de moi-même”. L'oeuvre dégage une impression de dégoût, nous ressentons

de la pitié pour le masque de Salvador Dali.

Maël Cam
Arthur Le Menn

# data[].attributes.body
1/ Présentation

L'artiste :

Vincent Willem van Gogh,né le 30 mars 1853 à Groot-Zundert (Pays-Bas) et mort le 29 juillet 1890 à Auvers-sur-Oise (France), est un peintre et dessinateur néerlandais. Ses œuvre sont inspirées par l’impressionnisme et le pointillisme. Il vient d'une famille bourgeoise. Il aspire au départ à devenir pasteur mais il échoue aux examens de théologie. A l'approche de 1880, il se tourne vers la peinture. Il quitte les Pays-Bas pour la Belgique puis s'établit en France.Il prend des cours de peinture.

Toute sa vie est parsemée de crises mentales.L'une d'elle provoque son suicide à l'âge de 27 ans.

L’œuvre :

L’œuvre « Autoportrait » a été peinte en 1889, c'est une huile sur toile, elle mesure 65/54,5 cm, et est exposée à Paris au musée d'Orsay. C'est un autoportrait.

2/ Description de l’œuvre

Dans cet autoportrait de 1889, Vincent se montre moins tragique que dans les précédents. Cadré en buste, l'artiste se présente en veston, tout concentre l'attention sur le visage. Van Gogh croyait à l'importance des couleurs pour traduire un état d'âme. Il a donc choisi ici des couleurs pour donner plus d'intensité à son portrait et l'artiste s'est peint avec une touche vigoureuse et nerveuse. Tout dans ce tableau est le reflet du tumulte intérieur et de l'intensité de sentiments passionnelles qui habitent Van Gogh. Son regard, qui semble n'avoir jamais cillé, révèle une force intérieure peu commune, qui allait au-delà des choses humaines et devait le conduire à la folie.

3/ Analyse de l’œuvre

Van Gogh se représente le regard sombre, l’air tourmenté. Son esprit affecte l’expression de son visage mais aussi son environnement, l’extérieur. Ainsi l’artiste se peint avec une touche vigoureuse et nerveuse. Il pose la peinture sur la toile sous forme de « virgules » qui donnent un mouvement onduleux à toute la surface. Ses cheveux, sa veste et le fond semblent pris dans une danse folle, une énergie qui s’oppose au calme apparent du personnage. D’une santé précaire, Van Gogh souffrait de maux de tête violents accompagnés de diverses crises de délires. Toute sa peinture sera marquée par ses fragilités psychologiques, conférant à sa manière de peindre une expressivité nouvelle dans l’art. Jamais on n’avait peint de cette façon, avec cette matière épaisse laissant apparaitre les traces de pinceaux, sinueuses, torturées et déchirées de couleurs parfois violentes. La singularité, la force et la puissance des tableaux de Van Gogh font de lui le précurseur du mouvement Expressionniste qui naitra au début du XXème siècle.

Yaël SARDOU-BIHAN
Noémie RIOU
Claire LE FLOCH

# data[].attributes.body
"Mask II" de Ron Mueck

1) Présentation

Cet autoportrait est l’oeuvre de Ron Mueck. Il est né en 1958 à Melbourne. En 2016, il a donc 58 ans. Il est de nationalité australienne. Il est sculpteur mais avant de faire ce métier fabriquait des marionnettes. Mueck a fait son apprentissage chez Jim Henson. On lui doit entre autres les oeuvres suivantes :

_”Big man”, en 2000

_”Man in a boat”, en 2002

Cette oeuvre est intitulée “Mask II”. C’est une sculpture constituée de divers matériaux dont le silicone. Elle mesure 77 x 118 x 85 cm et c’est un autoportrait.

2) Description

C’est une oeuvre figurative. Les couleurs principales sont le noir, le rouge et l’orange. La sculpture est plutôt sombre sur les côtés et le milieu du visage est plus éclairé. Cette oeuvre représente le visage allongé d’un homme. Il semble avoir la trentaine et est endormi. Il n’y a aucun décor autour de ce visage et aucun corps n’y est rattaché.

Cette oeuvre est réaliste, mis à part le fait que la tête ne soit pas rattachée à un corps. On a l’impression que c’est un véritable visage.

3) Analyse

Cette sculpture dégage une impression de sérénité. Elle est dérangeante, comme toutes les réalisations de Ron Mueck. L’artiste s’est représenté dans cette oeuvre, c’est un autoportrait très réaliste. Le visage n’est pas rattaché au corps, donnant un sentiment d’angoisse.

Clairo Noémie_Tignac Gabrielle_3ème B

# data[].attributes.headline
L'autoportrait d'Erik Vladimirovitch Bulatov 

# data[].attributes.subject
L'autoportrait d'Erik Vladimirovitch Bulatov 

# data[].attributes.body
1 ) Presentation

Erik Vladimirovitch Bulatov est un artiste russe né à ekaterinbourg le 5 septembre 1933 et est toujours vivant à Moscou. Son père était un officiel du parti communiste, mort pendant la Seconde guerre mondiale  à Psov. Sa mère quitte la Pologne à l’âge de 15 ans pour soutenir la Révolution russe en 1917. Les œuvres de Bulatov figurent dans les plus grandes collections publiques et privées d’Europe, de Russie et des États-Unis. En 2008, Bulatov devient membre honoraire de l'Académie russe des beaux arts. La peinture qu’on doit étudier est une huile sur toile réalisée en 1968, elle fait 100 x 100 cm et c’est l’autoportrait du peintre.

2) description

On voit une silhouette noir ou il ya 2 têtes dans la tête de la silhouette elle est superposée

c esu une oeuvre figurative

c'est un portrait d homme il peut avoir vers les 45 ans il est triste il n'est pas habillé il regarde en face de lui il fait rien sur la silhouette il a un chapeau et des oreilles pointu  c'est un autoportrait qui est dans une silhouette d'homme qui s'arrête au épaules

3)analyse de l'oeuvre

Il se cache derrière les autres a travers son style assez particulier de gentleman

Cela peut signifier qu'il a peur des autres qu'il est différent des autres mentalement ou physiquement l'artiste a voulu dire qu'il est triste de sa vie il est fatigué .

Qu’est ce qu'a voulu dire l'artiste ?

Pour l'auteur le tableau représente le modèle de l'univers. Sa place se trouve entre lui et le monde extérieur qui n'a rien de fiable : tout vogue, se transforme, il n'y a rien sur quoi s'appuyer. Il n'y a que le tableau qui peut servir d'appui sûr et c'est pourquoi je me tourne vers lui pour essayer de donner une structure au chaos de l'univers qui l'entoure.

Qu'est ce qui se dégage de l'oeuvre ?

il se dégage une silhouette dans l'ombre de la  vie qui l'a vécu

je ressens de la peine en voyant cela .

Florian Caroff, Lucie Moritz

# data[].attributes.body
1/ Biographie

Roman Opalka, né en 1931 et mort en 2011, a commencé à se prendre en photo tous les jours après ses séances de peintures en 1965, ce qui a donné cette oeuvre, nommée Un A L'infini.

2/ Présentation de l’œuvre

Cette oeuvre est composée de photos de l'artiste, prises tous les jours après ses séances de peinture de ses 34 ans à ses 46 ans. L'oeuvre fait 195 x 135 cm.
Le thème est L'homme et le temps, ce qui est tout à fait représenté à travers ses photos.

3/ Que voit-on ?

Nous pouvons observer des photos de lui sur fond blanc teintant vers le gris au fil du temps. C'est une œuvre figurative car elle représente quelque chose en particulier. Cela représente un homme qui vieillit vêtu d'une chemise blanche. C'est une œuvre neutre, il n'y a rien autour de l'homme. On observe un effet de changement.

4/ Conclusion

Son œuvre est un moyen d'exprimer, de plusieurs façons, le temps d'une vie de peintre et d'humain qui passe.

Un sentiment de nostalgie se dégage de l’œuvre.

MORTERA Ingrid
CALVARIN Leslie
3 ème B

# data[].attributes.body
1/Présentation :

Magdalena Frida Carmen Kahlo Calderón ou Frida Kahlo est née le 6 juillet 1907 à Coyoacan au Mexique, est morte le 13 juillet 1954 dans la même ville, est une artiste peintre mexicaine.

Tout au long de sa vie, elle garde une santé fragile, souffrant de poliomyélite depuis l’âge de 6 ans et, est victime d’un grave accident de bus. A cause de ce tragique accident, Frida Kahlo va subir de nombreuses interventions chirurgicales. Et c’est suite à cet accident qu’elle se forme elle-même à la peinture. Elle est influencée par différents mouvements tels le réalisme et le symbolisme.

Le tableau que nous allons analyser est “La colonne brisée”, il a été peint en 1944.La technique utilisée est l’huile sur toile,c’est donc une peinture.Cette peinture mesure 40 sur 34 cm. Ce tableau représente Frida Kahlo ,debout avec la colonne brisée.(elle a le corps fendu)

Donc le thème du tableau va tourner autour d’elle, ce qui est après tout logique car ce tableau représente son propre autoportrait.

2/Description:

La colonne brisée est une œuvre figurative faite à la peinture à l’huile, de petit format (40 x 34 cm). C’est un autoportrait puisque c’est Frida elle-même qui est représentée. Le tableau représente Frida debout(C’est une femme), avec le corps fendu et ouvert pour que l'on puisse bien voir ce qui se passe à l'intérieur.Elle semble être plutôt triste comme peuvent le confirmer ses larmes.Sur ce tableau, Frida Kahlo semble avoir 30 ans. Son buste est retenu par un corset de fer qui semble l’empêcher de se briser. La colonne que nous voyons dans la fente est une colonne ionique (colonne qui, dans l’Antiquité, soutenait les monuments) qui représente la colonne vertébrale. Elle est brisée à six endroits. Le personnage est nu sous le corset. Un voilage cache la partie basse de son corps. Il y a des clous un peu partout sur son corps : on peut en dénombrer cinquante-six. Ses longs cheveux noirs et ses sourcils épais mettent en valeur ses yeux desquels sortent des larmes qui inondent son visage.Sur cet autoportrait, Frida Kahlo s’est représenté en train de ne rien faire si c’est de se tenir bien droite. L’arrière-plan est composé d’un champ et du ciel. Les couleurs sont sombres et se confondent presque. Le champ est lui-aussi fendu à plusieurs endroits, il est désertique.Pour conclure avec la description de l’oeuvre, nous pouvons dire que cet autoportrait est une oeuvre figurative car le tableau représente une chose réelle.

3/Analyse de l’oeuvre:

Le tableau est donc équilibré et ordonné puisque la construction présente des lignes relativement droites et perpendiculaires. Frida Kahlo semble ici vouloir montrer au monde entier sa douleur : ses blessures sont insupportables et tout son corps est touché : son visage, ses bras, son dos, ses seins, sa jambe… Les larmes et les clous symbolisent cette souffrance et cette douleur. Elle se sent comme « cassée », à l’image de la colonne. Le choix d’une colonne ionique pour représenter la colonne vertébrale est symbolique : au-delà de similitude des termes, la colonne ionique servait à soutenir les monuments, si elle se cassait, les bâtiments tombaient également. Frida a donc voulu montrer que, sa colonne vertébrale étant cassée, sans son corset elle ne pourrait pas tenir et elle s’effondrait elle aussi. Nous ressentons que dans cette oeuvre Frida kahlo a voulu représenter toute les souffrances qu’elle a pu ressentir au long de sa vie.
CAER Ronan
RIOU Matthieu

# data[].attributes.body
Arman : autoportrait robot

1/Présentation :

Arman, né Armand Fernandez le 17 novembre 1928 à Nice et mort à New York le 22 octobre 2005, est un artiste franco-américain, peintre, sculpteur et plasticien, connu pour ses « accumulations ».

Périodes : Nouveau réalisme, Art moderne

Titre : autoportrait robot

Nature :Collage réalisé avec des objets hétéroclites recouverts de plexiglas.

Taille de l’œuvre : 120 x 90 x 24,4 cm.

Thème ou sujet de l’œuvre : L'artiste , faisant un autoportrait moderne , le sujet de son œuvre tourne autour de lui

2/Description de l’œuvre

1 – Les pinceaux : renvoient au travail de l’artiste et la peinture.

2 – Les objets de son quotidien :Arman insère dans son tableau de nombreux objets : masque de plongée, violon, raquette de ping-pong, bouteille de vin, téléphone… Ces objets sont le reflet de la vie de l’artiste : ses goûts, ses loisirs,… Toute sa vie, Arman fut un collectionneur passionné d’objets usuels : montres, armes, stylos et d’objets d’art africain pour lequel il était un spécialiste connu.

3 – Pourquoi des objets bons pour la poubelle comme les boites de médicaments, quelle fonction ont ces objets, pourquoi les a-t-il mélangés aux autres qui paraissent plus personnels ?:

L’artiste élève l’objet du quotidien et le déchet au rang d’œuvre d’art.

Arman s’intéresse au recyclage d’objets, il assemble les ordures ménagères. Arman a également créé des « portraits-poubelles » où l’objet-déchet définit à lui seul la personne qui a jeté ces éléments. Arman dénonce ici la société de consommation, qui consomme et jette.

4 – Des livres aux 4 coins du tableau, que représentent-ils ?:

Ils révèlent son goût pour la lecture, en particulier les livres d’art et on note la présence du livre « Art et Société » montre qu’il s’intéresse au rôle de l’art dans la société.

Composition et couleurs :

La composition paraît au premier abord assez désordonnée à cause de l’excès d’objets appelée accumulation en art. Toutefois, il apparaît des lignes verticales, horizontales et diagonales. Ces lignes passent presque toutes par le violon qui est l’objet majeur et le plus grand qui attitre rapidement notre œil.

Pour la couleur, des oppositions de valeurs claires/sombres confèrent à l’œuvre un équilibre.

Conclusion : Cette œuvre présente un certain réalisme dans la mesure où les éléments qui la composent sont prélevés dans le réel et la réalité quotidienne de l’artiste.Cette œuvre est réaliste car l'on distingue des objets , des formes connues. Les objets permettent un portrait assez fidèle de la personnalité d’Arman. Il s’agit donc bien d’un autoportrait. Le fait de passer par les objets permet également un prolongement dans l’imaginaire de ce que peut être sa vie.

3/Analyse de l’œuvre

Arman nous décrit assez profondément ses passions , activités , loisirs , sa vie , et nous exprime ses opinions .

Les nouveaux réalistes et Arman tout particulièrement considérait que notre société de consommation en plein développement depuis l’après guerre sur produisait et il en résultait de nombreux déchets. Donc Arman s'est servie , par exemple de boîte de médicaments vide pour réaliser son œuvre .

Cette œuvre , fait appel à notre imagination , on cherche à connaître sa vie et ses opinions via des objets et chaque personne aura une opinion différente de celle des autres car chacun a , en quelque sorte , son imagination ..

Léna Ragueneau
Florine Touin--Folzer

# data[].attributes.body
1/ PRÉSENTATION

Norman Rockwell, né le 3 février 1894 à New York et mort le 8 novembre 1978 à Stockbridge, est un illustrateur américain. Peintre figuratif de la vie américaine du XXe siècle, il est célèbre pour avoir illustré de 1916 à 1960 les couvertures du magazine Saturday Evening Post.

L’oeuvre se nomme Triple autoportrait et a été peinte en 1960. C’est une huile sur toile.

Cette oeuvre est une peinture.

Elle fait 113.5 cm x 87.5 cm.

C’est l’autoportrait de l’auteur, une mise en abyme, qui consiste à incruster dans une image cette image elle-même, d’où son titre Triple autoportrait. Cette illustration de couverture de magazine a été peinte à l’occasion de la parution de son autobiographie afin de se représenter, ainsi que sa personnalité par l'intermédiaire d’une peinture, pour nous, une image.

2/ DESCRIPTION DE L’OEUVRE

Les éléments que l’on distingue sont sur un fond blanc montrant vraiment que c’est un peinture. C’est une oeuvre figurative. En effet, on peut voir l’artiste représenter de façon réaliste et mis en valeur. C’est un homme, âgé d’environ 60 ans aux cheveux gris. Il est représenté en triple sur le tableau mais de trois façons différentes. On le voit tout d’abord de dos au premier plan (1ère représentation) se regardant dans un miroir (2ème représentation) afin de se peindre, en effet, il est en pleine action et l’on aperçoit sa propre image sur la toile. Rockwell s’est peint en train de se peindre. Le portrait de lui, aussi très réaliste, qui est sur la toile au centre du tableau est dessiné de trois quarts par la façon de peindre son autoportrait à l’époque : il se représente en même temps de se regarder dans le miroir, donc son reflet, qu’il copie, est également de trois quarts. Tout autour de lui est sûrement représenté son atelier : le lieu dans lequel il peint. On aperçoit différents objets. En haut du miroir est sculpté un aigle doré, ainsi qu’un blason du drapeau des États-Unis, en bas, sûrement un ver de coca cola et un livret où il a peut être dessiner plusieurs de ses oeuvres. Des pinceaux et un papier chiffonné sont étalés sur le sol, il y a également un saut où on trouve plein de papier comme celui qui est sur le sol, sûrement des ratures. L’homme est chaussé d’une paire de chaussures de ville en cuir, des chaussettes noir, par dessus, son pantalon beige tenu par une ceinture marron en cuir aussi, et pour finir une chemise bleu rentrée dans son pantalon. Sur les trois représentations de lui, il est peint avec une pipe à la bouche. Dans le reflet et sur son tabouret avec un coussin rouge, il porte des lunettes ronde où les vers ont un reflet cachant donc son regard. Sur la toile représenté dans le tableau, il est sérieux et nous dévisage, cependant on a l’impression qu’il esquisse un léger sourire. A droite de la toile se trouve des autoportraits d’autres artistes qu’il admire et dont il s’inspire peut être. Pour finir, un casque de pompier placé en haut de la toile nous rappelle que son atelier d’Arlington a été dévasté par un incendie en 1943. Cette autoportrait nous plonge dans son action de concentration afin de se peindre et nous donne l’impression de le voir dans plusieurs positions alors qu’il est juste réellement représenter lorsqu’il est de dos.

3/ ANALYSE DE L’OEUVRE

Ce tableau est un Triple autoportrait car on peut voir trois représentations de lui et un autoportrait dans son autoportrait. Il cherche à se représenter de trois manières et styles différents dans le milieu dans lequel il vit.

L’artiste veut montrer sa passion pour la peinture et ce qu’on peut faire pour se représenter : pas seulement un simple autoportrait mais l’artiste en action en train de réaliser cette simple autoportrait. Il définit donc les autres artistes réalisant leur autoportrait réaliste.

On peut croire que le visage de l’artiste de se reflète partout dans l’oeuvre de manière différente pour montrer sa personnalité avec le fait également que l’on est plongé dans son atelier. On éprouve de la concentration comme lui et l’on ressent l’importance qu’il met en son travail et en sa passion.

LE GARREC Ewen,
LE BORGNE Bastien,
PROVOST Théo