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Comme l'indique le titre il s'agit de couleur et de Ready Made ( d'objet et/ou matériaux déjà existant et déjà colorés)

Pour cette commande vous allez devoir travailler avec ce que vous avez sous la main. Il s'agit de considérer les matériaux pour ce qu'ils sont, sous l'angle de leur matérialité : couleur, texture, consistance, technicité (souple/rigide) etc.. tous les matériaux possède une certaine beauté, un certain intérêt selon la subjectivité de chacun.

Ce que vous devez mettre en oeuvre c'est un principe d'appropriation et de jouer avec la  composition, l'assemblage et l'accrochage. C'est à dire le déplacement d'une couleur, d'un matériaux du territoire industriel (quasiment tout est industriel) vers le territoire des beaux-arts.

Si vous devez utiliser de la peinture, celle ci doit être utilisée plutôt dans un principe de recouvrement partielle ou totale d'un matériaux, ( mais pas comme un geste), il faudra la considérer également comme un matériaux à l'égal des autres.

Essayer de faire avec ce que vous avez, le format, la technique, le type de matériaux employés est a votre libre choix. Faites plusieurs essais et expérimentations. Les exemples que nous vous proposons reflètent une grande diversité d'approches et de possibilités.

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article

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Comment un artiste peut-il aujourd'hui traiter de la couleur ?

Peintre, sculpteur, "compositeur" d'événements diversement colorés, Antoine Perrot apporte une réponse spécifique.

Ses pigments, ses pinceaux, il les prélève dans le monde des objets manufacturés, produits en nombre par l'industrie. Ce monde-là, c'est celui d'où Marcel Duchamp préleva, il y a un siècle, ses fameux ready-made. Objets donnés et préexistants que l'artiste isole et désigne comme d'œuvres d'art.

C'est la couleur qui intéresse d'abord et avant tout Antoine Perrot. La dimension diversement colorée de ces objets de la société de consommation que nous utilisons quotidiennement.

Tous ces objets ont une couleur - spécifique. Il n'est plus alors à l'artiste qu'à récupérer et agencer ces couleurs "données", "toutes faites", et à les réorganiser dans l'espace de l'atelier ou de la galerie d'art. C'est bien alors la couleur qui est "ready-made". Produite par l'industrie. Reprise par l'artiste.

Celui-ci n'a plus qu'à empiler, accumuler tampons abrasifs, balais brosses, ganses et rubans de toutes sortes. Menus matériaux (ficelles, plastiques, gommettes, etc.). Et composer ainsi une toile, un tableau, une sculpture aux tons donnés et "reconnaissables".

Ces "ready-made" d'Antoine Perrot ont sans doute maintenant des caractéristiques qui leur sont propres et qui relèvent de la touche ou du choix (oserait-on dire du "goût") de l'artiste.

Il s'agit ici d'objets utilitaires, dérisoires, triviaux. Instruments ménagers. Eponges synthétiques. Sans compter ces rubans de toutes sortes dont nous faisons un si abondant usage.

Autre caractéristique propre à Antoine Perrot : le caractère violemment polychrome de ses œuvres. Les objets et matériaux repérés se déclinent de manière multicolore. Orange, bleu, rouge, jaune, vert, violet : les coloris repérés sont vifs. Et parfois même "fluos".

Quant aux œuvres - constituées de ces objets ou ustensiles, désitués ou enchâssés (pour faire tableau) au sein de simple cadres géométriques -, elles déclinent précisément l'arsenal entier de cette polychromie. Jour de bonheur n° 4 (2011) exhibe un set de table aux rubans tressés multicolores.

Cette attention portée aux caractères sensibles et sensoriels de l'objet est peut-être ce qui distingue la démarche d'Antoine Perrot de celle de Duchamp.

Privilégiant une dimension conceptuelle, celui-ci se méfiait de tout l'aspect rétinien de l'art. Ses objets ready-made ont certes une couleur. Mais ils ne furent pas choisis ou "prélevés" (car Duchamp se méfiait de toute visée par trop intentionnelle et esthétisante) en fonction de celle-ci, une certaine dimension a-tonale de l'art étant essentielle à la démarche duchampienne.

Les œuvres d'Antoine Perrot jouent enfin souvent sur des processus d'accumulations, de répétitions (de tampons abrasifs, de rubans, etc.). Sa démarche pourrait alors se rapprocher de celle d'Arman. Mais les couleurs de ce dernier proviennent d'objets très différents. Objets souvent "patinés", provenant de stocks de vieilles fabriques ou des marchés aux puces.

Les couleurs et les objets d'Antoine Perrot sont vifs, frais. Ils sont ceux de notre quotidienneté la plus immédiate. La plus actuelle. Ils sortent tout juste du rayon ménager de la supérette de notre quartier.

Il n'est plus alors qu'à les lire... autrement.
Site de l'artiste et exposition en cours

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Comment un artiste peut-il aujourd'hui traiter de la couleur ? Peintre, sculpteur, "compositeur" d'événements diversement colorés, Antoine Perrot apporte une réponse spécifique. Ses pigments, ses pinceaux, il les prélève dans le monde des objets manufacturés, produits en nombre par l'industrie. Ce monde-là, c'est celui d'où Marcel Duchamp préleva, il y a un siècle, ses fameux ready-made.

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texte Stephen Dean

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Stephen Dean recycle et interprète le monde de l'ordinaire. Ainsi les objets du quotidien (chemises, livres, journaux, nuanciers, etc.) deviennent autant de supports pour la peinture, offrant des perceptions à la fois familières et nouvelles. La couleur, comme matériau, permet à l'œuvre de se déployer, nous faisant éprouver une nouvelle expérience visuelle de l'objet. La lecture que le spectateur fait de l'œuvre varie en fonction de son positionnement dans l'espace. Les objets détournés jouent de l'écart entre un regard cognitif de près et une illusion à distance.

Pour sa nouvelle exposition personnelle à la Galerie Xippas, Stephen Dean présentera un ensemble de sculptures: des échelles en aluminium, entre les échelons desquelles sont placés des panneaux de verre dichroïque, -matériau qui suivant son épaisseur ou son inclinaison pourra apparaître de deux couleurs différentes-, saturant l'espace de projections colorées. Il poursuit ainsi la démarche développée dans ses œuvres antérieures -entre réalisme et illusion- qui consiste à détourner la fonction première des choses, par un effet de trompe l'œil.

Parallèlement, Stephen Dean présentera "No More bets" sa dernière vidéo. Filmée à Las Vegas, Mecque de la lumière artificielle, ville constamment occupée à produire une image d'elle-même, cette vidéo circule dans un espace sans échelle, allant du gros plan sur le filament d'une simple ampoule aux gigantesques écrans à cristaux liquides. Le flux des joueurs évolue dans ces multiples structures dont les images sont elles-mêmes issues: d'un écran de veille à une éruption volcanique, d'un néon aux émanations lumineuses de cette cité posée au milieu du désert. Les radiations colorées absorbent les silhouettes au rythme d'une musique hypnotique: le bruit du gain et du hasard.
Ce circuit saturé de couleurs agit sur le spectateur comme le ferait un prestidigitateur jouant avec l'attention de son public, pour déclencher illusions, vertiges, perte de conscience...
Comme dans ses deux précédents films, Pulse (2001) réalisé en Inde à l'occasion du festival de Holi et Volta (2002-2003) filmé au milieu des supporters de football du stade de Maracana à Rio de Janeiro, Stephen Dean traite l'évènement non pas sous la forme d'un documentaire mais sous celle de la peinture.

Stephen Dean est né en 1968 à Paris. Il vit et travaille entre Brooklyn et Paris. Il est représenté par Henry Urbach architecture à New York et Marcel Sitcoske à San Francisco. Il vient d'être nommé lauréat du Prix Altadis 2004. Ses vidéos ont été primées dans de nombreux festivals internationaux. Il participe actuellement à la 8ème Biennale d'Istanbul. Volta vient d'être présenté dans les sélections vidéocube de la FIAC. En 2002, il présentait Pulse à l'occasion de la Biennale du Whitney Museum de New York. Les films de Stephen Dean sont produits par Gloria films.

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Stephen Dean recycle et interprète le monde de l'ordinaire. Ainsi les objets du quotidien (chemises, livres, journaux, nuanciers, etc.) deviennent autant de supports pour la peinture, offrant des perceptions à la fois familières et nouvelles. La couleur, comme matériau, permet à l'œuvre de se déployer, nous faisant éprouver une nouvelle expérience visuelle de l'objet.

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livres

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Journal,peinture

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texte sur Erwan Ballan

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Né en 1970 en France - Vit en France

La peinture d'Erwan Ballan est une peinture polymorphe dans ses matériaux : tarlatane, miroirs, silicone teintée, bois, pattes métalliques, scoubidous... Tous ces éléments, combinés ensemble peuvent donner lieu à des objets picturaux. Cela implique, d'abord, une distance face à la peinture, aux matériaux traditionnels de celle-ci et aux objets produits par ces matériaux traditionnels. Les propositions d'Erwan Ballan tiennent, apparemment, plus à la picturalité qu'à la peinture ou plus à la picturalité qu'au tableau. Cette distance est le produit d'un doute sur lequel je reviendrai.
Il y a, ensuite, une hétérogénéité matérielle des œuvres. Elles apparaissent comme impures, composées d'éléments aboutés, gagnées par des proliférations inattendues ou gangrenées par des pâtes plastiques débordantes. Elles font coexister des registres antinomiques où le corporel s'ajuste sur du mobilier, où une froide distance métallique se laisse déborder par une coulée informe, où la distance d'une image en miroir est ajointée aux marques visibles du travail manuel. Loin de la pureté moderniste, Erwan Ballan utilise et réutilise tous les registres matériologiques et, avec eux, tous les registres expressifs, dans une peinture de la combinatoire, du recyclage et du montage - et qui dit recyclage, mixage ou montage suppose une transformation des signes utilisés et de leurs sens. Ainsi, citant Sergueï Eisenstein, Erwan Ballan affirmait indirectement : " Il ne faut pas créer une œuvre, il faut la monter avec des morceaux tout faits, comme une machine. Montage est un beau mot. Il signifie mettre des morceaux tout prêts 1. " C'est le cas de Thanks for all Lulu e.t.c.... qui combine un dripping de scoubidous s'échappant de blocs de couleurs informes eux-mêmes écrasés entre une plaque de verre et des structures de bois qui se dissimulent mal comme supports de l'épanchement coloré.
Non seulement, la peinture d'Erwan Ballan est polymorphe dans ses matériaux, mais elle produit des objets qui échappent à ce que la peinture produit traditionnellement : c'est-à-dire des tableaux. C'est ce qu'affirme l'artiste : " Ce qui a présidé et préside encore à mon travail, c'est l'impossibilité pour moi de considérer la toile et le châssis comme des espaces à occuper par une subjectivité. Il me semble que l'histoire de la modernité s'est élaborée par la déconstruction de ces espaces jusqu'à ce qu'il n'en reste à peu près rien d'eux qui n'ait pas été épuisé dans leur usage et leur signification 2."
On pourrait cependant penser qu'il s'agit de semblants de tableaux : le fait que ces œuvres soient accrochées au mur dans un rapport frontal au regardeur, à une hauteur qui est plus ou moins celle de son regard... permettrait d'envisager cette hypothèse. Mais plutôt que de tableaux, je crois qu'il faudrait parler d'anti ou de contre-tableaux. Souvent le mur est visible derrière l'œuvre - c'est le cas de celle du FRAC - ou des miroirs évitent que l'on s'absorbe dans la contemplation de ce qui fait face, que l'on s'y abîme, où la peinture déborde des limites données par le quadrilatère jusqu'à proliférer sur le mur et revenir emprisonner la plaque de verre telle une plante parasite ou bien des substituts de peinture viennent s'écouler en tas sur le sol. De plus, les œuvres d'Erwan Ballan laissent souvent apparaître leur machinerie, les bords et traces de fabrication. L'objet produit est d'abord une mise à distance de l'œuvre comme expression d'une subjectivité et de l'œuvre comme objet dont le but consisterait à méduser le regardeur. L'artiste désigne cette double mise à distance par le terme de " désillusionnisme pictural ".
La position est à la fois éthique et, donc, politique, ainsi que l'affirmait l'artiste dès 2002 : " Je conçois la peinture que je fais comme une peinture dont les conditions d'apparition seraient une gestion, c'est-à-dire une économie ou encore un "assemblage" de données historicisées et donc socialisées qui constituèrent le paradigme de la modernité en peinture, paradigme maintenant inactualisable. C'est une peinture qui, s'attachant à répondre à la question de l'impossibilité de peindre, s'oblige à reprendre à sa charge, en les assemblant, ces données de la peinture qu'un siècle de réduction moderniste, couplée et surtout exploitée par autant de capitalisme, ont réduit au rang d'objet de décoration ou servant celle-ci 3. "
Pourtant, malgré ce refus et cette double distance, l'œuvre laisse échapper des indices d'affects. Ainsi, les scoubidous dans Thanks for all Lulu, e.t.c.... ramènent, par le matériau, à l'enfance, " univers qui ne cesse de nourrir mon rapport le plus intime avec les matières, les gestes 4. ". Le titre, lui-même, est un hommage à sa grand-mère décédée et le e.t.c. ne signifie pas et cetera, mais fait référence à la comparaison que faisait Walter Benjamin entre la peinture et la marelle - autre jeu d'enfance - et les deux y sont, pour lui, entre " Enfer, terre et ciel et autres choses semblables ". Une dernière citation des propos de l'artiste éclairera, sans doute, ce rapport de l'enfance à la peinture : " Je me souviens par exemple de cette violence d'enfant (la mienne et celle de mon frère) par laquelle nous écrasions nos petites voitures sous les pieds d'un lit. Elles devenaient des amas de couleurs utilisables. Comme faire revenir dans la peinture quelque chose de semblable, où la "violence" réside peut-être moins dans la part de décision que dans la mise en œuvre de potentialités inédites des choses, des gestes qui les font s'articuler ensemble 5 ? "

Eric Suchère

1- Eisenstein cité par Erwan Ballan, Hors champs, Nantes, École Régionale des Beaux-arts, 2006, p. 4.
2- " Entretien avec Pierre Manuel ", dans Hors champs, op. cit. p. 42.
3- Briand-Picard, Claude et Perrot, Antoine (dir.), La Couleur importée, ready-made color, Paris, éditions Positions, 2002.
4- " Entretien avec Pierre Manuel ", dans Hors champs, op. cit. p. 42.
5- Ibid. p. 43.

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Né en 1970 en France - Vit en France La peinture d'Erwan Ballan est une peinture polymorphe dans ses matériaux : tarlatane, miroirs, silicone teintée, bois, pattes métalliques, scoubidous... Tous ces éléments, combinés ensemble peuvent donner lieu à des objets picturaux.

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aluminium, verre

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Silicone, verre, metal

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Silicone, verre, metal

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Silicone, verre, metal

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Silicone, verre, metal

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Jean Pierre Bredo (BE), Claude Briand-Picard (FR), Jacob Dahlgren (SE), Tina Haase (DE), Antoine Perrot (FR), Trevor Richards (AU), Benjamin Sabatier (FR), Roman Signer (CH), Anu Tuominen (FI), Beat Zoderer (CH)
Claude Briand-Picard. Au premier plan, " T.P.C. jaune, Bleu, Rouge " 2005-2008. Tuyaux et manchons, 90 x 190 x 120 cm, au second plan, " Bleu, blanc, rouge," 2003-2008. Sacs plastiques " Tati ", 177 x 752 cm.
Au premier plan une oeuvre de Tina Haase , sur le mur de la cloison une (...)

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Jean Pierre Bredo (BE), Claude Briand-Picard (FR), Jacob Dahlgren (SE), Tina Haase (DE), Antoine Perrot (FR), Trevor Richards (AU), Benjamin Sabatier (FR), Roman Signer (CH), Anu Tuominen (FI), Beat Zoderer (CH) Claude Briand-Picard. Au premier plan, " T.P.C. jaune, Bleu, Rouge " 2005-2008.

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sac plastique

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FragileN°7 - 2002/2016
filet de chantier

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bleu,blanc,rouge - 2004
sac Tati

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" Violet " 2007 Sacs plastique 150 x 120 x 10 cm

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sangle de camion

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Capc Bordeaux/Technique mixte

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One Line (horizontal), Two Circles Underneath

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Site web

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James Hyde's Artsite-list of current exhibitions, paintings by James Hyde, interviews, essays by Hyde, writings, biography, and contact info. This site contains over 100 images from the 1980's to present. Hyde is an artist who lives and works in Brooklyn, NY. (c) 2000

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Capc Bordeaux/Technique mixte

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